VIAJE HOLANDA SEMANA SANTA

INTRODUCCIÓN

El destino del viaje de este año llevamos mucho tiempo soñando con él, lo hemos llamado “Viaje al Corazón de la Primavera ”, el destino final es poder visitar el precioso jardín de Keukenhof en Ámsterdam.

Este año el parque está abierto desde el 21 de marzo al 19 de mayo, lógicamente hay que ir cuando la mayoría de los tulipanes y flores están en plena floración. Esto depende mucho de cómo haya ido la temperatura del invierno.

Este año es el que tiene la Semana Santa más retrasada y esto nos permitirá poder desfrutar del parque en plena ebullición, hemos decido sustituir nuestro tradicional viaje a Marruecos por el novedoso viaje por tierras holandesas.

En el parque de Keukenhof se plantan más de 7 millones de bulbos florales cada año. Los jardines y los cuatro pabellones donde se pueden ver una fantástica colección de tulipanes, jacintos, narcisos, orquídeas, rosas, claveles, lirios, azucenas y muchas otras flores.

Además de flores, queremos saber mucho más y nos gustaría ampliar los conocimientos sobre de la obra de Vicent van Gogh para ello queremos ver su museo de Ámsterdam y durante el regreso poder ir a la localidad francesa Auvers-sur-Oise al lado de París, ciudad donde murió el pintor.

EL VIAJE

Día 12 de abril (viernes)
Ruta Madrid- Nanclares de Oca Km. 343; tiempo 3h40'

Salimos un poco antes de lo previsto pensábamos dormir en Burgos pero nos da tiempo de llegar a la puerta del País Vasco, en Nanclares de Oca, cuando entras en estas localidades del norte de España, la vida tiene otra mirada.

El área de autocaravanas de Nanclares de Oca está situada en la avenida Langraiz, es gratuita, tiene servicios de carga y descarga de agua. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 42.8206782 W 2.7969693.

Nada más llegar nos disponemos a cenar, tenemos: el tortillón procedente de Dos Hermanas y los filetes de pollo empanado desde Madrid, de postre pestiños de Sevilla.

La noche terminó viendo el último capítulo de Abbey Dowton, os recuerdo que hace dos años paramos el visionado porque se nos estropeó la televisión. Ya hemos comprado una nueva y podemos volver a las actividades nocturnas en familia. Recordaros que íbamos por el capítulo en que la hija mayor se queda viuda y la niñera es despedida por agredir a los bebés. Después de un tiempo triste la hija recobra el deseo del poder, tiene la mayoría de la herencia familiar.

Día 13 de abril (sábado)
Ruta: Burgos-Loches (Francia) Distancia: 784; tiempo estimado 7 h 56

La mañana ha comenzado fría, pero qué muy fría, durante la noche hemos llegado a una temperatura de -2º grados y nos ha obligado bien entrada la noche poner la calefacción.

Para desayunar, lo clásico de los viajes, tenemos cola-cao con bizcocho casero que está muy rico.

A las nueve salimos, pararemos a repostar en la gasolinera de la frontera de Irún (GPS N 43.3163595 W1.8529952) porque en Francia el precio es, al menos, 20 cts., más caros y que decir más al norte. La verdad es que nos despistamos un poco y nos pasamos la frontera sin repostar.

El día no comenzó bien, nos pasamos la última estación de Repsol antes de cruzar la frontera. Sin darnos cuenta estábamos ya en Francia con el cartel de gazole 1,69 euros. Para poder repostar a buen precio hemos ido hasta Bayona donde hemos encontrado un centro comercial a un precio razonable 1,41€ en Intermarche.

El paisaje de Francia en esta época del año nos indica que estamos en primavera. El primer trayecto hasta Burdeos los suelos son pobres y salinos, llevan tiempo repoblando con pinos.

Más adelante, llegamos a la zona vinícola de Burdeos, las cepas están arrancando el ciclo de la campaña del año, ahora se pueden ver los primeros brotes.

Desde la autopista es difícil ver la hermosura del campo, pero tiene un verde especial, algunas zonas esta alfombrada de hierba y parece la campiña inglesa.

Destaca en esta época del año el color amarillo, al principio no alcanzamos ver que cultivo es el que da la tonalidad amarilla, luego descubrimos por una noticia en la prensa que se trata de colza.

Leemos que Francia planta anualmente 100000 hectáreas de colza y que este año ha tenido que destruir el 20% por que las semillas plantadas eran transgénica y el país tiene prohibido la plantación.

El paisaje dominado por el amarillo de la colza, el verde de la hierba, el azul del cielo y el blanco de las nubes hacen referencia a la realidad que le gustaba plasmar al pintor Van Gogh aunque incluso fuese por el uso de alucinógenos o drogas utilizadas en la época para disfrutar de una mayor libertad de percepción. Cuando la experiencia de las estaciones nos sorprende cada primavera con el espectáculo de los campos floridos de colza, pensamos en las etiquetas de la historia del arte, es una pena de no disponer de más tiempo para que nuestra cámara fotográfica se convierta en un gran lienzo para referenciar los saturados colores al óleo.

Los campos amarillos son hermosos y los poetas franceses les han servido de inspiración para hacer algunos pequeños poemas:

La gran marea amarilla sobre Francia indica que ya la primavera está aquí, el aire está caliente y los campos de colza iluminan el campo francés de su espléndido color amarillo, la floración durará varias semanas mientras que las flores florecen en grupos. Las abejas zumban y polinizan la corola, que consta de cuatro pétalos dispuestos en cruz, un signo de reconocimiento de la familia de los “crucíferos”. Es allí, en la parte inferior, donde los pequeños trabajadores con rayas vienen a extraer su néctar cargando polen. Una vez fertilizadas, las flores se convierten en finas vainas que contienen de 15 a 30 pequeñas semillas esféricas de color oscuro.

Para los agricultores de la zona, uno de sus principales atractivos es lo que se denomina “cabeza de rotación”, es decir, que su cultivo se puede plantar antes que el de los cereales, reduciendo así los fertilizantes, absorbiendo el nitrógeno en otoño; La presencia de colza, alternando con otros cultivos, puede interrumpir la persistencia de ciertas plagas y contribuir así a disminuir las aplicaciones de pesticidas. Así que aquí está una hermosa planta que no tiene miedo en presentarse como la Primavera de Francia hecha realidad.

Llegamos al valle del Loira y podemos apreciar por las carreteras comarcales la belleza de la Francia rural. Los cereales ya están plantados y los animales disfrutan de la semi-libertad.

Deciros que nuestro primer destino es la localidad de Loches, situada en el corazón del valle del Loira, ya sabéis que la zona es sinónimo de Castillos, seguro que no decepciona. Esta parte del país no es muy famosa pero si monumental.

La arquitectura nos ha dejado un poco descolocados, aunque las casas son típicamente francesas, pero hemos encontrado alguna que parecen sacadas de los Países Bajos. Mañana profundizamos en su descubrimiento.

Cuando llegamos a Loches vamos directamente al parking de autocaravanas P4, situado delante de la Policía Local , es gratuito, carece de cualquier servicio. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 47.1247651 E 0.9928849.

Como llegamos pronto aún tenemos tiempo de darnos una vuelta por el centro para descubrir la ciudad y hacernos una idea para la visita de mañana.

Por fin llegamos a Loches no os podéis imaginar lo bonito que es, nos ha dado tiempo a dar una vuelta por la ciudad medieval antes del anochecer.

La ciudad francesa de Loches está dominada por un imponente castillo, por lo que es un destino maravilloso para viajar en el tiempo. Pasear por sus calles es un privilegio, pues por aquí pasaron personajes tan importantes para el país como Juana de Arco.

Como todavía no ha anochecido damos una vuelta por la ciudad para hacernos una idea mañana de todo su esplendor. Comenzamos la visita por la amplia avenida de des Bas Clos hasta que llegamos a la céntrica plaza de Verdum, la preside el imponente edificio del Palacio de Justicia. En el lado contrario esta la iglesia de San Antonio, sin mucho interés. A la derecha, se encuentra la rue de Descartes que nos lleva hacia la parte más antigua, además, esta localidad tiene todo el sabor de los pueblo franceses, con sus pequeños comercios y sus bares con pequeñas terrazas. Un arco bajo una torre nos abre la entrada a la ciudad Real y al hotel de la Ville. La puerta se llama de Picois y la da nombre una casa de esa familia que estaba en ese mismo sitio, y en la actualidad corresponde a una parte de la muralla que se abrió en el siglo XV. En el siglo XVIII se la doto de un reloj que adorna el lado sur de la torre, proviene de la Iglesia de la Chartreuse du Liget. En el interior de la puerta hay una hornacina humilladero con la imagen de la Virgen y el Niño. Al lado la fantástica fachada del actual Ayuntamiento. Es un magnífico edificio renacentista del siglo XVI.

La cúpula de una iglesia nos dirige por la rue de Saint Antoine, la iglesia ya no está porque solamente quedan los restos de la antigua torre de la iglesia de San Antonio. Solamente se puede subir dos días al año.

La calle de la rue del Chateau nos conduce hacia la puerta Real construida en el siglo XIII y sirve de entrada, entre otros edificios, al Donjon, el Logis Royal, la colegiata de Saint-Ours y la casa de Lansye. La entrada es como sumergirse en otro siglo anterior, como tampoco queremos hacerlo, decidimos regresar para la cena. Continuamos por la rue Louis Delaporte hasta nuestro parking.

Para cenar tenemos un poco de todo, se podría llamar “sobras”, bueno más que sobras era compensar un poco los desequilibrios. Quedaban tortilla de patata, quiche, filetes de pollo y añadimos una empanada, queso y salmón, con un menú así cómo salir fuera a cenar.

Luego una agradable charla y para finalizar la noche otro de los capítulos de Dowton Abbey, trata de los comienzos del feminismo dentro del capitalismo porque la hija tiene la mitad de la acciones y se ha quitado el luto, esto va por el buen camino.

Una de las cosas que más me llama la atención de Francia en comparación con España es la vida en el mundo rural, y cómo ponen en valor todos sus monumentos y la vida en esas localidades más pequeñas, no necesitan para nada el motor económico de las ciudades, ellos atraen por si solos la gente hacia el campo, es una delicia ver el entorno de Loches, la vida en la ciudad es ordenada y dinámica, ayer pasamos por una decena de restaurantes, es verdadero un ejemplo de la vida rural.

Día 14 de abril (domingo)
Ruta Loches (Francia)- Zierikzee (Holanda); distancia 637 Km. tiempo 7h 57

Durante la noche la temperatura ha bajado muchísimo, hemos llegado a cero grados y nos vemos obligados a poner la calefacción al mínimo con esto los cambios de postura dentro de la cama ya eran más agradables.

Dormir en el interior de una autocaravana tiene cosas desfavorables, inseguridad, incomodidad, etc. Pero hay algunas que no os podéis imaginar, llevo toda la noche y mañana escuchando el cantar de diferentes pájaros ahora sobre nosotros hay un Cu cu ef, cu cu ef, el tío no para, eran tantos pájaros cantando que parecían la alarma de un móvil.

Otro punto favorable es poder levantarte cuando el aroma a café y a tostadas inunda la habitación, eso no tiene precio.

El día comienza por donde ayer lo dejamos, subimos hasta la puerta Real(GPS N 47.1268959 E 0.9971472) para comenzar nuestro recorrido por Loches. Se encuentra en la parte más alta de la ciudad sobre un promontorio.

La Puerta Real permite el acceso a la Ciudadela. Esta puerta data de los siglos XII y XIII. Fue terminada en el siglo XV con un edificio central y una terraza para los cañones. Por la Puerta Real puede accederse a la Ciudad Real para visitar la Torre del homenaje de la vivienda real, la Colegiata de Saint-Ours y la Casa Lansyer, o bien puede hacerse el recorrido por las murallas del boulevard de Felipe Augusto. Se puede acceder a lo alto de la Puerta Real por el jardín de la Casa Lansyer, desde donde puede contemplarse un panorama excepcional de la ciudad.

Después de atravesar la puerta, ante nuestros ojos aparecen las dos torres de la iglesia románica del siglo X, seguimos su estela hasta que llegamos a Collégiale Saint Ours una de las más bonitas que nuestros ojos hallan contemplado (GPS N 47.1266165 E 0.9998608).

Destaca en el interior el arco triunfal tan alto, tan alto que parece llegar al cielo, con esas líneas sobrias y puras que caracteriza ese momento del arte románico. Por un momento pensé que debía de ser igual a la desaparecida iglesia románica de Santo Domingo de Silos porque pude identificar muchas similitudes entre la decoración del claustro de Silos y la de la iglesia de Loches.

En un lateral esta la tumba de Agnes Sorel, era de mármol blanco, estaba frío pero su cara es tan bella que parecía estar viva. Si te fijabas en los pliegues del vestido parecía que se movían !vaya respiraba!. El artista renacentista había conseguido representar el movimiento, la vida. Todo un genio.

Os preguntaréis quien era esta Agnes Sorel, era la favorita de Charles VIII, el rey de Francia. Era tan guapa y hermosa que el rey no dudó en llevarla a un palacio para contemplarla. Tuvo tres hijos con el rey y el día de su muerte, el 9 de febrero de 1450, estaba embarazada de un cuarto hijo que no llevo a término. Toda la historia de esta mujer no la permitió descansar ni después de muerta, se convirtió en un ser incomodo, en una mujer libertina, su restos estuvieron siempre en controversia, incluso la Revolución la atacó y no ha sido hasta el siglo XXI en que se decidió que la “Puta más grande de Francia” y ahora considerada como la precursora del feminismo merecía estar durmiendo el sueño eterno en la nave lateral de la Colegiata de Loches.

El recibimiento a los fieles el día de Domingo de Ramos se realiza cantado acompañados con una trompeta y nosotros participamos como la gente lo había hecho desde hace más de 1000 años.

La historia de la colegiata de San Orso comienza en el siglo V cuando el ermitaño Ursus (Orso) fundó un monasterio en el promontorio rocoso que alberga la ciudad real de Loches. En 965, Geoffroy Grisonnelle, padre de Foulques Nerra, construyó la colegiata de Notre-Dame du Château para albergar una reliquia con el cinturón de la Virgen. El monumento actual es obra del prior Thomas Pactius. Data principalmente del siglo XII: se construyó una nave reforzada en el siglo XI.

La Colegiata Saint-Ours tiene un hermoso estilo románico con muchos capiteles decorados con motivos florales, animales fantásticos y personajes. Tiene un portal policromado totalmente tallado, pero muy mutilado. La Colegiata ofrece un perfil único de las iglesias de Francia: los dos campanarios están separados por dos cúpulas piramidales de ocho lados (llamadas localmente “doblajes”), fueron reconstruidas de manera idéntica en el siglo XIX.

Antes de la Revolución , el edificio se llamaba Notre-Dame Collegiate. Luego se convirtió en la iglesia parroquial de Saint-Ours, que era el nombre de una iglesia destruida, ubicada debajo. En 2005, la tumba de Agnès Sorel fue reemplazada al sitio original de acuerdo con la voluntad de la Dama de la Belleza.

En el interior la antigua nave del siglo XI fue reconstruida alrededor de 1160-1170 tanto por dentro como por fuera. Las paredes laterales del siglo XI fueron reforzadas por fuertes contrafuertes externos. Mientras que dentro, estaban ligeramente engrosadas. Luego fueron construimos las seis columnas unidas por arcos góticos de dos en dos donde se apoyaron las partes inferiores de las dos cúpulas piramidales.

De la entrada destaca el Pórtico románico del siglo XII que se levanta en el interior del nártex. Las mutilaciones han dañado seriamente una parte importante de la escultura.

Los relieves mutilados revelan, sin embargo, en el centro, una Virgen en majestuosidad que sostiene al Niño Jesús de rodillas. Además, José también está sentado en un trono de gloria. Luego vienen los tres sabios durmiendo bajo la misma cubierta.

Un ángel advertiría a los magos que no regresaran por Herodes. En el otro lado, los tres hombres sabios están adorando ante Dios.

El primer nivel de los arcos están decorados por monstruos y animales: liebres, monos, osos y los monstruos típicos del bestiario de la Edad Media. Un tema similar se puede ver en la capital de la Colegiata de San Denis en Amboise.

En el segundo nivel se puede ver: una sirena que sostiene un pez y una figura más raramente representada: un drac (hombre marinero con barba, que sostiene un pez, aquí ya no está). Ambos pueden, en segundo grado, ser considerados en imágenes románicas como guías para navegar en las profundidades del ser humano; los peces grandes están allí para indicar que la sirena y el drac evolucionan fácilmente en las profundidades.

En la parte externa de los arcos están a la dimensión representadas las alegorías de las siete artes liberales. Son unas mujeres jóvenes como: La dialéctica y tiene una su serpiente alrededor de la cintura. La Retórica sosteniendo un jarrón (destinado a una flor retórica). Gramática tiene en el hombro el temido hurón de los escolares. La Aritmética y su libro. La música y su arpa. La bella filología en su boda con Mercurio. Geometría portadora de una brújula grande. Astronomía llegando a dos estrellas.

En el interior podemos ver la tumba de Agnès Sorel aunque sufrió muchos cambios, especialmente durante la Revolución Francesa.

De acuerdo con el uso del siglo XV, cuando ella murió cerca de Jumieges, su cuerpo se dividió entre la abadía que recogió su corazón y la colegiata de Saint-Ours en Loches. Fue en virtud de la voluntad de la fallecida, que legó una gran parte de su propiedad a los monjes de la colegiada Saint-Ours, que recibieron el cuerpo embalsamado de Inés, bellamente peinado, y vestido con sencillez y sin joyas.

Un artista fue encargado por Carlos VII, muy lloroso, para tallar un monumento de gran elegancia. No sabemos quién fue este artista; Los historiadores dudan entre Michel Colombe, a quien debemos los niños de la catedral de Tours esculpidos para Ana de Bretaña, y Jacques Morel, otro escultor de la época. Tal vez sea la obra de un artista desconocido. Sin embargo, esta tumba recuerda extrañamente los monumentos diseñados por Jean Fouquet.

La estatua de alabastro sobre una amplia base de mármol negro, tiene unos epitafios grabados en el final de la Edad Media y cuyas letras góticas, una vez doradas, dicen:

“Aquí yace la noble mujer Agnès Seurelle de Roquesserière, de Issouldun y Vernon-sur-Seine, misericordiosa para con todas las personas y que en gran parte entregó sus bienes a la Iglesia y los pobres murió en la novena jornada de Febrero, del año de la gracia, MCCCCXLIX, se encomienda a Dios. Amén”

Originalmente, la cabeza estaba rematada por un dosel gótico extravagante, que sobresalía contra una placa de mármol negro sellada perpendicular a la tapa.

La representación de Inés muestra un rostro sereno, paciente y muy joven. Lleva un borde rematado por armiño y su cabello está cubierto con una corona que significa el título de duquesa que el rey Carlos VII la había otorgado, pero ella se había negado, probablemente para no agitar los celos y el resentimiento de que era objeto en la corte de Carlos.

El cojín o azulejo sobre el que descansa la cabeza está apoyado por dos ángeles y los muchos pliegues de la falda cubren una parte del cuerpo con dos corderos a sus pies que simbólicamente y recuerdan su nombre.

De acuerdo con los últimos deseos de la Dama de la Belleza , sus restos fueron depositados en un triple ataúd de roble, plomo y de roble, coronado por su figura de alabastro reclinado, se instalaron en el centro del coro de la colegiata de Saint-Ours.

Pero desde el reinado de Luis XI, los canónigos, olvidando los regalos de su benefactora, pidieron al hijo de Carlos VII, el desplazamiento del mausoleo, con el pretexto de que les impedía celebrar el culto.

Luis XI, quien odiaba la favorita de su padre, rechazó el permiso porque los canónigos habían heredado algunas de las propiedades de Agnès y habían prometido decir misas por el descanso de su alma.

Durante algunos siglos, la tumba de Agnès no se movió, y los canónigos tuvieron que vivir con ella. Su solicitud fue reiterada bajo el mandato de Luis XV, quien también rechazó que la estatua reclinada de la Dama de la Belleza fuera movida.

Es Luis XVI quien en 1777 autoriza el traslado a la nave lateral. Con el permiso del Arzobispo de Tours, el monumento se abre en una bóveda que contiene el triple ataúd. Y se puede apreciar los restos no descompuestos, los dientes en perfecto estado y el cabello rubio ceniza, trenzado en la espalda y trapeado en la parte superior, se retiran y se transfieren a una urna de arenisca. Todo se da solemnemente en la tumba que ha sido reconstruida a la derecha del coro.

En 1793, durante la Revolución , la tumba fue profanada. La urna es arrojada al cementerio del jardín del presbiterio actual, antes de ser recuperada, mientras que el monumento, fue desmontado, roto por los soldados, después de su paso es almacenado en un lugar seguro.

Bajo el Primer Imperio, el general de Pommereul, prefecto, que está interesado en la historia y la literatura, y que quiere borrar los atropellos recibidos por los restos de Inés, envía los restos a París, y autoriza la restauración al escultor Beauvallet, y se compromete a colocar la tumba en una especie de callejón sin salida, una habitación estrecha y oscura con enormes paredes, situada al pie de la mazmorra que sobresale de la ciudad y que está conectada al aguilón del castillo.

La puerta del nuevo santuario está rematada por un frontón adornado con el verso de Voltaire: “Soy Agnès, viva Francia y amor”. Monseñor de Barral, arzobispo de Tours, aprovechó la partida del prefecto general y la llegada de su sucesor, Lambert, para eliminar los poemas que Pommereul había compuesto al interpretar con demasiada libertad la historia.

Desde 1805 hasta 1970, el monumento permanece en su sótano, sujeto a la admiración de los visitantes cada vez más entusiastas y más numerosos que vienen a ver la tumba, catalogada como Monumento Histórico en 1892. Pero estas numerosas visitas suponen un nuevo riesgo para la tumba y, en 1970, ante la instancia de quienes creen que esta obra maestra estaría mejor en su lugar de origen, más visible y protegida del riesgo de degradación, en la residencia real del castillo de Loches, el traslado tuvo lugar el 4 de marzo de 1970.

Su último viaje se realiza a finales de 2004, el Consejo General de Indre-et-Loire decidió restaurar el respeto por los últimos deseos de Agnès Sorel: descansar por toda la eternidad en la colegiata Saint-Ours de Loches. Después de este largo deambular, los restos de la Dama de la Belleza encuentran a la colegiada en la primavera de 2005.

La iglesia tenía un principio una sola nave central y posteriormente fueron añadidas las naves laterales norte y sur. Se construyó una capilla de estilo gótico flamígero en la nave la izquierda, fue fundada en 1442 por Georges, Señor de Préaux, en Touraine, y Charprais.

En el transepto del lado sur de la iglesia se encontraba la capilla de San Pedro, más tarde se convirtió en capilla de Nuestra Señora de la Liberación.

Entre el mobiliario y los objetos decorativos que podemos ver se refieren a la historia de la Colegiata , muchos de ellos fueron instalados después de la Revolución.

En un absidiolo sur se puede ver un fresco, corresponde con el lugar con la antigua cripta del siglo XI. Tiene una inscripción “San Bricius” perfectamente visible y obedece a San Bricio, sucesor de san Martín en el episcopado de Tours, es representado con una cara redonda y barbuda, sobre su cabeza una aureola. El sostiene sobre la mano derecha un báculo y su mano izquierda bendice.

En otro absidiolo sur se puede ver la estatua en terracota a Nuestra Señora de la Entrega , esta datada en el siglo XVII, esta policromada. Ella debía de tener sobre el brazo derecho la imagen del Niño Jesús.

En el transepto norte se puede ver la tabla “Una característica de la vida de San Oso”, obra del pintor Ernestine Schwind, está datada1852, realizada en óleo sobre lienzo.

La pintura ilustra la lucha entre el poder temporal y el poder espiritual. Cabe señalar que el pintor representó a san Ours con su mano derecha y su dedo índice apuntando hacia el cielo, a su lado Silarius (después Gregorio de Tours) con su mano derecha mirando hacia el suelo.

En la cabecera de absidiolo norte está ahora la “Capilla de nuestra Señora de la Belleza” dentro de un marco verdaderamente románico.

Está presidida por la escultura de Nuestra Señora de la Belleza. Una historia local cuenta que, hace 900 años, un granjero vio a uno de sus bueyes lamiendo un gran avellano y ya no comía más. Intrigado, el pastor descubre una estatua de la Santísima Virgen tallada en el grosor del árbol. Lo corta y lo trae a casa. La multitud tiene prisa; Las oraciones dirigidas a la estatua son la fuente de muchos milagros. Se construye una capilla, se nombra un sacerdote. Y los favores de la Virgen continúan. La Revolución destruye el santuario. La estatua milagrosa encuentra un asilo en la colegiata de Loches.

Otro de los lienzos más importantes “María Magdalena”, realizado por un pintor anónimo , esta datado en el siglo XIX, dentro de un estilo realista en óleo sobre lienzo.

Se representa dentro de una cueva con los mismos atributos que otros santos: el libro abierto con lo hacen los evangelistas y doctores de la Iglesia ; la cruz acompaña a los seguidores religiosos, sobre todo a los miembros de una orden; y calavera simboliza el rechazo a los placeres de la vida; es el símbolo de los penitentes y ermitaños.

En la nave podemos ver “El lado de la Virgen ” obra de un pintor anónimo, datado en el siglo XIX, realizado en óleo sobre lienzo.

El cuadro describe los momentos difíciles y dramáticos de la virgen en el momento de la muerte de su hijo.

Desde aquí vamos andando al Palacio Real (GPS N 47.1247062 E 0.996627 ); el precio de las entradas 10,50€ y 8,50 los menores con entrada conjunto al Donjon; horarios de 9,00 a 19,00 horas.

La construcción del palacio Real data del siglo IX. Erigido quinientos metros por encima del río Indre, el castillo, famoso por su gran cantidad de metros cuadrados, domina el pueblo de Loches.?

Fue diseñado y ocupado por Enrique II de Inglaterra y su hijo, Ricardo Corazón de León, durante el siglo XII, el castillo sufrió los asaltos del rey francés Felipe II en su batalla por el control de Francia hasta que finalmente fue capturado por el rey en 1205. La reconstrucción inmediatamente convirtió a Loches en una enorme fortaleza militar.

El castillo se convertiría en una de las residencias favoritas de Carlos VII de Francia, quien se lo regaló a su amante, Agnès Sorel, para que viviera en él. Su hijo, el rey Luis XI, aunque había vivido allí durante su infancia, lo convirtió más tarde en una prisión estatal y estableció su residencia en el Castillo de Amboise.

Durante la Guerra de Independencia de los Estados Unidos, Francia financió la lucha entre lo que sería Estados Unidos contra Inglaterra, y el rey Luis XVI utilizó el castillo de Loches como prisión para los ingleses capturados.

Años más tarde, durante la Revolución francesa, el castillo fue saqueado y dañado severamente. Comenzó a restaurarse en 1806, pero en la actualidad sólo se pueden apreciar partes de las ruinas.

El edificio central del palacio es ocupado por la vivienda real, edificada sobre la punta del contrafuerte rocoso que domina todo el valle del Indre. Está vivienda real fue una de las favoritas de los Valois durante la Guerra de los Cien Años. Carlos VII hizo edificar el primer cuerpo de dicha vivienda inspirado en la arquitectura militar de finales del siglo XIV. Sus sucesores lo ampliaron con un segundo edificio cuya fachada fue decorada en estilo gótico flamígero. Tres mujeres ilustres dejaron su huella en la vivienda real: Juana de Arco, Agnès Sorel, favorita de Carlos VII y Ana de Bretaña.

El castillo celebra una exposición de uno de los personajes de su historia Ludovico Sforza. Como parte de la conmemoración de los 500 años desde la muerte del pintor de Leonardo da Vinci, la ciudadela real de Loches, en Touraine, presenta hasta el 22 de septiembre una exposición dedicada a los últimos años de Ludovic le More (1451-1508) que pasó por la cárcel de Loches.

Ludovico Sforza era Hijo de Francisco I Sforza, después del asesinato de su hermano Galeazzo se asoció con la regente, Bona de Saboya. Nombrado duque de Bari (1479), ocupó la regencia de su sobrino Gian Galeazzo con el apoyo de Fernando I de Nápoles. Mantuvo buenas relaciones con Lorenzo el Magnífico de Florencia y con el papa Alejandro VI. En 1491 se casó con Beatriz de Este, hija del duque de Ferrara. Mecenas de Leonardo da Vinci y otros artistas, su corte alcanzó un momento de gran esplendor. La esposa de su sobrino, Isabel de Aragón, recurrió a su abuelo Fernando I para recuperar el ducado, pero Ludovico resistió apoyado por Carlos VIII de Francia y el emperador Maximiliano I. En 1499 fue derrocado por Luis XII; apresado, en Novara (1500), fue encerrado en Loches, donde murió.

Ludovico Sforza o Ludovico “El Moro” (Ludovico il Morollamado así por tu tez oscura. A los 42 años se convirtió en Duque de Milán (1494-1499), y tomó parte en la primera y segunda guerras italianas (1494-1498) y (1499–1501). Se hizo famoso por ser mecenas de Leonardo da Vinci, aunque muchos entendidos plantean que si Leonardo no brilló más en su época fue por servir en extremo a Don Ludovico.

Ludovico Sforza nació en Vigevano, lo que hoy forma parte de Lombardía. Al ser el cuarto hijo de Francisco Francisco Sforza y Bianca Maria Visconti, no tenía acceso al trono de Milán. Sin embargo, su madre, Bianca, prudentemente, se encargó de que su educación no se limitara a las lenguas clásicas. Bajo la tutela del humanista Francesco Filelfo, Ludovico recibió instrucción en áreas como la pintura, escultura y letras pero también en las artes del gobierno y de la guerra.

Tras el asesinato del hermano mayor de Ludovico Galeazo María Sforza en 1476, la corona pasó a su sobrino de 7 años de edad Gian Galeazzo Sforza. Ludovico se apoderó del control del gobierno de Milán durante la minoría de edad de Gian Galeazzo, a pesar de los intentos de quitarle del poder.

Cuando Gian Galeazzo murió en 1494, Ludovico recibió la corona del ducado por los nobles milaneses el 22 de octubre. El mismo año él animó simultáneamente al rey francés Carlos VIII de Francia, y al emperador Maximiliano I, para que estuvieran implicados en la política italiana, esperando controlar a los dos y cosechar él mismo las recompensas; comenzándose las Guerras Italianas.

Las cosas no fueron como estaba planeado y, tras un enfrentamiento con el rey francés, se unió a la liga contra Carlos VIII, dando a su sobrina Blanca María Sforza en matrimonio al emperador Maximiliano I; recibió en compensación la investidura de duque.

Participó en la primera batalla con Francia en la Batalla de Fornovo en 1495 (fabricando armas con 70 toneladas de bronce, que originalmente se iban a utilizar para una estatua de Leonardo da Vinci).

En 1499 Luis XII de Francia, blandiendo sus derechos a la posesión del ducado de Milán como nieto de Valentina Visconti, planeó la invasión militar de Milán. Aliándose con la república de Venecia y con el papa Alejandro VI y su hijo César Borgia, ordenó formar un ejército que bajo el mando de los franceses Charles de Ligny y Robert Stuart d'Aubigny y el milanés Gian Giacomo Trivulzio partió de Lyon en agosto y avanzó hacia Milán con la intención de tomarla por la vía militar. Ludovico Sforza, ante la superioridad de las fuerzas francesas, salió de la ciudad y se refugió con sus hijos en Innsbruck, al amparo de Maximiliano I. Las tropas francesas ocuparon el ducado con facilidad, pero Ludovico regresó en enero de 1500 al frente de un ejército compuesto por soldados lombardos y mercenarios suizos y en un rápido contragolpe recuperó Chiavenna, Bellinzona, Bellagio, Nesso, Como y Milán. En abril del mismo año llegó frente a Novara, donde fue asediado por el ejército bajo el mando del francés Louis de la Tremouille , compuesto también en su mayoría por mercenarios suizos. Los suizos al servicio de Ludovico, rehusando luchar contra sus compatriotas del lado francés, llegaron a un acuerdo con éstos, y entregaron la ciudad a cambio de la satisfacción de sus pagas atrasadas. Ludovico intentó escapar disfrazado, pero fue hecho prisionero por los franceses y enviado al castillo de Loches, donde murió en prisión ocho años después. Su hermano Ascanio Sforza fue también hecho prisionero por los franceses cuando se disponía a socorrerle.

El comienzo de la relación de Ludovico con Leonardo da Vinci no está clara porque fue un gobernante de humilde origen entre cuyos ascendientes figuraba un leñador; dotada la familia de condiciones de mando y organización, pronto reunió un poderoso ejército de mercenarios que se pusieron al servicio del amo que pagaba mejor. Poseedores de una cuantiosa fortuna, los Sforzas no tardaron en alcanzar poder y prestigio, al contraer matrimonio con las hijas de nobles familias, adquiriendo territorios y castillos, y fomentando las ciencias y las artes a semejanza de los señores de otros lugares.

Uno de esos condottieri, nombre que recibieron tales aventureros, fue asesinado frente al pórtico de la catedral de Milán. Debía sucederle su propio hijo, pero el tío, Ludovico, redujo a prisión a la viuda y al niño, y se hizo cargo del Ducado. Ludovico era un hombre perverso y de pocos escrúpulos, pero capaz e inteligente. A pesar de haber sido depuesto y muerto en el exilio, su nombre es bien recordado en Milán porque fomentó las ciencias y las artes, satisfaciendo así los anhelos de superación cultural que por esos años reinaron en todas las ciudades de Italia. Leonardo tenía entonces sólo veintitrés años de edad.

Leonardo se dirige a Ludovico mediante la famosa carta del Códice Atlanticus, en la cual ofrece sus servicios a Ludovico el Moro manifiesta por primera vez su universalidad. No debe verse en ese texto la conciencia de posibilidades excepcional sino más bien una declaración de adecuación a un tipo humano frecuente en las cortes italianas, capaz, por la variedad; sus talentos, de servir a una política y de ilustrarla con el ejercicio de las artes.

La carta a Ludovico es una especie de resumen de todas las cosas que podía hacer sobre el arte de la guerra que sería fácil explicar mediante los apuntes de los ingenieros militares predecesores de Leonardo: los de Taccola, que fue llamado el Arquímedes sienés; de Valturio, que estaba en Rímini al servicio de los Malatesta; y de Francesco di Giorgio, en la corte de Urbino desde 1477. Esa carta se compone de doce rubros, muy detallados, en los cuales Leonardo se presenta como ingeniero militar capaz de construir un infinito número de máquinas para el ataque y la defensa. En la décima proposición agrega: “En tiempo de paz, creo poder realizar tan bien como cualquier otro, trabajos de arquitectura, construcción de edificios públicos y privados y la conducción de aguas de un lugar a otro”. Sólo al final cita sus cualidades de pintor y de escultor, y propone al duque: “También podré realizar el caballo de bronce que dará gloria inmortal y eterno honor a la feliz memoria del Señor vuestro padre y a la ilustre casa Sforza”.

El Príncipe Ludovico proyecta erigir un digno monumento a sus padres y, de acuerdo con sus órdenes, le ha pedido a Leonardo que haga un modelo para un gran caballo de bronce montado por el duque Francesco de armadura. Dado que Su Excelencia piensa en algo maravilloso que supere todo lo conocido, me ha pedido que os escriba para preguntaros si tendríais la amabilidad de mandarle uno o dos artistas florentinos especializados en este tipo de trabajo. Parece ser que, aunque ya le ha hecho el encargo a Leonardo, no confía en que este llegue a ejecutarlo.

El artista e ingeniero estaba empeñado en fundir la gigantesca estatua de una sola pieza de forma que no se apreciaran las junturas que suelen afear las obras realizadas, pero aquello suponía un reto nunca realizado hasta la fecha. Para solventarlo, ideó un sistema original mucho más complejo que el del moldeado a la cera perdida que se empleaba entonces.

Pero por desgracia para Leonardo —y para la Historia del Arte—, cuando al fin se disponía a realizar el moldeado, descubrió que las setenta toneladas de bronce destinadas para tal fin ya no estaban disponibles, pues habían sido utilizadas para algo que entonces parecía más urgente: fundir cañones que sirvieran para la defensa de la ciudad.

En el interior podemos ver el “Retrato de Carlos VIII, realizado al óleo sobre lienzo, está datado en el siglo XIX.

Carlos VIII era de constitución frágil, su padre Luis XI deseaba garantizar una sucesión estable, por ello se preocupó por su salud, así como de su educación dándole por maestro al humanista Guilleume Tardif. Heredó el trono a la muerte de su padre, a la edad de trece años, pero hasta su mayoría de edad el reino estuvo bajo la regencia de su hermana Ana de Beaujeu y de su cuñado Pedro II de Borbón.

Se casó con Ana de Bretaña que tras invadir el rey Carlos VIII de Francia el ducado, fue forzada a casarse con él firmando un pacto por el que, en caso de no tener ningún hijo, debía casarse con el siguiente heredero al trono francés. Carlos estaba prometido con Margarita de Austria; sin embargo los regentes rompieron el compromiso y lo prometieron a Ana, heredera del ducado. Si con ello la corona francesa renunciaba al Franco-Condado y al Artois, ganaba a Bretaña y quedaba así convertida en “un hermoso reino, donde ya no tenía que temer a nadie”.

Se comprometieron en la bóveda de los jacobinos en Rennes. Después, escoltados por su ejército (supuestamente para demostrar que ella había aceptado de buen grado el matrimonio), fueron a Langeais a casarse. Aunque Austria hizo protestas diplomáticas, alegando que el matrimonio era ilegal porque la novia no estaba disponible, ya que estaba legalmente casada con Maximiliano, y que Carlos estaba comprometido legalmente a Margarita de Austria, hija de Maximiliano, se celebró la boda en el castillo de Langeais el 6 de diciembre de 1491.

El matrimonio, no gozó de buenos auspicios inicialmente, pero permitió a Carlos liberarse de la tutela familiar y asumir las riendas del reino. El 8 de febrero de 1492, Ana fue coronada reina de Francia y consagrada en Saint-Denis. Su esposo le prohibió utilizar el título de duquesa de Bretaña. La reina residiría en el Clos Lucé, que Carlos adquirió para ella.

El segundo matrimonio de Ana empezó mal: ella trajo dos camas cuando vino a casarse, y el rey y la reina a menudo vivían separados. La prohibición de Carlos del uso del título de duquesa de Bretaña, se convirtió en la manzana de la discordia entre ambos. Cuando su esposo luchó en las guerras de Italia, la Regencia la ejerció su hermana, Ana de Beaujeu. Embarazada la mayor parte de su vida de casada, Ana vivió principalmente en los castillos de Amboise, Loches y Plessis o en las ciudades de Lyon, Grenoble o Moulins (cuando el rey estaba en Italia). Posteriormente se convirtió en reina de Sicilia y reina titular de Jerusalén, con la conquista de Nápoles por Carlos VIII.

Quizás el personaje más relevante de la historia del palacio fue Agnès Sorel, ya hemos visto su tumba en la Colegiata y nos ha permitido conocer al personaje después de muerta.

Pero en vida se hizo famosa por el cuadro de “La Virgen de la Leche” que la representa en pleno esplendor, dicen que poso con el busto desnuda para el pintor de Jean Fouquet, se encuentra expuesto en el Museo de Bellas Artes de Amberes. Esta mujer tenía una piel blanca transparente con un pelo rubio, el cuello largo y fino que tanto gustaba a la realeza. La obra fue encargada por uno de los hombres de confianza del rey, el caballero Etienne Chevalier, que lo quería nada más y nada menos que para decorar su sepulcro.

Otros retratos muestran a Agnès siguiendo la forma de depilarse el pelo alrededor de la cara para crear una frente más grande y arrancar las cejas casi por completo. El primer retrato que sobrevivió de una amante real es el de Inés, pintado en 1449, una época en que los retratos seculares no eran todavía comunes, y muchos de los ricos y famosos artistas de la iglesia aún sobornados para pintar sus cabezas como santos.

Naturalmente, los piadosos en la corte fulminaron los excesos de esta mujer con el rey, al igual que algunos nobles.

Aunque Agnès se deleitaba con los lujos de su posición, era conocida por su amabilidad. Sus cinco cartas existentes se ocupan de ayudar tanto a los desafortunados como a los animales heridos. Su contemporáneo, Monstrelet el Cronista, escribió de ella: “Así que esta Inés tenía una forma de vida muy caritativa y liberal en la entrega de limosnas, y de sus posesiones que distribuyó ampliamente entre los pobres, la iglesia y los mendigos”.

Pero el hijo del rey, Louis, no se preocupó por su amabilidad y la odió con toda la fuerza de su alma tempestuosa. A su madre, la reina María, no parecía importarle el control de Agnès sobre el rey. Con cara de hurón, piadosa y madre de catorce hijos, incluso era la madrina de los tres bastardos reales de Agnès, mientras que Louis se enfureció por la deshonra.

Cuando era príncipe de Francia era muy inteligente y un gran guerrero, a los diecisiete años se hizo cargo de la defensa de la región de Languedoc en el sur de Francia contra los ingleses. Impaciente por suceder a su padre, a quien consideraba débil y derrochador, criticó la política de Carlos y reprochó a la amante real que tenía mucha más influencia sobre el rey que él.

Louis culpó a Agnès por su alejamiento con su padre. Un día, en 1444, el príncipe se encontró con Agnès en el palacio y gritó: “Por la pasión de nuestro Señor, esta mujer es la causa de todas nuestras desgracias”, y la golpeó en la cara.

Cuando el rey desterró a Louis de su presencia, el delfín intentó liderar una rebelión que fue sofocada rápidamente. Carlos exilió a su hijo al sureste de Francia, donde gobernó como soberano y gobernó bien. Pero nunca dejó de conspirar contra su padre y puso sirvientes para espiar a Inés. Cuando el rey envió el ejército para arrestarlo, Louis saltó por la ventana y se dirigió a la corte de Borgoña. Allí le escribió a Carlos que volvería, pero solo con la condición de que Carlos exiliara a Agnès

El delfín dijo a sus compañeros: “El rey maneja sus asuntos tan mal como es posible. Tengo la intención de poner las cosas en orden. Cuando regrese, alejaré a Agnès y pondré fin a todas sus locuras y las cosas irán mucho mejor de lo que son ahora”. Tal vez fue un nuevo complot de los delfines el que Agnès advirtió al rey Carlos. Y tal vez esa es la razón por la que Louis, que tenía numerosos sirvientes de Agnès a su cargo, y posiblemente a su médico, es posible que la envenenara. El envenenamiento por mercurio fue sin duda lo que la mató.

Los científicos analizaron la tumba de Agnès descubrieron en el fondo de la urna que durante el embalsamamiento, la cavidad abdominal de Agnès se había llenado de granos, bayas, especias aromáticas, pimienta negra, hojas fragantes y ramitas de morera. Esta fue la fuente del extraño aroma que endureció el aire tan pronto como abrieron la urna. También encontraron los diminutos huesos de un bebé de siete meses de gestación. No pudieron determinar si el envenenamiento por mercurio causó el nacimiento prematuro del bebé, o si Agnès fue envenenada durante o después del parto.

Por un azar en la vida hoy es domingo de ramos y todo el pueblo acude a la portada para recibir a Jesús. No podríais imaginar cómo es la portada románica policromada de la iglesia, en lugar de santos y doctores aquí se representa la mayor colección de animales mitológicos del románico, arpías, leones con alas, monos, dragones todos los seres vivos que atormentaban a la gente de la época.

En el palacio se exponen unas réplicas de las pinturas “Viaje a Génova” ilustrado por Jean Bourdichon.

El manuscrito se encuentra en Bibliothèque Nationale de France, hecho 1510-1520. Cuenta el viaje de la expedición de Luis XII contra Génova, enero-mayo de 1507, después de su rebelión. El texto es de Jean Marot, poeta y secretario de la reina, quien siguió al rey a Italia. Ilustrado por Jean Bourdichon. Bourdichon siguió escrupulosamente el texto de Marot. También prestó gran atención a los detalles de ropa y emblemas. El volumen está decorado con 11 miniaturas de página completa.

Después visitamos el Jardín Real, tiene una superficie de setecientos metros cuadrados, consta de dos espacios separados por un muro de plantas hecho de mimbre.

El jardín está rodeado de fortificaciones. La valla es un elemento esencial en el trazado de los jardines medievales.

El primer espacio, la antecámara, te invita a descansar y relajarse en sus bancos de césped a la sombra de la morera, es un jardín señorial, propio de un rey.

El segundo está compuesto en el centro de una fuente y de ocho cuadrados delimitados. Cada cuadrado representa un color, allí está el jardín de plantas sencillas, aromáticas, productos medicinales y herbales (herbularius), huerto (hortus), una parte se dedica al cultivo de cereales, para la alimentación del hombre y del ganado.

Se cultiva la lavanda, ya se utilizaba en la Edad Media para perfumar el agua del retrete. Su poder desinfectante se utiliza en las mansiones para luchar contra la peste.

Marchamos hasta el Donjon, era la Torre del homenaje, célebre por sus dimensiones (36 metros de altura), por su extraña forma cuadrada y por su conservación. Esta torre romana fue erigida por Foulques Nerra, conde de Anjou, autor del año Mil (1013-1035). Es un perfecto ejemplo de la arquitectura militar realizada en Occidente. La fortaleza, del siglo XI fue transformada en cárcel real en el siglo XV por Luis XI. Alberga los calabozos de Philippe de Commynes (reconstrucción de la jaula de madera forrada de hierro) del Cardenal Balue y del duque de Milán Ludovico Sforza que realizó varias pinturas murales durante su encarcelamiento. En 1926 el torreón dejó de ser una cárcel.

La Torre del homenaje está flanqueada por otra torre llamada la “Torre de Luis XI”, edificada durante el Renacimiento para uso exclusivamente militar, fue construida con el fin de permitir los disparos de un cañón realizados desde su terraza.

Desde el siglo XV el rey lo transforma en la cárcel del Estado, lugar donde se mandan los presos políticos hasta 1801. A partir de esa fecha se convierte en prisión departamental. Principalmente dedicada a presos comunes hasta el 27 de diciembre de 1926.

Entre los presos políticos encarcelados en Loches , uno de los más famosos es el duque de Milán, Ludovic Sforza. Encerrado por orden de Luis XII, pasa cuatro años, de 1504 a 1508, en una torre de la fortaleza. Como la mayoría Presos políticos, el apodado Ludovic El Moro es tratado con distinción. Su celda equipada con letrinas está amueblada y climatizada por una chimenea. Según la tradición popular, su bufón traído especialmente desde Milán le hace compañía. Si está enfermo, es tratado por un médico. Puede puede caminar por el patio e incluso puede asistir a los servicios religiosos en la Colegiata.

Apasionado por las artes, este protector de Leonardo da Vinci se ocupa de decorar su celda. Es tan serio que encima de la chimenea tiene su retrato con el casco en la cabeza como un día de batalla. Adorna los muros y la bóveda de su celda con pinturas. Utiliza tres colores: el amarillo, rojo y gris azulado. La mejor parte conservado está en la pared de la cara oeste donde también encontramos el perfil pintado de Sforza y la sentencia CELVI QVI NET NO CONTAN.

La celda con forma de jaula tenía una alfombra en el suelo, pero también cortinas en los laterales para evitar el frío de la pared. El prisionero más famoso de haber probado la jaula en Loches es el cardenal Balue, obispo de Angers, ministro de Luis XI fue encarcelado en Loches por traicionar a su rey en 1469.

La última jaula del castillo de loches fue destruido durante la Revolución.

En las paredes los presos hacían graffitis o dibujos. Estos indican que obedecen a testimonios populares, a menudo muy vivos en aspectos específicos: la sociedad, religión, política, tristezas, alegrías, sufrimientos ... Estos se hacían en el muro de la mazmorra, en los pasillos, sobre las puertas, ventanas, etc.

En las escrituras hay nombres, frases, poemas. Expresan reclamos, acusaciones, súplicas, pensamientos filosóficos. En la mazmorra, según los tiempos y los residentes las inscripciones están escritas en latín, alemán, catalán, inglés, francés (antiguo o moderno).

El desgaste por el tiempo y el borrado manual, a menudo, hacen estos escritos difíciles de descifrar , incluso son ilegibles, algunas palabras o conjuntos las palabras son sujeto de múltiples interpretaciones como el famoso cuadrado mágico llamado Sator cuadrado. Este misterioso criptograma sagrado que encontramos hasta en Pompeya habría servido de señal de movilización a los primeros cristianos perseguidos por Neron.

Aquí, como en muchas fortalezas medievales, hay un tema recurrente: la religión. Nada más lógico porque es un lugar utilizado como prisión durante casi cinco siglos. La fe debe proporcionar fuerza para soportar la humillación, el sufrimiento y la privación de libertad.

Aparecen escenas religiosas grabadas, cruces, crucifijos y varios símbolos que requieren buen conocimiento de los evangelios. De hecho, las referencias al cristianismo que lo hacen, no se limitan solo a la cruz latina. Hay representaciones de santos: Santa Margarita montando un dragón, san Cristóbal cargando a un niño sobre sus hombros o San Pedro con su cruz hacia atrás.

Además de referencias espirituales, recuerdos de la vida cotidiana también están presentes en estas antiguas prisiones. Podemos admirar dibujos de edificios, molinos, castillos o animales. También de ciervos, pájaros, caballos. A pesar de la lejanía del océano, están grabados varios barcos de aguas profundas. Estas naves equipadas con varios mástiles y puertos, pueden indicar la posible presencia de encarcelados o que simplemente han pasado por el calabozo.

La sala de graffiti todavía está en inventario porque todos los registros no se han terminado. La llamada sala de graffiti de la torre Luis XI se está haciendo un estudio en profundidad que ha permitido escenificar, gracias a la museografía un magnífico friso tallado en las cuatro paredes de la habitación. Estos relieves representan trece personajes en brazos y una pesadilla. Todos están fechados en la segunda mitad del siglo XVI.

Estos hombres son soldados, milicianos, presos que están equipados con diversas armas: alabardas, dagas, espadas, arcabuces o mosquetes. Están vestidos según la moda del tiempo. Llevan un doblete en cuya parte abdominal llamada Panseron alarga el busto. Llevan un arnés en forma de pan de azúcar, sombrero muy de moda en este momento.

Estos bajorrelieves parecen haber sido creados por una y la misma persona. Por la unidad en el entorno y en la escena y el diseño de las inscripciones lo demuestran.

Aquí finaliza nuestra visita a la ciudad monumental de Loches, nos hubiera justado profundizar un poco más la visita pero queremos llegar esta tarde hasta Holanda. De todas formas, llevamos una grata sorpresa porque hemos conocido una parte de la historia de Francia que desconocíamos.

Después de ver todo esto marchamos a comer, habíamos comprado una docena y media de ostras a un precio de 7 euros, las abrimos pacientemente y de segundo plato luego unos filetes con pimientos asados.

Antes de partir buscamos una estación para repostar en la ciudad porque una vez en la autopista francesa los precios se disparan.

Llegamos a la parte industrial donde se encuentra la gasolinera del centro comercial Super U (GPS N47.1340891 E0.981310). El precio es de 1,435€ unos 20 céntimos más barata que en la autopista. Aprovechamos para limpiar la autocaravana y vaciar el agua de la grises en la estación de lavado.

Comenzamos nuestro viaje hacia el norte de Francia, los primeros 50 km los hacemos por varias carreteras comarcales sin problemas, con un ancho bueno y sin muchas rotondas . Enseguida cogemos la A-10 que nos conduce hasta París.

Atravesar París siempre es sinónimo de problemas, y en esta ocasión no lo iba a ser menos. El tom tom nos saca por la N 118, en esos momentos totalmente atascados, en lugar de continuar por la A 6B hasta tomar la A-3 en dirección a la frontera. La consecuencia es que perdemos más de una hora en atravesar París y nos va a impedir llegar a nuestro destino en Holanda a una hora prudencial.

Reprogramamos el viaje y decidimos quedarnos en una población cercana a la frontera antes de abandonar Francia, nos quedamos en Arras en una posible área de autocaravanas.

Cuando llegamos a Arras son pasadas las 23,00 horas, estamos ya cansado y con ganas de descansar, pero vemos que el área de autocaravanas está completamente llena e incluso en los alrededores hay varias autocaravanas, nos hacemos un hueco y pernoctamos sin problemas.

El área de autocaravanas en Arras (Francia) se encuentra situada en la calle rúe des Rosati, está equipada con servicios de vaciado, llenado y electricidad. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N50.29498 E2.7883311.

Día 15 de abril (lunes)
Ruta: Arras (Francia)- Zierikzee (Holanda); distancia 210 KM.;tiempo 2h 35'

Cuando nos despertamos vemos como hemos pasado la noche, entramos en el área de autocaravanas para un reset vaciar y llenar porque después de Francia todo esto es mucho más complicado.

Antes de entrar en Bélgica buscamos donde repostar y llenar el depósito. Entramos en el centro comercial de Super U (GPS N 50.3055289 E2.9516882), precio gasoil 1,441€ litro.

Salimos pitando con la intención de ganar el tiempo perdido ayer, nos separan en estos momentos 210 km de nuestro primer destino en Holanda, tardamos hasta mediodía en llegar.

Tenemos que cruzar Bélgica con su paisaje que nada nos gusta porque tiene una mezcla de rural e industrial con una contaminación importante debido a todas las chimeneas industriales.

Entramos en la provincia de Zelanda por un nuevo túnel de peaje, es la primera carretera de pago que conocemos en Holanda, a la salida pagamos 7,45€ pero la verdad nos ahorramos un montón de kilómetros.

Vamos directos al área de autocaravanas en Zierikzee que teníamos señalado que se encuentra a la salida de la localidad (GPS N 51.6568992 E 3.9123034 ), pero antes de llegar vemos un parking con varias autocaravanas, es gratuito y se encuentra muy cerquita del centro urbano. Como no pensamos pernoctar allí nos quedamos, el problema de este parking es que es complicado respetar las rayas de suelo pero encontramos uno donde podemos dejar la trasera de la autocaravana en la acera, sin molestar.

El parking para autocaravanas en Zierikzee (Holanda) se encuentra situado en la calle Hatfieldpark, es gratuito, no tiene limitaciones y se encuentra a unos 500 metros del centro histórico. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N51.65238 E3.91047 .

La ciudad de Zierikzee se encuentra situada en la provincia de Zelanda, en la antigua isla de Schouwen, donde se localiza una pequeña y coqueta ciudad. Llena, asimismo, de historia porque alcanzó fama mundial por ser un rico punto dedicado al comercio.

Esta actividad le reportó grandes riquezas que, en su momento, hicieron posible que se construyesen algunos de los enclaves más importantes de la villa: el hermoso puerto, los molinos, la iglesia, el ayuntamiento y las siempre necesarias murallas con sus respectivas puertas.

Durante bastante tiempo se creyó que el nombre de Zierikzee derivaba de la palabra Sirichahe (agua de Siri, el hombre que en teoría habría construido su casa en el río Gouwe, que separaba la isla de Schowen de Duiveland). Empezó a crecer como ciudad durante los siglos XI y XII, pero no sería hasta el siglo XIV cuando conseguiría su gran explosión gracias al comercio de pescado y a la producción de sal.

Sin embargo, este éxito comenzó a sufrir un retroceso al siglo siguiente, cuando el río Gouwe se obstruyó e impidió el correcto acceso a la ciudad; sería en el siglo XVI cuando por fin se construyese un canal que conectaba la ciudad con el Oosterschelde, lo que sin duda fue de gran ayuda a la hora de aumentar la prosperidad de la ciudad debido, sobre todo, a la pesca de arenques y al comercio con las Indias Orientales Neerlandesas.

Caminamos hacia el centro urbano, tenemos el primer contacto con la arquitectura urbana de los Países Bajos. Las casas en esta parte de Zierikzee son unifamiliares todas en ladrillo visto, donde se puede apreciar por el tipo de ladrillo las que son de nueva construcción de las más antiguas, todas forman un bloque homogéneo. La calzada es empedrada y una parte de ladrillos con pequeñas aceras. En las casas destacan la gran cristalera que permite desde la calle ver su interior, en alguna están decoradas con objetos artísticos. Utilizan el mismo tipo de las Beguinas (monjas) por eso esta tipología de casas se las llama Beguinajes flamencos, están construidas como los antiguos beaterios con altas chimeneas y agudos tejados lo que describe una ciudad muy pintoresca con una arquitectura muy singular.

Aunque no es muy conocida pero la ciudad de Zierikzee está dentro de la historia de España. El asedio de Zierikzee fue una de las batallas de la Guerra de los Ochenta Años, ocurrida en 1576, donde españoles y holandeses combatieron en la ciudad de Zierikzee, en Flandes.

En mayo de 1575, Felipe II de España, harto del conflicto de Flandes, pues estaba perdiendo mucho dinero en ella, decidió tomar conversaciones de paz con los rebeldes protestantes. Aceptaría que los tercios españoles se replegarían de sus posiciones, pero no toleraría que los protestantes siguiesen en su territorio, deberían convertirse al catolicismo. Y como para el rey era más importante la materia religiosa que los dineros y el ejército, y como ni los unos ni los otros llegaban a un acuerdo en la materia religiosa, no hubo paz.

Entonces el rey, dio orden a Luis de Requesens, gobernador de Flandes que hiciera una gran ofensiva contra la provincia de Zelanda, con el objetivo de tomar un puerto rebelde para que pudieran llegar suministros desde España, en barco. Luis de Requesens decidió tomar el puerto de Zierikzee, situado en la isla de Schouwen, en la orilla izquierda del río Escalda.

Zierikzee era una nueva prueba para los tercios; desde 1572, los holandeses habían defendido la fortaleza valientemente y la habían reforzado cada vez más, construyendo nuevas fortificaciones.

En el asalto, primero tuvieron que tomar un fortín que estaba en la isla de Bommenze, que encabezó el maestre de campo Sancho Dávila y donde se dice que un mosquetero cuyo apellido era Toledo, desenvainó la espada, cogió una rodela y cargó contra el enemigo en las murallas, sus camaradas al verlo hicieron lo mismo y es así como culminó el asalto al fortín, tras seis horas de combate, en los que los españoles mataron a todos los rebeldes holandeses y los españoles perdieron unos cien hombres, sin contar con los heridos.

Tomado el fortín de Bommenze, los holandeses se vieron en apuros y recurrieron a romper los diques cercanos y anegar todo el territorio. Los españoles, a pesar de esto, bloquearon la ciudad. Guillermo de Orange intentó varias veces romper el cerco y llevar suministros y víveres a los cercados, pero no lo consiguió.

Al final, la guarnición de la ciudad, perdida toda esperanza de obtener del exterior refuerzos decidieron rendirse y pagaron 200000 florines para salir con vida.

Llegamos andando guiados por lo que ellos llaman Dikke Toren o Torre de San Livino, se trata de una enorme torre, son los restos de la antigua iglesia Sint-Lievenskerk (GPS N 51.6501267 E3.9144175) . Desgraciadamente está en restauración, llena de andamios, nos conformamos con imaginar el exterior y el interior.

En el jardín, a los pies de la torre, se halla el monumento (GPS N 51.6499868 E3.9142258) llamado “Reflujo e inundación”, esta datado en el año 2002, construido en acero inoxidable.

Dos formas redondas de acero inoxidable forman una espiral del artista y diseñador Piet Seghers de Velp (1923-2016) le dio el nombre de “Eb and Vloed”. La estatua es un regalo del grupo Royal Zeelandia de Zierikzee. Con motivo de su centenario, se ofreció a Schouwen-Duiveland por el entonces alcalde de Asselbergs de este municipio.

En el mismo jardín vemos una estatua dedicada a Pieter Mogge (1698-1756), obra de Marian van Puyvelde, ubicada en Nieuwe Kerk, realizada en bronce.

Pieter Mogge nació el 29 de diciembre de 1698 en Zierikzee en Meelstraat. Como hijo de un regente de Zierikzees, también estaba destinado a una carrera en el gobierno. Pieter fue a la escuela latina en su ciudad natal y estudió leyes en Leiden y Utrecht. De vuelta en Zierikzee, su carrera administrativa comenzó con la de Heemraad van Schouwen. Se convirtió en una de las personas más ricas de su tiempo.

Llegamos a la parte más bonita de la ciudad constituida por la plaza Mayor, aquí se llama Havenplein, destaca el edificio del ayuntamiento (GPS N 51.6498222 E3.921159).

El monumento más destacado de la plaza es Gasthuiskerk of Kleine Kerk, corresponde con la iglesia protestante. Tiene una galería porticada con ocho arcos que soportan los ventanales. En la fachada se puede ver un altorelieve que hace referencia al pasado marinero de la población.

La plaza ahora convertida en peatonal tiene en uno de los extremos un canal que corresponde con el antiguo puerto, para llegar hay que atravesar el muro defensivo instalado con su correspondiente puerta.

La puerta más importante de entrada a la ciudad Zuidhavenpoort (GPS N 51.6476513 E 3.9251781), tiene un edificio de tres pisos, a los que se puede llegar a través de una torre de escalera colocada contra el edificio. La puerta está construida con ladrillo visto. Las figuras se pueden ver en el lado norte y sur. Los albañiles hicieron uso de ladrillos verdes esmaltados. Las piezas de piedra natural están hechas de piedra Tournai. La piedra blanca de Brabante se coloca en las esquinas. Inicialmente, la puerta tenía un pesaje abierto. La rampa tenía un parapeto detrás del cual los defensores podían tomar sus posiciones. Gracias a las cuatro torres expandidas, los defensores pudieron mirar directamente más allá de las paredes de la puerta y disparar si fuera necesario. Inicialmente, la puerta tenía un techo con forma de carpa.

En 1772, la puerta se embelleció con una torre hexagonal abierta con una veleta coronada por un Triton en la parte superior. Tiene el viejo carillón del ayuntamiento que se colgó en la torre en 1964. Las campanas fueron levantadas en 1550-1554 por Peter van den Gheijn de Mechelen. También es el carillón más antiguo de nuestro país. Los sonidos alegres se dispersan sobre las cabezas de los habitantes y especialmente a los entusiastas de los deportes acuáticos cada media y a las horas en punto.

A ambos lados de la puerta se encuentra la muralla defensiva, probablemente se construyó a finales del siglo XV y tiene un pasillo cerrado por una hermosa torre. El exterior está provisto de piedra natural de Brabante, que es mucho más dura que el ladrillo y, por lo tanto, más resistente a los ataques del exterior. El pasaje hacia el puerto fue inicialmente cerrado por un puente de piedra, que fue reemplazado por dos puentes de medio giro, con una sección de plegado entre ellos.

Desde aquí continuamos andando por el margen del río Nieuwe Haven hasta que llegamos al gran Molino (GPS N 51.6462345 E 3.9165314 ), conocido como Den Haas, no hay pérdida porque se ve desde cualquier sitio.

Mill Den Haas es un molino de harina de 1727 en Bolwerk en Zierikzee. Construido sobre una plataforma de piedra redonda con tres pares de muelas y un vuelo de 23,80 metros.

Alrededor de 1600 se construyó un molino de soporte en Bolwerk, que fue demolido en 1723. En 1726, los propietarios de la fábrica de postes De Flesse también solicitaron permiso para la demolición. Esto fue para construir un nuevo molino en el sitio, el molino de maíz Den Haas.

Hasta 1953, la molienda se realizaba regularmente, después de lo cual el molino cayó en mal estado. En 1984, el municipio de Schouwen-Duiveland se convirtió en el dueño del molino y se restauró. En 1987 se volvió a poner en servicio el molino. El molino funciona casi todos los viernes.

Hoy es lunes y esto es un mal día en Holanda porque no abren nada, el comercio abre de forma irregular, en este pueblo son pocas las tiendas que están abiertas. Seguimos dando una vuelta por toda la ciudad descubriendo sus rincones más bonitos.

Regresamos andando hasta el parking donde hemos dejado la autocaravana, se llama Parkeeterrein Hatfieldpark y continuamos viaje. Antes comemos tranquilamente, tenemos de primero salmorejo y después paella, de postre fruta.

Nuestro siguiente destino era la ciudad de Haarlem pero con el tiempo perdido decidimos saltarnos la visita y marchamos directamente a la ciudad de Lisse para ver mañana su famoso parque Keukenhoft.

Hemos consultado con las previsiones meteorológicas y nos indica que el mejor día de la semana para poder ver Keukenhoft es mañana, se espera un día soleado, sin nubes y una temperatura máxima de 20ºC.

La distancia por carretera entre Zierikzee y Lisse son 121 km y tardamos en hacer el recorrido poco menos de dos horas.

Sabemos que el parking de Keukenhoft no permite la pernocta de autocaravanas pero conocemos que el ayuntamiento de Lisse tiene preparado una zona donde se puede aparcar las autocaravanas.

Cuando hemos llegado entramos en un camino donde había aparcadas, en fila, cientos de autocaravanas, al otro lado están los campos de tulipanes de distintos colores, es un espectáculo único. Al entrar en este camino nos cuesta un poco ver aquella realidad, la zona asfaltada es estrecha y solamente permite el tránsito de un vehículo en ambos sentidos, en el lado derecho están valladas y perfectamente indicadas la limitación del aparcamiento porque se encuentra la ribera de un canal; en el lado izquierdo están colocadas las autocaravanas y otro pequeño canal que hace de divisoria con los grandes campos de tulipanes. Al principio pensamos que pueda estar todo completo, afortunadamente después de recorrer un gran trozo del camino encontramos dos huecos, dicho y hecho, no hay que pensarlo dos veces.

El parking de autocaravanas en la localidad de Lisse (Holanda), el camino se llama Zuider Leidsevarrt, es gratuito, aparentemente no tiene ninguna limitación y carece de cualquier tipo de servicios. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 52.2830589 E4.5389224.

Nos quedamos inmovilizados y decidimos no movernos para descansar. Para la cena tenemos pizza y tomamos un poco de fiambre.

Día 16 de abril (martes)
Ruta: Keukenhof – Ámsterdam; distancia Km 52; tiempo 0,41'

Nada más levantarnos desayunamos entre el canto de los pajarillos, aunque no hay árboles pero si pájaros y otros más grandes que sobrevuelan nuestros techos con sonidos amenazantes.

Hoy como he dicho llegamos al “Corazón de la Primavera ”, se llama Keukenhoft, es un gran parque que solamente se abre 2 meses al año para que puedas ver la mayor colección de flores del mundo.

Para la visita al Parque Keukenhof hay varias opciones, una es dejar aparcada la autocaravana aquí, en el aparcamiento de Lisse, y marchar andando hasta la entrada del parque, son unos mil metros, es la opción que nosotros elegimos.

La otra, es coger la autocaravana e ir hasta el parking oficial de visita a Keukenhof GPS N 52.2677435 E 4.5481004 precio de la entrada 18 euros y 17 si las sacas por la web; 6 euros el parking; horario de 8,00 a 19,30 horas.

La historia de Keukenhof comienza en el siglo XV cuando la condesa Jacoba van Beieren [Jacqueline de Baviera] (1401-1436) recolectó frutas y verduras en una zona llamada Keukenduin (el significado era el huerto de la cocina) para la comida del castillo de Teylingen. Posteriormente se construyó el castillo de Keukenhof en 1641 y la propiedad creció para abarcar un área de más de 200 hectáreas.

Más adelante, los arquitectos paisajistas Jan David Zocher y su hijo Louis Paul Zocher, que habían diseñado el Vondelpark de Ámsterdam, rediseñaron los jardines del castillo en 1857. El parque fue construido siguiendo el estilo paisajístico inglés que era la moda en Europa, y esto pasó a ser la base del actual parque de Keukenhof.

En el siglo XX en 1949, un grupo de 20 de los principales productores y exportadores de bulbos de flores idearon el plan para utilizar la finca a modo de exhibición de las flores durante la primavera, lo que señalaba el nacimiento de Keukenhof como un parque de primavera. El parque abrió sus puertas al público en 1950 y fue un éxito porque atrajo a 236.000 visitantes solo en el primer año. Esta tendencia ha ido creciendo hasta llegar al 1.000.000.

En la actualidad Keukenhof es el mejor escaparate internacional e independiente para el sector de la floricultura holandesa, con un énfasis de atención al apartado de los tulipanes. Durante ocho semanas, Keukenhof muestra lo que el sector florícola holandés ha podido avanzar en el desarrollo del cultivo de flores. El centro del parque está en los 7 millones de bulbos que florecen en primavera, que permiten a las 100 empresas participantes mostrar su catálogo en vivo. Además, unos 500 agricultores de flores presentan una enorme variedad de flores cortadas y macetas en las más de 20 exposiciones de florales que se realizan en el parque.

En estos momentos Keukenhof es la plataforma para el sector florícola holandés. Hay que entender a la floricultura como emprendimientos de producción masiva de plantas por diferencia con la jardinería.

Keukenhof es un gran escaparate como cualquier feria del sector establecer contactos negocios. Los eventos comerciales para los productores también se organizan regularmente. Keukenhof tiene fuertes vínculos con todas las organizaciones relevantes en los sectores de la floricultura y el turismo.

El parque se organiza entorno a los bulbos pero aquí los tulipanes no están solos. En el interior conviven con árboles centenarios, lagos, setos, arbustos y lo mejor. Todo está perfectamente organizado para que las personas pasen un gran día contemplando la belleza de unos paisajes difíciles de copiar, diseñados al detalle por los mejores paisajistas para seducir a todo el que pasa por aquí. También está todo pensado para que los niños disfruten del contacto con la naturaleza. No sólo por el colorido, sino por lo bien cuidado que está todo.

Aunque parezca que los tulipanes son una flor de prosperidad también ha tenido la leyenda negra, el peor periodo de la explotación comercial de las flores se llamó “Tulipomanía” o crisis de los tulipanes fue un periodo de euforia especulativa que se produjo en los Países Bajos en el siglo XVII, en los años anteriores a 1637. El objeto de especulación fueron los bulbos de tulipán, cuyo precio alcanzó niveles desorbitados, dando lugar a una gran burbuja económica y una crisis financiera. Constituye uno de los primeros fenómenos especulativos de masas de los que se tiene noticia.

Varios factores explican el origen de la tulipomanía neerlandesa. Por un lado, el éxito de la Compañía Neerlandesa de las Indias Orientales y la prosperidad comercial de los Países Bajos, y por otro, el gusto por las flores, especialmente las exóticas, que se convirtieron en objeto de ostentación y símbolo de riqueza.

A su vez, y por razones que en aquel tiempo se desconocían, los tulipanes cultivados en los Países Bajos sufrían variaciones en su apariencia, naciendo así los tulipanes multicolores, irrepetibles, lo que aumentaba su exotismo y por tanto su precio. Hoy se sabe que la causa de ese fenómeno era un parásito de la flor, el pulgón, que transmite un virus a la planta conocido como Tulip Breaking Potyvirus.

El tulipán –procedente de la actual Turquía, entonces Imperio otomano, donde tenía connotaciones sagradas y adornaba los trajes de los sultanes– fue introducido en los Países Bajos en 1559. De hecho, la palabra «tulipán» procede del francés turban, deformación del turco otomano tülbent, viniendo este término del persa dulband y significando todos turbante.

Aunque han sido halladas evidencias del uso ornamental en el al-Ándalus del siglo XI que indican una introducción en Europa más remota en el tiempo, la versión tradicional atribuye su difusión al embajador austriaco en Turquía, Ogier Ghislain de Busbecq, en el siglo XVI. Ogier era un floricultor entusiasta, y cuando regresó a Europa en 1544 llevó consigo algunos bulbos a los Jardines Imperiales de Viena. Más tarde, en 1593, el destacado botánico Carolus Clusius dejó su trabajo en los Jardines Imperiales para tomar un cargo de profesor de botánica en Leiden (Holanda), hasta donde llevó una colección de bulbos de tulipanes que crearon un gran interés y entusiasmo.

Clusius comenzó a cultivar tulipanes de variedades exóticas: sin embargo, celoso de su colección, los mantenía guardados. Pero una noche alguien penetró en su jardín y robó sus bulbos. El suelo arenoso holandés, ganado al mar, resultó ser el idóneo para el cultivo de la planta, y el tulipán se extendió por todo el territorio.

Para mucha gente los tulipanes pueden parecer inútiles, sin olor ni aplicación medicinal, floreciendo sólo una o dos semanas al año. Pero los jardineros holandeses apreciaban los tulipanes por su belleza, y muchos pintores lo preferían como motivo para sus cuadros.

A pesar de que se intentó controlar el proceso por el cual los tulipanes monocromos se convertían en multicolores, los horticultores holandeses no fueron capaces, de manera que lo aleatorio del exotismo contribuyó a elevar progresivamente el precio de cada bulbo. Las variedades más raras eran bautizadas con nombres de personajes ilustres y almirantes de prestigio. En la década de los años veinte del siglo XVII el precio del tulipán comenzó a crecer a gran velocidad. Se conservan registros de ventas absurdas: lujosas mansiones a cambio de un sólo bulbo, o flores vendidas a cambio del salario de quince años de un artesano bien pagado. En 1623 un sólo bulbo podía llegar a valer 1000 florines neerlandeses: una persona normal en Holanda tenía unos ingresos medios anuales de 150 florines. Durante la década de 1630 parecía que el precio de los bulbos crecía ilimitadamente y todo el país invirtió cuanto tenía en el comercio especulativo de tulipanes. Los beneficios llegaron al 500 %.

En 1635 se vendieron 40 bulbos por 100.000 florines. A efectos de comparación, una tonelada de mantequilla costaba 100 florines, y ocho cerdos 240 florines. Un bulbo de tulipán llegó a ser vendido por el precio equivalente a 24 toneladas de trigo. El récord de venta lo batió el Semper Augustus: 6000 florines por un solo bulbo, en Haarlem.

En 1636 se declaró una epidemia de peste bubónica que diezmó a la población neerlandesa. La falta de mano de obra multiplicó aún más los precios, y se generó un irresistible mercado alcista. Tal fue la fiebre, que se creó un mercado de futuros, a partir de bulbos aún no recolectados. Ese fenómeno fue conocido como windhandel (“negocio de aire”), y se popularizó sobre todo en las tabernas de las pequeñas ciudades, a pesar de que un edicto estatal de 1610 había prohibido el negocio por las dificultades de ejecución contractual que generaba. Pese a la prohibición, los negocios de este tipo continuaron entre particulares. Los compradores se endeudaban y se hipotecaban para adquirir las flores, y llegó un momento en que ya no se intercambiaban bulbos sino que se efectuaba una auténtica especulación financiera mediante notas de crédito. Se publicaron extensos y bellos catálogos de ventas, y los tulipanes entraron en la bolsa de valores. Todas las clases sociales, desde la alta burguesía hasta los artesanos, se vieron implicados en el fenómeno.

El 5 de febrero de 1637, un lote de 1.000.000 de tulipanes de gran rareza se vendió por 90.000 florines: fue la última gran venta de tulipanes. Al día siguiente se puso a la venta un lote de medio kilo por 1250 florines sin encontrarse comprador. Entonces la burbuja estalló. Los precios comenzaron a caer en picado y no hubo manera de recuperar la inversión: todo el mundo vendía y nadie compraba. Se habían comprometido enormes deudas para comprar flores que ahora no valían nada. Las bancarrotas se sucedieron y golpearon a todas las clases sociales. La falta de garantías de ese curioso mercado financiero, la imposibilidad de hacer frente a los contratos y el pánico llevaron a la economía neerlandesa a la quiebra.

La visita al parque comienza por la entrada que ellos llaman Entrada Extra, planificamos la visita comenzando por la amplia avenida en sentido de la izquierda, es una primera aproximación al parque cargado de tulipanes.

Nada más entrar enseguida se llega al pabellón de Beatrix Keukenhof tiene el lema “PODER DE LA FLOR ”

En el pabellón de Beatrix además de flores se exponen diseños de moda y muebles de diseñadores holandeses. Los diseños principales de diseñadores como Ronald Kolk, Maria Marcus, Jan des Bouvrie y Jan Jansen se presentan en varias etapas. Podemos ver más de 1800 flores cortadas y 800 plantas en maceta, estos diseños han cobrado vida y se le ha dado importancia a la exhibición floral.

La combinación de flores anturios, orquídea y medinella constituye la esencia del pabellón de Beatrix. La cantidad de flores con todas las formas y colores es abrumadora para muchas personas y la gran variedad de flores sorprende a las personas. Puedes ver juntas muchas más de las que nunca hubieras pensado que existían.

Pero si algo sobresale el pabellón Beatrix es por la reina de las flores la orquídea, donde puede ver la mayor variedad de flores de esa especie del mundo reunidas en un espacio de 1000 metros cuadrados.

Las orquídeas conforman la familia más grande de las plantas con flores, con alrededor de 20.000 especies divididas en unos 800 géneros distribuidos por todo el mundo. Son una familia cosmopolita, que se halla distribuida desde dentro del círculo polar ártico hasta Tierra del Fuego y las islas al sur de Australia. Se hallan ausentes solamente en los desiertos verdaderos y en los polos. Son más diversas en las regiones tropicales, donde frecuentemente son epifitas.? No obstante, la mayoría de las especies se encuentran en los trópicos y subtrópicos, desde el nivel del mar hasta los 5000 msnm, en casi todos los ambientes. En algunos ecosistemas son el elemento dominante, particularmente en hábitats deficientes en nutrientes. Solamente existen dos ambientes en la tierra donde no prosperan estas plantas, los polos y los desiertos de arena. Son más diversas en las regiones tropicales, donde frecuentemente son epifitas. La mayor cantidad de especies se distribuyen en las regiones tropicales, particularmente en áreas montañosas, las cuales representan barreras naturales y aíslan a las diversas poblaciones de plantas, lo que ocasiona la formación de un elevado número de endemismos. Algunas áreas con una marcada predominancia de orquídeas son las islas y el área continental del sudeste asiático, Ecuador, donde hay unas 3500 especies descritas? y Colombia. La masa atlántica brasilera cuenta con, aproximadamente, 1500 especies descritas.? Otras áreas importantes son las montañas del sur del Himalaya en la India y China, las montañas de América Central y el sudeste africano, notablemente la isla de Madagascar.

Su capacidad para adaptarse es notable, ya que pueden crecer tanto a nivel del mar como en los páramos elevados. Muchas viven sobre los árboles (epifitas), otras lo hacen sobre las rocas (litófitas), otras sobre la tierra y algunas especies se desarrollan incluso en ambientes subterráneos. A pesar de lo que mucha gente cree, no son parásitas, ya que no se alimentan del árbol donde viven, sino que lo usan como medio de soporte y como vehículo para alcanzar la luz del sol. Algunas sólo miden unos pocos centímetros y otras pueden tener el porte de un árbol. Sus flores pueden ser tan diminutas que resulta imposible observarlas a simple vista, mientras que otras llaman poderosamente la atención.

Las formas, colores y fragancias de las orquídeas son el resultado de su evolución concertada entre especies con los animales polinizadores. En la imagen se observa una flor de Coryanthes leucocorys, especie que ha desarrollado uno de los mecanismos más complejos de polinización, por medio de una bolsa llena de líquido.

Ilustración de la polinización de Angraecum sesquipedale por una polilla hipotética de larga proboscis. El dibujo fue realizado en 1867 por Alfred Russel Wallace, siguiendo la predicción realizada por Charles Darwin de 1862. En 1903 fue descubierta la polilla en Madagascar y bautizada como Xanthopan morganii praedicta.

Por lo general, las orquídeas florecen una sola vez al año, siempre por la misma época, la cual está determinada por factores ambientales tales como la disminución o elevación de la temperatura, el incremento de las horas de luz, los cambios de estación y las variaciones en la humedad ambiental. Las flores pueden permanecer abiertas desde un día (el caso de Sobralia) hasta más de tres meses (como en Paphiopedilum y Phalaenopsis). Los híbridos artificiales pueden florecer dos o más veces al año.

El 97 % de las especies de orquídeas necesitan de un polinizador para que se lleve a cabo la transferencia de los granos de polen de una planta a los pistilos de otro individuo y, por ende, para que se produzca la fecundación y la formación de las semillas. Se debe tener en cuenta que el polen de las orquídeas se halla agrupado en masas compactas llamadas polinias (singular: polinario), de tal modo que por sí solo, o por acción del viento, el polen no se puede dispersar de una flor a otra por lo que los polinizadores son imprescindibles para asegurar su reproducción sexual.? Estos polinizadores son muy variados y, según cuál sea la especie en cuestión, pueden ser moscas, mosquitos, abejas, avispas, coleópteros y aves (especialmente colibríes).

La zoofilia que caracteriza a las orquídeas presupone que los animales polinizadores visiten las flores de manera regular y se detengan en ellas el tiempo suficiente; que las anteras y el estigma sean rozados o tocados con cierta frecuencia y que el primero quede adherido a los visitantes de modo tan perfecto que pueda llegar con la debida seguridad a los estigmas de otras flores. El resultado de la zoofilia depende esencialmente de que los animales puedan reconocer las flores desde una cierta distancia y de que se vean compelidos a visitar durante un cierto tiempo las flores de la misma especie. Las flores zoófilas, entonces, deben poseer productos atractivos (cebos, como el polen y el néctar), medios de reclamo (tales como olores y colores) y, además, polen viscoso o adherente.

Muchas especies de orquídeas recompensan a los polinizadores con alimento (como por ejemplo, néctar, pelos alimenticios o aceites) y otros compuestos, tales como ceras, resinas y fragancias. Estas recompensas, a su vez, refuerzan la conducta de los polinizadores. No obstante, la especialización en un solo tipo de polinizador para asegurar una transferencia más eficiente de polen, determinó una creciente especialización morfológica y estructural en las flores de las orquídeas para garantizar la atracción de una sola especie de insecto.

Por esa razón, las flores de las orquídeas son de formas extremadamente variadas y pueden atraer a una amplia variedad de insectos (abejas, avispas, moscas, mariposas, polillas) así como a pájaros, murciélagos o sapos para la polinización. Algunas atraen visitantes generalistas, pero muchas están bastante especializadas, atrayendo sólo a una o unas pocas especies como polinizadores. Polen, néctar, o fragancias florales pueden ser empleadas como recompensadores de la polinización, mientras que algunas flores (por ejemplo Cypripedium) manipulan a sus polinizadores y no proveen ninguna recompensa, y algunas especies de Ophrys y Cryptostylis mimetizan la forma y el olor de las hembras de abejas, avispas, o moscas, y son polinizadas cuando los machos tratan de aparearse con la flor (fenómeno llamado pseudocopulación).

Generalmente, el labelo funciona como una plataforma de aterrizaje y provee señales visuales o táctiles que orientan al polinizador. La polinia se adjunta al cuerpo del polinizador, y muchas veces es depositada en el estigma (usualmente una depresión en la parte de abajo de la columna) de la siguiente flor visitada. El género Coryanthes tiene un labelo como un bolsillo que se llena con un fluido secretado por la columna, una abeja que cae en este fluido debe viajar a través de un túnel, forzando la deposición del polinario en su cuerpo. La transferencia de polen dentro de la polinia es una aparente adaptación para asegurar la fertilización de muchos del tremendo número de óvulos. En algunas especies la polinización es un evento bastante poco común, y las flores pueden permanecer funcionales y vistosas por muchos días. El marchitamiento del perianto ocurre rápidamente solo después de la fertilización. Angraecum sesquipedale, una orquídea de Madagascar, también es conocida por su biología de la polinización. Esta especie presenta un espolón de 20 a 35 cm de largo, y es polinizada por una mariposa esfíngida, Xanthopan morganii praedicta con una probóscide de esa longitud, un hecho que Charles Darwin había predicho antes del descubrimiento de tal polinizador.

En la mayoría de las especies las pequeñas semillas, que son como polvo, son dispersadas por el viento y requieren nutrientes provistos por un hongo micorrícico para poder germinar. Algunos miembros de Cypripedioideae y Vanilloideae poseen frutos carnosos que fermentan in situ liberando compuestos fragantes (por ejemplo la vainillina) que atraen a pájaros y mamíferos, que actúan como agentes de dispersión.

Estas semillas están formadas por un embrión constituido por pocas células, cubiertas por una testa muy dura. El número de semillas puede variar de 13.000 a 4.000.000 por cápsula.. Estas semillas no poseen endosperma y consisten de un pequeño embrión suspendido dentro de una membrana, comúnmente transparente, aunque en ocasiones pigmentadas. Las formas de las semillas pueden ser muy variables, existiendo elípticas, filiformes, fusiformes, redondas, globulares o prominentemente aladas. Todas estas características aparentemente maximizan la fecundidad y la efectividad en la dispersión por el viento de las semillas de orquídeas. La germinación de estas semillas tiene lugar por medio de un proceso que es diferente al de la mayor parte de las angiospermas, porque los embriones de orquídeas son, desde un punto de vista anatómico y estructural, extremadamente reducidos y simples. Los embriones de orquídeas germinan y crecen hasta producir una masa de células llamada «protocormo». Estos protocormos, con sus «rizoides» (estructuras en forma de raíces) pueden o no de inmediato comenzar a fotosintetizar. No obstante, para que el protocormo sobreviva, se desarrolle y se transforme en retoño, primero debe establecer una relación simbiótica con un hongo.

El papel que desempeña el hongo es el de suministrar azúcares al protocormo (especialmente a aquellos que no poseen clorofila). El hongo obtiene el azúcar de secciones del substrato (suelo u otro objeto sólido que sirva de organismo huésped a la planta) de la orquídea, es decir, la corteza de un árbol o del suelo. El protocormo, a su vez, provee al hongo con ciertas vitaminas y un hábitat donde vivir. El hongo vive en área del protocormo y del substrato. Con el tiempo, el joven retoño comenzará a producir sus propios nutrientes y la simbiosis no será más necesaria.

A la salida paseamos por la zona cercana al pequeño canal que rodea el parque, está zona ha sido decorada con coches semienterrados, donde las flores los atrapan desde afuera hasta el interior.

Llegamos a una de las zonas más fotografiadas del parque, es el molino de Keukenhof, proviene de Scharmer, fue construido en 1892 como un molino para trabajar en sacar aguas del pólder. En 1957, el molino se trasladó al sitio de Keukenhof, como regalo de Holland-America Line. En el Keukenhof, el molino es de uso decorativo. El molino está en funcionamiento y tiene un vuelo de sus aspas 17,90 metros y una altura de bastidor de 6,1 metros. Está cubierto con techo de cuero.

Esta zona del molino es una de las más hermosas del jardín porque tienes la posibilidad de subir a la terraza volada del molino y descubrir en el horizonte los inmensos y coloridos campos de cultivo del tulipán y por la otra parte el colorido parque de Keukenhof, os puedo asegurar que no defrauda subir al molino.

Es difícil describir desde lo alto del molino sientes las palabras muchas veces no se acercan a la realidad, bonito, precioso, impresionante, maravilloso muchas ves se acercan a la realidad, pero no terminan de decirlo todo. Desde el promontorio del molino los colores de las flores son increíbles… cuando uno piensa en una flor amarilla no se puede imaginar que el amarillo sea un verdadero mar de color amarillo. Y por supuesto ver esa variedad de flores tan grandes y bonitas que mezclan el amarillo con el naranja, el rojo con el blanco o el blanco con el violeta. Es todo un espacio visual digno de poder contemplarse.

Un poco más adelante hay un espacio expositivo que en esta ocasión sigue el lema de este año Flower Power, el poder de las flores, intenta inspirarse en el movimiento hippie, Su estilo fue la psicodélica y la multiplicidad de colores inspirados en las drogas alucinógenas de la época y que se plasmaba en: moda, artes gráficas y sobre todo en la música, en cantantes como Janis Joplin y en bandas como Grateful Dead, Jefferson Airplane y Pink Floyd entre otras.

Aquí las flores inspiran a las personas. En Keukenhof, las flores conectan a personas de todo el mundo que disfrutan de los tulipanes, los aromas y los colores. Holanda es mundialmente famosa por los hermosos campos de bulbos de flores y todos los tipos de flores que se cultivan allí. Con colores brillantes, hippies que representan la paz y música, Flower Power impregna la atmósfera de principios de los años 70. Un tema maravilloso para celebrar el mismo numero del 70º aniversario de Keukenhof y el Flower Power, el poder de las flores!.

Llegamos a la zona de los niños aquí se puede ver que todo está pensado para el disfrute de los más pequeños. Además de miles y miles de flores en Keukenhof hay una pequeña granja donde se puede acariciar a un poni, dar de comer a un conejo o acariciar una cabra. Y puedes pasear en bicicleta, subirte a un barco que navega entre los campos de bulbos.

También hay columpios y juegos, algunos muy originales y divertidos. Se puede jugar en un ajedrez gigante o tratar de encontrar la salida en el curioso y sorprendente laberinto. O calzarte unos zuecos enormes.

Al lado del pabellón Oranje Nassau hay otra zona denominada Flower Power, desde un andamio se puede ver el dibujo hippie con la imagen de John Lennon con sus típicas gafas y una mariposa hecha con flores dentro de la técnica del movimiento contestatario más famoso del mundo.

Se ha inspirado su diseño que ha entusiasmado el detalle del clásico mosaico de 250 m2, que cada año se dibuja con 50.000 bulbos de flor de tulipanes, jacintos de uva y crocos plantados en dos capas y que ya están floreciendo abundantemente.

Entramos en la zona del jardín que ellos llaman Clasiustuin, está presidido por la imagen de Carolus Clusius, fue un botánico flamenco y el creador de uno de los primeros jardines botánicos de Europa en Leiden y es considerado como uno de los fundadores de la horticultura. También fue uno de los primeros en realizar descripciones realmente científicas de plantas.

Realizó sus estudios en Gante hasta que partió a la universidad de derecho de Lovaina. En 1548 parte a Marburgo y en 1549 a Wittenburg a seguir las enseñanzas de Melanchthon. Siguiendo los consejos de este, abandona el derecho para estudiar medicina y botánica. En 1551 va a Montpellier para estudiar botánica bajo la dirección de Guillaume Rondelet. Allí se convirtió en su secretario y vivió tres años en su casa.

Esta parte del parque imita el antiguo jardín Clusius de 1594 que tuvo una función pública y científica y educativa: un museo verdaderamente moderno. Originalmente pensado como un jardín de hierbas para la investigación y educación de plantas que eran importantes para la ciencia médica, en realidad fue un jardín botánico, con una gran colección de especies de plantas de todo el mundo. El jardín es un estilo renacentista típico: dividido en cuatro cuadrantes, que se subdividen en puntos rectangulares.

Enfrente se encuentra un amplio corredor que conduce a uno de los extremos del parque con un lago central. Desde muy lejos se escuchan las notas musicales de órgano automático fabricado por la empresa Henk van den Heuvel SR, de Adriaen.

Este tipo de organillos se hicieron muy famosos en Holanda a finales del siglo XIX y principios del siglo porque la gente tenía un gran interés por escuchar música, no había fiesta popular que no estuvieran.

El organillo es un instrumento mecánico inventado a principios del siglo XIX en Inglaterra. De fuelle y uno o más filas de tubos alojados en una caja, generalmente de madera y a menudo muy decorado. El principio básico es el mismo que un órgano tradicional, pero en lugar de ser interpretado por un organista, el organillo es activado por una persona. Las piezas de música están codificadas en cilindros de madera. Es un instrumento al que se puede tocar sin saber nada de música. Para producir música solo hace falta girar una manivela o una mecánica conducida por pesas o muelles, que hace mover sobre su eje a un cilindro que contiene unas púas de diferentes formas y tamaños que mueven a su vez a unos macillos que repercuten en las cuerdas de piano que se sitúan en el interior de un cajón haciéndolas sonar. Cada rodillo solía tener 10 músicas diferentes. Por su facilidad de manejo, fue un instrumento popular que convivió con el piano e incluso con los gramófonos, sustituyéndolos en las fiestas populares.

Ya cuando empieza atardecer, la cantidad de gente empieza a despejarse, es el momento que llegamos al gran lago central, esta zona está dominada por los grandes árboles, las grandes praderas verdes y los mares de flores que los rodean, es la ocasión para sentarse en un banco y dejar pasar el tiempo para planear el regreso en otro año.

Después de visitar el parque de Keukenhof (Holanda) nos exige una profunda reflexión. Como sabéis hemos viajado miles de kilómetros para llegar en un corto espacio de tiempo que nos exige las vacaciones de Semana Santa. Llevamos varios años soñando con poder venir al Corazón de la Primavera pero nunca se hacía realidad porque no cuadraba la Semana Santa con la floración de los tulipanes.

Hoy, por fin nuestro sueño se hizo realidad, hemos podido visitar el Parque de Keukenhoft. Ya mencione que abre solamente dos meses al año y aquí en Holanda llueve un día sí y otro también, además, siempre esta nublado los días que no llueve. Dicen que los días soleados se cuentan con los dedos de una mano y hoy era uno de esos días.

El sol de Holanda no es de esos que calientan, simplemente iluminan y apenas da sombras eso se ve mucho en la pintura de los sus cuadros más famosos.

El parque Keukenhof, cómo definirlo, es un parque de atracciones pero sin toboganes, aquí las sensaciones son visuales pero ejercen los mismos efectos satisfactorios en el cerebro.

Mirar que habíamos visto fotografías y postales sobre Keukenhof pero nunca imaginamos lo bonito que es, los rincones que tiene, lo bien cuidado que esta. Es una delicia para los sentidos, sobre todo para la vista y el olor.

La armonía del parque es una de sus principales características, ya el siglo VI, los artistas y eruditos chinos, utilizaban las flores según las mismas reglas de la caligrafía y la pintura. Conocimiento, arte y espiritualidad eran para ellos una sola materia.

El parque proyecta una disposición armónica principalmente debido a sus estudiadas geometrías en las que se combinan las plantas y las flores. Puede ver formas circulares o serpenteadas dándole movimiento y fluidez con un diseño que predomina el color. También hay que tener en cuenta cómo los colores se complementan unos con otros, por ejemplo las rosas rojas y rosadas contrastan muy bien con los blancos, los rojos con amarillo.

Es importante tener en cuenta que la armonía siempre está relacionada con la simplicidad. El jardín se divide en pequeños o grandes rincones donde al observarlo se refleja la energía de la naturaleza en plena ebullición.

Después de la visita se nos plantea cómo mantener nuestra mente y nuestro cuerpo en ese estado de armonía y que se identifique con la profundidad del color que ha visto nuestra retina. Nuestros ojos han sido testigos de una bella obra del hombre y difícilmente pueda volverse a dar. Todos los elementos de la tierra se han unido para que podamos contemplar esta belleza.

Desde el parque Keukenhof marchamos andando hasta el parking en Lisse donde tenemos nuestra autocaravanas, el recorrido lo hacemos andando y nos demora más de cuarenta minutos. En el camino vemos pensando en las dificultades para abandonar el aparcamiento si han muchas autocaravanas esperando. Afortunadamente cuando llegamos ya se han marchado más de 40% de las autocaravanas y no han ninguna esperando plaza. Solamente tenemos que ir hasta el final del camino, hacer el cambio de sentido y volver con la esperanza de no encontrarnos con ningún vehículo que quiera acceder. Tenemos suerte y abandonamos el parking sin mayor dificultad.

Ahora solamente nos queda ir a pernoctar a Ámsterdam, desde Lisse a la capital de Holanda nos separan unos 39 km. con un tráfico rodado muy ágil y en menos de una hora estamos en la puerta.

Llegamos a Ámsterdam derrotados, marchamos directamente al área de autocaravanas, ya la conocíamos, quizás fuimos de los primeros en utilizarla hace algunos años, hoy ha crecido tanto que alberga casi 100 plazas de autocaravanas. Cuando llegamos estaba completa y en la puerta unas 40 AC. más.

En la calle nos hacemos un hueco y nos ponemos a cenar: un simple pisto con huevos cocidos y fiambre. Después antes de conciliar el sueño vemos un capítulo de Dawthon Abbey, era de transición con nuevos personajes en la trama y lo que más les preocupa la violación de Ana.

El área de autocaravanas de Ámsterdam (Holanda) se encuentra situada en un sitio privilegiado en la calle Papaverweg 46-48, precio 36€ 4 personas con luz. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 52.3983603 E4.9017743.

Día 17 de abril (miércoles)
Ruta: Ámsterdam

A la mañana siguiente lo primero que hacemos es entrar en el área de autocaravanas para poder ver la ciudad sin agobios, aunque algunos compañeros la dejan en la puerta.

Afortunadamente conseguimos un sitio gracias a que el encargado del área es del Ajax y estaba muy feliz por la eliminación de la Juve , el precio de 36 euros al día, casi un hotel.

Marchamos directamente hasta la cercana estación de ferry se llama Terminal NDSM que cruza el gran canal hasta la Gran Estación , línea 903, es gratuito y tarda 12 minutos en llegar.

Desde La Gran Estación Central estás en el centro de la ciudad y marchamos andando al museo Van Gogh, tardamos unos cuarenta minutos. Enseguida pasamos por la plaza Dam, es la equiparada a la Puerta del Sol de Madrid, lugar donde se celebran los acontecimientos sociales de los holandeses, desde el final de año hasta la celebración de la coronación de la reina. En el otro extremo se alza el Monumento Nacional, un obelisco de 22 metros de altura que fue construido en homenaje a los soldados holandeses caídos en la Segunda Guerra Mundial, sus escalinatas se hicieron famosas porque se convirtió en el punto de encuentro durante la época hippie.

Cuando llegamos nos dan la noticia que ya no hay entradas para todo el día y en internet no hay para los siguientes seis días y en la taquilla nadie sabe nade, esto se pone difícil. Es la primera vez que nos pasa una cosa así.

Teníamos mucha ilusión de ver el museo porque recientemente habíamos estudiado la historia y la obra del pintor Van Gogh y queríamos la reconstrucción de su vida y su obra después de haber visitado este museo de Ámsterdam que atesora la parte más importante de sus obras.

Ante la decepción decidimos replantearnos el día, y pensamos en un sitio de Ámsterdam que no conocemos y no sea muy turístico, marchamos hasta el Museo Van Loon, era la casa de un rico comerciante del siglo XVII,

La casa era una de las que han quedado intactas en el centro de Ámsterdam y se puede ver como era la vida de la burguesía de aquella época.

La casa Van Loon se halla en el corazón de Ámsterdam, en Keizersgracht (GPS N 52.3634411 E 4.8931474) , horario de 10 a 17,00 horas, precio (2 adultos 2 jóvenes) 31 euros.

Willem van Loon fue cofundador de la Compañía de las Indias Orientales Holandesas en 1602, se puede visitar los siete días de la semana porque la familia abre su casa y su colección al público.

La primera estancia que vemos es el salón Azul, se ordena alrededor de una chimenea, con muebles rococos donde se exponen una importante colección de fotografías, sobre las paredes cuelgan cuadros de la familia Van Loon. El color azul viene dado por la inmensa alfombra persa de color azul que decora la habitación. Se trata de un ejemplar llamado “Saroek” tejida en el norte de Irán en la década de 1920.

La siguiente estancia es el Salón Comedor esta presidida por una imponente mesa para 8 comensales que parece esperar a sus invitados. Sobre el mantel una bonita cubertería de la marca Bennewitz. Las paredes decoradas con cuadros de la familia, sobre el pavimento una impresionante alfombra persa.

Pasamos al salón Rojo, recibe este nombre por el revestimiento de tela de color rojo que cubre toda la estancia. En el centro de los cuadros de la pared se expone uno de los más famosos “Las cuatro edades”, obra del pintor de Jan Miense Molenae.

Volvemos al hall para subir al primer piso por una maravillosa escalera, revestida de mármol tiene un pasamano de madera de una sola pieza, la barandilla es de bronce con decoraciones vegetalistas, estilo Louis XV.

La primera habitación superior es la sala de la Aves , recibe el nombre por el revestimiento de tela con temas de aves, esta decorada con cuadros más actuales de la familia. En el centro de la sala una chimenea de mármol gris. Tiene dos camas gemelas con marcos de madera.

La siguiente habitación recibe el titulo Schaapjeskamer o Cuarto de Ovejas, es una estancia que tiene un revestimiento de tela un tanto estridente con flores y plantas de estilo barroco. En el centro una cama con un cabecero de madera que se integra perfectamente con la decoración de las paredes, al igual que las almohadas y colchas hacen juego con el conjunto.

Quizás la estancia más bonita se llama Drakensteyn, recibe el nombre porque las pinturas que la decoran estuvieron colgadas en el Castillo de Drakensteyn, son obras del pintor Jurriaan Andriessen (1742-1819), realizadas en pinturas al fresco. En el centro de la sala hay una vitrina donde se exhibe una estatua de marfil de David y Goliat, atribuida al famoso escultor italiano Allessandro Algardi.

Bajamos las escaleras hasta la planta baja donde se puede ver la imponente cocina, es una obra maestra de principios del siglo XX, realizada en metal con bronce.

Accedemos al jardín, en este tipo de jardines privados se llegaba desde la parte de atrás de la casa y solamente era visitable por sus propietarios, fue construido en el siglo XVIII. En el centro un seto en boj dibuja una esfera armilar que se encuentra sobre una columna en bronce.

Al final del jardín se encuentra la casa del Entrenador que, al igual que la casa principal, fue diseñada por Adriaan Dortsman. Tiene una entrada independiente por la calle Kerkstraat desde donde pueden entrar los carros. Aunque la casa del entrenador tradicionalmente ha estado vinculada al museo, hasta 2009 todavía era propiedad privada de la familia Van Loon. Con la ayuda de muchos fondos y donaciones, se compró y se reunió con el museo. Junto con el jardín y la casa del canal, forma un conjunto único que no se puede ver en ningún otro lugar de los Países Bajos en este tamaño original.

La casa del Entrenador exhibe la colección de dibujos pintados por Pieter van Loon (1801-1873). Fueron realizados en una época de crecimiento económico, social e industrial, cuando Pieter van Loon viajó por Europa con su cuaderno de bocetos y su pluma. Su registro de todo lo que encontró resultó que confeccionó miles de dibujos, desde bocetos rápidos hasta trabajos detallados. Retrató a personas, edificios, la vida cotidiana de las ciudades y los adelantos técnicos con mucha precisión, lo que dio como resultado un hermoso panorama de la vida en siglo XIX.

Entre las obras más destacas del museo se encuentra “Boda de Willem van Loon y Margaretha Bas”, obra de Jan Miense Molenaer, datado 1637, realizado en óleo sobre lienzo.

Jan Miense Molenaer (1610 -1668, Haarlem), fue un pintor y grabador holandés cuyo estilo fue precursor al de Jan Steen durante la llamada Edad de Oro de la pintura holandesa.

Compartió estudio con su esposa Judith Leyster, pintora de género, retratista y de naturalezas muertas con quien se casó en 1636. Los dos fueron discípulos de Frans Hals y cuando estuvo en Ámsterdam entre 1636 y 1648, recibió la influencia de Rembrandt. Su hermano Klaes también fue un pintor paisajista.

Molenaer consiguió pronto un estilo próximo a Hals pero más tarde desarrolló un estilo como el del pintor de género. Sus escenas de género a menudo representan músicos tales o retrato de la familia. También pintó tabernas y personajes jugando a las cartas o juegos de la época como el denominado en holandés Handjeklap, que literalmente significa dar palmas con las manos.

Otra de las obras más importantes “Retrato del niño Willem van Loon”, obra del pintor Dirck Dircksz. Santvoort, datado en 1636, realizado en óleo sobre lienzo

Dirck Dircksz. Santvoort (1609-1680) fue un pintor barroco neerlandés especialista en retratos, podría haberse formado como pintor con su padre, Dirck Pietersz. Bontepaert, un pintor del que nada se ha conservado, descendiente de Pieter Aertsen. Un hermano mayor, Pieter Dircksz. van Santvoort (1604-1635), fue también pintor de paisajes. En 1636 figura inscrito en la guilda de San Lucas de Ámsterdam.? En 1641 contrajo matrimonio con Baertjen Remmers Pont, con quien tuvo un hijo llamado Rembrandt, y tras enviudar en 1653, en 1657 se casó con Tryntje Riewerts, que le sobrevivió nueve años.

Santvoort fue pintor casi exclusivamente de retratos personales o de grupos familiares, en un estilo próximo al de Thomas de Keyser, aunque también pintó en muy pequeño número algún raro cuadro de historia sagrada.

El siguiente cuadro “Retrato de Jacob Hendrik Boode y Catharine Antoinette Martin”, obra del pintor Johann Friedrich August Tischbein, datado en 1791, realizado en óleo sobre lienzo

Johann Friedrich August Tischbein, llamado Leipziger-Tischbein, esto es, el Tischbein de Leipzig (1750-1812) fue un pintor alemán, miembro de una conocida dinastía de pintores procedentes de Essen, los Tischbein. Su estilo de madurez es el retrato del neoclasicismo.

Tischbein era hijo del pintor teatral Johann Valentin Tischbein, de quien recibió su primera instrucción artística. Igualmente contribuyó a su formación su tío, Johann Heinrich Wilhelm Tischbein, que era un pintor de retratos en las cortes europeas. El pintor Johann Heinrich Wilhelm Tischbein, conocido como Tischbein de Goethe fue su primo.

El siguiente cuadro es “Retrato Adèle van Loon-Tachard”, obra del pintor Philipp de Laszlo, está datado en 1901, realizado en óleo sobre lienzo.

Philip Alexius de László MVO (1869-1937) fue un pintor húngaro conocido por sus retratos de la realeza y la aristocracia.

László nació en Budapest como Laub Fülöp Elek (estilo húngaro de su apellido), hijo de un sastre judío. La familia cambió su apellido a László en 1891.

Cuando era joven, László se hizo aprendiz de fotógrafo, mientras estudiaba arte, obteniendo un puesto en la Academia Nacional de Arte, donde estudió bajo la dirección de Bertalan Székely y Károly Lotz. A esto le siguieron sus estudios en Munich y París. László retrató al papa León XIII, por lo que ganó la Grand Gold Medal en la Exposición Universal de París de 1900.

En 1903, László se trasladó de Budapest a Viena. En 1907 se trasladó a Inglaterra. Se estableció en Londres durante el resto de su vida, mientras viajó por el mundo para cumplir comisiones.

Aquí damos por finalizada la visita a esta encantadora casa que nos ha enseñado como era la vida de los ricos holandeses a partir del siglo XVII, fruto del control del comercio marítimo.

Andando llegamos hasta el mercado de Flores, situado en la calle Singel (GPS N 52.3666956 E4.892894), horario de 9,00 a 17,30 horas.

El mercado de flores de Ámsterdam es realmente una maravilla, tiene varios puestos de venta de flores, bulbos, semillas y raíces de una gran variedad de plantas. También cuenta con una gran variedad de artesanías y de recuerdos para el hogar.

Aunque es pronto pero en Holanda se te echa encima la hora de comer y decidimos hacerlo en un sitio muy a mano, el McDonalds es siempre una excusa que te permite salvar el momento sin mucho que buscar.

Afortunadamente solamente tenemos que girar la cabeza desde el mercado de la Flores para encontrar el primer McDonalds, se encuentra en la calle Muntplein 9 (GPS N52.3664512 E4.8935847); el horario de este restaurante es de 7,30 a 3,45. El precio que pagamos 39,25 €.

Más adelante, buscamos otro museo no muy famoso para visitar, elegimos el Museo de la casa de Rembrandt. Es una oportunidad de ver como era la casa de uno de los pintores más importantes flamencos, era su casa y su estudio, el lugar donde enseñaba su pintura, pintaba y exponía.

El Museo Casa de Rembrandt se encuentra situado en la calle Jodenbreestraat 4 (GPS N 52.3695602 E4.901210); horario de 10 a 18,00 horas; precio 2 adultos 2 jóvenes 38€.

Rembrandt vivió y trabajó entre 1639 y 1658 en este edificio monumental en el corazón de Ámsterdam, que ahora se ha convertido en museo. Sobre la base de una lista de inventario del siglo XVII, la casa ha sido meticulosamente restaurada con muebles, arte y objetos de esa época. En su interior se puede ver: la antigua cocina y la sala de estar. La casa cuenta la historia de Rembrandt: la gente, el artista, el maestro, el empresario. El museo posee una colección casi completa de grabados de Rembrandt y desarrolla exposiciones inspiradoras sobre el mismo Rembrandt, sus predecesores, contemporáneos y sus estudiantes. También es el lugar donde se muestra la obra de artistas contemporáneos, inspirados en la obra de Rembrandt.

La primera estancia que visitamos es la gran cocina era el foco de la vida cotidiana. Aquí es donde se cocinaba y la familia comía. También hay una cama dentro de un armario con forma de cajón, probablemente era para que durmiera la sirvienta cerca de la chimenea. La cama con forma de caja parece pequeña, pero hay una razón para eso. En el siglo XVII, las personas dormían sentadas casi en posición vertical, por temor a morir de un torrente de sangre en la cabeza si se acostaban horizontalmente. La gente también era más pequeña que nosotros hoy en día, como podemos ver desde la altura de la puerta al patio y el fregadero bajo. La bomba del fregadero proporcionaba agua, pero no era potable para beber. En el siglo XVII, la mayoría de las personas bebían una cerveza débil conocida como cerveza suave. El vino era caro y se guardaba para ocasiones especiales. El fuego en el hogar nunca faltaba. La estufa era un artilugio bastante moderno en el siglo XVII. Significaba que el calor podía ser usado más eficientemente. El humo subía por la chimenea.

En la cocina se desarrollaba la vida en la casa y la familia pasaba gran parte de su tiempo, cocinando, comiendo, hablando. En 1649, fue el escenario de un gran argumento. Como sabemos por un documento, Rembrandt quería romper con su antigua amante, Geertje Dirckx. Fue aquí donde las partes se reunieron para redactar un acuerdo sobre la pensión alimenticia a Geertje, pero las negociaciones no fueron amigables. Según testigos, Geertje atacó a Rembrandt “de manera muy violenta e irrazonable”.

Después se sube la escalera de caracol a la planta baja. Se llega a la sala de estar y el dormitorio de Rembrandt. Hay sillas alineadas alrededor de las paredes y hay un espejo entre las ventanas. Los espejos eran solo para solamente accesibles a las clases acomodadas. Una gran cantidad de pinturas cuelgan de las paredes de yeso blanco de esta sala de techo alto, entre ellas obras de los predecesores de Rembrandt, sus alumnos y su maestro Pieter Lastman, con escenas de la Biblia y la mitología clásica. Rembrandt dormía en un armario-cama junto a la puerta. Sabemos cómo era por un dibujo que hizo Rembrandt, mostrando a su esposa Saskia en la cama. Saskia murió en 1642, poco después de dar a luz a un hijo, Tito. Ella tenía solo 29 años. La repisa de la chimenea también se puede ver en el dibujo de Rembrandt de Saskia en la cama. La chimenea está apoyada por una figura de piedra masculina y femenina, tal como estaba en el dibujo de Rembrandt. Hay un friso tallado decorativo en la chimenea de roble con figuras humanas, pájaros, plantas, frutas, armas e instrumentos musicales.

Girando a la izquierda se entra en el Hall de entrada. Los visitantes cuando entraban en la casa de Rembrandt por la puerta lo hacían por este impresionante hall. Las sillas con asientos de cuero se encuentran alrededor de las paredes. Hay otra silla en lo que el inventario describe como un estrado: una plataforma de madera debajo de la ventana. Cualquiera que esté sentado allí podría ver las idas y venidas en la calle y también estaría fuera de las corrientes de aire frío. Hay un armario de roble tallado contra la pared. Sabemos por varios documentos que había un armario aquí en esta sala. Perteneció a Hendrickje Stoffels, quien llegó a la casa después de la muerte de su esposa Saskia y se convirtió en la amante de Rembrandt. Aquí guardaba sus pertenencias personales: ropa de cama cara, cubiertos de plata y joyas de oro. Según testigos presenciales, el armario y su contenido tenían un valor de 600 florines. Debido a que pertenecía a Hendrickje, el armario no fue vendido cuando Rembrandt estuvo en quiebra. Hay una gran cantidad de pinturas aquí. Las paredes estaban cubiertas de ellas. Las pinturas en el Hall de entrada estaban a la venta. Rembrandt era un comerciante de arte y un artista, una combinación no inusual en aquellos días. Había pinturas del mismo Rembrandt, pero la mayoría de las obras eran de otros maestros. En la parte delantera de la casa, junto a la entrada, hay una antesala.

El vestíbulo era el lugar donde Rembrandt recibía a sus invitados. Y fue en esta elegante sala donde dirigió su negocio de arte. Entretenía a sus clientes con una copa de vino de un refrigerador de mármol, como podemos deducir del inventario. Los clientes se sentaban en una de las sillas de respaldo recto. Durante la noche los huéspedes podían dormir en la cama armario. Las paredes estaban cubiertas con docenas de pinturas donde el cliente podía elegir. Rembrandt vendía su propio trabajo y el de sus muchos aprendices. También se ocupó de pinturas de otros maestros. El marco de madera alrededor de la entrada de la antesala, como la chimenea, parece estar hecho de mármol, pero en realidad está pintado. Este tipo de “marmoleado”, era diseñado para engañar al ojo, fue muy popular en el siglo XVII. Las columnas clásicas que soportan la repisa son de mármol real. También podemos ver que la moda del siglo XVII de hacer que los materiales parezcan ser algo que no son. Las partes oscuras de la cama de roble parecen de ébano, pero están pintadas. Si salimos de esta habitación y giramos a la izquierda, pasamos una habitación donde Rembrandt imprimió sus grabados. Al frente hay una gran sala, el salón.

El gabinete de Rembrandt mantuvo una gran cantidad de artículos raros y valiosos en esta sala. Algunas personas ricas y eruditas tenían colecciones como esta, pero era extremadamente inusual para un artista. Rembrandt gastó mucho dinero en eso. Los artículos vinieron de todas partes del mundo. Fueron exhibidos en los estantes alrededor de las paredes. Los objetos raros eran cosas del mundo natural, como las dos conchas de tortuga, y artefactos hechos por el hombre como el escudo africano tejido de caña. Entre los artículos que tenía la sala: "un escudo trenzado". “un gabinete de monedas” significaba un pequeño gabinete para guardar monedas y medallas. Rembrandt también tenía una gran colección de retratos de escayola de emperadores romanos y filósofos griegos. Eran herramientas esenciales del oficio para un pintor de historia que quería representar historias y eventos de la antigüedad clásica. Y como parte de su entrenamiento, sus alumnos tuvieron que aprender a dibujar estatuas de yeso. Rembrandt también poseía muchas conchas marinas y corales. Según los principios clásicos, la naturaleza se dividía en tres clases: animales, plantas y minerales. Las conchas marinas, parte del reino animal, eran artículos de colección populares. Rembrandt usó conchas de su colección en varias de sus obras. Los 'libros de arte' de Rembrandt eran su posesión más valiosa. Poseía setenta álbumes que contenían unos 8.000 dibujos y grabados, incluido el trabajo de artistas holandeses como Jan Lievens, Hercules Segers, Maerten van Heemskerck y Lucas van Leyden. Y también fue dueño de obras de artistas extranjeros famosos como Tiziano, Miguel Ángel y Hans Holbein. Rembrandt usó las impresiones y los dibujos cuando enseñaba a sus alumnos, y para sí mismo como fuente de inspiración y como parte de sus acciones en el comercio.

Subimos la escalera hasta La Gran Sala de Pintura, es una habitación, la más grande de la casa, era el estudio de Rembrandt. Fue aquí donde pintó sus obras maestras. Olía a aceite de linaza usado para hacer pintura, y en el invierno a la turba que se quemaba en las estufas de hierro fundido. El calor que no se apagaba nunca impedía que las manos del maestro se enfriaran y lo hicieron un poco más cómodo para pintar las modelos mientras estaban posando. La habitación está orientada al norte. La luz fría y uniforme es ideal para un estudio. A la derecha, junto a la ventana, se ha reconstruido una esquina especial sobre la base de un dibujo que hizo el propio Rembrandt, mostrando dónde estaba su caballete. Las contraventanas inferiores están cerradas. La luz que entra a través de las ventanas superiores puede templarse con la ayuda de una sábana blanca, que refleja la luz. En todas partes de la sala hay materiales que un artista necesita para pintar y preparar lienzos. Los asistentes de Rembrandt hacían la pintura moliendo pigmento y aceite de linaza sobre una base de una piedra plana. La pintura se hacía en pequeñas cantidades, generalmente suficiente para un día. Si alguna pintura tenía que ser guardada, se guardaba en una bolsa hecha de la vejiga de un cerdo. La ropa de artista estaba hecha a medida y se ataba con cordones a un marco de madera para estirar. Tenía que ser preparado con una o más capas de tierra antes de poder utilizarlo. Podemos ver armas y moldes de yeso en estantes alrededor de las paredes. Rembrandt y sus alumnos usaron cosas como estas como ejemplos para aprender a dibujar y pintar.

La siguiente sala se llamaba el Pequeño Taller, esta estancia se llama estudio 'pequeño' porque el techo es más bajo que en el estudio grande. Este fue el taller donde trabajan los alumnos de Rembrandt. Un documento nos dice que Rembrandt había colocado “varias particiones” en él para hacer lugares de trabajo separados para sus alumnos. Había espacio para cuatro o cinco alumnos a la vez. Cada alumno pagaba cincuenta florines cada seis meses. Rembrandt tuvo más de cuarenta alumnos durante su vida, por lo que fue una importante fuente de ingresos para él. La mayoría de los alumnos llevaban al estudio de Rembrandt después de haber aprendido las habilidades básicas de otro artista. Los aprendices tenían que empezar por aprender a dibujar. Debían poder copiar partes del cuerpo como ojos y bocas de los libros empleados como modelo, así como dibujos y grabados del maestro. Luego avanzarían a dibujar copias de pinturas. Después de eso aprendieron a copiar objetos tridimensionales, como estatuas de yeso, tanto de día como de noche a la luz de las velas. Luego aprendieron a dibujar modelos en vivo. Finalmente comenzaron a pintar. Los alumnos debían seguir practicando las habilidades básicas. Rembrandt también tenía muchos objetos adecuados para copiar, no solo modelos de yeso. Por ejemplo, su inventario de bienes enumera una gran cantidad de instrumentos musicales y armas en esta sala. Rembrandt proporcionó una especie de entrenamiento de segunda etapa. Con Rembrandt, los alumnos no solo tuvieron que copiar obras de arte, sino que también inventaron composiciones inteligentes, variaciones de ejemplos de Rembrandt. Además de entrenar a sus alumnos para pintar de forma expresiva y retrato, la enseñanza de Rembrandt se centró sobre todo en la capacidad de transmitir historias, generalmente bíblicas o mitológicas, de manera convincente. Rembrandt les enseñó a ser "pintores de la historia", el nivel más alto de pintura. La mayoría de todos los alumnos aprendieron a trabajar en el estilo de Rembrandt, a veces con tanto éxito que el trabajo de alumno y maestro es difícil de diferenciar. Luego, los alumnos desarrollaron sus propios estilos individuales y reconocibles. Muchos de sus alumnos, Gerrit Dou, Govert Flinck, Ferdinand Bol, Carel Fabritius y Nicolaes Maes entre ellos, se hicieron famosos más tarde.

Rembrandt fue uno de los más grandes grabadores de su época. Ningún otro artista experimentó con el potencial de la técnica de grabado como él lo hizo, y él elevó el grabado a una forma de arte en toda regla. Sus logros en este campo son insuperables. En ese momento, sus pinturas eran mucho menos conocidas que sus grabados, que fueron buscados por los coleccionistas durante su vida. La difusión de sus grabados estableció su fama como artista en toda Europa. Muchos artistas se han inspirado en los grabados de Rembrandt hasta el día de hoy. Es admirado como grabador debido a su manejo suave pero seguro de la aguja de grabado. Trajo un sentido del drama a sus composiciones con contrastes poderosos entre áreas de luz y sombra. Para lograr los efectos en sus impresiones, Rembrandt a menudo combinaba otras técnicas gráficas, como el grabado y la punta seca. Después de la primera impresión, usualmente hizo cambios en la placa, creando diferentes etapas o “estados” en la mayoría de sus grabados. Rembrandt describió una variedad mucho mayor de temas en sus grabados que en sus pinturas. Le gustaban los temas bíblicos, tanto del Antiguo como del Nuevo Testamento, pero también hizo grabados de autorretratos, retratos, paisajes, estudios de desnudos y escenas de la vida cotidiana.

La colección del Museo de la Casa Rembrandt incluye la mayoría de los grabados de Rembrandt, y también algunos de sus platos de grabado de cobre. Los más destacados de la colección se muestran en esta sala. Cada impresión es una prueba del dominio de Rembrandt del arte del grabado.

Entre los cuadros destacados del museo “la oferta de Manoah”, obra del pintor Govert Flinck, está datada en 1637, realizada en óleo sobre lienzo.

La pintura muestra una escena del Antiguo Testamento. Fue realizada en el período posterior al estudio de Govert Flinck con Rembrandt. Pero es muy importante para mostrar lo que aprendió de su maestro. Muy importante es la figura del ángel, arriba a la izquierda y en el cielo. Esta espectacular figura está volando mientras hay un estallido de luz que viene a través de las nubes oscuras.

Govert Flinck copio esta figura de una pintura de su maestro Rembrandt, alrededor de 1637. Esto es muy interesante, porque durante varios años después de haber estudiado con Rembrandt, alrededor de 1635, posteriormente no tuvo mucho contacto con su maestro. Se basó principalmente en dibujos y dibujos que había recordado de su período de estudiante. Aquí, sin embargo, claramente tuvo contacto con su antiguo maestro. Y podemos más o menos averiguar por qué. Esta pintura fue pintada, por una comisión, para una iglesia en Gouda. Probablemente como decoración arriba en la galería. Es muy probable que Flinck, para una comisión tan importante, volviera a su antiguo maestro para obtener ideas y consejos sobre cómo llevar a cabo esta pintura. La ubicación de la pintura puede explicar por qué todas las figuras están desplazadas hacia el lado izquierdo. Es muy probable que la pintura esté destinada a colgar en alto y hacia el lado derecho, y eso permitiría que las figuras queden más en primer plano.

Flinck fue uno de los alumnos más talentosos de Rembrandt, y aquí vemos lo que lo llevó a la obra de Rembrandt. Estaba claramente impresionado por los espectaculares efectos de luz, las figuras expresivas y la expresión cautivadora de las emociones humanas. Siempre me ha fascinado ver cómo los jóvenes alumnos con talento entablaron un diálogo con la obra del maestro Rembrandt, de modo que no se quedó solo como un simple maestro de alumnos, sino que interactuó con ellos como artistas.

El siguiente cuadro es “Hombre con Bastón”, obra de un alumno de Rembrandt anónimo, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1629.

No sabemos quién pintó este cuadro, excepto que era uno de los alumnos de Rembrandt. El pintor Gerrit Dou ha sido sugerido pero esto no esta comprobado. Podemos ver que el artista usó predominantemente tonos apagados, como lo hizo Rembrandt en la mayoría de sus pinturas en esa época. El modelo es una figura teatral. Aunque también puede ser un retrato pero, si es así, el modelo está posando. La clave es su traje inusual. Probablemente sea la de Jerolimo Rodrigo, “el Brabanter español”, el personaje principal de la comedia de 1617 o el mismo nombre del famoso dramaturgo Jan Adriaenszoon Bredero. El sinvergüenza flamenco Jerolimo se hace pasar por un caballero distinguido en Ámsterdam y engaña a todos. Pero cuando sus acreedores van en buscarlo ha desaparecido. Si observamos con atención, podemos ver que, si bien la ropa del hombre parece estar de moda, hay algo que no está del todo bien.

El siguiente cuadro “Retrato de Dirck Jacobsz Leeuw”, obra del pintor Govert Flinck, está datado en 1636, realizado en óleo sobre tabla.

Sabemos el nombre del hombre en este retrato de cuerpo entero es Dirck Jacobszoon Leeuw, hijo de una distinguida familia de comerciantes. Dirck Leeuw era un sobrino del hombre que lo pintó, Govert Flinck. No solo estaban relacionados, también eran compañeros creyentes y miembros de la comunidad menonita en Ámsterdam. Esta es una de las primeras pinturas de Flinck que conocemos. Fue pintado poco después de que terminó su aprendizaje con Rembrandt. A Rembrandt le gustaba poner movimiento en sus retratos y parece que Flinck intentó el mismo efecto aquí. Dirck Leeuw es retratado caminando en un paisaje. Da un paso adelante con la pierna izquierda, mientras que el talón de su pie derecho está levantado. Acaba de recoger una fruta, que tiene en la mano izquierda. Se ha quitado uno de sus guantes, por lo que es como si se hubiera capturado un momento fugaz aquí.

El siguiente cuadro “Anciano con un Bastón, obra de un pintor anónimo alumno de Rembrandt, esta datado después de 1645, realizado en óleo sobre lienzo.

Este cuadro fue pintado por un alumno desconocido de Rembrandt. Copió como base de una pintura que Rembrandt hizo en 1645. El original se encuentra ahora en un museo en Lisboa. Hay un número sorprendentemente grande de versiones copiadas de él; sabemos de seis. Este es generalmente considerado como el más exitoso. Las manos del anciano, en particular, han sido representadas de manera muy convincente. Puedes ver las venas en ellas.

El siguiente cuadro “Las Dudas de Tomás”, obra de un pintor anónimo alumno de Rembrandt, está datado en 1634, realizado en óleo sobre lienzo.

Un alumno pintó esta composición después de un trabajo de Rembrandt. Lo más interesante es que muestra una fase anterior de la pintura de Rembrandt. El alumno lo copió cuando Rembrandt todavía estaba trabajando en ello. En la imagen final de Rembrandt, hay más espacio alrededor de la figura de Cristo, y el apóstol Tomás, a quien Cristo mostró sus heridas, está más erguido, con la pierna izquierda hacia adelante. El alumno también trabajó mucho menos en el grupo alrededor de Cristo. Parece probable que fue pensado como un boceto al óleo en lugar de una pintura terminada.

El siguiente cuadro “Anciano Dormido”, obra del pintor Abraham Van Dijck; está datado en 1655, realizado en óleo sobre lienzo

El cuadro se identifica con un anciano con una espesa barba blanca se ha quedado dormido en su silla. Sus manos arrugadas descansan en su regazo. Está bañado en una luz cálida y amarillenta, posiblemente de un fuego. Su postura, con la cabeza inclinada, proyecta sombras sobre sus ojos cerrados. La pared detrás del hombre es mayormente oscura. El tema de esta pintura y la forma en que se representa inmediatamente recuerdan a Rembrandt. Se supone que Abraham van Dijck, que tenía alrededor de veinte años cuando pintó este cuadro, había sido alumno de Rembrandt, aunque no hay pruebas documentales de tal aprendizaje.

El siguiente cuadro “Pablo y Bernabé en Listra”, obra del pintor Pieter Lastman, está datado en 1617, realizado en óleo sobre lienzo.

Esta historia es de los Hechos de los Apóstoles. En su viaje a través de Asia Menor, los apóstoles Pablo y Bernabé curaron a un hombre que había estaba cojo desde su nacimiento en la aldea de Listra. La población pagana los confundió con los dioses Mercurio y Júpiter. La gente se arrodilló ante ellos y comenzó a adorarlos. El sacerdote del Templo de Júpiter incluso hizo traer bueyes para sacrificarlos. Aquí vemos a los dos apóstoles intentando detener esta idolatría. Vemos a Pablo rasgando sus ropas y Bernabé tratando de hablar con el sacerdote. Pieter Lastman había pintado este tema una vez antes. Este trabajo difiere de la versión anterior en que los dos personajes principales aquí parecen estar más absortos del grupo de personas que los rodean.

El siguiente cuadro “Paisaje Panorámico de Río”, obra del pintor Philips De Koninck; esta datado en 1676, realizado en óleo sobre lienzo.

Aquí tenemos una vista de pájaro o un paisaje montañoso de un río donde aparecen casas de campo sencillas y villas de aspecto clásico estaban dispersas por el campo imaginario. Un jinete y su sirviente siguen un camino hacia un río. En el río, un hombre rema un bote de placer para un grupo de personas elegantes. La variación en las áreas iluminadas por el sol y en la sombra en el paisaje es sorprendente y crea un fuerte efecto de profundidad. Casi hace que el paisaje se vea como un tablero de ajedrez, con pasajes oscuros y claros uno al lado del otro. Aunque probablemente Philips Koninck no fue entrenado por Rembrandt, él estaba en el círculo de Rembrandt. Su especialidad era pintar paisajes panorámicos.

El siguiente cuadro “La Reunión entre el viejo Profeta y el Hombre de Dios”, obra del pintor Lambert Jacobsz, está datado 1629, realizado en óleo sobre lienzo.

Esta historia viene del Libro de los Reyes. Un hombre de Judá se atreve a criticar la idolatría del rey Jeroboam I. Se le llama “el hombre de Dios”. El hombre tiene una tarea asignada por Dios. Durante su viaje, tiene prohibido comer pan, beber agua y volver por donde había venido. Pero un viejo profeta de la ciudad de Beth cabalga tras él en un asno. Persuade al hombre para que se regrese y lo invita a comer y beber algo en su casa. Este es el momento representado aquí. El hombre de Dios ha roto su promesa y será castigado. Más tarde, durante su viaje, fue asesinado por un león. Esta pintura fue hecha por Lambert Jacobsz. Además de ser pintor y comerciante de arte, también fue clérigo menonita en Leeuwarden. Fue el maestro de Govert Flinck antes de que Flinck fuera a Ámsterdam para continuar su entrenamiento en el taller de Rembrandt.

El siguiente cuadro “Encuentro de Jacob con Raquel”, obra del pintor Jan Tengnagel, esta datado en 1615, realizado en óleo sobre lienzo.

Jacob marchó a ver a Labán, su tío, que vivía en la ciudad de Harán, en Mesopotamia. Cerca de la ciudad llegó a un pozo. Entonces la hija de Labán llegó con un rebaño de ovejas. Jacob la besó y se emocionó hasta las lágrimas. Más tarde se casaría con Rachel. Esta historia del Libro de Génesis fue representada no solo por Jan Tengnagel, sino por otros artistas en su círculo, entre ellos Claes Moeyaert. Los dos pintores son considerados como “Pre Rembrandt”, los antecesores de Rembrandt en Ámsterdam.

El siguiente cuadro se titula “Cristo bendiciendo la familia de Pieter Braems”, obra del pintor Jan de Braij (1627-1697), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1663.

El cuadro registra el momento que Cristo bendice a la familia de Pieter Brems, este tipo de obras era habitual entre las familias burguesas holandesas para inmortalizar las creencias en la iglesia reformista.

El siguiente cuadro se titula “Venus y Cupido en la fragua de Vulcano”, obra del pintor Jan de Braij (1627-1697), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1683.

Jan Salomonsz. de Braij o Bray fue un pintor barroco neerlandés, hijo del también pintor Salomon de Bray.

Formado presumiblemente en el taller de su padre, el trabajo más temprano que se le conoce es un dibujo fechado en 1648. Entre 1663 y 1664 fallecieron a causa de la peste sus padres y cuatro de sus hermanos. A partir de 1667, cuando desempeñó el cargo de vinder o administrador, ocupó diversos puestos de responsabilidad en la guilda de San Lucas de Haarlem, de la que fue decano por última vez en el curso 1684-1685. Estuvo casado tres veces, con mujeres de elevada posición social y se vio envuelto en pleitos con sus respectivas familias por las herencias. En 1689 fue a la quiebra y se trasladó a Ámsterdam, a cuyo ayuntamiento había presentado un ambicioso proyecto para la construcción de un embalse. Falleció en Ámsterdam en 1697 y fue enterrado en la iglesia de San Bavón de Haarlem el 4 de diciembre.

El siguiente cuadro se titula “Alegoría de Frederik Hendrik”, obra del pintor Jan de Braij (1627-1697), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1681. Tiene unas medidas de 217 x 218 cm.

Stadholder Frederick Henry se representa como el portador de la paz. Las autoridades de la ciudad encargaron esta alegoría, destinada al Prinsenhof en Haarlem, en honor a la Casa de Orange. Fue un homenaje póstumo a Frederick Henry, bajo cuyo gobierno se preparó la Paz de Münster (1648). Como suenan las trompetas, Frederick Henry es coronado con una corona de laurel y es recibido por la Dama de Haarlem. El cuerno que ella sostiene muestra la prosperidad que trae la paz. También está presente la Dama de Holanda con el escudo con siete flechas unidas, una para cada una de las Provincias Unidas. En el fondo, la silueta de San Bavo en el Grote Markt emerge contra el “amanecer de la libertad”.

El siguiente cuadro se titula “Retrato de mujer joven que imita a la Reina de Semíramis”, obra del pintor Salomón Bray (1597-1664), realizado al óleo sobre tabla, está datado en 1652. Tiene unas medidas de 99,5 x 83,5 cm.

El retrato es una mujer de medio cuerpo y recuerda mucho a la legendaria Semiramis. Solo lleva una capa drapeada descuidadamente, pero ya se ha puesto la boina, como para partir. Semiramis fue una reina asiria del siglo IX a. Una mañana, mientras se vestía, se le advirtió que había estallado un levantamiento en Babilonia. Desaliñada y parcialmente vestida, salió para la batalla y derrotó a los insurgentes. Ella fue la personificación del coraje y la determinación.

El siguiente cuadro se titula “La reina de Saba en el Templo de Salón en Jerusalén”, obra del pintor Salomón Bray (1597-1664), realizado al óleo sobre tabla, está datado en 1657. Tiene unas medidas de 58,4 x 102,9 cm.

El Templo de Salomón se distinguió de otros templos en las representaciones porque no había ningún ídolo en él, sino el Arca de la Alianza, que probablemente contenía las dos tablas de piedra de la ley. Ubicado en el Monte del Templo de 742 m de altura, el Templo se alzaba con la entrada hacia el Este, hasta el punto donde el sol se elevó por encima de los 60 m más altos del Monte de los Olivos.

No hay un solo rastro del Templo de Salomón: el Muro de las Lamentaciones de 50 m de largo es una parte del muro exterior alrededor del sitio donde una vez estuvo el Templo de Herodes era el lugar donde se encontraba el Templo de Salomón.

El siguiente cuadro se titula “Venus y adonis”, obra del pintor Hendrick Goltzius (1558-1617), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1600.

La historia de Venus y Adonis está tomada del décimo libro de Metamorfosis de Ovidio. Venus, la diosa del amor, se enamora del hermoso joven cazador Adonis. Venus y el joven Cupido intentan en vano evitar que Adonis salga a cazar, ya que la diosa ha tenido la premonición de que la partida de la caza tendrá consecuencias fatales, y de hecho, un jabalí mata al cazador.

El siguiente cuadro se titula “Paisaje de montaña con pastores”, obra del pintor Nicolaes Berchem (1621-1653), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1655.

Estamos ante un paisaje italianizante de Nicolaes Pietersz Berchem, era hijo de Pieter Claesz., pintor de bodegones, en 1634, según una anotación en los registros de la guilda de San Lucas, recibía lecciones de pintura de su padre, aunque probablemente recibiese clases también de Jan van Goyen y Pieter de Grebber. Ingresó en la guilda como maestro independiente en 1642 e inmediatamente acogió a tres discípulos. Contrajo matrimonio en Haarlem en 1646 con Catrijne Claes de Groot, hijastra del pintor paisajista Jan Wils, otro posible maestro de Nicolaes. El matrimonio hizo testamento en 1649, poco antes del nacimiento de un hijo llamado Nicolaes como su padre, que también sería pintor.

El siguiente cuadro se titula “Iglesia de San Pedro en Utrecht”, obra del pintor Pieter Jansz Saenredam (1621-1653), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1654.

Pieter Jansz Saenredam (1597-1665). Pintor neerlandés, su obra se caracteriza por una especialización en representar serenos interiores de iglesias.

Hijo del impresor y dibujante Jan Pietersz Saenredam (1556–1607) quien había nacido en Zaandam, localidad llamada entonces Saenredam y de la cual tomó el apellido. Pieter Jansz fue discípulo de Frans Pietersz. de Grebber. Como se comprueba por sus pinturas de iglesias, su aspecto verídico lo logra merced a sus minuciosas mediciones y realizando detallados bocetos de las iglesias que deseaba representar en colaboración con su amigo el arquitecto Jacob van Campen. Tales bocetos, en efecto, son como diseños de arquitecto: ricos en detalles y dotados por la gran pureza lineal; están realizados con lápiz, pluma y tiza, sobre este diseño base luego añadía colores en aguada lo que aportaba más de valores cromáticos, una cierta textura y sensación de espacialidad mediante cautos sombreados. Pieter Saenredam creó austeras atmósferas de interiores a través de una muy graduada luminosidad de los colores. En su pintura (que solía concluir al óleo sólo tras tener concluidos los precisos bocetos) frecuentemente y con premeditación se excluye o se minimiza la presencia de la gente, lo cual focaliza la atención en las construcciones y en las formas arquitectónicas.

El siguiente cuadro se titula “Banquete de la Guardia Cívica de oficiales y subalternos de San Jorge”, obra del pintor Frans Pietersz de Grebber (1573-1649), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1619.

Frans Pietersz de Grebber era un pintor y bordador, fue según Karel van Mander discípulo del paisajista Jacob Savery, aunque él se especializaría en retratos y pinturas de grupo. Entre 1594 y 1597 fue miembro de la guardia cívica de San Adrián, grupo que retratado en más de una ocasión, y a partir de 1600 desempeñó cargos de gobierno en la guilda de San Lucas en cuya reorganización tuvo parte activa. Hacia 1599 se casó con Hillegont van Lijnhoven, con quien tuvo diez hijos de los que Pieter, el mayor, María y Albert fueron también pintores. En 1618 viajó con su hijo Pieter a Amberes para tratar con Rubens por encargo del embajador inglés en La Haya. Con importantes encargos oficiales, Grebber gozó de una holgada posición económica, con numerosas propiedades, incluida una finca en Hillegom. Fue enterrado en la iglesia de San Bavón de Haarlem el 6 de marzo de 1649.

El siguiente cuadro se titula “Retrato de un hombre desconocido”, obra del pintor Pieter de Grebber (1600-1653), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1628.

Pieter de Grebber, nacido en Haarlem hacia 1600, descendía de una familia católica de artistas. Su padre Frans Pietersz. de Grebber (1573–1643), era un pintor, bordador y marchante de arte de Haarlem donde había alcanzado cierto renombre, teniendo como discípulos, además de a sus propios hijos Albert y María, quien más adelante llegaría a ser la suegra de Gabriel Metsu, a Pieter Jansz Saenredam y Judith Leyster entre otros. Aunque del mismo modo Pieter debió de iniciarse en el aprendizaje de la pintura en el taller paterno es posible que también tuviese como maestro a Hendrick Goltzius hasta la muerte de este, en 1616.

El siguiente cuadro se titula “Madre y niño”, obra del pintor Pieter Fransz de Grebber (1600-1653), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1622. Tiene unas medidas de 98,5 x 73,4 cm.

El cuadro representa una escena normal en la vida cotidiana donde una mujer alimenta a su hijo mientras lee un libro, probablemente un salterio (libro de salmos) ; representa una escena virtuosa. La imagen se considera una representación de “caritas”, caridad, generalmente retratada como una mujer con un pecho descubierto rodeado de niños. La pintura también sugiere una representación de María y Jesús; El anillo en el cabello de la mujer puede ser una referencia oculta a un halo.

El siguiente cuadro se titula “Glorificación del Príncipe William I”, obra del pintor Hendrisk Gerrtsz Pot (1580-1657), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1620.

Pot es autor de una obra extensa y variada, en estilos también diversos , aunque su obra principal fuesen los retratos, desde los retratos de medio cuerpo o de tres cuartos inscritos en óvalos de mármol fingido, como son los retratos en miniatura, los retratos de pareja o al modo de una conversation piece, como el citado retrato doble de Carlos I y Enriqueta María con el príncipe de Gales, o el retrato de grupo, en un estilo que recuerda las obras de Frans Hals. Pintó también escenas de género a la manera de Dirck Hals —Festín de bebedores, 1633, Róterdam, Museum Boijmans Van Beuningen—, alegorías, incluso con recuerdos tardomanieristas en obras como el Triunfo de Carlos I de Orange o el Carro de Flora del Frans Hals Museum, y cuadros de historia sobre temas bíblicos, como Ester en su tocador o David escribiendo los Salmos, cercanos en su estilo al de Pieter de Grebber.

El siguiente cuadro se titula “Llegada de Frederik V a Flushing”, obra del pintor Hendrick Cornelisz Vroom (1562-1640), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1623. Tiene unas medidas de 203 x 409 cm.

Momento en que los navíos saludan con salvas a la pareja real que llega en el barco Prince Royal. Las banderas blancas de la armada real inglesa ondean al viento. La balandra con invitados reales acaba de entrar en Vlissingen. El barco en el frente es de de la casa Orange: Maurits y Frederik Hendrik saludan a sus huéspedes reales. El evento fue de gran importancia para la República : el príncipe Federico fue un símbolo de la causa protestante, dirigido contra el gobernante español y la Inquisición católica. Esto también explica por qué el tema ha sido muy relatado .

El siguiente cuadro pertenece al maestro “Regentes del hogar de ancianos”, obra del pintor Frans Hals (1582-1666), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1664. Tiene unas medidas de 172,3 x 256 cm.

Aquí vemos a los regentes de Oudemannenhuis, un hogar para personas mayores de 60 años. Los regentes están sentados alrededor de la mesa. Detrás de ellos está el padre mayor que, junto con la madre mayor, administraban la entidad. La falta de precisión de Hals en el estilo de la pintura, característica de su trabajo tardío, provocó críticas en el siglo XIX. Habría sido demasiado viejo para pintar. Después de todo, cuando hizo este retrato, el artista tenía más de 80 años. El segundo personaje desde la derecha tiene una mirada extraña en sus ojos. En el siglo XIX se pensó que estaba retratado borracho, pero probablemente sufría de parálisis facial.

El siguiente cuadro pertenece al maestro “Retrato de Stphanus Geraerdts”, obra del pintor Frans Hals (1582-1666), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1650. Tiene unas medidas de 115 x 87 cm.

El cuadro representa el retrato de un concejal de Haarlem es reconocible por su escudo de armas en el fondo. Su postura relajada hace que el trabajo sea bastante singular, porque los regentes holandeses tendían a inmortalizarse en posturas formales. Su expresión era generalmente muy seria, mientras que Geraerdts parece sonreírle a alguien a su derecha. Hals capturó esta sonrisa en solo unas pocas pinceladas efectivas. Probablemente comenzó dibujando la expresión de su modelo directamente en el lienzo. El atuendo del concejal también se presenta de manera espléndida: las pinceladas rápidas y rectas crean la ilusión de una túnica negra profunda con bordados dorados. La manga y la mano extendida son, además, uno de los ejemplos más virtuosos de la pintura barroca.

La sonrisa de Stephanus Geraerdts está, de hecho, dirigida a otro cuadro que pinto donde aparecía su esposa Isabella Coymans, quien, astutamente, le ofrece una rosa. Originalmente, los dos retratos formaban una pareja, pero se separaron en 1886.

El siguiente cuadro “Retrato de un hombre”, obra del pintor Johannes Cornelisz Verspronck (1600-1662), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1641. Tiene unas medidas de 84,2 x 67,2 cm.

Johannes Cornelisz Verspronck nació en Haarlem como hijo del pintor Cornelis Engelsz de Gouda, quien le enseñó a pintar. En 1632 se convirtió en miembro de Haarlem Guild of St. Luke y comenzó una exitosa carrera como retratista de la mayoría de los católicos en Haarlem. Pudo haber sido un alumno de Frans Hals , y fue fuertemente influenciado por él, especialmente en sus expresiones naturales y poses relajadas. Es mejor conocido por su exactitud en detalles de pintura, como joyas y encajes, lo que lo hizo bastante popular entre las mujeres. En particular, ganó una comisión lucrativa en 1642 para un retrato grupal de las regentes de Heilige Geesthuis, en ese momento una de las instituciones de caridad más ricas de Haarlem, situada en Krocht. Esto se ganó a expensas del propio Frans Hals, quien pintó a las regentes de Santa Isabel de Gasthuis en 1641 y esperaba ganar la comisión para las mujeres.

El siguiente cuadro pertenece al maestro “Regentes de la casa de mayores”, obra del pintor Frans Hals (1582-1666), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1664. Tiene unas medidas de 170,5 x 249,5 cm.

El cuadro representa a cuatro institutrices de la Casa de los Viejos Hombres. La madre de la casa está de pie detrás de ellas. Ella y el padre de la casa dirigían la vida diaria de la casa. La pintura en el fondo es quizás una representación del Buen Samaritano, un tema que ilustra la caridad de las regentes. Antes se pensaba que Frans Hals había vivido en el Hogar de los Viejos Hombres. Se sospechaba que quería vengarse con estos retratos de los regentes y regentes de los gobernantes estrictos. Eso explicaría por qué fueron representados de una manera tan poco halagüeña. Pero Frans Hals nunca vivió en el Hogar de los Viejos Hombres.

El siguiente cuadro “Regentes del Hospital Elisabeths”, obra del pintor Johannes Cornelisz Verspronck (1600-1662), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1641; tiene unas medidas de 152 x 210 cm.

El Elisabeths Gasthuis es el hospital más antiguo de Haarlem. Este hospital se encontraba en la esquina de Gasthuisvest y Groot Heiligland, frente al Museo Frans Hals, desde principios del siglo XVII hasta 1971. La gobernadora de Elisabeths Gasthuis encargó retratos de Verspronck en 1641, su primer retrato de un grupo grande. En la pintura de Verspronck se ve una cama de hospital a través de la puerta abierta de la derecha.

El siguiente cuadro se titula “Regentes del Leprozenhuis de Haarlem”, obra del pintor Jan de Braij (1627-1697), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1667. Tiene unas medidas de 142 x 197 cm.

La leprosería de Haarlem fue fundada en 1319. En el transcurso del tiempo surgió un complejo amurallado con varios edificios. Desde 1413, leprosos de toda Holanda y más allá llegaron a Haarlem para exámenes médicos. Más tarde, en el complejo, se atendieron y trataron personas enfermas (desde 1564) y enfermos de peste (desde 1653).

El siguiente cuadro se titula “Naturaleza muerta: ostras y frutas”, obra del pintor Jan Van de Velde III (1620-1662), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1652.

Hijo y discípulo del grabador Jan van de Velde II, hizo la mayor parte de su carrera en Ámsterdam donde en abril de 1643 contrajo matrimonio con Diewertje Willems. Fue enterrado en la Westerkerk de Enkhuizen, donde tenía familia, el 10 de julio de 1662, pero es posible que para entonces aún residiese en Ámsterdam, donde en 1688 todavía se encontraba registrada a su viuda.

De Jan van de Velde se conservan obras fechadas entre 1639 y 1662. Influido por Willem Claesz. Heda, cultivó el bodegón del tipo conocido como «banquete monocromo», en piezas de pequeño formato y con un reducido número de objetos situados en la esquina de una mesa: vasos o copas de cristal, en ocasiones llenos de cerveza, un plato de porcelana de China, una pieza de fruta o una baraja y algunos objetos de fumador, como las largas pipas de Gouda junto a encendedores y cajitas para el tabaco, en lo que se manifiesta también próximo a Pieter Claesz., aunque sirviéndose de una gama de color más brillante que la de este.

El siguiente cuadro se titula “Naturaleza muerta: taza y limón”, obra del pintor Pieter Claesz (1597-1660), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1633.

Pieter Claesz hizo su reputación con sus bodegones monocromáticos: pinturas de objetos en mesas grabadas con una paleta restringida: sutiles tonos de gris, marrón y verde. Esta obra, pintada en 1632, es muy típica de ellos. En una composición bellamente equilibrada, colocó platos de peltre, una taza de plata, un Berkemeijer, pan, aceitunas y un limón en la esquina de una mesa. Como de costumbre, firmó este trabajo con sus iniciales: PC, agregando una 'H' para 'Harlemensis' (de Haarlem).

El siguiente cuadro se titula “Naturaleza muerta”, obra del pintor Floris van Schooten (1585-1656), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1625. Tiene unas medidas 35,4 x 49,4 cm.

Sobre la mesa pan y vino, pescado y ostras; en la pajilla izquierda para ser usada como derrames y en la derecha un tubo. En el fondo una caja de yesca, una caja de pedernales y material para quemar. El punto de vista es alto, y el espectador parece mirar hacia abajo sobre la mesa. Esta imagen íntima es un raro ejemplo de las naturalezas muertas de Floris van Schooten a partir de la década de 1620, y se cuenta entre las mejores obras del artista.

El siguiente cuadro se titula “Naturaleza muerta: frutas, nueces y queso”, obra del pintor Floris van Dijck (1575-1651), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1613. Tiene unas medidas 66,6 x 95 cm.

Una mesa con un mantel de damasco, porcelana china, platos de peltre, quesos, fruta, pan y vino. Este tipo de naturaleza muerta se conoce como “pieza de desayuno” y se originó alrededor de 1610 en Amberes y Haarlem, entre otros lugares. El alto punto de vista es característico de los primeros bodegones: el espectador ve la tabla desde arriba. Todos los objetos se pueden ver claramente, casi no hay superposición. Cada detalle está pintado con precisión: la floración de las uvas, el agujero de gusano en la manzana pelada, el reflejo del pan en el plato.

El siguiente cuadro se titula “Piezas de banquete”, obra del pintor Pieter Claesz (1597-1660), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1623. Tiene unas medidas de 50 x 74,2 cm.

Esta naturaleza muerta muestra diferentes tipos de fruta y queso colocados uno junto al otro. En términos culinarios, esto puede no parecer una combinación muy lógica, pero en ese momento generalmente se aconsejaba que el estómago se “cerrara” después del plato principal al comer frutas ácidas, acompañadas de queso y nueces. Una pieza de exhibición como este tazón o taza de plata dorada hubiera sido un objeto muy precioso y solo se hubiera pasado entre los presentes en días especiales de fiesta. Los primeros bodegones de colores como este sugieren que Pieter Claesz debió entrenarse en Amberes. Al igual que otros pintores de bodegones de Amberes, Claesz colocó los objetos uno al lado del otro con poca o ninguna superposición. Las mesas también estaban iluminadas sobre un fondo oscuro.

El siguiente cuadro se titula “Vanitas”, obra del pintor Pieter Claesz (1597-1660), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1625. Tiene unas medidas de 29,5 x 43,5 cm.

La naturaleza muerta nos presenta una mesa con una vela quemándose, un reloj, una flor, una calavera y una letra con las palabras Haarlem y Georg ... Los objetos fueron cuidadosamente seleccionados para lo que representaban, la idea de que la vida misma es fugaz y relativa. La vela está casi apagada, el tiempo casi arriba, la flor está empezando a marchitarse. La muerte está esperando.

El siguiente cuadro se titula “Naturaleza muerta”, obra del pintor Willem Claesz Heda (1594-1680), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1658. Tiene unas medidas de 103 x 123 cm.

El llamado “pronkstilleven” o lujoso bodegón con objetos costosos como un plato chino, una ensaladera, un vaso, una jarra de plata y una copa de nautilus (hecha de un caparazón de nautilus). Las naturalezas muertas de Heda se fueron llenando y enriqueciendo gradualmente después de 1640: la cantidad de objetos creció y se mantuvieron unidas. Los colores también se hicieron más ricos. A través de sus lujosas naturalezas muertas, Heda pudo mostrar su talento: fue un maestro en la interpretación de diferentes telas y materiales y los reflejos de la luz.

El siguiente cuadro se titula “Bodegón”, obra del pintor Willem Claesz Heda (1594-1680), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1633. Tiene unas medidas de 58,6 x 79 cm.

Los bodegones del pintor son típicamente holandeses, con muy pocos elementos ordenados de manera simple: restos de una tarta, un vaso de vino medio vacío, frutas a medio pelar, jarras de estaño, cáscaras de nueces. No suelen ser mesas repletas de comida, abundantes, sino más bien presentan restos de comidas frugales, que invitan a reflexionar sobre la fugacidad de los placeres humanos. Aun así, presenta imágenes apetitosas con delicadezas como ostras sobre ricos platos, y rara vez sin su rodaja de limón, pan, espumoso, aceitunas y repostería. Incluso las más triviales comidas resultan encantadoras, con sus lonchas de jamón, pan, nueces y cerveza.

El siguiente cuadro se titula “Escena de playa con figuras a caballo en las dunas y pescadores descargando sus capturas”, obra del pintor Willem Gillesz Kool (1608-1666), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1645-1650.

Willem Gillisz Kool nació en Haarlem, donde se convirtió en miembro del gremio de San Lucas de pintores en 1638. Se casó por primera vez en el mismo año. Después de la muerte de su esposa en el parto en 1639, crió solo a su hijo Jacob. No volvió a casarse hasta 1650. Entre 1656 y 1657 ocupó cargos de junta en el Gremio. Después de su retiro como miembro de la junta, donó un cuadro de playa de su mano al gremio.

El siguiente cuadro se titula “Paisaje forestal”, obra del pintor Jan Lagoor (1620-1660), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1652.

Lagoor nació en Gorinchem en 1620. En 1645 se fue a Haarlem para casarse con Francina Dwingeloo, hija del pastor protestante Bernardus Dwingeloo de Leiden. En Haarlem se convierte en miembro del Gremio de San Lucas (es miembro de la junta en 1645).

En el período del 31 de diciembre de 1653 y del 12 de marzo de 1655 se mudó a Ámsterdam. Allí su hija Hesther fue bautizada el 18 de julio de 1658. Hesther murió cinco días después. Francina muere unos meses después y es enterrada el 2 de diciembre de 1658. Después de la muerte de su esposa, Lagoor se convierte en comerciante. Fue declarado en quiebra a finales de 1659. Abandona Ámsterdam el 6 de enero de 1660, después de lo cual no se sabe nada de él.

El siguiente cuadro se titula “Paisaje con camino de arena”, obra del pintor Jan Steen (1626-1679), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1648.

Steen fue criado en una familia adinerada que administraba una taberna en Leiden. Como su contemporáneo aún más famoso Rembrandt van Rijn (1606-1669) Jan Steen acudió a la escuela de latín en Leiden. Recibió su formación en pintura del maestro Nicolaes Knüpfer (1603-1660), que era un pintor alemán especializado en escenas históricas en Utrecht. La influencia de Knupfer se puede encontrar en el uso que hace posteriormente Steen de la composición y del color de los cuadros. Otra fuente de inspiración era Adriaen van Ostade (1610-1685), pintor de escenas rurales que vivió en Haarlem. Si Steen estudió realmente con Ostade es algo que no se sabe con certeza en la actualidad.

El siguiente cuadro se titula “Paisaje con campesinos regresando”, obra del pintor Pieter Pietersz de Molijn (1595-1661), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1647. Tiene unas medidas de 76 x 93,5 cm.

El cuadro muestra como varios campesinos regresan a casa. Una mujer lleva la cosecha sobre su cabeza. El paisaje está pintado en tonos verdes y marrón con muy pocos colores brillantes. Este uso "tonal" de los colores estaba de moda en la pintura de paisajes alrededor de 1630-1640. Pieter de Molijn nació en Londres con padres flamencos. A la edad de unos 20 años se fue a vivir a Haarlem. De Molijn pintó los paisajes al fondo en algunos de los retratos de Hals.

El siguiente cuadro se titula “Paisaje en el río Paarne de Haarlem”, obra del pintor Gerrit Adriaensz Berckheyde (1638-1698), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1670.

Gerrit Adriaensz. Berckheyde nació en Haarlem en una familia de artistas. Su formación estuvo a cargo de su hermano mayor, el pintor de arquitecturas Job Berckheyde. Juntos realizaron un extenso viaje por Alemania, Llegaron a Heidelberg, ciudad donde trabajaron para el elector del Palatinado, Carlos Luis. Regresaron a Haarlem en 1660, año en el que Gerrit está inscrito en el gremio de San Lucas. Los hermanos Berckheyde compartieron casa y, probablemente, estudio. Ambos trabajaron el mismo género, pinturas de arquitecturas, y nunca dejaron de influirse mutuamente.

El siguiente cuadro se titula “Paisaje en Bakenessergracht”, obra del pintor Gerrit Adriaensz Berckheyde (1638-1698), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1647. Tiene unas medidas de 86.5 x 97.5 cm.

Con esta vista bellamente equilibrada de la Bakenessergracht, el joven Berckheyde demuestra sus habilidades excepcionales. Usando su sentido de la luz, la forma y el ritmo, el pintor crea grandes contrastes en su composición. Mientras que, en el lado soleado del canal, una doncella común sumerge en silencio su trapeador en el agua, el lado sombreado está lleno de actividad. Los barriles de cerveza de la cervecería se cargan en un barco, mientras que el cervecero da las últimas instrucciones para el transporte. Haarlem era conocido por sus numerosas fábricas de cerveza, y eso hace que esta visión aparentemente casual de la industria moderna de la ciudad sea muy atractiva. Lo que es notable es la decisión de Berckheyde de colocar a la cervecera y su cervecería en la sombra y hacer que la luz golpee a la sirvienta común en el lado derecho.

El siguiente cuadro se titula “Mercado del pescado de Haarlem”, obra del pintor Gerrit Adriaensz Berckheyde (1638-1698), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1692. Tiene unas medidas de 56,5 x 47 cm.

El pintor describe el bullicioso mercado de pescado en Haarlem mirando hacia el Ayuntamiento. Hasta 1603 se vendió pescado en la plaza del mercado. El mercado de pescado fue construido para la venta de pescado de mar debido al terrible olor. El pescado del río continuó vendiéndose afuera: en el mercado de pescado del río. Esta es solo una de las versiones de Berckheyde de esta pintura. Hay diversas pinturas que no difieren mucho.

El siguiente cuadro se titula “Grote Mark con personas”, obra del pintor Gerrit Adriaensz Berckheyde (1638-1698), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1671. Tiene unas medidas de 53,3 x 62,5 cm.

Gerrit Berckheyde se especializó en la representación de vistas urbanas, que acusan características de Saenredam por su fidelidad a los modelos. Sus motivos, monumentos y grandes edificios, están situados en grandes plazas, favoreciendo así la espaciosidad y claridad de sus paisajes. En esta ocasión representa el centro urbano de la ciudad de Haarlem en un día con hombres vestidos de época.

El siguiente cuadro se titula “Grote Mark con san Bavo”, obra del pintor Gerrit Adriaensz Berckheyde (1638-1698), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1691. Tiene unas medidas de 69,5 x 90,5 cm.

El paisaje urbano donde aparece El Vleeshal (Mercado de carnes), a la derecha de la iglesia, fue construido en 1602-1603 por Lieven de Key, el arquitecto de la ciudad. El mercado de la carne es ahora parte del Museo Frans Hals. Ahora se puede ver el arte donde antes se vendía la carne. El edificio bajo adyacente a la iglesia es el antiguo mercado de pescado de 1603. El edificio actual data de 1768. La persona que caminaba, a la izquierda en primer plano, había sido pintada y solo fue redescubierta durante los trabajos de restauración.

El siguiente cuadro pertenece al maestro “El niño del pescado”, obra del pintor Frans Hals (1582-1666), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1630. Tiene unas medidas de 74 x 61 cm.

El cuadro aparece un niño pescador, muestra una risa al espectador. Tiene los brazos cruzados sobre el pecho. Lleva una gorra pequeña, su cabello está desordenado. Lleva una chaqueta de manga ancha y porta una cesta en la espalda. En la parte posterior hay un paisaje, a la derecha se puede ver un trozo de mar.

El siguiente cuadro se titula “Ciudad en feria”, obra del pintor Jan Havicksz Steen (1626-1679), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1665.

Jan Steen se dedico a pintar al pueblo durante sus fiestas, estos paisajes si hicieron más populares según la pintura llegaba a capas sociales más bajas, eran muy solicitadas por pequeños comerciantes para decorar sus pequeños negocios.

El siguiente cuadro se titula “Viajero llega a casa del campesino”, obra del pintor Isaac van Ostede (1621-1649), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1648. Tiene unas medidas de 51 x 43 cm.

Isaac Jan van Ostede comenzó a estudiar pintura con su hermano Adrián hasta que en 1641 comenzó a trabajar por su cuenta. Al principio estaba influenciado por Rembrandt pero pronto encontró un estilo más personal aunque casi siempre su trabajo se encontraba subordinado al de su hermano. A partir de 1644 empieza a distinguirse de su hermano con las escenas de género sobre un río helado. Entre 1646 y 1649 realiza cuadros sobre posadas en los cruces de caminos con un estilo muy personal. En 1643 ingresó en el gremio de San Lucas en Haarlem.

El siguiente cuadro se titula “Feria en el pueblo”, obra del pintor Cornelis Dusart (1660-1704), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1684. Tiene unas medidas de 80 x 70,8 cm.

El cuadro aparece un violinista en un banco, rodeado de personas bailando. Hay una feria en el pueblo. Los juerguistas no están pintados sin una razón; La pintura contiene un mensaje. Dusart está advirtiendo a su público a no unirse a estos excesos. Cornelis Dusart fue alumno de Isaack van Ostade. Incluso terminó una serie de pinturas sin terminar de Van Ostade. Maestro y aprendiz eran muy cercanos en estilo.

El siguiente cuadro se titula “Fiesta rural”, obra del pintor Cornelis Dusart (1660-1704), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1690.

El cuadro muestra una fiesta en la feria rural, la gente se reúne en un edificio donde una mujer toca una gaita un niño toca la flauta. Un niño a la derecha se para a jugar.

El siguiente cuadro se titula “Danza en pareja”, obra del pintor Adriaen van Ostade (1610-1685), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1635. Tiene unas medidas de 38 x 52 cm.

El cuadro muestra en una taberna el momento en que se hace música con violín mientras con la gente bebe alcohol, una pareja baila animada al son de la música.

El siguiente cuadro se titula “Campesinos en la posada”, obra del pintor Adriaen van Ostade (1610-1685), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1650.

Escena costumbrista holandesa donde se muestra en el interior de la posada como la gente bebe fuma y conversa al calor de una chimenea, el perro completa la escena con cara de aburrimiento.

El siguiente cuadro se titula “Vista de Haarlem”, obra del pintor Alleart van Everdingen (1621-1675), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1650. Tiene unas medidas de 39 x 65.5 cm.

El cuadro representa un momento en la tormenta en el Noorder Buiten Spaarne. En el fondo se puede ver la ciudad de Haarlem, de izquierda a derecha, el Bakenesserkerk, la torre del reloj y la iglesia de San Bavo. Una inscripción aparentemente aleatoria, AVE en un barril a la derecha, es de hecho la firma del pintor Allaert van Everdingen. Van Everdingen pintó escenas de mar y río y capturó vistas de muchos pueblos y ciudades sobre el agua. Era un gran admirador de Jan Porcellis, y poseía no menos de trece de sus pinturas.

El siguiente cuadro se titula “Escena en el río”, obra del pintor Jan Josephsz can Goyen (1596-1656), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1649. Tiene unas medidas de 40 x 56 cm.

La expansión del cielo, el horizonte bajo y el oscuro primer plano con un golpe de pesca crean un efecto de espacio. La luz del sol sobre el agua y los contrastes de claroscuro añaden atmósfera. La iglesia al fondo es la Grote o St Laurenskerk en Alkmaar, un edificio que también aparece en otras obras de Van Goyen. El pintor se especializó en este tipo de vista costera y fluvial, una amalgama de realidad e imaginación. Cientos de sus pinturas han sobrevivido, la mayoría en tonos de marrón. Nacido en Leiden, trabajó en Haarlem desde 1617 hasta 1618 como alumno del pintor de paisajes Esaias van de Velde.

El siguiente cuadro se titula “Vista del río con barco”, obra del pintor Salomon van Ruysdael (1600-1670), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1664. Tiene unas medidas de 49,4 x 68,4 cm.

El cuadro representa un paisaje en el momento que un trasbordador se acerca al muelle. El barquero tira del bote a lo largo de una cuerda en el agua. La firma de Ruysdael y la fecha aparecen en el barco. Las iglesias y los castillos en las pinturas de Salomon van Ruysdael rara vez se pueden identificar. El pueblo y el bastión en esta pintura parecen lugares reales, pero ha resultado imposible identificarlos. Salomon y su hermano Isaack, el padre del pintor Jacob van Ruisdael, en realidad se llamaban De Goyer. Cambiaron su nombre por el del castillo de su padre, Ruisschendael.

El siguiente cuadro se titula “Paisaje con barcos en Wijkermeer”, obra del pintor Salomon van Ruysdael (1600-1670), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1655.

Salomon van Ruysdael se especializó en paisajes desde el río, pero también pintó paisajes, paisajes marinos y algunos bodegones. A pesar de la repetición frecuente de motivos identificables en sus pinturas, no son repetitivos ni estilizados. Van Ruysdael, junto con sus compañeros artistas Pieter de Molijn y Jan van Goyen, intentaron experimentar los efectos del tono en las pinturas, donde el estado de ánimo no se evoca a través de la acción, sino a través de la sutil combinación de color y textura para construir una escena evocadora.

El siguiente cuadro se titula “Naves en un vendaval”, obra del pintor Jan Porcellis (1583-1632), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1618. Tiene unas medidas de 47 x 71 cm.

El pintor hace una recreación con sutiles tonos marrones y grises, desde el blanco plateado hasta la oscuridad inminente, Jan Porcellis conocía las fuerzas naturales. También en esta pintura, se siente casi la atmósfera del mar salvaje en un clima tormentoso, con olas altas y aire turbulento. Otros pintores marinos siguieron su ejemplo; y los pintores de paisajes y bodegones comenzaron a realizar las llamadas pinturas monocromáticas en la década de 1620. El historiador de la ciudad Samuel Ampzing elogió a Porcellis en su libro de 1628 como "el mayor constante en barcos", o "el marinero más grande de Haarlem".

El siguiente cuadro se titula “Vista de Haarlem”, obra del pintor Hendrik Cornelisz Vroom (1562-1648), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1625. Tiene unas medidas de 61 x 122,5 cm.

El paisaje representa en el fondo la ciudad de Haarlem con sus torres de iglesias y molinos de viento. En primer plano, los barcos en el río. El río Spaarne era una ruta importante a Haarlem. En ese momento la mayoría del transporte era en buque. El barco de la izquierda lleva la bandera de Haarlem: roja, con espada y estrellas. Vroom pintó el Bavokerk en el centro de la pintura. También hay otras torres reconocibles: a la izquierda, el Bakenesserkerk, y, entre las velas del gran barco, la torre del New Kerk. Hendrick Vroom de Haarlem fue el primer pintor holandés especializado en vistas al mar y al río.

El siguiente cuadro se titula “Captura Damietta”, obra del pintor Cornelis Claesz van Wieringen (1577-1633), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1628. Tiene unas medidas de 101 x 230 cm.

En este cuadro, un barco de Haarlem rompe la cadena que protege el puerto egipcio de Damietta: un momento legendario de la Cruzada de 1219. El Haarlem Calivermen ordenó este cuadro para la repisa de la habitación del capitán para conmemorar el pasado heroico de Haarlem. La ubicación bastante torpe de los barcos en el agua y la luz solar irregular aquí y allá es típica de Cornelis van Wieringen. También diseñó un tapiz de esta historia para el ayuntamiento de Haarlem, donde aún cuelga.

El siguiente cuadro se titula “Cervecería Drie Lelien en Haarlem”, obra del pintor Jacob Adriaensz Matham (1571-1631), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1627. Tiene unas medidas de 71 x 116 cm.

El cuadro representa la cervecería De Drie Leliën desde el río Spaarne. En el fondo, la casa de campo propiedad de Jan Claesz van Loo, que también era propietaria de la cervecería. Además de ser cervecero, van Loo también fue alcalde y oficial de la milicia de Haarlem. Arriba, tres escudos de armas: centro, el escudo de armas de la familia de Van Loo, a la izquierda, el antiguo escudo de armas de Haarlem y a la derecha, el nuevo escudo de armas de Haarlem. La elaboración de cerveza era una industria importante en Haarlem. Hubo más de 50 cervecerías en Haarlem a principios del siglo XVII. El agua limpia fue bombeada usando postes especiales y traídos por barco desde las dunas. El agua fue llevada a la cervecería a lo largo de un canal que conducía a lo alto de la carretera. La técnica de esta pintura está entre el dibujo y la pintura.

El siguiente cuadro se titula “Interior de la iglesia Santa Ana”, obra del pintor Pieter Jansz Saenredam (1597-1665), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1652. Tiene unas medidas de 65,5 x 93 cm.

La iglesia en esta pintura fue diseñada por el amigo de Saenredam, Jacob van Campen, y se puso en uso por primera vez en mayo de 1650. Con su piso cuadrado, la iglesia está construida en forma de una cruz griega. Los cuatro brazos de esta cruz están cubiertos con bóvedas de madera de cañón. Las figuras humanas se muestran de hecho más pequeñas que en la realidad. Saenredam probablemente hizo esto para enfatizar el carácter monumental de la arquitectura. Las dos columnas redondas en el centro, a la izquierda y derecha de la entrada, nunca se ejecutaron y solo existieron en el borrador de Van Campen.

El siguiente cuadro se titula “Fiesta en el jardín”, obra del pintor Esaias van de Velde (1587-1630), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1619. Tiene unas medidas de 34 x 51,5 cm.

El cuadro refleja una mesa vestidos a la moda en el jardín con platos y jarras caras. A la derecha, una fuente. En primer plano, un barril para mantener la comida y las bebidas frías. En el fondo, a la izquierda, una casa grande. Todo se suma a la sugerencia del jardín de un amante: la gente, en parejas en la mesa; la fuente (fuente de amor); La casa (el palacio de un amante). El jardín del amante tiene un mensaje: no te apegues demasiado al exceso de amor mundano, porque esto es solo pasajero.

El siguiente cuadro se titula “Parada en el herrero”, obra del pintor Philips Wouwerman (1619-1668), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1660.

En las obras de Philips Wouwerman demuestra una gran vitalidad y cuidado acabado, son muy variadas aunque pertenezcan a unos pocos temas, mayormente ecuestres: cacerías, batallas, campamentos militares, paisajes con viajeros... Se pueden distinguir tres periodos en su carrera, por variaciones en su estilo. Sus primeras obras delatan influencia de Pieter van Laer, Bamboccio, por su colorido terroso y un dibujo anguloso. Las de su época intermedia son muy depuradas y brillantes de color, con una gama más plateada, y sus últimas obras resultan más bien recargadas de figuras y un tanto apagadas de color, aunque mantienen cierto vigor.

El siguiente cuadro se titula “Tentación de San Antonio”, obra del pintor Jan Mandyn (1500-1560), realizado al óleo sobre madera, está datado en 1535. Tiene unas medidas de 61 x 83,5

Jan Mandijn o Mandyn fue un pintor holandés que trabajo principalmente en Amberes (Flandes) especializado en cuadros con escenas fantásticas y grotescas al modo de El Bosco.

Poco se sabe de su vida; algunas fuentes precisan que nació en 1502 pero comúnmente su nacimiento se data hacia 1500.

Se estableció en Amberes en 1530 donde convivió por un tiempo con Pieter Aertsen. Registrado en el gremio de San Lucas entre 1530 y 1557, pronto se hizo famoso por sus escenas bizarras recreando las de El Bosco, al igual que otro seguidor de este maestro: Pieter Huys. Uno de sus temas predilectos era el de Las tentaciones de san Antonio, que permitía incluir figuras diabólicas.

En 1549 colaboró en la decoración de los arcos triunfales levantados con motivo de la visita de Felipe II a Amberes. Tuvo dos discípulos luego famosos como artistas independientes: Gillis Mostaert y Bartholomeus Spranger.

La obra nos presenta a San Antonio Abad rezando dentro de un árbol hueco. Es atacado por criaturas monstruosas que intentan persuadirlo para que lleve una vida disoluta. A través de su fe firme San Antonio resistió la tentación. El cerdo en la esquina inferior derecha es un atributo de Antonio y la orden monástica que lleva su nombre. Los monjes de San Antonio cuidaban a los enfermos de la ciudad. A cambio, se les permitía dejar que sus cerdos vagaran libremente por las calles. San Antonio es venerado como el santo que protege de enfermedades humanas y animales.

La obra Jan Mandyn nos permite comparar con el original de las Tentaciones de San Antonio del Bosco, aunque se trata de un tríptico fue pintado en 1498, tríptico pintado al óleo sobre tabla.

El cuadro trata de integrar en tres espacios unitarios múltiples escenas y narraciones sobre la vida de San Antonio que tuvo que resistir durísimos ataques del maligno. El pintor seguramente puede leerlas en la descripción que hace San Anastasio de la vida de San Antonio. Los tres paneles son utilizados para describir un sinfín de seres y episodios que desafían la interpretación y el entendimiento, ocupan los cuatro elementos del universo: aire, tierra, agua y el fuego.

El santo es analizado por el pintor en tres secuencias de su legendaria vida como eremita: a la izquierda, es agredido físicamente por los demonios que lo elevan en el aire y lo precipitan al suelo; a la derecha, se representa enfrentado a las tentaciones de la carne y el pecado de la gula; en el centro del panel central, es confrontado con la mayor de las tentaciones para un religioso, como es el abandono de la Fe. En el centro de todo, hay un molino diabólico, en un espacio en un tiempo invadido por el mal, San Antonio mira hacia nosotros y apunta hacia una doble representación de Cristo, figura e imagen refugiados en una ruina.

Además de la narración de la biografía del santo, la obra encierra en todo su recorrido una visión muy particular de un mundo invadido por el mal, personificado por una serie de seres demoniacos y aparentemente fantásticos fruto de la mente del pintor que obedece a una tradición figurativa medieval y muy representada en la mente del hombre románico.

El tríptico es considerado como un tratado de demonología –rama de la teología y de la mitología que se encarga del estudio de los demonios y sus relaciones–, el pintor representa el espacio y el mundo en una unidad sintética moderna, también por la utilización, no oculta, de una amplia representación de imágenes chocantes, en las que el pintor comienza a emplear un nuevo método para mostrar el material iconográfico antiguo y tradicional.

La contemplación del cuadro debía de empezar por el anverso que se aprecia cuando el tríptico está cerrado, donde aparecen unas dramáticas “grisallas expuesto en el reverso de los paneles laterales. Estas pinturas hablan de dos escenas de la Pasión de Cristo: la captura y el Camino al Calvario en el momento del encuentro de Cristo con Santa Verónica. Ambas escenas están marcadas por la violencia y por el espacio desértico en el primer plano, desierto que en el lugar de cadáveres y de condenados a muerte y a la desolación, lo que acentúa el mensaje pesimista que nos anuncia lo que podremos ver en el interior del tríptico.

Una vez abierto el tríptico en la parte central podemos ver la misa negra o del diablo es una de las perversiones ofrecidas al ermitaño donde se encuentra al pie de la puerta de una capilla destartalada, en la que se ve a Jesús solo, San Antonio no hace caso a las seducciones de la mujer y sus insinuantes tentaciones. Detrás, una pareja de ricos juega a los dados. Debajo, el diablo, puerco tonsurado (corte de pelo de los clérigos) con casulla, celebra la misa negra como indica Malleus Maleficarum –tratado de brujería– muy criticado en la sociedad medieval. Mientras se celebra el aquelarre las brujas y magos conservan su aspecto humano, aunque en el cuadro tienen formas espeluznantes: son demonios que han salido del infierno sin disfrazarse de personas. Algunos de ellos aparecen con cuerpos deformes, otros con máscaras infames. Aprovecha elementos vegetales y animales como objetos de uso más común: el porrón el embudo, el tamiz, aludiendo a todos los vicios, en especial al sexo y la gula. También se representa a un pájaro como símbolo masculino, y el pescado como símbolo femenino.

El siguiente cuadro se titula “Cosecha de la Uva”, obra del pintor Caesar van Everdingen (1616-1678), realizado al óleo lienzo, está datado en 1655. Tiene unas medidas de 175 x 168 cm.

Cinco mujeres juntas representan las diversas etapas de la cosecha del vino. La mujer de la derecha lleva una cesta de uvas, en el medio una mujer pisa las uvas en un barril, y una tercera mujer vierte vino en un vaso que sostiene una cuarta mujer. La quinta mujer en el extremo izquierdo sostiene un klepper, que es un tipo de sonajero usado para marcar el tiempo de pisado de la uva. Haarlem, donde se creó este trabajo, solía llamarse madera de Baco por Baco, el dios romano del vino. Se dijo que las vides crecieron en Haarlem: esto puede explicar la escena.

El siguiente cuadro se titula “Paisaje en Brasil”, obra del pintor Frans Jansz Post (1612-1680), realizado al óleo lienzo, está datado en 1656. Tiene unas medidas de 41 x 59 cm.

El cuadro representa una plantación azucarera brasileña, pintada por un holandés. En 1637, Post fue a Brasil con Johan Maurits van Nassau-Siegen, gobernador de los territorios holandeses en Brasil. La comisión de Frans Post fue hacer un registro preciso del paisaje, las personas, las flores y los animales. A su regreso, Post continuó pintando escenas brasileñas. Estos paisajes eran los favoritos de los coleccionistas, y tenían un buen precio.

Los siguientes dos cuadros se titulan “Retratos de Adriaen Pouw y Adriana van Ruytenburgh”, obra del pintor Gerard Ter Borch (1617-1681), realizado al óleo lienzo, está datado en 1640.

Ter Borch nació en la provincia neerlandesa de Overijssel. Recibió una excelente educación por parte de su padre, también artista, y desarrolló su talento muy pronto. La inscripción en un estudio sobre una cabeza prueba que Ter Borch estaba en Ámsterdam en 1632, donde estudió posiblemente con C. Duyster o P. Codde.

El siguiente cuadro se titula “Fiesta de San Nicolás”, obra del pintor Richard Brakenburgh (1650-1702), realizado al óleo lienzo, está datado en 1690.

El cuadro narra una escena burguesa de la fiesta de San Nicolás. En el interior de una casa una familia celebra la fiesta, los niños rodean la mesa. El pintor hizo muchas variedades de este tipo de escenas.

El siguiente cuadro se titula “María Magdalena”, obra del pintor Jan Nagel (1560-1602), realizado al óleo lienzo, está datado en 1592. Tiene unas medidas de 111 x 81,5 cm

El cuadro parece representar a María Magdalena, una seguidora de Jesús, se había convertido en una reclusa después de su muerte. Así es como la retratan aquí, con la Biblia en su regazo. A la izquierda del libro están la firma de Nagel y la fecha de la pintura. Además de María Magdalena, la pintura también representa símbolos que aluden al sufrimiento y la muerte de Jesús, mientras que en el fondo se ve una cueva con un altar, una referencia a la práctica de la fe cristiana. Esta es una de las seis pinturas conocidas del artista de Haarlem Jan Nagel.

El siguiente cuadro se titula “Alegoría de la Transcendencia”, obra del pintor Hedrick Gerritsz Pot (1580-1657), realizado al óleo madera, está datado en 1633. Tiene unas medidas de 58 x 73 cm

Una mujer se encuentra en medio de sus valiosas posesiones sosteniendo una carta. La cama con forma de armario, el perro y el laúd hacia arriba indican que esta descripción se refiere al amor. El sombrero y la chaqueta de un hombre se encuentran en una silla a la derecha. Usando su mirada seductora, la mujer nos invita a entrar en su mundo de vicio. Ella no ve a la anciana detrás de ella sosteniendo un cráneo y una flor marchita. Ella representa la fugacidad de la juventud, la belleza terrenal y la riqueza. Pot probablemente basó su pintura en una impresión de Jacob de Gheyn, con el texto: “Oro, piedra, riqueza y todos los vasos costosos, cuando llegue la Muerte , ¿para qué servirán?”.

El siguiente cuadro se titula “La cocinera licenciosa”, obra del pintor Pieter Gerritsz van Roestraten (1630-1700), realizado al óleo sobre lienzo, está datado en 1633. Tiene unas medidas de 73,5 x 63 cm.

El cuadro es muy realista, aunque no es una escena tomada de la vida cotidiana. Este es un cuadro erótico. La mujer es una descarada. Un mono, el epítome de la indecencia, levanta su vestido. El mono está en una cadena y nos recuerda que el hombre es prisionero de su propia lujuria pecaminosa. La imagen tiene un mensaje, enfatizado por la advertencia del dedo levantado del anciano: cuidado con el comportamiento pecaminoso. El creador de esta pintura, Pieter van Roestraten, fue alumno de Frans Hals. Se casó con Ariaentge Hals, la hija del pintor.

El siguiente cuadro se titula “Calisto espiado por Júpiter”, obra del pintor Nicolaes Pietersz Berchem (1621-1683), realizado al óleo lienzo, está datado en 1656. Tiene unas medidas de 129 x 164 cm.

La obra esta protagonizada por Calisto (en griego, “la más bella”), una ninfa en el séquito de la diosa Diana, descansa después de la caza. Perdida en sus pensamientos, apoya la mano sobre la presa que acaba de disparar, un ciervo magnífico, y no se da cuenta de que sus perros están ladrando para advertir de una catástrofe inminente. Recostado en su nube y acompañado por su águila, Júpiter ha notado a Calisto, quien caerá presa del gobernante de los dioses enamorado de su amor. Él tomará el disfraz de Diana y la raptará. El pintor describe este mito de la antigüedad clásica en una composición triangular equilibrada en la que todo gira en torno a la tensión erótica y al voyeurismo de Júpiter, un voyeurismo compartido por el espectador, que sabe lo que le espera a Calisto.

El siguiente cuadro se titula “Escuela de arte”, obra del pintor Michael Sweerts (1618-1664), realizado al óleo lienzo, está datado entre 1655-1660.

El cuadro muestra una rara representación dentro de una escuela de dibujo del siglo XVII en la que los estudiantes dibujan un modelo de desnudo masculino. La pintura sirvió como punto de partida para la presentación, con el tema “Dibujo del modelo en la Edad de Oro”.

El siguiente cuadro se titula “Venus y Cupido”, obra del pintor Taller Gerard van Honthorst (1592-1656), realizado al óleo lienzo, está datado entre 1625. Tiene unas medidas de 114 x 94 cm.

Cupido ha puesto su mano en el pecho de Venus y sostiene su barbilla, son gestos sugerentes. Venus, que yace en la cama, acepta las intimidades con una sonrisa deslumbrante. Pero ella se está volviendo hacia el espectador. Ella hace un gesto de invitación con la mano, como si estuviera preguntando si el espectador quiere unirse a ellos. Este Venus también puede haber sido pensado como un estímulo en el dormitorio de algún burgués. Durante mucho tiempo se pensó que la pintura era de Roeloff van Zijl, pero hoy en día se le atribuye al pintor nacido en Utrecht Gerard van Honthorst o a uno de sus ayudantes de taller.

El siguiente cuadro es una obra maestra “Proverbios holandeses”, obra del pintor Pieter Brueghel el Joven (1564-1638), realizado al óleo lienzo, está datado entre 1627. Tiene unas medidas de 116,5 x 167 cm.

Este es un pueblo imaginario lleno de personas y animales. Cada escena representa un viejo proverbio holandés. Hay más de 70 proverbios en la pintura. El propósito de Brueghel es mostrar a sus espectadores lo que no deben hacer. Él da vuelta al mundo al revés. Esta imagen es una copia de una pintada por su padre, Pieter Brueghel el Viejo. La familia Brueghel pintó varias versiones de este tema. Aparentemente estaban en gran demanda.

Otros nombres con los que es conocida esta obra son: La capa azul o El mundo del revés. Representa una tierra habitada con representaciones literales de proverbios flamencos de la época. La pintura rebosa de referencias y aún pueden identificarse la mayor parte de ellas; mientras muchos de los proverbios han sido olvidados o nunca se tradujeron a otros idiomas, algunos aún se usan. Los proverbios eran populares en tiempo de Brueghel: se publicaron una serie de colecciones, incluida una famosa obra de Erasmo. Frans Hogenberg produjo un grabado que ilustraba unos 40 proverbios alrededor de 1558 y el propio Brueghel había pintado una colección de Doce proverbios en tablas individuales en 1558, así como El pez grande se come al chico en 1556, pero se cree que los Proverbios flamencos es la primera pintura a gran escala sobre el tema. Rabelais representó una tierra de proverbios en su novela Pantagruel poco después en 1564.

Las pinturas de Brueghel tratan los temas de lo absurdo, las debilidades y las locuras humanas, en lo que sigue la tradición de El Bosco, y esta pintura no es una excepción. Originalmente se tituló La capa azul o la locura del mundo lo que indica que no pretendía tan sólo representar una colección de proverbios, sino más bien hacer un estudio de la estupidez humana. Muchas de las personas representadas muestran los característicos rasgos en blanco que Brueghel usaba para representar a los tontos. Con gran maestría Brueghel trata hasta el detalle más nimio.

Consigue una gran unidad, a pesar de los múltiples detalles, gracias a su unidad de composición, en torno a una diagonal que, desde la parte inferior izquierda, va hacia la parte superior derecha.

Hay cerca de cien «proverbios» identificados en la escena (aunque Brueghel puede haber incluido otros). Algunas expresiones se usan hoy en día, entre ellas: Nadar contra corriente, El pez grande se come al chico, Darse de cabezazos contra un muro de ladrillos y Armado hasta los dientes, y algunos son familiares, aunque no idénticos a expresiones inglesas, como por ejemplo Casting roses before swine (Echar rosas a los cerdos, equivalente a la expresión bíblica Echar perlas a los puercos (Evangelio de Mateo, capítulo 7, versículo 6, aunque en castellano, con traducción literal se suele decir echar margaritas a los cerdos). Muchos han decaído con el tiempo o nunca se usaron en inglés, como Tener el techo tejado de tartas, por ejemplo, que significa tener abundancia de todo y que era una imagen que Brueghel más tarde volvería a usar en su pintura de la idílica tierra de Jauja. Sería semejante a la expresión española: Atar los perros con longaniza(s). La Capa azul a la que se refiere el título original está colocada sobre el hombre en el centro de la pintura con su esposa. Esto indicaba que ella le era infiel. Otros proverbios indican la estupidez del hombre: un hombre llena una charca después de que su becerro haya muerto, justo encima de la figura central del hombre con capa azul; otro lleva la luz del día en una cesta. Algunas de las figuras parecen representar más de una expresión (si esto era intención de Brueghel o no, se desconoce), como el hombre que esquila una oveja en el centro, en la parte inferior izquierda del cuadro. Está junto a un hombre que esquila un cerdo, así que representa la expresión: Uno esquila ovejas y otro esquila cerdos, lo que significa que uno aventaja al otro, pero también puede representar el consejo Esquílalas pero no las despellejes, lo que significa que hay que sacar el mejor partido que se pueda a los activos.

El siguiente cuadro se titula “Venus y Cupido lamentando la muerte de Adonis”, obra del pintor Cornelis Holsteyn (1618-1658), realizado al óleo lienzo, está datado entre 1647. Tiene unas medidas de 99 x 207 cm.

La concepción y el detalle de esta pintura se basaron en una impresión de 1606 de Antonio Tempesta. Una de las cosas que llama la atención son proporciones inusuales del cuadro (su anchura es más del doble de su altura) crean un efecto marcadamente horizontal. Dado que la pintura se ejecutó originalmente para servir de ornamento, el formato puede haber sido elegido para adaptarse a su ubicación.

El siguiente cuadro se titula “Phaeton de luto”, obra del pintor Nicolaes van Helt Stockade (1614-1669), realizado al óleo lienzo, está datado entre 1656.

Faetón, desafiado por Epaphus y sus compañeros de juego, buscó la seguridad de su madre de que su padre era el dios del sol Helios. Ella le dio la garantía solicitada y le dijo que se dirigiera a su padre para confirmarla. Le pidió a su padre alguna prueba que demostrara su relación con el sol. Cuando el dios prometió concederle lo que quisiera, insistió en que se le permitiera conducir el carro solar por un día. Según algunos relatos, Helios trató de disuadir a Faetón, diciéndole que incluso Zeus no era lo suficientemente fuerte como para guiar a estos caballos, pero de mala gana cumplió su promesa. Colocado a cargo del carro, Faetón no pudo controlar a los caballos. En algunas versiones, la Tierra se congeló por primera vez cuando los caballos treparon demasiado alto, pero cuando el carro luego chamuscó la Tierra al acercarse demasiado, Zeus decidió evitar el desastre al golpearlo con un rayo. Faetón cayó a la tierra y fue asesinado en el proceso.

El siguiente cuadro se titula “Retrato de una mujer”, obra del pintor Judith Jansdr Leyster (1609-1660), realizado al óleo lienzo, está datado entre 1635. Tiene unas medidas 54 x 41 cm.

Una mujer en un vestido oscuro, con un cuello ancho claro; un collar de piedra de molino. Judith Leyster fue la primera mujer en convertirse en miembro del gremio de pintores de San Lucas de Haarlem. Ella tomó su nombre de la destilería de su padre, De Leystarre. Si Leyster estudió con Frans Hals, como se supone comúnmente, es discutible. Si bien se basó en las innovaciones que Hals había introducido en la pintura, lo hizo a su manera. Durante mucho tiempo se pensó que esta pintura era de Frans Hals. El monograma de Judith Leyster, JL *, simplemente fue pasado por alto.

El siguiente cuadro se titula “Autoretrato con familia”, obra del pintor Jan Miense Molenaer (1609-1668), realizado al óleo tabla, está datado entre 1634 y 1636. Tiene unas medidas 62,3 x 81,3 cm.

El pintor Jan Miense Molenaer se retrata con sus hermanos, medio hermanos y hermanas en un cuadro de género. A la izquierda se encuentra su hermana mayor Geertruijt, tocando la cítara. Bartholomeus toca el violín, Adriaen el laúd, María canta y se mantiene impasible mientras Anthonij toca el chelo. A la derecha vemos a los niños más pequeños, Nicolaes y Lucía. Detrás del clavicordio hay dos medio hermanos, hijos del matrimonio anterior de su padre. El retrato de familia está lleno de simbolismo. La representación de la música hecha en conjunto expresa la armonía dentro de la familia Molenaer. El soplado de burbujas se relaciona con la mortalidad.

El siguiente cuadro se titula “Naturaleza muerte con flores”, obra del pintor Jacobus Marrel (1614-1651), realizado al óleo en lienzo, está datado en 1645.

Jacobus Marrels, padre del mismo nombre, era abogado y empleado municipal en Frankenthal y su padre, Claude Marrel, un joyero de Francia. Después de la muerte de su padre, la familia se mudó a Fráncfort en diciembre de 1624, donde en 1627 Marrel se convirtió en el único alumno de Flegel. Más tarde, alrededor de 1630, dibujó y aprendió un tiempo en Utrecht con Jan Davidsz, atraído por el desarrollo en el campo de las naturalezas muertas. Enseñó a su hija Maria Sibylla Merian en pintura, dibujo y grabado.

Después de esto le siguieron otras estancias en Utrecht, donde dirigió a su segundo alumno Abraham Mignon en 1660, así como en Nuremberg. En 1679 se instaló completamente en Frankfurt y murió allí dos años después.

El siguiente cuadro se titula “Naturaleza muerta ramo de Flores”, obra del pintor Hans Bollongier (1600-1675), realizado al óleo en lienzo, está datado en 1644. Tiene unas medidas de 27 x 20,5 cm.

Un ramo de tulipanes a rayas, una rosa, un lirio naranja, un clavel rojo y blanco y un ciclamen. Este es un ramo imaginario; estas flores no florecieron al mismo tiempo. Las flores eran algo especial, y valía la pena pintar en una naturaleza muerta. Los tulipanes rayados fueron los grandes favoritos y se muestran prominentemente aquí. En Haarlem, el centro de cultivo de flores, solo había un pintor de naturalezas muertas: Hans Bollongier. Bollongier siempre pintó las flores más gruesas que el fondo: están ligeramente en relieve.

El siguiente cuadro se titula “Carnaval de flores”, obra del pintor Hendrick Gerritsz Pot (1580-1657), realizado al óleo en lienzo, está datado en 1640. Tiene unas medidas de 61 x 83 cm.

La Protagonista del cuadro es la diosa de las flores Flora, con tulipanes en la mano, está entronizada en un carro triunfal, aquí es representada como un carro de carnaval. La acompañan tres hombres con gorras de tonto. “El Bebedor” la persona que no puede resistirse a la bebida, “El usurero Rico” agarra una bolsa de oro, y “Mentiroso” ejerce su lengua suave. La señora “Que la gusta el dinero” pesa su dinero, y el ave de la esperanza se escapa de la amante “ Vanidosa ”. El carro del carnaval es seguido por los tejedores de Haarlem, muchos de los cuales habían invertido mucho dinero en la especulación del tulipán. En el fondo se puede ver la catedral de San Bavon. En este cuadro el pintor Pot ridiculiza la especulación en los tulipanes; fue pintado alrededor de 1640, poco después del colapso económico de los tulipanes.

La siguiente obra “Libro de Tulipanes”, obra de la pintora Judith Leyster (1609-1660), realizado en papel, está datado entre 1640-1700.

El aumento en el precio del tulipán llegó como una bendición para los artistas florales, ya que si la gente no pudiera comprar los tulipanes para sus jardines o macetas, lo mejor sería tener una pintura de ellos e incluso mejor sería tener un libro. Lleno de hermosas representaciones de diferentes tulipanes. Judith Leyster se dio cuenta de que el amor del público por los tulipanes podría ser ventajoso para ella y ella produjo su propio libro de tulipanes.

El siguiente cuadro se titula “Alegoría Tuloponía”, obra del pintor Jan Breughel II (1640-1700), realizado al óleo en lienzo, está datado en 1640. Tiene unas medidas de 31 X 49 cm.

En el siglo XVII, los tulipanes se convirtieron en una moda extraordinaria en los Países Bajos. Se desarrolló un floreciente comercio de tulipanes y bulbos de tulipanes. Los precios subieron a niveles sin precedentes y la especulación se hizo con el comercio. El resultado fue enormes ganancias y enormes pérdidas. Esta pintura se burla de los comerciantes de tulipanes. Los monos negocian, los monos pesan bulbos, los monos cuentan el dinero y los monos hacen la administración. El mono de la izquierda tiene una lista con los precios de los bulbos. A la derecha, un mono orina sobre los tulipanes, la idea es burlarse de la manía de los tulipanes.

El siguiente cuadro se titula “Fiesta interior”, obra del pintor Dirck Franchoisz Hals (1604-1671), realizado al óleo en lienzo, está datado en 1628. Tiene unas medidas de 92.5 x 157 cm.

Este cuadro fue realizado gracias a la colaboración de dos artistas: Dirck van Delen pintó el interior con pilares y arcos clásicos, y Dirck Hals, hermano de Frans Hals, hizo el personal. La compañía está muy elegantemente vestida, comiendo, bebiendo y coqueteando. La pintura advierte contra el despojo y la despreocupación. A la izquierda, dos hombres jugando al backgamon, un juego popular en el siglo XVII. El ingrediente esencial del backgamon era el elemento del azar.

El siguiente cuadro se titula “Fiesta en el Jardín”, obra del pintor Dirck Franchoisz Hals (1604-1671), realizado al óleo en lienzo, está datado en 1632. Tiene unas medidas de 78 x 137 cm.

El cuadro representa una fiesta cualquiera donde se lleva a cabo en un parque idílico cerca de una villa. Los invitados llevan ropa festiva y se divierten comiendo, bebiendo, haciendo música y coqueteando. Dirck Hals, un hermano menor de Frans Hals, retrató a las diferentes figuras con gran detalle. Tomó prestados uno o dos de ellos, una mujer y un perro, de Willem Buytewech. Esta escena de fiesta al aire libre no se basa en la realidad, sino que recuerda el jardín del amor, un popular tema medieval tardío.

El siguiente cuadro se titula “Fiesta en el Jardín”, obra del pintor Dirck Franchoisz Hals (1604-1671), realizado al óleo en lienzo, está datado en 1620. Tiene unas medidas de 53 x 84 cm.

El cuadro representa una fiesta burguesa donde a la derecha en los escalones hay una compañía de músicos, con un flautista, un violinista, una cantante y un hombre tocando el laúd. Tocar música como parte de un conjunto es algo que requiere moderación. A la izquierda se corteja a una mujer. Los dos perros, la fuente (fuente de amor) y el castillo (palacio del amor) son símbolos del amor terrenal. Los dos temas de amor y música están siendo vinculados entre sí. La pintura contiene un mensaje: a la izquierda, una advertencia contra la excesiva frivolidad y, a la derecha, una apelación a la moderación.

El siguiente cuadro se titula “Alegre compañía en interior”, obra del pintor Dirck Franchoisz Hals (1604-1671), realizado al óleo en lienzo, está datado en 1633.

Dirck Hals fue un artista excepcional entre los pintores de los géneros de Haarlem y Ámsterdam de su generación por la frecuencia con la que definió los espacios interiores con la ayuda de suelos embaldosados (que hasta la fecha se desconocían en las casas holandesas).

Pasamos a la gran sala del museo dedicada en exclusividad a la obra de Frans Hals. Es uno de los grandes maestros en el arte del retrato. Despierta gran admiración por la brillantez en la representación de la luz y la libertad en el manejo de los pinceles.

La escasez de documentos y la ausencia total de escritos personales de Frans Hals hacen que su personalidad y su vida permanezcan un poco en la oscuridad. Hay varias fechas hipotéticas sobre su nacimiento, que pudo ser hacia 1582-1583, deducidas de la edad que sus biógrafos calculan que tendría cuando murió, aunque con seguridad nació en la ciudad flamenca de Amberes. Abandonaría esta ciudad con su familia pocos años después, trasladándose a Haarlem. Ya en 1591 fue bautizado allí su hermano Dirck, que también se dedicaría a la pintura.

Después de la caída de Amberes a manos de las tropas españolas en la Guerra de los Ochenta Años, que supuso la fragmentación de Flandes, su familia se instaló en Haarlem, en la zona norte, de donde sus padres eran originarios. En dicha ciudad vivió Hals toda su vida. La biografía del pintor corre en paralelo con la independencia de los Países Bajos de la monarquía española.

Los estudios más recientes han ido desterrando la idea que sobre el pintor se tenía desde antiguo sobre una vida libertina y un incorregible vicio por el alcohol. Hals pertenecía a la asociación oratoria De Wijngaertranken y a la milicia cívica de San Jorge, y era también miembro de la cámara de rectores y presidente desde 1644 del gremio de pintores de Haarlem. La rectitud y puritanismo de estas sociedades no encaja con que Hals tuviera malas costumbres y vicios conocidos.

Entró el joven artista en el taller del pintor flamenco Karel van Mander (1548–1606), que también recaló allí huyendo del empuje español en la zona. La academia de este maestro dedicaba su estudio a una técnica manierista. Pero a finales del siglo XVI, debido a la influencia de la pintura italiana, surge un arte de cierta inspiración clasicista que se dejará traslucir en las obras del primer Hals. Por ello, no se nota la influencia de Van Mander en este período.

Su emancipación laboral se produce cuando alcanzó cierta madurez artística. Coincide con su ingreso en la Sint-Lucasgilde, la guilda de San Lucas en 1610, célebre gremio de artistas de Haarlem con sucursales en Amberes, Utrecht, Delft y Leiden. La obra más antigua de Frans Hals, cuya autoría se conoce con seguridad, es el retrato de Jacobus Zaffius (1611; Museo Frans Hals de Haarlem).

Es en 1610 también cuando contrae matrimonio con Anneke Hermansz, aunque a juzgar por los hechos, esta unión no fue feliz. Algunos historiadores han documentado que Hals tuvo que comparecer ante los tribunales por dar malos tratos a su primera mujer. Sea como fuere, es extraño que siendo Hals un pintor exclusivamente de retratos, no pintase en ninguna ocasión el rostro de Anneke. Sin embargo la unión duró poco, ya que ésta murió en 1616, dando dos hijos al pintor. En 1617, tras un viaje fugaz a Amberes (quizá para ponerse en contacto con Rubens), se casó con Lysbeth Reyniers con la que tuvo ocho hijos.

La tradición retratística holandesa alcanza su cumbre con Frans Hals, consiguiendo sacarla del mutismo y retratando sus figuras en movimiento. Su gran aportación vino en 1616, con el retrato colectivo, Banquete de oficiales de la milicia cívica de San Jorge. Este encargo prueba que el pintor ya había alcanzado cierta reputación como artista. Desde este cuadro, los encargos se hace muy habituales tanto de particulares como de instituciones.

Aunque la obra de Hals fue muy demandada durante su vida, tuvo graves dificultades financieras, no se sabe si por una vida disoluta o por tener que mantener una gran familia tras un segundo matrimonio con una mujer humilde. Además de pintar, trabajó como marchante, restaurador de arte y maestro de pintura.

A partir de 1640, un nuevo giro en la moda del retrato se observa en los países nórdicos. Empiezan a atraer retratos con mayor aire de distinción y de nobleza, como los de Antonio Moro o Anthony van Dyck, donde se representan caros ropajes con vivo colorido y pincelada muy detallista. Esto repercutió sensiblemente en los pedidos del retratista neerlandés, que pintaba de manera muy abocetada y con un colorido restringido. A pesar de esto, en los ambientes artísticos oficiales, se sucedían los reconocimientos, como en 1644, que fue elegido presidente del gremio de San Lucas de Haarlem.

Ante esta falta de trabajo, Hals intenta abrir nuevos caminos y funda un taller hacia 1650. Pero la empresa no debió ser afortunada porque en 1652 su economía toca fondo. Sus acreedores lo demandaron en varias ocasiones, y en ese año pagó su deuda con un banquero vendiendo sus pertenencias. El embargo de su patrimonio sólo pudo requisar tres colchones, almohadas, un aparador, una mesa y cinco cuadros. La ciudad en reconocimiento se vio obligada a ayudarle en sus gastos, proporcionándole vivienda gratuita y aprovisionamiento de combustible.

Esta situación le hizo dimitir del cargo directivo del gremio y en 1661, se le exime, debido a su avanzada edad, del pago de la cuota correspondiente. El municipio de Haarlem también le concedió una anualidad de 200 florines en 1664.

Frans Hals murió en Haarlem en 1666 y está enterrado en la Catedral de San Bavón de la localidad. Su viuda murió poco después en un hospital de caridad de la beneficencia.

Se ha creído con ligereza que Hals no tenía una técnica muy depurada y que pintaba apenas sin correcciones o dibujos preparatorios. Pero estudios científicos y técnicos han demostrado que esto no es así. Es cierto que los trabajos menos conocidos fueron apuntados sin correcciones ('alla prima'), pero la mayoría de sus obras fueron creadas a partir de varias capas, como era costumbre en esa época. A veces el esbozo era hecho con tiza o pintaba sobre una capa base gris o rosa, para luego completar el cuadro por fases. Parece como si el maestro normalmente usara los esbozos muy tenuemente. Esto demuestra que Hals utilizaba su virtuosismo desde el inicio del cuadro. La ausencia de líneas delimitadoras o de dibujo preparatorio fue cada vez más usada por el pintor en sus obras de madurez.

Frans Hals manifestó durante su vida una tremenda audacia y un gran coraje que empaparon sus propios lienzos. Él tenía la capacidad de plasmar la psicología del personaje. A diferencia de otros retratistas contemporáneos de Hals, no diferenciaba en su pintura si era por encargo o no. Utilizaba la misma diligencia y precisión en cualquiera de sus obras.

“Una inusual manera de pintar que superaba a la de casi cualquiera” escribió su primer biógrafo, Theodorus Schrevelius, en el siglo XVII, sobre su técnica pictórica. En realidad, esta técnica no fue creación original de Hals, ya existía en la pintura italiana barroca, aunque probablemente Hals la tomó de sus contemporáneos flamencos: Rubens y Van Dyck.

A comienzos del siglo XVII, ya sorprendía la vitalidad de los retratos de Frans Hals. Schrevelius apuntaba que su obra reflejaba “tal potencia y vida” que el pintor “parecía alcanzar el natural con sus pinceles”. Siglos después, Vincent van Gogh escribía a su hermano Theo: “Qué alegría es ver a Frans Hals, qué diferente son sus pinturas -muchas de ellas- donde todo está cuidadosamente alisado del mismo modo”.

Hals eligió no darle un acabado definido a sus pinturas, como hacían casi todos sus contemporáneos, pues imitaba la vitalidad de sus retratados usando manchas, líneas, gotas, grandes parches de color, que conformaban los detalles.

No fue hasta el siglo XIX que esta técnica tuvo seguidores, particularmente en el Impresionismo. Se puede considerar al pintor holandés como un precursor, usando la técnica impresionista en los cuadros de las milicias o los retratos de los regentes del asilo de Haarlem.

Del conjunto de su obra por su número destacan los retratos, en los que demuestra una sorprendente habilidad en la captación de gestos y detalles:

Retratos por encargo: Podríamos dividirlos en dos clases:

Retratos individuales: Son imágenes eminentemente burguesas dedicadas a la decoración de las casas, generalmente a través de encargos dobles: retratos masculinos y femeninos que presidirían las estancias nobles de los hogares de Haarlem. Aparecen llenas de vida y en una actitud increíblemente natural y conseguida, poco común para lo habitual de esta pintura por encargo. Utiliza para caracterizar la propia psicología de los retratados generalmente, en actitud seria y solemne. (Retrato de hombre con guante).

Retratos colectivos: A encargo de sociedades o agrupaciones burguesas, Hals concede a todas las figuras un mismo trato preeminente, evitando personajes secundarios o subordinados. Se reflejan en estos cuadros de grupo el realismo psicológico y son ricos en cromatismo y efectos de luz dirigida a rostros y manos. Incluso en ocasiones sus honorarios le fueron pagados en vez por el lienzo en conjunto por persona pintada.

Retratos de tipos populares: Pintado con naturalidad y en actitud cotidiana. Son los desposeídos de su ciudad, a diferencia de los burgueses de alto poder adquisitivo de los encargos. Es pintura de género muy al gusto del Barroco, donde el estudio de la instantaneidad sobre las clases pobres supone un estudio casi sociológico de esta parte de la sociedad excluida de las páginas de la Historia. Centra Hals en estos casos la atención más que en el físico del individuo en la personalidad integradora del momento captado.

El siguiente cuadro pertenece al maestro “Banquete de oficiales de la guardia cívica Callivermen”, obra del pintor Frans Hals (1582-1666), realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1624-1627. Tiene unas medidas de 170,5 x 249,5 cm.

Oficiales de la guardia cívica de Callivermen en su cena de despedida en 1627. Ocuparon sus puestos en 1624. El sirviente de los guardias aparece en el fondo, sosteniendo una jarra de vino. La composición de la pintura ha sido cuidadosamente pensada. Los dos grupos en la foto están conectados por el oficial con el cuchillo: pertenece al grupo de la derecha, pero mira a la izquierda. El Callivermen o St. Adrian Civic Guard se estableció en Haarlem en 1519. Su nombre holandés, “Cluveniersschutterij”, se deriva del nombre del arma de fuego que utilizaron: el “cluver”. Su santo patrón era san adrián. Hasta alrededor de 1820 esta pintura colgaba en ese edificio. Luego se llevó al ayuntamiento, donde permaneció hasta que el Museo Frans Hals abrió sus puertas en 1913.

El siguiente cuadro pertenece al maestro “Retrato de Nicolaes Wautersz van de Meer” obra del pintor Frans Hals (1582-1666), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1631. Tiene unas medidas de 128 x 100,5 cm.

El cuadro representa el retrato de un destacado residente de Haarlem en una pose digna: Nicolaes van der Meer (1574-1637). Era cervecero, concejal, varias veces burgomaestre y oficial de la guardia cívica. Su retrato corresponde al que empareja con su esposa Cornelia Vooght, con quien se casó en 1589. El escudo de armas se añadió más tarde, hecho con pintura que solo se usó después de 1720. Está claro a partir de los rayos X que el retrato de Van der Meer fue pintado sobre otro retrato. No se sabe por qué fue pintado encima.

El siguiente cuadro pertenece al maestro “Regentes del Hospital Elisabeth” obra del pintor Frans Hals (1582-1666), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1641. Tiene unas medidas de 153 x 252 cm.

El cuadro representa a cinco regentes del Hospital de Elisabeth alrededor de la mesa en la sala del gobernador. El dinero, el tintero y el libro en la mesa se refieren a sus tareas administrativas. Los regentes son dignos y serios, y su vestimenta es negra sobria, lo que era adecuado para su función en una institución de caridad. Esta es la primera constitución de la institución regente de Haarlem. El hospital Elisabeth también tenía cuatro gobernadoras. Su retrato también fue realizado en 1641 por Johannes Verspronck.

El siguiente cuadro pertenece al maestro “Retrato de Cornelia Claesdr Vooght” obra del pintor Frans Hals (1582-1666), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1631. Tiene unas medidas de 126,5 x 101 cm.

El retrato de Cornelia Vooght pertenece al retrato de Van der Meer. Es una continuación del retrato de su marido. Es evidente a partir de los rayos X que la cara de Cornelia fue pintada sobre otra cara, al igual que en el retrato de Van der Meer. No está claro si Frans Hals pintó las caras. No hay un escudo de armas en un boceto basado en este retrato de Jan van der Sprang en 1762.

El siguiente cuadro pertenece al maestro “Banquete de oficiales de la guardia cívica de San Jorge”, obra del pintor Frans Hals (1582-1666), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1616. Tiene unas medidas de 175 x 324 cm.

Esta escena de gran formato de Frans Hals, vemos a los oficiales de la guardia de San Jorge en su banquete de despedida. Sirvieron desde 1612 hasta 1615. La jerarquía de rango se muestra en la disposición de los asientos. A la izquierda, en la cabecera de la mesa, están sentados el coronel y el rector, los oficiales de más alto rango. Los tres capitanes se sientan en el medio, con los tres tenientes al final. A su alrededor se encuentran tres oficiales de reserva y el sirviente de la empresa. El término del servicio para los oficiales de reserva no terminó después de tres años; conservaron su puesto mientras permanecieron solteros. El capitán sentado en primer plano es Nicolaes van der Meer. Hals volvió a pintar su retrato en 1631, junto con su esposa Cornelia Vooght. Estas pinturas también forman parte de la colección del Museo Frans Hals.

El siguiente cuadro pertenece al maestro “Reunión de oficiales y sargentos de la guardia cívica de Calivermen”, obra del pintor Frans Hals (1582-1666), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1633. Tiene unas medidas de 207 x 337 cm.

Oficiales y subalternos de la guardia cívica de Calivermen en una reunión al aire libre. Los hombres de más alto rango están al frente: el coronel, los capitanes y los tenientes. Detrás de ellos están los sargentos; Esta fue la primera vez que Frans Hals incluyó subalternos en un retrato grupal. A la izquierda está el coronel Claesz van Loo, rodeado de guardias. A la derecha, menos majestuoso, está el capitán Andries van Hoorn rodeado de guardias. Los dos grupos están vinculados por el teniente Jacob Buttinga, que se sienta en el centro de la mesa. Pertenece al grupo de la izquierda, pero mira a la derecha. Originalmente, la pintura probablemente parecía mucho más colorida: esto se puede ver en los árboles en el fondo que se han vuelto marrones con el paso del tiempo.

El siguiente cuadro pertenece al maestro “Banquete de oficiales de la guardia cívica de San Jorge 1624-1627”, obra del pintor Frans Hals (1582-1666), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1627. Tiene unas medidas de 179 x 257,5 cm.

Esta pintura muestra a los oficiales que sirvieron en la Guardia Cívica de San Jorge de 1624 a 1627, en su banquete de despedida. Los oficiales fueron nombrados por un período de tres años por el consejo de la ciudad. Conmemoraron el final de su período de servicio con un banquete, que el ayuntamiento ayudó a pagar. Los oficiales llevan cintas con los colores de la bandera de su compañía: blanco, naranja o azul. En el siglo XVIII se pintaron numerosos sobre los guardias. Se agregó una placa, debajo de la pintura, que mostraba sus nombres y números correspondientes, para que los espectadores supieran quién era quién. Capitán Le Febure (3), se muestra de pie. Esto hizo que su pequeña estatura fuera menos notable. Boudewijn van Offenberg (8) y Jacob Schout (10) también están representados en el retrato de 1616. Fueron portadores de la insignia de 1612 a 1627.

El siguiente cuadro pertenece al maestro “Retrato de una mujer con guantes”, obra del pintor Frans Hals (1582-1666), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1645-1650. Tiene unas medidas de 98,2 x 80 cm.

Este retrato presenta a una mujer desconocida en un vestido oscuro con un gran cuello blanco y puños blancos, y con un pequeño gorro . Su atuendo se complementa con un par de guantes de cuero blancos: usa uno y sostiene el otro. Anteriormente, el retrato estaba demasiado sobre pintado, razón por la cual el eminente experto de Frans Hals, Seymour Slive, todavía dudaba de su atribución en su catálogo de 1974. Mientras tanto, se ha restaurado y la técnica de pintura de Hals es visible una vez más. Particularmente, la ejecución vigorosa de los guantes es característica del trabajo de Hals alrededor de 1645-50.

El siguiente cuadro pertenece al maestro “La posadera”, obra del pintor Frans Hals (1582-1666), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1623-1625 . Tiene unas medidas de 77,3 x 63,5 cm.

Hals pintó a la casera entre 1623 y 1625. En el lienzo sonríe con valentía y tiene una jarra de cerveza en una mano y un vaso en la otra. Su ropa revela que ella es del norte de Holanda. Es un vestido que fue usado principalmente por agricultores y personal de servicio.

Es posible que Hals conociera a esta mujer personalmente. Por documentos de archivo se sabe que el pintor conocía muy bien a De Coninck van Vranckrijck, un bar de artistas en Smedestraat en Haarlem. Cuando el posadero tuvo que dar un testimonio oficial en 1630 sobre un rehén que había tomado ocho meses antes, Frans Hals y su hermano firmaron la declaración como testigos adicionales.

También se informó que en 1631 el propietario poseía cuatro pinturas y varias copias de obras de Frans Hals, que probablemente recibió como pago. También sabemos que Frans Hals fue perseguido por su familia en 1650 después de la muerte del propietario en 1650 debido a los atrasos en los pagos.

El siguiente cuadro pertenece al maestro “Retrato de Jacobus Hendricksz Zaffius”, obra del pintor Frans Hals (1582-1666), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1611; tiene unas medidas de 54,5 x 41 cm.

Estamos ante uno de los primeros retratos de Frans Hals, el primero que está fechado: Jacobus Zaffius, 1611. Era el rector y archidiácono, Zaffius fue el máximo funcionario de la iglesia católica en Haarlem. Haarlem era una ciudad protestante y el catolicismo estaba oficialmente prohibido. Sin embargo, el ayuntamiento mantuvo los ojos cerrados y a Zaffius se le permitió ejercer su profesión. En un grabado realizado después de este retrato, Zaffius se representa en tres cuartos de longitud. Por esta razón, se supuso que la pintura era originalmente más grande. Sin embargo, este no es el caso porque el panel nunca se cortó.

El siguiente cuadro pertenece al maestro “Retrato de un hombre posiblemente Willem van Warmondt”, obra del pintor Frans Hals (1582-1666), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1640. Tiene unas medidas de 114 x 99 cm.

Este es probablemente un retrato de Willem van Warmondt (1583-1649). Era propietario de la cervecería Gecroonde Ancker, era un gran maestro de construcción de Haarlem y ocupó diversos cargos en la Guardia Cívica de Calivermen. Lo retratan como un capitán en la pintura de Hals en 1627 de los Calivermen (se puede ver a la derecha, en el primero plano, número 3).

El siguiente cuadro pertenece al maestro “Retrato de un hombre con los brazos cruzados”, obra del pintor Frans Hals (1582-1666), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1635-1638. Tiene unas medidas de 79,5 x 58,4 cm.

Una característica de los retratos de Frans Hals, a diferencia de otros retratistas contemporáneos es que tuvo la capacidad de plasmar la psicología del personaje dando la sensación de vitalidad. En cualquier caso, una inusual manera de pintar que causó sensación pues parecía haber cogido a sus personajes.

El siguiente cuadro pertenece al maestro “Oficiales y suboficiales de la guardia cívica de san Jorge”, obra del pintor Frans Hals (1582-1666), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1639 . Tiene unas medidas de 218 x 421 cm.

Las posiciones sociales más importantes en la ciudad fueron frecuentemente controladas por unas pocas familias ricas y prominentes. Por esta razón, los oficiales de la guardia cívica a menudo se relacionaban entre sí. El coronel Johan Claesz Loo (10) era propietario de la fábrica de cerveza Three Lilies, pero también era miembro del consejo municipal de Haarlem. El sargento Nicolaes Loo (16) era el hijo del coronel. El yerno del coronel, Florens van der Hoef (4), fue el capitán. Trabajó como abogado, sheriff, alcalde. El capitán Nicolaes Grauwert (5) era el cuñado del coronel. La figura segunda desde la izquierda en la fila superior (19) se cree tradicionalmente que es el mismo Frans Hals. El pintor se unió a la guardia en 1612, pero los guardias de rango y archivo nunca fueron representados en retratos de la guardia. Si realmente es Frans Hals, significaría que este retrato es bastante excepcional.

Aquí damos por finalizada la vista de este magnífico museo de pintura. Vamos andando hasta el centro de la ciudad, miramos el reloj y son las 12,30 horas, en este país es la hora de comer. Miramos los restaurantes cercanos, parece que nos inclinamos por uno dedicado a las hamburguesas pero alejadas de las tradicionales de cadena rápida.

Encontramos Wilme & Alberts, situada en la calle central de Oude Groenmarkt 6 (GPS N 52.3806652 E4.6368767). El encargado es latino y es un bien seguidor del Ajax, está muy subido por la clasificación ante la Juventus.

El restaurante tiene una decoración con rollo americano, donde probamos las croquetas holandesas de salmón y la hamburguesa especial, también a su gusto.

Seguimos el viaje y pasamos junto a la plaza que en estos momentos se celebra la feria y podemos ver delante (GPS N 52.3811308 E4.6363542) de una de las portada de la Grote Kerk , sobre un pedestal el combate entre dos jinetes “Combate en Haarlems Sant”, obra del escultor Eric Claus, esta datado en 1964.

Pegado a la Grote Kerke se encuentra en antiguo Mercado del Pescado (GPS N 52.3809549 E4.6361592), puede confundirse como si fuera los restos del antiguo claustro. Este espacio que se llama De Vishal está dedicado a la presentación de artistas locales, la entrada es gratuita.

En estos momentos se exponen a diez artistas que tienen su propia filosofía y medios. Es una búsqueda de la esencia que resulta en un lenguaje visual geométrico claro y abstracto.

Los artistas participantes: Matthew Allen (Nueva Zelanda, grafito sobre lienzo), Femke Dekkers (fotos pequeñas), Tanya Long (Estados Unidos, fotos sin cámara), Marius Lut (varios materiales), Nora Papp (CH, vídeo), Louis Reith (fotos / collages)), Roland Schimmel (pintura mural), Tonneke Sengers (objetos de pared), Frans Vendel (pinturas), Yumiko Yoneda (JP, esculturas).

Entre los más destacados es la escultura de Yumiko Yaneda donde en su obra se pueden apreciar las variaciones sutiles en la forma esférica aparentemente simple no son más que una búsqueda constante del núcleo del ser universal. La forma esférica, la forma tridimensional del círculo, actúa como un símbolo de perfección en todo tipo de culturas. No hay principio ni fin. Él representa todo y por lo tanto nada. Yoneda se esfuerza por lograr la perfección, pero es precisamente la dimensión humana y la impotencia lo que hace que las imágenes sean interesantes e identificables.

Delante de la portada principal se encuentra la escultura memorial, la placa indica “Laurentius Johannes filius Costerus Typographiæ litteris mobilibus e metalle fusis inventor”

Se le atribuye como el inventor de la imprenta. El nombre era Coster Lawrence Janszoon, fue un vendedor de velas. La tradición relata que Coster, nacido en Haarlem hacia fines del siglo XIV, caminando un día por el hermoso bosque que se encuentra al sur de la ciudad, rompió una rama de un árbol y, para divertir a sus hijos, cortó con su cuchillo unas ramas e hizo algunas letras en relieve, de donde surgió la primera idea de impresión. De hecho, al regresar a casa, sumergió estos tipos de madera tosca, los imprimió en papel, hizo nuevos intentos, perfeccionó las letras, imprimió páginas enteras y, finalmente, después de largas vicisitudes de estudio, fatiga, ensayos, provocó que los copistas iniciaran la producción.

Bueno por fin llegamos a la entrada de la Iglesia protestante de San Bavón. La entrada se hace por un lateral (GPS N 52.3813959 E4.637011), la puerta de acceso es por la Grote Markt 22. El horario es de 10,00 a 17,00 horas; precio 12,50€.

La iglesia fue construida en el siglo XV en estilo gótico, y se convirtió en la iglesia principal de Haarlem después de que las renovaciones que se realizaron en el siglo XV la hicieron significativamente más grande que la de Janskerk (Haarlem). La primera mención de una iglesia en este lugar se hizo en 1307, pero la estructura de madera se quemó en el siglo XIV. La iglesia fue reconstruida y promovida a iglesia capitular en 1479 y solo se convirtió en una catedral en 1559. Los arquitectos principales fueron Godevaert de Bosscher y Steven van Afflighem (nave), y Evert van Antwerpen (crucero). El término “católico” nunca se asoció realmente con esta iglesia, ya que solo se consagró como catedral en 1559, que ya estaba en medio del período conocido como la Reforma Protestante. La iglesia fue confiscada solo 19 años después durante el mediodía de Haarlemse en 1578, cuando se convirtió al protestantismo. Se dedicó a San Bavon en algún momento antes de 1500, aunque existe una curiosa pintura en la colección de la Catedral Católica de San Bavo que ilustra el milagro de San Bavon salvador de Haarlem. En una escena del siglo XIII. Esta pintura fue pintada un siglo después de que los católicos fueron expulsados de su iglesia, y puede haber sido una pintura conmemorativa que se refiere a la defensa de la Iglesia y la fe católica, así como a la defensa de la ciudad.

Haarlem ha tenido una iglesia parroquial cristiana desde el siglo IX. Esta primera iglesia fue una “iglesia hija” de Velsen, que fue fundada en 695 por St. Willibrord. Esta primera iglesia temprana fue una iglesia de madera en el mismo sitio de la actual Sint-Bavokerk. Las extensiones y expansiones a lo largo de los siglos llevaron a su consagración formal en 1559, cuando se nombró al primer obispo Nicolaas van Nieuwland. Solo 19 años después, en el momento que terminó la ocupación española (ganaron el Sitio de Haarlem) y Haarlem volvió a la Casa Protestante de Orange, la iglesia fue confiscada durante el episodio conocido como el mediodía Haarlemse y se convirtió al Protestantismo como parte de la Reforma protestante.

En este momento, la mayoría de los objetos de arte y plata también fueron incautados y lo que no se vendió o destruyó ha sobrevivido en la colección municipal de Haarlem, que ahora se encuentra en la colección del Museo Frans Hals. Los católicos de Haarlem tomaron lo que podían llevar con ellos y pasaron a la clandestinidad, y se reunieron posteriormente en varios lugares, los más prominentes conocidos como la estatua de San Francisco y la estatua de San José. Finalmente, St. Josephstatie construyó una nueva iglesia frente a Janskerk llamada St. Josephkerk, y esta iglesia, después de crecer y convertirse en una catedral nuevamente, construyó una nueva catedral en Leidsevaart en el siglo XIX.

El edificio de esta nueva catedral de san Bavón ha tenido mucha confusión sobre el nombre de Bavochurch, ya que como iglesia protestante ni siquiera está dedicada a San Bavón. Por esta razón, se llama oficialmente Grote Kerk, que solo significa “Iglesia Grande”.

Aunque el exterior de la iglesia parece atemporal, cambió dos veces de aspecto en los últimos 500 años; una vez, cuando todas las estatuas se retiraron de los nichos exteriores durante el mediodía de Haarlemse, y la segunda vez, a fines del siglo XIX, se le dio a la iglesia un “aspecto más gótico” agregando algunos muros falsos al borde del techo. Esto se puede ver fácilmente cuando se comparan imágenes realizadas antes y después.

Alrededor de la iglesia se han construido varios edificios pequeños, entre los que destaca el antiguo mercado de pescado llamado De Vishal, que hoy en día se utiliza para exhibir arte moderno. En el lado sur, una serie de edificios bajos utilizados como tiendas se construyen contra varios edificios de iglesias, como el antigua Librería o biblioteca, y la sacristía. En 1630, el arquitecto Salomon de Bray diseñó y construyó el consistorio que todavía existe en la actualidad.

El interior de la iglesia también ha cambiado un poco a lo largo de los años, aunque las capillas internas sufrieron mucho durante la tormenta de Beelden, y muchas vidrieras se han perdido por negligencia. Afortunadamente, el interior ha sido pintado muchas veces por pintores locales, sobre todo por Pieter Jansz Saenredam y los hermanos Berckheyde. Sobre la base de estas pinturas, se ha trabajado para reconstruir el interior, de modo que varios elementos, como rouwborden o “escudos de luto”, vuelven a colgar hoy en su lugar apropiado

Las vidrieras dedicadas a san Bavon han sufrido a lo largo de los años de abandono. Es difícil imaginar que Haarlem fue un centro importante para el arte de los vitrales en el siglo XVI, ya que aún existen pocas evidencias de ello en Haarlem. Después de la Reforma , Haarlem promovió las historias y produjo muchos vitrales donde se contaba la historia, que se presentó como un regalo a otras iglesias y ayuntamientos. Hoy, el regalo original de Haarlem de Willem Thibaut aún se cuelga en el Janskerk (Gouda) como fue diseñado. Esa ventana da una impresión del tipo de vidriera que una vez colgó en el muro occidental. Cuando se instaló el famoso órgano Muller, el vidrio en el lado oeste de la iglesia (ahora solo conocido por la pintura del pintor local Job Berckheyde) con el Wapenvermeerderinging, fue desmantelado y tapiado. Los bocetos para esta ventana han sobrevivido y están en posesión del Rijksmuseum en Ámsterdam y fueron dibujados por Barend van Orley.

En la iglesia de hoy, la falta de vitrales con históricas se ha compensado mediante la instalación de ventanas de otras iglesias demolidas o cerradas, mientras que los artistas modernos han creado nuevos temas. Una hermosa ventana azul grande que cuelga en el lado norte saluda al visitante que entra por las puertas dobles en el Groenmarkt. Esta ventana fue creada para personificar la paz y la armonía, y fue realizada por el artista del vidrio local Michel van Overbeeke, quien recibió un premio local de cultura por esto en 2009.

El órgano de Sint-Bavokerk es uno de los órganos más importantes del mundo. Fue construido por el constructor de órganos de Ámsterdam Christian Müller, con decoraciones de estuco por el artista de Ámsterdam Jan van Logteren, entre 1735 y 1738. Al finalizar, fue el órgano más grande del mundo con 60 voces y torres de pedales de 32 pies. En Moby-Dick (1851), Herman Melville describe el interior de la boca de una ballena:

“Al ver todas estas columnatas de hueso tan metódicamente alineadas, ¿no pensarías que estabas dentro del gran órgano de Haarlem y contemplar sus mil tubos?".

Muchos músicos famosos tocaron este órgano, incluyendo Mendelssohn, Händel y Mozart, de 10 años, quien lo tocó en 1766. El órgano se modificó varias veces en los siglos XIX y XX y se modificó de manera más drástica en la renovación de Marcussen entre 1959 y 1961. Entre 1987 y 2000 se llevaron a cabo otros trabajos de voces. Hoy en día se celebran conciertos en la iglesia, y durante todo el año se organizan horarios especiales de apertura para que el público general pueda escuchar a este famoso órgano en acción.

Hasta 1831 se permitieron tumbas en la iglesia, y muchos Haarlemmers ilustres a través de los siglos están enterrados allí. A menudo, las personas fueron enterradas bajo lápidas familiares, y los escudos familiares de linajes ilustres se montan en placas con forma de diamante que cuelgan de las paredes. Otros ilustres Haarlemmers fueron enterrados en tumbas individuales como el rico Pieter Teyler van der Hulst y Willem van Heythuisen. Los pintores Maarten van Heemskerck (como antiguo koster de la iglesia, está enterrado en el kerstkapel), Frans Hals (que fue enterrado en la tumba del abuelo de su primera esposa, Nicolaes Ghyblant, pero que recibió su propia lápida en 1962), el mismo Saenredam (en el coro del sur cerca de la entrada), y Jacob van Ruysdaely Salomon van Ruysdael. Las dos curiosidades del circo, el gigante Daniel Cajanus con su amigo enano Jan Paap, están enterrados allí. El último entierro allí fue para Willem Bilderdijk.

Una historia local es que debajo de la piedra número 7 cerca de la puerta del coro, hay una tumba de un hombre que solía golpear a su madre cuando era niño. Después de un tiempo, su mano comenzó a crecer por encima de su tumba y se tuvo que instalar una placa de cobre en la tumba para evitar que la mano creciera.

También hay una historia que solo los ricos pueden permitirse ser enterrados en la iglesia. Independientemente de la riqueza, los cadáveres se pudrieron cuando yacían bajo el suelo de piedra, produciendo un mal olor. Esto dio lugar a la frase “Apestoso rico”.

La visita a la iglesia de San Bavón se inicia por la puerta lateral, nos situamos en el centro del transepto, donde cruzan la nave principal y el crucero. Podemos ver como cuatro grandes columnas de la torre central de la iglesia donde se pueden ver antiguos frescos de 1360, se trata de las pinturas más antiguas de la catedral.

Enfrente, podemos ver los restos de una antigua capilla adosada, está situada en el brazo norte del crucero, encastrado en el muro se puede ver el busto del rey Guillermo I. La vidriera ha sido realizada por el artista Michel van Overbeeke y ha sido inaugurado en el año 2008 por la reina Beatriz.

La contigua capilla esta dedicada a la Navidad , en la actualidad se emplea para celebrar la misa durante el mes de mayo a octubre.

La siguiente capilla estuvo dedicada a la Virgen María es un lugar actual para el reposo y la meditación. Ideal para sentarse, conmemoración y reflexión.

Desde aquí se tiene una vista excepcional del coro donde se puede ver el magnifico facistol de latón, tiene forma de pelicano con el cuello agachado, pero en la realidad representa un águila. Está datado en 1499.

En la parte posterior del cierre del coro hay un tablero que cuenta el asedio de Haarlem en 1573, indica cuales fueron las consecuencias sobre la población el continuo aislamiento “Durante el asedio el hambre era tan espantoso que incluso los perros y los gatos se comían como si fueran la caza más exquisita”.

El panel construido en 1518 ha servido de modelo de la iglesia cuya construcción estaba todavía sin terminar. A la izquierda se ve el plano de Haarlem en el siglo XVII presentado a vuelo de pájaro

Más adelante se pueden ver colgados tres barcos, fueron ofrecidos por la corporación de bateleros. Los modelos datan del siglo XVI y XVII.

Pasamos dentro del Coro Alto. Este se encuentra en la parte delantera rodeando por un trabajo maestro de artesanía medieval: una reja de cobre construida en el año 1917. Más adelante se encuentra la tumba del gran pintor Frans Hals.

En el coro se encuentra el monumento funerario de dos ingenieros hidráulicos del siglo XIX. Christiaan Brunings y Frederik Willem Conrad.

La capilla lateral sur esta dedicada a la Corporación de Cervecero. Sobre el muro se puede leer en los tableros con los nombres de los pastores que desde la reforma han ejercido su función dentro de la comunidad protestante.

En la siguiente capilla se encuentra la “Caja de los Huérfanos”, es el lugar donde se recaudaban las ofrendas que daban los fieles destinados a beneficios de huérfanos.

Caminamos por la nave central hasta llegar a la parte más antigua del púlpito es del año 1434. Las barandillas están formadas por dos serpientes de latón que significan el mal huyendo al escuchar la palabra de Dios.

Continuamos por el muro de la nave lateral norte donde llegamos al antiguo Baptisterio y que ahora es una capilla funeraria dedicada a la familia Raet, era un burgomaestre de Haarlem. A la izquierda encastrada en el muro, hay una bala de cañón, como recuerdo del asedio de Haarlem por los españoles en 1573.

Un poco mas adelante se puede ver la antigua caja fuerte de Haarlem, se considera la más antigua, data del siglo XV. En ella se guardaba los títulos de la ciudad de Haarlem.

En el muro de la entrada se encuentra el Banco del Espíritu Santo, era llamado así pero en realidad era el Banco de Pan, aquí diariamente los Maestros del Espíritu Santo distribuían pan a los pobres de la ciudad. El mueble fue construido en 1470.

Sobre la portada principal se encuentra el gran órgano de Christian Müller. El gigantesco órgano de tubos que fue construido entre 1735 y 1738 en Alemania. La caja de órgano de madera decorada con pan de oro fue hecha por Jan van Logteren. Al finalizar, el órgano era el más grande del mundo. Tiene 62 voces y alrededor de cinco mil tubos, el más pequeño de los cuales tiene el tamaño de un lápiz, el más grande tiene treinta y siete centímetros de diámetro y más de diez metros de largo.

Muchas personas famosas han tocado el órgano de Müller, incluyendo Mendelssohn, Handel y Mozart, de diez años, en 1766.

En el lado contrario del antiguo baptisterio se encuentra una pequeña capilla se llama Azotaperros, se denomina así por el capitel que hay a la izquierda. En la Edad Media la figura del azotaperros era para echar a los perros de la iglesia y poder mantener el orden.

Marchamos andando hasta lo que fue el monasterio de san Juan el Bautista (GPS N 52.3831348 E4.637792), horario de 9,00 a 17,00 horas; entrada gratuita. Pertenecía a la orden de Malta y era un complejo dedicado al cuidado de ancianos y como hospital.

La Orden de San Juan de Jerusalén se originó como una casa de huéspedes para peregrinos en Jerusalén y se convirtió en uno de los caballeros espirituales que lucharon entre los siglos XI y XIV por la liberación y preservación de la Tierra Santa o Palestina. Por eso los caballeros también pertenecían a los monjes de estas órdenes.

La Orden de Jan, como se le llamó brevemente, fue particularmente popular debido a sus objetivos, el cuidado de los peregrinos enfermos y la lucha por Palestina. Por eso la orden en toda Europa recibió tierras, otros bienes y dinero para pagar su trabajo. La gran cantidad de mercancías en Holanda fue gestionada por el Jansklooster.

La Orden de Juan probablemente fue particularmente popular como un caballero espiritual: aquellos que lucharon por la Tierra Santa se aseguraron la vida eterna, según los predicadores de las cruzadas. Naturalmente, a los donantes les gustaría haber sido parte de tal comunidad.

El monasterio tenía una enorme red social dedicada a cuidar a los vivos y para interceder por los muertos. Desde la fundación en 1310, los comandantes, que estaban a la cabeza del monasterio, tenían importantes partidarios. Entre ellos todos querían que sus huesos reposasen en el interior del convento.

El Janskerk fue construida en 1318. Al igual que en una iglesia parroquial normal, el interior de la iglesia del monasterio estaba en sintonía con los servicios litúrgicos que se celebraban allí, no solo para la comunidad del monasterio sino también para los laicos de fuera. Además, la iglesia servía como lugar de enterramiento.

El Jansklooster era un cementerio popular. El Jansorde no solo tenía el derecho de enterrar a sus propios monjes y otros residentes, sino también a personas de fuera. Esto llevó que la orden permitiese enterrarse a gente muy variada, el patio, la sala capitular y en el cementerio del monasterio.

Además de los hermanos, fueron enterrados empleados del monasterio, vecinos, administradores de la ciudad, comerciantes, familiares de los monjes (de Haarlem o no) y miembros de la nobleza que poseían casas dentro y / o fuera de la ciudad. Los hombres y las mujeres tenían una tumba allí, solos o con otro miembro de la familia, pero también había familias enteras y familias de tres o cuatro generaciones que yacían una al lado de la otra en una o varias tumbas.

En total, alrededor de doscientas personas se mencionan en el registro conmemorativo que fueron enterradas en el coro o en la iglesia laica (incluida la capilla Heemsted).

El Jansklooster se opuso sólidamente a la Reforma protestante y se adhirió firmemente a la doctrina católica. Durante el Levantamiento, los partidarios del Jansheren lo pasaron mal cuando en 1572 los Geuzen (nobles holandeses calvinistas) tomaron el control de Haarlem.

El monasterio enfrentó grandes problemas como resultado de la Reforma y la Revuelta contra el rey Felipe II (1556-1598). Philips van Hogesteijn (1571-1574) dirigió el monasterio en ese período. Había estudiado en Lovaina, fue ordenado sacerdote en 1553 y ya había ingresado en la Orden de Juan. El Sr. Philips era completamente católico y monárquico.

Dos de los monjes se fueron (en 1571 y 1573) debido a las simpatías protestantes. Además, el surgimiento de la Reforma y la Revuelta contra el rey Felipe II parece haber fortalecido a los señores de Haarlem en su fe y lealtad al papa y al príncipe.

En la actualidad la iglesia esta desacralizada, la parte del ábside se ha convertido en zona para convenciones y las naves se han dividido en varios niveles, ofrecen servicios de biblioteca y centro cultural.

Desde aquí vamos andando hasta el Molino de Adriaan, se encuentra situado en un extremo de la ciudad justo en una de las curvas del río Spaarme (GPS N 52.3836435 E 4.642661) horario de 13,00 a 17,00 horas; precio 5,50 €.

El molino de Adriaan fue inaugurado el 19 de mayo de 1779. Se emplazó cerca del río el Spaarne, en ese momento, en las afueras de la ciudad. Se construyó sobre los cimientos existentes del antiguo Goevrouwetoren ( la Torre de las Mujeres Buenas). La torre Goevrouwen fue parte de la antigua fortificación alrededor de Haarlem. Debido a que el molino se construyó sobre la base de la torre, esto permitió una posición más elevada y atrapaba mucho más viento.

El molino se utilizó inicialmente para moler toba, conchas y corteza de roble. En 1802 el molino se vendió a un particular, que producía tabaco allí. En 1865 el molino cambió de dueño y funcionó. El molino se convertirá en un molino de viento y vapor, de ahora en adelante dedicado a moler el grano. La gente quiere demoler el molino en 1925: hay demasiada competencia de la industria "moderna", el molino ya no es rentable. En el mismo año, De Adriaan es comprado por la Asociación De Hollandsche Molen, que previene la demolición. La molienda continúa de manera normal hasta que el molino sufre fuertes daños durante una tormenta en 1930. El molino se vacía y se reconstruye.

El 23 de abril de 1932, el molino se incendió por completo. La gente de Haarlem quiere que De Adriaan se reconstruya. Pero debido a la pobreza en la década de 1930 (años de crisis) e inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial, no hay dinero. La Asociación Haerlem y el propietario: La Asociación Hollandsche Molen continúa trabajando para la reconstrucción, pero todos sus planes fallan. En 1963, el municipio de Haarlem se convirtió en el propietario de la tierra en la que una vez estuvo el molino e inmediatamente asume la obligación de reconstrucción con la transferencia. La promesa (o mejor deber) va al olvido, no pasa nada. Eso cambia cuando se funda Stichting Molen De Adriaan en 1991. Objetivo de la Fundación : la reconstrucción de De Adriaan. La implementación de los planes no es fácil. El municipio y los residentes quieren, pero el municipio no aporta los recursos suficientes. Eso cambió cuando el presidente de la Fundación Molen de Adriaan encontró un pasaje sobre la obligación de reconstrucción en los archivos en 1996. El municipio es responsable de esta obligación.

Bajo la presión de los residentes de Haarlem y de varias organizaciones locales, regionales y nacionales (incluida Monuments Care), el municipio aporta los fondos necesarios al puente con 1 millón de florines (alrededor de 450.000 euros). Eso no es suficiente, porque la reconstrucción se estima en más de 2.5 millones de florines. Los subsidios, el apoyo de la Unión Europea , la comunidad empresarial de Haarlem, los patrocinadores y los residentes de Haarlem traen la cantidad restante a la mesa. La reconstrucción comienza en abril de 1999, el molino se entregará en abril de 2002. Desde entonces, el molino se eleva sobre la ciudad en el antiguo lugar familiar en el Spaarne.

Cuando llegamos al molino es la hora de cerrar, esta situado en el gran canal en un entorno privilegiado. En lugar de verlo por dentro nos quedamos en la terraza del Restaurant Zuidam (GPS N 52.3835367 E 4.6427117) para disfrutar de la vista tomando un café en este sitio con un entorno privilegiado. Estamos en uno de los sitios más bonitos de Haarlem.

Solamente nos queda trasladarnos hasta la ciudad de Alkmar que será nuestro siguiente destino. Nos separan escasos 37 km y tardamos poco más de 30 minutos en llegar. Poco antes de entrar en la ciudad de Alkmar (GPS N 52.598563 E 4.7281028) vemos un inmenso campo de cultivo de tulipanes, una parte son de colores: naranjas, amarillos color lilas, desgraciadamente no damos con la carretera para poder parar y hacer unas fotografías.

Para pernoctar en Alkmar marchamos al parking habilitado por el ayuntamiento para las autocaravanas (GPS N52.637432 E4.7515445). Tiene un precio de 3,20€ todo el día, en este momento estamos acompañados de una 20 autocaravanas que mañana quieren disfrutar del mercado semanal del queso.

El resto de la tarde la empleamos para ducharnos, mientras que se calienta el agua, cenamos revuelto de salchichas con queso gorgonzola y de postre yogur.

Como estamos mentalmente en España no podíamos irnos a la cama tan pronto, decidimos ver dos capítulos seguidos de Dowton Abbey que completaban la cuarta temporada.

La noche ha sido tranquila pese a que a nuestro lado se escuchaba una fiesta, pero pensé, si esta gente termina de trabajar a las 17,00 horas, no creo que la fiesta se alargue mucho, efectivamente a las 24,00 horas dejó de sonar la música.

Durante la noche, un poco influenciado por el museo de pintura, he pensado en la pintura holandesa del siglo XVII. El esplendor de los movimientos de pintura siempre se produce en momentos de gran acompañamiento económico, como nuestra pintura del Siglo de Oro de Sevilla, en España, donde la industria de la pintura no da abasto la producción para satisfacer la demanda con el dinero de América, aquí pasa igual con el dinero del comercio con Asia.

La sociedad holandesa protestante de la época era mucho más abierta, eso sin duda se refleja en la pintura, pero también era muy severa con ciertos comportamientos, los delitos relacionados con el dinero eran gravemente penados. Hay una obra de arte en el museo que refleja con miniaturas todo el pensamiento complejo de esa sociedad.

También pudimos descubrir que El Bosco tuvo un seguidor se llamaba Jan Mandijn, en 1530 pinto una interpretación de las Tentaciones de San Antonio, la famosa obra de arte original es un tríptico que se puede ver en el museo de Bellas Artes de Lisboa.

Día 19 de abril (viernes)
Ruta: Alkmaar-Breda Distancia 147 km; tiempo 1h 35'

Bueno…, el día comienza con un sol radiante que ha permitido que las placas solares recarguen las baterías, ahora, a disfrutar del mercado del queso en las famosas subastas de los viernes.

Desde el parking vamos andando al Mercado del Queso (GPS N 52.6315514 E 4.7499789), se celebra todos los viernes de 10 a 13,00 horas, en la Plaza del Peso Público (Waagplein).

Lo primero que sorprende el bullicio de las gentes llegadas desde todas partes del mundo para asistir a la subasta de queso de los viernes. Siempre digo que hay que estar en el lugar apropiado, en el momento oportuno, y este era uno de esos días. Teníamos la oportunidad de ver un espectáculo ancestral único en el mundo.

La subasta se celebra en la plaza medieval como todos los viernes durante los últimos cientos de años, cuando llegamos estaban en el suelo miles de quesos de los fabricantes de la región y una plaza llena de gente por un momento me recuerda a las plazas de las fiestas de los pueblos españoles antes del encierro.

La adjudicación de los quesos se hace en pública subasta, el precio del lote se llega por la ley de la oferta y la demanda, las principales marcas de quesos acuden a comprar allí, comprueban la calidad de uno de los quesos y discuten el precio. Una vez adjudicados son transportados a la Torre del Pesaje para saber el peso. Esto lo hacen dos fornidos hombres con unas carretillas sin ruedas que cuelgan de sus cuellos con seis quesos que pueden alcanzar los 160 kg.

El transporte lo hacen de una forma especial, se mueven como pájaros para aprovechar la inercia del peso y de la gravedad. Todo tiene que ser muy rápido para que la venta sea muy ágil. Un verdadero espectáculo que merece la pena venir a contemplar.

Aprovechando la cantidad de público que viene la ciudad ha desarrollado numerosos atractivos que permite su actividad comercial, la parte antigua se ha convertido en todo un mercadillo. Además, tienen las tiendas con marcas exclusivas que podríamos ver en un gran centro comercial.

En estos momentos, la plaza se llena de quesos que son transportados de un lugar a otro por los portadores de queso es un espectáculo particular. La historia se inicia en 1593 con la inauguración de un mercado de quesos en la Plaza del Peso Público (Waagplein) de Alkmaar. En 1365 la ciudad de Alkmaar ya había conseguido el derecho para el pesaje y una balanza, pero en 1612 ya disponía de cuatro. No se sabe con exactitud cuando tuvo lugar el primer mercado de queso. Se han encontrado documentos antiguos en los que queda claro que en 1622 seguramente tuvo lugar el mercado de queso, pero también hay pruebas de que en 1593 se fundó el gremio de los portadores de queso; por lo que se deduce que anteriormente ya existía el mercado.

Ya hemos visto la historia del Mercado del Queso en la Edad Media que era el lugar que para poder vender, donde cada grupo de profesionales formara un gremio. Los portadores de queso formaron su gremio en 1593. El mismo consta de unos 30 miembros además del responsable quesero. El portador de queso puede desempeñar diversas funciones.

Dentro del gremio hay cuatro grupos activos, los llamados “almacenes”. Cada almacén tiene su propio color, a saber: rojo, verde, azul y amarillo; cada uno se compone de seis portadores de queso y un bolsero.

Los sombreros de paja, la pajarita y las andas son del color del almacén que representan. Sólo los contramaestres y los mozos llevan una pajarita. Todos ellos visten un traje blanco. El jefe quesero está a la cabeza de cuatro almacenes y se le reconoce por su sombrero naranja y su bastón. Los portadores de queso lo llaman “paps”.

Cada almacén tiene su propia balanza (la misma se intercambia cada semana) donde se encuentra el “bolsero” para colocar los pesos en la balanza. En el mercado hay tres almacenes activos. Cada semana un almacén está “libre”. Los hombres del almacén libre tienen “servicio de carro”.

Antes del comienzo del primer mercado del año se juega a los dados. El almacén que gane escoge la parte del mercado en la que quiere trabajar y una balanza.

A continuación ésta tendrá que intercambiarse. Anteriormente existía también un quinto almacén naranja y también 5 balanzas.

Los portadores de queso son hombres amantes de sus tradiciones. Hay un reglamento interno, en el que se explica cómo se tienen que comportar y trabajar los que trabajan en el mercado. Aquí se describen algunas tradiciones y costumbres: Cada portador recibe, cuando se le asciende de ayudante a portador de queso, un mote. Así tenemos al «intérprete» que habla tan bien idiomas, «el válvula» que aparte de que no para de hablar también ayuda a revisar los motores, «nomeolvides» es un poco despistado y «la caña» es el que te pone la cervecita cuando se termina el mercado. Los portadores de queso tenían que pagar una multa si llegaban tarde. El mote del portador que recoge las multas es muy apropiado, «el verdugo». Con una parte del dinero de las multas, el Gremio financia una escuela en la ciudad Alkmaar de Surinam. La otra parte se utiliza para la «noche de sobras». Según la tradición, los hombres se reúnen antes de la feria para que se les paguen sus honorarios, que se componen de 5 € «de sueldo» para el portador de queso, dos galletas rellenas para la madre o mujer para agradecerle que el traje del hombre esté de un blanco impecable y un bocadillo con mantequilla y queso para los niños. Pelearse, fumar o tomar alcohol durante el mercado de queso está estrictamente prohibido Así, también, está prohibido decir palabrotas, lo que puede suceder cuando se cae un queso de las andas durante su transporte. En lugar de decir profanaciones, los portadores de queso dicen “¡uil!” (¡lechuza!). Si el Jefe quesero olvida su bastón o sombrero, los portadores del queso le gritan: «Padre, está desnudo».

Para entender la fiesta de los viernes en la venta del queso tienes que conocer a los protagonistas:

Los Ponedores (Zetters) llevan por la mañana temprano los quesos desde los camiones hasta el mercado. También cargan las andas. Llevan puesto un pantalón negro y una camisa azul.

Los Lanzadores (Ingooiers) son los encargados de una vez pesados los quesos, los lanzadores los cargan desde las andas en las carretillas de mano de madera y los llevan hasta los camiones. Se les reconoce por su pantalón negro y su camisa de color crudo.

Los Ayudante (Noodhulp) antes de que alguien se convierta en portador de queso tiene que ser primero ayudante durante dos años para poder entrar en el Gremio. El padre del queso y el contramaestre son los que lo deciden. El portador de queso adquiere además un sobrenombre.

El Hombre fijo (Vastman) es un portador de queso experto que trabaja en uno de los almacenes.

El Bolsero (Tasman) se le reconoce por su bolsa de cuero negro a la cintura. Se encuentra al lado de la balanza. Antiguamente era él el que pagaba. Después de pesar los quesos los sella con un visto (ü). El bolsero es el que lleva más tiempo de servicio.

El Contramaestre (Voorman) es que tiene la responsabilidad como cabeza de cada almacén se encuentra un “contramaestre”, el miembro más viejo del almacén. También se le llama el “capataz”. Cada dos años se elige un contramaestre del almacén. Lleva un escudo pequeño plateado con una línea del color de su almacén.

El Padre del queso (Kaasvader) se le denomina “padre del queso” está a la cabeza de cuatro almacenes. Se le reconoce por su sombrero naranja, su bastón negro con un adorno plateado y el escudo de Alkmaar en el pecho.

El Mozo (Knecht) es el ayudante del padre del queso. Tiene que limpiar el baño y la acera que se encuentra delante del Edificio del Peso Público. También es responsable de colgar la campana de bronce, que tiene que pulir dos veces al año. Lleva un escudo diferente, unas andas con una pajarita plateada. Cada estación un portador de queso cumple esta función, con excepción de los contramaestres.

El Escanciador (Bottelier) se ocupa de la comida y la bebida.

El Preboste (Provoost) se ocupa de cobrar las multas que los portadores de queso tienen que pagar si llegan tarde. Asimismo los anota en el tablón de la vergüenza. Lleva un escudo diferente con unas andas y una pajarita estrecha encima. Su sobrenombre es el “verdugo”.

Una vez terminado el Mercado del Queso vamos andando por las calles estrechas, ahora son comerciales, para disfrutar de la arquitectura tradicional holandesa. Hay tres o cuatro calles paralelas que discurren de sur a norte, pues cogemos una de ellas hasta que llegamos al otro extremo donde se encuentra Grote of Sint-Laurenskerk (GPS N 52.6322433 E4.7435204)

El Grote Sint-Laurenskerk es una basílica construida con una combinación de ladrillos cruzada y piedra natural con un coro de siete lados. La construcción se llevó a cabo entre 1470 y 1518. La iglesia tiene cuatro torres de escaleras y contiene el órgano de iglesia más antiguo de los Países Bajos. La iglesia originalmente católica se convirtió en protestante en 1573 y no tiene función religiosa desde 1996. En el interior alberga un museo sobre la historia del edificio.

La primera mención de una iglesia en este lugar data de principios del siglo X. Era una iglesia de madera que en 1133 en un ataque de frisones fue destruida por un incendio en Alkmaar. Una vez más se construyó una iglesia. En 1429 tuvo lugar en la iglesia el Milagro de la Santa Sangre. En ese momento, Alkmaar se expandió para que se decidiera construir una segunda junto a la iglesia dedicada a San Matías. Esta iglesia fue terminada en 1382. En el siglo XV se decidió construir una torre cerca de la iglesia doble.

Se decidió construir una iglesia más grande porque se pensó que una ciudad como Alkmaar debería tenerla. La construcción de esta iglesia, la iglesia actual, comenzó en 1470. La primera piedra fue colocada el 9 de junio de ese año. Casi cincuenta años después, en 1518, se completó la iglesia. El primer altar mayor fue dedicado a la Santísima Trinidad. Un retablo de 1540 era un tríptico pintado por Maarten van Heemskerck. Se pliega seis por ocho metros y, por lo tanto, es el más grande jamás fabricado en los Países Bajos. Los detalles de la Pasión fueron representados en el retablo, como la colocación de una corona de espinas en la cabeza de Cristo, la exhibición de Cristo de Poncio Pilato a la multitud, la crucifixión y la resurrección. El exterior de los paneles laterales contiene partes de la vida del santo patrón de la iglesia, Saint Laurentius, que se asa en un fuego y distribuye a los pobres los tesoros de la iglesia que el emperador había reclamado para sí mismo. Después de la Reforma , el retablo fue enviado a Rusia. El barco, sin embargo, naufragó y llegó como un hallazgo de playa en manos del rey sueco Johan III, quien lo adjuntó a la catedral luterana de Linkoping. Todavía está allí.

El Grote Kerk, al igual que sus predecesores, está construido sobre un promontorio de arena elevada. La iglesia sigue el modelo del gótico de Brabante y habría sido diseñada por el arquitecto de Mechelen, Andries I Keldermans, miembro de la familia de arquitectos de Mechelen, Keldermans, pero los tíitulos oficiales solo mencionarían a Antoon I Keldermans, su hijo. Además de Antoon, su hermano Matthijs II, y después de la muerte de Antoon, su hijo Antoon II también contribuyó a la construcción y diseño final.

En 1573 la iglesia entró en manos protestantes. Realmente no ha sufrido la iconoclasia. Desde la toma de posesión, sin embargo, la iglesia ha sido decorada de una manera más sobria, y los altares y las estatuas de santos que se han considerado superfluos han desaparecido.

Una restauración importante se inició en agosto de 1923 después de que la condición arquitectónica del edificio dejara mucho que desear. Cuatro años después, el trabajo fue detenido por falta de dinero. Parte de la iglesia quedó en los andamios. Se hicieron provisiones de emergencia en 1937 y la restauración se reanudó tres años después. Este trabajo se completó en 1949 y el 10 de septiembre de ese año, la iglesia volvió a ponerse en servicio.

El edificio no ha tenido función religiosa desde 1996. La iglesia es actualmente propiedad de la Fundación para la Preservación de Iglesias Monumental en Alkmaar. Se lo alquila a la Fundación Theatre De Vest / Grote Sint Laurenskerk, que utiliza la iglesia para actividades culturales.

En abril de 2018, los paneles laterales del retablo Van Heemskerck regresaron a la iglesia durante seis meses para una exposición con motivo del 500 aniversario del edificio de la iglesia.

El interior de la iglesia alberga dos órganos muy famosos. El órgano del coro es el órgano más antiguo aún reproducible en los Países Bajos, originalmente un órgano de un solo teclado de 1511 y fabricado por Jan van Covelen. Se amplió con un segundo teclado algo más tarde. El órgano principal data de los siglos XVII y XVIII. Fue Galtus van Hagerbeer († 1653) y sus hijos Germer (± 1610-1646) y Jacob (1622-1670) quienes construyeron el primer órgano principal en 1643, un órgano de tres cuartos con un pedal libre. En 1725 fue reemplazado por un órgano con cabeza, parte superior y posterior y pedal libre por Frans Caspar Schnitger. Esto utilizó parte de la tubería Hagerbeer. En 1986 se llevó a cabo una restauración general del órgano principal, que fue realizada por Flentrop Orgelbouw. Esta empresa lo restauró en 2014. Sobre este órgano se puede ver una pintura de Romeyn de Hooghe, que representa la lucha entre el bien y el mal.

El diseño del mueble de órgano del órgano principal y el de las decoraciones que se le aplicaron, así como el de la pintura de las persianas, es obra del arquitecto y pintor Jacob van Campen. Para el exterior de las persianas, diseñó una representación de El triunfo del rey Saúl después de la victoria de David sobre Goliat. Este último cuadro fue realizado por Caesar van Everdingen, nacido en Alkmaar. Las partes pintadas de estas persianas tienen un área de 908 por 803 cm; Las planas están hechas de tela en un sistema de listones y las convexas están en el panel.

El techo del coro contiene una pintura del Juicio Final de 1518: fue hecha por Jacob Cornelisz van Oostsanen en el momento de la finalización de la iglesia y restaurada de 2003 a 2011 por Willem Haakma Wagenaar y Edwin van den Brink vof. Consta de nueve secciones arqueadas y tiene un tamaño de casi cien metros cuadrados. No está firmado, pero no hay duda de que Van Oostsanen es el creador. La pintura está entre las más grandes de los Países Bajos. El crucero Noorder se restauró a su ubicación original durante la restauración. Esta parte de la pintura consta de catorce secciones. Se perdió durante mucho tiempo, pero fue encontrada por Willem Haakma Wagenaar en 1999 en el depósito del Rijksmuseum de Ámsterdam.

Los protestantes proporcionaron a la iglesia el púlpito (1655), una puerta bautismal (1605) y bancos de hombres (1651-1655). La pantalla del coro y el coro gótico se conservaron, así como un ataúd con una placa del siglo XVII. Afirma que el ataúd contiene los restos del Conde Floris V de Holanda, enterrados frente al altar mayor bajo una “piedra blanquecina”.

El piso está formado por lápidas. Los difuntos fueron enterrados a ocho capas de profundidad. Hay iglesias de los siglos XVI, XVII y XVIII, incluidas las de Anna Roemers Visscher y el organista de la ciudad Gerhardus Havingha. Carel de Dieu (1700-1789), alcalde de la ciudad durante muchos años, tiene su propia sepultura. Un letrero funerario con el escudo de su familia cuelga en el coro. El pintor local Caesar van Everdingen también encontró su lugar de descanso final allí. Pieter Palinck y su esposa tienen un memorial de cobre. El último muerto fue enterrado en 1830. Desde entonces los enterramientos están prohibidos . En los años noventa del siglo XX, la capa superior del suelo se excavó a una profundidad de aproximadamente 1,5 metros para la construcción de calefacción de pisos. Durante la investigación arqueológica que tuvo lugar en ese momento, entre otras cosas, se encontraron monedas que se colocaban en los párpados de los muertos.

La sala del consistorio tiene un techo abovedado de madera pintada con los brazos de, entre otros, Holanda, el emperador Karel V, Alkmaar, Delft y Oudewater.

Entre las obras de arte la más importante son las pinturas de la bóveda del coro “El Juicio Final”, obra del pintor Jacob Cornelisz van Oostsanen (1465-1533), están datadas en 1519.

Van Oostsanen trabajo en varias iglesias pintando las bóvedas a principios del siglo XVI. La mayoría de las pinturas de bóvedas se originaron entre 1515 y 1535. Hubo entonces un verdadero auge de nuevas pinturas de las bóvedas. El Juicio Final se representa a menudo en el coro, no solo en las bóvedas de madera holandesas, sino también en muchas iglesias en otras partes de Europa.

Las pinturas de la bóveda eran visibles para todos los feligreses. Esto contrasta con muchos retablos en capillas o coros, que no eran accesibles para todos. Los programas de imágenes a veces eran complicados, pero la historia y el mensaje de El Juicio Final se divulgaban en general. Siempre se te recuerda lo que te espera al final de los tiempos. Asegúrate de vivir bien, porque de lo contrario.

La bóveda en el Grote Sint Laurenskerk no está firmada. Sin embargo, no hay dudas de que se atribuye a Jacob Cornelisz van Oostsanen. Su mano es claramente reconocible en la forma en que ejecuta el trabajo, después de aplicar los acentos de luz, se elabora aún más con sombras y aumentos de luz establecidos en teclas paralelas.

Continuamos la visita a esta interesante ciudad, después de ver la catedral marchamos por la calle Leat, es la hora de almorzar, estamos en la calle donde hay negocios de restauración, no sabemos qué comer, pasamos ante un Subway (GPS N 52.6307259 E4.7460357) y decidimos tomar un tente tieso. Los bocadillos de esta cadena son especiales en Holanda donde abundan los vegetales, mejor dicho aquí todos son de lechuga y tomate con distintas variedades. Decidimos pedir uno de ellos que están descritos en el menú del día.

Después de este alto en el camino continuamos bajando por las calles en dirección al Molino van Piet, se encuentra en la ribera del río, en la calle Clarissenbuurt 4, (GPS N 52.6304975 E4.7441907); no se puede visitar el interior aunque es muy recomendable por su panorámica.

El molino de Piet se construyó en 1769 para moler el grano y convertirlo en harina. El molino debe su nombre a la familia Piet que ha vivido y trabajado en el molino durante cuatro generaciones. Desafortunadamente, el molino ya no es accesible para los visitantes porque es utilizado como casa privada por el último descendiente de los Piet.

Desde aquí marchamos andando para visitar una de las iglesias más antiguas, se trata de Kapelkerk (GPS N52.6295615 E4.7500073), se encuentra situada en la calle Laat 80.

La iglesia era en principios la capilla católica de San Juan se encontraba en este sitio, de ahí el nombre de “Iglesia de la capilla”. La iglesia es utilizada actualmente por el la congregación Reformada GKV Alkmaar para los servicios de adoración semanales. En febrero de 2016, esta congregación eclesiástica compró este templo de la Iglesia Protestante de los Países Bajos, garantizando así su continua existencia como un edificio de la iglesia.

Las partes más antiguas de la iglesia de la capilla datan del siglo XV. En 1536 el pequeño edificio se amplió considerablemente. La iglesia luego tomó la forma de una iglesia gótica holandesa con un pasillo norte, un coro simple y bóvedas de cañón.

En 1707 se realizó una nueva extensión: el edificio fue ampliado hacia el norte, hacia el Verdronken Oord, en un estilo neerlandés-clasicista. Esto le dio a la iglesia de la capilla sus dimensiones actuales. En la iglesia, el año de esta expansión aún puede leerse en números romanos: MDCCVII.

En 1760 se produjo un incendio en esta parte de la ciudad Alkmaar y se destruyó en gran parte la Iglesia de la Capilla. Prácticamente nada queda del techo original. La iglesia fue restaurada, en 1762 y fue puesta en uso nuevamente. El exterior tiene un estilo gótico de la parte más antigua de la iglesia se conservó durante la restauración. La iglesia levanto una torre clásica con una cúpula y el interior se adaptó al gusto de la época.

Durante las renovaciones en el siglo XIX, las ventanas de arco gótico en punta en la parte más antigua de la iglesia fueron removidas y reemplazadas por ventanas de arco circular, que, en opinión de los restauradores de esa época, encajaban mejor en el interior clasicista y la extensión norte. Durante las restauraciones en la década de 1950 del siglo XX, esta intervención se deshizo, por lo que el carácter gótico de la parte más antigua de la iglesia permanecería visible. La iglesia fue restaurada recientemente entre 2001 y 2005.

La actual Iglesia de la Capilla es, en parte gracias a las restauraciones, un edificio que combina diferentes estilos. La parte sur de la iglesia, es inconfundiblemente gótica. Las ventanas tienen arcos apuntados. La pared exterior con bandas también es típica. La parte norte es clasicista holandesa y tiene una apariencia sobria. La torre con la pequeña cúpula también está diseñada en este estilo. El interior difiere notablemente del exterior porque aquí hay una clara unidad de estilo: todo está hecho después del incendio. El órgano de tubos de 1762 fue construido por Christian Müller y es uno de los dos órganos de Müller en Alkmaar (el otro está en la Iglesia Luterana ). El instrumento ha sido objeto de varias restauraciones y cambios a lo largo de los años.

Desde aquí marchamos en dirección al parking disfrutando de la arquitectura antigua de la ciudad, rodeamos los canales y los salvamos por sus puentes hasta llegar a la plaza del Peso. En estos momentos ya están recogiendo todos los quesos de la subasta.

Para disfrutar del mundo rural marchamos al Museo de los Molinos, está a pocos kilómetros de la ciudad. Visitar el Museo de Museummolen Noordervaart es muy sencillo, muy cerca de Alkmar: Parking GPS N 52.6002408 E 4.8743033; horario abierto de 10,00 a 17,00 horas. Precio de entrada 4 euros

El Museum Mill en Schermerhorn es uno de los once molinos de pólder restantes en el Schermer cuando drenaron el pólder hace 400 años. El Museo Mill está abierto al público todos los días del 1 de abril al 1 de noviembre. ¿Preguntas sobre cómo funciona el molino? El molinero está feliz de explicártelo.

Se trata de un conjunto de seis molinos encargados de bombear el agua del lago que rodeaba la ciudad, ahora quedan solamente tres, en poco más de 100 años consiguieron secar el lago y hacer del suelo el mayor centro de cultivo del país por la calidad de la tierra.

Nada más llegar te das cuenta de la importancia de los molinos en la vida de Holanda. Con un viento favorable, un solo molino bombea hasta 60,000 litros de agua por minuto.

Se necesitaron menos de 52 Molinos de agua para secar el Schermeer –lago del centro de Holanda–. En cada molino de paja, tipo portero con forma octogonal, había una enorme rueda de seis metros de diámetro. Esto permitió que el agua del pólder se bombeara aproximadamente un metro, la llamada cabeza.

Gracias a las velas, el molinero pudo responder a la volatilidad de la fuerza del viento. Y al girar el capó, pudo seguir la contracción y la limpieza del viento. Porque cuanto mejor podía usar el viento, más agua podía bombear.

Las barras (la base de la vela cruzada), las cenizas y la rueda estaban hechas de madera en ese momento. Ese material tenía una vida útil limitada y resultaba un artículo con un coste muy alto porque había que reemplazarlo muy a menudo por el desgaste. Afortunadamente, se han realizado varias mejoras técnicas a lo largo de los siglos. Las barras de madera y los ejes superiores han sido reemplazados por los de hierro fundido. A partir de 1850 se comenzó con lo que parecía ser la mejora más importante: la rueda de extracción a través de un mortero, un proyecto a gran escala que tomó 25 años en completarse.

Gracias a esta innovación, el drenaje de tres etapas (con rueda de pala) del atrio interno fue reemplazado por un drenaje de dos etapas (con un sinfín). Durante una prueba con el actual Museum Mill, el bombeo se podía realizar con dos molinos, un paso menos. Y debido a que los conectores funcionaron muy bien, se pospuso el cambio al bombeo de vapor. Además, el bombeo de viento, según un informe de 1876, era mucho más barato que el bombeo de vapor.

Debido a que los costos salariales siguen aumentando y el Decreto de Horas de Trabajo de 1915 limita las horas de trabajo de los molineros, el consejo de pólder decidió en 1924 cambiar al drenaje eléctrico. La mayor ventaja, por supuesto, era que las personas ya no dependían del viento. Y así fue que en 1929 los últimos molinos fueron retirados del servicio. El agua en el pólder ahora era mantenida por tres estaciones de bombeo eléctrico (Emma, Juliana y Wilhelmina). (Muchas décadas después, a fines del siglo pasado, fueron reemplazadas por dos estaciones de bombeo eléctricas controladas por computadora, que, según la tradición actual, se llaman Beatrix y Willem-Alexander.

Se han considerado que los molinos eran herramientas “únicas”, en 1929 se decidió venderlos de manera individual tan pronto como ya no fueran utilizables. La felicidad en un accidente. En la Segunda Guerra Mundial, algunas fábricas se prepararon para su uso nuevamente para poder volver a moler en caso de una emergencia, sin importar lo que sucediera. Después de eso, la Junta del Agua tuvo que mantener un número de molinos listos para su uso a principios de los años cincuenta, gracias a la Protección de las obras de agua en tiempo de guerra (Ley BWO). También se mantuvieron dos fábricas en el contexto de la escasez de viviendas. Al final, se conservaron 17 Molinos, de los cuales 8 aún pueden bombear 60.000 litros de agua por minuto. Al igual que hace 400 años.

Visitamos el interior de uno de los molinos en movimiento, es un verdadero museo donde se puede apreciar como era la vida del molinero y de su familia. El salón era el lugar donde se hacia la vida tiene varios armarios de madera donde se guardaban los utensilios de cocina y el armario especial de los padres en su interior estaba la cama, nada más verlo piensas como se podía dormir en tan poco espacio pero es que en aquella época no se dormía tumbado, se hacia sentado para que el cerebro no se inundara de sangre. Al otro lado del molino había otra sala donde dormían los hijos, también tenían el colchón en el interior del armario.

Verdaderamente parece un privilegio poder vivir en el interior del trabajo pero lo molineros se comportaban como fareros. Aunque aquí el viento y la lluvia determinan su agenda y el trabajo en el pólder lo emplea las 24 horas del día, los 7 días de la semana, los 365 días del año, esto ya era menos atractivo. Los días libres eran si el agua del pólder aún no estaba a la altura y el viento no era favorable, el molinero pasaba tranquilamente unos días seguidos a la espera de que mejorase las condiciones de trabajo.

El salario no era nada del otro mundo porque cobraba un máximo de 45 euros anuales, el molinero se rentaba a sí mismo mientras fuera posible como trabajador. La casa en sí también dejó algo que desear. Porque no importa lo hermoso que pueda parecer ahora vivir en un molino pero el aislamiento, la corriente de aire y la humedad , estas deficiencias no mejoraba la comodidad de la vida. En ausencia de una cocina , el fuego se hacía a cielo abierto o en una cocina de olla. El humo creciente y el hollín hacían el primer piso inhabitable. Dos habitaciones con camas sirvieron como un lugar para dormir para toda la familia. El agua de lluvia servía como agua potable, el inodoro estaba sobre una zanja y el lavabo estaba en el canal. La vida en y alrededor del molino era muy difícil.

Inicialmente, la familia del molinero habitaba solo la mitad de la planta baja. Porque en los inicios del siglo XIX el espacio se requería para el funcionamiento de una rueda de paletas, bateras y la rueda de agua. Solo cuando estas partes fueron reemplazados por un mortero, la familia pudo usar toda la planta baja y la comodidad de la vida se hizo más generosa.

El molinero tenía algunos privilegios: era fácil ser molinero y el tablero de pólder le daba turba, velas y petróleo. También se le permitió usar un pedazo de tierra como huerto o para alimentar a algunos animales. Los molinos que tenían mucho suelo eran conocidos como buenos molinos de viento, los molinos de viento con poca tierra eran molinos de viento malos. Si surgía una vacante, era posible la promoción de un molino malo a uno bueno.

Debido a la mala higiene y la salud pública, las familias de los molineros no eran muy grandes en el pasado. Muchos niños murieron a una edad temprana y las personas envejecieron temprano debido al trabajo duro. En ese momento no era muy común tener un abuelo en la familia. Y tras la muerte del molinero o su esposa, se acostumbraba a contratar a un sirviente o criada, que eventualmente se casaba.

La vida en y alrededor del molino era dura. La ubicación era a menudo remota y aseguraba accesibilidad limitada. La profesión del molinero no era muy apreciada y el molinero estaba bajo el estricto régimen de la administración local del pólder. La mala conducta era multada, luego de repetidas renuncias. Como no había blindaje de las piezas giratorias del molino, regularmente ocurrían accidentes.

Después de ver el museo de los molinos decidimos dar una vuelta por el polder Schermer para hacernos una idea de las tierras agrícolas ganadas al agua y que en la actualidad, una pequeña parte, están plantadas de bonitas flores.

Alrededor del año 800 dC, el área de tierra que era el municipio de Schermer estaba cubierta de turba, y un tenia un pequeño río llamado Schermer fluía a través de ella, eran zonas inundables que no tenían uso agrícola. Debido a la excavación de turba hecha por el hombre y las inundaciones por tormentas, este pequeño río en el año 1250 se había convertido en un lago interior con una conexión abierta con el Zuyderzee. En el siglo XVII, los inversores privados comenzaron a drenar la mayor parte del lago, dejando intacta la parte sur, la Alkmaardermeer. En 1635, se drenaron 47,7 Km cuadrados de pólder, con lo cual el terreno se dividió entre los accionistas.

Ahora es una maravilla verlo como cultivan las hortalizas y las flores, hacia esa parte fuimos atraídos por el color con unas tonalidades dignas de los tulipanes que parecerían ser sacados de los cuadros impresionistas.

Además de cultivos se pueden ver la tierra dedicada a la cría de ovejas, cabras, caballos y vacas. La verdad es que el lugar es para perderse una semana con la cámara fotos en la mano

Partimos para nuestro siguiente destino, se trata de la ciudad de Breda, nos separan 146 km y el tiempo estimado por autopista no llegará a dos horas.

Os sonará la ciudad porque se hizo muy famosa por el gran cuadro de Velázquez“ La Rendición de Breda”, era una de las ciudades más bonitas del medievo hasta que las tropas españolas la destruyeron en 1581 gracias a uno de los asedios más largos de la historia.

Los Países Bajos (liderados por su noble más importante, Guillermo de Orange) estaban inmersos en la guerra de los ochenta años o guerra de Flandes, en la que luchaban por independizarse de España.

En 1590, con Mauricio de Nassau-Orange (cuarto hijo de Guillermo) como estatúder de las Provincias Unidas de los Países Bajos, la ciudad de Breda fue tomada por los holandeses. La tregua de los doce años mantuvo el país en calma entre 1609 y 1621. Cuando el rey de España Felipe IV subió al trono en 1621, la tregua expiró y la guerra se reanudó. La intención de Felipe IV era recuperar esa plaza tan importante desde la cual se podría maniobrar para otras conquistas.

Felipe IV nombró jefe supremo de la expedición a Breda al mejor estratega a su servicio conocido en aquella época, al aristócrata genovés Ambrosio de Spinola, que se puso al mando de 40.000 hombres más un buen número de generales españoles, como el marqués de Leganés y Carlos Coloma, militares muy famosos.

La ciudad de Breda estaba defendida por Justino de Nassau, de la casa de Orange. El cerco y sitio a la ciudad fue una lección de estrategia militar. Algunos generales de otras naciones acudieron allí en calidad de lo que hoy se entiende como «agregado militar», para conocer y observar la táctica del gran Spinola. Lo principal era impedir que hasta el sitio llegaran refuerzos de víveres y municiones. Para ello se realizaron una serie de acciones secundarias; una de las que más éxito tuvieron fue la de anegar los terrenos inmediatos e impedir así el paso a la posible ayuda.

Las crónicas de la época cuentan que la defensa de Breda llegó a ser heroica, pero la guarnición tuvo que rendirse y levantar la bandera. Justino de Nassau capituló el 5 de junio de 1625. La guarnición superviviente de Breda –unos 3.500 hombres en un estado lamentable– salía con armas, banderas y bagajes. Los ciudadanos quedaban exentos de pagar ningún tributo, y sólo se les obligo´ a restaurar las imágenes de los templos católicos y erradicar la práctica del calvinismo. Justino de Nassau, acompañado de sus ayudantes, entregó personalmente las llaves de la ciudad a Spi´nola en la tienda de éste, que había sido engalanada para la ocasión.

La noticia fue recibida con gran alborozo en Bruselas y Madrid. Se celebraron misas, fiestas y fuegos artificiales. Días después, la gobernadora hizo su entrada en la ciudad bajo un arco de triunfo que el general genovés había hecho levantar y en el que una dedicatoria consagraba la victoria a ella y al rey Felipe IV. Las fiestas se prolongaron durante tres días seguidos, en los cuales la soldadesca gastó la prima que había recibido. El rey, como premio, nombró a su general Comendador Mayor de Castilla y el papa Urbano VIII le envió varios regalos bendecidos. Pero Spínola contestó al monarca que prefería alguna compensación económica constante y sonante debido al estado de ruina personal en el que se encontraba, pues durante años había adelantado el dinero necesario para la guerra; se calcula, en efecto, que la Corona le debía varios millones de ducados.

Llegamos a la ciudad de Breda y vamos directamente al parking, en una ciudad tranquila esta destinado especialmente para autocaravanas GPS N 51.58793 E 4.76366, precio 4 euros diarios pagar en el parquímetro amarillo

En estos momentos en Breda son las 19,00 horas, nos sorprendió: la temperatura 25 grados y que estaba la gente en la calle. Es la primera vez que veíamos ese bullicio a esas horas. Los jóvenes se divertían como en España entorno al alcohol y los menos jóvenes pues hacían lo mismo.

Damos una vuelta por la ciudad tomando un poco el pulso para la visita de hoy, nos encontramos con un español por la calle que nos contó un poco como es la vida en Holanda.

Día 20 de abril de 2019 (sábado)
Ruta: Breda- Auvers-sur-Oise; Distancia 397 Km.; tiempo 05h 08'

La noche ha sido perfecta hemos dormido al lado del canal acompañados de unas treintena de autocaravanas en la calle Nijverheidssingel, pese aunque esta adoquinada pero no hemos sentido mucho tráfico.

Desde aquí marchamos andando al centro camino de la catedral protestante, su fachada describe un hermoso estilo gótico llena de pináculos rematados con decoraciones vegetales, enseguida apreciamos la falta de cualquier figura decorativa, lo que indica que la revolución protestante fue aquí más virulenta, ni siquiera en la portada conservaron la figura de la virgen Maria.

La Grote Kerk de Breda se encuentra situada en la calle de Kerkplein 2 (GPS N 51.588899 E4.7726686); horario de 10,00 a 17,00 horas ; entrada gratuita.

La iglesia de Nuestra Señora tiene un culto protestante situado en la Grote Markt (gran plaza) de la ciudad de Breda. La iglesia se construyó en estilo gótico brabantino y con su torre de 97 metros de altura, constituye el monumento más importante y marca el paisaje de la ciudad.

Las primeras noticias de una iglesia católica en Breda datan de 1269. En 1410, se comenzó la construcción de un nuevo templo por el coro. A pesar de la caída de la torre del campanario, el edificio se terminó en 1457. La reconstrucción de la torre se completó en 1509 y la iglesia toma su aspecto final en 1547.

En 1566, los Países Bajos fueron devastados por la tormenta iconoclasta. La Gran Iglesia de Breda se salvó de una gran destrucción. Esto se debió principalmente a la participación del príncipe Guillermo de Orange en el Grote Kerk. Vivió durante años en el castillo de Breda y era la iglesia del príncipe. Había un altar separado en la Capilla de los Príncipes donde la familia podía dedicarse a sus deberes eclesiásticos. Un camino corría desde el castillo hasta la Grote Kerk, donde se podía acceder a la Capilla de los Príncipes a través de una entrada independiente. En el Prinsenkapel, en la bodega funeraria bajo el monumento de entierro de Engelbrecht de Nassau, además de René van Chalon, el primer príncipe de Orange, los restos de Anna van Egmond, la primera esposa del príncipe Willem de Orange y su hija María (que en una placa en la capilla). Hay un documento en el que el príncipe Guillermo de Orange expresó el deseo de que, después de su muerte, fuera enterrado en este lugar en su sepultura, con Anna van Egmond. Cuando el príncipe Guillermo de Orange recibió un disparo en Delft en 1584 por Balthasar Gerards, Breda fue ocupada por los españoles y fue imposible cumplir este deseo. Incluso cuando los descendientes de Guillermo de Orange murieron, Breda fue ocupada por los españoles y la tumba en Delft se convirtió en el nuevo lugar de descanso para los miembros de la Familia Real.

Después de 1566, el Grote Kerk ha cambiado de manos varias veces. De 1566 a 1576 la iglesia quedó en manos católicas. Desde 1577 hasta 1581, el edificio primero llegó a manos protestantes y luego, hasta 1590, se dedicó nuevamente al culto católico. Después de la guerra de Breda, la ciudad estaba en manos del Príncipe Maurits y permanecería hasta 1625. Entre 1625 y 1637 la iglesia volvería a pertenecer a los católicos, pero en 1637 el edificio finalmente llegó a los protestantes. Todo lo que recordaba el culto católico finalmente desapareció. Lo que quedó fueron los hermosos monumentos funerarios, pinturas de bóvedas y otras piezas interiores interesantes.

En 1694, se incendió el chapitel de la torres y se reconstruyó en 1702. La última gran restauración tuvo lugar entre 1993 y 1998. El órgano de este templo, que data del siglo XVI, es uno de los mayores de los Países Bajos.

The Prinsenkapel o capilla del príncipe, situada al norte del coro es el antiguo mausoleo de la casa de Casa de Orange-Nassau, antecedentes de la actual familia real de Holanda. La capilla se construyó entre 1520 y 1525 por encargo de Enrique III de Nassau-Breda. Diecisiete miembros de esta familia se encuentran enterrados en la capilla.

Cuando en 1584, murió Guillermo de Orange, el plan era enterrarlo también en esta capilla, pero como Breda estaba en ese tiempo en manos de los españoles, se decidió enterrarlo junto a sus descendientes en el mausoleo de la Nieuwe Kerk en Delft.

Lo más destacado de la iglesia es mausoleo del Conde Engelbrecht II una de las más hermosas que jamás hayamos visto, por lo increíble de los detalles labrados en mármol, sujetan un baldaquín con las herramientas de combate: Anibal, Cesar, Regulo y Filipo de Macedonia.

En los extremos se puede ver las figuras como porteadores una representa a Julio César cuyo simbolizado es la constancia; otra es Atilio Regulus que simboliza la generosidad; otra es la figura de Aníbal que simboliza la perseverancia; y por último, podemos ver Felipe de Macedonia que simboliza la precaución.

Debajo del mausoleo se encuentra la cripta donde reposan los restos de la familia Orange-Nassau. El piso se abrió en 1937 y se volvió a descubrir la tumba. Esta tumba había sido diseñada siguiendo la voluntad de Willem van Oranje.

En esta tumba había cuatro cajas de plomo en soportes de hierro, tres grandes y una pequeña. En una de las cajas en las que se encontraba Enrique III fechada en 1538, Conde de Nassau, estaba el cuerpo embalsamado y vestido de lino de Enrique III.

El esqueleto de René van Chalon, el hijo de Enrique III, fue encontrado en el otro ataúd. La clavícula era de un cuerpo de dos metros de largo se rompió y los huesos a su alrededor se dañaron gravemente. Réne van Chalon murió a la edad de 25 años durante una batalla por sangrado arterial como resultado de una explosión de una granada. Su corazón y sus entrañas descansan en la capilla de Bar-le-Duc.

En el ataúd había un tambor de plomo que contenía los restos de María, una hija de René van Châlon y Anna van Lorraine, que murió en la cuna a temprana edad. Anna van Buren, la primera esposa de Willem van Oranje, fue enterrada en el tercer ataúd. Su hija menor, María, estaba en la caja más pequeña. Murió cuando tenía 1 año. También había un barril con intestinos embalsamados. El barril estaba junto al ataúd de Anna van Buren.

Los restos sueltos fueron colocados en nuevas cajas de bronce y la tumba fue cuidadosamente cerrada con una clave.

De hecho, William de Orange debería haber sido enterrado en esta bodega. Murió después de un intento de asesinato en 1584 en Delft. En esos momentos la ciudad de Breda estaba en manos españolas (y, por lo tanto, no era accesible desde Delft), su ataúd fue colocado en el Nieuwe Kerk en Delf. Más tarde se consiguió un lugar allí en una nueva tumba para albergar a los miembros de Oranje-Nassau. Desde entonces, este ha sido el último lugar de descanso para los miembros de la Casa de Orange y la Casa Real.

En las paredes se han descubierto varios frescos que fueron tapados con yeso, y que con el paso de los siglos se han sacado a la luz para describirnos lo importante de la decoración católica en el siglo XV.

Merece mención especial echar un vistazo a la sillería del coro, donde podemos ver una gran variedad de relieves con temas inéditos. Se representan personas de todo tipo y animales. De los relieves originales todavía sobreviven 55. Seis nuevos fueron colocados después de la última guerra. A pesar de la insurrección del Servicio Nacional para la Protección de Monumentos, estos nuevos misericords, que representan eventos importantes en la historia de Breda, se han mantenido gracias a la actitud de la tutela de la Iglesia. Se sabe que los puestos del coro habían sido restaurados desde 1625.

El mendigo se va de casa en casa para pedir limosna. Se apoya en un palo y lleva una cesta para guardar sus limosnas. Debido a que el mendigo es ciego, tiene un perro con él que le está rogando. En la Edad Media , el mendigo en la calle era un aspecto bien conocido.

El bufón que se muestra aquí tiene una capucha loca con mañanas de burros envueltas alrededor de su cabeza. Su bigote grande lo convierte en una figura grotesca. Quizás se ha propuesto una famosa figura del carnaval. Está claro que la burla está siendo representada aquí. Alguien que estaba avergonzado consiguió la capucha del tonto antes, figurativamente o literalmente.

Los animales nocturnos como el murciélago se refieren a brujas y fuerzas oscuras. Hasta este siglo era costumbre en Brabante clavar un murciélago encima o contra la puerta de un granero. Se pensaba que esto mantendría a los poderes y fuerzas del mal fuera. Esta práctica también ha existido en otros países.

El busto femenino muestra a una mujer cuyo cabello está incorporado en un sombrero de cuerno. El busto femenino es una caricatura y debe verse como una burla de la vanidad femenina. Sin embargo, la misericordia está asociada con el viejo dicho: “La gente está vendiendo un espectáculo largo y anticuado antes del monstruo de la palabra”.

El monstruo alado tiene la cabeza de un hombre y el cuerpo y las alas de un dragón. Hay una gorra puntiaguda en la cabeza del monstruo. Este es un sombrero que solía ser usado como una característica de los judíos. Quizás fue la intención de ridiculizarlos de esta manera.

La puerta de la fortaleza de un establecimiento como este fue utilizado para la defensa de la ciudad. El cañón fue usado para arrojar al enemigo. Los asaltantes fueron disparados a través de los agujeros de bala. La imagen tiene un significado más ambiguo. La puerta luego se refiere a una cierta apertura del cuerpo del hombre, la pistola a una cierta parte del cuerpo.

El elefante representado no es tan bueno porque en la Edad Media solo unos pocos habían visto un elefante en persona. Solo se conocían de historias de viajeros o de libros ilustrados. El castillo en la parte posterior fue utilizado como asiento para el conductor o los soldados.

El monstruo que se muestra tiene la cabeza y el cuerpo de un perro, alas en lugar de patas delanteras y una larga cola entre las patas traseras. Así que un verdadero monstruo. La pata de un animal de pezuña desconocido forma la comida de la muestra. Una posible explicación para este monstruo es que aquí se representa al diablo con su escaso botín.

Entre las obras de arte podemos ver la tumba de Jan van Polanen en Herenkoor I y II son las tumbas más antiguas y se restauraron por última vez en 2004. En la portada están las imágenes de Jan I van Polanen y sus dos esposas. Los trozos de las figuras están allí como fragmentos separados. La policromía se ha asegurado desde el inicio de la restauración del edificio de la iglesia. Para abordar la descomposición adicional, en particular de los problemas de humedad causados ??por el aumento de agua, se han tomado medidas resistentes a la humedad debajo del piso en combinación con la calefacción de piso instalada. Después de eso, la restauración real tuvo lugar después de 8 años porque el balance de humedad natural no se restauró hasta entonces. Las cabezas están alineadas, como se indica en un grabado antiguo. Un gorro sobre la cabeza de Jan I van Polanen no ha sido reemplazado. Al igual que con el monumento de Jan II van Polanen, este monumento ha conservado su carácter auténtico gracias a las intervenciones arquitectónicas limitadas.

El monumento funerario de Frederik van Renesse y su esposa Anna van Hemel se destacan inmediatamente por su posición especial, detrás del altar mayor y en el medio del pasillo. Y esto no solo por su ubicación sino también por la composición con multitud de estilos. Antes de la restauración en 2003 y 2004, el trabajo dorado y la policromía se aseguraron al restaurarlos. Lo mismo sucedió con la Anunciación y la tumba de Jan van Polanen I.

Este monumento funerario de Frederik Van Renesse consta de cuatro partes: nicho de pared, tumba, estatuas reclinadas y la interpretación del nicho. El estudio a largo plazo ha demostrado que partes del monumento se han modificado y fusionado a lo largo del tiempo para darle una dimensión adicional. Y aquí también se puede ver una transición claramente perceptible del gótico al renacimiento, como ocurre con varios monumentos en la iglesia.

Monumento con la tumba de Engelbrecht I van Nassau, Johanna van Polanen, Jan IV van Nassau y Maria van Loon, fue realizado entre 1520 y 1525, en piedra caliza.

El sepulcro tiene ocho metros de alto, cuatro metros de ancho y está hecho de piedra fina y suave caliza francesa. Tiene una forma antigua para esa época. El Renacimiento no ha tenido ninguna influencia en el diseño y recuerda más a los monumentos funerarios españoles que aparecen expuestos en las tumbas de la Catedral de Burgos habrían servido de modelo para unos escultores no identificados. El monumento es un retablo tridimensional en el que tanto los fundadores como también Engelbrecht y Johanna se arrodillan frente a una Virgen con el Niño. Detrás de ellos están sus santos patrones, San Jerónimo (con un gorro de cardenal) y Juan el Bautista a la derecha y los armados San Jorge y San Wendelino a la izquierda. Dos ángeles sostienen un dosel y sobre él encontramos un arco gótico con el escudo de armas de Nassau, aparecen nichos con escudos de armas y cascos y pináculos arriba.

Hay dibujos de Jan Gossaert de Mabuse que contienen detalles del monumento. Tal vez él fue el creador, pero a Jan Mone también se lo mencionó a este respecto. El monumento fue atribuido a Miguel Ángel en el siglo XIX. Este último no es plausible en vista del estilo y la calidad del trabajo.

A mediados del siglo XIX, el monumento estaba en muy malas condiciones. Una estatua central de María había estado desaparecida desde 1624. El rey Guillermo III hizo que el escritor católico Joseph Alberdingk Thijm, el escultor de la corte Louis Royer y el arquitecto católico Pierre Cuypers restauraran el monumento en 1860. Complementaron las muchas figuras y detalles faltantes con la piedra de Baumberger casi idéntica. Los ángeles y el dosel no aparecieron en el original. El monumento también fue limpiado a fondo durante estas restauraciones.

Otra de las obras de arte de la pintura es el tríptico “El hallazgo de la verdadera cruz” obra del pintor de Jan van Scorel, está datado en 1535, realizado en óleo sobre tabla.

Fue un encargo para el retablo del nuevo Herenkoor del Grote Kerk. El comisionado más probable es Rene van Nassau Châlon, el primer Príncipe de Orange, hijo de Enrique III de Nassau.

El panel central muestra la invención de las tres cruces por la reina romana Helena en Jerusalén. La invención de la verdadera cruz se puede ver en el panel derecho. La verdadera cruz se identifica al ponerla en contacto con una persona muerta, en la cual fue devuelta a la vida. En la parte posterior de este panel puede ver una imagen de Saint Hubert. La llamada batalla del puente Milvian se representa en la parte frontal del panel izquierdo. En el reverso de este panel hay una imagen de San Jerónimo.

El tríptico fue pintado en el estudio de Jan van Scorel en Utrecht. Es uno de los tres retablos monumentales conservados que se hicieron en el taller de Jan van Scorel en los años cuarenta y cincuenta del siglo XVI. Todos los demás probablemente se perdieron durante la iconoclasia.

Escultura conmemorativa con el Juicio Final y la Adoración de la Serpiente de múltiples Brazos y retratos devocionales de Dirk van Assendelft y Adriana van Nassau.

Estamos ante una escultura conmemorativa divida en varias partes: el Juicio Final y la Adoración de la Serpiente de Brazos con dos retratos devocionales, además en la parte baja una tableta de texto en blanco, en lo alto un escudo de armas y elementos decorativos del Renacimiento.

Podemos ver más adelante la pintura mural “Anunciación” obra de un pintor anónimo, realizada en el siglo XV, según la técnica al fresco en estilo gótico.

La obra decoraba la antigua capilla dedicada por la hermandad de María, estaba situada en el crucero norte.

Fue descubierta durante la restauración de 1902. Estaba cubierta por una representación de la Anunciación, se refería al momento en que el ángel Gabriel viene a llevar a María el feliz mensaje de que se convertirá en madre.

La pintura del tercer cuarto del siglo XV respira el espíritu gótico en todo, tanto en los arcos puntiagudos coronados, en los que se pinta la piedra gótica, como en el diseño y la decoración de la habitación. Por ejemplo, el sillón en el que María estaba leyendo y el tocador están decorados con motivos góticos. Además, el pintor anónimo ha agregado una serie de referencias simbólicas a la pureza de María, que pueden no ser siempre claras en nuestro tiempo, pero que habrían sido un libro abierto para los hermanos de Breda.

En la iglesia se destaca la labor de mecenazgo de los Orange-Nassau. Ponen por ejemplo: “Jardín de las delicias" (en El Prado) de el Bosco (Jheronimus Bosch, porque era de 's-Hertogenbosch). Se da aquí por hecho que fue encargado por Engelbert II of Nassau (retrato y tumba).

Según las investigaciones el cuadro el Jardín de las delicias perteneció a la familia Nassau. Por el relato de Antonio de Beatis, que acompañó como secretario al cardenal Luis de Aragón en su viaje a los Países Bajos, consta que el 30 de julio de 1517 la obra se encontraba en el palacio de Coudenberg en Bruselas, propiedad de los Nassau, donde De Beatis pudo admirarla. Dada la datación tardía que se le otorgaba entonces, posterior a la muerte de Engelbrecht II de Nassau en 1504, se juzgó que el comitente había sido Hendrik III de Nassau (1483-1538), sobrino y heredero de Engelbrecht. Ahora, tras confirmarse que la obra debió ejecutarse en la década de 1490, se corrobora que quien se la encargó al Bosco fue Engelbrecht, que debió destinarla al ya citado palacio de Coudenberg.

Aquí damos por terminada la visita a la iglesia que representa la catedral protestante de Breda, Nuestro siguiente destino es el monumento más antiguo de la ciudad, se trata del patio del antiguo convento católico del siglo XII, recibe el nombre de Begijnhof (GPS N 51.5904546 E 4.7782439); situado Catharinastraat 45; horario de 9,00 a 18,00 horas.

Esta institución se vio enfrentada con la llegada de los jacobinos sufrió importantes ataques pero no consiguieron alterar la vida de la monjas que ha durado hasta hace 20 años en que murió la última.

La institución “Begijnhof Breda” existe con certeza desde el 22 de marzo de 1267. Se ha mantenido ininterrumpida hasta el día de hoy. En 2017, el aniversario del 750 aniversario se celebró con numerosas actividades. Begijnhof es la institución más antigua de Breda y, sin duda, una de las entidades jurídicas más antiguas de los Países Bajos. Hubo una vez alrededor de 1000 dominios o conventos en Europa, de los cuales en algunos casos los edificios permanecen pero las instituciones originales han sido abolidas. Esto con la excepción del Begijnhof Breda, que desde 1531 ha sido protegido por la familia de los de Nassau.

En el centro del convento podemos ver la estatua que conmemora a Johanna van Polanen (1392-1445) fue la hija heredera de Jan III van Polanen, Señor de Breda y Odilia, condesa de Salm. Se casó con Engelbrecht I van Nassau en 1403. Engelbrecht en realidad había puesto sus miras en el sacerdocio y ya tenía una posición prominente en el Dom en Munster. Después de que sus hermanos murieron sin hijos, se concertó un matrimonio para Johanna van Polanen, de 11 años. La enorme riqueza que ella trajo superó la de los de Nassau. Este matrimonio convirtió a la sucursal de Nassau-Dillenburg en una de las familias nobles más ricas e importantes de los Países Bajos. La pareja se instaló en Breda. Después del nacimiento de su hijo mayor, Jan IV van Nassau en 1410, Engelbrecht comenzó la construcción de la Gran Iglesia de Breda.

En 1427, Johanna hizo construir una gran casa para él en el jardín del castillo, adyacente al complejo medieval: “Casa Valkenberg”. Desde 1428 trabajó en la construcción de su propia capilla junto a su casa. Ella compró tres casas en Katerstraat en 1429 y las hizo demoler para hacer espacio. En 1438 se mencionó por primera vez esta capilla, que se inauguró oficialmente en 1440.

El deseo de Johanna de fundar un monasterio en la capilla se menciona en una escritura del 27 de agosto de 1440. Un notario instruye a Gerard van Gilze, zapatero que vive fuera del Gasthuispoort en Breda, la capilla de H. Antonius, a quien solía ver Su esposa había fundado en el altar de H. Judocus en el Gasthuiskapel allí, se ha trasladado a la Capilla de San Wendelinus. Si los planes de Johanna pudieran implementarse, los activos de este capellán reubicado irían a “los hermanos del futuro convento”. Este documento también menciona a un tal Laurencio que mencionó a Johanna como el primer rector de la capilla.

Johanna se dirigió al papa Eugenio IV en 1440 y 1443 con solicitudes de su cooperación personal en la construcción de su iglesia y el monasterio. Después de la muerte de Johanna el 15 de mayo de 1445, su hijo, Jan van Nassau, terminó las actividades de construcción.

El monasterio estaba administrado y dirigido por las monjas llamadas Beguinas son mujeres que viven como solteras y forman parte de una especie de comunidad laica libre dentro de la Iglesia Católica. A diferencia de un miembro de una orden monástica, las beguinas no toman votos eternos; aunque prometen castidad y obediencia al superior elegido de su propio círculo, que se llama “amante”, pueden conservar bienes monetarios y bienes muebles (inmuebles). La vestimenta original consistía originalmente en una larga túnica beige. Más tarde, esta ropa fue reemplazada por un hábito negro con una capucha blanca que termina con un punto en la espalda. Los beguinos se ganaban la vida, entre otras cosas, manteniendo una guardería, artesanías, cuidado de la salud y rezando al difunto por una tarifa.

La historia en Holanda de este movimiento era llena de triunfo, tuvo una vez 38 Begijnhoven en los Países Bajos. Casi todos estos Begijnhoven fueron abandonados o extinguidos después de la reforma. Solo en Ámsterdam los edificios de la Begijnhof allí, al igual que en Breda, se han conservado como un todo espacial cerrado. Una sola comunidad de beguinas sobrevivió en Breda hasta bien entrado la segunda mitad del siglo XX, con una comunidad religiosa viva de verdaderas comunidades. El último legado, la señorita Frijters, murió en 1990.

En la actualidad el espacio que fuera convento se dedica a albergar a mujeres solas con problemas sociales. Tenemos ocasión de conocer a Anne Marie con 88 años es la encargada de cuidar e informar de forma espontánea a las visitas.

Durante dos horas nos explica el significado y la historia del convento, además, nos enseña su casa que corresponde con la celda de la última monja, una verdadera mujer al servicio de los demás.

Continuamos visitamos el Jardín de Breda (GPS N51.5900672 E4.7785363); horario: abierto las 24 horas. Se encuentra situado en la parte de atrás del antiguo convento de las monjas y correspondía con el antiguo jardín del Palacio de los Condes de Breda.

El parque Valkenberg tiene en la entrada el monumento Baron de 1905, diseñado por el arquitecto PJH Cuypers. Otra entrada se encuentra junto a la Begijnhof. En el tranquilo parque urbano hay un estanque con una gran fuente y hay una serie de obras de arte. También hay restos de torres de defensa que formaban parte de la antigua muralla de la ciudad. Hay una instalación de juegos para niños.

En el norte del parque se encuentra la T-House del 2002, diseñada por el arquitecto / artista John Körmeling. En la fachada del edificio casi transparente esta dedicado a la restauración.

Marchamos andando hacia la catedral católica de san Antonio llamada Waterstaatskerk (GPS N 51.5874903 E4.7771275), situada en la calle Sint Janstraat, 8; Horario: de 8 a 18,00 horas.

La catedral de San Antonio fue construida en 1837 con un diseño de Pieter Huysers. En los años treinta del siglo XIX, el Ministerio de Gestión del Agua supervisó la construcción de iglesias.

La catedral de San Antonio es un buen ejemplo de la llamada iglesia de gestión del agua. Los historiadores del arte prefieren no usar este término. Prefieren hablar de una iglesia neoclásica. Se puede ver claramente desde el frente con medias columnas y frontones enlucidos. Huysers se inspiró en el Coliseo de Roma.

Este edificio recibió una clasificación clásica para cada piso. En la planta baja se encuentran simples columnas dóricas, en el primer piso, jónicas y en el segundo corintio.

Esta estructura se puede encontrar en la catedral de San Antonio. El plano de la iglesia se deriva de la basílica romana. La iglesia tiene una nave central, dos pasillos laterales y un ábside de cierre. Inicialmente la iglesia no estaba decorada. Solo más tarde la iglesia recibió sus tesoros artísticos, como la ventana de San Antonio en el altar dedicado al santo. En esta ventana se muestran algunos episodios de la vida del santo patrón de la catedral, San Antonio de Padua.

La iglesia juega un papel importante en la historia de la diócesis. En 1853 la iglesia se convirtió en la primera catedral de la diócesis de Breda. La decoración del púlpito todavía nos recuerda este período. Está decorada con los escudos de armas de los dos primeros obispos de Breda, Van Hooijdonk y Van Genk, y la antigua arma de la diócesis.

Más tarde se trasladó la sede de la catedral. Sin embargo, en 2001 la iglesia volvió a ser catedral.

La tarde se nos echa encima, es la hora de almorzar. Para comer descubrimos el restaurante vietnamita Saigon Deli (GPS N 51.587125 E 4.7770604), situado en la calle Halstraat 21 , otro hallazgo gastronómico por su estupenda comida con sabores casi olvidados para nosotros.

Después nos damos una vuelta por un centro comercial cercano, en el interior, podemos ver una impresionante figura “Luizaerc”, obra del escultor Nick Ervinck, está datada entre 2012-2015, realizada en poliéster, concreto, poliuretano, hierro. Tiene unas medidas de 420 x 280 x 190 cm.

Del estudio de la obra de la columna de Júpiter salto la idea Luizaerc se parece a un guardia, o un discípulo de una divinidad que está protegiendo un santuario desconocido. Esta escultura es a la vez aterradora y fascinante. Uno puede preguntarse si este guardia esconde el reino más allá de lo tangible del espectador o si prefiere abrir las puertas a este territorio desconocido. Luizaerc además cuenta sobre la construcción del pasado. Cada período histórico, este pasado se interpreta de manera diferente. La obra parece monumental, pero al mismo tiempo está fuera de la construcción de agujeros y lagunas. Para realizar esta escultura se inspiró en la obra Henry Moore y Hans Arp,

Salimos rápidamente para nuestro siguiente destino Auvers sur Oise en Francia, nos separan 400 km. Llegamos pasadas las 20,30 horas, después de ver las posibilidades de pernocta nos decantamos por una calle pegada a la gendarmería.

Antes de entrar en Auvers sur Oise decidimos repostar en el polígono industrial (GPS N 49.060631 E2.1694615), se encuentra situada en Route de Pontoise, Méry-sur-Oise, corresponde de la cadena Intermarché, tiene un precio muy bueno 1,438€.

El parking para autocaravanas en la ciudad de Auvers sur Oise en Francia, se encuentra situado en la calle 26-28 Rue Courtil Bajou, no tiene ninguna limitación y se encuentra en un lugar tranquilo. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 49.066235 E 2.1817856.

Cenamos revueltos de ajetes con huevos y queso holandés, de postre fruta. Para hacer tiempo antes de ir a la cama ponemos un nuevo capítulo de Dawthon Abbey.

Día 21 de abril de 2019 (domingo)
Ruta: Auvers-sur-Oise - Chateau Monbazillac; Distancia Km 571; tiempo 6h 57'

La noche en este punto ha sido muy tranquila. Hoy hemos dormido plácidamente en un simple calle de un pueblo cualquiera de Francia al amparo de la policía francesa, por cierto celebraban algo en el jardín con música, pero fueron muy comedidos y a las 23,00 horas decretaron silencio total.

Os preguntaréis que hacemos en esta localidad de Francia situada al norte de París. Pues en principio era buscar un punto de pernocta durante nuestro regreso a España. Después porque aquí murió el pintor Vicent van Gogh. Su hermano Theo lo había trasladado desde Arles para que estuviera mas cerca de él, y que pudiera sentirse más cerca de la influencia de los impresionistas de París y además pudiera ser tratado de sus dolencias mentales.

En esta pequeña localidad vivió y pintó durante sus últimos días de su vida. La muerte no fue aclarada, oficialmente se suicidio pero es posible que fuera asesinado en una reyerta originada por su continuas discusiones con todo el mundo.

Aquí pinto muchos cuadros y se ha establecido un recorrido por donde se puede ver el sitio exacto donde fue pintado cada cuadro, se puede identificar porque han colocado una copia del cuadro in situ.

Desgraciadamente no hemos podido ver el museo van Gogh de Ámsterdam para haber disfrutado de los cuadros originales y de esta forma poder entender mejor su obra.

Además, Recientemente hemos visto la película de la vida de Van Gogh que nos ha ayudado a la preparación de este viaje, os la recomendamos si queréis profundizar en la vida del personaje.

Vincent van Gogh fue un pintor de excesos: muy expresivo, muy atormentado y muy inquieto. En los 37 años que vivió se le conocieron 38 direcciones en cuatro países. Entre otros lugares, vivió en La Haya , Ámsterdam, Bruselas, Amberes, Londres, Ramsgate, París, Arlés, Saint-Rémy-de-Provence y Auvers-sur-Oise. A esta villa de unos 7.000 habitantes situada a 27 kilómetros de París, en el noroeste de la región de la Isla de Francia, llegó, animado por Pissarro, para tratarse con el doctor Gachet y pasó sus últimos 70 días, que fueron muy intensos y le dieron para crear 72 telas, 33 dibujos y un grabado.

Francia fue el último puerto. Su hermano Theo se instaló en Montmartre en la década de 1880 y convenció a Vincent de que probara suerte en la que entonces era la capital del arte en Occidente. Allí entabló amistades con compañeros de gremio. Luego se puso a prueba de la luz del sur, conoció manicomios y altibajos, hasta que halló reposo en el norte.

La ciudad de Auvers está volcada con Van Gogh y con la obra del pintor. Esparcidas por el pueblo hay 29 placas con imágenes de los cuadros que pintó y los motivos (ya sea edificio o panorámica) que los inspiraron, tal cual han resistido el paso del tiempo. Permiten identificar telas notables como Paisaje con carruajes y tren de fondo, sobre la que el 13 de junio de 1890 escribió en una carta a su hermana Willemine: “Busco expresar el tránsito desesperadamente rápido de las cosas en la vida moderna”. O Campos de trigo bajo el cielo nublado, con la que quiso, según contó a Theo, explicar lo que no sabía decir con palabras.

Lo primero que hacemos es marchar andando por la avenida de Marcel Perrin, atravesamos el río Oise y continuamos por la rue del General de Gaulle hasta que nos damos de bruces con el Parque dedicado a Van Gogh. El punto donde comienza nuestro recorrido.

En el interior del parque se encuentra la estatua “Vincent Van Gogh”, obra del escultor Ossip Zadkine, realizada en bronce, esta datada en 1961.

Ossip Zadkine había nacido en una familia judía con el nombre de Yossel Arónovich Tsadkin en 1904 –a los 15 años– se trasladó a Sunderland (Reino Unido) para estudiar inglés, aunque en lugar de los idiomas empezó a asistir a clases de arte. Un año más tarde se mudó a Londres donde estudió escultura en el Regent Street Polytechnic y en la Escuela Central. En 1909 se instaló en París, asistiendo durante algunos meses a la Escuela de Bellas Artes. Conoció luego a varios artistas contemporáneos de la talla de Apollinaire, Brancusi, Oleksandr Arjípenko, Jacques Lipchitz o Picasso.

Esculpía sobre madera o piedra, realizando figuras simples con influencias románicas y más tarde cubistas. Expuso por vez primera en 1919, en la Galería Le Centaure (Bruselas). A partir de 1925 empezó a fundir en bronce, desarrollando composiciones más complicadas, muchas veces basadas en figuras combinadas con planos convexos y cóncavos.

Por motivo de la Segunda Guerra Mundial en 1941 emigró a Nueva York, regresando nuevamente a París en 1945, en donde se establecería ya definitivamente. En 1950 ganó el primer premio de escultura en la Biennale de Venecia. Posiblemente su obra más notoria es la figura en conmemoración del Bombardeo de Róterdam. Zadkine influyó considerablemente en los escultores posteriores a la Segunda Guerra Mundial.

Enfrente del parque de Van Gogh se encuentra el mercado de Auvers-sur-Oise (GPS N 49.0704839 E 2.1717401), está abierto los jueves y domingos entre las 8,00 y las 13,00 horas. Es una oportunidad única de poder comprar productos franceses de proximidad: quesos, frutas y verduras, pescado, carne, etc.

Marchamos andando por la Rue del General de Gaulle hasta que llegamos a la plaza donde está situada el Ayuntamiento de Auvers-sur-Oise (GPS N 49.070480 E 2.171788). Aquí precisamente Van Gogh pinto uno de sus cuadros.

El cuadro se titulo “El Ayuntamiento de Auvers-sur-Oise el 14 de julio”, obra de Vincent van Gogh, realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1890. Tiene unas medidas de 72 x 93 cm.

Vincent van Gogh se trasladó desde mayo 20, 1890 en Auvers-sur-Oise, en el Vexin francés a 35 kilómetros al noroeste de París, a ser seguido por el doctor Gachet , amigo de artistas y especialista en enfermedades nerviosa. Habiendo tomado una habitación en la posada de Ravoux, a menudo pasa por el ayuntamiento para ir a ver al Dr. Gachet. En este día 14 de julio de 1890 se cumple el centenario de la Fiesta de la Federación , el pequeño edificio está decorado con banderas y escarapelas tricolores, mientras que los rosetones guirnaldas iban en los árboles. El domingo 27 de julio de 1890, Van Gogh se dispara con un revólver. En el cofre, en campo abierto. Murió el 29 de julio a una y media de la mañana. Esta pintura fue dada por Vincent durante su vida al huésped, Ravoux padre, que posteriormente vendido por una miseria a un estadounidense

Esta pintura está pintada solo en tonos fríos tiene un color amarillo dominante para el suelo y verde para los árboles. El cielo está descolorido y el pequeño ayuntamiento parece desvanecerse en el azul claro y frío. Como las cabañas (pajares cubiertos con paja en Cordeville, Auvers-sur-Oise) desaparecer en el fondo, el edificio, que, paradójicamente, no es “en la realidad” parece aquí para interrogar a los tormentos del pintor. Además, el ayuntamiento de Auvers-sur-Oise se asemeja extrañamente al de Zundert, el lugar de nacimiento de Van Gogh.

Desde aquí seguimos andando tomamos la calle que rodea el Auberge Ravoux, por un callejón de la rue General de Gaulle y llegamos a una de las zonas que trabajó Van Gogh, se trata de las Escaleras de D'Auvers (GPS N 49.070973 E 2.171620) que comunican con la parte alta de la ciudad.

Podemos comparar el fondo del paisaje con el cuadro “L'escalier d'Auvers”, obra de Vincent Van Gogh, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1890. Tiene unas medidas de 70,1 x 49,8 cm.

En este cuadro podemos ver las deformaciones que percibía el pintor de la realidad, en principio, solamente tiene líneas curvas la barandilla de las escaleras, todo lo demás está totalmente reformado, en la actualidad los árboles tapan toda la línea de casas e impide su visión, habría que añadir la figura del viejo con garrota que baja por las escaleras y la doble parejas de mujeres que suben la empinada calle.

Seguimos andando hasta que llegamos al Chateau de Ley (GPS N 49.071632 E 2.165361) el parking se encuentra Chemin des berthelées; horario de 10,00 a 18,00 horas.

El castillo de Auvers fue construido en 1635 por un banquero italiano, Zaboni Lioni, de la suite de Marie de Medici. A finales de siglo, se convirtió en propiedad de Jean de Léry, asesor del rey, quien transformó el pabellón italiano en un castillo francés. Jean de Léry es, al mismo tiempo, asesor, mayordomo del rey y tesorero general de Francia. La finca se erige como un feudo.

En 1720, el castillo pertenece a la familia Espremenil. En 1756, el castillo sufrió una transformación completa. La fachada de estilo Luis XIII del norte se mantiene, pero al sur, se agregan dos pabellones adicionales. En 1765, se vendió al príncipe Louis François Bourbon-Conti, quien permanece allí solo en raras ocasiones y principalmente durante las cacerías. El único rastro que dejó es su monograma en el ninfeo. Posteriormente, los propietarios cambian varias veces, y los edificios se degradan. En 1890, el castillo inspirará a Vincent van Gogh una pintura conocida: “Castillo de Auvers al atardecer”.

En 1987, el Consejo General de Val-d'Oise compró todo el sitio y lo restauró por completo. Por decreto del 23 de julio de 1997, las fachadas y cubiertas del castillo; el vestíbulo de entrada; la escalera con su escalera y rampa; y todo el parque está registrado como monumentos históricos. La fachada sur y jardines franceses estarán completamente rediseñados de un grabado del siglo XVIII, con sus jardines de boj y sus fuentes.

El castillo abrió sus puertas en mayo de 1994 como un centro de interpretación de arte. Presenta un proyecto original e innovador: el show-tour: “Viaje al tiempo de los impresionistas”, diseñado y dirigido por Jean Saint-Bris. Se representa la influencia de los pintores franceses desde la segunda mitad del siglo XIX para que el público entienda cómo ha influido en las prácticas artísticas y como nació el que fue más tarde el movimiento impresionista. Es, por tanto, un recorrido por conjuntos reconstruidos, obras proyectadas, acompañadas de diálogo y música que restauran el ambiente de la época. De hecho, Auvers-sur-Oise fue una de las escenas del nacimiento del Impresionismo. Charles-François Daubigny, fue precursor del Impresionismo pone su de taller frente a Auvers, pronto se unirán Corot, Pissarro y Cézanne, Van Gogh definitivamente inmortalizará esta aldea.

Desde 1994 hasta 2017, el Château ofrece al público en general un espectáculo museológico escénico, que consiste en la proyección de imágenes superpuestas en conjuntos reconstruidos. Debe permitir aprender y entender mientras se divierte. La proyección de pinturas o detalles de pinturas en ambientes interiores y exteriores, acompañados de música, efectos de sonido y comentarios, deben sumergir al visitante en la vida cotidiana de la época. La pintura impresionista es figurativa, representa los lugares de la vida cotidiana, desde París, punto de partida del viaje, hasta el campo, que Auvers-sur-Oise se convierte en el lugar emblemático. El público pasa así, a su vez, por el París de Haussmann , los cabarets parisinos, las guinguettes.en el borde del agua y finalmente toma el tren de vapor para el campo y las playas de Normandía. El departamento no se olvida, escenifica paisajes inmortalizados por pintores, estaciones de ferrocarril, lugares de trabajo y otros testigos de la época de los impresionistas.

El predominio de la proyección se hace eco del nacimiento de una verdadera civilización por medio de imágenes (fotografías, películas, tarjetas postales al final del siglo XIX). La técnica está inspirada en la desarrollada para la exposición “Cité Ciné” en el Grande halle de la Villette. Asistido cada año por miles de visitantes, la exposición interactiva “Tiempo de Viajar impresionista”, está traducido a nueve idiomas, es un homenaje a los pintores de la segunda mitad del siglo XIX. También es a la vez un proyecto de promoción del Valle del Oise para mejorar la reputación de este joven departamento y un concepto de movilización adicional de los museos y lugares de la vida como Giverny o el albergue Ravoux. De hecho, para la empresa Saint-Bris, la historia del Château de Léry no es lo suficientemente densa y suficiente para apoyarse en un proyecto. El éxito del proyecto no se basa únicamente en la implementación de la pista de espectáculos, sino también en una declinación del tema en los jardines y el parque del castillo de Auvers.

El cuadro que hace referencia con el paisaje que estamos visitando “Le Château d'Auvers al atardecer”, obra de Vicent Van Gogh (1853-1890), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1890: Tiene unas medidas de 50 x l00 cm.

La obra es un paisaje rural donde aparece la figura de Le Château d'Auvers en el momento que se apaga el sol. Destaca por sus brochazos profundos y rápidos que configuran líneas curvas para definir los caminos y los cultivos que rodeaban al castillo.

Marchamos andando hasta el cercano Museo de la Absenta (GPS N 49.0717604 E 2.1657352) situado en la calle 44 Rue Alphonse Call; horario de 13,30 a 18,00 horas; precio 5 euros por persona.

La absenta o ajenjo, apodada la Fée Verte (“El hada verde”) o también apodada el Diablo Verde, es una bebida alcohólica de ligero sabor anisado, con un fondo amargo de tintes complejos debido a la contribución de las hierbas que contiene, principalmente Artemisia absinthium. Cuando se le añade agua fría y azúcar, la bebida se transforma en la esencia lechosa (louche). Comenzó siendo un elixir en Suiza, pero fue en Francia donde se hizo popular debido a la asociación entre los artistas y escritores que tomaban esta bebida en el París de finales del siglo XIX hasta que se prohibió su producción en 1915. La marca más popular durante el siglo XIX fue Pernod Fils hasta su prohibición. Durante la belle époque el nombre se convirtió en sinónimo de la bebida y la marca representó el estándar de calidad de facto por el cual se juzgaba a todas las demás.

El contenido de alcohol en la mayoría de las botellas es extremadamente alto, pudiendo bordear normalmente entre los 55 y los 80 grados, aunque puede alcanzar grados más bajos de 45° e incluso llegar a límites más altos, hasta los 89,9°. Debido a esta fuerte concentración de alcohol y de componentes de las hierbas, generalmente no se toma «directamente», y por ello su consumo está unido a un ritual de preparación, que incluye el que sea diluido con agua.

Tradicionalmente el ajenjo se servía en una copa de cristal junto con la típica cuchara con perforaciones en la cazoleta. En la concavidad de esta cuchara se depositaba un terrón de azúcar que se sostenía en el borde de la copa. Junto con estos tres elementos se servía una jarra de agua fría utilizada para rebajar la mezcla de absenta desde 1/3 (un tercio) hasta 1/5 (la quinta parte), y esto se hacía vertiendo el agua lentamente a través del azúcar. Durante este proceso, dado que los componentes no son solubles en agua, la mezcla adquiría un color similar al de la leche (opalescente) denominado con la palabra francesa louche (“turbio”, en castellano). El contenido debía beberse poco a poco.

Las copas en las que se sirve el ajenjo son muy variadas y exóticas, existen las normales y las más tradicionales, las que tienen en el fondo una especie de abultamiento o burbuja con la medida habitual de una onza.

La absenta ha sido una bebida muy controvertida durante toda su historia desde sus orígenes en Europa. El desconocimiento y la falta de instrumentos científicos en el siglo XIX atribuyeron a la absenta la posibilidad de generar alucinaciones o causar demencia, razones por las cuales en algunos países se decidió prohibirla. Con el tiempo y el interés científico en analizar los ajenjos de la pre-prohibición se ha comprobado que la absenta no es perjudicial. Algunos países han comenzado a levantar las prohibiciones, fijando algunos límites a los contenidos de anetol y tujonas principalmente. Se ha comprobado que la tujona puede estar presente en la absenta tradicional destilado en niveles de 0 a 50 mg/l,6 lo cual no constituye un riesgo para la salud.

Lógicamente el museo de la Absenta se abre en Auvers-sur-oise porque Vicent Van Gogh tenía una adición especial, la historia de la relación con esta bebida comienza en la ciudad Etten en 1881, momento en que discutía con sus padres sobre Michelet y sus ideas avanzadas. Sus padres le contaron de un tío abuelo que estaba “infectado” de ideas francesas y que terminó dado a la bebida, en una carta los padres insinuaban que Van Gogh pudiera seguir el mismo camino, escribiría a Theo.

Es probable que Vincent ya bebiese alcohol antes de llegar a París, pero es en esta ciudad donde se aficiona fuertemente, y especialmente a la absenta. Las reuniones entre artistas, y sus largas y acaloradas discusiones, favorecerían el uso y abuso del alcohol.

Podría decirse que el período alcohólico del artista va desde su estancia en París (marzo de 1886) hasta su ingreso en el sanatorio mental de Saint Remy de Mousola (mayo de 1889), si bien le quedarían residuos del síndrome de abstinencia durante algunos meses más, quizá hasta Febrero de 1890. El alcoholismo en Van Gogh se desarrolla pues en sus épocas de París y Arlés fundamentalmente.

De la lectura de la correspondencia de Vincent, surge la duda sobre el origen de su alcoholismo. La cuestión que se nos plantea con el paso del tiempos si el pintor era un alcohólico inteligente que justifica con razonamientos lógicos su afición a la bebida o era un artista que cree que el alcohol tiene propiedades especiales nutritivas, estimulantes, creativas, etc. y por ello bebía.

A poco de llegar a Arlés escribiría a su hermano: “A pesar de todo me siento mejor que en París, y si mi estómago se ha vuelto demasiado débil, es ése el mal que adquirí allí, probablemente por la mala calidad del vino que bebía en abundancia”. Es decir, que reconoce que en París bebía demasiado, y que el alcohol le afectaba al estómago, no por la cantidad, sino por la mala calidad. Tal vez por ello, estando su hermano enfermo, le recomendaba: “...muchas legumbres frescas, y nada de vino malo o de alcohol malo”.

También, relacionado con el vino, tuvo un problema en un hotel donde se alojaba porque le pasaron una factura con 17 francos más de lo que habían estipulado. La diferencia era debida a que, estando enfermo, Van Gogh pidió vino de mejor calidad.

Durante su estancia en Arlés son múltiples las circunstancias que le hacen beber, aparte del hábito que pudiera haber traído de París. Una de las razones es su falta de dinero para alimentarse mejor: “Si nos sentimos en buen estado de salud, podemos vivir con un mendrugo de pan, a la vez que se trabaja todo el día, y así quedan todavía fuerzas para fumar y echar un trago, cosas necesarias en tales condiciones”.

Uno de los cuadros más famosos esta dedicada a esta bebida “Naturaleza muerta con absenta” Van Gogh exhibe en esta imagen un acentuado aclaramiento de su paleta gracias a su contacto con Pissarro, abundando las tonalidades alegres contrastando con el pardo de la pared de madera. El color es aplicado en un estilo casi puntillista, empleando ligeros y rápidos toques de pincel en forma de pequeñas comas. Ligeras sombras coloreadas recuerdan a los impresionistas mientras que la perspectiva utilizada resulta cercana a Degas.

Los problemas neurológicos de Van Gogh podrían ocurrir de manera intermitente, estallar y luego desaparecer rápidamente. Su estilo de vida, que incluía una dieta deficiente, abuso de alcohol, fumar y una contaminación por el contacto de los productos químicos, no era propicio para una buena salud. Se queja a su hermano de sus trastornos valora por igual la comida y el alcohol: “Aquí el vino es malo, pero bebo muy poco. Así resulta que con comer casi nada y beber casi nada, estoy más débil”. “He encontrado un restaurante mejor y el resultado ha sido inmediato. Estaba claro que la mala comida me debilitaba y el vino era un veneno constante”.

Después de sufrir varios ataques sucesivos que manifiestan su enfermedad que trastornan su mente, decide internarse voluntariamente en un hospital, le da a su hermano criterios de elección: “La alimentación sencilla me viene bien, sobre todo si me dieran un poco más de vino de lo que acostumbran a darme aquí: medio litro en lugar de un cuarto, por ejemplo”.

Quizás la razón de por qué el pintor bebía es porque había una creencia, ya citada, entre los artistas de que la absenta favorecía la creatividad “artistas absintheurs”: “El Dr. Rey - que le atiende en sus ataques en Arlés- dice que en lugar de comer bastante y regularmente, me he sostenido sobretodo, con café y alcohol. Admito todo esto, pero “Quedará como cierto que por conseguir la alta nota amarilla que he logrado este verano, me ha sido necesario empinar el codo”. Es decir que Vincent atribuye a la bebida esos amarillos de los girasoles, o de la llanura de La Crau , que se han hecho tan famosos.

Y esta idea la vuelve a repetir cuando ingresa en el hospital de Saint Remy: “Aquí vivo sobriamente porque tengo posibilidad de hacerlo; antes bebía porque no sabía qué hacer”. Además, advierte que esa sobriedad le mengua el ardor que le dominaba cuando abusaba del tabaco, del café y del alcohol. “Es esa una diferencia como la de pintar gris o coloreado. Voy, en efecto, a pintar más gris...”.

El mismo Van Gogh se cuestiona la bebida: “En cuanto a beber demasiado, si es malo, no lo sé. Mira a Bismarck, quien en todo caso es muy práctico y muy inteligente: su médico le dijo que estaba bebiendo demasiado, y que toda su vida había sobrecargado su estómago y su cerebro. Bismarck inmediatamente dejó de beber. A partir de entonces se hundió y nunca más volvió a recuperarse. Afortunadamente para él no consultó al doctor antes.”

Finalmente, pero no por ello menos importante, Vincent bebe, como muchas otras personas, para ahogar sus penas. Explica a Theo que para no pensar en posibilidades desastrosas, se vuelca por completo en el trabajo y “Si la tempestad que hay dentro de mí se recrudece, tomo un vaso para aturdirme”.

Poco después de dejar París escribió: “Cuando dejé de beber, cuando dejé de fumar tanto, cuando empecé de nuevo a pensar en lugar de no pensar -¡Buen Dios, qué depresión! Trabajar en este magnífico entorno natural me ha ayudado a mi moral, pero aún ahora algunos esfuerzos son demasiados para mí.”

Paul Signac (pintor neoimpresionista) escribió de él: “Nunca me dio la impresión de que fuera un demente. Aunque casi ni comía, lo que bebía era siempre excesivo. Cuando regresaba, después de pasar el día entero bajo el sol abrasador, con un calor tórrido, ya que no tenía un verdadero hogar en el pueblo, solía tomar asiento en la terraza de un café. Y las absentas y los brandys se sucedían rápidamente. En alguna ocasión tuvo que evitar que Van Gogh bebiera trementina, además Van Gogh colocaba grandes cantidades de alcanfor en su almohada y colchón para combatir el insomnio. Y lo justificaba en que apenas comía. Pese a todo lo tenia lastima: era el encanto personificado. Amaba la vida de forma apasionada. Era una persona ardiente y buena.”

Paul Gauguin, estando en Arlés con Van Gogh, y antes de que ocurriese el altercado entre ellos que dio lugar a la mutilación de la oreja de Vincent, escribió a un amigo: “Mi situación aquí es muy difícil, le debo mucho a Theo y a Vincent y a pesar de algunos desacuerdos, no puedo estar enojado con un excelente compañero, que está enfermo, que sufre, y que me reclama. Recuerda la vida de Edgar Poe, que se volvió alcohólico como resultado de su dolor moral y de su estado de nerviosismo.”

Es decir, Gauguin, que vivió con Vincent en la casa amarilla, hace una comparación entre él y Edgar Allan Poe, que, a causa de la bebida, llegó a tener alucinaciones y a padecer “delirium tremens”.

El mismo Vincent reconoce, o al menos admite, la posibilidad de los efectos perniciosos de la bebida: “Mi mi locura ha venido evidentemente del alcohol, habrá sido muy poco a poco, y también se irá muy poco a poco, en caso de que se vaya, por supuesto.”

Refiriéndose a las cualidades supuestamente positivas del alcohol se preguntaba: “¿Lo que gane con ello como artista, lo perderé como hombre?”.

El pintor paso por distintos periodos en su relación con el alcohol y la absenta pero principalmente podrían distinguirse tres en el proceso de alcoholemia de Vincent van Gogh:

Un primer periodo donde el pintor se vuelca plenamente que abarca parte de su estancia en París, la excitación de la vida parisina, la adicción al alcohol; se culpa a Gauguin que lo ha aficionado a la absenta; contribuyen todavía más a sumergir al artista en la fiebre constante que incluso sus creaciones no consiguen apaciguar. Se encoleriza por cualquier cosa y se traslada a Arlés donde Van Gogh se mutila la oreja.

Hay una carta de Gauguin a Theo, hermano de donde describe que las privaciones de estos dos últimos meses y la absenta han hecho el resto. El mundo estalla alrededor de Vincent como una granada madura. Esa misma noche cogió una navaja de afeitar y se cortó la oreja. Posteriormente se fue a una casa de citas y se la entregó a una prostituta conocida suya.

Después se produce la escena que Van Gogh le dice a la fulana: guarda este objeto como si fuera un tesoro; y se va inmediatamente para volver a su casa, donde, después de haber cerrado los postigos y encendido una lámpara sobre una mesa, cerca de la ventana, se acuesta y se queda dormido.

El segundo periodo el pintor deja de beber en exceso, aparentemente, gracias a que fue tratado en sus internamientos intermitentes en Arlés y luego continuó en Saint Remy. Se dice teóricamente porque en el hospital bebería normalmente con moderación, pero puntualmente pudo haber bebido en exceso, bien por adquisición de la ración correspondiente a otros enfermos, o durante sus salidas al exterior. Ello justificaría las recaídas más frecuentes dentro del hospital que fuera de él, al actuar sinérgicamente el alcohol con los tranquilizantes.

El tercer periodo es el de completa abstinencia que probablemente pudo comenzar en febrero de 1890 –cuando sufrió el ataque más prolongado de todos, unos dos meses– y duró hasta su fallecimiento.

Ya aquí, en Auvers, llega hacia el 10 de Junio de 1890, casi un mes antes de su muerte, escribió a su hermano: “Es extraño que las pesadillas hayan cesado aquí tan rápidamente; siempre le dije al Dr. Peyron que me desembarazaría de ellas cuando volviera al Norte”. A M. Ginoux, el marido de La Arlesiana , escribió también por las mismas fechas: “Además, desde que no bebo, hago mejores trabajos que antes, por lo menos algo he salido ganando”. Ambas cartas parecen confirmar que Vincent ya no bebe y que han desaparecido, al menos, parte de sus efectos negativos.

Después de todo esto cabría preguntarse si realmente la vida de Vincent mejoró cuando abandonó la bebida. Van Gogh cita a Monticelli, de quien decía que bebía demasiado y perdía la cabeza. Monticelli el colorista capaz de hacer los más complicados cálculos con los tonos de color que mezclaba. La conclusión es que la absenta fue solo uno de los varios factores en el estilo de vida de Van Gogh que podrían haber sido factores precipitantes de la enfermedad mental aguda intermitente.

La casa del doctor Gachet (GPS N 49.0713811 E 2.1561529), se puede visitar porque rememora los últimos momentos de la vida de Gogh, llega hasta aquí para tratar sus brotes. Era un personaje extraordinario: médico, coleccionista y artista. Compró su residencia en 1872 y, en compañía de Pissarro, Cézanne, Guillaumin y Van Gogh, pintó y grabó numerosas obras. La visita, gratuita, permite descubrir en su estado original la presse à bras (plancha manual de grabado) y varios elementos que aparecen en las telas de Van Gogh, como la célebre mesa roja del famoso Retrato del doctor Gachet.

El paisaje que rodea la villa tiene el aura de la intimista película que realizó Maurice Pialat en 1991, Van Gogh, que profundizaba en la posible relación entre el pintor y la hija del doctor, Marguerite, cuyo piano también sigue ahí, idéntico al del cuadro Marguerite Gachet al piano.

Vamos andando hasta La Maison-Atelier de Daubigny (GPS N 49.0715832 E2.1643068) situado en la calle 61 Rue Daubigny; horario de 14 a 18,30 horas; precio 6 euros.

El pintor Charles Daubigny adquiere en 1860 una casa de pueblo modesta con un gran jardín. Amplía la casa y decora varias habitaciones con la ayuda de su hijo Karl y algunos amigos, entre ellos Jean-Baptiste Corot y Honoré Daumier. En la entrada, las pinturas fueron reemplazadas por copias de Karl; por otro lado, el comedor y el dormitorio de su hija todavía tienen las decoraciones del artista pintadas directamente en la pared. El taller está cubierto en todas las paredes, por encima de los paneles, lonas levantadas por Corot.

Desde aquí marchamos al Museo Daubigny (GPS N 49.0717343 E 2.1648057), situado Rue de la Sansonne ; horario de 14,00 a 17,30 horas; entrada 5 euros.

Daubigny fue un pintor que realizo una interpretación muy personal del paisaje. De ahí que Monet “copiara” sus espectaculares atardeceres y sus cielos asustadizos de la costa de Normandía; y que Camile Pisarro se fijara en sus huertos en flor a la hora de pintor algunos de sus paisajes.

Vincent Van Gogh fue quien más bebiera del arte paisajista de Daubigny. El pintor holandés admirada el toque personal en sus trazas de sus lienzos. Por eso, Van Gogh decidió pasar los últimos meses de su vida (1890) en Auvers-sur-Oise, donde Daubigny trabajó y vivió. Allí pinto algunos de sus los lienzos del jardín de su casa en Francia, que Van Gogh realizó como homenaje a Daubigny.

Desde aquí marchamos al Auberge Ravoux es conocida como “Casa de Van Gogh” (GPS N 49.0709717 E2.1687754), situado en 52 Rue du Général de Gaulle, precio 6 euros.

El Albergue Ravoux fue el lugar donde el pintor holandés Vincent van Gogh pasó los últimos 70 días de su vida como huésped en el albergue. Durante su estancia en Auvers, Van Gogh creó más de 80 pinturas y 64 bocetos antes de dispararse un tiro el 27 de julio de 1890 y morir dos días después, el 29 de julio de 1890. El albergue (posada) ha sido restaurado como un museo y atracción turística. La habitación donde vivió y murió Van Gogh ha sido restaurada y puede ser vista por el público.

El albergue fue construido a mediados del siglo XIX como una casa familiar en la carretera principal que conduce a Pontoise. Varias partes de los edificios anteriores se incorporaron al albergue, incluida una pared entera del siglo XVIII. El albergue estaba idealmente situado frente al Ayuntamiento. La hija del Sr. Levert, el propietario original, utilizó la centralidad de la ubicación para abrir un negocio minorista de vinos. La belleza de la aldea, así como su proximidad y conexión ferroviaria a París, la convirtieron en un destino popular para los artistas, desde mediados y finales del siglo XIX tuvo una afluencia de pintores, como Daubigny, Cézanne, Pissarro, Daumier y Corot, vio a la aldea convertirse en una colonia de artistas comparable a Barbizon

En 1889, se hizo un contrato de arrendamiento de la casa por Arthur Gustave Ravoux, quien transformó el negocio en una posada popular para la comunidad artística de Auvers. Durante la estancia de Van Gogh, todas las habitaciones estaban ocupadas por pintores holandeses y estadounidenses. El artista español Nicolás Martínez Valdivieso, quien vivía cerca, comió en el albergue con Van Gogh.

Van Gogh llegó a Auvers-sur-Oise el 20 de mayo de 1890. Había pasado un año en un hogar de convalecencia en Saint-Rémy-de-Provence y quería establecerse en el norte, más cerca de París. Camille Pissarro, un amigo de Van Gogh, le sugirió que fuera a Auvers-sur-Oise, donde vivía el doctor Gachet, y que pudiera vigilar a Van Gogh. El Dr. Gachet había tratado a pacientes mentales antes y estaba interesado y simpatizaba con las artes.

Al llegar a Auvers, Van Gogh decidió quedarse en el Auberge Ravoux, principalmente porque era más barato que el hotel propuesto por el Dr. Gachet, que cobraba 6 francos diarios por alojamiento en pensión completa. En el Auberge Ravoux, Vincent pagó 3 francos 50 por día, media pensión, y alquiló la habitación numero 5, una pequeña habitación en el ático que mide 75 pies cuadrados (7,0 m 2) y que contiene solo una cama, un tocador y un armario empotrado. Guardó sus pinturas y dibujos en un cobertizo en la parte posterior. Conoció a Arthur Ravoux y su familia y pintó un retrato de Adeline Ravoux, la hija mayor de Ravoux, en más de una ocasión. Van Gogh quedó encantado con el pueblo y en una carta a su hermano Theo van Gogh elogió sus antiguos techos de paja y sus colores, calificándolos de profundamente hermosos. Encontró fascinante la yuxtaposición entre la vida rural rústica y las recientes incorporaciones modernas, como el ferrocarril y el puente sobre el río Oise. Gozaba de buena salud, cubría grandes distancias con su equipo de pintura y pintaba todo lo que podía.

A pesar de su amor por su nuevo entorno y su actividad febril, en la mañana del 27 de julio de 1890, Van Gogh entró en un campo y se disparó en el pecho. La bala fue desviada por una costilla y alojada en su estómago. Sobrevivió el impacto y logró caminar de regreso al albergue. Adeline Ravoux recordó más tarde:

Vincent caminó inclinado, sosteniendo su estómago, exagerando nuevamente su hábito de sostener un hombro más alto que el otro. […] [Él] cruzó el pasillo, tomó la escalera y subió a su dormitorio. Fui testigo de esta escena. Vincent nos causó una impresión tan extraña que papá se levantó y fue a la escalera para ver si podía oír algo.

Pensó que podía oír gemidos, subió rápidamente y encontró a Vincent en su cama, acostado en una posición torcida, con las rodillas hasta la barbilla, gimiendo en voz alta. “¿Qué pasa?”, Dijo el padre, “¿estás enfermo?” Vincent luego levantó la camisa y le mostró una pequeña herida en la región del corazón. El padre gritó: “Malheureux [pobre alma], ¿qué has hecho?”

“He intentado suicidarme”, respondió Van Gogh.

A la mañana siguiente, dos gendarmes llegaron para investigar un rumor sobre un intento de suicidio. Uno de ellos comenzó a interrogar a Van Gogh de una manera agresiva. Van Gogh respondió:

Gendarme, mi cuerpo es mío y soy libre de hacer lo que quiera con él. No acusen a nadie, soy yo quien deseaba suicidarse.

Arthur Ravoux disuadió al gendarme de cuestionarlo más.

Dos días después, Vincent sucumbió a sus heridas en presencia de su hermano Theo van Gogh. El cuerpo fue colocado en la habitación de atrás del albergue. El ataúd fue hecho por Vincent Levert, cuyo hijo Raoul Levert fue el sujeto de Vincent's Child con una naranja. Émile Bernard describió el ataúd como cubierto con un simple paño blanco y cubierto de flores amarillas

... los girasoles que tanto amaba, las dalias amarillas, las flores amarillas por todas partes. Es, recordará, su color favorito, el símbolo de la luz que soñaba estar en el corazón de las personas y en las obras de arte.

Hirschig también recordó que el ataúd estaba pobremente fabricado y que tenía fugas continuamente, lo que los obligó a usar carbol para evitar el olor desagradable ya que hacía mucho calor.

Van Gogh fue enterrado el 30 de julio en el cementerio municipal de Auvers-sur-Oise en un funeral al que asistieron Theo van Gogh, Andries Bonger , Charles Laval , Lucien Pissarro, Émile Bernard, Julien Tanguy y el Dr. Gachet entre unos 20 familiares y amigos, así como una serie de lugareños (incluido Arthur Ravoux). El abab católico se negó a organizar un servicio fúnebre por suicidio. Sin embargo, no pudo rechazar un entierro porque el cementerio era público. El Dr. Gachet pronunció un discurso emocionado en el funeral. El funeral fue descrito por Émile Bernard en una conmovedora carta a Albert Aurier y Bernard más tarde pintó un cuadro de memoria

A partir de entonces, la habitación numero 5 fue manchada por su suicidio y nunca volvió a alquilarse. La estancia de Van Gogh en el Auberge Ravoux fue de una creación prolífica: en 70 días, más de 80 pinturas y 64 bocetos vieron la luz del día.

La familia Ravoux abandonó Auvers-sur-Oise en 1892. El período de alrededor de principios de siglo vio el comienzo de una nueva era de la modernidad, en particular la instalación de faroles de gas y teléfonos en Auvers. Después de las primeras exposiciones de su trabajo a fines de la década de 1880, Van Gogh se convirtió gradualmente en un artista de renombre internacional y, eventualmente, en un nombre familiar. En los años comprendidos entre 1901 y 1915, se llevaron a cabo importantes exposiciones de su obra en ciudades que iban desde París hasta Nueva York. Alrededor de este tiempo, la familia Blot, quienes eran los arrendatarios del albergue en ese momento, comenzaron a invitar a la gente a ver la habitación de Vincent. En 1926 el nombre del albergue se cambió a La casa de Van Gogh. El período durante y después de la Segunda Guerra Mundial vio una disminución en el interés en el albergue, pero en 1952 fue comprado por Roger y Micheline Tagliana que restauraron la habitación de Vincent con la ayuda de Adeline Ravoux. La película Lust for Life de Vincente Minnelli se filmó en Auvers y se presentó The House of Van Gogh, que obtuvo mucha publicidad para el lugar.

Desde 1986, el albergue ha estado bajo la supervisión de Dominique-Charles Janssens. Un arquitecto galardonado, Bernard Schoebel, especializado en la restauración de monumentos históricos, fue elegido para renovar el albergue. La habitación de Van Gogh fue cuidadosamente restaurada a su estado original. El comedor donde Van Gogh tomó sus comidas también fue restaurado y ahora es un restaurante que sirve comidas inspiradas en la cocina regional del siglo XIX. Se ha instalado una presentación de diapositivas en el ático que detalla la vida y obra de van Gogh e incluye extractos de sus cartas y fotografías de época.

Nuestro siguiente punto de parada en la peregrinación es la iglesia de Notre-Dame-de-l'Assomption d'Auvers-sur-Oise (GPS N 49.0784884 E2.1903618), situada en la Place de l'Eglise, entrada gratuita.

La iglesia de Nuestra Señora fue fundada a finales del XI por Philippe I y luego fue reconstruida bajo la dirección de Adelaida de Saboya, se encuentra cerca de la mansión real al norte de la iglesia después de la muerte de su marido Luis VI en 1137. Esta reconstrucción comienza con las partes orientales y termina con la nave, que tiene una elevación de tres niveles con triforio. Se realiza en el estilo románico tardío, todavía evidente en las capitales, y se mueve rápidamente hacia el estilo gótico naciente con ventanas de arco apuntados y bóvedas de crucería. El ábside hacia el norte sigue siendo puramente románico, pero es probable que fuera ejecutado antes de 1137. Dos ventanas se abren en el siglo XIII en estilo gótico clásico, lo que acentúa la diferencia estilística de estas dos piezas. La iglesia a través de los siglos no ha sufrido daños significativos durante las guerras, y la única transformación es la ampliación de la capilla de la Virgen, poco antes de la mitad del siglo XVI. Sin embargo, después de una primera clasificación como monumento histórico en 1856, las restauraciones interiores se emprenden tan torpemente que el edificio pierde gran parte de su autenticidad y, por lo tanto, se desclasifica en 1874. Una segunda calificación tiene lugar en 1915. La iglesia de Notre-Dame-de-l'Assomption sigue siendo un testigo interesante del primitivo estilo gótico, y su coro y su nave son de gran calidad arquitectónica, mostrando una armonía y elegancia que no tienen nada que envidiar a los grandes proyectos de su tiempo

En el norte, la iglesia se aproxima cerca de una vieja casa de campo que antes era casa solariega de los condes de Vexin existentes en siglo XI o incluso antes. El promontorio, de hecho, tiene terraza convertida para albergar el cementerio que rodea la iglesia hasta su cierre en 1858, está delimitada al sur por un muro de contención sostenido por contrafuertes de diferentes formas. El muro tiene una proyección importante al sur del coro y muestra rastros de ventanas ciegas, lo que indica que proviene de un edificio que ha desaparecido en la actualidad, probablemente el hogar del prior o del granero. Con la mansión, el priorato y algunos otros edificios, la iglesia tenía un recinto fortificado, que servía de retiro para los residentes en caso de peligro. Después del final de las guerras de religión, los feligreses decidieron en 1615 continuar el trabajo de fortificación realizado durante mucho tiempo. Las escaleras de acceso desde la calle Daubigny hasta el portal occidental de la iglesia datan de esta época. El edificio al norte de la escalera es el antiguo patio. El presbiterio se encuentra al final de un patio cuya puerta da a la parte frontal de la iglesia, en la esquina con el muro de la granja. La cabecera de la iglesia fue colocada en 1875 después de nivelar la pared del perímetro de este lado y se plantaron árboles.

La iglesia tiene una orientación, con una clara desviación del eje hacia el lado noreste, responde globalmente a una planta cruciforme y consta de una nave central con cuatro bahías, acompañada por dos naves laterales; un crucero de tres bahías cuadradas, del mismo ancho que la nave; un campanario central que se eleva sobre el cruce del crucero; un coro de dos bahías que incluye un tramo cuadrado y un tramo corto para el ábside de cinco lados; un absidiolo entre el coro y la cruz norte; y una capilla del lado sur de un tramo entre el coro y la cruz sur. Con la excepción de estas dos últimas partes, que representan el elemento más antiguo y el elemento más reciente de la iglesia. El absidiolo está cubierto con una bóveda de gajos, y la capilla, cuyo extremo sureste está cortado, tiene una bóveda inusual de cinco bóvedas, debido a una pequeña sección. La iglesia tiene cuatro hastiales, sobre la fachada oeste, en ambos extremos del crucero y entre el tramo derecho del coro y el ábside. Este último está cubierto por un techo de cinco lados. En cuanto a los pasillos, sus techos de poca pendiente se apoyan contra los altos muros de la nave. Tres portales dan acceso a la iglesia: el portal principal en la fachada occidental, una pequeña puerta a su izquierda, en el muro occidental del pasillo sur, y el portal sur en la tercera bahía del pasillo sur.

La nave interior de la iglesia, tiene una parte más notable, y también la más alta. Esta es la última parte construida de la iglesia antes de la Guerra de los Cien Años. Fue construido en una sola campaña a lo largo del siglo XIII, y se salvó de reparaciones importantes, por lo que su estructura parece bastante homogénea. Su estilo gótico es representativo de las creaciones de Île-de-France de la última etapa del primer período gótico, unos veinte años antes de que aparezca el estilo gótico radiante. Aunque es superior a la mayoría de las iglesias rurales de la región, la altura debajo del techo abovedado es bastante relativa, pero los grandes arcos se abren de par en par, el triforio que anima las paredes sobre los arcos grandes y la existencia de ventanas altas le da al conjunto una cierta ligereza. Como es habitual, la armonía del espacio interior se basa en una simple proporción de proporciones. La altura del primer nivel de elevación, el piso de los arcos grandes, es análogo al ancho del recipiente. La altura total debajo de la parte superior de las bóvedas es equivalente a casi el doble del ancho. El segundo nivel de elevación, el piso de triforium, representa en elevación la mitad de la altura del tercer nivel de elevación, es decir, las ventanas superiores, que corresponde exactamente con las bóvedas.

Una pequeña cuesta nos lleva hasta el cementerio de Auvers sur oise (GPS N 49.0771882 E 2.1768005 ), situado rue Emile Bernard; horario abre a las 10,00 hasta las 19,30 horas.

La visita al cementerio nos sirve para rendir homenaje al mayor ejemplo de lo absurdo y de la belleza de un genio, también absurda, que ni los mismos impresionistas lo entendían y no digamos su propio hermano. La vida de van Gogh fue absurda y la muerte fue más absurda aún.

Van Gogh tiene solo 37 años, en el momento que se disparo así mismo en el pecho y finalmente no murió debido a herida inicial, sino a la infección resultante de la bala alojada. Su suicidio fue una sorpresa para algunos, pues parece que había mejorado y se había pasado los meses anteriores escupiendo lienzo tras lienzo en la zona de Auvers. Fue enterrado, al día siguiente de su muerte, en el cementerio público del pueblo.

En estos momentos dos lápidas se miran sin pestañear al sol del mediodía: Ici repose Vincent van Gogh (1853-1890) y a su lado, Théodore van Gogh (1857-1891). Un tapiz de hiedra abriga el dolor de las tumbas fraternas. Como puede comprobarse ninguno de los dos había cumplido los cuarenta años. En estos momentos yacen sus almas unidas, entre lamentos y pinceles, en busca de la eternidad, de los colores y la luz de Dios.

La tumba de Van Gogh es tan modesta como su reputación en ese momento, como corresponde a un artista que había vendido solo un cuadro durante su breve vida. Aunque su influencia como modernista transformador era ampliamente conocida y admirada en los círculos impresionistas de París, y su entierro fue asistido no solo por su devoto hermano Theo y los aldeanos que se habían encariñado con él, sino por una pequeña representación de la comunidad artística parisina. También, incluidos los pintores Lucien Pissarro, Charles Laval y Émile Bernard, y el conocido comerciante de arte Julien Tanguy.

Seis meses después de la muerte de Van Gogh, Theo, quien se cree que sufría de sífilis, murió a la edad de 33 años. Fue enterrado en Utrecht, a unas 50 millas de donde nacieron los hermanos en Zundert, Holanda. Su cuerpo permaneció en Utrecht hasta 1914, cuando la familia lo exhumó y lo transportó para que estuviera con su hermano, y se reunieron.

Muchas de las pinturas de van Gogh de su época en Auvers son tan audaces y dramáticas como cualquiera de sus mejores obras. Campos de trigo y maíz, casas rurales, expresivos cielos azules, todas las escenas que rodean el tranquilo cementerio rural donde descansa junto a su querido hermano Theo, el campeón de la vida y el arte de Vincent, a su lado.

Bajamos hacia el centro y pasamos junto a la escultura de Charles François Daubigny (GPS N 49.0717211 E 2.1765189), situada en la rue de París.

Ya hemos visto la relación de Daubigny con Van Gogh pero ante todo era un pintor. Los cuadros más finos de Daubigny fueron pintados entre 1864 y 1874, en su mayoría conformados por cuidadosos paisajes con árboles, ríos y algunos patos. Se dice que cuando a Daubigny le gustaban sus pinturas agregaba un pato o dos, por lo que el número de patos indicaría la mayor o menor calidad artística de sus obras. Uno de sus dichos fue «Los mejores cuadros no venden», al ver frecuentemente que sus más finos logros eran poco apreciados. Daubigny es preferido principalmente por sus vistas fluviales, que pintó en gran número, pero aunque hay dos grandes paisajes de Daubigny en el Louvre, ninguno es de este género.

La pincelada un tanto suelta, «mal acabada» según los académicos, produjo vaivenes en su estimación; participó en los Salones oficiales con desiguales resultados. Ya maduro, fue invitado a participar en el jurado de alguno de dichos certámenes; en alguna ocasión renunció a tal honor en solidaridad con los impresionistas, cuyas obras eran masivamente excluidas.

Llegamos al centro de la ciudad con la intención de ver nuevamente el mercado y comprar los productos franceses para el almuerzo, teniendo en cuenta que estaban haciendo pollo asado, pero cuando llegamos están recogiendo y en todos los puestos se niegan a seguir vendiendo.

Pensamos en la alternativa y es comer en nuestra autocaravana, hemos dejado descongelando pollo al limón que juntos con unas patatas fritas y unas latas de pescado de aperitivo nos permite almorzar.

Partimos pasadas las 14,00 horas y solamente nos queda carretera y manta. Nos separan casi 600 Km. para llegar a nuestro siguiente destino en Chateau Monbazillac.

Salimos corriendo en dirección a Paris, nos cuesta atravesar la ciudad por problemas con el Tom Tom. Cogemos la autopista de peaje A-10 hasta las inmediaciones de Poitiers donde nos salimos para coger la N-10 , los primeros tramos son aceptables porque esta desdoblada pero según bajamos la cosa se complica.

Hacemos una parada para repostar en la gasolinera de Intermarche (GPS N 45.682586, E 0.179728), situada cerca de Angulema, Z.A. Les Montagnes - Les Plantes Neuves - Route d´Agris, 16430 Champniers. El precio es bastante bueno para Francia 1,434€.

Llegamos bien entrada la noche al destino, vemos varias posibilidades para le pernocta y nos quedamos en el parking más despejado, siempre por miedo a las ramas de los árboles.

El Parking de autocaravanas en el aparcamiento del castillo Chateau Monbazillac (Francia), es gratuito y parece seguro. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 44.79585 E 0.49287.

Antes de ir a la cama mencionar que la región de Dordoña es típica por: el aceite de nuez, las trufas, las fresas y el foie-gras, además de vino. Desde este punto se pueden empezar o acabar diferentes rutas que te llevaran a contemplar plácidos paisajes, bosques frondosos, viñedos, pueblos de los más bellos de Francia, comer platos trufados, saborear un buen foie-gras o dormir a la sombra de un castillo, como vamos hacer esta noche.

Día 22 de abril de 2019 (lunes)
Ruta: Chateau Monbazillac -Madrid; distancia Km 780; tiempo 8h33'

Monbazillac es uno de esos lugares del mundo que puedes parar el tiempo, aquí la vida tiene otro color que no siempre corresponde con la vida actual de nuestro tiempo. El paisaje es digno de la paleta de Van Gogh, los agricultores hacen su trabajo fuera de temporada que consisten en el mantenimiento.

En lo alto de la colina se puede ver la imagen del campanario de la iglesia que da forma al aspecto rural del paisaje, las casas son de piedras sueltas y sillares con dos plantas y tejados cerámicos.

Este pequeño pueblo de la Dordoña ha sabido conjugar las tradiciones del vino con su pasado histórico creando una atmósfera única. El vino es la esencia del lugar está en todos sitios, en el suelo con las cuidadas cepas, en las pequeñas bodegas, todo gira en torno al vino.

Las viñas de Monbazillac rodean toda la ciudad, están expuestas principalmente al viento del norte y son bastante empinadas. Las variedades de uva están cuidadosamente seleccionadas (Muscadelle, Sauvignon, Sémillon ...) y se han aclimatado perfectamente para apreciar el calor a principios de otoño en Périgord. Absorben la humedad en la mañana, cuando las nieblas de la Dordoña se ponen de pie.

Una característica de la uva de Monbazillac es el nivel de azúcar de las uvas utilizadas para la elaboración del vino aumenta gracias al botrytis, es un hongo, también llamado «podredumbre noble», que se desarrolla en las vides en la primavera. La botrytisation de la uva es importante, ya que se necesitan todas las habilidades y el conocimiento de los viticultores para controlar el desarrollo del hongo.

El efecto es el siguiente: para extenderse, el botrytis se alimenta del agua contenida en las uvas, que luego las secan y concentran el contenido de azúcar de la pulpa. Es como si las uvas se convirtieran en compota en las vides. El hongo también produce enzimas, que deben controlarse para evitar cualquier sabor desagradable durante el proceso de vinificación. Esto se hace más complejo por el fuerte nivel de azúcar, que complica el trabajo de las levaduras. Durante la elaboración del vino, el producto de la cosecha (el jugo de uva es el más importante) se siembra con levaduras, las cuales, si se procesan en un ambiente favorable (es decir, un ambiente suficientemente cálido), consumirá el azúcar del jugo de uva y producirá una fermentación alcohólica.

La cosecha de los vinos dulces y específicamente el Monbazillac, son en parte porque se cosecha muy tarde. Los viticultores esperan el mayor tiempo posible para cosechar los frutos de su trabajo, esto hay que hacerlo en el momento adecuado. Es el arte de la paciencia y la observación meteorológica. La configuración perfecta combina las mañanas frías, la niebla y la humedad, en hermosos días soleados y secos. Las uvas tienen entonces el tiempo justo para refinarse, secarse durante el día y dejar que Botrytis se extienda durante la noche y la mañana siguiente.

Las cosechas de Monbazillac se realizan en varias clasificaciones, lo que significa que las cosechadoras pasan por cada una de las filas varias veces (2 a 3 veces), para cosechar solo las uvas perfectamente maduras. Están listas cuando todos los racimos están arrugados como pasas secas. La cosecha se realiza exclusivamente a mano, porque la pasas botritizadas son muy frágiles.

En el mosto (el jugo extraído de las uvas), tiene algunas esporas volátiles finas y con el secado del racimo de uvas, crea una fragilidad que requiere mucho cuidado para manejar. Las cosechadoras están equipadas con guantes, tijeras de podar y un cubo que, una vez lleno, se lleva a un camión volquete (un tractor con un salto). La cosecha se lleva rápidamente a la bodega para ser procesada de inmediato.

Los racimos de uvas son llevados rápidamente a la bodega donde deben procesarse para conservar el máximo sabor en el jugo y evitar la oxidación.

Los viticultores cultivan su propia parcela de viñas, pero dejan los asuntos de vinificación y de negocios a su bodega cooperativa. Después de la cosecha, la Cueva Coopérative de Monbazillac se hace cargo del resto de la operación.

Los enólogos son productores de uvas, pero también pueden cuidar la vinificación y la comercialización. Cuentan con el equipo relevante y gestionan todos los pasos de la transformación, desde las cepas hasta la botella.

La cosecha se lleva a través de una cinta transportadora a la prensa de vino. Esta prensa es única, proporciona una presión lenta y suave, la presión funciona como un tipo de globo que se infla contra los lados abiertos, dejando pasar el jugo pero no las semillas. El mosto se cosecha y se almacena en un primer tanque. El orujo de uva es el producto que permanece después de que todo el líquido se haya extraído del mosto de uva. Esta sustancia restante se seca y se usa para alimentar al ganado, a veces se destila para crear brandies y otro alcohol fuerte.

La calidad del Monbazillac proviene de una multitud de factores. Independientemente de si se trata de un vino producido por un enólogo a través de una bodega cooperativa o un enólogo que utiliza su propio equipo, el estándar siempre se cumple.

Marchamos hacia el Chateau Monbazillac (GPS N 44.7936477 E 0.4992664), situado en Le Bourg; horario: 10 h a 12h30 y 14 h a 18 h; precio 7,50 euros.

Alrededor de 1550, el castillo fue construido por Charles de Aydie siguiendo un plano muy simple: un rectángulo confinado a las esquinas de cuatro grandes torres circulares. El acceso es a través de un puente fijo con dos arcos. Se planifican las defensas: machicolación, lagunas, almenas y pasarelas. Existe un pozo en una de las habitaciones.

El hugonote Louis de Bouchard Aubeterre compró el castillo en 1607 y se convirtió en 1666 en propiedad de Pierre Barraud. En 1685 se firma el edicto de Fontainebleau, se revoca el Edicto de Nantes. La viuda de Pierre Barraud abandona el protestantismo para convertirse al católicismo.

En 1777, François Hilaire de Bacalan (1728-1804) compró el castillo. En 1790, se convirtió en alcalde de Monbazillac. El castillo cruza la revolución francesa sin sufrir daños.

En 1960, el castillo fue comprado por la bodega cooperativa de vinos Monbazillac, que vende vino de sus 25 hectáreas de viñedos que rodean el castillo. El castillo se convierte en museo gracias a la ayuda de Jean Secret (1904-1981).

La visita al castillo se realiza por la puerta del puente, está dividido en tres plantas. Comenzando por la planta baja es la llamada sala de comercio. Aquí se muestran las herramientas destinadas a la fabricación de toneles y barriles y descubro. Luego le sigue la sala protestante, compuesta por una hermosa biblioteca, una chimenea rematada por el retrato de Juan Calvino y una vitrina que muestra las medallas de las grandes figuras de la guerra de religión. En el fondo, el Escudo de Armas está decorado de forma magnífica con pinturas que representan grupos de vino.

La gran sala de estar con un juego de mesa, la araña iluminada y los hermosos sillones Luis XIII. La chimenea contiene un escudo de armas monumental con dos . caballerosEl techo está pintado en la sala de estar hay un árbol familiar y un arpa que hacen que la habitación sea más íntima.

Subiendo a la primera planta llego al vestíbulo. El piso de azulejos ofrece todo el encanto de la habitación y las ventanas porque dan al patio del castillo. La siguiente es la sala Mounet-Sully, que es un autor nacido en Bergerac. La sala recorre la vida del actor y está compuesta por sus muebles. Más adelante, está la sala de la vizcondesa con la cama cuadrada, el calentador de baño y su escritorio. Al fondo, hay una sala de oración.

La siguiente sala está dedicada a SEM, un caricaturista de Bergerac. Todas sus obras están colgadas en la pared.

La sala sótano es un lugar específico donde los techos y los dinteles son bajos, aquí las botellas de vino se guardan cuidadosamente, allí está la cocina del castillo con su horno de pan y utensilios como jarras, cucharas y sartenes. Básicamente, es el museo del vino donde dan explicaciones sobre el viñedo, el entorno favorable de las tierras de Bergerac para el crecimiento de la vid y, finalmente, una exposición de herramientas agrícolas.

Después damos en silencio la vuelta al parque del castillo. La panorámica es magnífica, se pueden ver como las vides en filas llegan hasta el fin del horizonte. Es un parque relajante, florido, agradable y muy tranquilo.

Antes de las 12,00 horas salimos en dirección a Burdeos, hoy es nuestro último día de viaje y queremos llegar hasta Madrid. Nos separa un duro camino de más de 780 km. es la jornada más larga del viaje.

Antes de media tarde cruzamos la frontera española, afortunadamente, pese a las obras en el peaje, no sufrimos retenciones. Lo primero que hacemos es repostar en la primera gasolinera de Cepsa (N43.327004 W 1.836277) que vemos. Nos encontramos con un espectáculo dantesco, tiene por lo menos 15 líneas de repostaje pero solamente dos son para turismos, las otras están completamente vacías, eso sí, una señal indica que solamente se puede repostar camiones. Esperamos pacientemente y luego damos una queja de la situación y nos dice que ellos se dedican en exclusiva a los camiones, bueno, pero hoy no hay ningún camión. La última vez que lleno el depósito en esta estación de Cepsa. El precio tampoco era tan barato 1,3999€ litro.

Poco más que decir, llegamos a las 21,00 horas a Madrid, muy, muy cansados. El marcador parcial del vehículo indica que hemos recorrido 4077 km. el consumo ha sido de 11,2 litros a los 100 y el tiempo conduciendo ha sido 55h 26'. Los doy por bien aprovechados.

-FIN-

by

A. López

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