VIAJE PAISES BAJOS SEMANA SANTA

INTRODUCCIÓN

Llevamos mucho tiempo soñando con el viaje de Semana Santa, en esta ocasión lo hemos llamado “Viaje al Corazón de la Primavera”, el destino final es poder visitar el precioso jardín de Keukenhof cerca de Ámsterdam, es siempre una de las maravillas de la naturaleza educada por el hombre. El consejo es si la Semana Santa es atrasada y el tiempo en primavera es normal y el invierno no ha sido muy crudo, pues aquí tenemos las bases para ver un parque de flores en plena floración.

Puesto en perspectiva nos parece increíble que este año podamos salir, casi, con completa libertad de la pandemia, pero este año bajo los efectos de una nueva guerra que no entendemos.

Comenzamos como siempre con las dudas de un viaje tan largo y comprimido, pero poco a poco las vamos despejando dentro de nuestra experiencia.

Día 7 de abril (jueves)
Ruta: Madrid Morcenx (Francia)

Salimos desde Madrid pasadas las 15;00 horas y pronto tuvimos que parar a repostar nuestros cuerpos porque hemos pasado la zona más conflictiva de la salida para evitar las restricciones y atascos.

Para comer tenemos una socorrida tortilla de patata de un bar cercano, no muy apetitosa y unos filetes de pollo empanados.De postre una tarta para celebrar el 24 cumpleaños. La pobre siempre la toca todos los años de viaje, pero siempre puede soplar las velas y abrir sus regalos.

Durante el viaje sobre los cielos había nubes altas que se pintan con colores azules y violetas que según vamos al norte se convierten en color gris a negro.

Repostamos en la última de las gasolineras antes de la frontera con Francia para aprovechar que el precio del combustible está: 1,89 euros - 25 cts., qué aplica el gobierno.

Ya en Francia vemos que los precios del carburante ronda el mismo precio que en España, pero ignoramos si el gobierno francés ha dispuesto alguna bonificación a los carburantes.

Francia nos recibe llorando durante todo el camino, pero gracias al buen estado de sus carreteras nos permite movernos con mucha seguridad.

Paramos para cenar en un área llena de camiones, para degustar una empanada de carne y un trozo de tarta, enseguida nos marchamos porque vemos que llega un camión para pernoctar y no tiene sitio, amablemente le cedemos el hueco que ocupamos.

Llegamos a la localidad de Morcenx (Francia) como siempre, a la hora que llegamos, sin un alma por la calle y un sentimiento de soledad absoluto.

El área de autocaravanas en la ciudad de Morcenx (Francia), se encuentra situada en el extremo de la localidad, es gratuita, el pavimento cuando lleve, como hoy, es un tanto complicado porque hay césped y arena muy suelta, dispone de una pila para vaciar y un grifo para llenar agua potable. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 44.0386 W 0.9094. 

Poco más para meternos en la cama porque verdaderamente estamos muy cansados y solamente desear que la lluvia nos respete durante toda la noche.

Día 8 de abril (viernes)
Ruta Moercenx-Arrás; distancia 871Km tiempo 9h 10'

El día comenzó en Morcenx con un tímido sol, pero sabemos que es un sol traicionero porque París nos espera con los paraguas abiertos. Salimos pitando porque nos separan casi 900 km. de nuestro destino final en la localidad de Arras, ya en la frontera de Francia con Bélgica.

Atravesamos Burdeos como él quiere la cosa sin el habitual atasco que normalmente se producen los viernes, tanto a la salida como a las entradas.

A las once hemos parado para tomar un pica pica y me he dado cuenta que aquí no se lleva la mascarilla porque la había olvidado al ir a comprar el pan.

Más adelante hemos hecho otra parada para relajarnos en un área de la autopista. Quién no conozca Francia no puede imaginar que cada 10 km. puedas parar en un área de descanso que dispone de todo tipo de servicios, siempre limpios con jabón y papel. En el exterior las familias aprovechan para comer en las mesas con bancos para que puedan jugar los niños.

Atravesar Francia de sur a norte en una jornada no es una tarea nada fácil, aunque nosotros hacemos todo el recorrido por peaje, lo habitual es que hay que sacar en muchos momentos la mano y llevar la tarjeta entre los dientes para discutir con una máquina anónima, pero nos permite circular con mucha tranquilidad y seguridad.

El día es horrible por el tiempo que hace, en estos momentos llueve a cántaros y hace un viento terrible por lo que es necesario tener mucho cuidado con una autocaravana haciendo una conducción muy especial.

La campiña francesa presenta sus mejores galas fruto del agua y el sol tímido. Hay un verde embriagador que parece una sucesión de campos de fútbol y se alterna con un amarillo deslumbrante por los cultivos de la colza. Los famosos viñedos de Burdeos están sin hojas a la espera del verano para echar sus frutos.

Hemos parado para repostar en la ciudad de Tours, justo donde termina el peaje hemos visto un Auchan. El precio del gasóleo con 18 CTS de descuento sale a 1,789€.  La información en la autopista hemos visto precios de hasta 2.20 litro. Hay que pensarlo mucho para ejercer el noble arte de viajar.

Aprovechamos para comer una ensalada de tomate y queso fresco de burrata con salsa al pesto y piñones, de segundo pimientos rellenos de bacalao, y de postre una torrija.

Nos queda lo más complicado que es atravesar París un viernes por la tarde. Comenzó con una lluvia torrencial que nos sorprendió en una parada técnica. Decidimos continuar con mucha precaución, pero al llegar al entorno de París la lluvia se convirtió en nieve, de repente la temperatura baja a 0 grados, salto la alarma del vehículo para indicarnos el peligro de heladas y para mayor desastre el buchon o atasco, kilómetros de coches con accidentes.

Una vez pasada la tempestad, como siempre indican, llegó la calma y alcanzamos el destino cerca de las 24,00 horas.

Pernoctamos en el ärea de autocaravanas de Arrás (Francia) a 10 minutos del centro, se encuentra situada en 17A Bd Robert Schuman, precio 9,7 euros 24 euros, dispone para vaciado y llenado. Las coordenadas GPS del lugar corresponden: N 50.297342 E 2.775795.

Día 9 de abril (sábado)
Ruta: Arras-Rotterdam; distancia: 275 km 3h 4'

El verdadero viaje comenzó hoy con la panorámica a Arras visitando su patrimonio cultural y artístico.

Nos ha sorprendido que mañana sean las elecciones en Francia y tienen muchos candidatos, disponen de carteles especiales donde ponen sus fotos para que los electores los identifiquen.

Llegamos andando hasta el Hotel de la Villa, es un conjunto monumental que se parece a muchas de las plazas de Bélgica, quizás por su proximidad. Destaca el beffroi (campanario civil municipal) encargado en servir de corazón a la ciudad desde la Edad Media.

El beffroi se inició su construcción durante el siglo XV y se completó en 1554 según los planos de Jacques le Caron. Construido en el estilo gótico flamígero, el beffroi fue destruido y después reconstruido en dos ocasiones de manera idéntica: la primera vez en 1833, porque amenazaba con colapsar, y, la segunda en 1914, después de los bombardeos alemanes durante la Primera Guerra Mundial.

Antiguamente, en la Edad Media, el beffroi tenía principalmente funciones militares —la campana sonaba al abrirse y cerrarse las puertas de la ciudad— y el edificio sirvió como prisión, ahora es parte del patrimonio de Arras.

El otro de los edificios que marcan la plaza es el Ayuntamiento de Arras, es un edificio histórico del municipio de Arras, al igual que el campanario.

La construcción del ayuntamiento comenzó en 1501. Se eligió la ubicación en la Petite Place porque allí también se estaba construyendo el campanario. El ayuntamiento se amplió dos veces; la primera vez, la expansión tuvo lugar justo después de la construcción, la segunda vez, en 1572. El ayuntamiento fue destruido durante la Primera Guerra Mundial y luego reconstruido de manera idéntica.

El ayuntamiento se distingue por su composición dirige cuerpos. De hecho, la primera sala construida a partir de 1501 es de estilo gótico flamígero que se precipita hacia la plaza, donde los pabellones renacentistas añadidos se retranquean y se prolongan hacia la place de la Vacquerie.

Comenzamos la visita guiada a las cuevas situadas debajo del edificio del antiguo ayuntamiento (GPS N 50.2909154 E 2.7770975), situada en la plaza del Hotel de la Ville.

Las cuevas se fueron formando porque se dedicaban a la extracción de sillares de piedra dedicados a la construcción de los principales edificios: iglesias, palacios y casas señoriales. Se ha convertido en verdaderas galerías que fueron usados en ambas guerras mundiales y ahora nos acordamos de lo que está pasando en Ucrania.

Estas cuevas, llamadas boves, se excavaron a partir del siglo IX en Arras, inicialmente para explotar la piedra tiza blanca y con los sillares construir las iglesias y murallas de la ciudad. En el siglo XII, los comerciantes los convirtieron en almacenes que servían de enlace entre los sótanos de las casas. Durante la Gran Guerra, antes de la Batalla de Arras (1917), 24.000 soldados del Imperio Británico se instalaron allí después de emprender las obras de conexión de los distintos sótanos y galerías. Durante la Segunda Guerra Mundial, los habitantes se refugiaron allí para esconderse de los bombardeos. Situados a 12 metros bajo la superficie, los boves tienen unos veinte kilómetros de largo; la temperatura es de 11°C y la tasa de humedad es del 80%.

Arras quedó devastada durante ambas guerras y la mayoría de los edificios fueron reconstruidos, incluso sus iglesias.

Una de las iglesias no pudimos visitarla porque había un funeral y la catedral estaba cerrada.

Nos acercamos hasta la iglesia neogótica de san Juan Bautista (GPS N 50.2899724 E 2.7794136) que no tenía mucho interés por el estado de abandono que tienen actualmente las Iglesias de Francia, pero destacaba por un Descendimiento de Rubens.

La iglesia fue construida en el siglo XVI y está dedicada a Sint Niklaas der Grachten. Reemplazó una iglesia del siglo XII en la que Tomás de Canterbury había predicado, y luego se salvó de la destrucción en la Revolución Francesa al servir como Templo de la Diosa Razón.Al final de esta época marcada por el terror y la libertad recuperada, se transformó en la Iglesia de San Juan Bautista, que simboliza el renacimiento sobre los tiempos oscuros de las revoluciones.

Se convirtió en una catedral temporal de Arras entre 1803 y 1833. En 1915 se incendió durante los bombardeos de la ciudad. La reconstrucción en estilo neogótico es obra del arquitecto Mulard según los planos de Henri Mazet.

El interior, la nave está iluminada por vidrieras de la misma época. Destaca por el retablo del altar de la capilla Norte. Fue rescatado de la capilla Sainte-Chandelle que estaba ubicada en la Place des Héros y que fue destruida en 1792. En el centro se encuentra la imagen más antigua de Nuestra Señora de los Ardientes del siglo XIV, sosteniendo el cirio milagroso en su mano derecha

En una de las paredes de la iglesia podemos ver el lienzo “Descendimiento de la Cruz”, obra del pintor Pierre-Paul Rubens (1577-1640), realizado en óleo sobre lienzo, está fechado en 1625. Tiene unas medidas de 302 x 210 cm.

Es una de las mejores obras de arte del pintor donde describe una cruz muy baja. Dos escaleras se apoyan contra el travesaño; uno delante a la derecha, el otro detrás, a la izquierda. Sobre éste, San José de Arimatea, está vestido de verde claro, está de pie inclinado sobre la cruz; sostiene a Cristo por un brazo y por los dos extremos del sudario. San Juan Bautista vestido con túnica roja, se para en la otra escalera y toma a Cristo bajo ambos brazos. María está de pie, a la derecha, con las manos extendidas, lista para recibir el cuerpo de su hijo, lleva un vestido blanco y un drapeado del mismo color. Santa María Magdalena está arrodillada al pie de la cruz, con los brazos levantados en un movimiento apasionado, la cabeza echada hacia atrás, la larga cabellera cayendo sobre su espalda; ella está vestida con un vestido amarillo y lo cubre otro de color verde tostado. Al fondo, se puede ver la ciudad de Jerusalén. En el suelo, un cuenco de cobre, el cartel, un martillo y unos clavos. Cristo tiene una postura audaz, los pies descienden en línea recta, la parte superior del cuerpo describe un semicírculo; María es tierna, profundamente angustiada. Magdalena, está movida por un impulso irresistible, levanta los brazos de un solo tirón para ayudar en la acción.

Uno de los atractivos principales de la ciudad de Arras son sus plazas. La Grand'Place y la Place des Héros, conocida como la «pequeña plaza», no se parecen a ninguna otra en el norte de Europa. En ellas podréis admirar las hileras de casas barrocas de estilo flamenco, con tejados a dos aguas gallotinados y que normalmente podemos contemplar mayoritariamente en Bélgica, pero también, en algunas ciudades de los Paises Bajos. Parece un decorado de cine, y es que son nada más y nada menos que 155 fachadas salpicadas por 345 columnas. La harmonía reinante se debe en gran parte a un edicto emitido en 1538 por el rey Felipe II.

Los sábados son el día del mercado y ambas plazas se llenan de puestos muy variopintos, a los franceses les encanta porque tienen oportunidad de comprar productos de su tierra: quesos, embutidos, verduras, comida preparada, jabones, incluso la confección es francesa. Los precios son más caros, pero a ellos no les importa porque es una forma de mantener ciertas actividades que de otra forma se perderían. Los grandes almacenes tratan de imitar y destacan con grandes cárteles los productos originarios de Francia. Esto es inimaginable en España porque vender comida en la calle está totalmente prohibido.

Como no encontramos dónde comer nos marchamos al área de autocaravanas para degustar unas latillas de aperitivo y una lasaña fresca del Mercadona.

Poco más podíamos hacer en Arrás y partimos en dirección a la frontera de Bélgica. Tenemos un ojo puesto en el problema del combustible derivado de la guerra con Ucrania, antes de salir aprovechamos y repostamos en un intermarchet (GPS N 50.3137237 E 2.7626274) precio a 1,719€. Es comparando similar al de España.

Atravesamos Bélgica y antes de salir del país aprovechamos para parar , y allí mismo, repostar gasoil a 1.879 porque imaginamos que el precio en los Países Bajos van a ser mucho más caro.

Llegamos a los Países Bajos y nos recibió el cielo con una nube de agua. Podemos ver que aquí el precio del gasoil es de: 2,20 euros litro y no protestan a Sánchez ni a Macron. Estos son de buen conformar`porque tienen muy presenta la libertad de mercado.

Después de recorrer casi 290 km llegamos a Rotterdam, decidimos ir al camping para pernoctar y hacer un reset, aunque dudamos después de ver el interior del camping si fue buena idea porque el suelo está totalmente embarrado y nos han situado en un sitio no muy agradable, aunque en peores garitas hemos estado.

Pernoctamos en el City Camping Rotterdam N 51.9315192 E 4.4437905 Precio 25 euros 2 personas. La verdad es que no sabemos si hemos hecho bien porque el lugar donde nos meten es impresentable y tampoco conocemos si está bien comunicado.

Para celebrarlo nos ponemos a cenar unas salchichas con pisto porque estamos muy cansados y tenemos pocas ganas de cocinar.

Día 10 de abril (domingo)
Ruta: Rotterdam-

El día comenzó en Rotterdam nada más levantarnos cambiamos la autocaravana a una zona sin agua porque hemos pasado la noche pensando que viajamos en barco.

Para llegar al centro hay que hacer una caminata de 15 minutos hasta la boca de metro. Luego, como tontos descifrando cómo funciona la máquina expendedora de billetes, tardamos medía hora para sacar los billetes. Al final después de muchos intentos nos quedamos con el billete sencillo de dos horas y 4 euros, luego dicen que la vida es igual en toda Europa.

Tres paradas en el metro y estamos debajo del ayuntamiento, desgraciadamente nos damos cuenta de que la ciudad está tomada porque se celebra hoy la maratón de Rotterdam que atrae gente de todo el mundo.

La primera impresión que tenemos es que es una ciudad muy diferente a cualquier ciudad de los Países Bajos. Los edificios rivalizan para ofrecer una imagen y detalles detalles de una arquitectura diferente, aquí los arquitectos son los amos de la ciudad.

Lo primero que hacemos es intentar visitar La Grote of Sint-Laurenskerk o Iglesia de San Lorenzo (GPS N 51.921375 E 4.484715), según las guías es otra de las visitas obligadas, ya que es la única iglesia medieval de la ciudad, aunque encontramos las hermosas y nuevas puertas totalmente cerradas sin ninguna información, luego pudimos mirar que los horarios: es de martes a sábado de 10 a 17 horas, el precio 3 euros.

Como comentamos anteriormente, la ciudad se reconstruyó tras su destrucción después de la Segunda Guerra Mundial, lo cual explica su aspecto moderno. No obstante, esta iglesia es uno de los pocos edificios que sobrevivieron a esta catástrofe mundial.

Fue construida en 1449 y tras el bombardeo tuvo que ser reconstruida de acuerdo con su estilo original. Entre sus características destacan los arcos de piedra y sus techos abovedados. Está rodeada de edificios modernos y la estatua de Erasmo, la estatua de bronce más antigua de los Países Bajos, se encuentra enfrente de la iglesia.

Vamos hacia las casas cubos (GPS N 51.920340 W 4.490680), situadas Overblaak 70, después de verlas tantas veces en fotografías no puedes imaginar el resultado final, un poco conservan la inspiración en Gaudí, aunque aquí todo es más excéntrico.

El llamado Kubuswoning o Casas Cubo de Piet Blom, construida en 1984, es probablemente uno de los edificios más emblemáticos y populares de Róterdam. Formalmente, consiste en un conjunto de 32 cubos girados 45º, apoyados sobre pilares hexagonales, dejando la planta inferior libre. En el interior, cada cubo está formado por 3 plantas: la primera con cocina y salón, la segunda con la habitación y un baño, y por último, la tercera con un pequeño espacio o de terraza o de almacenamiento.

Basado en diseño asimétrico, las Casas Cubo fueron pensadas como un bosque abstracto, un pueblo dentro de una ciudad, donde cada casa representa un árbol y todas las casas juntas un bosque. Según su arquitecto, la parte superior triangular de cada casa individual representa un árbol indeterminado, que, cuando está conectado con su vecino, se convierte en un mar de árboles, en un bosque amarillo y manufacturado. El arquitecto imaginó un árbol en cada una de las casas-cubo y los gruesos núcleos como un tronco. El complejo le daba la impresión de la bóveda de una catedral o de un bosque, así es como se las apodó Blaak Forest (Bosque Blaak).

El diseño tiene como objetivo principal a nivel urbano, que es el de permitir el cruce de la calle Blaak, desarrollándose sobre la misma, con un espacio urbano que incluye hasta patios (huecos libres de casas cubo). En el zócalo generado para este espacio urbano se incluyen también usos, como una escuela de ajedrez. La idea de esta conexión surge por la necesidad imperiosa que Piet Blom consideró que tenía el área del puerto inmediatamente al sur de esta obra de conectarse con el resto de la ciudad, con el mercado que se encuentra al oeste de la intervención (y donde actualmente se encuentra el famoso edificio Markthal). Su idea tuvo una ligera inspiración del Ponte Vecchio de Florencia, evitando con su construcción no un río sino el elevado tráfico de una de las calles principales de esta ciudad.

Piet Blom, el cual fue estudiante de Aldo van Eyck (compañero de Bakema), ya había realizado un diseño similar a este en Helmond, en 1977, con una configuración más lineal, y en mucha menor cantidad. Estas casas se encontraban rodeando un teatro que ardió en 2011.

Sobre la edificación de este edificio en la ciudad, la intervención es muy adecuada, al no ocupar suelo urbano más que para su estructura, y tampoco anulando el uso del suelo bajo ella mediante la generación de patios con abundante frecuencia. Cuida también los elementos preexistentes, surgiendo con el objetivo de regenerar la zona portuaria del sur, sin bloquear ni tráfico peatonal ni rodado.

Se puede visitar una de las casas cubo particulares, previo pago de 3 euros. El interior no te deja indiferente. Estamos ante la lucha por el equilibrio de los espacios de arquitectura adaptados a la escala humana.

La escalera para subir a los diferentes niveles de la casa tiene unos peldaños e inclinación peligrosa, lo que indica que cuando cumplas los 60 años tienes que vender la casa. El precio de mercado en estos momentos ronda los 400000 euros y son muy solicitados entre los arquitectos para sus estudios profesionales.

La casa tiene tres niveles, en el primero esta el hall, cocina y el salón que se adapta a la estructura del cubo, en el segundo nivel dos habitaciones y un baño; en el tercero es un gran salón con forma de ático.

El segundo piso con sus ventanas orientadas hacia arriba fue bautizado como “sky-house” por el arquitecto, es la zona dedicada a dormir, con dos habitaciones , un pequeño salón y el baño.

Un rellano debajo y una escalera dan acceso al piso superior, el tabernáculo según Blom, una pirámide de tres lados con 18 ventanas y 3 escotillas que dan una amplia vista de los alrededores. Este espacio se puede utilizar como dormitorio, sala de niños o solario, dependiendo de las necesidades del habitante. Todos los niveles están conectados por empinadas escaleras de madera.

A la salida vemos que en el canal hay un gran bicheo y nos sentamos a comer dentro del horario holandés (GPS N 51.9197858 E 4.4911697) Restaurante Kade 4. Pedimos croquetas de carne, queso y gambas y unos filetes de pollo con salsas. Esto es lo más barato de Holanda, pagamos 55 euros.

Enfrente se encuentra el nuevo edificio del Mercado o Markt Hall (GPS N 51.920246, E 4.487883), es de un diseño vanguardista y en su interior quieren parecerse al mercado de San Miguel. Puedes comer o beber cualquier plato imaginable, mucha cocina española.

Uno de los sitios de Rotterdam que no te puedes perder por lo original de su arquitectura: su forma, las pinturas en toda la pared interior, todo lo que contiene y la visión desde dentro de los edificios “el lápiz” y las casas cubo.

En la planta baja tienes todo tipo de restauración, con la comida típica de la zona y también de otros países. Muy agradable si quieres tomar algo, visitarlo o simplemente descansar bajo techo del frío exterior. En la planta sótano se encuentra el W.C. precio 1 euro y una cola monumental. Esto demuestra que todo tiene un precio y más en los países súper capitalistas como Países Bajos .

Los aspectos más destacados de la arquitectura del edificio es el diseño estructural de la excavación profunda en lo que se ha llamado «sopa espesa», la construcción de la propia estructura del arco y la red suspendida de cables de acero de 28mm o pared de vidrio conocida como “raqueta de tenis”, situada en las entradas del arco.

Debido a la cercanía del río Nieuwe Maas los terrenos donde se levantó el mercado son blandos y el nivel freático está solo a 1 m bajo tierra. La excavación alcanzó los 20 m de profundidad colocándose, muros de lodo alrededor de la fosa y permitiendo que se llenara de agua, contrarrestando así la presión de la tierra circundante que se habría derrumbado durante la excavación. Una vez realizado este proceso un grupo de buzos vertieron hormigón subacuático dentro de un plazo de 72 horas. Una vez que se estableció el piso más bajo, se extrajo el agua y pudo comenzar la construcción normal. Primero se completaron los espacios del estacionamiento y luego se comenzó a levantar la primera planta a nivel de calle.

El sistema de estructura consiste en paredes de cizalla, núcleos y losas, aunque el detalle de la construcción es bastante complicado, debido al espacio interior del mercado en forma de arco. La superficie interior está suspendida de las losas y su ángulo varía a diferentes alturas para crear la curva del arco. La construcción de los dos lados del edificio se realizó de forma rápida y eficiente mediante los encofrados del túnel. El techo del arco se realizó en cuatro partes, cada una soportada por una subestructura temporal de acuerdo con el enfoque de la empresa constructora.

La fachada de acero y cristal instalada en la parte delantera y posterior del edificio en forma de arco se curva de manera flexible con vientos fuertes, pudiendo adentrarse hasta 70 cm en condiciones extremas. Estas cristaleras están enmarcadas por una estructura de hormigón. El acceso de los visitantes se realiza a través de puertas giratorias y una rejilla en el pavimento refuerza la ventilación.

El edificio tiene 100.000 metros cuadrados construidos donde hay diferentes usos: 228 apartamentos, 100 puestos de venta de productos frescos, 4.900 metros cuadrados dedicados alimentación, 1.600 m² de restauración, espacios de preparación y degustación de dichos productos, en la parte sótano 1.200 plazas de aparcamiento distribuidas en 3 plantas subterráneas y un supermercado de 1.500 m² en una cuarta planta también subterránea, con un centro de despacho con refrigeración y almacenamiento y áreas de preparación. Seis ascensores permiten transportar a los puestos de la planta baja del mercado los alimentos. En el primer piso se ubican otros 15 puestos de alimentos, ocho restaurantes y una escuela de cocina. En las 10 plantas del edificio están las 228 viviendas.

El interior de la planta baja destaca porque tiene un extenso mural de 10.000 metros cuadrados, obra de los artistas Arno Coenen e Iris Roskam, impreso en paneles de aluminio perforados y luego sujetos a paneles acústicos para controlar el ruido cubre el interior del arco, El mural muestra imágenes sobredimensionadas de los productos que se pueden comprar en el mercado y hace un guiño al trabajo de los maestros bodegueros holandeses del siglo XVII con la inclusión de imágenes de flores e insectos.

Enfrente se encuentra otro de los edificios con una arquitectura característica El Edificio Lápiz (GPS N 51.9204201 E 4.48924), también llamado The Blaaktoren (1984) es una torre residencial del arquitecto Piet Blom. También popular como el edificio Potlood (Lápiz) en Rotterdam debido a la parte superior puntiaguda. Con una altura de 61 metros y 15 pisos, el Lápiz pentagonal es una estructura radial. Al igual que los edificios radiales, sus muros de hormigón se extienden radialmente desde el interior hacia el exterior. Como resultado, cada piso se divide en 6 partes igualmente formadas. Donde 5 partes funcionan como áreas de estar y 1 parte es para ascensores, escaleras y espacio de almacenamiento privado. En realidad, de los 15 pisos, solo 13 pisos funcionan como áreas habitables. La azotea puntiaguda es una adición arquitectónica.

Este curioso edificio se encuentra enfrente del mercado y al lado de las casas cubo, convirtiendo así la zona de Blaak en una de las más curiosas de Europa. Este edificio es también un apartamento de viviendas.

Desde aquí marchamos andando hasta el nuevo almacén museo (GPS N 51.9142793 E 4.473014). Se ha inaugurado recientemente y tiene como misión almacenar todas las obras de arte del antiguo museo de arte mientras dura los 8 años de renovación del antiguo Museo Bellas Artes.

Desgraciadamente, no podemos sacar entradas porque están todas las horas agotadas. Es un nuevo inconveniente de los Países Bajos porque hay que sacar entradas en los museos por Internet y con fecha y hora. La consecuencia es que para nosotros que no planificamos las vistas es un verdadero problema.

Museo Boymans Van Beuningen actualmente, muchos museos internacionales solo pueden exhibir del seis a siete por ciento de sus colecciones en exposiciones. El 94 por ciento restante está escondido en el almacenamiento. The Depot Boijmans Van Beuningen rompe con esta tradición de ocultación: el diseño hace visibles todos estos artefactos previamente invisibles en un edificio reflectante, único e icónico, especialmente diseñado por MVRDV para cumplir con los requisitos de esta tipología sin precedentes. Una vez completado, los visitantes del depósito pueden sumergirse en el mundo detrás de escena de un museo y experimentar lo que realmente implica mantener y cuidar una colección de arte invaluable, de forma independiente o con una guía. También podrán observar procesos de conservación y restauración, embalaje y transporte de obras de arte. Rodeado de arte.

La forma del Depósito de 39,5 metros de altura es ovoide, un edificio en redondo.Su forma de cuenco significa que la huella a nivel del suelo es pequeña, manteniendo las vistas y las rutas a través del Museumpark, mientras que el techo es lo más amplio posible. Las escaleras entrecruzadas que llevan a los visitantes a las salas de exhibición y los estudios de los curadores también conducen a la azotea, y el atrio está lleno de 13 vitrinas de vidrio que muestran una selección "ligeramente curada" y en constante evolución de los muchos tesoros del depósito.

El atractivo del edificio es el atrio con escaleras entrecruzadas y vitrinas de vidrio suspendidas que muestran exposiciones de obras seleccionadas por los curadores del museo. Este atrio conduce a los visitantes a las salas de exposición y los estudios de los curadores, ofreciéndoles una experiencia única detrás de escena y la oportunidad de aprender cómo un museo de renombre mundial mantiene y cuida su colección de arte.

El arte se muestra en todo el edificio, comenzando en el vestíbulo de la planta baja y continuando a lo largo de toda la trayectoria a través del edificio, extendiéndose incluso hasta el restaurante de la azotea. Fuera de este restaurante, un bosque en la azotea a una altura de 35 metros proporcionará otra atracción pública, accesible a través de un ascensor desde la planta baja, y poblado por 75 abedules de gran altura. La azotea ofrece a los visitantes vistas impresionantes de la ciudad de Rotterdam.

Desde allí vamos al Puente de Erasmo o Erasmusbrug (GPS N 51.907786 E 4.490127) es otra de las atracciones arquitectónicas de la ciudad. Es atirantado con varias vías para peatones, bicicletas, coches y tranvías. Las vistas del Gran canal, los edificios de diseñó y las nubes bajo el sol es muy especial.

El puente fue diseñado por el arquitecto Ben van Berkel, y su construcción se culminó en 1996. Lo que más llama la atención de este puente es un pilón irregular que ha provocado que se le conozca coloquialmente por los propios ciudadanos de Róterdam como zwaan, traducido: cisne.

El Puente Erasmus es el resultado de un proceso de diseño inusual en el que arquitectos e ingenieros interactuaron como iguales. Al final, esto dio como resultado un puente que evidencia un compromiso total con los estándares tanto técnicos como estéticos.

Visto de frente, sobre el tablero, el pilón con 139 metros de alto recuerda a una “Y” invertida. Las dos patas de la Y se apoyan sobre la estructura del puente, permitiendo el paso de las vías del ferrocarril, el tráfico rodado con 4 vías, un carril bici y otro peatonal. Al unirse las dos enormes patas continúan en una torre donde se anclan los cables de acero y a la cual se accede por una escalera interior, desde esa estructura salen 32 cables de acero recubiertos en su base con un revestimiento metálico de aproximadamente 4 metros de largo que los protege de la corrosión. También sujetos a los cables se han colocado tensores hidráulicos que ayudan a la estabilidad del puente ante el paso de vehículos o ferrocarril.

El vano sur del Erasmus tiene un puente basculante de 89 m de longitud para los barcos que no pueden pasar bajo el puente. Este puente basculante es el más grande y el más pesado de Europa Occidental y tiene el mayor panel de este tipo del mundo.

En los pilares de hormigón, los ingenieros diseñaron los tubos de acero dentro de los pilares de hormigón para soportar el puente y los arquitectos diseñaron la forma de hormigón alrededor de estos tubos de acero interiores como una forma escultórica.

El Puente Erasmus es uno de los puntos de interés turístico más famosos, ya que en la actualidad se ha convertido en un escenario emblemático en el que se realizan diversos eventos y actos sociales de gran expectación y que consiguen reunir a mucha gente. Así, fue muy llamativa la exhibición aeronáutica que la Red Bull Air Race realizó en torno a él; también forma parte del recorrido de la Marathon Rotterdam y ha sido la sala más futurista en la que el famoso DJ Tiësto ha realizado una presentación y numerosas películas han utilizado la imagen de este puente como un recurso paisajístico. Finalmente, este peculiar puente es el lugar desde el que se lanzan los fuegos artificiales que anuncian la llegada del nuevo año.

Como curiosidad, además de las vistas de la ciudad que se podrán contemplar desde aquí, hay dos locales bajo el puente que conviene visitar por su calidad y que se aconsejan especialmente; el primero es una cafetería de estilo peculiar y el segundo es una tienda de recuerdos con productos típicos de la ciudad que se ofrecen a unos precios muy adecuados.

De este modo, el Puente Erasmus permite la posibilidad de combinar la belleza de la arquitectura con atracciones de interés cultural gracias a los espectáculos celebrados, pero también de relajarse en las cafeterías de sus alrededores. En definitiva, todo un punto de referencia en la ciudad de Rotterdam.

Aprovechando que estamos en el otro extremo del puente, hacemos un alto en el restaurante Happy Italy (GPS N 51.9071263 E 4.4846001) para hacer una pequeña merienda con cafés y dulces italianos. El lugar está ubicado al final del Erasmusbrug con una vista imponente. El ambiente es moderno y cálido, con decoraciones italianas graciosas. La comida tiene buen aspecto a unos precios razonables.

Volvemos por el otro margen del río hasta el Caland monument (GPS N 51.907917, E 4.479701), conmemora al ingeniero Pieter Caland, quien diseñó el Nieuwe Waterweg , la conexión directa con el mar. El monumento fue inaugurado en 1907 según un diseño de 1906 de HJ Evers con Arend Odé, y fue financiado por la burguesía de Róterdam.

El memorial consiste en una fuente monumental en la que una alta subestructura cuadrada sostiene un obelisco coronado por un motivo esférico. Como símbolo de Róterdam, representa una figura femenina alada que sostiene en alto el bastón de Mercurio. A continuación se muestran los escudos de armas de la ciudad y provincia, que recuerdan el curso de la Hidrovía. Al frente se encuentra una lápida con el perfil de bronce de Caland, rodeada por una corona de laurel y la correspondiente inscripción. Las inscripciones apropiadas también se encuentran en las mesas conmemorativas colocadas contra los tres lados restantes. Dos figuras infantiles de bronce simbolizan el comercio y la industria de Róterdam como lugar de comercio.

Caminamos hasta el pequeño puerto deportivo Stichting Veerhaven (GPS N 51.908329 E 4.4763457), es un lugar de encuentro para los veleros, ofrecen una buena postal para tomar fotografías; también el taxi acuático tiene una parada allí. Disponemos de algunas cafeterías y restaurantes agradables en los alrededores.

Justo en la entrada al puerto hay pequeña una escultura que conmemora a un tal A. Van Hoboken (GPS N 51.908617 E 4.478727). Mirando en internet es alguien que era de origen humilde y tenía un gran talento empresarial. Ascendió de trabajador de almacén a uno de los ciudadanos más ricos de Róterdam. Poseía la flota de vela más grande de los Países Bajos, su propio astillero "Rotterdams Welvaren", también invirtió en muchos otros negocios y también participó activamente como asegurador y banquero. El rey Guillermo I dijo una vez “si no fuera rey, me gustaría ser Van Hoboken”.

Desde allí caminamos hasta el gran parque Hét Park (GPS N 51.906852 E 4.473393), es muy especial porque la mayoría de los árboles son centenarios con formas muy románticas, entre loscanales donde se pueden ver fochas, patos, garzas y gansos de Egipto. Desde allí vamos al Puente de Erasmo que es otra de las atracciones arquitectónicas. Es atirantado con varias vías para peatones, bicicletas, coches y tranvías. Las vistas del Gran canal, los edificios de diseño y las nubes bajo el sol, son muy especial.

El Parque es un monumento nacional en Rotterdam, ubicado junto al Euromast y el Erasmus MC. El parque tiene 21 hectáreas y fue diseñado por padre e hijo Zocher en el siglo XIX. Actualmente, se está renovando a fondo en nombre del municipio de Rotterdam en colaboración con Stichting Droom en Daad y está recibiendo un impulso de calidad.

Para hacer que el parque esté preparado para el futuro después de esta transformación, se ha establecido la fundación 'Stichtinghet Park en Rotterdam'. La ambición de la entidad es lograr una alta calidad para la implementación del mantenimiento y la gestión, la programación, la comunicación, la recaudación de fondos y la conexión con la ciudad. El objetivo de la fundación es dar la bienvenida a todos los residentes y visitantes de Róterdam y permitirles disfrutar de la naturaleza y las actividades en este hermoso parque de Róterdam.

El conocido arquitecto de jardines Zocher, quien también diseñó el Vondelpark en Ámsterdam, trazó un parque en estilo paisajístico en 1852. Un caminante que sigue los caminos sinuosos tenía que sentir curiosidad por lo que podría experimentar después de la próxima curva. Las fuentes de agua son ríos serpenteantes que se elevan invisibles desde un bosque primaveral. El suelo liberado durante la excavación se utilizó para crear un paisaje inclinado. Las plantaciones debían oscurecer los límites para crear la idea de infinito. Cuando la otra mitad se agregó más tarde al parque, continuaron con este estilo.

El parque debe su carácter actual a los muchos árboles grandes y al extenso césped. Es maravilloso caminar a la sombra de los hermosos árboles. Hay 60 especies de árboles en 400 variedades diferentes que hacen el paseo sea una experiencia positiva para los que visitamos la ciudad.

Si estas en el parque veras la sombra de la Torre de Televisión Euromast (GPS N 51.9053679 E 4.4647249), está muy cerca en de Hét Park y si te sobran las fuerzas de un día de locura de andar, es una muy buena opción para terminarlo. La verdad es que nosotros no tuvimos paciencia.

Las vistas panorámicas desde arriba son muy bonitas. Se puede ver todo Rotterdam. Hay un restaurante y hotel en la torre. Subir arriba para ver las vistas cuesta unos 12€. Te suben ascensor.

Para regresar al camping andamos hasta la boca del metro de Dijkzigt (GPS N 51.910512 E 4.4644367) cogemos la línea verde A hasta la estación de Beurs, allí hacemos un trasbordo en la línea azul B que nos lleva hasta la estación Blijdorp, en total son 5 estaciones y lo hacemos muy rápidamente. En ese aspecto, aunque luego hay un buen trecho, el camping está muy bien comunicado.

De camino compramos la cena fría en un súper: rosbif, arenques ahumados y nosotros aportamos una ensalada con burrata y tomate con salsa pesto.

Una vez en el camping solamente nos queda darnos una buena ducha súper caliente y el reset nos permite sanar las heridas del día.

Día 11 de abril (lunes)
Ruta: Rotterdam-La Haya-Lisse ; distancia 25 km tiempo estimado 41':

La noche ha sido muy tranquila, hacemos el cheking en el camping y salimos pitando para nuestro siguiente destino. Hoy nos trasladamos desde Rotterdam hasta La Haya, nos separan escasos 25 km.

Nos cuesta trabajo encontrar el parking seleccionado, pero vemos uno a las afueras, a 4 km del centro, precio 10 euros todo el día. Nos metemos en donde los turismos sin darnos cuenta que hay uno parking especial para autocaravanas y bus.

El parking para autocaravanas en La Haya (Países Bajos) se encuentra situado en ParkBeeMadurodam en la calle George Maduroplein 1 (GPS N 52.097723 E 4.299558), es gratuito y sin servicios.

Aunque el verdadero parking para autocaravanas se encuentra pegado, pero la entrada es por las coordenadas GPS N 52.098449 E 4.299450, precio 11 euros 24 horas.

En la misma puerta del parking cogemos el bus 22 y pagando 7,10 euros para todo el día. En 8 paradas estamos en el mismo centro de la ciudad de la Haya.

Lo primero que hacemos es guiados por su torre campanario para llegar hasta la iglesia de Santiago o Grote de Sint-Jacobskerk (GPS N 52.0772829 E 4.3063147). Su característica principal es su alta torre (una de las más altas de la ciudad) de seis caras con un carillón de campanas. Contiene el cenotafio de Jacob van Wassenaer Obdam, además de algunos vitrales, un púlpito de madera tallada y escudos de caballeros.

Desafortunada podemos comprobar el declive de las iglesias luteranas en Holanda. La iglesia tiene un uso distinto, en estos momentos como vacunodromo para el Covid-19, no nos permiten ni una foto del interior.

Pasamos por la lujosa galería de calle cubierta o The Passage (GPS N 52.078301 E 4.310088). El edificio consta de 3 alas, dispone de cantidad de tiendas de diferentes estilos. Tiene un especial diseño arquitectónico de la misma, que la coloca a la altura de otras galerías europeas, como la de Milán, Bruselas y que en España podemos ver en algunas capitales de provincia como Albacete, Valladolid o en Madrid. Lo bueno de estas galerías es que si hace mal tiempo es un buen lugar para pasar refugiarte y distraerte.

Nada más llegar nos entra hambre y vemos un puesto callejero de comida Buitenhof Herring Stall (GPS N 52.0792491 E 4.310983), dedicado a la venta de arenques en pan de perritos y pescado frito. Una señal te indica que hay que tener cuidado con las gaviotas están especializadas en robar la comida si te descuidas lo más mínimo. El precio del sándwich de arenques es de 2,5 euros.

Vimos la escena frustrante de una pareja, especialmente cuando tu sándwich se va volando, en el pico de una enorme gaviota. El vendedor ya indica que se tenga cuidado con los pájaros pero sonaba a broma y no me advirtió que me comiera la comida que había dentro.

Intentamos visitar el parlamento holandés, después de tener las entradas sacadas por internet no sabemos por dónde acceder porque está todo en obras y el personal de seguridad no tiene noticas de esto.

Pasamos por la escultura de un niño Haagsch Jantje es probablemente una de las estatuas más famosas de La Haya. Esta totalmente vestido con unas ropas hechas de ganchillo de lana que por los colores hace referencia a los niños de Ucrania.

La figura conmemora una antigua canción infantil holandesa. El artista de La Haya Ivo Coljé realizó esta estatua en 1976. Resultó ser un niño de bronce con un sombrero y una pluma y una canasta para llevar setas en el brazo. Se colocó en 1978 a lo largo del Hofvijver. El niño señala con el dedo el Binnenhof, antigua sede de los Condes de Holanda. El pedestal dice "En La Haya vive un conde y su hijo se llama Jantje". Probablemente se trate de Jan I (1284-1299), hijo del conde Floris V que solo tenía 15 años.

En La Haya vive un conde, Y su hijo se llama Jantje. Si le preguntas dónde vive tu papá, entonces señala con su manita, con el dedo meñique y el pulgar (y Jantje lo hace muy claro, como señala un niño) En su sombrero lleva una pluma (y de qué tipo: ¡una pluma gigante!) Una canasta en su brazo (y el escultor ha puesto hongos en la canasta) ¡ Adiós, mi querido Jantje!

El tiempo se nos echa encima, previamente hemos sacado las entradas por internet para visitar el Museo de Bellas Artes porque ya he explicado que para que entrar en todos los museos que visitamos de los Países Bajos es una de las condiciones hacer la reserva con cita previa. Tenemos entradas para el museo de pintura a las 14,45 horas y tenemos que comer antes.

Para comer vemos un restaurante chino que indica que hacen los platos al momento y los precios no son nada desfasados, pagamos 55 euros los cuatro. Todos sabemos que la cocina holandesa no es muy destacada y lo mejor que puedes hacer es buscar algún restaurante de cocina internacional y que no sea muy caro.

Enseguida estamos de regreso , la puerta de Museo Mauritshuis. Dicen que es el segundo más importante de pintura flamenca de Holanda. Las entradas las sacamos anticipadamente ayer y pagamos 60 euros.

El museo está en el interior de un hermoso palacete perteneciente a un rico comerciante. Es una colección relativamente pequeña con dos plantas y unas 20 salas.

Las obras que vemos en el interior son una selección de los mejores pintores barrocos. Hay numerosos Rubens destaco dos, un autorretrato de cuando era mayor y cuadro muy especial donde se aprecia la disección de un cadáver en una escuela de medicina ante el catedrático, por su especial tratamiento de la imagen y la meticulosidad del contenido, constituye una de las mejores obras de arte del pintor.

El otro gran pintor nacido en Delf Johannes Vermeer: podemos ver Diana y sus compañeras, Vista de Delft y el más importante y famoso es La joven de la perla, destaca la joven por un turbante azul y amarillo, la mirada lateral y la perla de su oreja.

También podemos ver de Jan Steen: Grupo en un interior (Tal como canta el viejo, así fuma el joven).Y de Paulus Potter: El toro. Es un magnífico cuadro donde en los detalles se aprecian las moscas revoloteando.

Los temas holandeses son como los de la vida cotidiana, retratos, costumbres, paisajes, bodegones, etc. Temas que habían sido tratados marginalmente hasta entonces y ahora pasan a ocupar el centro de cualquier obra de arte. El artista se instala en el centro de la realidad doméstica que siempre ha tenido a su alrededor, pero que ahora descubre como centro y objeto primordial de su arte.

En este museo vamos a tener oportunidad de ver una buena colección de retratos barrocos flamencos. El retrato en la pintura de ese siglo supera las normas renacentistas y se hace más natural y realista. Aparecen nuevos temas como la pintura de grupos de asociados a una corporación, el retrato de personas deformes; se generaliza el retrato de cuerpo entero; el retrato de la vida corriente. Algunos pintores evolucionan y superan los efectos de la luz y la sombra en sus cuadros y marchan a la búsqueda de nuevas formas de retratar que se acercan a la perspectiva aérea que tiene un desarrollo posterior.

Empezamos la colección de obras de arte de la sala I título: “Retrato de Ernestine Yolande, princesa de Line”, obra del pintor Jan Anthonisz van Revesteyn (1572-1657), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1618. Tiene unas medidas de 63.5 x 53.4 cm.

Esta pintura proviene de la familia de Johan Maurits, para quien se construyó el Mauritshuis. La inscripción en el retrato nos dice quién es la dama: Ernestina, femme de conte Jan de Nassau, esposa del conde Jan de Nassau. El Jan en cuestión era medio hermano de Johan Maurits de Nassau-Siegen. Para consternación del resto de su familia protestante, Jan era abiertamente católico.

Jan van Ravesteyn pintó a Ernestina con todas sus galas propias de una importante familia, con una costosa tiara de perlas y azahar en el cabello.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala I título: “Retrato de van Catharine Belgica”, obra del pintor Jan Anthonisz van Revesteyn (1572-1657), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1617. Tiene unas medidas de 63.9 x 55.6 cm.

El pintor nos presenta el retrato de una dama que viste gorguera de encaje fino y un collar de perlas alrededor de su cuello. Joyas costosas adornadas con piedras preciosas y un vestido ricamente bordado con hilo de oro. Se trata de Catalina Bélgica de Nassau, era la tercera hija de Guillermo el Silencioso y su tercera esposa Carlota de Borbón.

Catharina Belgica tenía 39 años cuando el artista de La Haya Jan van Ravesteyn le pintó su retrato. El cuadro formaba parte de la colección de pinturas pertenecientes al estatúder Frederik Hendrik, medio hermano de Catalina.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala II título: “Retrato de una dama, posiblemente se trata Clara Fourmet”, obra del pintor Peter Paul Rubens (1577-1640), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1630. Tiene unas medidas de 114,5 x 90.5 cm.

Esta mujer es probablemente Clara Fourment de Amberes, y su marido, Peter van Hecke, cuelga a la izquierda. Pertenecían al círculo familiar íntimo de Rubens, ya que Clara era la hermana mayor de la segunda esposa de Rubens, Hélène. La pareja claramente vive en la opulencia, por lo menos su atendemos a su ropaje de moda de telas negras brillantes y finos cuellos de encaje, y el abanico de plumas de avestruz de Clara. Destaca su mirada penetrante sobre el espectador.

Rubens fue el principal pintor flamenco del siglo XVII. Su estilo extravagante y barroco influyó en toda una generación de artistas después de él.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala II título: “Retrato Quintijn Symons”, obra del pintor Anthony van Dyck (1599-1641), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1630. Tiene unas medidas de 95 x 83.7 cm.

El retrato pertenece a un hombre elegante, es Quintijn Simons, un pintor de historia de Bruselas. Su elegante capa sobre los hombros, el cabello hasta la mitad, el distinguido bigote y la perilla le dan a Simons un aire de galanura aristocrática que es característico de los retratos de Anthony van Dyck.

Van Dyck vivió durante muchos años en Italia, donde se hizo famoso por sus virtuosos retratos oficiales de miembros destacados de la nobleza. En 1632, se convirtió en pintor de la corte del rey Carlos I de Inglaterra, pero ocasionalmente viajaba al continente para realizar encargos como este retrato.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala II título: “Retrato de Peter van Hecke” obra del pintor Peter Paul Rubens (1577-1640), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1630. Tiene unas medidas de 114,5 x 90.5 cm.

Este hombre es probablemente el comerciante de Amberes Peter van Hecke, y su esposa Clara Fourment está colgando a la derecha. Pertenecían al círculo familiar íntimo de Rubens, ya que Clara Fourment era la hermana mayor de la segunda esposa de Rubens, Hélène. La pareja claramente vive en la comodidad, en vista de su ropa de moda de telas negras brillantes y cuellos de encaje fino.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala II título: “Bodegón de flores con la estatua de la Virgen Maria” obra de los pintores Daniël Seghers (1590-1661) & Thomas Willeboirts Bosschaert (1603-1644), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1645. Tiene unas medidas de 151 x 122.7 cm.

El pintor de Amberes Daniël Seghers colaboró a menudo con otros artistas. En este caso, hizo que Thomas Willeboirts Bosschaert pintara la estatua de la Virgen María y él mismo hizo el marco de piedra y las flores.

Seghers no solo fue un pintor de flores, sino también un jesuita. Esta gran pintura fue un regalo de su Orden al protestante Frederik Hendrik, Príncipe de Orange, y su esposa Amalia van Solms, de ahí la flor de naranja y las manzanas naranjas. Como recompensa, Seghers recibió un rosario de oro y dos crucifijos de oro. La pintura recibió un destino como repisa de chimenea en Huis ten Bosch.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala II título: “El Jardín del Edén y la Caída del Hombre”, obra de los pintores: Jam Brueghel I (1568-1625) y Peter Paul Rubens (1577-1640), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1615. Tiene unas medidas de 74.3 x 114.7 cm.

Esta obra fue realizada por dos famosos pintores maestros flamencos: Rubens y Brueghel. Los dos artistas pintaron varios cuadros de este tipo con el objetivo principal de mostrar la combinación de ambos talentos en su máxima expresión.

Esta espectacular pintura fue realizada conjuntamente por dos especialistas, lo que no era un fenómeno inusual en el siglo XVII. En este caso, Rubens pintó los dos desnudos, mientras que Brueghel ejecutó el paisaje y los animales. Ambos firmaron la obra: 'PETRI PAVLI RVBENS FIGR' está inscrito a la izquierda e 'IBRUEGHEL FEC.' A la derecha. Esto indica que Peter Paul Rubens pintó las figuras y Jan Brueghel produjo la obra en su conjunto. Las pinceladas algo más anchas en las que están ejecutados Adán y Eva se distinguen claramente de las pinceladas más finas en los detalles de las plantas y animales, como el caparazón de la tortuga o el pelaje del leopardo. La participación de Rubens en la obra es mucho mayor de lo que sugiere la inscripción. También pintó el caballo, la serpiente y el árbol.

Jan Brueghel el Viejo fue el segundo hijo del famoso pintor Pieter Bruegel el Viejo, también conocido como 'Peasant Bruegel'. Las primeras pinturas de Jan Brueghel datan de 1592-1595 y fueron realizadas en Roma, donde se había establecido. En 1595-1596 estuvo en Milán al servicio del cardenal Federico Borromeo, de quien sería amigo para toda la vida. En 1596 Jan Brueghel se trasladó a Amberes, dedicándose a los cuadros de animales y flores, que ejecutó con gran precisión basándose en estudios de la naturaleza. Su gran obra le valió los apodos de 'Flower Brueghel', 'Velvet Brueghel' y 'Paradise-Brueghel'. A partir de 1606 trabajó como pintor en la corte de los regentes Archiduque Alberto y la Infanta Isabel en Bruselas, pero siguió viviendo en Amberes. Realizó casi una veintena de cuadros en colaboración con su conciudadano y amigo Rubens.

El episodio aquí representado es el momento en que Eva, habiendo aceptado la manzana de manos de la serpiente, se la da a Adán, que pronto comerá del fruto prohibido. Esto constituye la Caída del Hombre, después de lo cual Adán y Eva son expulsados del paraíso. Brueghel ha hecho todo lo posible para dar vida al Jardín del Edén para nosotros. En medio de un paisaje encantador ha representado innumerables animales, desde grandes camellos hasta minúsculas aves, muchas de ellas en parejas. La meticulosa representación de los animales revela que Brueghel había podido observar la mayoría de estos animales de primera mano. En una carta que data de 1621 a Federico Borromeo, el pintor escribió que estaba observando y pintando pájaros y animales en la colección de animales salvajes de Alberto e Isabel. En un pequeño panel con estudios de burros, simios y gatos,

Los pintores también incorporaron alusiones simbólicas a la escena. Así, el pequeño mono detrás de Adam está mordiendo una manzana. Dado que los monos se asemejan a los seres humanos pero carecen de la facultad moral necesaria para distinguir entre el bien y el mal, a menudo se usaban en el siglo XVII para simbolizar el mal y la pecaminosidad. En esta escena el mono presagia la inminente hazaña de Adán. Un racimo de uvas sorprendentemente iluminado, en el follaje oscuro, se cierne sobre la cabeza de Adam. Estas uvas, cuyo vino se equipara con la sangre de Cristo durante la celebración de la Eucaristía, son sin duda una alusión a la Crucifixión, que quita los pecados de la humanidad, revirtiendo así la Caída. Sutiles referencias de este tipo pueden parecer exageradas, pero sin duda habrán sido comprendidas por los amantes del arte del siglo XVII.

Una pintura como esta sirvió ante todo como una 'pieza de espectáculo'. El objetivo era abrumar a los espectadores con la asombrosa técnica pictórica de los dos especialistas. Adquirir una pintura hecha por dos maestros tan destacados era el mayor deseo de cualquier coleccionista rico o principesco. Esto ciertamente se aplicó al príncipe Guillermo V, quien adquirió la obra en 1766 en la subasta de la colección de Pieter de la Court en Leiden. Pagó por él la increíble suma de 7.350 florines, más de diez veces el precio de los cuadros de Anthony van Dyck o Jacob Jordaens.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala II título: “Retrato Anna Wake”, obra del pintor Anthony van Dyck (1599-1641), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1628. Tiene unas medidas de 112,5 x 99.3 cm.

En 1627, el comerciante de telas de Amberes, Peeter Stevens, hizo pintar su retrato por Anthony van Dyck. Cuando Stevens se casó un año después, le encargó a Van Dyck que también pintara este retrato de Anna. A la mujer la colocó a la izquierda, para que no le diera la espalda a Peeter. Pero en realidad la convención dictaba que el hombre debería colgar a la izquierda y la mujer a la derecha.

La mujer se muestra bellamente vestida y sosteniendo un abanico de plumas de avestruz en blanco y negro, se vuelve hacia su nuevo esposo mientras mira al espectador. Su representación a la derecha de su esposo, la posición de honor en la heráldica, es inusual para una mujer, pero puede explicarse por el hecho de que el retrato de Peeter Stevens fue pintado anteriormente como un trabajo independiente. A diferencia de Wake, se lo representa casi de frente, pero debido a que tanto su mirada como su guante izquierdo que se muestra de manera prominente apuntan hacia la izquierda, Van Dyck se vio obligado a colocar a Wake en su lado derecho.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala II título: “Apeles pintando a Campaspe”, obra del pintor Willem Van Haecht (1593-1637), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1630. Tiene unas medidas de 104.9 x 148.7 cm.

Se trata de una obra del gran pintor flamenco Willem van Haecht (1593-1637), uno de los que mejor supo plasmar dentro de un cuadro lo que podía ser una colección de arte del siglo XVII, una sala llena de pinturas, esculturas y dibujos.

Podemos ver de una galería imaginaria porque a pesar de que muchas de estas pinturas existen, no han sido parte de la misma colección.

Vemos sentado en el caballete en el primer plano a Apeles, pintor de la corte de Alejandro Magno (que viste una coraza). Apeles pinta el retrato de Campaspe, la amante más hermosa de Alejandro.

Al incluir en el cuadro un gran número de obras flamencas, van Haecht creó sin lugar a dudas una verdadera oda al arte de la pintura.

Esto crea la impresión de que Van Haecht se ha propuesto presentar una oda a la pintura flamenca. En este aspecto, el cuadro no difiere a primera vista de escenas similares de otros maestros flamencos como Jan Brueghel el Viejo (1568-1625) o David Teniers el Joven (1610-1690). En una inspección más detallada, sin embargo, esta escena resulta ser más compleja. En la parte inferior izquierda, Van Haecht ha representado un episodio de la historia de Apeles y Campaspe, relatada por Plinio el Viejo, entre otros. Apeles, pintor de la corte de Alejandro Magno, se enamora perdidamente cuando tiene que pintar a Campaspe, la concubina más bella del rey, desnuda como Venus. Alexander nota su mal de amores y le da a Campaspe como su esposa cuando el retrato está terminado. Apartándose de la tradición literaria y pictórica, Campaspe no aparece aquí desnudo. Otro de los inventos del propio Van Haecht es su representación de Campaspe posando como la más bella de tres deslumbrantes cortesanas. Como alusión a su belleza, una de las mujeres sostiene una estampa,El juicio de París de Marcantonio Raimondi después de Rafael. Así que el pintor se las ha ingeniado para inte. calar aquí otro cuento de la antigüedad. París tiene que elegir la más hermosa de las tres diosas: Juno, Minerva y Venus. Elige a Venus, que representa el amor sensual, el tipo de amor que consume a Apeles.

Dado que la historia de Apeles trata de un gobernante que trató a su pintor de la corte con el mayor respeto, es comprensible que siempre haya sido un tema popular entre los artistas. De hecho, Apeles se convirtió en la personificación del arte de la pintura. Los pintores del gremio de San Lucas de Amberes fueron elogiados en 1619 como "Estudiantes fieles al arte de Apeles". Y Rubens fue llamado "el Apeles de nuestra época" en la literatura artística del siglo XVII, porque también trabajó para príncipes y parecía tratar con ellos en igualdad de condiciones. El mundo de Rubens es sin duda una presencia muy fuerte en esta escena. Vemos sus propias pinturas en lugares destacados además de una gran cantidad de trabajos de sus alumnos y pintores mayores que admiraba. Numerosos detalles en la arquitectura de la Kunstkammer también hacen referencia al gran maestro de la pintura flamenca. Por ejemplo, mouseion de su casa en Amberes. Aquí estaban las esculturas antiguas que había adquirido en 1618, iluminadas por un óculo en la parte superior de la cúpula.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala II título: “Retrato Peeter Stevens”, obra del pintor Anthony van Dyck (1599-1641), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1627. Tiene unas medidas de 112,5 x 99.4 cm.

En 1627 un comerciante de telas de Amberes llamado Peeter Stevens encargó su retrato a Anthony van Dyck. Un año más tarde, cuando se casó, encargó a Van Dyck que pintara también a su esposa. Anna fue colocada a la izquierda para evitar que Stevens le diera la espalda, a pesar de que la convención establecida para los retratos de pareja era que el hombre colgara a la izquierda y la mujer a la derecha.

Después de Rubens, Van Dyck fue el retratista más importante de su época. Parte de su popularidad se debió a su habilidad para representar siempre a sus clientes algo más favorecidos y elegantes de lo que eran en realidad.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala II título: “Jugadores de damas”, obra del pintor Michael Sweerts (1618-1664), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1652. Tiene unas medidas de 48.6 x 38.1cm.

Dos niños están sentados en una habitación oscura jugando a las damas, mientras otros observan. Los chicos están vestidos a la última moda italiana y evidentemente pertenecen a la clase alta.

Michael Sweerts vino de Bruselas, pero realizó este cuadro en Roma, donde vivió algún tiempo. Muchas de sus pinturas tienen una atmósfera misteriosa, creada por los contrastes entre la luz y la oscuridad y, a menudo, por las situaciones poco claras que pintó.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala III título: “Anciana y niño con velas” obra del pintor Peter Paul Rubens (1577-1640), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1616-1617. Tiene unas medidas de 77 x 62.5 cm.

Se representa a una anciana que mira hacia adelante, protegiéndose los ojos de la luz de la vela, mientras tras ella un niño sujeta otra vela con la intención de encenderla. El panel evoca el estilo de Caravaggio, cuya obra Rubens había visto en Italia. Este estilo se caracteriza por sus extraordinarios efectos de luz y por un tosco naturalismo.

Rubens no pintó este cuadro para venderlo sino para su propio uso. Probablemente, lo utilizó como material de estudio para los aprendices que tenía en su taller.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala III título: “Naturaleza muerta con quesos, almendras y pretzels” obra del pintor Clara Peeters (1580-1621), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1621. Tiene unas medidas de 77 x 62.5 cm.

En este bodegón, se pone una mesa con quesos, galletas saladas e higos, junto con objetos costosos como una copa veneciana dorada y un plato chino. La pintora de Amberes Clara Peeters fue una de las primeras pintoras de bodegones de comida, y sus 'banketjes' o piezas para banquetes tuvieron una gran influencia en los pintores del norte de los Países Bajos.

Además de poner su firma en el cuchillo nupcial de plata, Peeters también se pintó a sí misma. En la tapa de peltre del jarro de barro se puede ver el reflejo de un rostro de mujer con un gorro blanco. Este es el autorretrato de Clara.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala III título: “Educación de la Virgen” obra de la pintora Michaelina Wautier (1617-1689), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1656. Tiene unas medidas de 147 x 124 cm.

Se conoce muy poco de su vida. Tan sólo que se instaló en Bruselas en 1643 junto con su hermano, el también pintor Charles Wautier (1609-1703), ya que Michaelina nunca contrajo matrimonio.

La mayoría de sus obras han sido erróneamente atribuidas tanto a su hermano como a otros artistas de su tiempo. Es el caso del cuadro "Santa Inés y Santa Dorotea" (c. 1650), atribuido durante tiempo al pintor barroco flamenco Thomas Willeboirts Bosschaert (1613-1645), que pertenece a la colección del Koninklik Museum vorr Schone Kunsten en Amberes.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala III título: “Guirnalda de frutas que rodea una representación de Cibeles recibiendo regalos de personificaciones de las cuatro estaciones”, obra de los pintores: Jam Brueghel I (1568-1625) y Hendrik van Balen (1574-1632), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1620-1622. Tiene unas medidas de 106.3 x 69.9cm.

El medallón del centro representa a Cibeles, la diosa de la Tierra y la Naturaleza. Alrededor del medallón cuelga una guirnalda de flores, verduras y frutas, un tributo a la diosa y una oda a la abundancia y la fertilidad.

Brueghel colaboró en esta pintura con Van Balen, quien se encargó de pintar el medallón. El propio Brueghel pintó la abundante guirnalda, las figuras circundantes y los numerosos animales. Pintó con un toque tan fino que lo llamaron Velvet Brueghel.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala III título: “Modelo para la Asunción de la Virgen”, obra del pintor Peter Paul Rubens (1577-1640), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1622-1625. Tiene unas medidas de 87.8 x 59.1 cm.

No estamos ante un cuadro acabado, sino ante un boceto pintado al óleo. Rubens lo hizo como ‘modelo' o proyecto para un enorme retablo de la Catedral de Nuestra Señora de Amberes, con el objetivo de mostrar sus intenciones al cliente.

Rubens representa el ascenso de la Virgen al cielo en un movimiento en forma de torbellino. Desde el sarcófago de piedra, la Virgen se eleva rodeada de una nube de ángeles hacia las alturas, donde será coronada. Las pinceladas rápidas y poderosas de Rubens añaden dinamismo a la escena.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala III título: “El día de San Sebastián”, obra del pintor Jacob Savery el Viejo (1565-1603), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1598. Tiene unas medidas de 41.2 x 61.9 cm.

La iglesia está rodeada de puestos y los aldeanos están de fiesta. Algunos están tomando una copa bajo el cobertizo de la casa amarilla, mientras que otros están sentados arriba junto a la ventana abierta, cortejando. El gran banderín que ondea en el asta de la bandera representa a San Sebastián, a quien está dedicada la feria.

Las ferias campesinas eran muy populares entre los pintores flamencos. Cuando Jacob Savery se mudó a Ámsterdam desde Flandes alrededor de 1590, el tema aún no era muy conocido allí. Savery fue uno de los pintores que introdujo el tema en Holanda.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala III título: “Interior cocina”, obra del pintor David Teniers el Joven (1610-1690), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1644. Tiene unas medidas de 55.5 x 77.5 cm.

Teniers descendía de una familia de artistas de Amberes. Pintó el interior de esta cocina en cobre; una base lisa sobre la que se puede pintar con todo lujo de detalles. La mujer que sueña despierta pelando manzanas es la esposa de Teniers, Anna Brueghel. Su hijo David sostiene el plato de manzanas peladas.

Sobre la mesa, destaca un pastel de cisnes con todo tipo de símbolos de amor: una guirnalda de rosas rojas y blancas y un escudo con un corazón en llamas y dos manos entrelazadas. Es posible que Teniers haya pensado en esta pintura como un tributo a Anna.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala III título: “La adoración de los pastores”, obra del pintor Jacob Jordaens (1593-1678), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1617. Tiene unas medidas de 125 x 95.7 cm.

María tiene en sus brazos a Jesús dormido, mostrándoselo a los pastores. El pintor ha hecho zoom, dándonos la sensación de que estamos en primera fila, en el mejor lugar para ver al niño. Y los reflejos en la jarra de latón brillante.

La pintura tiene elementos del estilo de Caravaggio, conocido por sus fuertes efectos de iluminación y naturalismo crudo. Sin embargo, el artista flamenco Jordaens nunca fue a Italia. Se introdujo en el caravaggismo a través de otros pintores, como Rubens.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala III título: “Feria del país”, obra del pintor David Vinckboons (1576-1632), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1629. Tiene unas medidas de 40.2 x 67.4 cm.

Una feria de un pueblo está en pleno apogeo. La gente está comiendo, bebiendo, bailando y besándose. A la izquierda, un hombre está vomitando, el desagradable efecto secundario del exceso de indulgencia.

A finales del siglo XVI, David Vinckboons se trasladó de Flandes a Ámsterdam, donde introdujo el tema de la feria rural en Holanda. Los campesinos de Vinckboons y sus humildes placeres eran motivo de diversión para los coleccionistas de la burguesía.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala III título: “El Triunfo de Roma”, obra del pintor Peter Paul Rubens (1577-1640), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1622-1625. Tiene unas medidas de 54 x 69 cm.

La patrona romana está sentada en un trono. A sus pies yace una loba amamantando gemelos, el símbolo de Roma. El joven emperador Constantino está de pie a la derecha con una armadura brillante.

Rubens realizó este boceto al óleo como uno de los diseños de una serie de tapices sobre el emperador Constantino, encargados por el rey francés Luis XIII. Este fue el único diseño que no se ejecutó en la serie.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala IV título: “Paisaje montañoso con san Jerónimo”, obra del pintor Paul Bril (1553-1626), realizado en óleo sobre cobre, está datado en 1592. Tiene unas medidas de 25.7 x 32.8 cm.

Cuando era un joven pintor, Paul Bril viajó de Amberes a Roma, donde se convirtió en el paisajista más influyente de su época. Bril pintó este paisaje sobre cobre, una base que se adapta excelentemente a la pintura de detalles finos.

A la izquierda vemos a San Jerónimo, que ora y hace penitencia en soledad. Es un paisaje imaginario, como los que pintaron los artistas flamencos en el siglo XVI. Los colores van desde el marrón, pasando por el verde hasta el azul, haciendo que el paisaje parezca extenderse hasta el infinito.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala IV título: “Paisaje imaginario con San Juan en Patmos”, obra del pintor Hans Bol (1534-1593), realizado en acuarela, está datado en 1564. Tiene unas medidas de 50.5 x 85.5 cm.

Este paisaje azul sirve de telón de fondo para una historia bíblica del libro del Apocalipsis: la visión de Juan, en la que ve a María y su hijo aparecer en el cielo. Pero aquí es el paisaje imaginario el que domina con su mar turbulento, montañas de cuento de hadas y puerto bullicioso. Y una infinita sensación de profundidad.

Esta pintura es uno de los primeros paisajes de gran formato. El pintor flamenco Hans Bol pintó este paisaje imaginario con acuarela sobre lino. Pinturas como esta son particularmente frágiles y pocas han resistido los estragos del tiempo.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala IV título: “El descenso de Cristo al limbo”, obra de los pintores: Jam Brueghel I (1568-1625) y Hans Rottenhammer (1564-1624), realizado en óleo sobre cobre, está datado en 1597. Tiene unas medidas de 26.5 x 35.5 cm.

Después de su muerte, se suponía que Cristo había descendido al inframundo para liberar a Adán y Eva, ya todos los justos, y llevarlos al cielo. Este descenso está representado aquí por Brueghel I y Rottenhammer, quienes a menudo trabajaron juntos.

El pequeño cuadro pertenecía a la familia de Orange, y formaba parte de la galería de pintura del estatúder Willem V. Más tarde acabó en el Mauritshuis.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala IV título: “La caída de Phaeton”, obra de los pintores: Hans Rottenhammer (1564-1624) y Paul Brill (1553-1626), realizado en óleo sobre cobre, está datado en 1604. Tiene unas medidas de 39 x 54.5 cm.

Los dioses en los cielos están en confusión. Phaeton ha llevado el carro solar de Apolo a dar un paseo, pero los caballos se están desbocando y están tirando del carro demasiado cerca de la tierra, esta se está calentando demasiado: los ríos se están secando, las plantas se están quemando y la gente se está sobrecalentando. La Madre Tierra, con el vestido naranja y verde, le ruega al dios supremo Zeus misericordia. Este último lanza un rayo hacia Phaeton para que se detenga.

El artista alemán Hans Rottenhammer pintó la escena sobre cobre, una base extremadamente suave que se presta bien a detalles finos y colores vivos.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala IV título: “Jarrón de flores”, obra del pintor Jan Brueghel I (1568-1625) realizado en óleo sobre madera, está datado en 1610-1615. Tiene unas medidas de 42 x 34.5 cm.

Jan Brueghel pinta con tal precisión que lo llamaron Velvet Brueghel. Fue el primer artista flamenco en pintar bodegones de flores, consiguiendo un gran éxito con ellos.

Este pequeño ramo compuesto principalmente de rosas y tulipanes se encuentra en un jarrón especial de porcelana china: un kendi o botella de agua china. Brueghel lo colocó frente a un fondo oscuro, sobre el que destacan muy bien las rosas, los narcisos y los tulipanes flameados.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala IV título: “Alquimista”, obra del pintor David Teniers II (1610-1690) realizado en óleo sobre madera, está datado en 1640-1650. Tiene unas medidas de 27.4 x 37.4 cm.

Este es el dominio de un alquimista; un científico que está tratando de hacer oro. Está revolviendo algo en un tazón, mientras sostiene un libro de referencia. El espacio está lleno de extrañas teteras, estufas y cristalería. El alquimista fue un tema popular en la pintura flamenca de los siglos XVI y XVII. Simboliza al hombre que despilfarra su dinero en asuntos fútiles y triviales y, por lo tanto, se reduce a la mendicidad.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala IV título: “Un hombre gordo”, obra del pintor Adrien Brouwer (1605-1638) realizado en óleo sobre madera, está datado en 1634-1637. Tiene unas medidas de 22.9 x 16.1cm.

Adriaen Brouwer a menudo retrataba a los campesinos como borrachos y matones. Y este hombre desaliñado con la mano en el jubón entre abierto, ciertamente no se ve en su mejor momento. Al fondo, apenas se divisa un paisaje de dunas y una pareja paseando a la izquierda. Brouwer aplicó la pintura muy finamente con pinceladas suaves y precisas.

Brouwer vino de Amberes, pero también trabajó en Haarlem y Ámsterdam durante un tiempo. Sus escenas cómicas influyeron en los pintores holandeses de la vida cotidiana.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala IV título: “Luchando contra los campesinos”, obra del pintor Adrien Brouwer (1605-1638) realizado en óleo sobre madera, está datado en 1625-1626. Tiene unas medidas de 25.8 x 34.2 cm.

El pintor flamenco Adriaen Brouwer vivió un tiempo en Ámsterdam y Haarlem, donde introdujo el género campesino. Sus escenas muestran caricaturas de la vida de campesinos y gente del campo, que los compradores holandeses respetables encontraron muy divertidas.

Fuera de una posada, unos campesinos juegan a las cartas. Estimulados por la bebida, los ánimos se han elevado a tal nivel que han comenzado a pelear entre sí.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala IV título: “Campesinos bailando fuera de una posada bohemia”, obra del pintor Rolant Savery (1576-1639) realizado en óleo sobre madera, está datado en 1610. Tiene unas medidas de 47 x 61 cm.

Afuera de una posada, las festividades están en pleno apogeo. La gente está comiendo, bebiendo, bailando y besándose. Hay juerguistas donde quiera que mires: en la sombra de la esquina inferior izquierda, dentro de la posada, extendiéndose a lo lejos. El pintor flamenco Roelant Savery pintó estas fiestas de pueblo con una técnica depurada y con colores llamativos y vivos. Ráfagas de ropa roja aparecen entre la multitud jubilosa.

Savery estaba siguiendo el ejemplo de su compatriota Pieter Brueghel el Viejo con esta representación, pero la posada y el paisaje no parecen particularmente flamencos. De hecho, Savery realizó esta obra durante su época como pintor de la corte del emperador Rodolfo II en Praga. La pintura de Van Dedem es una adición importante a la colección de piezas de género en el Mauritshuis.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala VI título: “La Virgen y el Niño”, obra del pintor Lucas Cranach el Viejo (1472-1553) realizado en óleo sobre madera, está datado en 1515-1520. Tiene unas medidas de 62.7 x 42 cm.

En la Edad Media y el Renacimiento se realizaron numerosos cuadros de la Virgen y su niño Jesús. Esta Madonna es del artista alemán Lucas Cranach. La pintó con un bello rostro redondo e idealizado y cabello largo y ondulado. Ella mira hacia adelante con bastante sumisión, mientras su hijo trata de arrancar una uva, un gesto notablemente juguetón. Dos querubines sostienen un paño a modo de baldaquino.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala VI título: “La Virgen y el Niño”, obra del pintor Quinten Massys (1465-1530) realizado en óleo sobre madera, está datado en 1525-1530. Tiene unas medidas de 75 x 63 cm.

La Virgen está sentada en un trono ricamente decorado con el niño Jesús. El niño tiene sus brazos alrededor del cuello de su madre y la está abrazando. La intimidad hogareña se combina con símbolos del cristianismo como la manzana y las uvas en primer plano. La manzana simboliza la caída del hombre, y el racimo de uvas representa la redención de Cristo.

Quinten Massys colocó a su Virgen en un trono renacentista adornado con columnas de mármol. Era una composición favorita: pintó varias versiones de ella.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala VI título: “Paisaje Boscoso”, obra del pintor Gerard David (1450-1523) realizado en óleo sobre madera, está datado en 1510-1515. Tiene unas medidas de 89.9 x 30.7 cm.

En estas dos escenas de bosque de Gerard David, toda la atención se centra en la naturaleza. No hay historia y no hay personas involucradas. Sin embargo, no son paisajes independientes, sino las alas de un retablo. Representan un texto bíblico que anuncia la venida del Mesías. Esto es lo que habría visto la congregación cuando se cerró el retablo. El interior habría representado el nacimiento de Cristo.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala VI título: “Descanso huida a Egipto”, obra del pintor Catharina van Hemessen (1528-1567) realizado en óleo sobre madera, está datado en 1544. Tiene unas medidas de 75 x 69.5 cm.

La pintora era hija de Jan van Hemessen, quien comenzó su aprendizaje en Amberes en 1519 y estuvo activo principalmente en Amberes, pero también en Haarlem, hasta alrededor de 1575. Alrededor de la época en que su hija estaba aprendiendo en 1545/1550, la suya era entre los principales talleres en Amberes.

Katharina van Hemessen es más conocida por sus retratos, pero también pintó obras religiosas, en las que aparentemente permaneció estilísticamente cercana a los precursores de su padre. Así, la coloración, la composición y la fina representación de los detalles del paisaje, los árboles y las plantas permiten fechar esta obra en 1544.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala VI título: “Tríptico con la Virgen y el Niño, el evangelista Juan y María Magdalena”, obra del pintor Jan Provoost (1464-1529) realizado en óleo sobre madera, está datado en 1520-1525. Tiene unas medidas de 44 x 30.5 cm.

En el centro de este tríptico se encuentra la Virgen María con el niño Jesús. El niño está sentado sobre un cojín de brocado de oro, amorosamente sostenido por su madre. Detrás de ellos hay un paisaje con un pueblo flamenco. El ala izquierda representa a Juan el evangelista y el ala derecha a María Magdalena.

El tríptico fue pintado por el artista flamenco Jan Provoost. También pintó las decoraciones del marco, que recuerdan las xilografías del artista alemán Albrecht Dürer.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala VI título: “La Virgen y el Niño”, obra del pintor Jan Gossaert (1478-1536) realizado en óleo sobre madera, está datado en 1520. Tiene unas medidas de 25.4 x 19.3 cm.

Jan Gossaert fue uno de los primeros artistas en introducir el estilo renacentista italiano en el norte de los Países Bajos. Este estilo se caracteriza por las formas clásicas del rostro de la Virgen y el convincente modelado de las formas del cuerpo y los ropajes. Esta pintura se centra en el tierno cuidado de una madre por su hijo. Están jugando al escondite con su velo.

Para el manto y el vestido azul de la Virgen, Gossaert usó la tabla de colores de azul ultramar, un pigmento costoso hecho de piedras semipreciosas molidas.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala VII título: “Retrato de Floris van Egmond”, obra del pintor Jan Gossaert (1478-1536) realizado en óleo sobre madera, está datado en 1520. Tiene unas medidas de 39.8 x 29.3 cm.

El retrato corresponde al personaje Floris van Egmond, Conde de Buren y Leerdam, y Señor de IJsselstein. Se convirtió en estatúder de Holanda, Zelanda y West-Friesland en 1518, y JanGossaert pintó este retrato al año siguiente. Gossaert prestó gran atención a la ropa de moda de Van Egmond de damasco blanco, brocado dorado y sable. La insignia de la Orden del Toisón de Oro, una prestigiosa orden de caballeros del emperador Habsburgo, cuelga de una cadena de terciopelo.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala VII título: “Retrato de un hombre, posiblemente de la familia Lespinette”, obra del pintor Hans Memling (1440-1494) realizado en óleo sobre madera, está datado en 1485-1490. Tiene unas medidas de 30.1 x 22.3 cm.

El artista de Brujas Hans Memling retrató a este hombre con gran detalle. Sus rizos oscuros, jubón forrado de piel y cicatriz en la nariz le dan una apariencia llamativa. Aunque desconocemos su identidad, debe ser un miembro de la familia Lespinette, de Francia, ya que su escudo de armas adorna el reverso del panel.

Memling fue uno de los pintores de Brujas más importantes del siglo XV. Fue el primer norteño en agregar paisajes a los retratos, lo que creó una gran profundidad en la pintura.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala VII título: “La Lamentación de Cristo”, obra del pintor Roger van de Weyden (1399-1464), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1464-1469. Tiene unas medidas de 80.6 x 130.1 cm.

El artista flamenco Van der Weyden utilizaba pintura al óleo, lo que le permitía trabajar con gran detallismo. Este retablo muestra a María, arrodillada junto al cuerpo sin vida de su hijo y llorando su muerte. Sus discípulos observan la escena afligidos y consternados, con los ojos llenos de lágrimas. La fuerte carga emotiva que desprende buscaba despertar la compasión de los fieles.

El obispo arrodillado y ataviado con el atuendo ceremonial es la única figura que no encaja en el conjunto: se trata del hombre que encargó este retablo que originalmente habría servido como retablo en su iglesia. Lamentablemente, aún no ha sido posible identificar al obispo. Se han hecho varias sugerencias, entre las cuales Pierre de Ranchicourt (1426?-1499) es el candidato más probable. Tal vez podría explicar por qué San Pedro está detrás del obispo: es su nombre santo. Si la identificación es correcta, la pintura no puede haber sido realizada antes de 1463, año en que Ranchicourt fue ordenado obispo de Arras. Dado que no se conocen retratos de este obispo, su identidad sigue siendo una pregunta abierta.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala VII título: “Retrato de un hombre”, obra del pintor Michel Sittow (1469-1525) realizado en óleo sobre madera, está datado en 1510. Tiene unas medidas de 35.9 x 25.9 cm.

Michel Sittowllegó procedente de Estonia. Se formó como pintor en Flandes, que era un importante centro de arte en esos días. Esta es una de las pocas pinturas que conocemos de Sittow, que probablemente realizó en su ciudad natal de Tallin. Pintó el rostro del hombre con gran detalle, con delicadas arrugas y una ligera barba. Las manos del hombre descansan en el borde de la pintura, dándole la apariencia de un alféizar de ventana, un truco que Sittow aprendió en Brujas de Hans Memling.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala VII título: “Retrato de Hendrik V, duque de Mecklenburg”, obra del pintor Jacopo de Barbari (1460-1516) realizado en óleo sobre madera, está datado en 1507. Tiene unas medidas de 59.3 x 37.5 cm.

Este retrato correspondió con el noble alemán Enrique de Mecklenburg fue pintado por el artista veneciano Jacopo de Barbari. La capa de Henry tiene un patrón de hachas de guerra y troncos de árboles. También hay un hacha colgando de su cadena. Sin embargo, el apodo de Henry era 'el Pacífico'. Su sombrero está decorado con plumas de avestruz, collares de perlas y cordones con anillos dorados. Aunque parece bastante excéntrico, el atuendo de Henry era el colmo de la moda entre la nobleza alemana de la época.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala VII título: “Retrato de Jane Seymour”, obra del pintor Hans Holbein II (1497-1543) realizado en óleo sobre madera, está datado en 1540. Tiene unas medidas de 26.4 x 18.7 cm.

Jane Seymour fue la tercera esposa del rey inglés Enrique VIII. Su ropa costosa está bordada con hilo de oro, y lleva un collar de perlas y un colgante de piedras preciosas alrededor de su cuello. Jane era la esposa favorita de Henry. Ella le dio a su tan esperado heredero varón al trono, aunque ella murió al dar a luz.

El pintor de la corte Hans Holbein pintó varios retratos de Jane Seymour, que sus alumnos copiaron. Pero esta pintura es tan buena que puede haber sido pintada por el propio Holbein.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala VII título: “Retrato de Robert Cheseman”, obra del pintor Hans Holbein II (1497-1543) realizado en óleo sobre madera, está datado en 1533. Tiene unas medidas de 58.8 x 62.8 cm.

La inscripción latina nos revela la identidad de este noble: Robert Cheseman, 48 años en 1533. Cheseman era el halconero mayor del rey inglés Enrique VIII, una posición de gran prestigio. Aquí le vemos acariciando con ternura el pájaro que reposa en su mano.

El artista alemán Hans Holbein pintó esta obra maestra poco después de haberse trasladado a Inglaterra de manera definitiva. Su extraordinaria técnica pictórica se aprecia especialmente en la intensidad de la mirada del sujeto, en el brillo del satén de sus mangas y en el pequeño cascabel de latón.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala VII título: “Retrato de un noble con halcón”, obra del pintor Hans Holbein II (1497-1543) realizado en óleo sobre madera, está datado en 1542. Tiene unas medidas de 24.6 x 18.8 cm.

Hans Holbein hizo retratos refinados que son buenos parecidos, sin desmerecer la dignidad de su tema. Esto hizo que sus pinturas fueran muy populares entre la aristocracia inglesa.

Según la inscripción, este hombre anónimo tiene 28 años. Su ropa fina y sus anillos de oro nos hacen pensar que pertenecía a las clases altas. Esto es confirmado además por el ave de rapiña.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala VII título: “Retrato de una mujer del sur de Alemania”, obra del pintor Hans Holbein El Joven (1497-1543) realizado en óleo sobre madera, está datado en 1520-1525. Tiene unas medidas de 45 x 34 cm.

El retrato nos muestra una mujer que lleva una blusa con cuello finamente plisada, esta mujer desconocida lleva una chaqueta forrada de piel (una 'Bürstlein'), que ha atado con un cordón rojo. En la cabeza, tiene un gorro y un velo bastante anticuados, como los que usan las mujeres de las ciudades del sur de Alemania. Su rostro pálido se destaca bien contra el fondo azul.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala VII título: “Santa Catalina y Santa Bárbara”, obra del pintor llamado Maestro de Frankfurt (1490-1520) realizado en óleo sobre madera, está datado en 1510-1520. Tienen unas medidas de 158.7 x 70.8 cm.

Catalina de Alejandría fue una de las santas más populares de finales de la Edad Media. Se la reconoce por sus instrumentos de tortura: la espada y la rueda que yace rota a sus pies. Aquí Catalina luce un magnífico vestido que ha sido pintado con meticuloso detalle. Igualmente detallada es la representación del campo circundante.

Esta pintura pertenece al panel que cuelga a la derecha. Santa Bárbara es reconocible por la torre donde su padre la encerró después de convertirse al cristianismo. Bárbara viste ropa colorida adornada con bordados dorados y magníficas joyas. En su mano sostiene una pluma de avestruz que le dio el Niño Jesús en una visión.

Juntos formaron los paneles laterales de un retablo que ahora se encuentra en Liverpool. El pintor es un artista anónimo de Ámberes conocido erróneamente como el Maestro de Frankfurt.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala VII título: “José explicando los sueños al panadero y el camarero”, obra del pintor Jan Mostaert (1497-1556) realizado en óleo sobre madera, está datado en 1500. Tiene unas medidas de 31.1 x 24.5 cm.

La Biblia cuenta la historia del encarcelamiento de José en Egipto, donde explicó los sueños de sus compañeros de prisión. Esta pintura muestra a José, vestido de rojo, explicando los sueños del panadero y el camarero del faraón. Sus sueños aparecen en burbujas de pensamiento sobre sus cabezas, como en una tira cómica moderna.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala VII título: “Retrato de un hombre con una medalla de Sansón”, obra del pintor Maestro del cuadro Medalla de Sansón, realizado en óleo sobre madera, está datado en 1515-1530. Tiene unas medidas de 33.8 x 24.4 cm.

Este hombre desconocido sostiene un clavel rojo entre el pulgar y el índice. Sus rasgos han sido pintados con firmeza, sin transiciones fluidas. Llama la atención el sombrero rojo con solapas y cintas negras. La medalla que brilla a la luz en la solapa delantera muestra a Sansón luchando contra el león.

Aunque se desconoce el nombre del pintor, fue posible fechar el retrato, ya que este tipo de sombrero se popularizó a partir de 1515.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala VII título: “Retrato de Steven van Herwijck”, obra del pintor Anthonis Mor Van Dashorst (1516-1575), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1515-1530. Tiene unas medidas de 118 x 89 cm.

El cuadro representa al personaje de Steven van Herwijck que nos mira con la mano elegantemente apoyada en la cadera. Su otra mano señala algunas piezas de joyería de oro sobre la mesa. Van Herwijck era fabricante de medallones y orfebre. Vino de Utrecht, pero luego trabajó en Amberes.

El retrato fue pintado por Anthonis Mor, quien también vivió en Utrecht y Amberes. Mor pintó retratos realistas, en los que a menudo representaba a sus patrocinadores en una vista de tres cuartos.

Las siguientes pinturas de la colección de obras de arte de la sala VII título: “Retrato de Elisabeth Bellinghausen y Jakob Omphalius”, obras del pintor Bartholomaus Bruyn el Viejo (1493-1555), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1538-1539. Tiene unas medidas de 31 x 21.5 cm.

En el período previo a su boda en 1539, Elisabeth Bellinghausen y Jakob Omphalius encargaron un díptico al pintor de Colonia Bartholomäus Bruyn el Viejo (1493-1555). Bruyn fue particularmente exitoso como retratista: toda una generación de dignatarios de Colonia hizo que pintara su retrato.

A fines del siglo XIX, los dos retratos se separaron: Elisabeth luego terminó en Mauritshuis, mientras que el paradero de Jakob permaneció desconocido. Cuando su retrato apareció en la casa de un marchante de arte, pudimos adquirirlo. Y reunió a la pareja.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala VIII título: “Niña junto a la silla alta”, obra del pintor Govert Flinck (1516-1660), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1640. Tiene unas medidas de 114.3 x 87.1 cm.

Una niña de unos tres años posa junto a una trona. Está muy bien vestida y lleva joyas de oro. Claramente, sus padres eran pudientes: podían permitirse el lujo de que Govert Flinck, uno de los mejores alumnos de Rembrandt, pintara el retrato de su hija.

En la silla alta hay algunos dulces hechos con azúcar de Brasil. Estos conectan el mundo de lujo de esta joven con la dura realidad de las personas que trabajan en las plantaciones de azúcar. Una realidad que muchas veces permaneció invisible en la República Holandesa y en la pintura holandesa.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala VIII título: “Interior de la Sala de Rembrandt en Mauritshuis”, obra del pintor Antoon François Heijligers (1828-1897), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1888. Tiene unas medidas de 47 x 59 cm.

Después de la muerte de Johan Maurits en 1679, el Mauritshuis tuvo varias funciones antes de convertirse en museo en 1822. La colección en sí provino del rey Willem I (1772-1843), de ahí el nombre oficial del museo: Royal Picture Gallery Mauritshuis.

El rey tuvo una influencia significativa en la política de adquisiciones del museo. Decretó, por ejemplo, que la Lección de anatomía de Rembrandt debería colgarse aquí. También compró el retrato de Johan Maurits de Jan de Baen, trayendo así al dueño de la casa de vuelta a casa.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala VIII título: “Retrato de María de Orange con Hendrik van Nassau-Zuylestein y un sirviente”, obra del pintor Jan Mijtens (1614-1670), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1665. Tiene unas medidas de 150 x 185.5 cm.

En primer plano a la izquierda se presenta la princesa María de Orange con su sobrino Hendrik a la izquierda y un segundo niño a la derecha. Su nombre es desconocido. Era uno de los sirvientes negros de la corte y presumiblemente WIC lo trajo a la República Holandesa cuando era niño, como un regalo para la princesa.

María era la séptima y la hija menor del estatúder Frederik Hendrik y Amalia van Solms. Mijtens la retrató poco antes de su matrimonio. La boda se celebró en Cleves, en la residencia de su tío favorito Johan Maurits.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala VIII título: “Retrato póstumo de María I Estuardo con un sirviente”, obra del pintor Adrien Hanneman (1604-1671), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1664. Tiene unas medidas de 129.5 x 119.3 cm.

La princesa inglesa Mary Stuart estaba casada con el magistrado holandés Willem II y murió con solo 29 años. Hanneman pintó este retrato póstumo un par de años después.

Mary está lista para un baile de disfraces y lleva un vestido blanco, un turbante de plumas de avestruz y una capa de plumas brasileñas. Su criado está atando un collar de perlas, pero María parece no darse cuenta. El niño negro se reduce a un accesorio exótico, con el que Hanneman enfatiza la piel blanca y la posición elevada de Mary.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala VIII título: “Retrato de Johan Maurits, Conde de Nassau-Siegen, Fundador de Mauritshuis”, obra del pintor Jan de Baen (1668-1670), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1668-1670. Tiene unas medidas de 151,5 x 114,5 cm.

Después de su regreso de Brasil, Johan Maurits fue nombrado magistrado de Cleves. Allí fue donde De Baen pintó este retrato, con el jardín de fondo que Johan Maurits había dispuesto allí.

El retrato irradia poder, exactamente como Johan Maurits quería ser recordado. Debía esta reputación en gran parte a su papel como gobernador del Brasil holandés, incluso si WIC lo había despedido por problemas financieros. Esta imagen unilateral significó que durante siglos se prestó poca atención al papel de Johan Maurits en el comercio de esclavos.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala VIII título: “Doble retrato de Constantijn Huygensy Suzanna van Baerle”, obra del pintor Jacob van Campen (1596-1657), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1635. Tiene unas medidas de 151,5 x 114,5 cm.

Constantijn Huygens y Suzanna van Baerle fueron los futuros vecinos de Johan Maurits aquí en Plein Square en La Haya. La pareja hizo pintar su retrato por Jacob van Campen, quien también diseñó el Mauritshuis. Huygens, Van Campen y el conde eran todos amigos.

En el siglo XVII, los retratos de matrimonio consistían principalmente en dos pinturas separadas, pero el retrato doble de Van Campen es una excepción a la regla. Pintó a Constantijn de perfil, mientras Suzanna se inclina hacia delante y nos mira.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XIII título: “La tumba de Guillermo el Silencioso en la Nieuwe Kerk de Delft”, obra del pintor Gerard Houckgeest (1600-1661), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1651. Tiene unas medidas de 56 x 38 cm.

En la Nieuwe Kerk, o Iglesia Nueva, de la ciudad de Delft, unos visitantes contemplan la tumba de Guillermo de Orange, el Padre de la Patria. Nuestra vista del monumento está obstruida por la gran columna blanca con grafitis del siglo XVII.

Houckgeest fue un importante innovador del interior de la iglesia holandesa. Fue el primer artista en representar los espacios utilizando una perspectiva diagonal, en lugar de a lo largo o a lo ancho, dando así a la escena un efecto más natural y accidental.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XVI título: “Marte y Venus sorprendidos por Vulcano”, obra del pintor Joachin Wtewael (1566-1638), realizado en óleo sobre cobre, está datado en 1601. Tiene unas medidas de 20.8 x 15.7 cm.

Esta pequeña obra meticulosamente pintada es un ejemplo típico del estilo manierista, que estaba de moda alrededor de 1600. El estilo se caracteriza por figuras desnudas en poses complejas y graciosas. Joachim Wtewael pintó esta obra en cobre liso, que se presta bien para pintar detalles finos.

La pintura representa el adulterio de Venus y Marte. El esposo de Venus, Vulcano, de pie de espaldas a nosotros a la izquierda, ha atrapado a la pareja en el acto y está exponiendo el engaño a los dioses que se han reunido alrededor.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XVI título: “Niño sonriendo”, obra del pintor Frans Hals (1582-1666), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1625. Tiene unas medidas de 30.45 cm de diámetro.

La imagen de este niño, con su contagiosa sonrisa, los ojos brillantes y el pelo desaliñado, no es un retrato sino un ‘tronie', un estudio de un niño risueño. Las figuras sonrientes son poco habituales, puesto que la risa es una de las expresiones más difíciles de capturar.

Esta es la risa más atractiva de la pintura holandesa del siglo XVII: la sonrisa cautivadora de un niño representada con pinceladas sueltas por Frans Hals. Sin inhibirse en lo más mínimo, el niño muestra sus dientes blancos que distan de ser perlados. También colocado en trazos rápidos, su cabello alborotado se suma a la exuberancia que irradia esta pintura. Tan contagiosa es su alegría, tanto para los espectadores modernos como, sin duda, también para los del siglo XVII, que es casi imposible no devolverle la risa.

El virtuoso Hals pintó al chico de manera directa y espontánea, utilizando pinceladas asombrosamente sueltas. Sin embargo, sabía exactamente lo que hacía. El puente de la nariz del niño, por ejemplo, está hecho de una sola pincelada, perfectamente colocada, en blanco.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XVI título: “Adoración de los pastores”, obra del pintor Jan de Bray (1627-1697), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1665. Tiene unas medidas de 63 x 48 cm.

En el establo de Belén, tres pastores se arrodillan adorando al niño Jesús recién nacido. María levanta las mantas para mostrar al Niño. La luz cálida y los colores tenues otorgan una atmósfera íntima a la pintura, que se refleja en los gestos amorosos de las figuras.

Jan de Bray formado como pintor presumiblemente con su padre, el trabajo más temprano que se le conoce es un dibujo fechado en 1648. Entre 1663 y 1664 sus padres fallecieron a causa de la peste y cuatro de sus hermanos. A partir de 1667, cuando desempeñó el cargo de vinder o administrador, ocupó diversos puestos de responsabilidad en la guilda de San Lucas de Haarlem, de la que fue decano por última vez en el curso 1684-1685. Estuvo casado tres veces, con mujeres de elevada posición social y se vio envuelto en pleitos con sus respectivas familias por las herencias.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XVI título: “Escena en el hielo”, obra del pintor Hendrick Avercamp (1585-1634), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1610. Tiene unas medidas de 36 x 71 cm.

Esta obra muestra un fenómeno típicamente holandés: diversión sobre el hielo. Vemos a gente patinando, yendo en trineo y jugando a un juego denominado ‘kolf', una especie de hockey sobre hielo. A la izquierda, el hielo se ha resquebrajado y algunas personas han caído al agua, pero ya hay quien acude a socorrerlas. Y justo delante del puente, una mujer se ha caído, dejando su trasero al descubierto.

Avercamp fue el primer pintor del norte de los Países Bajos que se especializó en paisajes invernales. Vivió la mayor parte de su vida en la ciudad de Kampen y era sordomudo, por lo que se le conocía como “el mudo de Kampen”.

El pintor tenía un gran sentido para el detalle anecdótico, ha pintado numerosas figuritas, cuyas vestimentas meticulosamente realizadas muestran que pertenecen a todos los sectores de la sociedad. En primer plano, llama la atención un patinador elegantemente vestido con un sombrero de copa emplumado. Las parejas se deslizan sobre el hielo de la mano, se está jugando un juego de kolf, un precursor del hockey sobre hielo, una mujer está lavando la ropa en un agujero en el hielo cerca de un bote de remos medio sumergido y un hombre está cortando leña en el banco a la derecha. Las nalgas desnudas expuestas bajo las faldas de la mujer que ha resbalado en el hielo aportan un detalle divertido. Pero Avercamp también está atento a los peligros de esta recreación invernal: cuatro personas han caído a través del hielo cerca de la orilla izquierda. Otros vienen en su ayuda con una escalera. El puente levadizo marca la transición a la extensa escena de hielo que se extiende en la distancia, donde la silueta de una ciudad se destaca contra el horizonte.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XVI título: “Vista de Oudezijds Voorburgwal con Oude Kerk en Amsterdam”, obra del pintor Jan Van der Heyden (1637-1712), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1670. Tiene unas medidas de 41.4 x 52.3 cm.

Aunque Jan van der Heyden pasó a la historia como el inventor del camión de bomberos y la farola, fue principalmente un pintor de paisajes urbanos holandeses. Aquí ha registrado la parte más antigua de Ámsterdam: la Oude Kerk, o Iglesia Vieja, en el canal Oudezijds Voorburgwal.

Van der Heyden pintó los detalles de los edificios con notable precisión. Las figuras que dan vida al paisaje urbano probablemente fueron añadidas por Adriaen van de Velde, a quien Van der Heyden contrató a menudo para tales tareas.

La escena de la ciudad fue pintada del natural, Van der Heyden se tomó algunas libertades. En realidad, el campanario es más alto y delgado y el canal es un poco más estrecho. El minucioso detalle, en el que podemos distinguir los ladrillos separados en las fachadas, es característico de su estilo pictórico.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XVI título: “Retrato de Wolfert van Brederode”, obra del pintor Jan Mitjens (1614-1670), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1663. Tiene unas medidas de 106.5 x 85.5 cm.

Wolfert van Brederode tenía unos catorce años cuando Mijtens, el pintor de la corte de La Haya, pintó su retrato. Provenía de una antigua familia noble y era sobrino del estatúder. Wolfert viste un uniforme de soldado romano, que es una referencia a su posición militar. Aunque era inusualmente joven, ya dirigía una compañía de caballería.

El cuadro destaca por sus atuendos fantaseados, refiriéndose a la ropa usada en el pasado distante. Este tipo de ropa imaginaria no pasó de moda; el aura 'antiguo' que exudaba le daba al retrato una cierta atemporalidad. El escenario tampoco recuerda en modo alguno un paisaje holandés. Wolfert y su familia vivían en La Haya, en el elegante barrio de Korte Voorhout, del que no se puede detectar ni rastro en el retrato. Mijtens colocó a Wolfert en un paisaje italiano. Se para frente a una roca, como si estuviera a punto de entrar en una cueva, mientras que detrás de él se despliega una vista de un paisaje bañado por el sol con un edificio clásico.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XVI título: “Retrato de un niño de seis años”, obra del pintor Jan de Bray (1617-1697), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1654. Tiene unas medidas de 59.5 x 47 cm.

La apariencia de este niño de seis años es cualquier cosa menos infantil. Viste la ropa de un hombre adulto y nos mira con una mirada solemne. Pero sobre todo es el hecho de que nos mira desde arriba lo que le hace parecer mayor de lo que es. Esto le da un aire heroico bastante en desacuerdo con su juventud.

Se desconoce la identidad del niño. Sus padres probablemente procedían de Haarlem, como el pintor Jan de Bray. El pintor pertenecía a una famosa familia de pintores de Haarlem y vivió y trabajó en su ciudad natal durante la mayor parte de su vida.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XVI título: “Retrato de una pareja casada”, obra del pintor Pieter Codde (1599-1678), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1634. Tiene unas medidas de 43 x 35 cm.

Pieter Codde solía pintar reuniones sofisticadas en interiores más bien espartanos. Aquí aplicó esa misma fórmula a su retrato de cuerpo entero de un joven marido y mujer. Están cerca uno del otro, tomados de la mano, y lo más probable es que se hayan casado recientemente. Visten sus mejores atuendos con collares de moda y joyas costosas. Codde capturó la opulencia de su ropa con meticuloso detalle, hasta el anillo de bodas en el dedo índice de la mujer.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XIII título: “Merry Company con bailarines enmascarados”, obra del pintor Pieter Codde (1599-1678), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1636. Tiene unas medidas de 50 x 76.5 cm.

Las escenas de jóvenes elegantes y juerguistas -'compañías alegres'- eran muy populares a principios del siglo XVII. El artista de Ámsterdam Pieter Codde es uno de los pintores que se especializó en este género.

En esta alegre compañía, la gente come, bebe y hace música. En medio de la sala, una mujer con un elegante vestido negro baila con un hombre que lleva una máscara veneciana y un disfraz de tonto. Sus dos compañeros de la izquierda también están enmascarados.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XIII título: “Deambulatorio de la iglesia de Nieuwe Kerk en Delft, con la Tumba de Guillermo el Silencioso”, obra del pintor Gerard Houckgeest (1600-1661), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1651. Tiene unas medidas de 65.5 x 77.5 cm.

Esta pintura muestra la arquitctura de la Nieuwe Kerk, o Iglesia Nueva, en la ciudad de Delft es una verdadera hazaña en perspectiva. Estamos de pie en el pasillo del coro, detrás de la tumba de Guillermo de Orange. Tenemos un amplio campo de visión: a la izquierda está la nave de la iglesia y a la derecha la curva del deambulatorio. Para representar esto, Houckgeest utilizó una construcción de perspectiva compleja, llamada "perspectiva diagonal". Obviamente, le resultó difícil, ya que los mosaicos en blanco y negro de la derecha están ligeramente distorsionados.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XIII título: “Teágenes recibiendo la Palma de Honor de manos de Cariclea”, obra del pintor Abraham Bloemaert (1566-1651), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1626. Tiene unas medidas de 157.2 x 157.7 cm.

El magistrado Frederik Hendrik y su esposa Amalia van Solms encargaron una serie de pinturas de temas clásicos a Abraham Bloemaert. Este es uno de ellos. Hizo esta gran pintura de colores brillantes para su pabellón de caza, el Palacio Honselaarsdijk.

El cuadro muestra a Theagenes ganando una carrera en la ciudad griega de Delfos. Está recibiendo la palma de honor de manos de Chariclea y besándole la mano, momento en el que la pareja se enamora espontáneamente. La historia es una referencia al amor entre Frederik Hendrik y Amalia.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XIII título: “Mujer despiojando un niño”, obra del pintor Garard ter Borch (1617-1681), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1652-1653. Tiene unas medidas de 33.2 x 28.7 cm.

Una madre peina cuidadosamente a su hijo para detectar la presencia de posibles piojos. El niño aguanta estoicamente la inspección. Ter Borch pintó muchas de estas escenas de género, en las que los personajes principales están totalmente absortos en lo que están haciendo.

Es probable que Mujer despiojando un niño lleve implícito un mensaje moral, puesto que los cuidados maternales, el orden y la limpieza eran las cualidades ideales de una buena ama de casa. En el siglo XVII, la lendrera representaba tanto una buena higiene como pureza de carácter.

La mujer se inclina hacia adelante para inspeccionar el cabello del niño, mientras él se inclina hacia atrás contra sus rodillas. Mirando soñadoramente con el rabillo del ojo, el niño espera pacientemente a que la mujer termine, para darle un mordisco a la manzana que tiene en sus manos. Antes de la existencia de productos de higiene personal, el peinado regular del cabello era vital para un buen aseo personal. Había un gran riesgo entonces de que los niños pequeños contrajeran piojos, por lo que las madres inspeccionaban cuidadosamente el cuero cabelludo de sus hijos como una cuestión de rutina.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala IX título: “La predicación de San Juan Bautista”, obra del pintor Pieter Lastman (15893-1633), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1627. Tiene unas medidas de 60 x 92 cm.

Una abigarrada multitud de personas se han reunido en torno a Juan Bautista, que con los brazos abiertos anuncia la venida del Mesías. Su audiencia está pendiente de cada una de sus palabras: uno de los jóvenes sentados en la roca a la izquierda incluso hace un gesto a sus amigos para que se callen.

Pieter Lastman se especializó en piezas de historia como esta, que representaba historias de la Biblia o de la antigüedad clásica. Al colocar las figuras en primer plano a la luz del sol y las figuras en el medio a la sombra, creó una sensación de profundidad en la multitud apretada.

Hoy, Lastman es conocido principalmente como el maestro más influyente de Rembrandt. Rembrandt estudió con Lastman entre 1625 y 1626 para aprender los principios de la pintura de historia.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala IX título: “La liberación de Pedro”, obra del pintor Hendrick ter Brugghen (1588-1629), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1624. Tiene unas medidas de 104.5 x 86.5 cm.

El pintor interpreta la historia bíblica de la liberación de San Pedro de la prisión. El ángel lo despierta y señala hacia arriba, como diciendo que Dios lo ha enviado. San Pedro parece alarmado y cruza las manos encadenadas.

Ter Brugghen creó una pintura muy poderosa, con fuertes contrastes entre la luz y la oscuridad, y expresiones faciales expresivas. También mostró las dos figuras muy de cerca. Ter Brugghen había copiado este estilo del pintor italiano Caravaggio, cuya obra había visto en Roma.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala IX título: “La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp”, obra del pintor Rembrant van Rijn (1606-1669), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1632. Tiene unas medidas de 169.5 x 216.5 cm.

Es el primer retrato de grupo pintado por Rembrandt, que tenía entonces 26 años. Fue un encargo del potente gremio de los cirujanos, de los cuales Tulp, famoso médico de Ámsterdam, era un representante eminente. Un cuadro de similares características fue pintado por Thomas de Keyser en 1619.

En 1828 se decidió la venta pública de este cuadro en favor de la caja de las viudas de cirujanos. El rey Guillermo I impidió esta venta y ordenó comprar esta obra maestra para su «gabinete real de pinturas».

El cuadro muestra una lección de anatomía impartida por el doctor Nicolaes Tulp a un grupo de cirujanos. El doctor está representado explicando la musculatura del brazo a profesionales de la medicina. El cadáver pertenece al criminal Aris Kindt (Adriaan Adriaanszoon), de 41 años, ahorcado ese mismo día por robo a mano armada. Algunos de los espectadores son varios patrones que pagaban comisiones por ser incluidos en la pintura.

El evento puede fecharse el 16 de enero de 1632: la cofradía de cirujanos de Ámsterdam, de la que Tulp era el anatomista oficial de la ciudad, permitía solo una disección pública al año, en invierno, para mejor conservación del cuerpo, y este tenía que ser de un criminal ejecutado. Por ello, las clases de anatomía con disección fueron en el siglo xvii actos poco frecuentes y espectaculares, hasta el punto de convertirse en acontecimientos sociales. Tenían lugar en salas de conferencias que eran realmente teatros; en este caso era el Waag, un «teatro de anatomía». Podían asistir a la lección estudiantes, colegas y el público en general, a cambio del pago de la entrada. Los espectadores están vestidos de manera adecuada a una ocasión social tan solemne. Se piensa que, con la excepción de las figuras del fondo y la izquierda, estas personas fueron añadidas a la pintura más tarde.

Además de Nicolaes Tulp están representados también los cirujanos Jacob Blok, Hartman Hartmanszoon, Adraen Slabran, Jacob de Witt, Mathijs Kalkoen, Jacob Koolvelt y Frans Van Loenen. Sus nombres están en la lista que uno de ellos tiene en su mano.

Este cuadro de Rembrandt fue restaurado varias veces y en vida del pintor sufrió varios cambios que pueden observarse en estudios por rayos X. Se pueden observar dos datos médicos interesantes: el brazo diseccionado es más largo que el derecho, por lo que se supone que el modelo es de otro «paciente». Adolece también de un error anatómico, pues el músculo flexor superficial no se inserta en el húmero, en el sitio donde fue pintado. También la mano derecha es distinta y se supone que fue pintada después, de otro modelo.

Falta una persona: el preparador, cuya tarea es preparar el cuerpo para la lección. En el siglo XVII un científico importante como el doctor Tulp no se involucraba en la tarea menor y sangrienta de la disección, y tales tareas se dejaban a otros. Es por esta razón que la pintura no muestra instrumentos con los que cortar. En lugar de ello se ve en la esquina inferior derecha un enorme libro de texto abierto, sobre anatomía, posiblemente el de 1543 De Humani corporis fabrica (De la estructura del cuerpo humano), de Andrés Vesalio.

Especialistas modernos han comentado la exactitud de los músculos y los tendones pintados por un Rembrandt de 26 años. No se sabe dónde obtuvo tal conocimiento; es posible que copiara los detalles de un libro de texto de anatomía.

El cadáver está tumbado al estilo de Cristo muerto, con lividez cadavérica. La cara del cadáver queda parcialmente en sombra, sugiriendo la umbra mortis (sombra de la muerte), una técnica que Rembrandt utilizaría con frecuencia.

Esta obra está firmada y datada en la esquina superior derecha: REMBRANDT. F[ecit]:1632. Es el primer caso conocido en el que Rembrandt firmaba un cuadro con su nombre de pila en lugar de las iniciales RHL (Rembrandt Harmenszoon de Leiden), y esto es un signo de su creciente confianza artística.

En 2006, en el diario neerlandés de medicina, el Nederlands Tijdschrift voor Geneeskunde, aparece un artículo en el cual la lección de anatomía de Nicolaes Tulp fue a su vez objeto de una «disección». La disposición anatómica, tal como se presenta sobre el cuadro, no parece exacta.

Es cierto en todo caso que, si toda lección de anatomía comienza sistemáticamente por una evisceración, ésta de Rembrandt, que se concentra en el movimiento de los dedos y la anatomía de la mano oculta un profundo misterio.

El cuadro presenta a todos aquello de lo que se trataba por entonces en el mundo del conocimiento y de los saberes: el movimiento. Movimiento del alma (Descartes, entonces exiliado en Holanda), movimiento de los planetas (Galileo está en pleno pleito en Italia), y también el movimiento del cuerpo.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala IX título: “Retrato de Loef Vredericx como alférez”, obra del pintor Thomas de Keyser (1596-1667), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1626. Tiene unas medidas de 92.5 x 69 cm.

En su vida cotidiana, Loef Vredericx era platero, pero aquí se le retrata en el honorable puesto de alférez de la milicia cívica de Ámsterdam. Loef orgullosamente hizo pintar su retrato en esta oficina por Thomas de Keyser, el retratista más célebre en Ámsterdam en ese momento. Loef viste el traje de un tirador con una faja verde alrededor de la cintura, un gorjal de hierro y un estoque al costado. El estandarte lleva el león holandés y el texto 'Pro Patria', por la patria.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala IX título: “El Violinista”, obra del pintor Gerrit van Honthorst (1592-1656), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1626. Tiene unas medidas de 92.5 x 69 cm.

El pintor que era natural de Utrecht, Van Honthorst vivió un tiempo en Roma, donde fue influenciado por la obra de Caravaggio. Causó sensación con sus pinturas nocturnas, lo que le dio el sobrenombre de 'Gherardo delle Notti', Gerrit de las Noches. Pero también pintó figuras alegres, como esta seductora joven.

Van Honthorst fue uno de los caravaggistas de Utrecht, y su estilo moderno y dramático tuvo una gran influencia en la pintura holandesa. Cuando se convirtió en pintor de la corte del estatúder Frederik Hendrik, su estilo se volvió gradualmente más delicado.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala IX título: “Rostro de un hombre con una boina emplumada”, obra del pintor Rembrant van Rijn (1606-1669), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1635-1640. Tiene unas medidas de 62.5 x 47 cm.

Un hombre gira la cabeza hacia la derecha y nos mira por encima del hombro. Está vestido llamativamente con una boina emplumada y una capa con bordados dorados. La luz cae intensamente sobre su rostro y arroja un hermoso brillo sobre su gorguera de metal.

La pintura no es un retrato, sino un 'tronie' o boceto de un personaje. En este caso se trata de un soldado, que va vestido a la antigua. Rembrandt no firmó el cuadro RHL (Rembrandt Harmenszoon Leydensis), como lo había hecho durante mucho tiempo antes, sino solo con su nombre de pila.

Se trata de retratos, normalmente de pequeño tamaño y de rasgos más o menos personales, en los que la figura resulta llamativa por la exageración de su expresión facial o por sus bellas facciones, sombrero, etc. Aunque el tronie típico mostraba un retrato de una persona de medio cuerpo o de busto, no solían realizarse con intención retratista, sino más bien para mostrar las dotes artísticas del pintor y su maestría a la hora de captar gestos grotescos, muchas veces, y expresiones inusuales. Por lo tanto, raro es el caso de tronies en los que se conoce el nombre del comitente.

Los tronies transmitían diferentes significados y valores a sus espectadores. Los tronies encarnaban nociones abstractas como la fugacidad de la vida, la juventud y la vejez, pero también podían funcionar como ejemplos positivos o negativos de cualidades humanas, como la sabiduría, la fuerza, la piedad, la locura o la impulsividad. Estas obras eran muy populares en los Países Bajos y Flandes y se producían como obras independientes para el mercado libre

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala IX título: “El hombre que ríe”, obra del pintor Rembrant van Rijn (1606-1669), realizado en óleo sobre plancha de cobre, está datado en 1629-1630. Tiene unas medidas de 15.3 x 12.2 cm.

El cuadro representa un Tronie donde se representa al personaje con los ojos brillantes y las cejas arqueadas, un hombre muestra sus dientes torcidos en una carcajada cordial. Este no es un retrato, sino un estudio de carácter o 'tronie' de un hombre que ríe. Rembrandt lo pintó mientras vivía en Leiden y todavía tenía un estilo muy suave. Así que es notable que pintó esta cabeza con pinceladas increíblemente sueltas, el estilo por el que más tarde se hizo famoso. En algunos lugares, Rembrandt rascó la pintura húmeda para revelar la base: una placa de cobre cubierta con pan de oro.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala IX título: “Susana”, obra del pintor Rembrant van Rijn (1606-1669), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1636. Tiene unas medidas de 47.4 x 38.6 cm.

Susanna está a punto de bañarse, cuando dos ancianos aparecen entre los arbustos. Ella mira hacia arriba alarmada: los hombres detrás de ella a la derecha apenas son visibles en la oscuridad. Intentan obligar a Susanna a tener relaciones sexuales con ellos, amenazando con difundir calumnias sobre ella.

Rembrandt retrató a Susanna a plena luz, lo que la hace parecer aún más vulnerable en su desnudez. No pintó una mujer idealizada, sino una de carne y hueso. Todavía se puede ver la impresión dejada en sus pantorrillas por sus medias.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala IX título: “Andromeda”, obra del pintor Rembrant van Rijn (1606-1669), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1630. Tiene unas medidas de 34 x 24.5 cm.

Según la mitología griega, la princesa Andrómeda tuvo que ser sacrificada para salvar su tierra de un voraz monstruo marino. Después de que fue encadenada a una roca esperando su destino, fue rescatada por el héroe griego Perseo.

En lugar de pintar toda la historia, Rembrandt solo representó a la aterrorizada Andrómeda. Hacer de la emoción el motivo principal de la escena, es característico de la obra de Rembrandt. El naturalismo con el que pintó el cuerpo desnudo está muy alejado de los ideales clásicos de belleza.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala IX título: “La canción de alabanza de Simeón”, obra del pintor Rembrant van Rijn (1606-1669), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1631. Tiene unas medidas de 60.9 x 47.9 cm.

José y María han ido al templo para presentar a Jesús recién nacido ante Dios. En el templo, Simeón reconoce en el niño al esperado Mesías. El anciano toma al pequeño en sus brazos y entona un canto de alabanza. La luz divina que baña a Simeón parece emanar del propio infante.

Rembrandt pintó esta escena con veinticinco años, cuando aún vivía en Leiden. Ese mismo año se trasladaría a Ámsterdam, donde sus obras adoptaron dimensiones mucho más grandes y empezó a pintar retratos.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala IX título: “Retrato de Jacob Olycan”, obra del pintor Frans Hals (1582-1666), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1625. Tiene unas medidas de 124.8 x 97.5 cm.

Jacob Olycan era un rico cervecero de Haarlem. Cuando se casó con Aletta Hanemans, la pareja se hizo retratar por el mejor retratista de la ciudad: Frans Hals. Hizo dos pinturas: el novio a la izquierda y la novia a la derecha, completamente en línea con la convención del día.

Olycan, de 29 años, nos mira con la mano en la cadera desde arriba e irradia orgullo y desparpajo. Lleva un elegante traje negro brillante y un magnífico collar de encaje blanco que están pintados con gran precisión.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala IX título: “Retrato de Aletta Hanemans” obra del pintor Frans Hals (1582-1666), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1625. Tiene unas medidas de 123.8 x 98.3 cm.

Aletta Hanemans tenía 19 años cuando se casó y Frans Hals le pintó este retrato. El retrato del novio, Jacob Olycan, cuelga a la izquierda. Hals era un experto en el arte de la caracterización y estaba considerado como el mejor retratista de Haarlem.

Hals es famoso por sus pinceladas amplias y libres. Pero aquí su pintura es más fina, por ejemplo en el 'estomago de novia' bordado en oro. Para este encargo de retrato, Hals pudo haber tenido menos libertad, teniendo que concentrarse más en lograr una buena semejanza.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala X título: “Retrato de un hombre” obra del pintor Frans Hals (1582-1666), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1660. Tiene unas medidas de 31.1 x 25.5 cm.

En la primera mitad del siglo XVII, Frans Hals fue el principal retratista de Haarlem. Trabajó hasta una edad avanzada, probablemente debido a problemas financieros. Este impresionante retrato, por ejemplo, fue pintado cuando tenía unos ochenta años.

En ese momento, Hals trabajaba con más libertad que nunca y retrató al hombre con pinceladas amplias y rápidas. Los destellos de luz en los ojos oscuros y los labios móviles dan personalidad y viveza al retrato.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala X título: “Retrato de un niño en gris” obra del pintor Jacob Adriaensz Backer (1608-1651), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1634. Tiene unas medidas de 94.2 x 70.8 cm.

Este retrato es notable, principalmente porque Backer lo ha pintado con una paleta muy limitada de tonos grises en su mayoría. Usó un poco de pintura roja solo para las mejillas y los labios. Otra característica notable es que el niño nos mira desde arriba, lo que no suele ser el caso en los retratos de niños.

El niño anónimo viste la ropa de un hombre adulto. Esto era normal en esos días para los niños a partir de los siete años. Se ha echado la capa al hombro, como un elegante caballero.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala X título: “Autorretrato”, obra del pintor Rembrant van Rijn (1606-1669), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1669. Tiene unas medidas de 65.4 x 60.2 cm.

Ningún artista del siglo XVII llegó a realizar tantos autorretratos como Rembrandt. Este data de 1669, el año en que murió el artista, por lo que posiblemente sea el último que pintó. La expresiva libertad de estilo demuestra que Rembrandt no sentía agotamiento alguno al final de su vida. Las enérgicas pinceladas con las que pintó el rostro son extraordinarias. Con gruesas capas de pintura que parecen casi modeladas, Rembrandt quiere presentarnos a un hombre de carne y hueso. Estamos ante una verdadera obra maestra.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala X título: “Retrato de un anciano”, obra del pintor Rembrant van Rijn (1606-1669), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1667. Tiene unas medidas de 81.9 x 67.7 cm.

Este hombre parece encontrarse a gusto y relajado: lleva la chaqueta abierta, el cuello desabrochado y el sombrero ligeramente ladeado. Se trata de una pose inusual, puesto que todo el mundo quiere mostrar su mejor aspecto cuando posa para un retrato. Es posible que fuera un conocido de Rembrandt y que el retrato no fuera un encargo formal.

No obstante, es un retrato de gran virtuosismo en el que Rembrandt sabía muy bien lo que hacía. En algunos lugares ha utilizado la espátula y en otros ha rascado la pintura húmeda con el mango del pincel. Así es como insinúa los cabellos grises que asoman por debajo del sombrero.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala X título: “Canción de alabanza de Simeón”, obra del pintor Arent de Gelder (1645-1727), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1700. Tiene unas medidas de 94.5 x 107.5 cm.

Hacia 1662, Arent de Gelder fue el último alumno de Rembrandt, quien le enseñó a pintar con pinceladas amplias, colores oscuros y fuertes acentos luminosos. De Gelder continuó trabajando en este estilo, incluso cuando se pusieron de moda un toque más fino y colores más claros.

De Gelder tenía preferencia por las escenas bíblicas, como la historia del anciano Simeón, que estalla en un canto de alabanza cuando reconoce al pequeño Jesús como su Mesías. El niño en sus brazos parece ser la fuente de la luz divina.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala X título: “Homero”, obra del pintor Rembrant van Rijn (1606-1669), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1663. Tiene unas medidas de 107 x 82 cm.

Rembrandt usó pinceladas amplias para pintar la cabeza del poeta griego Homero. Su túnica de color amarillo dorado brilla a la luz, donde Rembrandt aplicó la pintura de manera muy efectiva con una espátula. La pintura fue encargada por el noble siciliano Antonio Ruffo. Originalmente, también se podía ver al escriba al que el ciego Homero le dictaba sus versos. Pero esta parte se perdió en un incendio. En la parte inferior derecha, aún puede ver dos dedos sosteniendo un bolígrafo y una hoja de papel.

a siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala X título: “Saúl y David”, obra del pintor Rembrant van Rijn (1606-1669), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1650. Tiene unas medidas de 130 x 164.5 cm.

Si esta pintura era un Rembrandt genuino estuvo en duda durante muchos años. Como resultado, ha sido objeto de una extensa investigación y tratamiento de conservación en los últimos años. Ahora está nuevamente en exhibición y el veredicto es: Saúl y David es de hecho un Rembrandt.

El rey bíblico Saúl sufre episodios de depresión y es aliviada por el joven David que toca el arpa para él. En un detalle particularmente llamativo, Saúl seca sus lágrimas sobre la cortina. Pero Saúl pronto se enfurecerá y arrojará su lanza a David.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala X título: “Dos hombres africanos”, obra del pintor Rembrant van Rijn (1606-1669), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1661. Tiene unas medidas de 77.8 x 64.4 cm.

En los holandeses del siglo XVII, los africanos solían representarse como figuras secundarias: por ejemplo, como individuos esclavizados aparte en una escena bíblica. Pero aquí Rembrandt los ha convertido en el tema principal; presumiblemente, estos eran hombres libres que vivían en Ámsterdam.

Rembrandt pintó a los hombres en capas muy finas de pintura. Aunque representó sus rostros, como el chal blanco, con gran detalle, muchas otras partes solo están pintadas de forma esquemática. El cuadro parece un estudio inacabado, pero el artista lo firmó: Rembrandt f 1661 – realizado por Rembrandt en 1661.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala X título: “Una anciana sangrando a una joven, conocida como 'La sangría'”, obra del pintor Quiringh van Brekelenkam (1622-1669), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1660. Tiene unas medidas de 47.9x 36.7 cm.

Brekelenkam se especializó en el tema de la gente común que se ocupa de sus asuntos diarios. Aquí, pintó a una anciana sangrando a una mujer más joven. Ella está usando tazas de cerámica calentadas, razón por la cual se la llama 'copa'. Se suponía que el sangrado ayudaría a prevenir abortos espontáneos, por lo que la joven podría estar embarazada.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala X título: “Niño soplando burbujas”, obra del pintor Caspar Netscher (1635-1684), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1670. Tiene unas medidas de 11.2 x 8.4 cm.

Caspar Netscher fue un maestro en la representación de telas y materiales. Pintó todos los volantes, cintas, plumas y rizos con gran detalle. Las pompas de jabón brillantes en esta pequeña pintura son notables.

Un niño haciendo burbujas simbolizaba la fugacidad de la vida. Pronto, nuestras vidas estallarán como una burbuja. Este mensaje se hace aún más doloroso por el hecho de que el niño en la pintura es un muchacho tan vivaz.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XI título: “Interior de una mujer lavándose las manos”, obra del pintor Eglon van der Neer (1634-1703), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1675. Tiene unas medidas de 49.2 x 39.6 cm.

Una señora se lava las manos con agua de una jarra de agua plateada. Ella está en un burdel elegante: las mujeres en el fondo están ocupadas con un cliente. Se está lavando las manos la mujer después de que se va un cliente, o se las está lavando con inocencia, para indicar que los pecados del mundo no son su responsabilidad.

Junto con Schalcken y Verkolje, Van der Neer representa la última generación de pintores de género holandeses. Continuaron a la manera de las pinturas de género de sus predecesores, pero pusieron más énfasis en el refinamiento y la elegancia.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XI título: “El Toro”, obra del pintor Paulus Potter (1625-1654), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1647. Tiene unas medidas de 235 x 339 cm.

Éste es uno de los cuadros más famosos del Mauritshuis. El Toro destaca especialmente por el hecho de que Potter representara a un animal de granja común y corriente a tan gran escala, algo que no se había hecho nunca hasta entonces. A pesar de las grandes dimensiones, el artista puso mucha atención en los detalles, como la alondra en el cielo, el sol sobre la pradera, las moscas en la espalda del toro y los bigotes de la vaca. Todo ello convirtió esta obra en el máximo exponente de la pintura naturalista holandesa.

El toro nos mira, al igual que la vaca tendida en el suelo y el carnero de pie, una oveja de los páramos de Drenthe  vossenkop . La oveja que yace con su cordero es una oveja lechera, que se reconoce por su cola lisa y sin pelo. Potter ha hecho los abrigos de los animales con un cuidado meticuloso. En las ovejas tumbadas podemos distinguir incluso las marcas dejadas por las tijeras en el vellón recién esquilado. La piel de la cabeza del toro está elaborada con minucioso detalle, en gruesas capas de pintura. El granjero les resultará familiar a muchos espectadores holandeses, ya que fue tomado como modelo para el personaje Teun en las primeras lecturas infantiles. Sobre los árboles en el horizonte podemos distinguir la silueta de la iglesia de Rijswijk, un pueblo entre La Haya y Delft.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XII título: “La infancia de Zeus”, obra del pintor Nicolaes Pietersz Berchem (1620-1683), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1648. Tiene unas medidas de 202 x 262 cm.

Cuando el gobernante de los dioses, Zeus, era solo un bebé, su padre amenazó con comérselo. Así que su madre hizo que lo criara una princesa real. En estos momentos, el bebé duerme seguro en su regazo. Un fauno sonriente trae un barril de leche.

Berchem pintó sobre todo pequeños paisajes. Quizá con este gran cuadro mitológico quería demostrar que era un pintor idóneo para el Salón Naranja del Palacio Huis ten Bosch de La Haya. Pero fue en vano, ya que el prestigioso trabajo se lo dieron a otros pintores.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XII título: “Autorretrato”, obra del pintor Paulus Moreelse (1571-1638), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1630. Tiene unas medidas de 71.5 x 62 cm.

Conocemos cuatro autorretratos del pintor de Utrecht Moreelse. Pintó este ejemplo cuando tenía poco más de sesenta años. Viste un tabardo oscuro y un exuberante cuello plisado, los cuales ya no estaban de moda en la década de 1630.

Moreelse sostiene una hoja de papel en blanco, que simboliza la capacidad del artista para conjurar una obra de arte de la nada. La hoja de papel también revela algo de la importancia que Moreelse concedía a la habilidad para el dibujo, que consideraba una base esencial para la formación de un pintor.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XII título: “Bodegón con vaso de vidrio verde soplado y reloj”, obra del pintor Willem Claesz Heda (1596-1680), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1619. Tiene unas medidas de 46 x 69.2 cm.

La pintora de Haarlem, Heda, se especializó en 'ontbijtjes' y 'banketjes' (piezas para desayunos y banquetes). Trabajó principalmente en tintes marrones y grises. Estos colores sobrios crearon unidad en la composición y fusionaron los componentes separados: un pescado con alcaparras y limón, un panecillo, algunas avellanas, copas de vino y una copa de plata.

Heda prestó mucha atención al reflejo de la luz en los distintos objetos, dando a cada material su brillo particular. Era un maestro en esta técnica.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XIII título: “Retrato of Anna Hooftman”, obra del pintor Hendrick Pot (1585-1657), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1633. Tiene unas medidas de 18.6 x 15.4 cm.

Estos dos pequeños paneles van juntos. A la izquierda está el comerciante de Ámsterdam Jean Fontaine, que tiene 25 años, y a la derecha está su esposa Anna Hooftman, de 20 años. Hendrick Pot les pintó los retratos con motivo de su matrimonio. Los dos retratos aún se encuentran en sus marcos ovalados originales de imitación de mármol.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XIII título: “Retrato de Jean Fontaine”, obra del pintor Hendrick Pot (1585-1657), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1633. Tiene unas medidas de 18.2 x 15.1cm.

Estos dos pequeños paneles van juntos. A la izquierda está el comerciante de Ámsterdam Jean Fontaine, que tiene 25 años, ya la derecha está su esposa Anna Hooftman, de 20 años. Hendrick Pot les pintó los retratos con motivo de su matrimonio. Los dos retratos aún se encuentran en sus marcos ovalados originales de imitación de mármol.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XIII título: “Autorretrato”, obra del pintor Adriaen van de Venne (1589-1662), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1615-1618. Tiene unas medidas de 18.2 x 13.3 cm.

Van de Venne nació en Delft, aprendió a pintar del maestro orfebre y pintor Simon de Valk, y luego el grabado de Jeronimus van Diest, un buen pintor de grisallas. Luego se mudó a Middelburg en 1614, donde fue influenciado por Jan Brueghel el Viejo y Pieter Brueghel el Viejo.

Desde 1620 hasta su muerte, van de Venne hizo muchas grisallas y grabados de temas de género, usando campesinos, mendigos, ladrones y perdedores para ilustrar proverbios y dichos actuales, principalmente por Jacob Cats. Este trabajo lo hizo famoso durante su vida, y siguió siendo popular durante todo el siglo XVIII después de su muerte.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XIII título: “Feliz compañía en una terraza”, obra del pintor Willem Buytewech (1591-1614), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1616-1617. Tiene unas medidas de 71 x 94 cm.

El cuadro muestra un grupo de parejas jóvenes vestidas a la última moda se divierten en una terraza palaciega. Deliciosos platos yacen listos para comer en la mesa: ¡mira ese pastel de pavo real! – y el vino se enfría en una hielera. Los juerguistas se toman de la mano, intercambian miradas y juegan con los pies: el ambiente es de puro flirteo.

Las alegres compañías fueron un tema nuevo en la pintura a principios del siglo XVII. Willem Buytewech fue uno de los pioneros del género. Es mejor conocido por sus numerosos dibujos y grabados, pero también produjo seis pinturas de jóvenes divirtiéndose. Esta pintura constituye el punto culminante de este pequeño grupo.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XIII título: “Consejo de los Dioses”, obra del pintor Cornelis van Poelenburch (1594-1667), realizado en óleo sobre cobre, está datado en 1630. Tiene unas medidas de 38 x 49 cm.

Los dioses clásicos se han reunido para un alegre encuentro en las nubes. Un paisaje montañoso idealizado se extiende debajo de ellos. Van Poelenburch basó sus diosas desnudas en las estatuas romanas que había visto en Italia.

Van Poelenburch vivió durante algunos años en Roma y fue uno de los primeros artistas de Utrecht en comenzar a pintar paisajes del sur a su regreso. Tuvo un gran éxito con ellos, y su trabajo fue muy popular entre el gran duque de Toscana, el estatúder holandés y el rey de Inglaterra.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XIV título: “El violinista”, obra del pintor Adriaen van Ostade (1610-1685), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1673. Tiene unas medidas de 45.2 x 42 cm.

Hay un ambiente alegre en esta posada rural, donde un violinista viajero ha venido a tocar una melodía. Le acompaña en la zanfoña el chico de la chaqueta roja. Tanto jóvenes como mayores disfrutan de la música.

El artista de Haarlem, Adriaen van Ostade, pintó muchas compañías alegres de campesinos y gente del campo. Fue un ejemplo para Jan Steen, e incluso puede haber sido su maestro.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XIV título: “Moisés y la corona del faraón”, obra del pintor Jan Steen (1625-1679), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1670. Tiene unas medidas de 78 x 79 cm.

Steen solo pintó un par de escenas religiosas, y esta es una de ellas. La historia trata sobre Moisés, quien, de niño, es visto por los consejeros del faraón como una amenaza para Egipto. Ponen a prueba al niño haciéndole elegir entre oro y un plato de brasas. En su inocencia, Moisés toma un carbón y se quema.

Steen describió la historia como una farsa, enfocándose en la molestia del faraón y el niño que llora, quien recurre a su madre adoptiva en busca de consuelo

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XIV título: “Cuando los viejos cantan, los jóvenes silban”, obra del pintor Jan Steen (1625-1679), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1665. Tiene unas medidas de 133.7 x 162.5 cm.

Aquí Steen ha representado un viejo proverbio, “Cuando los viejos cantan, los jóvenes silban”, que significa que un mal ejemplo lleva a una mala conducta. La mujer de la izquierda, con el escote abierto, levanta la copa para que se la vuelvan a llenar. A la derecha, el sonriente padre enseña a uno de sus hijos a fumar en pipa. Se trata del propio Steen.

Tres generaciones de una familia celebran bulliciosamente el bautismo del vástago más joven, el niño en el regazo de su madre en el centro de la composición. Encaramado torcidamente sobre la cabeza del anciano que ríe a la izquierda hay un kraamherenmuts, un sombrero que tradicionalmente usan los nuevos padres. Pero cuando un hombre de esta edad se convierte en padre, verdaderamente es un mundo patas arriba, y una prueba más de ello la dan los adultos, que fuman y beben y ven cómo su mala conducta es imitada por sus hijos.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XIV título: “La vida del hombre”, obra del pintor Jan Steen (1625-1679), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1665. Tiene unas medidas de 68.5 x 81.6 cm.

La tela o cortina levantada confirma que no se trata de una posada cualquiera, sino que representa "el escenario mundial" en el que se desarrolla la vida humana. La comparación de la vida con una representación teatral proviene de la antigüedad y era una metáfora común en el siglo XVII. Esto se desprende del dístico escrito por el poeta holandés Joost van den Vondel para adornar la entrada del teatro de Ámsterdam: 'El mundo entero es un escenario; cada hombre hace su parte y recibe su salario'. La interpretación realista de Steen de la tela de la cortina incluye los pliegues del satén reluciente. Así como la alfombra turca sobre la mesa parece bastante vieja y desgastada, el pintor representó algunos hilos sueltos colgando de la punta de la tela a la izquierda. Tal detalle realza el efecto trampantojo del motivo, haciéndolo parecer como si se levantara una tela real para desvelar la escena

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XIV título: “Mujer tocando la cítara”, obra del pintor Jan Steen (1625-1679), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1662. Tiene unas medidas de 31 x 27.5 cm.

Esta joven nos mira de reojo y sonríe con los labios cerrados. Sosteniendo la púa entre el pulgar y el índice de su mano derecha, y con el dedo meñique de su mano izquierda en el aire con gracia, toca su pequeña cítara, un instrumento de cuerda simple que fue especialmente popular entre las mujeres. Un poco del banco en el que se sienta y proyecta su sombra es visible en la parte inferior derecha. El fondo es de un marrón grisáceo uniforme, que es más oscuro a la izquierda, pasando a un tono más claro a la derecha. Esta progresión contrasta eficazmente con la figura: el lado iluminado se destaca sobre el fondo más oscuro y la espalda sombreada sobre el fondo más claro, donde la elegante firma de Steen llama la atención a la altura de la parte superior del brazo en el extremo derecho. Por lo demás nada distrae nuestra atención del rostro de la mujer y sus ágiles dedos. Inusualmente para Steen, casi no hay detalles adicionales, y esto hace que el contacto directo entre la mujer y el espectador sea aún más intrigante.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XIV título: “La visita del doctor”, obra del pintor Jan Steen (1625-1679), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1660-1662. Tiene unas medidas de 60.5 x 48.5 cm.

Una niña enferma yace en la cama, apoyada en almohadas. El médico que la visita hace que la criada le llene el vaso. La niña probablemente sufra de un 'útero errante', una enfermedad que afectaba principalmente a las jóvenes vírgenes. Aunque los médicos de la época se tomaban muy en serio la enfermedad, Steen ve el lado cómico de la misma. Los perros en la escalera muestran el remedio para la dolencia: la niña debe encontrar marido lo antes posible.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XIV título: “La niña enferma”, obra del pintor Jan Steen (1625-1679), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1660. Tiene unas medidas de 57.7 x 46.2 cm.

En las visitas al médico de Steen, la paciente se acuesta en su cama con dosel o se sienta, como lo hace aquí, en una silla, apenas capaz de sostener su muñeca inerte para que el médico le tome el pulso. Todas estas representaciones giran en torno al mal de amores del paciente. El amor frustrado la ha enfermado y, según la opinión científica entonces imperante, esto podría conducir a toda una serie de dolencias ginecológicas y psicológicas. En casos graves, la sangre podría cuajarse y el útero podría 'recalentarse' e incluso quedar a la deriva en el cuerpo. Tal furor uterinus (frenesí uterino) se consideraba una condición potencialmente mortal. El único remedio para una mujer que la padecía era casarse rápidamente y compartir su cama con su amado.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XIV título: “Hombre ofreciendo dinero a una mujer joven”, obra del pintor Judith Leyster (1609-1660), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1631. Tiene unas medidas de 30.8 x 24.2 cm.

El pequeño cuadro representa a una mujer joven, sentada en una silla y cosiendo a la luz de una lámpara de aceite, en un escenario vagamente representado. Sus pies descansan sobre un calentador de pies lleno de carbones encendidos. Un hombre con un puñado de monedas se cierne sobre ella y tira de su hombro con la mano izquierda. Ella permanece concentrada en su costura y lo ignora por completo, aunque podría estar a punto de volverse hacia él. El hombre, que lleva un gorro de piel calado sobre la frente, es mucho mayor que la chica, cuyas mejillas ruborizadas, ojos bajos y modesto pañuelo al cuello la hacen parecer casta e inocente. El velo que cubre la cabeza del hombre, un 'moffe-muts' (literalmente 'sombrero hun'), que se asoció con caracteres alemanes poco confiables, lo marca como un tipo desagradable. La sugerente sombra que proyecta sobre la pared detrás de él realza su aspecto amenazador.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XIV título: “La vieja encajera”, obra del pintor Nicolaes Maes (1634-1693), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1655. Tiene unas medidas de 38.5 x 35.9 cm.

Una anciana está sentada en una habitación sencilla, inclinada sobre su obra. Está absorta en la confección de encajes. En el siglo XVII, el trabajo manual se consideraba una virtud femenina y era un símbolo de la diligencia doméstica. Entonces, esta pintura muestra cómo se suponía que debían ser las cosas: una mujer trabajadora en una casa ordenada.

El pequeño cuadro emana una atmósfera íntima y tranquila. Esto se debe en parte al uso de Nicolaes Maes de colores tenues (marrón, rojo, blanco y negro) y la iluminación sutil en el cuarto oscuro.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XIV título: “Retrato de Jacoba Maria van Wassenaer, conocida como 'El patio de las aves de corral'”, obra del pintor Jan Steen (1625-1679), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1660. Tiene unas medidas de 106.6 x 80.8 cm.

Esta pintura excepcionalmente original de una niña y dos sirvientes en un gallinero es una de las favoritas de los visitantes del Mauritshuis. Aquí Steen exhibe no solo sus dotes como retratista y pintor de género, sino también su talento para pintar aves. La niña se sienta en un escalón en un patio cerrado, rodeado por una colorida multitud de aves de corral: pollos, palomas, patos elegantes, un gallo, un pavo, un faisán y un pavo real impresionante posado en el árbol desnudo. Visible a través de la puerta de entrada se encuentra el castillo de Lokhorst, también conocido como Oud-Teijlingen, cerca de Warmond. La niña viste una linda falda de raso amarillo y un delantal blanco inmaculado. Mirando al espectador, alimenta con leche a un cordero. Su sombrero de paja veraniego yace detrás de ella en el escalón. Un lebrel italiano a sus pies lame la leche que gotea en el suelo. Los dos sirvientes, que vigilan a la muchacha, probablemente se les confiaron el cuidado de los animales. Sus rostros son tan parecidos a retratos que podemos suponer que ambos hombres eran miembros del personal del castillo. El hombre calvo de la derecha, que sostiene la jarra de leche, ha recogido los huevos y los lleva en su cesta y su delantal azul de sirviente atado. A la izquierda, el enano sonriente con un desgarro en el abrigo, que agrega una nota cómica a la escena, lleva pollos en una canasta de mimbre y uno debajo del brazo.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XIV título: “Joven comiendo ostras”, obra del pintor Jan Steen (1625-1679), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1658-1660. Tiene unas medidas de 20.4 x 15.1 cm.

Las ostras siempre se han considerado afrodisíacas. El médico Johan van Beverwijck describió este manjar en su popular manual médico de 1651 como 'el más delicado' de todos los mariscos y crustáceos. Jacob Cats, en su libro Houwelick (Matrimonio), advirtió contra el uso de 'pociones de amor', incluido el 'jugo de ostra salado'. La niña, por lo tanto, está ofreciendo no solo una ostra, sino también ella misma. La sal que rocía con tanta prodigalidad también se considera afrodisíaca, porque 'despierta las entrañas del hombre' y 'a través de su calidez y agudeza enciende el deseo sexual', en palabras de Van Beverwijck. Las ostras son saladas en sí mismas, pero la joven hace que tanto el sabroso bocado como el mensaje inequívoco sean aún más picantes. La cama con cortinas al fondo confirma el carácter amoroso de la escena; además de la mesa y la silla, es la única otra pieza en esta sala delantera escasamente amueblada.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XIV título: “Vista de Delft”, obra del pintor Johannes Vermeer (1632-1675), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1660-1661. Tiene unas medidas de 96.5 x 115.7 cm.

La vista de Delft de Johannes Vermeer es sin duda el paisaje urbano más célebre del arte holandés del siglo XVII. Causó una impresión abrumadora en los amantes del arte desde el principio. El juego de la luz del sol y la sombra, el cielo nublado del que parece irradiar la luz y los sutiles reflejos en el agua contribuyeron a este impacto. Vermeer representó la ciudad desde el sureste, con Kolk en primer plano, un puerto triangular en el límite sur de la ciudad. A la derecha, detrás de nosotros, el canal Schie conduce en dirección a Rotterdam, Delfshaven y Schiedam. Al otro lado del agua se encuentra la ciudad. A la izquierda podemos ver parte de la muralla de la ciudad, y más a la derecha están las puertas de Schiedam y Rotterdam. Entre ellos, la torre de la Iglesia Nueva (Nieuwe Kerk) se eleva por encima de los edificios. Nada parece moverse; todo es serenidad. Los barcos en el agua están todos amarrados, sus velas arriadas. Prácticamente no hay viento; una suave brisa agita el agua reflectante en algunos lugares. Los árboles están llenos de hojas; la estación debe ser finales de primavera o verano, y es de mañana, ya que el sol está en el este. La vida humana juega un papel subordinado en la escena. Dos grupos de personas están hablando en primer plano, mientras que algunas figuras caminan por el muelle frente a la puerta de Schiedam, casi demasiado pequeñas para ser discernibles.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XV título: “Hombre y mujer con dos perros”, obra del pintor Frans van Mieris el viejo (1635-1681), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1660. Tiene unas medidas de 27.7 x 19.9 cm.

Van Mieris fue uno de los 'fijnschilders' de Leiden, o buenos pintores, artistas que trabajaron con tanta precisión que las pinceladas individuales apenas son visibles. Esta habilidad se demuestra bien en la falda brillante de la mujer y el borde de piel de su chaqueta.

Aquí, vemos a un hombre burlarse de un perro faldero al intentar tirar de su oreja. Pero la mujer lo empuja a un lado. El hombre sonriente es el propio Van Mieris y la mujer es su esposa, Cunera van der Cock.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XV título: “Una joven componiendo una pieza musical”, obra del pintor Gabriel Metso (1629-1667), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1662-1663. Tiene unas medidas de 57.8 x 43.3 cm.

Esta pintura es un punto culminante en la obra de Metsu, quien fue un maestro en la representación de telas y materiales. Vemos a una mujer joven componiendo una canción, mientras un hombre mira por encima del hombro y otra mujer toca su laúd. Este instrumento puede referirse a la armonía de un matrimonio feliz. Como contrapeso, hay una pintura de un barco en mares tormentosos que cuelga sobre la repisa de la chimenea.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XV título: “El mensajero, conocido como: La noticia no deseada”, obra del pintor Gerard ter Borch (1617-1681), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1653. Tiene unas medidas de 66.9 x 59.3 cm.

Ter Borch se hizo famoso por sus escenas íntimas de personas absortas en lo que están haciendo, muchas veces inconscientes de nuestra presencia. También tenía un talento excepcional para representar diferentes materiales, como el satén brillante del vestido de la niña.

Aquí vemos a un soldado recibiendo una carta de un mensajero. Es fácil imaginar que la carta es un llamado al frente, lejos de la chica que se apoya en él con tanto cariño.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XV título: “Comida de ostras”, obra del pintor Frans van Mieris el viejo (1635-1681), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1661. Tiene unas medidas de 27.6 x 20.8 cm.

Esta pintura se considera la contrapartida de Teasing the Pet de Van Mieris, que también está colgada en el Mauritshuis. Aunque esa pintura data de un año antes, es idéntica en tamaño. También tiene un tema similar: la seducción. Un hombre intenta seducir a una mujer ofreciéndole ostras, un manjar conocido como afrodisíaco. El hombre (el propio Van Mieris) obviamente tiene éxito, ya que la mujer (la esposa de Van Mieris) le muestra provocativamente su pecho.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XV título: “Mujer escribiendo una carta”, obra del pintor Gerard ter Borch (1617-1681), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1655. Tiene unas medidas de 38.36 x 27.9 cm.

La obra de Ter Borch consiste en gran parte en pinturas íntimas de personas absortas en lo que están haciendo. Esta mujer escribiendo una carta es la primera de toda una serie y fue un ejemplo para otros artistas, como Vermeer.

La mujer está sentada a una mesa y ha apartado el costoso mantel oriental. Junto a ella hay un tintero de peltre que brilla suavemente. La acción en la escena es mínima: podemos imaginarnos lo que la mujer está pensando y escribiendo.

La siguiente pintura de la colección de obras de arte de la sala XV es la estrella del museo título: “La joven de la perla”, obra del pintor Johannes Vermeer (1632-1675), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1665. Tiene unas medidas de 44.5 x 39 cm.

La joven de la perla es la obra más famosa de Vermeer. No se trata de un retrato sino de un “tronie” o pintura de una figura imaginaria. Los tronies representaban un determinado tipo de personaje; en este caso, una chica ataviada con una vestimenta exótica, un turbante oriental y una perla insólitamente grande en la oreja.

Los rasgos de la joven son caucásicos: piel muy blanca, ojos grandes y claros y nariz fina. Como la Mona Lisa, pareciera que la joven no tuviera cejas. En cambio, sus labios se muestran entreabiertos y relajados, encarnados, húmedos y brillantes como una fruta fresca. Apenas se sugiere la dentadura en la pequeña apertura de su boca, mientras una delicada pincelada en la comisura de los labios le otorga vivacidad.

El aspecto europeo de la joven contrasta con su vestimenta: la chica lleva un turbante oriental en su cabeza con los colores azul y amarillo. Viste una chaqueta exótica en paleta de ocres, en el que Vermeer logra un tratamiento exquisito de la textura de la tela. A la altura del cuello, destaca una gola blanca.

En aquella época, no era costumbre que las mujeres llevaran turbantes a la turca. Lo más probable es que Vermeer le haya facilitado a la modelo este accesorio para poder realizar su estudio. En medio de ese conjunto, la atención se dirige al pendiente, cuyo brillo sobresale en una atmósfera oscura.

La perla es demasiado grande para ser real. Tal vez la chica lleve una gota de perla hecha de cristal, que ha sido barnizada para darle un brillo mate. Otra posibilidad, por supuesto, es que la perla fuera producto de la imaginación de Vermeer. Las perlas, tanto reales como de imitación, estuvieron de moda en el período comprendido entre 1650 y 1680. A menudo las encontramos en pinturas de Frans van Mieris, Gabriel Metsu y Gerard ter Borch.

Para celebrar el 200 aniversario del Museo Mauritshuis se ha preparado una explosión de colores en la exposición “En plena floración”. En exhibición hay un colorido ramo de bodegones florales exóticos y exuberantes del siglo XVII. Lo especial: un tercio de las pinturas y dibujos están hechos por mujeres.

Las mujeres en ese siglo no recibían ninguna formación profesional de pintura. Una práctica profesional privada tampoco era su intención. Visto así, es un milagro que alguna mujer haya logrado hacer de la pintura su profesión. La más famosa es Rachel Ruysch. Como hija de un profesor de botánica, tenía acceso al Ámsterdam Hortus. Se especializó en lujosas naturalezas muertas de flores, construyó una carrera internacional y pronto eclipsó a su esposo menos talentoso, el retratista Juriaen Pool.

Las flores estaban de moda en el siglo XVII. Todo tipo de especies exóticas llegaron por primera vez a los Países Bajos desde áreas tropicales, donde luego fueron cultivadas, investigadas y extraídas. Como resultado, hubo una gran demanda de dibujantes botánicos. La artista e investigadora Maria Sybilla Merian aprovechó su oportunidad; dibujó flores, pero también coloridas mariposas e insectos.

Entre la exposición temporal de pinturas dedicadas a las flores podemos ver título: “Narcisos, hierba doncella y violetas en un aguamanil”, obra del pintor Ludger tom Ring el joven (1522-1584), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1562. Tiene unas medidas de 35 x 15.5 cm.

Este ramo del siglo XVI es tanto más excepcional cuanto que las piezas de flores rara vez se pintaban antes de 1600. Solo en el siglo XVII las flores se convirtieron en un tema popular en la pintura holandesa y flamenca. La naturaleza muerta de Ludger tom Ring anticipa este desarrollo.

Un aguamanil alto sostiene un ramillete de narcisos, violetas y flores de hierba doncella. Algunas flores individuales y una ramita de ruda yacen sobre la mesa. Las flores de bígaro originalmente habrían sido de un color azul púrpura, pero el pigmento azul se ha desvanecido a lo largo de los siglos, dejando solo visible la capa interna de color marrón anaranjado.

Ludger tom Ring era el miembro más joven de una familia de pintores que trabajaba en Münster. Se formó con su padre y pasó un tiempo en Holanda, Flandes e Inglaterra. En 1569 se instaló en Braunschweig, donde viviría hasta su muerte. Pintó principalmente retratos, así como una serie de piezas de flores.

Entre la exposición temporal de pinturas dedicadas a las flores podemos ver título: “Flores en jarra”, obra del pintor Hans Menling (1435-1494), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1485. Tiene unas medidas de 29.2 x 22.5 cm.

El cuadro pudo formar parte de un conjunto original al que pertenecía esta tabla, pudiendo formar parte de un díptico o tríptico. La posición del hombre, representado en oración, y la presencia de una logia abierta a un paisaje con una alfombra oriental en la cornisa, hacen pensar que a la derecha de esta figura habría un segundo panel con una imagen del Virgen con el Niño, y que el paisaje habría continuado en ese segundo espacio. Si la obra hubiera formado parte de un tríptico, habría figurado la figura de una donante en el ala derecha. Las imágenes exteriores de este hipotético tríptico, además de la presente Flores en un cántaro, habría consistido en otro bodegón o en el escudo de armas de la pareja retratada. Si la tabla hubiera formado parte de un díptico, esta imagen se habría combinado con una representación de la Virgen y el Niño.

Entre la exposición temporal de pinturas dedicadas a las flores podemos ver título: “Naturaleza muerta con flores”, obra del pintor Jan Brueghel el viejo (1568-1625), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1605. Tiene unas medidas de 50 x 39.5 cm.

Estamos ante una hermosa naturaleza muerta con muchas flores en un jarrón de terracota que descansa sobre una repisa de madera, flanqueada por un grupo de ciclamen y diamantes y zafiros dispersos.

Al pintor se le llamó Brueghel de Velours (de Terciopelo), de las Flores o del Paraíso por su técnica pictórica y por algunos de los temas de sus obras. También es conocido como Jan Brueghel el Viejo para distinguirlo de su hijo Jan, hábil discípulo y colaborador suyo.

Entre la exposición temporal de pinturas dedicadas a las flores podemos ver título: “Flores en frasco de vidrio”, obra del pintor Jacques de Greyn el joven (1568-1625) realizado en óleo sobre cobre, está datado en 1612. Tiene unas medidas de 58 x 44 cm.

De Gheyn, un pintor de La Haya, pudo haber sido el primer maestro holandés en pintar una naturaleza muerta de solo flores, poco después de 1600. Hizo esta pintura más de diez años después. Muestra un profuso ramo de muchas flores diferentes.

Se conoce que el pintor no ha copiado un ramo existente, ya que las flores representadas aquí florecen en diferentes épocas del año. En cambio, se preocupó por pintar un 'retrato' de las flores más hermosas. Por eso los colocó todos al frente del ramo, donde eran igualmente visibles.

Entre la exposición temporal de pinturas dedicadas a las flores podemos ver título: “Jarrón con flores dentro de una ventana”, obra del pintor Ambrosius Bosschaert el viejo (1568-1625) realizado en óleo sobre madera, está datado en 1618. Tiene unas medidas de 64 x 46 cm.

Esta representación de un colorido ramo con treinta tipos distintos de flores es una obra maestra de Ambrosius Bosschaert. Pintó las flores con gran minuciosidad, por lo que todas son fácilmente reconocibles. La obra nos permite saber cuáles fueron las flores más bellas que habría conocido Bosschaert, incluyendo el tulipán, que en aquella época todavía era una rareza en Holanda.

Para pintar este ramo, Bosschaert se basó en una serie de bocetos individuales que había realizado a lo largo del año. Esto le permitió componer un ramo de flores que en la vida real no florecen en la misma época.

Entre la exposición temporal de pinturas dedicadas a las flores podemos ver título: “Jarrón de flores en un nicho de piedra”, obra del pintor Roelant Savery (1576-1639) realizado en óleo sobre madera, está datado en 1618. Tiene unas medidas de 63.5 x 45.1 cm.

El borde del nicho de piedra parece sobresalir, el vidrio se tambalea en su borde y la firma de Roelant Savery parece haber sido cincelada en la piedra, una ilusión que llamamos trompe l'oeuil (es una obra pictórica que mediante los recursos del claroscuro, la perspectiva y el escorzo, produce la ilusión óptica que se compone tanto de los objetos o figuras reales como con la propia creación artística. La confusión de los elementos del soporte de la obra con los elementos pintados se convierte en parte del juego del artista y hacen la obra fija e inamovible).

La naturaleza muerta tiene un sentimiento siniestro, porque Savery dejó gran parte de la imagen en la sombra, dejó que espinas afiladas treparan por el centro del ramo e incluyó algunos bichos espeluznantes, como un escarabajo rinoceronte. Savery parece indicar que un peligro potencial podría estar al acecho a la vuelta de la esquina, incluso entre las flores más hermosas.

Entre la exposición temporal de pinturas dedicadas a las flores podemos ver título: “Bodegón de flores con fritillary en un nicho de piedra”, obra del pintor Jacob Vosmaer (1576-1639) realizado en óleo sobre madera, está datado en 1613. Tiene unas medidas de 110 x 79 cm.

El pintor comenzó su carrera como especialista en paisajismo, pero cambió a las flores, lo que le trajo más éxito. Visitó Italia cuando era joven y regresó a Delft en 1608 a la edad de 24 años, donde permaneció y se convirtió en un ciudadano respetado.

Entre la exposición temporal de pinturas dedicadas a las flores podemos ver título: “Bodegón de flores en vaso”, obra del pintor Jan Brueghel el viejo (1568-1625), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1610. Tiene unas medidas de 50 x 39.5 cm.

El cuadro fue pintado en una época en la que los coleccionistas gastaban enormes sumas en bulbos de tulipanes y otro tipo de flora y fauna, las pinturas altamente detalladas de Brueghel se consideraban un sustituto de las reales: uno afirmaba que podía imaginar el aroma de las flores y apreciar sus colores eternos, especialmente en invierno.

Entre la exposición temporal de pinturas dedicadas a las flores podemos ver título: “Bodegón de flores y una bandeja de plata”, obra del pintor Clara Peeters (1594-1621), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1615.

La primera pintura conocida de Peeters, firmada y fechada en 1607, refleja la habilidad técnica y compositiva de un artista capacitado. Su estilo sugiere una formación en Amberes, uno de los primeros centros de especialización en naturaleza muerta.

Si bien la mayoría de los artistas y aprendices se incluyeron en los registros del Gremio de San Lucas local, no se ha encontrado ningún registro de Peeters en Amberes o centros de arte en la República Holandesa. Los eruditos especulan que ella pudo haber sido la hija de un pintor y, por lo tanto, no se requiere que se la incluya en los registros de aprendizaje.

Entre la exposición temporal de pinturas dedicadas a las flores podemos ver título: “Retrato de un hombre joven orante”, obra del pintor Hans Menling (1435-1494), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1485. Tiene unas medidas de 29.2 x 22.5 cm.

Hasta la fecha no ha logrado identificarse al personaje que retrata el pintor, aunque podría tratarse de un comitente de origen italiano, debido a las ropas y al peinado que luce. En cuanto al florero, conformaría una de las alas exteriores, la otra representaría otra naturaleza muerta o el emblema de la pareja. Esta pintura es uno de los primeros bodegones aislados que se conocen, a pesar de los símbolos que aluden a la Virgen, como los lirios, y a Cristo, en el monograma del jarrón.

Entre la exposición temporal de pinturas dedicadas a las flores podemos ver título: “Pieza floral”, obra del pintor Hans Gillisz Bollongier (1600-1645), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1639. Tiene unas medidas de 67.6 x 53.3 cm.

Este ramo exuberante puede parecer natural, pero los tulipanes, las anémonas, las rosas y los claveles no florecen todos al mismo tiempo. Sin embargo, Bollongier logró armar una composición equilibrada. El bodegón fue pintado poco después de que la bolsa de valores holandesa colapsara en 1637, cuando muchas personas quebraron debido a la especulación con los bulbos de tulipanes. Este ramo festivo puede entonces referirse a la fugacidad de los asuntos terrenales.

Entre la exposición temporal de pinturas dedicadas a las flores podemos ver título: “Rosas en jarrón de cristal”, obra del pintor Jacob van Hulsdonck (1582-1647), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1640-1645. Tiene unas medidas de 35 x 28.4 cm.

Los ramos de la mayoría de los bodegones florales del siglo XVII se componen de muchos tipos diferentes de flores, pero para esta pequeña pintura, Van Hulsdonck seleccionó solo rosas, incluido un brezo dulce en la parte superior izquierda. Como resultado, parece mucho más natural que otros bodegones florales. También se ha pintado con gran precisión, desde las gotas de agua en las hojas hasta el escarabajo abejorro en la esquina inferior derecha.

Van Hulsdonck trabajó en Amberes, pero se formó en Middelburg, probablemente con Ambrosius Bosschaert, que estaba especializado en bodegones de flores.

Entre la exposición temporal de pinturas dedicadas a las flores podemos ver título: “Agneta Block y su familia en su casa de verano Vijverhof”, obra del pintor Jan Weenix (1639–1719), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1694. Tiene unas medidas de 84 x 111 cm.

A la edad de veinte años, Jan Weenix rivalizó y luego superó a su padre en amplitud de tratamiento y riqueza de color, fue miembro del gremio de pintores de Utrecht en 1664 y 1668.

En 1697 pintó un retrato de Pedro el Grande, visitando la República para estudiar la construcción naval, la ciencia y el arte de la construcción de fortificaciones. En Amsterdam, Weenix fue empleado con frecuencia para decorar casas privadas con pinturas murales sobre lienzo

Sus bodegones de flores se caracterizan, al igual que los de su maestro, por su estructura vertical y por la simetría del ramo. Como novedad, Balthasar introdujo la presencia de conchas que reflejan la afición en aquella época por el coleccionismo de objetos exóticos. Otra singularidad es el realismo y la importancia que concede a la representación de animales e insectos, como lagartos, saltamontes, sapos y mariposas, inspirado probablemente por los trabajos de Savery.

Entre la exposición temporal de pinturas dedicadas a las flores podemos ver título: “David, Agneta y su hija Catherina Neufville”, obra del pintor Michiel van Musscher (1645–1705), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1696. Tiene unas medidas de 149 x 167.5 cm.

Los Estados Generales y los habitantes de la República firman así contra la persecución por motivos religiosos. La libertad reclamada por los calvinistas también se aplica, en mayor o menor grado, a los demás. Católicos, judíos, luteranos o anabaptistas no deben temer la persecución, y mucho menos ser quemados en la hoguera.

La guerra con España se desarrolla cada vez más lejos de casa. La libertad adquiere su propia dinámica en la economía holandesa de orientación internacional. En esta sociedad abierta, los niños y jóvenes reciben visiblemente más atención, libertad y lujo. Reverendos y extranjeros ven mocosos malcriados.

La igualdad y la igualdad de oportunidades, mientras tanto, no existen en esta sociedad. Las mujeres son relativamente independientes y bien educadas, pero la igualdad con los hombres está fuera de discusión. Para los residentes calvinistas, los inmigrantes calvinistas, los anabaptistas o los judíos, se aplica un punto de partida diferente cada vez. Todos tienen oportunidades, pero las oportunidades difieren según el grupo. Desde un punto de vista moderno, es una sociedad con mucha desigualdad; desde el punto de vista de la época, éste es liberal y diverso.

Entre la exposición temporal de pinturas dedicadas a las flores podemos ver título: “Flores en un jarrón ornamental”, obra del pintor Maria van Oosterwyck (1630–1693), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1696. Tiene unas medidas de 62 x 47.5 cm.

Este ramo, que Van Oosterwyck probablemente pintó alrededor de 1670-1675, consta de varias flores y plantas que rara vez se ven en las pinturas, como el tomillo, el perejil de vaca, la espuela de caballero, el orgullo de Londres y el acónito. Los tulipanes brillan por su ausencia. Van Oosterwyck a menudo usaba cañas de colores para crear un acento asimétrico fantasioso que le daba profundidad a la composición. En la actualidad, esto es más notorio porque con el paso del tiempo el resto del follaje se ha decolorado y el ramo ha perdido gran parte de su sentido de profundidad.

Aquí damos por finalizada la vista a este maravilloso Museo Mauritshuis, es de estos espacios que no te parecen pesados porque tienen sus obras tan condensadas y de tanta calidad que en dos o tres horas puedes verlo sin apenas cansarte.

Muchas veces, ya en casa, compruebo que opina la gente de algunos de los monumentos que visitamos en las reseñas de Google Maps, en el caso del Museo Mauritshuis he podido leer esto:

Se trata de un museo pequeño. Seamos sinceros, lo único que ver son los cuadros de “La joven de la perla” y “La anatomía de un doctor”. Todo lo demás está casi de relleno. Pero solamente esos dos cuadros hacen de él una visita obligatoria. Las salas son pequeñas y se acumula una buena masa de gente, como en cualquier museo. Tienen guardarropa gratuito y se pueden hacer fotos sin problema.

No sé en qué museo ha estado este señor, es cierto que quizás las dos obras que cita sean las más conocidas pero este museo presenta una de las mejores colecciones de pintura flamenca del siglo de oro con obras de: Rubens, Rembrandt, Frans Hals, Carel Fabritius, Jan Brueghel el Viejo, Hans Holbein el Joven. Y pinturas anteriores de la Edad Media con: Hans Memling, Jan Gossaert y JanProvoost, Roger van de Weyden.

En consecuencia, muchas veces las opiniones reflejadas en las reseñas de Google corresponden más a impresiones personales que una buena interpretación de una realidad muy diferente.

El resto de la tarde la hemos dedicado a bichear entre tiendas sin rumbo fijo por una ciudad que nos parece muy agradable con una muy buena calidad de vida y con una actividad comercial y cultural muy intensa.

Al final de la tarde nos hemos trasladado hasta la cercana localid deLisse con la desagradable sorpresa que el parking habilitado para autocaravanas para poder descubrir mañana el parque de Kunkenof lo han clausurado y hemos buscado una alternativa para pasar la noche en un camping cercano que nos han dejado un hueco en el parking hasta mañana a las 8, son 20 euros.

El camping para autocaravanas que utilizamos es Duinpan (GPS N 52.268637 E 4.469194), se encuentra situado Duindamseweg 13-11, 2204 AR Noordwijk, Países Bajos, solamente es para pasar la noche sin ninguno otro servicio. Tienen habilitado la zona anterior a la entrada al camping para poder atender la demanda de autocaravanas que solamente necesitan pasar la noche y seguir corriendo.

Aquí es donde nos damos cuenta lo que ha cambiado los Países Bajos con respecto años anteriores y la pernocta por libre en autocaravana. Los controles de la policía sobre la acampada libre se llevan a cabo principalmente en zonas costeras y turísticas, si te mantienes alejado de estos puntos calientes la probabilidad de ser multado es mucho menor. También es una ventaja permanecer lo más corto posible en un mismo lugar, ya que se minimiza el riesgo de ser denunciado. Sabemos que la vigilancia de la policía es máxima en todo el país y ahora ante las acampadas y pernoctas libres en el país y que multan 200 euros por ello por lo que nos han dicho otros autocaravanistas.

Día 12 de abril (martes)
Ruta: Lisse- Keukenhof-Lisse

El día comienza a las 7,30 horas hemos puesto el despertador en el camping Duinpan de Lisse. Estamos en el camping a unos 8 km. Llegamos en unos minutos al parking del parque. Nos trasladamos al parking de autocaravanas de Keukenhof (GPS N 52.265672, E 4.548490) precio 6,20 euros y solamente se puede aparcar en los horarios del parque.

Muchos me preguntan qué es Keukenhof, es básicamente un parque que se habilita durante unos meses en primavera en la zona para promoción de los principales productores de flores del mundo.

Cada uno de los principales productores aporta la decoración dentro de un espacio en el parque con sus flores. Entre ellos rivalizan para exponer sus mejores flores, son ayudados por los mejores paisajistas del país.

La última vez que estuvimos el parque eran casi todo cultivo de tulipanes, ahora se mezclan con otras flores creando un espectáculo único en el mundo.

El parque se divide en diferentes secciones y en diferentes tipos de parque: inglés, francés, salvaje, lagos, ríos, cascadas, molino, etc.

Luego hay diferentes pabellones donde se exponen temáticamente monográficos: orquídeas, bulbos, tulipanes, etc.

Este año se puede ver cómo en los Países Bajos con respecto el turismo como trata de normalizarse y ya se pueden ver gentes de diferentes nacionalidades. Aquí ya no es necesario usar las mascarillas y la gente parece haber olvidado la pandemia. Nosotros solamente las utilizamos cuando vemos muchas aglomeraciones.

La historia de Keukenhof comienza en el siglo XV cuando la condesa Jacoba van Beieren [Jacqueline de Baviera] (1401-1436) recolectó frutas y verduras en una zona llamada Keukenduin (el significado era el huerto de la cocina) para la comida del castillo de Teylingen. Posteriormente, se construyó el castillo de Keukenhof en 1641 y la propiedad creció para abarcar un área de más de 200 hectáreas.

Más adelante, los arquitectos paisajistas Jan David Zocher y su hijo Louis Paul Zocher, que habían diseñado el Vondelpark de Ámsterdam, rediseñaron los jardines del castillo en 1857. El parque fue construido siguiendo el estilo paisajístico inglés que era la moda en Europa, y esto pasó a ser la base del actual parque de Keukenhof.

En el siglo XX, en 1949, un grupo de 20 de los principales productores y exportadores de bulbos de flores idearon el plan para utilizar la finca a modo de exhibición de las flores durante la estación más propicia, lo que señalaba el nacimiento de Keukenhof como un parque de primavera. El parque abrió sus puertas al público en 1950 y fue un éxito porque atrajo a 236.000 visitantes solo en el primer año. Esta tendencia ha ido creciendo hasta llegar al 1.000.000.

En la actualidad, Keukenhof es el mejor escaparate internacional e independiente para el sector de la floricultura holandesa, con un énfasis de atención al apartado de los tulipanes. Durante ocho semanas, Keukenhof muestra lo que el sector florícola holandés ha podido avanzar en el desarrollo del cultivo de flores. El centro del parque está en los 7 millones de bulbos que florecen en primavera, que permiten a las 100 empresas participantes mostrar su catálogo en vivo. Además, unos 500 agricultores de flores presentan una enorme variedad de flores cortadas y macetas en las más de 20 exposiciones de florales que se realizan en el parque.

En estos momentos, Keukenhof es la plataforma para el sector florícola holandés. Hay que entender a la floricultura como emprendimientos de producción masiva de plantas por diferencia con la jardinería.

Keukenhof es un gran escaparate como cualquier feria del sector establecer contactos negocios. Los eventos comerciales para los productores también se organizan regularmente. Keukenhof tiene fuertes vínculos con todas las organizaciones relevantes en los sectores de la floricultura y el turismo.

El parque se organiza en torno a los bulbos pero aquí los tulipanes no están solos. En el interior conviven con árboles centenarios, lagos, setos, arbustos, y lo mejor, todo está perfectamente organizado para que las personas pasen un gran día contemplando la belleza de unos paisajes difíciles de copiar, diseñados al detalle por los mejores paisajistas para seducir a todo el que pasa por aquí. También está todo pensado para que los niños disfruten del contacto con la naturaleza. No solo por el colorido, sino por lo bien cuidado que está todo.

Aunque parezca que los tulipanes son una flor de prosperidad, también han tenido la leyenda negra, el peor periodo de la explotación comercial de las flores se llamó “Tulipomanía” o crisis de los tulipanes fue un periodo de euforia especulativa que se produjo en los Países Bajos en el siglo XVII, en los años anteriores a 1637. El objeto de especulación fueron los bulbos de tulipán, cuyo precio alcanzó niveles desorbitados, dando lugar a una gran burbuja económica y una crisis financiera. Constituye uno de los primeros fenómenos especulativos de masas de los que se tiene noticia.

Varios factores explican el origen de la tulipomanía neerlandesa. Por un lado, el éxito de la Compañía Neerlandesa de las Indias Orientales y la prosperidad comercial de los Países Bajos, y por otro, el gusto por las flores, especialmente las exóticas, que se convirtieron en objeto de ostentación y símbolo de riqueza.

A su vez, y por razones que en aquel tiempo se desconocían, los tulipanes cultivados en los Países Bajos sufrían variaciones en su apariencia, naciendo así los tulipanes multicolores, irrepetibles, lo que aumentaba su exotismo y por tanto su precio. Hoy se sabe que la causa de ese fenómeno era un parásito de la flor, el pulgón, que transmite un virus a la planta conocido como Tulip Breaking Potyvirus.

El tulipán –procedente de la actual Turquía, entonces Imperio otomano, donde tenía connotaciones sagradas y adornaba los trajes de los sultanes– fue introducido en los Países Bajos en 1559. De hecho, la palabra «tulipán» procede del francés turban, deformación del turco otomano tülbent, viniendo este término del persa dulband y significando todos turbante.

Aunque han sido halladas evidencias del uso ornamental en el al-Ándalus del siglo XI que indican una introducción en Europa más remota en el tiempo, la versión tradicional atribuye su difusión al embajador austriaco en Turquía, Ogier Ghislain de Busbecq, en el siglo XVI. Ogier era un floricultor entusiasta, y cuando regresó a Europa en 1544 llevó consigo algunos bulbos a los Jardines Imperiales de Viena. Más tarde, en 1593, el destacado botánico Carolus Clusius dejó su trabajo en los Jardines Imperiales para tomar un cargo de profesor de botánica en Leiden (Holanda), hasta donde llevó una colección de bulbos de tulipanes que crearon un gran interés y entusiasmo.

Clusius comenzó a cultivar tulipanes de variedades exóticas: sin embargo, celoso de su colección, los mantenía guardados. Pero una noche alguien penetró en su jardín y robó sus bulbos. El suelo arenoso holandés, ganado al mar, resultó ser el idóneo para el cultivo de la planta, y el tulipán se extendió por todo el territorio.

Para mucha gente los tulipanes pueden parecer inútiles, sin olor ni aplicación medicinal, floreciendo solo una o dos semanas al año. Pero los jardineros holandeses apreciaban los tulipanes por su belleza, y muchos pintores lo preferían como motivo para sus cuadros.

A pesar de que se intentó controlar el proceso por el cual los tulipanes monocromos se convertían en multicolores, los horticultores holandeses no fueron capaces, de manera que lo aleatorio del exotismo contribuyó a elevar progresivamente el precio de cada bulbo. Las variedades más raras eran bautizadas con nombres de personajes ilustres y almirantes de prestigio. En la década de los años veinte del siglo XVII el precio del tulipán comenzó a crecer a gran velocidad. Se conservan registros de ventas absurdas: lujosas mansiones a cambio de un solo bulbo, o flores vendidas a cambio del salario de quince años de un artesano bien pagado. En 1623 un solo bulbo podía llegar a valer 1000 florines neerlandeses: una persona normal en Holanda tenía unos ingresos medios anuales de 150 florines. Durante la década de 1630 parecía que el precio de los bulbos crecía ilimitadamente y todo el país invirtió cuanto tenía en el comercio especulativo de tulipanes. Los beneficios llegaron al 500 %.

En 1635 se vendieron 40 bulbos por 100.000 florines. A efectos de comparación, una tonelada de mantequilla costaba 100 florines, y ocho cerdos 240 florines. Un bulbo de tulipán llegó a ser vendido por el precio equivalente a 24 toneladas de trigo. El récord de venta lo batió el Semper Augustus: 6000 florines por un solo bulbo, en Haarlem.

En 1636 se declaró una epidemia de peste bubónica que diezmó a la población neerlandesa. La falta de mano de obra multiplicó aún más los precios, y se generó un irresistible mercado alcista. Tal fue la fiebre, que se creó un mercado de futuros, a partir de bulbos aún no recolectados. Ese fenómeno fue conocido como windhandel (“negocio de aire”), y se popularizó sobre todo en las tabernas de las pequeñas ciudades, a pesar de que un edicto estatal de 1610 había prohibido el negocio por las dificultades de ejecución contractual que generaba. Pese a la prohibición, los negocios de este tipo continuaron entre particulares. Los compradores se endeudaban y se hipotecaban para adquirir las flores, y llegó un momento en que ya no se intercambiaban bulbos, sino que se efectuaba una auténtica especulación financiera mediante notas de crédito. Se publicaron extensos y bellos catálogos de ventas, y los tulipanes entraron en la bolsa de valores. Todas las clases sociales, desde la alta burguesía hasta los artesanos, se vieron implicados en el fenómeno.

El 5 de febrero de 1637, un lote de 1.000.000 de tulipanes de gran rareza se vendió por 90.000 florines: fue la última gran venta de tulipanes. Al día siguiente se puso a la venta un lote de medio kilo por 1250 florines sin encontrarse comprador. Entonces la burbuja estalló. Los precios comenzaron a caer en picado y no hubo manera de recuperar la inversión: todo el mundo vendía y nadie compraba. Se habían comprometido enormes deudas para comprar flores que ahora no valían nada. Las bancarrotas se sucedieron y golpearon a todas las clases sociales. La falta de garantías de ese curioso mercado financiero, la imposibilidad de hacer frente a los contratos y el pánico llevaron a la economía neerlandesa a la quiebra.

Pero volvamos a la realidad actual, nada más entrar enseguida por la puerta principal sur, queda muy cerca del parking para autocaravanas. El parque como he descrito, es gigantesco y difícil de abarcar en una sola jornada, para ello, nos hemos llevado unos sándwiches y bebida que dejamos en consigna para comer, pero durante todo el recorrido hemos necesitado apoyo de los restaurantes del parque porque a las 10 teníamos hambre y a las 17,00 horas volvíamos a necesitarles.

Lo primero que visitamos es el Oranje Nassau, tiene un  pabellón de las flores se inspira en el diseño holandés y presenta diferentes propuestas de composiciones con bulbos en flor, flores cortadas y macetas muy floridas. Todo con presentaciones que se renuevan cada semana. Además, se realizan muestras florales en las que se puede aprender a realizar desde el arreglo de un simple ramo hasta composiciones mucho más sofisticadas.

Destaca la fuente de la entrada y el jardín estilo francés donde los boj están recortados formando un espectáculo de conos digno del Palacio de Versalles en Francia. Las calles están adornadas con plantas que forman grandes arcos.

Muy cerca hay una zona con una pequeña granja de animales que hacen las delicias de los pequeños y mayores con cerdos, cabras, ovejas, enormes con unas orejas que les cuelga, gallinas, gallos.

En uno de los extremos llegamos a una de las zonas más fotografiadas del parque, es el molino de Keukenhof, proviene de Scharmer, fue construido en 1892 como un molino para trabajar en sacar aguas del pólder. En 1957, el molino se trasladó al sitio de Keukenhof, como regalo de Holland-America Line. En Keukenhof, el molino es de uso decorativo. El Mill (mirador) de viento estaba originalmente sobre la tierra y funcionaba como un molino de viento de pólder.  En la actualidad el molino está en funcionamiento y tiene un vuelo de sus aspas 17,90 metros y una altura de bastidor de 6,1 metros. Está cubierto con techo de cuero.

Esta zona del molino es una de las más hermosas del jardín porque tienes la posibilidad de subir a la terraza volada del molino y descubrir en el horizonte los inmensos y coloridos campos de cultivo del tulipán y por la otra parte el colorido parque de Keukenhof, os puedo asegurar que no defrauda subir al molino.

Es difícil describir desde lo alto del molino lo que sientes, las las palabras muchas veces no se acercan a la realidad, bonito, precioso, impresionante, maravilloso, aunque muchas veces se acercan a la realidad, pero no terminan de decirlo todo. Desde el promontorio del molino los colores de las flores son increíbles… cuando uno piensa en una flor amarilla no se puede imaginar que el amarillo sea un verdadero mar de color amarillo. Y por supuesto ver esa variedad de flores tan grandes y bonitas que mezclan el amarillo con el naranja, el rojo con el blanco o el blanco con el violeta. Es todo un espacio visual digno de poder contemplarse.

Mill, es el mejor mirador del molino y como ya hemos mencionado desde lo más alto se puede ver los campos sembrados de tulipanes de las tierras de cultivo de flores que lo rodean. Estos campos de bulbos producen un delicioso efecto de alfombra a rayas y son otra vista imprescindible en la tierra de la localidad de Lisse durante la primavera.

Pasamos por una zona que está cerca del río y parece pantanosa imita el movimiento Flower Power, allí varios automóviles de la época de los años 70 como: Mini, Citroën 4l Volkswagen Beetle escarabajo, son engullidos por la tierra y el agua y dentro crecen las flores como un toque de alegría y esperanza.

La zona pone en entredicho un delicado juego de colores que te atrae desde el principio, mientras decenas de matices y matices compiten por tu atención. La paleta de colores de como se expresa la propia naturaleza salpicada en un lienzo de pétalos, cada flor es una obra maestra intrincada que pone a los espectadores en guardia al ver la lucha del hombre y el hábitat.

Aquí las flores inspiran a las personas. En Keukenhof, las flores conectan a personas de todo el mundo que disfrutan de los tulipanes, los aromas y los colores. Holanda es mundialmente famosa por los hermosos campos de bulbos de flores y todos los tipos de flores que se cultivan allí. Con colores brillantes, como hippies que representan la paz y música.

En Keukenhof, pasearás por sus caminos sinuosos, cruzarás puentes pintorescos y pasarás por fabulosas fuentes y lagos. Encontrará innumerables variedades de tulipanes y una gran variedad de otras exhibiciones de flores de primavera, incluidos narcisos, tulipanes y jacintos.

Llegamos al pabellón de Beatrix Keukenhof Aquí puede encontrar un impresionante espectáculo de orquídeas en los colores más hermosos. A la derecha encontrará una tienda de souvenirs, servicios sanitarios y un gran restaurante con terraza.

En el pabellón de Beatrix además de flores, se exponen diseños de moda y muebles de diseñadores holandeses. Los diseños principales de diseñadores como Ronald Kolk, Maria Marcus, Jan des Bouvrie y Jan Jansen se presentan en varias etapas. Podemos ver más de 1800 flores cortadas y 800 plantas en maceta, estos diseños han cobrado vida y se le ha dado importancia a la exhibición floral.

La combinación de flores anturios, orquídea y medinella constituye la esencia del pabellón de Beatrix. La cantidad de flores con todas las formas y colores es abrumadora para muchas personas y la gran variedad de flores sorprende a las personas. Puedes ver juntas muchas más de las que nunca hubieras pensado que existían.

Pero si algo sobresale el pabellón Beatrix es por la reina de las flores la orquídea, donde puede ver la mayor variedad de flores de esa especie del mundo reunidas en un espacio de 1000 metros cuadrados.

Las orquídeas conforman la familia más grande de las plantas con flores, con alrededor de 20.000 especies divididas en unos 800 géneros distribuidos por todo el mundo. Son una familia cosmopolita, que se halla distribuida desde dentro del círculo polar ártico hasta Tierra del Fuego y las islas al sur de Australia. Se hallan ausentes solamente en los desiertos verdaderos y en los polos. Son más diversas en las regiones tropicales, donde frecuentemente son epifitas. No obstante, la mayoría de las especies se encuentran en los trópicos y subtrópicos, desde el nivel del mar, en casi todos los ambientes. En algunos ecosistemas son el elemento dominante, particularmente en hábitats deficientes en nutrientes. Solamente existen dos ambientes en la tierra donde no prosperan estas plantas, los polos y los desiertos de arena. Son más diversas en las regiones tropicales, donde frecuentemente son epifitas «planta que vive sobre otra planta». La mayor cantidad de especies se distribuyen en las regiones tropicales, particularmente en áreas montañosas, las cuales representan barreras naturales y aíslan a las diversas poblaciones de plantas, lo que ocasiona la formación de un elevado número de endemismos. Algunas áreas con una marcada predominancia de orquídeas son las islas y el área continental del sudeste asiático, Ecuador, donde hay unas 3500 especies descritas y Colombia. La masa atlántica brasilera cuenta con, aproximadamente, 1500 especies descritas. Otras áreas importantes son las montañas del sur del Himalaya en la India y China, las montañas de América Central y el sudeste africano, notablemente la isla de Madagascar.

Su capacidad para adaptarse es notable, ya que pueden crecer tanto a nivel del mar como en los páramos elevados. Muchas viven sobre los árboles (epifitas), otras lo hacen sobre las rocas (litófitas), otras sobre la tierra y algunas especies se desarrollan incluso en ambientes subterráneos. A pesar de lo que mucha gente cree, no son parásitas, ya que no se alimentan del árbol donde viven, sino que lo usan como medio de soporte y como vehículo para alcanzar la luz del sol. Algunas únicamente miden unos pocos centímetros y otras pueden tener el porte de un árbol. Sus flores pueden ser tan diminutas que resulta imposible observarlas a simple vista, mientras que otras llaman poderosamente la atención.

Las formas, colores y fragancias de las orquídeas son el resultado de su evolución concertada entre especies con los animales polinizadores. En la imagen se observa una flor de Coryanthes leucocorys, especie que ha desarrollado uno de los mecanismos más complejos de polinización, por medio de una bolsa llena de líquido.

Ilustración de la polinización de Angraecum sesquipedale por una polilla hipotética de larga proboscis. El dibujo fue realizado en 1867 por Alfred Russel Wallace, siguiendo la predicción realizada por Charles Darwin de 1862. En 1903 fue descubierta la polilla en Madagascar y bautizada como Xanthopan morganii praedicta.

Por lo general, las orquídeas florecen una sola vez al año, siempre por la misma época, la cual está determinada por factores ambientales tales como la disminución o elevación de la temperatura, el incremento de las horas de luz, los cambios de estación y las variaciones en la humedad ambiental. Las flores pueden permanecer abiertas desde un día (el caso de Sobralia) hasta más de tres meses (como en Paphiopedilum y Phalaenopsis). Los híbridos artificiales pueden florecer dos o más veces al año.

El 97 % de las especies de orquídeas necesitan de un polinizador para que se lleve a cabo la transferencia de los granos de polen de una planta a los pistilos de otro individuo y, por ende, para que se produzca la fecundación y la formación de las semillas. Se debe tener en cuenta que el polen de las orquídeas se halla agrupado en masas compactas llamadas polinias (singular: polinario), de tal modo que por sí solo, o por acción del viento, el polen no se puede dispersar de una flor a otra por lo que los polinizadores son imprescindibles para asegurar su reproducción sexual. Estos polinizadores son muy variados y, según cuál sea la especie en cuestión, pueden ser moscas, mosquitos, abejas, avispas, coleópteros y aves (especialmente colibríes).

La zoofilia que caracteriza a las orquídeas presupone que los animales polinizadores visiten las flores de manera regular y se detengan en ellas el tiempo suficiente; que las anteras y el estigma sean rozados o tocados con cierta frecuencia y que el primero quede adherido a los visitantes de modo tan perfecto que pueda llegar con la debida seguridad a los estigmas de otras flores. El resultado de la zoofilia depende esencialmente de que los animales puedan reconocer las flores desde una cierta distancia y de que se vean compelidos a visitar durante un cierto tiempo las flores de la misma especie. Las flores zoófilas, entonces, deben poseer productos atractivos (cebos, como el polen y el néctar), medios de reclamo (tales como olores y colores) y, además, polen viscoso o adherente.

Muchas especies de orquídeas recompensan a los polinizadores con alimento (como por ejemplo, néctar, pelos alimenticios o aceites) y otros compuestos, tales como ceras, resinas y fragancias. Estas recompensas, a su vez, refuerzan la conducta de los polinizadores. No obstante, la especialización en un solo tipo de polinizador para asegurar una transferencia más eficiente de polen, determinó una creciente especialización morfológica y estructural en las flores de las orquídeas para garantizar la atracción de una sola especie de insecto.

Por esa razón, las flores de las orquídeas son de formas extremadamente variadas y pueden atraer a una amplia variedad de insectos (abejas, avispas, moscas, mariposas, polillas) así como a pájaros, murciélagos o sapos para la polinización. Algunas atraen visitantes generalistas, pero muchas están bastante especializadas, atrayendo sólo a una o unas pocas especies como polinizadores. Polen, néctar, o fragancias florales pueden ser empleadas como recompensadores de la polinización, mientras que algunas flores (por ejemplo Cypripedium) manipulan a sus polinizadores y no proveen ninguna recompensa, y algunas especies de Ophrys y Cryptostylis mimetizan la forma y el olor de las hembras de abejas, avispas, o moscas, y son polinizadas cuando los machos tratan de aparearse con la flor (fenómeno llamado pseudocopulación).

Generalmente, el labelo –es una parte de la flor de las orquideas– funciona como una plataforma de aterrizaje y provee señales visuales o táctiles que orientan al polinizador. La polinia –es una masa de granos de polen– se adjunta al cuerpo del polinizador, y muchas veces es depositada en el estigma (usualmente una depresión en la parte de abajo de la columna) de la siguiente flor visitada. El género Coryanthes tiene un labelo como un bolsillo que se llena con un fluido secretado por la columna, una abeja que cae en este fluido debe viajar a través de un túnel, forzando la deposición del polinario en su cuerpo. La transferencia de polen dentro de la polinia es una aparente adaptación para asegurar la fertilización de muchos del tremendo número de óvulos. En algunas especies la polinización es un evento bastante poco común, y las flores pueden permanecer funcionales y vistosas por muchos días. El marchitamiento del perianto –la estructura de la flor que rodea a los órganos sexuales– ocurre rápidamente solo después de la fertilización. Angraecum sesquipedale, una orquídea de Madagascar, también es conocida por su biología de la polinización. Esta especie presenta un espolón de 20 a 35 cm de largo, y es polinizada por una mariposa esfíngida, Xanthopan morganii praedicta con una probóscide de esa longitud, un hecho que Charles Darwin había predicho antes del descubrimiento de tal polinizador.

En la mayoría de las especies las pequeñas semillas, que son como polvo, son dispersadas por el viento y requieren nutrientes provistos por un hongo micorrícico para poder germinar. Algunos miembros de Cypripedioideae y Vanilloideae poseen frutos carnosos que fermentan in situ liberando compuestos fragantes (por ejemplo la vainillina) que atraen a pájaros y mamíferos, que actúan como agentes de dispersión.

Estas semillas están formadas por un embrión constituido por pocas células, cubiertas por una testa muy dura. El número de semillas puede variar de 13.000 a 4.000.000 por cápsula.. Estas semillas no poseen endosperma y consisten de un pequeño embrión suspendido dentro de una membrana, comúnmente transparente, aunque en ocasiones pigmentadas. Las formas de las semillas pueden ser muy variables, existiendo elípticas, filiformes, fusiformes, redondas, globulares o prominentemente aladas. Todas estas características aparentemente maximizan la fecundidad y la efectividad en la dispersión por el viento de las semillas de orquídeas. La germinación de estas semillas tiene lugar por medio de un proceso que es diferente al de la mayor parte de las angiospermas, porque los embriones de orquídeas son, desde un punto de vista anatómico y estructural, extremadamente reducidos y simples. Los embriones de orquídeas germinan y crecen hasta producir una masa de células llamada «protocormo». Estos protocormos, con sus «rizoides» (estructuras en forma de raíces) pueden o no de inmediato comenzar a fotosintetizar. No obstante, para que el protocormo sobreviva, se desarrolle y se transforme en retoño, primero debe establecer una relación simbiótica con un hongo.

El papel que desempeña el hongo es el de suministrar azúcares al protocormo (especialmente a aquellos que no poseen clorofila). El hongo obtiene el azúcar de secciones del substrato (suelo u otro objeto sólido que sirva de organismo huésped a la planta) de la orquídea, es decir, la corteza de un árbol o del suelo. El protocormo, a su vez, provee al hongo con ciertas vitaminas y un hábitat donde vivir. El hongo vive en área del protocormo y del substrato. Con el tiempo, el joven retoño comenzará a producir sus propios nutrientes y la simbiosis no será más necesaria.

Volvemos nuevamente a disfrutar de las actividades del parque que conectan con todo o tipo de familias y de países de procedencia, puedes pasear en bicicleta, subirte a un barco que navega entre los campos de bulbos.También hay columpios y juegos, algunos muy originales y divertidos. Se puede jugar en un ajedrez gigante o tratar de encontrar la salida en el curioso y sorprendente laberinto. Calzarte unos zuecos enormes o simplemente fotografiarte junto con las mejores obras de arte del barroco flamenco.

Este año podemos ver un jardín que contará con una réplica de La Joven de la perla (en neerlandés Het meisje met de parel), una de las obras maestras de Vermeer, que pintó hacia 1665. En esa pintura emblemática, también conocida como La muchacha del turbante, La Mona Lisa holandesa o La Mona Lisa del norte,Vermeer representa una chica ataviada con vestimenta exótica, un turbante oriental y una insólita perla grande en la oreja. La enigmática joven era un personaje imaginario, razón por lo que esa pintura no se consideraba un retrato, sino lo que se conoce como tronie (en holandés «rostro»),denominación que se daba en la época a determinadas pinturas que no pretendían ser retratos, sino estudios de expresión.

También cobrará vida en Keukenhof un ramo imposible, compuesto por flores que florecen en diferentes épocas del año, un rasgo característico de muchos de los bodegones de flores barrocos holandeses. Además, los visitantes podrán admirar las réplicas de varias de las pinturas que se conservan en el Mauritshuisdonde, por obra y gracia de algunos artistas barrocos holandeses, las flores se han convertido en símbolos clásicos.

Tenemos oportunidad de ver como varias mujeres vietnamitas con su famoso vestido Ao Dai posan entre los macizos de flores que aumentanlos colores vibrantes, cerca de los canales con bandadas de cisnes nadando, haciéndote creer que estás viviendo en un cuento de hadas. Los tulipanes en el jardín de Keukenhof se han convertido en una verdadera obra de arte y contemplar las flores significa destacar el talento y esfuerzo de los holandeses que trabajan duro día y noche para que luego solo se abran a los visitantes para disfrutar de las flores cada año durante dos meses.

El tulipán holandés en el budismo es una flor que simboliza la fama, la riqueza, la vida eterna y el amor perfecto. Cada color tiene su propio significado. Para los tulipanes blancos, el color de la flor representa la pureza, el naranja para la pasión y el fervor, y el rojo para la sinceridad del corazón del amante. Especialmente en Keukenhof, también tiene la oportunidad de ver muchas flores únicas, como el mágico tulipán negro "Reina de la noche", el raro tulipán arcoíris ; el color rosa significa juventud y feminidad; el color naranja felicidad y buena energía; los morados o lilas están vinculados a la nobleza; los azules están asociados a la paz y a la tranquilidad y transmiten lealtad.

En el parque tampoco faltan las estatuas, fuentes, terrazas, escaleras, puentes y… naturalmente, un tradicional molino holandés que ya hemos visto, siempre acompañados de los interminables y floridos campos de plantaciones con los tulipanes en flor. Unos de los más hermosos es las esculturas blancas abstractas que asemejas dos palomas entre un mar de bulbos de tulipanes.

Entramos en la zona del jardín que ellos llaman Clasiustuin, está presidido por la imagen de Carolus Clusius, fue un botánico flamenco y el creador de uno de los primeros jardines botánicos de Europa en Leiden y es considerado como uno de los fundadores de la horticultura. También fue uno de los primeros en realizar descripciones realmente científicas de plantas.

Carolus realizó sus estudios en Gante hasta que partió a la universidad de Derecho de Lovaina. En 1548 parte a Marburgo y en 1549 a Wittenburg a seguir las enseñanzas de Melanchthon. Siguiendo los consejos de este, abandona el derecho para estudiar medicina y botánica. En 1551 va a Montpellier para estudiar botánica bajo la dirección de Guillaume Rondelet. Allí se convirtió en su secretario y vivió tres años en su casa.

Esta parte del parque imita el antiguo jardín Clusius de 1594 que tuvo una función pública, científica y educativa: un museo verdaderamente moderno. Originalmente pensado como un jardín de hierbas para la investigación y educación de plantas que eran importantes para la ciencia médica, en realidad fue un jardín botánico, con una gran colección de especies de plantas de todo el mundo. El jardín es un estilo renacentista típico: dividido en cuatro cuadrantes, que se subdividen en puntos rectangulares.

Ya cuando empieza atardecer, la cantidad de gente empieza a despejarse, es el momento que llegamos al gran lago central, esta zona está dominada por los grandes árboles, las grandes praderas verdes y los mares de flores que los rodean, es la ocasión para sentarse en un banco y dejar pasar el tiempo para planear el regreso en otro año.

Después de visitar el parque de Keukenhof (Holanda) nos exige una profunda reflexión. Como sabéis hemos viajado miles de kilómetros para llegar en un corto espacio de tiempo que nos exige las vacaciones de Semana Santa. Llevamos varios años soñando con poder venir al Corazón de la Primavera pero nunca se hacía realidad porque no cuadraba la Semana Santa con la floración de los tulipanes.

Hoy, por fin nuestro sueño se hizo realidad, hemos podido visitar el Parque de Keukenhoft. Ya mencioné que abre solamente dos meses al año y aquí en Holanda llueve un día sí y otro también, además, siempre está nublado los días que no llueve. Dicen que los días soleados se cuentan con los dedos de una mano y hoy era uno de esos días.

El sol de los Países Bajos no es de esos que calientan, simplemente iluminan y apenas da sombras, eso se ve mucho en la pintura de los sus cuadros más famosos.

El parque Keukenhof, cómo definirlo, es un parque de atracciones pero sin toboganes, aquí las sensaciones son visuales pero ejercen los mismos efectos satisfactorios en el cerebro.

Mirar que habíamos visto fotografías y postales sobre Keukenhoft pero nunca imaginamos lo bonito que es, los rincones que tiene, lo bien cuidado que está. Es una delicia para los sentidos, sobre todo para la vista y el olor.

La armonía del parque es una de sus principales características, ya el siglo VI, los artistas y eruditos chinos, utilizaban las flores según las mismas reglas de la caligrafía y la pintura. Conocimiento, arte y espiritualidad eran para ellos una sola materia.

El parque proyecta una disposición armónica, principalmente debido a sus estudiadas geometrías en las que se combinan las plantas y las flores. Puede ver formas circulares o serpenteadas dándole movimiento y fluidez con un diseño que predomina el color. También hay que tener en cuenta cómo los colores se complementan unos con otros, por ejemplo las rosas rojas y rosadas contrastan muy bien con los blancos, los rojos con amarillo.

Es importante tener en cuenta que la armonía siempre está relacionada con la simplicidad. El jardín se divide en pequeños o grandes rincones donde al observarlo se refleja la energía de la naturaleza en plena ebullición.

Después de la visita se nos plantea cómo mantener nuestra mente y nuestro cuerpo en ese estado de armonía y que se identifique con la profundidad del color que ha visto nuestra retina. Nuestros ojos han sido testigos de una bella obra del hombre y difícilmente pueda volverse a dar. Todos los elementos de la tierra se han unido para que podamos contemplar esta belleza.

Sobre el clima, el día ha sido perfecto con temperaturas de 20 grados. Es una recomendación muy importante, hay que venir al parque con las previsiones del tiempo sin lluvia y si es posible con sol porque lloviendo y con frío de hace dos días, es tirar el dinero.

Es inimaginable agrícola que tienen los Países Bajos con las flores, dicen que Holanda este apartado representa el 5 por ciento de su PIB y a nivel mundial exporta el 60% de las flores de todo el planeta.

Desde hace cuatro años la zona de cultivo dedicado a las flores ha crecido exponencialmente, más casa, más tierra para espacio para cultivar, más granjas, etc.

Después de visitar el parque decidimos pernoctar dónde años anteriores lo habíamos hecho en el parking habilitado de Lisse,en ese tiempo era muy fácil porque había un parking en la calle para autocaravanas dónde se reunían más de 500. Ahora lo han prohibido y se han creado muchos campings, además en las granjas agrícolas también permiten el estacionamiento. Todos ganan con el negocio, Además, la policía vigila para que se cumpla, durante el día puedes aparcar donde puedas, pero al llegar las 21,00 horas ponte a buen recaudo.

Decidimos probar una de estas granjas, está a 8 km del parque. Cuando llegamos solamente la quedan dos plazas de las más de 50 que han habilitado. Nos pide 19 euros con luz.

El parking para autocaravanas en la zona de Lisse, tiene Wi-Fi de la granja, lugar para llenar y vaciar (GPS N 52.2262899 E 4.6190458), situado en 50 Kaagweg de Abbenes (Países Bajos)

La granja además de la pernocta nos ofrece la posibilidad de poder comprar sus productos, cebollas, patatas, huevos, purés preparados, etc. Poco más puedo contar, nos damos una ducha por 1 euro sin manchar nuestra casa.

El wifi no llega bien a nuestra zona, no sé si veremos el partido de Champions, la dueña no nos ha invitado a su salón.

Día 13 de abril (miércoles)
Ruta: Lisse-Alsmeer-Delf

El día comenzó en una granja dónde hemos pasado la noche muy tranquilos aunque un poco nerviosos después de escuchar la Champions en la cadena Ser porque no llegaba el wifi de la granja.

Marchamos pronto para ver la subasta de flores en Floraholland, esto está Alsmeer, llegamos un poco tarde porque la subasta está abierta al público lunes, martes, miércoles y viernes de 7 a 11h y los jueves de 7 a 9h. Por lo tanto se recomienda empezar la visita lo más temprano posible. Ya que a primera hora todo está en plena actividad. Las entradas turísticas son 40 euros y tenemos casi hora y media para la visita.

Llegamos al parking que se emplea exclusivamente para visitar “Royal Flora Holland”, situada en Legmeerdijk 313 1431 GB Aalsmeer El parking de coches solo acepta vehículos de altura máxima 2,7 m, por lo que si mides más hay que utilizar este reservado a autobuses, es gratuita. Las coordenadas GPS del lugar corresponden: N 52.259453 E 4.788569.

FloraHolland es la empresa de subastas de flores más grande del mundo, con una facturación anual de 4500 millones de euros y 4500 miembros. El 90% del comercio de flores de Holanda pasa por alguno de los almacenes de FloraHolland. A diferencia de las subastas comunes en las que el precio normalmente aumenta, en la de Aalsmeer se sigue el método holandés en que el precio es decreciente.

Imaginar lo que supone este complejo es algo complicado por las dimensiones que tiene. La nave puede tener más de 2 km de largo. Solamente mencionar que Royal FloraHolland es la compañía de subastas de flores más grande del mundo. Durante más de 100 años, la compañía ha organizado la oferta y la demanda para ayudar a ofrecer un precio óptimo y bajos costos de transacción para los productores y compradores internacionales de flores y plantas.

Si eres capaz de pensar que la mayoría de las flores que se comercializan en Europa y parte del mundo pasan por aquí. Muchas de las que se comercializaran mañana en las floristerías de España están en estos momentos aquí.

El interior es como un hormiguero dónde un ejército de 600 personas a bordo de unos carritos eléctricos transportan las flores y las distribuyen del cultivador al vendedor mediante un original sistema de subastas.

Las flores llegan en camiones desde las 6 de la tarde del día anterior hasta las 6 de la mañana y son introducidos en las grandes naves. Los cultivadores extranjeros se abren camino cada vez en mayor número y con mayor cantidad de producto, hacia la venta mediante el sistema de subastas de FloraHolland. Para poder integrar de una forma óptima la oferta internacional en la oferta holandesa, FloraHolland dispone de representantes locales en todo el mundo.

Las empresas francesas, portuguesas, italianas y españolas son las principales suministradoras de productos a FloraHolland. Más de la mitad de la producción total de Israel viene también a FloraHolland. La oferta total de la exportación de Israel a las subastas holandesas, se comercializa en más de un 60 por ciento a través de FloraHolland; y después de algunos años de descenso en la exportación, en Israel ahora se espera una recuperación.

Un sistema de carros eléctricos sin intervención humana hace pasar las flores entre los subasteros que compran las cantidades que van a necesitar. Estas más adelante son distribuidas y reunidas para que los camiones las lleven hasta los compradores.

Nos cuesta imaginar el lugar que tiene un gran parecido a un hormiguero y en su interior se comportan como si fueran hormigas como operan bajo un complejo sistema informático que indica a cada trabajador que tiene que hacer con esas flores. Observamos las actividades durante aproximadamente una hora. Rápidamente, aprendimos que los artículos recién subastados harían cola en un área intermedia. Luego, un trabajador conectaría un remolque de contenedores de flores a su transporte eléctrico y, utilizando un ticket de recogida, realizaría las diferentes entregas en otras secciones del almacén según este ticket. En cada sección designada para la que tenía un boleto, cargaba la cantidad requerida de contenedores y verificaba que los artículos estaban cargados. Cuando la sección de remolques estaba llena, otra persona llevaba el remolque a otra área donde se estaba ensamblando el pedido completo del cliente. El tren completo de remolques se sacaría del área de clasificación y se trasladaría al embalaje y preparación para la entrega en el aeropuerto o en camión internacional. El procesamiento de días completos se mueve rápido y furioso con la ansiedad adicional de solo 24 horas para el traslado desde la subasta hasta la floristería en su ciudad natal.

El interior es una autopista de carros que se conducen como si de un coche se tratase. El nivel de estrés es máximo porque trabajar en estas condiciones debe de ser difícil. La mayoría de los trabajadores no llega a los 30 años.

Al final de la vista al almacén, antes de salir, la empresa nos muestra varios videos y pantallas interactivas para informarte mejor. En un área, puede filmarse simulando conducir uno de los carros eléctricos por el piso del almacén, en otra, puedes fotografiarse en varias pantallas verdes agregando escenarios para ubicarse en medio de los campos de flores que luego te envían a tú e.mail.

Después de la visita marchamos a ver una granja productora de flores dónde hemos podido ver sus variedades, comprar algunos tulipanes y suvenir De Tulperij. Se encuentra situada en Oude Herenweg 16 B, 2215 RZ Voorhout, Países Bajos. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 52.239732 E 4.524959.

Es un concepto de visita muy satisfactorio. Puedes ver sus hermosas flores en su jardín de tulipanes con la guía que puede contarte todo sobre los tulipanes, las formas en que se cultivan y otros aspectos informativos. Aquí puede encontrar excelentes campos de tulipanes y también áreas separadas con todas las razas de tulipanes. También hay un jardín de recolección donde puedes recoger tus propias flores. Además, el local está súper bien cuidado y puedes tomar algo y comer tarta casera después de la recolección.

Después de comer en la autocaravana unos aperitivos y espárragos con merluza, nos hemos marchado para ver una ruta exterior que previamente nos hemos diseñado para poder ver in situ las inmensas plantaciones de flores. Está mañana hemos visto el mercado y ahora los productores.

Este año vemos que hay pocos tulipanes plantados y los agricultores han optado por otro tipo de flores. Ignoramos el motivo quizás los consumidores no les gustan tanto los tulipanes, en su lugar vemos plantados muchas clases de jacintos.

Nos hemos hecho una ruta visitando la zona de Bollenstreek para poder ver los mayores campos de flores de los Países Bajos:

El campo 1 la posición GPS es N 52.236547 E 4.512598

El campo 2 la posición GPS es N 52.254119 E 4.473270

Lo más curioso sobre el fenómeno de los campos de tulipanes holandeses es quizás el hecho que a los cultivadores lo que realmente les importa es el bulbo y no la flor. De hecho, la mayoría de las flores son cortadas una vez florecen, para así ayudar a que los bulbos crezcan y se hagan más grandes y más fuertes. Para ver los campos de tulipanes en flor necesitas pues, tener un poco de suerte, ya que estos solo se dejan ver durante un par de semanas al año.

Para terminar el día marchamos hacia la ciudad de Delf con la intención de pernoctar en el área de autocaravanas que tiene el camping Delftse Hout (GPS N 52.017621, E 4.378141). Explicamos en recepción que no queremos los servicios del campin que solamente pretendemos pasar la noche y mañana a primera hora nos marchamos. Vemos un área de autocaravanas a la entrada del camping totalmente vacía y nos indican que esta todo reservado y que no tiene plazas, difícil de creer.

Al final de la tarde terminamos en un especie de camping a 14 km de Delf, en el llamado Camperpark Den Haag El precio es de 30 euros y solamente accedemos a dormir allí por la hora de llegada y la necesidad de llenado y vaciado, sencillamente es un lugar a evitar. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 52.057219 E 4.378823.

Nos acostamos pensando que mañana vamos a tener la oportunidad de descubrir la ciudad del pintor de la muchacha de la perla Johannes Vermeer. La obra completa de Vermeer es muy reducida; solamente se conocen 33 a 35 cuadros. Esto pudo deberse a que pintaba para mecenas, por encargo, más que para el mercado de arte.

Día 14 de abril (jueves)
Ruta: Delf-Otterlo

Nada más levantarnos, nos marchamos en dirección a Delf para aparcar en un lugar Más cercano donde nos podamos comunicar con el centro de la ciudad por medio de bus público 63. Vimos ayer un lugar donde antes se podía pernoctar, pero ahora hay una indicación que está prohibido pasar la noche, pero podemos aparcar perfectamente por el día para visitar la ciudad (GPS N 52.015730 E 4.374732), está situado Korftlaan 6, 2616 LJ Delft, Países Bajos.

Nuestro viaje de hoy comienza en la ciudad de Delf, es una ciudad de los Países Bajos muy unida a la historia de España porque allí comenzó la revolución que dio al traste con una parte del imperio español.

Nos trasladamos al corazón de la ciudad gracias a una buena amiga Kris que vive aquí y nos va ayudar a enseñarnos está preciosa y antigua ciudad.

Comenzamos la visita por la vieja iglesia, hay que sacar los billetes conjuntos con la nueva. Oude Kerk (GPS N 52.012512 E 4.355318), situada HH Geestkerkhof 25, 2611 HP Delft, Países Bajos.

Su interior es de una claridad inusitada en las iglesias de la Edad Media. Fue comenzada a construir hacia 1240 y recibe el nombre de su patrono: San Bartolomé. Fue creciendo al mismo ritmo de la ciudad y cambio el nombre por el de San Hipólito.

Con la reforma luterana toda la decoración se vino abajo y el interior cambio su aspecto despejando toda ornamentación católica.

En 1406, el Oude Kerk se puso en la venta la primera vidriera. Durante la historia siguieron en el transcurso de ese siglo todas las ventanas. Desafortunadamente, debido al incendio de la ciudad de 1536 y al Delftse Thunderclap en 1654 (una explosión de pólvora), todas las ventanas se perdieron.

Recientemente en el siglo XX las vidrieras vuelven una a una al lugar que hasta entonces ocupaba el vidrio desnudo. En total, la iglesia ahora contiene 27 vidrieras, cada una con su propia historia. Esta colección especial se considera la obra de toda una vida del renombrado vidriero Joep Nicolas.

Los vitrales de Oude Kerk son muy coloridos; del amarillo ocre al azul cielo, del rojo intenso al verde oscuro. La mayoría interpreta relatos bíblicos conocidos, como 'la parábola del hijo pródigo' o 'Moisés en el cesto de juncos'. Pero también hay una serie de ventanas conmemorativas fascinantes para ver, como la ventana de Liberación y la ventana de Wilhelmina.

Nada más atravesar su puerta te suena a una imagen conocida porque todo aficionado a la pintura ha podido ver reflejado su interior. Las piedras de sillería son blancas que reflejan la luz de sus enormes vitrales que cuentan la historia de la ciudad.

Una de las piezas más bonitas es su actual púlpito principal en medio de la iglesia, data del año 1548. No se sabe quién lo hizo. Sin embargo, jugando con la perspectiva y trabajando con gran detalle, el fabricante ha logrado convertirlo en uno de los púlpitos más hermosos de los Países Bajos.

A pesar de que los iconoclastas realmente demolieron todo lo que era romano de la iglesia en 1566 y 1572, el púlpito se salvó. Esto significa que todos aún pueden disfrutar de las hermosas tallas de madera y el hermoso simbolismo que se les ha incorporado. Además del púlpito principal de 1548, hay un púlpito algo más pequeño en una de las esquinas de la iglesia.

En una de las puertas a la altura de la nave lateral se encuentra la tumba Johannes Vermeer, el famoso pintor de la chica de la perla o la lechera. Muere en más absolutas de las miserias, pero es enterrado en el interior de la iglesia en el panteón de su suegra. El mundialmente famoso pintor Johannes Vermeer murió desconocido y sin amor. Hasta 2007, solo había una sepultura pequeña y discreta que conmemoraba su entierro en la tumba de la familia de su suegra. Luego se agregó una nueva conmemorativa más grande, lo que le dio a Johannes Vermeer parte del reconocimiento que se merece.

Además, podemos ver las tumbas de Clara van Spaerwoude, hija de un orfebre, era más conocida por el modelo que había establecido con su enorme herencia. A pesar de su riqueza y buenas obras, Van Spaerwoude todavía recibió "solo" un epitafio como memorial. Colgado de uno de los pilares, este es probablemente el epitafio más hermoso que ofrece Oude Kerk.

Como hija de un orfebre, a Clara van Spaerwoude nunca le faltó dinero. Tenía un gran corazón y una gran fortuna. De 1578 a 1579 Van Spaerwoude se hizo cargo de los hermanos pobres; en 1578 y de 1581 a 1590 fue la madre de la Casa de las Niñas de Delft. También apoyó a varias organizaciones benéficas.

En 1556, Clara van Spaerwoude se casó con el hijo del alcalde, Arent van der Meer. La rica benefactora y su esposo no tuvieron hijos. Tal vez por eso tenía escrito en su testamento que su patrimonio debía distribuirse en forma de dotes a niños e hijas piadosos y honestos de mi raza.

Desde la muerte de Clara van Spaerwoude, los descendientes casados recibieron cada uno unos trescientos florines. Esta cantidad fue disminuyendo cada vez más, convirtiéndose en unos 11,35 euros en 1922. Entonces el ministro decidió suprimir el fondo. El capital residual, alrededor de medio millón de florines, se dividió entre los descendientes más pobres. Hoy, un hermoso epitafio en Oude Kerk todavía se refiere a la especial Clara van Spaerwoude.

Piet Hein El héroe naval que logró interceptar una valiosísima flota de plata española durante la Guerra de los Ochenta Años, fue enterrado en Oude Kerk con gran interés. De pie, frente a su monumento funerario bien ejecutado, uno ve que el detallado colchón de mármol blanco con el héroe naval que murió en armadura está tallado en una sola pieza. Los otros elementos, principalmente negros, contribuyen a la apariencia llamativa.

El mausoleo de Maarten Tromp es, si cabe, aún más rimbombante que el de Piet Hein. A la izquierda, y a la derecha de la imagen de este heroico navegante, se encuentran varios objetos marciales: armaduras, escudos, hachas y otras armas de guerra. En una placa de mármol blanco en el pedestal hay una representación detallada de la Batalla de Ter Heijde, en la que murió Tromp. Este monumento ha sido recientemente restaurado en profundidad.

Anthonie van Leeuwenhoek es una científica que murió a la edad de 91 años y dejó suficiente dinero para ser enterrada en Oude Kerk. Su hija María también se aseguró de que se construyera una hermosa tumba. Con razón; este 'inventor' del microscopio ha significado mucho para la microbiología. Su amigo y poeta Huibert C. Poot escribió un respetuoso epitafio que aún puede leerse en la Oude Kerk.

La relativamente desconocida Elisabeth Morgan, hija de uno de los confidentes de Guillermo de Orange, tiene una tumba impresionante en Oude Kerk. Su marido, el caballero Charles Morgan, lo hizo diseñar por el escultor inglés Nicholas Stone. La combinación del mármol oscuro y los coloridos escudos de armas de la familia dan a la obra de arte un encanto especial. La imagen de Elisabeth es realista; se dice que se tomaron impresiones de sus manos, pies y rostro para acercarse lo más posible a la realidad.

Todas las tumbas están dañadas porque durante la revolución francesa llegó la moda hasta Holanda y destrozaron cualquier signo de desigualdad al grito de libertad, igualdad y fraternidad.

El exterior de la iglesia es de ladrillo cocido como la mayoría de los monumentos holandeses y destaca su torre porque es inclinada como la Torre de Pisa. Aquí la construcción tuvo que pararse para evitar la desviación por hundimiento del terreno, se pivotó y se siguió construyendo para recuperar la verticalidad y así lleva 8 siglos.

La Torre Inclinada se construyó debido a que en realidad no había espacio para construir la torre antes de la iglesia existente, es probable que se usara la zona inundada de agua del Oude Delft, en su lugar para crear espacio. Luego, la torre se construyó mitad sobre una cresta de arena y mitad sobre el foso rellenado. Debido al asentamiento del suelo en la ubicación del foso rellenado, la torre ya comenzó a inclinarse durante la construcción. Hay una torcedura en la torre, porque se siguió construyendo recta, sobre una base torcida. A lo largo de los siglos, la Torre Inclinada ha alarmado a muchos habitantes de la ciudad. En 1843, el 'Consejo de la Ciudad de Delft' decidió, por temor a que se derrumbara, que la torre debía ser demolida hasta el techo de la iglesia. Los contratistas locales pudieron entonces evitar que esta decisión se implementara realmente. La torre de 75 metros de altura ahora tiene 1,96 metros de altura. La torre estuvo en andamio hasta julio de 2018 por obras de renovación y refuerzo.

Desde aquí marchamos a la iglesia nueva que está en la plaza del ayuntamiento (GPS N 52.011998 E 4.360107), enfrente de uno de los edificios más bonitos de la ciudad, correspondía con los juzgados municipales que ejecutaban a los reos en la misma plaza para no perder mucho el tiempo.

En estos momentos la plaza está ocupado por un gran mercadillo, muy parecido a los franceses dónde venden todo tipo de alimentos, cada puesto está especializado en una comida.

La iglesia está muy unida a la figura de Guillermo de Orange nació en una noble familia alemana: los Nassau. Cuando tenía once años, heredó el principado de Orange y llegó a la corte del rey Carlos V. Era tan popular entre el rey que se apoyó en el hombro de William cuando abdicó. A su hijo y sucesor Felipe II, el rey le dijo: 'Honra a este joven, puede ser tu más valioso consejero y apoyo'. Nadie sospechaba entonces que William y Philip se convertirían en enemigos mortales...

15 de marzo de 1580 El rey Guillermo de Orange declara fuera de la ley. Se hicieron varios atentados contra su vida. Pasó el último período de la vida de Willam en Delft, en lo que ahora es el Prinsenhof. Allí se sentía relativamente seguro... Sin embargo, el francés Balthasar Gerards logró entrar y le disparó a corta distancia. Las últimas palabras de William, según la tradición (en francés): 'Dios mío, Dios mío, ten piedad de mí y de este pobre pueblo'.

Guillermo de Orange normalmente habría sido enterrado en Breda, si no fuera por el hecho de que esta ciudad estaba ocupada por los españoles. Como resultado, Van Oranje fue enterrado en Nieuwe Kerk en Delft. Desde entonces, todos los miembros de la Casa Real holandesa han encontrado aquí su última morada.

La historia de la torre de la iglesia habla que los eruditos Simon Stevin y Jan Cornets de Groot (el padre del abogado Hugo) hicieron sus famosas pruebas de caída. Utilizando dos bolas de plomo, unas diez veces más pesada que la otra, los científicos demostraron que los objetos pesados y ligeros del mismo tamaño caen a la misma velocidad.

El 6 de septiembre de 1496, cien años después del inicio de la construcción de la iglesia de piedra, se terminó la torre. Se había colocado una 'manzana' gigante en la parte superior; el símbolo del infinito. Sin embargo, la existencia de la torre resultó ser todo menos infinito, ya que fue completamente destruida en el incendio de la ciudad de 1536.

La aguja fue reemplazada por una nueva, esta vez sin forma de manzana, y parecía que la torre finalmente estaba terminada. Sin embargo, a fines del siglo XIX, el desastre golpeó nuevamente: un rayo. El conocido arquitecto Pierre Cuypers diseñó la aguja actual en 1872.

La torre de la Nieuwe Kerk ha permanecido intacta desde entonces. A pesar de; la parte superior ennegrecida sugiere que se ha producido un gran incendio en él. Nada más lejos de la verdad. Para este segundo octágono se utilizó arenisca de Bentheimer, que se vuelve cada vez más oscura debido a la meteorización (lluvia ácida). La limpieza no tiene sentido.

La iglesia nueva es muy similar a la vieja, aunque esta tiene tres naves, la principal y dos colaterales. El diseño de la basílica cruciforme del estilo gótico flamígero, que se edificó a partir de 1396, responde a las reglas exactas del simbolismo. El plano en forma de cruz refiere a Cristo, las doce columnas del corazón a los doce apóstoles, los cuatro pilares del crucero representan los cuatro evangelistas y las dieciséis columnas en la nave central representan los dieciséis profetas. La construcción se realizó literalmente alrededor de lo que fue la antigua iglesia provisional de madera.

Hablando en términos generales, hay dos tipos de vidrieras para descubrir en Nieuwe Kerk: ventanas con temas bíblicos y ventanas conmemorativas como la ventana Prince Willem o la ventana Wilhelmina. La última categoría se refiere a eventos o personas importantes en la historia holandesa.

Incluso en la Edad Media, la Nieuwe Kerk estaba decorada con vidrieras. Sin embargo, después del incendio de la ciudad en 1536 y la Delftse Donderslag (explosión de pólvora) en 1654, no quedó nada de ella. Fue solo en el siglo XX que la iglesia recibió una nueva colección, la mayoría de las cuales fueron hechas por Willem Adriaan van Konijnenburg.

La ventana más nueva se inauguró en 2006 y representa la historia bíblica de la resurrección de la hija de Jairo. Esta obra del artista Annemiek Punt se distingue del resto por sus colores vivos y sus formas abstractas. Por tanto, si quieres ver las manos de Jesús, el rostro de la hija y una mariposa, tienes que fijarte bien.

Básicamente, el interior de la iglesia era el cementerio de la ciudad para los más ricos porque de esta forma se garantizan el camino directo al cielo. Aprovechando su fama comienza a enterrarse Guillermo de Orange. Es considerado como el padre de la patria y aquí están enterrados la mayoría de la casa real holandesa.

En la cabecera de la iglesia se encuentra el sepulcro con la figura yaciente en mármol blanco de Guillermo, en las esquinas pueden verse cuatro caras de mujeres que representan sus valores: libertad, justicia, religión, fuerza y coraje.

Las criptas de la familia real no están abiertas al público y solamente sus miembros conocen como son.

Además de Guillermo de Orange, cinco miembros de la Casa Real recibieron su propio monumento: el estatúder Guillermo V, su hijo William George Frederik, William Alexander Ernest Casimir (hijo del rey Guillermo II), el rey Guillermo I y su hija mayor Paulina.

Monumento alemán, este último fue enterrado por primera vez en Alemania. Sin embargo, el monumento de su tumba fue olvidado y descuidado. Cuando alguien lo redescubrió en 1911, la reina Guillermina (abuela de Beatriz) rápidamente hizo enterrar a Paulina en Nieuwe Kerk. El monumento, con inscripción en alemán, también apareció.

La tumba de Hugo de Groot, el hombre que logró escapar en un baúl de libros del castillo de Loevestein fuertemente custodiado, también se encuentra en la Nieuwe Kerk. Cercano al príncipe Maurits, que lo hizo encarcelar. La tumba de mármol blanco y negro es un respetuoso recuerdo de este inteligente jurista.

Por cierto, solo se espera que personas muy curiosas se acerquen al monumento... El final del epitafio dice: "Evita esta lápida: De Groot está enterrado aquí, tú que no brillas con sed de habilidad y amor por la libertad".

Los Orange fueron los gobernantes más importantes de los Países Bajos antes de la Guerra de los Ochenta Años y tenían su sede en Breda. Debido a que Breda estaba en manos de los españoles cuando Guillermo de Orange murió en 1584, hubo que buscarle otro lugar de entierro. Como tenía su residencia en Delft, se eligió la Nieuwe Kerk de Delft como lugar de descanso para Van Oranje. Allí fue enterrado. Luego se levantó una tumb anterior a, que se completó en 1623, sobre su tumba. Su diseño y ejecución estuvo a cargo del reconocido arquitecto y escultor Hendrick de Keyser. Su construcción fue encargada por los Estados Generales de la República de los Países Bajos Unidos y el monumento sigue siendo propiedad del Estado, gestionado por el Rijksvastgoedbedrijf.

La mayoría de los antepasados de Guillermo de Orange están enterrados en Grote Kerk en Breda, pero después de Guillermo de Orange, otros 45 miembros de la Casa de Orange y la Casa de Orange-Nassau fueron enterrados en la cripta de Orange-Nassau. La bóveda funeraria se ha ampliado considerablemente para este fin y ahora consta de un sótano pequeño y un sótano grande. El príncipe Bernhard fue el último en ser enterrado el 11 de diciembre de 2004.

Desde aquí se nos echa  encima la hora de comer, vamos a un jardín al exterior porque es el primer día que vemos un sol pleno. Pedimos una ensalada con fiambres y queso, croquetas y pollo frito.

Durante todo el recorrido por la ciudad podemos ver los lugares señalizados donde Vermeer pinto sus cuadros, la mayoría ya desaparecidos. Además, pasamos por su casa convertido en Museo, aunque no expone ningún cuadro original.

En el siglo XVII Delft era una próspera ciudad comercial e industrial, en las cercanías de Utrecht y la Haya y en el camino que llevaba a Haarlem y Amberes. Contaba en 1650 con unos 25.000 habitantes. El año 1654 será el que marque su recesión económica porque sufrirá la explosión del polvorín municipal, destruyendo parte de la ciudad. La mayoría de la población era de religión calvinista aunque en la ciudad residían bastantes católicos, existiendo dos iglesias católicas que regentaban los jesuitas. La tolerancia hacia los católicos estaba apoyada en razones de carácter económico y social, profesando la religión católica las familias más importantes de la ciudad. Esta tolerancia permitirá que a finales del siglo XVII, entre 1681 y 1685, los bautismos católicos fueran una quinta parte del total. Sin embargo, encontramos ciertas limitaciones en esta tolerancia porque los católicos no podían acceder a cargos públicos.

En esta ciudad nacerá Johannes Vermeer en 1632 y en ella fallecerá en 1675. Es posible que Vermeer realizara viajes a las ciudades cercanas pero solo tenemos constancia documental de una visita a La Haya en 1674. Este viaje lo realizó en calidad de experto en pintura, para dar su opinión sobre la colección de pinturas de Gerard Uylemburgh, que había sido ofrecida al Gran Elector de Brandegurgo. El padre del artista, Reynier Jansz. Vos (hacia 1591-1652) fue tejedor, hostelero y marchante de arte. Se había casado en 1615 con Digna Baltens (hacia 1595-1670), hija de Baltasar Claes Gerrit (hacia 1573-1630), relojero y hombre de negocios con escasos resultados. Reynier y Digna regentaban una taberna en la que conocieron a numerosos artistas, iniciando aquí su labor como marchante de arte. Sin embargo, los negocios no funcionaban muy bien y a la muerte del padre, en 1652, las deudas suponen el principal capital de la herencia.

En 1653 Vermeer contrae matrimonio con Catharina Bolnes, nacida hacia 1631 y muerta en 1688. Catharina era de religión católica, lo que hace pensar a algunos expertos que Johannes se convirtiera al catolicismo. El matrimonio tuvo un elevado número de hijos. Posiblemente, fueran quince, viviendo ocho en casa paterna al fallecimiento del pintor. Este elevado número de hijos será uno de los argumentos esgrimido por Catharina para explicar la delicada situación económica que el pintor la dejó tras su muerte. Entre los deudores se encontraba el panadero, al que se debían 726 florines. El pago se realizó con la entrega de dos cuadros del artista pero la deuda no fue del todo saldada porque se valoraron en unos 617 florines. Vermeer no pintó mucho y sus obras no alcanzaron precios desorbitados, aunque sí se valoraron.

En la actualidad se conservan 35 pinturas más algunas de dudosa atribución, mencionándose en los documentos de la época otras diez obras, hoy desaparecidas o no identificadas. En total serían unas 45 ó 46 las obras pintadas entre 1653, momento en que ingresa en la Cofradía de San Lucas, y 1675, el año de su fallecimiento. Resulta una media de dos cuadros al año, aproximadamente, si bien cabe pensar que la producción no fue regular y algunos momentos fueron más fecundos que otros. Los precios fijados en los inventarios y los alcanzados en las ventas posteriores a la muerte del pintor nos llevan a calcular unos ingresos máximos de 617 florines al año y de 200 como mínimo, dato considerado como media. Resulta dudoso que con una producción tan escasa y unos ingresos tan limitados pudieran mantener a una familia tan numerosa. Posiblemente, contó con un importante ingreso extraordinario en el negocio de las obras de arte, al tiempo que recibiría la ayuda de la familia de su esposa. Para apoyar la tesis de su faceta de negociante de arte poseemos un importante dato: en febrero de 1676, tras el fallecimiento del pintor, Catharina vendió en Amsterdam un lote compuesto por 26 cuadros, recibiendo 500 florines. Vermeer no se incluye entre los autores de estos cuadros. Sin embargo, el nombre del pintor no aparece en los documentos de las transacciones artísticas de la época, lo que indica que sería una actividad menor.

El trabajo principal que siempre se le atribuye a Vermeer al que dedicaba la mayor parte de su tiempo a la pintura y obtenían una ayuda económica con otras actividades extras. Curiosamente, muchos de sus cuadros fueron adquiridos por un mismo comprador: Claes van Ruijven (1624-1674), propietario de veinte obras de Vermeer tal y como indica el inventario realizado en 1682 por Jacob Dissius a la muerte de su esposa, hija de Van Ruijven. Para ingresar en la Cofradía de San Lucas era necesario un periodo de formación de seis años con un maestro. Desconocemos quién fue el maestro con el que Vermeer realizó su aprendizaje, formulándose varias hipótesis. Se ha pensado en algunos artistas vinculados con la familia Vermeer como Leonaert Bramer (1596-1674) o Evert van Aelst (1627-1683) pero la diferencia estilística ha llevado a rechazar la propuesta. También se ha pensado en Carel Fabritius (1622-1654) como el maestro de Vermeer. Fabritius había aprendido con Rembrandt y Vermeer poseía tres obras suyas, pero llegó a Delft en los primeros años de la década de 1650 e ingresó en la Cofradía en 1652, lo que no se ajusta a los plazos previstos. Gerard Ter Borch (1617-1681) es otra de las opciones pero en los documentos en los que se hace mención a la relación entre los dos pintores no se cita a Ter Borch como maestro. Las dificultades para encontrar al maestro en Delft han llevado a los especialistas a buscarlo en lugares distantes de la ciudad como Utrecht o Amsterdam. Así se ha apuntado a Jacob van Loo (1614-1670) y Erasmus Quellinus (1607-1678) entre los pintores de Amsterdam, pero no existe documento alguno que apoye estas especulaciones. Entre los pintores de Utrecht se apunta a Abraham Bloemaert (1564-1651), pintor relacionado con la familia de la esposa de Vermeer que pudo ser quien relacionó a Catharina y Johannes, pero esta hipótesis tampoco está fundada.

El pilar más importante del pintor Vermeer fue su suegra, María Thins, miembro de la minoría católica, separada de su marido, Reynier Bolnes desde 1641, y mujer de fuerte personalidad. María dio cobijo al matrimonio en su casa, les ayudó a lo largo de su vida y les hizo sus herederos. Vermeer se convirtió en su hombre de confianza: acudió al notario en nombre de su suegra, estaba autorizado a cobrar rentas de sus propiedades, pagar intereses de sus valores, venderlos, etc. El nivel social alcanzado por Vermeer será superior al de su padre. Así, recibirá tratamiento de "señor" ya en diciembre de 1655, posiblemente gracias a su trabajo pictórico y a los lazos sociales establecidos gracias a su matrimonio. En 1662 fue elegido síndico de la Cofradía de San Lucas, cargo que revalidaría en 1672, el año en que la economía de los holandeses sufrió un durísimo golpe debido a la guerra con Francia. Esta crisis llevará a la decadencia a la familia Vermeer, tal y como explica la propia Catharina Bolnes: "Durante la larga y ruinosa guerra con Francia (mi marido) no solo no pudo vender su arte, sino que, con gran perjuicio, tampoco los cuadros de otros grandes maestros con los que negociaba. Por tanto, y a causa de la gran carga que suponían los niños, no teniendo medios propios, cayó en tal frenesí y decadencia que día a día pasó de la salud a la muerte". Sin embargo, las investigaciones de Montias chocan con las palabras de la viuda porque se ha puesto de manifiesto que en los últimos años de su vida Vermeer recibió importantes ingresos procedentes de herencias y legados, desarrollando una actividad financiera superior a la de años anteriores. No en balde, su nombre aparece citado en los documentos con mayor profusión en estos últimos momentos que en años anteriores. Quizás las palabras de Catharina vendrían a justificar las numerosas deudas contraídas por la familia del pintor es estos momentos.

De esta forma, los precios alcanzados por las pinturas de Vermeer no fueron muy elevados. En la década de 1660 sus obras estaban valoradas en torno a los 20 florines, cuando las de Gerard Dou o Frans van Mieris alcanzaban los 300. En mayo de 1696 se pusieron a la venta 21 de sus pinturas, alcanzando la Vista de Delft el precio de 200 florines; por La lechera se pagaron 175, 72,10 por La callejuela mientras que La encajera solo se vendió por 28. En estos años, los cuadros de los pintores anteriormente indicados se vendían entre 800 y 1.000 florines.

Vamos a dar una vuelta por la ciudad de Delf para descubrir las huellas de uno de los mejores pintores flamencos tras los pasos de Vermeer, sobre sus vínculos con la ciudad; el Gremio de San Lucas, del que como dijimos fue miembro; ya hemos visitado el Oude Kerk (Iglesia Vieja), donde tuvo lugar su funeral y fue enterrado; Hooikade, desde donde Vermeer pintó su Vista de Delft, a diez minutos del centro; más tarde visitaremos Oostpoort (Puerta del Este), que también aparece en su pintura; la posible ubicación de su célebre callecita en Vlamingstraat, según las teorías de Frans Grijzenhout; Nieuwe Kerk (Iglesia Nueva), donde fue bautizado y se encuentran las tumbas de parte de su familia; Beestenmarkt, donde nació su padre y vivieron también su madre y su hermana antes de que él naciera; Voldersgracht 25, posada donde nació, que está siendo restaurada; el Mercado de Paarden, donde falleció su amigo el pintor Carel Fabritius, dado que entonces era un almacén de pólvora y hubo una explosión en 1654; Oude Langedijk 25, donde vivió Vermeer quince años y realizó la mayor parte de su producción y, por último, Doelenplein, sede de la schutterij, guardia cívica de la que fue miembro.

Después marchamos a la puerta de entrada a la ciudad situada en el puente sobre el canal. Era el lugar por donde se pagaban los impuestos a las mercancías de entrada en la ciudad.

La Puerta del Este, también conocida como Oostpoort(GPS N 52.010644 E 4.368803) es una verdadera maravilla visual. Ha sido y es inspiradora de artistas de todos los tiempos. No es de extrañar. Es un bello ejemplo de arquitectura defensiva de la Edad Media en esta zona, y un símbolo de Delft. Johannes Vermeer, Jan van der Velde el Joven, Jan van Goyen, Gerbrand van der Eeckhout y Jan de Bisschop son sólo algunos de los pintores cautivados por esta puerta, que es una de las entradas más antiguas de la ciudad. Ha permanecido erguida desde la Edad Media, sobreviviendo al resto de las edificaciones defensivas (había nueve puertas de acceso a Delft), la mayoría demolidas en el siglo XIX.

Más adelante, vamos hasta la iglesia católica de Delf, es de finales del siglo XIX con un estilo neogótico muy recargado para servir de reclamo ante las pujantes iglesias luteranas.

La Iglesia de Maria van Jessekerk de Delft es una parroquia neogótica (GPS N 52.011262 E 4.361196), católica romana. Fue construida entre 1875 y 1882 y diseñada por Evert Margry. Originalmente, esta iglesia estaba dedicada a San José, pero desde 1971 se cambió la advocación a María de Isaí.

Está cerca de la Plaza del Mercado, y fue la primera iglesia católica construida después de la Reforma, en el centro de la ciudad. Construida en 1837 sobre los cimientos de una anterior del siglo XVII. Está abierta desde las 9,30 hasta las 5 de la tarde. Merece la pena una visita a su interior. Aunque ha sido restaurado, en su planta de cruz latina hay un buen despliegue artístico que justifica esta recomendación: las vidrieras, el órgano que es una «rareza» con dos mil cuatrocientos tubos, el precioso Viacrucis del siglo XIX, esculpido en madera de roble, y en general el rico aspecto mural del edificio.

La emancipación de los católicos holandeses continúa. La libertad religiosa se hizo definitiva con la Constitución de 1848. Pero hasta 1875 la construcción de iglesias sigue siendo un asunto del gobierno, lo que también significa que Waterstaatpaga la construcción. Después de 1875, se abolió esta regulación y cada denominación es libre de construir su propia iglesia. Las iglesias católicas se están construyendo a un ritmo récord y en gran número, a menudo en estilo neogótico, que se refiere al estilo arquitectónico anterior a la Reforma. A menudo apuntaban a un edificio de la iglesia que fuera más grande, más alto y más hermoso que el edificio de la iglesia protestante. Los franciscanos también tenían ese plan en mente para Delft. Querían usar casi todo Papenhoek para construir la nueva iglesia. Eso se detuvo porque la Nueva Iglesia adyacente estaría literalmente y figurativamente en la sombra. Consiguieron un terreno en Burgwal que conectaba con el suelo de Jozefkerk. La primera piedra de la primera parte de la iglesia ya se puso en 1875, a saber, el portal (por el momento sin agujas) en el Burgwal con la parte hasta el crucero. Esta sección fue consagrada y puesta en uso en 1877. El viejo Waterstaatkerk fue demolido y entre 1878 y 1880 se completó la iglesia neogótica, incluidas las torres. Las dos torres del porche delantero son una sutil referencia a las torres de Oude y Nieuwe Kerk. Toda la iglesia fue finalmente consagrada en 1882.

Sus dos torres, que son distintas, están inspiradas en las torres de la Vieja Iglesia y de la Iglesia Nueva. La torre de la izquierda se parece a la de Nieuwe Kerk, mientras que el diseño de la torre de la derecha se deriva del de Oude Kerk.

Para despedirnos de Delft solamente nos queda ver exteriormente el palacio de Orange y el convento femenino de la beginas porque no conseguimos acceder a su interior.

Desde aquí marchamos a nuestro siguiente destino a 120 km. Es la visita al mayor Parque Nacional de Holanda. Aquí se paga hasta para entrar en el campo. Pagamos 81,00 euros con la noche en el campamento interior.

Un merecido reset con agua caliente nos hace recobrar las fuerzas dentro de un marco único que desgraciadamente ya no se puede vivir porque la dirección del Parque Nacional De Hoge Veluwe ha decido cerrar el camping.

Día 15 de abril (viernes)
Ruta: Otterlo-Nuenen

El día comienza en el interior del parque Nacional De Hoge Veluwe, la noche ha estado amenizada escuchando distintas especies de pajaritos, hasta que nos despertó el carpintero que teníamos en el árbol que nos cobijaba, este fue un ruido horrible porque picaba cada pocos segundos.

Tenemos pagado las entradas para el museo Kroller Müller y a las 15; 00 horas tenemos las entradas para el Palacio, nos vamos a organizar para disfrutar de este entorno tan completo.

Toda esta configuración no la entendemos muy bien, como es posible que dentro de un parque de 40 km de largo haya un museo tan importante y un Palacio rodeado de un lago.

Bueno..luego despejaré la encrucijada, según nosotros vamos entendiéndolo, comprendemos que estamos en el interior de un Parque Nacional, aunque poco a poco iremos comprendiendo la importación de este lugar dentro de la historia de los Paises Bajos.

El Parque se forma gracias al patrimonio cultural a principios del siglo XX por el matrimonio Anton y Helene Kröller-Müller. Un matrimonio de los más ricos del mundo compra unas fincas para cazar, levantan un pabellón para sus desplazamientos, ella es una gran aficionada al arte y con el dinero del comercio del hierro logra comprar más de 11000 objetos de arte. Para albergar la colección construye el museo. Como el matrimonio no tienen hijos y la herencia la dona al Estado y se queda con el Parque Nacional, el museo y el Palacio.

Además, Anton era un apasionado de la caza y por eso, a partir de 1909, compró el coto de caza De Hoge Veluwe, en diferentes momentos. Helene era una entusiasta coleccionista de arte. Juntos, Anton y Helene persiguieron un ideal: unir naturaleza y arte en aras del bien común.

En el período 1909-1923 se pusieron los cimientos del actual Parque. Se valla el Parque y se introducen animales (muflones, ciervos y jabalíes). Se construyó la residencia de la familia, Jachthuis Sint Hubertus, y se compraron obras de arte visuales. Este período también vio el inicio de la construcción de un museo para la colección de arte.

Sin embargo, a partir de alrededor de 1923, se produjo una grave crisis económica. La pareja tuvo que suspender la construcción del museo. La situación se deterioró y la familia ya no pudo sostener la propiedad. En 1935 se encontró una solución a los problemas. El Parque iba a ser transferido para formar parte de una Fundación: el Parque Nacional De Hoge Veluwe. El gobierno nacional otorgó a la Fundación un préstamo hipotecario que devenga intereses. La colección de arte fue donada al Reino de los Países Bajos y el gobierno construyó el museo. Esto ahora forma la parte más antigua del actual Museo Kröller-Müller.

Hasta la fecha, el Museo Kröller-Müller y el Parque siguen siendo dos organizaciones diferentes. Aunque sus responsabilidades son distintas, todavía hay mucha cooperación. Y eso no es sorprendente, ya que el principio básico, la visión de los fundadores, sigue siendo el mismo: unir naturaleza y cultura para el interés común.

Salimos del camping en dirección al Museo Kröller-Müller, en verdad se puede recorrer todo el parque en bicicletas gratuitas que puede coger en cualquier zona del Parque Nacional. Nosotros preferimos ir con la autocaravana hasta el parking del museo, que se encuentra situado en el corazón del parque, y luego desde allí movernos el resto del día en bicicleta.

El Museo Kröller-Müller tienes dos parking habilitados, uno para turismos y otro para vehículos más grandes, donde vamos nosotros (GPS N52.094693 E5.816335), es gratuito, no disponen de ningún tipo de servicios y tiene un cartel que indica que no se puede pernoctar.

Como decía, primero vamos al Museo que alberga el segundo museo en importancia de la obra de Van Gogh en el mundo, tiene más de 90 cuadros del artista y 150 dibujos. El museo se complementa con una importante colección de cuadros desde Monet, Picasso, Modrian etc.

El museo se crea gracias a Helene Kröller-Müller que cuando viajaba a París en viaje de placer compró cuadros de Vincent van Gogh. Tras una visita de tres días a la capital francesa en la primavera de 1912, volvió a casa con nada menos que quince cuadros del entonces poco conocido artista. Entre estas compras estaban La Berceuse, Olive Grove y Portrait of Joseph-Michel Ginoux, que combinaban perfectamente con otras obras maestras de Van Gogh en su colección, como Four Sunflowers gone to Seed y The Sower (después de Millet). Con estas importantes compras contribuyó en gran medida a la reputación de la artista. Sorprendentemente, Helene solo había conocido el arte moderno poco antes.

Helene Müller nació en el área del Ruhr alemán y se mudó a los Países Bajos cuando se casó con el empresario holandés Anton Kröller. Inicialmente, llevó la vida que se esperaba de la esposa de un director rico. En 1911, sin embargo, su escape de la muerte durante una peligrosa operación la llevó a dedicar el resto de su vida a establecer un "monumento a la cultura". Durante la década siguiente, coleccionó obras de (entre muchos otros) Signac, Seurat, Picasso, Braque, Mondriaan y, por supuesto, Van Gogh. A partir de 1913 abrió su colección al público, exponiéndola en la oficina principal de la firma de su marido. Durante muchos años, este fue uno de los pocos lugares de Europa donde se exhibió permanentemente una colección tan grande de arte moderno.

Para Helene, su colección fue una forma de desarrollar su propia identidad, independientemente de su papel como madre y esposa. Sin embargo, su origen alemán también influyó en su colección. Los sentimientos anti-alemanes que surgieron en su nuevo país de origen durante la Primera Guerra Mundial la hicieron tomar conciencia nuevamente de sus raíces. Decidió ser voluntaria como enfermera en un hospital de campaña en Lieja y se fijó el objetivo de rehabilitar la imagen alemana después de la guerra. Su monumento a la cultura debería sembrar un poco de orgullo alemán en suelo holandés.

Cuando se pusieron los primeros cimientos de su museo, el destino se volvió en contra de su proyecto: la crisis mundial llevó a los Kröller al borde de la bancarrota. Fue solo gracias a la determinación de Helene que en 1938, un año antes de su muerte, finalmente pudo abrir el Museo Kröller-Müller. Sin embargo, el precio que había pagado por esto había sido alto.

Una de las primeras obras de arte del Museo dignas de mención “Pequeño Búho”, obra del escultor Pablo Picasso (1881-1975), está datado 1951-1953, realizado en yeso, cerámica, metal y goma laca. Tiene unas medidas de 33.5 x 22.5 x 19 cm.

El expresivo Búho fue creado de esta manera muy especial. Picasso hizo una parte del cuerpo de la lechuza a partir de un cuenco de barro. La tapa de una lata sirve como cabeza. Las alas están hechas de clavos largos y rectos y las patas y garras de clavos y tornillos. Para el pico curvo del ave usa partes de un par de alicates y para la cabeza, algunas tuercas y tornillos. Modela el resto en yeso. Por lo tanto, a partir de la basura crea esta pequeña ave de rapiña vivaz, alerta.

La siguiente obra de un español podemos ver “Oración”, obra del escultor Julio González (1876-1942), está datado 1932, realizado en hierro. Tiene unas medidas de 85 x 101 x 34 cm.

El artista español Julio González aprendió forja, soldadura, corte y otras formas de trabajar los metales de su padre, que era platero. A partir de 1932 sus esculturas se vuelven más sobrias, austeras y sobre todo más lineales, como en esta pieza. Usando barras y varillas planas y redondas, aquí, con solo algunas líneas expresivas y ascendentes, crea la sugerencia de una mujer arrodillada y rezando, con los brazos levantados hacia el cielo. La oración es un excelente ejemplo de cómo el propio González ve sus esculturas: como una forma de dibujar en el espacio.

La siguiente obra internacional que podemos ver “Mujer de pie”, obra del escultor Wilhelm Lehmbrück (1881 -1919), está datado 1910, realizado en piedra. Tiene unas medidas de 195 x 56 x 53 cm.

Fue el cuarto hijo de una familia minera. Tras asistir a la Volksschule hasta la muerte de su padre en 1899 estudió, recomendado por su profesor, en la escuela de artes aplicadas de Düsseldorf. Se ganaba la vida ilustrando libros económicos y trabajando en la decoración. En 1901 empezó sus estudios secundarios en la Kunstakademie Düsseldorf ein Studium, y obtuvo la maestría bajo la tutela del profesor Karl Janssen.

La siguiente obra internacional que podemos ver “Caballo y jinete”, obra del escultor Marino Marini (1901-1980), está datado 1951-1955, realizado en bronce. Tiene unas medidas de 119 x 97 x 69 cm.

En 1930, Marino se dedicó de pleno a la escultura, realizó figuras humanas de mucha envergadura, generalmente mujeres o acróbatas en bronce. A partir de 1935, Marini sin embargo, descubrió los temas que dominarían sus trabajos de madurez: la escultura arcaica, los caballos, especialmente en lo referido al caballo y al jinete. Ahora realiza las obras escultóricas que le valieron el reconocimiento de sus contemporáneos, con figuras vigorosas y trágicas, pero desprovistas de movimiento.

La siguiente obra internacional que podemos ver “El hombre que camina II”, obra del escultor Alberto Giacometti (1901-1966), esta datado 1966, realizado en bronce. Tiene unas medidas de 183 x 25.5 x 95 cm.

La escultura está realizada en bronce de una sola pieza, sin pulir, que confiere un aspecto angustioso, desolador y esquelético al personaje que camina con cierto desgarbo. En esta ocasión, Giacometti realiza una figura masculina solitaria, de la que únicamente podemos adivinar sus formas más elementales. Se encuentra con una pierna adelantada como si estuviese caminando y mantiene los brazos pegados al cuerpo. Además, hay una gran inclinación del cuerpo hacia delante, lo que provoca cierta inestabilidad, dando a entender el movimiento de este personaje en el espacio. El movimiento, siempre presente de un modo u otro en la obra de Giacometti, en este caso se logra a partir de la disposición de las finas piernas del personaje: los talones parecen despegarse del suelo para iniciar la caminata. Al igual que sus piernas, los brazos son demasiado largos y exageradamente delgados. En su cuerpo no se aprecian signos de representación de músculos. Su piel es rugosa, áspera, como si estuviera llena de cicatrices, lo que transmite una intensa sensación inherente de fragilidad.

La siguiente obra internacional que podemos ver “Rebeca”, obra del escultor Ossip Zadkine (1890-1967), está datado 1927, realizado en madera de manzano pintada. Tiene unas medidas de 260 x 80 x 80 cm.

Zadkine creó esta monumental escultura de madera de manzano policromada de más de 2,5 metros de altura en 1927 y ha permanecido en su estudio desde entonces. Allí había sobrevivido notablemente a la Segunda Guerra Mundial, aunque Zadkine se vio obligada a buscar refugio en Nueva York durante esos años.

Hammacher adquiere a Rebecca para la nueva galería de esculturas, diseñada por Henry van de Velde, donde ocuparía un lugar privilegiado. Debido a que la escultura está dañada, Zadkine primero la restaura antes de trasladarla a Otterlo. Llega allí el 26 de marzo de 1952.

La siguiente obra internacional que podemos ver “Naturaleza muerta en un armario”, obra de pintor anónimo belga, está datado 1538, realizado en óleo en madera de roble. Tiene unas medidas de 44 x 44 cm.

Esta obra fue adquirida y depositada en el museo con el apoyo de la Asociación Rembrandt. La obra es de la escuela flamenca y nos muestra con detalle las típicas cosas que podías encontrar en un armario, como curiosidad se puede ver a la derecha una hogaza de pan que tiene encima un ratón, en esa época debía de ser una imagen normal.

La siguiente obra del museo que podemos ver “Naturaleza muerta”, obra del pintor Heyman Dullaert (1636-1684), está datado en el siglo XVII, realizado en óleo en madera de roble. Tiene unas medidas de 55 x 44,7 cm.

Dullaert fue alumno de Rembrandt, aunque fue más conocido por su poesía que por su pintura.? Se pueden ver sus pinturas, a menudo trampantojos, en el Museo Kröller-Müller.

La siguiente obra del museo que podemos ver “Naturaleza muerta Vanitas”, obra del pintor Pieter Claesz (1597-1661), está datado en 1630, realizado en óleo en madera de roble. Tiene unas medidas de 40 x 60.5 cm.

Este cuadro es típico del autor: un bodegón que reúne diversos elementos relacionados con la fugacidad de la vida, como un cráneo, el reloj, la lámpara de aceite,... objetos, todos ellos propios de esta clase de bodegón llamada vanitas, que era una advertencia moralizante.

La siguiente obra del museo que podemos ver “Bodegón de pescado”, obra del pintor Pieter van Noort (1622-1672), está datado en 1670, realizado en óleo sobre lienzo Tiene unas medidas de 48.5 x 40.2 cm.

Pieter van Noort fue un pintor holandés de naturalezas muertas, a menudo el pintor representa escenas con peces.

Nació en Leiden como hijo de Derck van Noort y no era, como afirman algunas fuentes, hijo de Pieter van Noort. A partir de 1648 fue registrado como miembro del Leiden Guild of St. Luke .

La siguiente obra del museo que podemos ver “La hilandera”, obra del pintor Matthijs Maris (1839-1917), está datado en 1873, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 91 x 61 cm.

Matthijs Maris fue un pintor, dibujante, grabador y litógrafo holandés e inicialmente perteneció a la escuela impresionista de La Haya, al igual que sus dos hermanos Jacob y Willem. Una descripción extensa en el Diccionario biográfico de los Países Bajos.

La siguiente obra del museo que podemos ver “Día de invierno”, obra del pintor Xavier Mellery (1845-1921), está datado en 1941, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 67.5 x 53.7 cm.

El pintor practicó la pintura mural, con imágenes alegóricas que recuerdan la obra de Pierre Puvis de Chavannes. Su estilo era severo e intimista, en ocasiones cercano al expresionismo, con temáticas que evocan el misterio y la poesía, como se aprecia en sus series.

La siguiente obra del museo que podemos ver “Mata Hari”, obra del pintor Isaac Israels (1865-1934), esta datado en 1916, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 210 x 110 cm.

La frisona Mata Hari, cuyo verdadero nombre es Margaretha Zelle, actúa por toda Europa como bailarina exótica. Ella es especialmente un éxito en París. Pero en la Primera Guerra Mundial es acusada por los franceses de espionaje para los alemanes y en 1917 es fusilada.

Un año antes, Israels pinta este monumental retrato de Mata Hari cuando vive temporalmente en La Haya. Él la retrata como una mujer joven elegante y segura de sí misma. El cuadro está montado a trazos y barridos rápidos y sueltos, con poco color. Toda la atención se dirige a la figura alta y majestuosa de Mata Hari.

La siguiente obra del museo que podemos ver “Dama con vestido de noche negro”, obra del pintor Isaac Israels (1865-1934), esta datado en 1917, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 92x 71 cm.

Israel se convirtió en pintor de las calles, cafeterías y cabarets de Amsterdam. En este momento conoció al grabador y pintor holandés Willem de Zwart, quien se convirtió en su amigo.

Israëls se mudó a París en 1904, estableciendo su estudio en 10 rue Alfred Stevens, cerca de Montmartre, a pocos metros del estudio de Henri de Toulouse-Lautrec, a quien admiraba, como a Edgar Degas.

La siguiente obra del museo que podemos ver “Retrato de Eva Callimachi-Catargi”, obra del pintor Hanri Fantin-Latour (1836-1904), esta datado en 1881, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 92x 71 cm.

El pintor pinta el cuadro casi de tamaño natural como una gran dama del siglo XIX, caracterizada más por su pose majestuosa y ropa fina que por la abundancia de lujo. La luz y los matices del cuadro son uniformes y sobrios, pero con algunos toques de color, en el brazalete dorado reluciente, el abanico y la flor rosa pálido del ángulo inferior derecho. Un bonito detalle es que esta flor tiene la misma estructura que los volantes del vestido de Eva.

Este hermoso y tenue retrato fue un regalo para Helene Kröller-Müller de parte de su esposo Antón en su 25 aniversario de boda. Quedó muy impresionada y escribió que el retrato está "habitado por la maravilla de un alma humana, el alma de Fantin-Latour".

La siguiente obra del museo que podemos ver “Cantante de café en el Neste Ámsterdam”, obra del pintor Isaac Israels (1865-1934), esta datado en 1893, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 91.5 x 106.5 cm.

Israëls era amigo íntimo de George Hendrik Breitner. Estos dos artistas intentaban capturar los fugaces momentos de la vida cotidiana de la capital holandesa. Para obtener ese sentimiento instantáneo, usaban figuras bruscamente acortadas.

La siguiente obra del museo que podemos ver “Estudio paisaje nevado”, obra del pintor Floris Verster (1861-1927), esta datado en 1895, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 30 x 50.5 cm.

Verster provenía de una familia de artistas. Su padre, Abraham Florentius Verster van Wulverhorst, fue administrador del Museo Nacional de Historia Natural de Leiden y un renombrado erudito y pintor de aves.

La siguiente obra del museo que podemos ver “Autorretrato”, obra del pintor Matthijs Maris (1839-1917), esta datado en 1860, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 27 x 18 cm.

Matthijs Maris le gustaba pintar los retratos a base de muchas capas con tonos grises y marrones usando pintura seca suelta. La imagen resultaba como si estuviera velada por la niebla.

La siguiente obra del museo que podemos ver “Port-en-Bessin, La Valleuse”, obra del pintor Paul Signac (1863-1935), esta datado en 1884, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 45.8 x 64.5 cm.

Es un ejemplo perfecto del estilo artístico conocido como puntillismo, que se caracteriza por el uso de pequeñas pinceladas de color que se combinan para crear una imagen completa.

La composición de La Valleuse, Port-En-Bessin es impresionante. La pintura muestra una vista de la costa de Normandía, con acantilados rocosos y un pequeño puerto al fondo. Signac usa la técnica del puntillismo para crear una sensación de profundidad y movimiento en la pintura, y los colores brillantes y vibrantes que usa le dan una sensación de vida y energía.

La siguiente obra del museo que podemos ver “El Canal de Gravelines, en la dirección del mar”, obra del pintor Georges Seurat (1859-1891), esta datado en 1890, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 73.5 x 92.3 cm.

Georges Seurat pasó el último verano de su corta vida en la ciudad portuaria de Gravelines, justo al sur de Dunkerque. Para las cuatro pinturas que realizó allí, eligió un lugar en el canalizado río Aa, que conecta la ciudad con el mar. Pintó este lugar en diferentes momentos del día y siempre desde un punto de vista diferente.

La siguiente obra del museo que podemos ver “Los dos cipreses, Opus 241”, obra del pintor Paul Signac (1863-1935), está datado en 1893, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 81.5 x 65.5 cm.

En sus pinturas al óleo, Signac es voluntarioso y reflexivo, siguiendo ese sistema exacto y casi científico de aplicación de los puntos. En las acuarelas, en cambio, el pintor francés utilizó el principio de una manera mucho más libre, develando su sensibilidad, y expresando sus pinceladas con rapidez, precisión, soltura y espontaneidad.

La siguiente obra del museo que podemos ver “El comedor, Opus 112”, obra del pintor Paul Signac (1863-1935), esta datado en 1886-1887, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 81.5 x 65.5 cm.

En esta pintura, una mujer y un hombre mayor se sientan en una mesa. Una criada les trae el correo. Las dos mujeres y el hombre difícilmente son personas de carne y hueso. Parecen rígidos en su movimiento y envueltos en sí mismos. La falta total de interacción entre las figuras le da a esta escena ordinaria y cotidiana una atmósfera incómoda.

La siguiente obra del museo que podemos ver “Can Can”, obra del pintor Georges Seurat (1859-1891), esta datado en 1889-1890, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 170 x 141 cm.

El salón de baile está bañado en colores cálidos y luz artificial brillante. Los bailarines parecen más arquetipos que personas de carne y hueso. Se mueven en una repetición rítmica. Todas las líneas y movimientos del cuadro están dirigidos hacia arriba para evocar la atmósfera excitada de la danza y la música: las piernas de los bailarines, la mano del director de orquesta, los bigotes de los hombres, las comisuras de la boca y los ojos de las damas, el cuello del contrabajo, incluso las flores en el fondo.

La siguiente obra del museo que podemos ver “Esquina del puerto, Honfleur”, obra del pintor Georges Seurat (1859-1891), esta datado en 1886, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 81 x 65 cm.

Durante su estancia en Honfleur en el verano de 1886, Georges Seurat trabaja en seis vistas del puerto simultáneamente. Un rincón del puerto de Honfleur es el primer cuadro que comienza. Queda sin terminar porque el barco negro zarpó del puerto después de ocho días.

La siguiente obra del museo que podemos ver “En julio-antes del mediodía o El huerto”, obra del pintor Theo van Rysselberghe (1862-1926), esta datado en 1890, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 115.5 x 163.5 cm.

Théo Van Rysselberghe pinta inicialmente en un estilo impresionista. Eso cambia en 1886 cuando ve, una tarde de domingo, en la isla de La Grande Jatte de Georges Seurat en una exposición en París. Esta pintura puntillista le impresiona tanto que comienza a pintar también con la técnica puntillista, pero con un estilo propio y libre.

La siguiente obra del museo que podemos ver “Entrada al puerto de Honfleur”, obra del pintor Georges Seurat (1859-1891), esta datado en 1886, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 46x 55 cm.

El cuadro está realizado en el estilo puntillista característico de Georges Seurat, con pequeños puntos de color meticulosamente dispuestos para crear una imagen enlazada. Esta técnica confiere al cuadro una sensación de profundidad y textura sin analogía en otros estilos pictóricos.

La siguiente obra del museo que podemos ver “El embarcadero de Portrieux, Tiempo gris”, obra del pintor Paul Signac (1863-1935), está datado en 1888, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 46 x 65 cm.

Políticamente, fue un anarquista, como muchos de sus amigos, entre ellos Félix Fénéon y Camille Pissarro. Entre sus cuadros más famosos se ha de mencionar el de Las Modistas (1885-1886, Zúrich), donde los objetos aún tienen importancia pese al relieve del color. En el puerto de Saint-Tropez (1907, Museo de Saint-Tropez) el colorido se sobrepone a la forma y las luces reflejadas sobre el agua forman una unidad cromática de conjunta. Explicado por él mismo.

La siguiente obra del museo que podemos ver “Paisaje con dunas”, obra del pintor Johan Aarts (1871-1934), esta datado en 1895, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 45 x 70 cm.

Aarts escribió con frecuencia en el periódico Het Vaderland (La Patria) de La Haya; fue profesor de escultura en la Academia de Arte de La Haya, después profesor en la Academia Estatal de Ámsterdam como el sucesor de Pieter Dupont; hizo esculturas y obra gráfica. Colaboró en diversas técnicas gráficas participando de una laboriosa corriente de innovadores grabadores de los Países Bajos. También pintó retratos, paisajes urbanos, paisajes de dunas, animales y campiñas

La siguiente obra del museo que podemos ver “Paisaje de París, vue de Montmartre”, obra del pintor Maximilien Luce (1858-1941), esta datado en 1887, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 46 x 65 cm.

Tuvo su ascendencia en el mundo obrero de Montparnasse, y se transformó en un paisajista plasmando escenas de barrios industriales y de hombres trabajando, cuyo esfuerzo exaltó.

Quedó impactado por el descubrimiento de los nuevos colores de la Revolución industrial, en particular la del “Sillon Sambre-et-Meuse” (en Bégica). Como Camille Pissarro, fue un activo anarquista.

La siguiente obra del museo que podemos ver “Al borde de las dunas o redes de secado entre Katwijk Binnen y Katwijk aan Zee”, obra del pintor Jan Toorop (1858-1928), esta datado en 1888, realizado en óleo sobre lienzo montado sobre cartón. Tiene unas medidas de 42 x 48 cm.

En 1872, Toorop se trasladó con su familia a los Países Bajos y estudió en Delft y Ámsterdam. En 1880 estudió pintura en la Rijksakademie de Ámsterdam. De 1882 a 1886 vivió en Bruselas, donde se unió al grupo Les XX, cuyo máximo exponente era James Ensor. Toorop, en esa época, realizó una pintura que fluctuó de estilos: realismo, impresionismo, neoimpresionismo y postimpresionismo.

La siguiente obra del museo que podemos ver “Mar”, obra del pintor Jan Toorop (1858-1928), esta datado en 1899, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 46 x 50.5 cm.

Se casó con la inglesa Annie Hall en 1886 y vivió a caballo entre La Haya, Inglaterra y Bruselas. Tras 1890, también pasó temporadas en Katwijk aan Zee, pueblo marinero neerlandés. En esta época desarrolló su personal estilo simbólico, que conjugaba motivos javaneses y simbólicos. Sus dibujos de álamos y figuras curvilíneas fueron en parte precursores de los patrones pictóricos del art Nouveau. Su hija Charley Toorop también fue pintora.

La siguiente obra del museo que podemos ver “Desnudo contra la Luz”, obra del pintor Leo Gestel (1881-1941), esta datado en 1909, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 54.5x 98.8 cm.

Desnudo contra la luz data de su etapa luminista, en la que le fascina el efecto de la luz. Realiza muchos estudios, tanto de la luz eléctrica como de la luz del sol, y utiliza la interacción de la luz y los colores para evocar una atmósfera íntima en sus pinturas.

Gestel quiere que los puntos, con todos sus colores, permanezcan visibles como formas independientes en la obra. Él encuentra las emociones que evocan los diferentes colores particularmente importantes. No está interesado en la imitación y representación precisas de la realidad, sino en la reacción interna a la escena.

La siguiente obra del museo que podemos ver “Estudio de luz diurna y luz de lámpara (niña al piano)”, obra del pintor Leo Gestel (1881-1941), esta datado en 1908-1909, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 65 x 47 cm.

Leo Gestel murió a la edad de sesenta años después de sufrir una larga enfermedad en Hilversum el 26 de noviembre de 1941. El estilo artístico de Leo Gestel Leo Gestel desarrolló un estilo artístico lumínico al comienzo de su carrera, que utilizó para pintar paisajes alrededor de Woerden en los Países Bajos. Más tarde en la vida, cambió a un estilo artístico más cubista y, por último, cuando estaba llegando al final de su vida, expresó un estilo más expresionista. También fue influenciado por el fauvismo.

La siguiente obra del museo que podemos ver “Recolector de conchas en la playa”, obra del pintor Jan Toorop (1858-1928), está datado en 1891, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 61.5 x 66 cm.

A grandes rasgos, el estilo de Jan Toorop puede enmarcarse en lo que calificaríamos como linealismo simbolista. Se inspira en aspectos de lo más diverso: motivos medievales como los rosacruces, las técnicas de los prerrafaelitas, los elementos gráficos de su Java natal, la estética puntillista, el estilo Art Noveau…

La siguiente obra del museo que podemos ver “En las dunas cerca de Domburg”, obra del pintor Jan Toorop (1858-1928), esta datado en 1903, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 55.5 x 61 cm.

En 1905 se convirtió al catolicismo y tal hecho tuvo una significativa incidencia también en su obra. Comenzó a pintor cuadros con motivos religiosos y místicos y simplificó su estilo desde el punto de vista visual.

La siguiente obra del museo que podemos ver “Afueras de Montmartre, Rue Championnet”, obra del pintor Maximilien Luce (1858-1941), esta datado en 1887, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 45.5 x 81 cm.

Luce no era un artiste maudit que bebiera, tomara drogas y llevase una vida promiscua. No existen escándalos ni relatos de desmanes personales: su única postura extremista era aquella que correspondía a un anarquista que colaboraba con ilustraciones en periódicos políticamente comprometidos en la década de 1880 y 1890.

La siguiente obra del museo que podemos ver “Granja en el Distrito de las Dunas”, obra del pintor Johan Aarts (1871-1934), esta datado en 1895, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 38 x 45 cm.

Dedica su atención a la enseñanza del arte y se convierte en asesor de Helene Kröller-Müller. Aarts trabaja en las cercanías de La Haya y Leiden. Su 'Granja en el distrito de las dunas' deriva de uno de sus paseos por Leiden. Jan Vijlbrief pinta el mismo tema, incluso desde el mismo punto de vista.

A partir de este momento vamos a poder ver una de las mejores colecciones de cuadros de uno de los más famosos pintores “Pila de trigo bajo un cielo nublado”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1889, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 63.3 x 53 cm.

La pila de trigo se encuentra en el campo amurallado del asilo en el que el propio Van Gogh había ingresado. Aparece en varios cuadros de su época en Saint-Rémy, tal como lo puede ver desde la ventana de su dormitorio. Pero aquí elige un ángulo inusual, por lo que el campo no se reconoció anteriormente. Van Gogh entró en el campo y giró 90 grados. El muro que rodea el campo es apenas visible a la derecha, pero las formas erráticas características de los Alpilles que aparecen sobre el muro en otras pinturas no son visibles aquí.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Retrato de una mujer joven”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1890, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 51.9 x 49.5 cm.

La modelo de Retrato de una mujer joven es probablemente "una chica de campo". Es una de las tres obras que Van Gogh hace de ella. La coloca sobre un fondo rojo con pinceladas curvas verdes y utiliza un segundo contraste de color, azul y naranja, para su ropa. Desafortunadamente, el rojo se ha decolorado a un rojo monótono con el tiempo.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Cuatro girasoles que se convirtieron en semillas”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1887, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 59.5 x 99.5 cm.

En París, Van Gogh pinta con frecuencia bodegones de flores para practicar su uso del color. En 1886 escribe a un amigo: 'He hecho una serie de estudios de color pintando simplemente flores (...) buscando oposiciones de azul con naranja, rojo y verde, amarillo y violeta, buscando los tonos quebrados y neutros para armonizar extremos brutales . Intentando que el color sea intenso y no una armonía gris”.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Rosas y peonias”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1886, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 59.8 x 72.5 cm.

En estos estudios de color, Van Gogh intenta aplicar su teoría del color. Deriva esta teoría principalmente de Charles Blanc. Lo que Blanc defendía son los contrastes complementarios, es decir, contrastes entre los colores primarios rojo, azul y amarillo con los colores secundarios verde, naranja y morado que son opuestos en una escala cromática.

En este bodegón predomina el contraste de los colores complementarios rojo y verde. Sin embargo, el rojo de las flores se ha desvanecido un poco con los años. A diferencia de los impresionistas, Van Gogh aplica la pintura con un fuerte empaste. Para ello se inspira en el pintor provenzal Alphonse Monticelli, a quien admira mucho.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Bodegón alrededor de un plato de cebollas”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), está datado en 1889, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 49.5 x 64.4 cm.

Ese día le escribe a su hermano Theo que volverá al trabajo al día siguiente con dos naturalezas muertas, para 'acostumbrarse a pintar'. Uno de ellos es el Bodegón, en torno a un plato con cebollas, pintado en colores de alto contraste. El tablero de dibujo consta de trazos de pintura casi horizontales, el fondo de trazos verticales de pintura.

Los objetos muestran que Van Gogh ha retomado la rutina de la vida cotidiana: la carta de Theo, el plato con cebollas, la pipa con el tabaco, la botella de vino o absenta, la cafetera con café, el candelabro con la vela encendida, la barra de lacre, la caja de cerillas y finalmente el libro Anuaire de la santé sobre la buena alimentación y la higiene.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Gavillas de maíz en Provenza”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1888, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 73.5 x 93 cm.

Van Gogh pinta la obra en el acto, en pleno sol de verano, divirtiéndose 'como un grillo' y en suprema concentración. Las gavillas de maíz son un motivo inusual en el paisajismo de su época, pero incluso las coloca frontalmente en la composición. Satisfecho, le informa a Theo que preparó el trabajo en una sola sesión.

Los campos de trigo son un motivo reconfortante para Van Gogh: Su historia es la nuestra, porque nosotros, que vivimos de pan, no somos en gran medida trigo, al menos no deberíamos aceptar que crecemos como una planta, incapaz de movernos como dicta nuestra imaginación y que cuando estamos maduros somos segados como el trigo.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “El barranco”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1899, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 73.2 x 93.3 cm.

Con trazos cortos pinta las rocas en una multitud de colores y el arroyo “blanco y espumoso como la espuma del jabón”. En muchos lugares deja el lienzo sin pintar: 'Eso crea ambiente y usas menos pintura'. Le informa a Theo que el trabajo muestra una "pasión restringida", pero su hermano piensa que es demasiado estilizado e inverosímil.

El nombre 'Les Peiroulets' se deriva de las formas de cuenco que han adquirido las piedras de este lugar a través de siglos de erosión por el agua de la montaña. Los habitantes de la región los llamaban 'peirou' o 'peyrols', que significa 'calderos'. En 1891 se construyó una presa en el lado sur de la quebrada, que cambió para siempre el carácter del lugar.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Pasarela en el parque”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1888, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 72.3 x 93cm.

El parque de la ciudad se encuentra cerca de la calle con las damas. Debido a la proximidad de los burdeles, Van Gogh considera que el parque está desprovisto de arbustos en flor, como la adelfa, por 'razones de castidad o moralidad'. Son plátanos comunes, pinos en arbustos apretados, un árbol llorón y hierba verde.

Esa intimidad se refleja en esta soleada obra. Van Gogh representa la hierba y los árboles en varios tonos de verde, amarillo y naranja, con el dosel de hojas añadido aquí y allá con toques oscuros para una estructura adicional. Él mismo también está de buen humor: 'Estoy empezando a sentirme muy diferente de cuando vine aquí; Ya no dudo, ya no dudo en empezar algo y eso podría aumentar.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “El sembrador”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1890, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 64 x 65 cm.

Van Gogh ve una copia de este tipo como una traducción de color, semejante a las interpretaciones personales de piezas musicales por parte de músicos intérpretes. Es demasiado consciente del 'valor, la originalidad y la superioridad' de Millet, pero también de sus propias habilidades: 'sin embargo, puedo decir: sí, soy algo, puedo hacer algo'.

Principalmente, quiere distinguirse a través del uso de contrastes de color. En el uso del color va, por tanto, un paso más allá que Millet, que trabajaba principalmente en tonos terrosos y sombríos, comparables a los de Van Gogh en su época de Brabante. Cuando tiene otro ataque, la copia se vuelve demasiado para él, "porque [los originales] son obras maestras".

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Campo de trigo con segador y sol, finales de junio”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1889, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 73 x 92 cm.

En el segador ve la imagen de la muerte (...), en el sentido de que la humanidad representa el trigo que se siega'. Sí añade que es una muerte "casi con una sonrisa". Por eso pinta el paisaje en plena luz, con un sol que lo sumerge todo en una fina luz dorada.

El cortacésped solo se ha sumergido en la pintura amarilla húmeda con unas pocas pinceladas de azul, lo que hace que los contornos se vuelvan verdosos. El único golpe de la hoz es apenas visible. El cuadro cuelga en marzo de 1890 en la exposición de los Independientes en París. Gauguin lo ve allí y le escribe a Van Gogh: Con las representaciones de la naturaleza, tú eres el único allí que piensa.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “El maizal amurallado con la salida del sol”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), está datado en 1889, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 73 x 92 cm.

Esta pintura da una idea de la vista desde su habitación en el primer piso. El maíz todavía está parcialmente verde y las amapolas y las margaritas están floreciendo al frente del campo. Van Gogh está encantado con esta vista: ¡Pero qué hermosa región y qué hermoso azul y qué sol! Y luego sólo he visto el jardín y lo que veo delante de la ventana.

Van Gogh luchó claramente para representar la profundidad en el campo de trigo: en la parte inferior, miras casi directamente al trigo y las flores, mientras que el centro del campo parece haber sido pintado desde un punto de vista más alto. La pared trasera se inclina mucho hacia arriba a la derecha, dando a la imagen general un fuerte dinamismo.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “La mota de Montmartre”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1886, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 38.1 x 61.1 cm.

En primavera, Van Gogh explora la zona. Pinta esta panorámica La mota Montmartre al aire libre, vista desde el norte. Su paleta austera y otoñal de colores predominantemente marrón rojizo y amarillo pardusco aún recuerda a sus días holandeses. Pero con el uso gracioso de tonos de verde, azul y blanco, ya está experimentando con cautela con el color y la luz.

La llave casi cuadrada en el aire justo a la derecha del centro es un retoque realizado por el mismo Van Gogh. Había un agujero en la capa de pintura a través del cual se había hecho visible el suelo. Las teclas a su alrededor pueden haber servido para ocultar un poco esta corrección demasiado visible.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Pinos en el jardín del manicomio”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1889, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 46 x 51 cm.

En esta obra, Van Gogh se centra, desde un punto de vista elevado, en las copas de los árboles en el esplendor otoñal, con sus ramas retorcidas, que se destacan oscuras contra un cielo claro. Enmarca la superficie de la imagen en ambos lados con troncos de árboles que se cortan abruptamente desde arriba y desde abajo.

Los troncos de los árboles, representados con trazos de pintura largos, verticales y diagonales, contrastan con el toque móvil que utiliza para las ramas y el follaje, y con las líneas horizontales en la planta frontal y central. Al fondo, se puede ver el muro que rodea la instalación y un caminante solitario.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Cipreses con dos figuras”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1890, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 91.6 x 72.4 cm.

Describe este cuadro como un grupo de cipreses en la esquina de un campo de maíz en un día de verano mistral, envuelto en azul movido por las grandes corrientes de aire. Es una de sus obras más pastosas. Los árboles están hechos de trazos rizados como llamas y toda la vegetación a su alrededor también está viva, como si el mistral estuviera furioso.

En enero de 1890, el crítico Albert Aurier publicó un artículo elogiando la obra de Van Gogh. Elogia al pintor como un realista soñador que tuerce la realidad a su voluntad de forma inigualable. Van Gogh está gratamente sorprendido por esto, aunque piensa que Aurier le da demasiado crédito. Le envía estos Cipreses con dos cifras como agradecimiento.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Melocotoneros rosados”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1888, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 73 x 60 cm.

En la tarde del día en que Van Gogh crea esta pintura, encuentra una carta de su hermana que le escribe que Anton Mauve ha muerto. Este pintor no solo es su sobrino por matrimonio, sino que también le enseñó a pintar al óleo y acuarela. Van Gogh decide dedicarle la obra.

Le escribe a su hermano Theo que el mensaje lo conmovió y lo conmovió, y luego escribí Souvenir de Mauve Vincent & Theo en mi pintura y si te gusta, se lo enviaremos juntos a la Sra. Mauve'. (…) Me pareció que en recuerdo de Mauve debía ser algo tierno y muy alegre y no un estudio de rango más serio.'

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Ivy bajo los árboles”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1889, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 49 x 64.7 cm.

Van Gogh realizó esta obra en el exuberante jardín de la institución, cubierto de malas hierbas. Lo pinta con diferentes tonos de amarillo (ocre), verde, marrón y azul y aplica la pintura muy espesa y húmedo sobre húmedo con un toque suelto y móvil. Las pinceladas cortas forman un patrón rítmico que refleja con precisión la densa vegetación.

Al pintar afuera, el artista a veces llama la atención de los demás residentes de la institución: Cuando trabajo en el jardín, todos vienen a mirar y les aseguro que tienen más modestia y cortesía para dejarme solo que, digamos, losbuenos ciudadanos de Arles.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Bodegón con flores de campo y rosas”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1886-1887, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 110 x 80 cm.

Un examen de rayos X mostró que estos 2 luchadores estaban pintados debajo de la naturaleza muerta de flores. Vincent le escribió a su hermano Theo en enero de 1886: "Esta semana pinté una cosa grande con dos torsos desnudos: dos luchadores [...] Y eso me gusta mucho". ¿Se trataba de los luchadores bajo el bodegón de flores? Eso tampoco era seguro.

En 2012, una nueva técnica de investigación y un equipo de científicos de la Universidad Tecnológica de Delft, la Universidad de Amberes, Deutsches Elektronen-Synchrotron (DESY) en Hamburgo, el Museo Van Gogh y el Museo Kröller-Müller establecieron que la pintura subyacente es de hecho de Van Gogh. Más tarde pintó el bodegón de flores sobre él.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Arenque Ahumado”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1886-1887, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 110 x 80 cm.

El arenque ahumado, o bokking, es conocido por su hermoso color marrón dorado. Van Gogh captura con éxito ese color y brillo en esta naturaleza muerta. Sin embargo, no data de su época holandesa sino de su época francesa. Esto se puede ver en el uso del color, como el amarillo brillante para los peces y el azul para las cortinas del fondo.

Con esto, Van Gogh continúa el camino iniciado en 1885 de cambiar su pintura 'tonal' en colores tierra por una paleta con colores primarios más puros. El toque también es mucho más pastoso que en sus épocas anteriores, y recuerda las gruesas capas de pintura de Alphonse Monticelli, pintor provenzal al que admira mucho.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Cesta de manzanas”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1887, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 54 x 65 cm.

Van Gogh utiliza un fondo claro, probablemente un mantel blanco, sobre el que la cesta proyecta una sombra azul claro. Esto crea un sutil contraste con los tonos amarillos, verdes y rojos de las manzanas bien definidas. Los colores púrpura, azul y rosa de la pintura se han desvanecido ligeramente, como se puede ver a lo largo del borde del lienzo donde la pintura estaba cubierta por el marco. El amarillo pudo haber sido un amarillo más brillante y más verde, y la canasta también pudo haber sido más oscura.

Se ha pintado una pared detrás de la mesa, en los mismos matices de color pero con trazos verticales. Eso es excepcional para Van Gogh. Suele colocar sus bodegones sobre un fondo y una superficie planos. Esto a menudo hace que sus naturalezas muertas parezcan flotar. Ese efecto también está presente aquí, pero es más bien el resultado de los trazos de pintura sobre la mesa, que siguen los contornos de la canasta.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Bodegón con patatas”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1889, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 39.5 x 47.5 cm.

El tablero está realizado con trazos estrechos, pastosos y mayoritariamente horizontales. El fondo es una combinación de amplios trazos verticales y horizontales, que recuerdan a la cestería, por lo que también se le conoce como el 'estilo cestero' de Van Gogh. Los trazos de pintura forman un elemento independiente en la composición, son tan importantes como la representación que plasman.

El hecho de que Van Gogh escogiera las papas como tema puede verse como una prueba final para él mismo. Es como si quisiera practicar sus nuevas ideas sobre un motivo con el que ha ganado mucha experiencia en el pasado, antes de aventurarse en composiciones más ambiciosas.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Puente en Arles (Pont de Langlois)”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1888, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 54 x 64 cm.

Resulta ser una buena elección: 'Nunca he tenido tanta suerte, la naturaleza aquí es excepcionalmente hermosa. Todo y en todas partes. La cúpula del cielo es de un azul maravilloso, el sol tiene rayos de un amarillo azufre pálido y es suave y amigable como la combinación de tonos azul cielo y amarillo en Vermeer van Delft.

Poco después de llegar a Arles, Van Gogh hizo varias versiones del puente levadizo al sur de la ciudad: cuatro pinturas, dos dibujos, una acuarela y un boceto. Esta pintura tiene una composición dinámica. El canal forma una diagonal que lleva la imagen general. Esto llevará la mirada al puente con el vagón cubierto que pasa.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Café terraza por la noche (Place du Forum)”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1888, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 80.7 x 65.3 cm.

Lo que más llama la atención es el fuerte contraste entre los cálidos colores amarillo, verde y naranja bajo el toldo y el azul profundo del cielo estrellado, que se ve realzado por el azul oscuro de las casas del fondo. Van Gogh está satisfecho con el efecto: "Creo que la abundante luz de gas, que es amarilla y naranja, hace que el azul resalte con más fuerza".

Vicente le escribe a su hermana Wil: Realmente disfruto pintando en el lugar por la noche. Que mira de cerca también se muestra en investigaciones astronómicas posteriores. Pintó la constelación de estrellas exactamente como apareció en la noche del 16 o 17 de septiembre de 1888.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “La Nana (retrato de Madame Roulin)”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1889, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 92 x 72.5 cm.

Van Gogh tiene una intención especial con este retrato. No le preocupa tanto el parecido de la señora Roulin como la atmósfera del cuadro. Agustín simboliza la maternidad. El título y los colores, como las notas musicales en una canción de cuna, deben evocar una sensación de comodidad y calidez en las personas que ven la pintura.

El fondo oscuro está salpicado de dalias, que se han simplificado. Van Gogh pintó este retrato en los primeros meses de 1889. En este período utilizó a menudo un motivo floral como fondo, pero después ya no aparece en su obra.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor, es considerada como una de las mejores obras del pintor “Retrato de Joseph Roulin”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1889, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 65 x 54cm.

Joseph Roulin tenía 47 años cuando Van Gogh le hizo este retrato. Eran compañeros de taberna y el pintor comparaba al cartero con Sócrates y con Dostoyevski, por su barba, su sabiduría alcohilizada y su buen corazón. El artista dijo de él que tenía un alma tan buena y tan sensata y tan llena de sentimientos y confiada… Se le ve en la cara que era un buen tipo.

Fiel sirviente público, miembro de la clase obrera y firmemente republicano, Roulin aparece retratado aquí con sensibilidad y cariño, vestido con su uniforme oficial azul y dorado y personalizado con su poblada barba. Vincent hace también hincapié en esas manos que repartieron tantas cartas con buenas y malas noticias para los vecinos de Arlés, incluido el propio Van Gogh, que no paraba de escribir correspondencia.

Entre agosto de 1888 y abril de 1889, Van Gogh pintó seis retratos sucesivos de José, tres de ellos con flores de fondo. En este colorido cuadro se decanta por las flores veraniegas. Las amapolas, los acianos, las margaritas y las rosas están pintadas con bastante precisión, en contraste con el rostro de Joseph y su espesa barba con rizos estilizados. Aquí Van Gogh aplicó la pintura con una pincelada suelta y rápida.

Van Gogh siempre está buscando modelos. Cuando tiene la oportunidad de pintar también a la esposa de Joseph, Augustine, y sus tres hijos, aprovecha la oportunidad con ambas manos. Realiza un total de veinte retratos de la familia Roulin.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “La antigua torre de Nuenen”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1884, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 36 x 44.3 cm.

Van Gogh pinta la torre bajo un cielo muy nublado. Para el cielo nublado se remonta a la pintura de paisaje tradicional, en particular a la obra de Jacob van Ruisdael, John Constable y Charles Daubigny. Menos prominente pero penetrantemente presente es también el cementerio amurallado, cuyas cruces de madera oscura sobresalen por encima del muro.

Para Van Gogh, la torre y el cementerio son más que un motivo pintoresco: “Quería decir cómo esa ruina muestra que durante siglos los campesinos han sido sepultados en los propios campos, en los que hurgan durante su vida (…) cómo, sin embargo, la vida y la muerte de los campesinos es y sigue siendo la misma: brotar uniformemente y marchitarse como la hierba y las flores que se lavan allí en ese suelo del cementerio.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Paisaje de otoño”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1885, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 69 x 87.8 cm.

Van Gogh se pone a trabajar con sus propios experimentos de color y descubre que quiere trabajar a partir de la naturaleza, pero no necesariamente tiene que usar los colores naturales exactos. Si pinta árboles con hojas amarillas en un paisaje otoñal, no importa si su amarillo es o no el mismo que el amarillo de las hojas.

El resultado final es mi percepción de la infinita variedad de tonos de la misma familia. Representa esta idea en este Paisaje de otoño, una sinfonía en marrón anaranjado de unos pocos árboles detrás del jardín de la casa de sus padres en Nuenen. Eufórico, le escribe a Theo: Las leyes de los colores son indescriptiblemente hermosas, precisamente porque no son coincidencias.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Chica en el bosque”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1882, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 37 x 58.8 cm.

Elige marrones, amarillos y verdes de su paleta práctica. Utiliza la ventana de perspectiva para representar correctamente los árboles cada vez más ralos hacia la parte trasera y las distancias entre ellos, de modo que el "aire" entre en la composición. Le explica a Theo cómo quiere lograr que 'uno pueda respirar y caminar, y oler el bosque.

Probablemente, Van Gogh pintó esta obra sobre sus rodillas. Esto se puede ver desde una perspectiva baja, pero la investigación también ha demostrado que pedazos de hojas de roble del suelo del bosque terminaron en la pintura húmeda en la parte inferior de la pintura.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Avenida Poplar al atardecer”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1884, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 45.8 x 32.2 cm.

El otoño es su estación favorita. Le gusta la decoloración de las hojas que caen, los cielos tormentosos y el melancólico crepúsculo vespertino. Qué hermoso es afuera, a veces puedo añorar un país donde siempre sería otoño.

La división del plano en este cuadro otoñal se construye a partir de la perspectiva central, fuertemente acentuada por el camino bordeado de chopos. El punto de fuga coincide con la puesta del sol. La figura femenina se destaca oscura contra la luz del sol poniente de color naranja brillante. Esta 'pequeña silueta' indica que el sol se pondrá para siempre para todos.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Retrato de Madame Ginoux”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1890, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 65.3 x 49 cm.

Van Gogh visitó en Arles a la familia Ginoux, los propietarios del café nocturno, con quienes se mantuvo en contacto. Madame Ginoux tiene una enfermedad mental. Dos días después, el propio Van Gogh tuvo otro ataque de nervios. Durante su recuperación, pinta una serie de retratos de ella, entre ellos L'Arlésienne, a partir de un dibujo de Gauguin de Madame Ginoux.

Gauguin está muy satisfecho con la pintura: ”Muy hermosa y muy notable, me gusta más que mi dibujo”. La familia Ginoux nunca volvió a ver a Van Gogh. La Sra. Ginoux luego mejoró. En una carta informó que el Sr. Ginoux ahora estaba en la canasta de trapos: había recibido un golpe en las costillas de un toro perdido.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Retrato de Joseph-Michel Ginoux”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1888, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 65.3 x 54.4 cm.

Van Gogh representa de manera sorprendente a Ginoux. Los ojos entrecerrados y las líneas afiladas de su rostro muestran a un hombre seguro de sí mismo. Esto se ve reforzado por su ropa (de domingo), la corbata blanca elegantemente anudada y la forma algo altanera en que mira al pintor desde arriba. El fondo está pintado alrededor de su cabeza como un halo.

Van Gogh probablemente pinta a su antiguo propietario por la noche a la luz con gas. En ese momento, Paul Gauguin se hospedaba con él en la Casa Amarilla e hizo instalar gas en el estudio especialmente para su llegada para poder trabajar también con él por las noches. La luz de gas da un brillo amarillo verdoso. Eso explica el notable color del fondo, sobre el que Ginoux destaca con fuerza.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Bodegón con zuecos”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1881, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 39 x 41.5 cm.

Bodegón con zapatos de madera es la primera pintura de Van Gogh. La composición es sencilla: el par de zuecos sobre la mesa de madera está medio detrás de una cazuela de barro. La botella verde de la izquierda todavía contiene un fondo de líquido. Sobre la mesa, Van Gogh ha trazado líneas en la pintura con un objeto romo, probablemente el dorso de su pincel, para indicar los bordes de los estantes.

Mauve se sorprende con este primer resultado: Siempre pensé que eras un gilipollas, pero ahora veo que no lo eres. Esta declaración de su maestro agrada a Van Gogh "más de lo que me daría un camión lleno de cumplidos jesuitas". Según él, su carrera artística finalmente comenzó con la pintura: Porque Theo, mi carrera actual comienza con la pintura.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Bodegón con jarra Bartmann”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1885, realizado en óleo sobre cartón y tabla. Tiene unas medidas de 33.7 x 42.7 cm.

Antoon Hermans tiene una colección de jarras, ollas, cuencos, jarrones y botellas que los pintores utilizan para sus bodegones. Su papel como maestro estimula a Van Gogh a retomar la naturaleza muerta y pinta con entusiasmo junto con sus alumnos. El tarro de tabaco y la jarra de Bartmann representados aquí presumiblemente proceden de la colección de Hermans.

Inicialmente, Van Gogh no recibió nada por su trabajo como maestro, pero pretendía hacer que la gente pague algo gradualmente, pero no en dinero, sino para decirles: deben darme tubos de pintura. Porque quiero pintar mucho, constantemente, y quiero lograr que ya no tenga que trabajar con la mitad de mis fuerzas, sino que pueda pintar de la mañana a la noche.'

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Nidos de pájaros”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1885, realizado en óleo sobre cartón y tabla. Tiene unas medidas de 33.3 x 43.3 cm.

En esa época le escribe a su hermano que tiene un corazón para la cría y los nidos, especialmente esos nidos humanos, esas chozas en el páramo y sus habitantes', y que para algunos pintores 'toda realidad es también un símbolo. Sin embargo, para él, esta naturaleza muerta es principalmente un estudio de tono.

El nido de la izquierda es probablemente el de un reyezuelo, el nido pequeño y redondo en el centro es posiblemente el de un pequeño pájaro paseriforme, como un pinzón o un jilguero. El nido adecuado con los huevos podría pertenecer a un zorzal común o a una oropéndola. Construye así su nido al final de una rama. El tamaño de los huevos también se adapta a estas aves.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Bodegón con cántaros”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1885, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 33.3 x 43.1 cm.

Van Gogh ha estado fascinado durante mucho tiempo por las teorías del color de Charles Blanc, especialmente sobre los colores complementarios: colores que se refuerzan entre sí. En Bodegón con tinajas experimenta con los contrastes cromáticos para dar a las cuatro tinajas de piedra, la botella y el cuenco blanco su carácter específico. Pero debido a que usa una paleta tonal, el resultado sigue siendo bastante oscuro.

El tratamiento de pintura suelta, a veces bastante pastosa, muestra que la técnica de pintura de Van Gogh ha mejorado y que tiene más confianza en sí mismo. En perspectiva, el bodegón está menos elaborado: el cántaro tendido parece flotar.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Cabeza de mujer”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1885, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 41 x 34 cm.

Este estudio se establece contra un cielo nocturno. En el fondo, apenas visibles, hay dos árboles a la izquierda y derecha de la cara. La mujer tiene facciones toscas y lleva el pelo bajo un pequeño gorro, lo que le da la apariencia de tener el pelo corto. Por lo tanto, esta cabeza se confunde a menudo con la de un hombre.

Van Gogh siempre está buscando conscientemente ciertos modelos. Esta mujer probablemente también posa para varios de sus dibujos. Sin duda reconoce en ella el tipo de mujer campesina que tanto admira en la obra de su gran ejemplo Jean François Millet: rostros toscos y chatos con frentes bajas y labios gruesos, no tan afilados, pero carnosos.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Cabeza de mujer”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1884-1885, realizado en óleo sobre tabla. Tiene unas medidas de 35.7 x 25.3 cm.

La pintura es suave y finamente pintada, solo los trazos de pintura brillante son más gruesos. Esta cabeza de mujer mayor está pintada en tonos claros, que resaltan con fuerza sobre los tonos verdes del gorro y el mantón. Con pinceladas audaces y grandes, Van Gogh le da al rostro acanalado poder visual y expresión.

Hay una extraña mancha oscura en la frente de la mujer. No puede ser una sombra p la luz viene en diagonal desde el frente izquierdo. Tal vez Van Gogh primero pintó un mechón de cabello aquí y al examinarlo más de cerca (parcialmente) lo ocultó.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Cabeza de mujer”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1884, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 39.7 x 25.5 cm.

En esta Cabeza de mujer, la expresividad del rostro queda subordinada al efecto de contraluz. El énfasis está en la forma de su cabeza, que se destaca claramente contra el fondo. Los tonos verde-azulados claros de este pasan a una zona más oscura a la izquierda del hombro de la mujer. Esta transición incompleta de la luz a la oscuridad muestra cómo Van Gogh estudió el claroscuro.

Su trato con las modelos no está exento de problemas. Se rumorea que dejó embarazada a una modelo, "aunque no fui yo". El párroco y otros dignatarios del pueblo no pueden localizarme, al menos en esta ocasión. Pero ya ves que no es fácil pintar en casa y dibujar en su propia forma.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Bocetos”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1884-1885, realizado en Pluma y pincel y tinta sobre papel. Tiene unas medidas de 17 x 10.8 cm.

Vicent Van Gogh llegó Nuemen en 1882 sin hasta época tener un estilo propio de pintura. La muerte de su padre le sumerge en un momento oscuro que lo refleja en sus lienzos, para ello realiza numerosos dibujos y bocetos de gente de la localidad que luego lo traslada a sus cuadros grandes.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Cabeza de mujer”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1884-1885, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 37.9 x 28.4 cm.

Unos meses después le escribe a su hermano que está ocupado: Pinto durante el día y dibujo por la noche. Así que pinté al menos 30 y dibujé la misma cantidad. Esta cabeza de una anciana de Brabante ilustra que está progresando gracias a su incansable afán por trabajar.

Van Gogh suele pintar a sus modelos de lado, pero esta mujer nos mira de frente. Modela los surcos de su cara con pintura, por así decirlo, y varía con diferentes tonos de verde en el fondo, el sombrero y el chal. De esta forma trata de dar forma y profundidad a su rostro. Las líneas de sombra nítidas a lo largo de la nariz y en la comisura izquierda de la boca le dan a la cabeza su apariencia de vida.

El trato de Van Gogh con las modelos despierta el fastidio de los Venerables Pastores. Le dicen que no debe volverse demasiado familiar con personas de menor rango. Y los campesinos les advierten 'con amenazas' que no se dejen pintar por él. Van Gogh no hace caso. Deben permanecer "en su propio territorio de cosas más abstractas", le dice al clero.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Dibujo Cabeza de mujer”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1884-1885, realizado en Pluma y pincel en tinta negra/marrón sobre papel avitelado. Tiene unas medidas de 37.9 x 28.4 cm.

Estamos ante otro de los bocetos que realizó el pintor con gente de la localidad que luego lo traslada a sus cuadros grandes.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Cabeza de mujer”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1885, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 25.1 x 19 cm.

Esta Cabeza de mujer parece un ejercicio de pintura oscura debido al color. Los contornos de la cara están muy marcados; El azul de Prusia se incorpora en las líneas oscuras. La piel está pintada en diferentes tonos de marrón. Van Gogh eligió el verde y el marrón para la chaqueta y la gorra. Acentúa la oreja y el mentón de la mujer con rosa.

Las formas son más bien planas, sin profundidad. Algunas áreas sombreadas debajo del pómulo y el punto largo y recto en el cuello están fuertemente representados. El cuello es de color relativamente claro y está demasiado hacia atrás, por lo que la cabeza de la mujer sobresale hacia adelante. Probablemente Van Gogh instaló esta cabeza rápidamente y no trabajó mucho para no pintar el lienzo.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Cabeza de hombre”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1885, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 47.2 x 29.8 cm.

Van Gogh quiere intentar aprender a hacer una cabeza con carácter. Sin embargo, es principalmente su intención mejorar su técnica. En Cabeza de Hombre advierte con la incidencia de la luz. Los contornos de la cara y el cabello del hombre se destacan claramente contra el fondo. La luz viene justo detrás del hombre, solo golpeando su cuello y el borde de la oreja y una fracción de su mejilla.

El pintor pinta la cabeza de este hombre suave y opaco, húmedo sobre húmedo, en una paleta oscura. En los contornos, donde los colores se confunden, se puede ver que, como es su costumbre, primero pintó la cabeza y luego el fondo.

El siguiente cuadro de la misma colección y autor “Cabeza de hombre con pipa”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1884-1885, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 44.7 x 32 cm.

Van Gogh quiere volverse experto en pintar figuras. En este estudio, claramente todavía lucha con la composición. El hombre mira en diagonal a la derecha; sus ojos están a diferentes alturas. El nudo en el pañuelo alrededor de su cuello se representa de manera extraña desde la perspectiva, y su pipa está tan torcida que el tabaco debería caerse. Su hombro izquierdo también cuelga un poco bajo en la esquina.

El fondo gris verdoso contrasta con el rojo del pañuelo y el rojo de su mejilla. A la derecha, Van Gogh ha aclarado el fondo para que la cabeza resalte más. Sin embargo, la sugerencia de profundidad no es convincente y la cara permanece algo plana.

El siguiente cuadro es una de las mejores obras de arte del pintor “Los comedores de patatas”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), esta datado en 1884-1885, realizado en óleo sobre lienzo y tabla. Tiene unas medidas de 73.9 x 95.2 cm.

En la escena del cuadro, cinco miembros de una misma familia, tres generaciones, se reúnen en torno a una mesa para la cena, el reloj de pared marca las siete. La pareja de jóvenes a la izquierda, los abuelos a la derecha y la niña, la nieta, en el centro de espaldas. De hecho es la niña la que marca el centro del cuadro, efecto reforzado por la lámpara, partiéndolo en dos mitades: en una mitad los abuelos se dedican al alcohol, en la otra los padres con la fuente de patatas delante, parecen marcar dos realidades diferentes dentro de un mismo cuadro.

Los rasgos de sus rostros son duros, feos, carecen de abstracción, son muestra del duro trabajo diario cuyo resultado son tanto la comida como las marcas en sus rostros. Nos muestra unas imágenes casi caricaturescas realizadas con un trazo rápido, sin detenerse en los detalles y dotando de modernidad a una composición realista en la estela de los artistas de la Escuela de la Haya. La luz, desde arriba remarca esas fisonomías de sus rostros, los ilumina a todos por igual siendo el único elemento que aporta cierta unidad a la escena.

El siguiente cuadro es una de las mejores obras de arte del pintor “Sembradores de Patatas”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), está datado en 1884, realizado en óleo sobre lienzo y tabla. Tiene unas medidas de 66.4 x 149.6 cm.

Un boceto preparatorio muestra que Van Gogh quiere elaborar una escena con dos figuras. Pero su cliente quiere que incluya más figuras en la composición y el artista cumple su deseo. En la versión final, siete figuras realizan diversas tareas relacionadas con la siembra de patatas. Sin embargo, no logra forjar las figuras en una unidad.

Van Gogh y Hermans acuerdan que las obras seguirán siendo propiedad de Van Gogh. El orfebre le pagará los gastos de maquetas y pintura y él mismo copiará las escenas de los ejemplos de las paredes. Es imposible determinar en qué medida lo logró, porque después de su muerte las pinturas desaparecieron de su casa.

El siguiente cuadro es una de las obras pintor “Mujer trabajando junto a la chimenea”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), está datado en 1885, realizado en Tiza negra y trazos de cuadrícula sobre papel avitelado. Tiene unas medidas de 43.9 x 28.7 cm.

Estamos ante otro de los bocetos que realizó el pintor con gente de la localidad, en este caso realizando vida cotidiana, que luego lo traslada a sus cuadros grandes.

El siguiente cuadro es una de las obras pintor “Mujer pelando papas junto al hogar”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), está datado en 1885, realizado en Tiza negra sobre papel de acuarela. Tiene unas medidas de 58.4 x 83.2 cm.

Estamos ante otro de los bocetos que realizó el pintor con gente de la localidad, en este caso dedicada a Los comedores de patatas, realizada en Nuenen en la primavera de 1885, es uno de los conjuntos más relevantes de la primera etapa de Vincent van Gogh. El artista dedicó un gran empeño en representar la vida de los campesinos de la zona en numerosos dibujos, bocetos y grabados y dos grandes lienzos, en los que representa de forma realista y sin concesiones el mundo de los trabajadores, al tiempo que expresa sus emociones morales y sociales. .

El siguiente cuadro es una de las obras pintor “Mujer cosiendo”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), está datado en 1885, realizado en Tiza negra sobre papel de verjurado. Tiene unas medidas de 41.3 x 25.3 cm.

El dibujo es una obra de preparatoria para elaborarlo, realiza primero una serie de estudios de cabezas, de manos, detalles de objetos y de interiores, también trabaja en varias composiciones preliminares que presentan diferencias con la obra final. Todo este material se conserva y es lo que hoy nos permite entender el proceso hasta llegar a la obra final.

El siguiente cuadro es una de las obras pintor “Hombre en la mesa”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), está datado en 1885, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 44.3 x 32.5 cm.

Este estudio muestra cómo a Van Gogh le gusta ver al granjero: sobrio y sencillo. Después de un día de arduo trabajo en los campos, come su escasa comida de los frutos de su trabajo. El artista no pretende idealizar la vida campesina. Las facciones toscas, la frente baja y los labios gruesos simbolizan para él la existencia cruda y sincera del hombre.

El siguiente cuadro es una de las obras pintor “Mujer tejiendo hilo”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), está datado en 1884, realizado en Bolígrafo y pincel en dos tipos de tinta negra/marrón, aguada gris y trazos de acuarela blanca opaca sobre papel avitelado. Tiene unas medidas de 14.1 x 20.2 cm.

Estamos ante otro de los bocetos que realizó el pintor con gente de la localidad, en este caso realizando vida cotidiana con trabajos que eran habituales en aquella época, que luego lo traslada a sus obras sobre lienzos.

El siguiente cuadro es una de las obras pintor “Telar con tejedor”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), está datado en 1884, realizado en óleo sobre lienzo y tabla. Tiene unas medidas de 41.1 x 57.5 cm.

La intrincada construcción de los telares, combinada con las pequeñas habitaciones en las que trabajan estos artesanos, los convierte en un motivo interesante y desafiante para el pintor. El hecho de que este tema todavía se usara poco en ese momento le dio una motivación adicional para hacer imágenes que pudiera vender.

El siguiente cuadro es una de las obras pintor “Hombre hilando”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), está datado en 1884, realizado en Lápiz, pluma y tinta negra/marrón, tiza negra, aguada y acuarela transparente sobre papel verjurado. Tiene unas medidas de 22.6 x 23.3 cm.

Estamos ante otro de los bocetos que realizó el pintor con gente de la localidad, en este caso realizando vida cotidiana con trabajos que eran habituales en aquella época, que luego lo traslada a sus obras sobre lienzos.

El siguiente cuadro es una de las obras pintor “Telar con tejedor”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), está datado en 1884, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 68.3 x 84.2 cm.

El lienzo parece cumplir con las expectativas de Van Gogh. Lo tiene fotografiado en un formato pequeño, llamado carte de visite. Utiliza tales imágenes para hacer algunas conexiones y llamar la atención de otros sobre su trabajo. Telar con tejedor es, por tanto, una obra representativa de este período.

El siguiente cuadro es una de las obras pintor “Mujer pelando patatas”, obra del pintor Vicent Van Gogh (1853-1890), está datado en 1881, realizado en Tiza, aguada, pluma y tinta y acuarela opaca sobre papel verjurado. Tiene unas medidas de 59.9 x 47.6 cm.

Estamos ante otro de los bocetos que realizó el pintor con gente de la localidad, en este caso realizando vida cotidiana con trabajos que eran habituales en aquella época, que luego lo traslada a sus obras sobre lienzos.

El siguiente cuadro es una de las obras de arte “Guitarra”, obra del pintor Pablo Picasso (1881-1973), está datado en 1919, realizado en Pintura al óleo y arena sobre lienzo. Tiene unas medidas de 80.5 x 44.5 cm.

Con el cubismo, los artistas encontraron una nueva forma de expresión, que parece alejada de la realidad que nos rodea, pero Picasso pensaba lo contrario: “El arte abstracto no existe. Siempre hay que partir de algo como el borrado de la realidad". Lo más espectacular del cubismo fue que los artistas reemplazaron la perspectiva tradicional por una vista en la que el objeto pintado se mostraba desde diferentes ángulos al mismo tiempo. Además, la superficie plana a menudo fue acentuada por los artistas. Para muchos, el cubismo actuó como una liberación. Pablo Picasso también sintió lo mismo.

El siguiente cuadro es una de las obras de arte “Violín”, obra del pintor Pablo Picasso (1881-1973), está datado en 1911-1912, realizado en pintura al óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 100 x 73 cm.

La ilusión de la perspectiva natural desaparece y en su lugar emerge una red de planos, uno al lado del otro y uno detrás del otro, que se distinguen entre sí por líneas y sombras. Típico del cubismo analítico es que la composición se construye desde el centro y se aleja hacia los bordes. Llama la atención la forma ovalada del cuadro.

El siguiente cuadro es una de las obras de arte “Pipa y frutero con uvas”, obra del pintor Juan Gris (1887-1927), está datado en 1918, realizado en pintura al óleo sobre madera contrachapada. Tiene unas medidas de 61 x 38 cm.

La especialidad de Gris eran los “Papiers collées”, de donde deriva nuestra palabra "collage": para ello pegaba papeles pintados, naipes, recortes de periódicos en sus fotografías, para resolverlos enfatizando la independencia de color, forma y estructura y integrarlos en su trabajo. Los temas del mismo nombre formaban el marco o más bien la forma de la obra, que al final sólo recordaba remotamente a uno de los objetos mencionados.

El siguiente cuadro es una de las obras de arte “Camino que conduce al lago”, obra del pintor Paul Cezanne (1839-1906), está datado en 1880, realizado en pintura al óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 92 x 75 cm.

Pero una inspección más cercana revela que la pintura se compone de elementos y superficies horizontales y verticales. Esto contrarresta en gran medida la perspectiva tradicional, con líneas que se alejan y los colores se desvanecen gradualmente. El efecto de profundidad del camino es interrumpido por las líneas horizontales de los arbustos bajos, el borde del agua y las colinas detrás. Los edificios se alzan como cajas planas en el paisaje.

Todo ello centra la atención en la construcción del cuadro: las formas y superficies, cada una con su propio color, aplicadas en pinceladas contundentes y paralelas. Con este método de trabajo, Cézanne se convierte en una gran influencia en la pintura moderna y se embarca en una dirección que finalmente conducirá a la abstracción. Sus 'pinceladas constructivas' y el uso del color causan una profunda impresión en los pintores más jóvenes, como Maurice Denis, Paul Gauguin y Paul Signac, que siguen su ejemplo.

El siguiente cuadro es una de las obras de arte “El borde del bosque”, obra del pintor Paul Gauguin (1848-1903), está datado en 1885, realizado en pintura al óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 81 x 64.5 cm.

Por invitación de Vincent Van Gogh, que sueña con fundar una comuna de artistas, Gauguin va a Arles. Permanecerá allí desde el 20 de octubre hasta finales de diciembre. Las esperanzas de Van Gogh se desvanecen cuando Gauguin deja Arles, incapaz de mantener su relación con el tumultuoso pintor holandés. Episodio trágico de la oreja cortada.

El siguiente cuadro es una de las obras de arte “El barco taller”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), está datado en 1874, realizado en pintura al óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 50.2 x 65.5 cm.

En esta pintura el barco está amarrado entre dos postes, inmóvil sobre el agua. Una figura es vagamente distinguible en la cabaña, probablemente el mismo Monet. La mayor parte del lienzo está ocupado por el río que fluye en calma, en el que se reflejan el estudio del barco y los árboles, pero también el cielo. En esta pintura, Claude Monet da una impresión de tranquilidad en el agua durante un día de verano.

El siguiente cuadro es una de las obras de arte “El arcoíris, Pontoise”, obra del pintor Camille Pissarro (1830-1903), está datado en 1877, realizado en pintura al óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 52.9 x 81.5 cm.

Camille Pissarro fue uno de los impresionistas más influyentes. Para muchos pintores de su época, fue amigo y mentor. En 1872 se instaló en Pointoise, donde lo visitaron varios artistas. Uno de ellos fue Paul Cézanne, quien luego dijo de él: 'Fue un padre para mí. Un hombre al que puedas pedir consejo, un poco como el buen Dios'.

También significó mucho para Vincent van Gogh. Compartían el amor por el campo y la vida rural y en París, Pissarro lo animó a usar colores brillantes y adoptar un estilo de pintura más libre. Pissarro fue uno de los primeros admiradores de la obra de Van Gogh.

El siguiente cuadro es una de las obras de arte “Redes de pesca, Honfleur”, obra del pintor Felix Vallotton (1865-1925), está datado en 1912, realizado en pintura al óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 73 x 100 cm.

La atmósfera bastante sombría es típica del trabajo de Vallotton, con el ominoso cielo lluvioso y la oscura hilera de árboles pintada casi como siluetas petrificadas. La luz que se abre paso por la abertura de las nubes cae intensamente sobre el borde superior de las redes de pesca casi turquesas, que se cuelgan a secar en palos, y sobre un tramo del camino, por donde caminan dos figuras solitarias.

El siguiente cuadro es una de las obras de arte “Paisaje con una zanja”, obra del pintor Paul Joseph Constantin Gabriel (1828-1903), está datado en 1886, realizado en pintura al óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 50.5 x 34.8 cm.

Gabriel fue también influenciado por la Escuela de Barbizon cuyos trabajos se exponían en Bruselas con regularidad. Animado por los consejos de Roelofs se convirtió en un buen pintor de paisajes. La paleta que utilizaba era de colores claros, alejándose de los tonos grises tan característicos de la Escuela de La Haya. Sus trabajos eran más una consecuencia del sol holandés en el paisaje que la sensación provocada por la atmósfera.

El siguiente cuadro es una de las obras de arte de la sección clásica “Retrato de un hombre”, obra del pintor Jacopo Robusti Tintoretto (1518-1594), está datado en 1547, realizado en pintura al óleo sobre tabla. Tiene unas medidas de 130 x 97.5 cm.

El hombre desconocido en este cuadro de Tintoretto también se encuentra frente a un fondo oscuro, en el que apenas se ve una balaustrada de piedra, donde también aparece la fecha del cuadro. La túnica del hombre forma una sección negra, uniforme y sólida, que apenas se destaca sobre el fondo de la pintura.

El siguiente cuadro es una de las obras de arte de la sección clásica “Caza de ciervos”, obra del pintor Lucas Cranach El Joven (1515-1586), está datado en 1557, realizado en pintura al óleo sobre tabla de tilo. Tiene unas medidas de 53 x 69 cm.

El cuadro representa un campo de color verde pálido y ocre con arbustos y hierba, se puede ver como tres jinetes se acercan por la izquierda con ocho perros de caza marrones y blancos, en persecución de una manada de ciervos. Algunos de ellos intentan escapar nadando a través de un arroyo. Detrás del campo se ven botes de remos en un tramo de agua corriente. A lo largo de las orillas fantasiosas se pueden observar zorros, conejos y algunos hombres. En el extremo derecho hay un puente de madera que conduce a una roca que se eleva bruscamente hacia arriba, en su cima un castillo de color claro con techos azul verdosos. Un paisaje ondulado se extiende a la izquierda de la roca. En el horizonte hay una gran ciudad amurallada; casas, iglesias, torres y una ciudadela, que se destaca contra el resplandor amarillo rojizo del cielo sobre un azul verdoso claro.

El siguiente cuadro es una de las obras de arte de la sección clásica “Desayuno”, obra del pintor Floris van Schooten (1585-1656), está datado en 1615-1620, realizado en pintura al óleo sobre tabla de tilo. Tiene unas medidas de 47 x 84 cm.

Esta naturaleza muerta ensalza la opulencia de la vida. Los contemporáneos de Van Schooten saben que la excelente comida de este cuadro también contiene una advertencia. Después de todo, los alimentos son perecederos, así como los placeres terrenales son transitorios. Pero es una amonestación suave: en este desayuno, el énfasis está en la abundancia. Esa abundancia es gracias al comercio con el Lejano Oriente, el plato chino es un recordatorio de eso.

El siguiente cuadro es una de las obras de arte de la sección clásica “Retrato de Margaretha von Mochau, esposa de Gerhard von Westerburg”, obra del pintor Barthel Bruyn de Oude (1493-1557), está datado en 1524, realizado en pintura al óleo sobre tabla. Tiene unas medidas de 61 x 51 cm.

Barthel Bruyn el Viejo pintó este retrato nupcial de Margaretha von Mochau un año después de su matrimonio en 1523 con Gerhard von Westerburg. La pintura es parte de un díptico. El panel de la derecha, que se encuentra en la Colección Compton Verney de Inglaterra, muestra a Gerhard von Westerburg. Margaretha tenía entonces 26 años, como indica la artista en la esquina superior derecha. El clavel que sostiene en la mano simboliza el amor puro. Ella le ofrece la flor a Gerhard. Un bodegón de vanitas está pintado en la parte posterior del retrato. Con este tipo de pintura, el artista transmite el mensaje de que la belleza y los placeres de la vida son transitorios ('vanitas' significa 'fugacidad', 'futilidad'). El cráneo se refiere a la mortalidad. La vela humeante representa la naturaleza fugaz de todas las cosas mundanas. La frase latina Todo perece por la muerte, la muerte es el fin de las cosas, es consistente con esto. El bodegón vanitas es tanto literal como figurativamente lo contrario del retrato nupcial: muestra la mortalidad en contraste con los asuntos mundanos.

El siguiente cuadro es una de las obras de arte de la sección clásica “La construcción de la Torre de Babel”, obra del pintor Hendrick van Cleve (1525-1591), está datado en siglo XVI, realizado en pintura al óleo sobre plancha de cobre. Tiene unas medidas de 41.3 x 47.5 cm.

La Torre de Babel es un tema popular en el siglo XVI, especialmente en Amberes, donde trabaja van Cleve. Amberes es una ciudad portuaria concurrida, llegan barcos de todo el mundo y se pueden escuchar muchos idiomas diferentes en las calles. Eso hace que la historia del Antiguo Testamento sobre la confusión de lenguas en Babilonia sea relevante

El siguiente cuadro es una de las obras de arte de la sección clásica “Venus y Amor”, obra del pintor Hans Baldung Grien (1484-1545), está datado en 1524-1525, realizado en pintura al óleo sobre madera de tilo. Tiene unas medidas de 208.3 x 84 cm.

A su lado, su hijo Amor sostiene en su mano derecha una flecha llameante, como símbolo del amor ardiente. Tiene los ojos vendados y se sienta sobre una pelota, que representa la verdad. Si se quitara la venda de los ojos, vería la verdad y descubriría que el amor espiritual de Dios siempre triunfa sobre el amor físico entre las personas.

Se muestra un cuerpo desnudo, más grande que el tamaño natural, se enfatiza aún más con el fondo oscuro. Durante el renacimiento, el desnudo voluminoso fue considerado como una imagen ideal de la humanidad. Pero al mismo tiempo, Baldung Grien pretende transmitir que un cuerpo hermoso es meramente transitorio, a diferencia del amor de Dios.

El siguiente cuadro es una de las obras de arte de la sección clásica “Venus con Amor la ladrona de miel”, obra del pintor Lucas Cranach El Viejo (1472-1553), esta datado en 1537, realizado en pintura al óleo sobre tabla de tilo. Tiene unas medidas de 174 x 66,5 cm.

Aparte de este tema, la atención se centra en gran medida en Venus, que se representa con una piel blanca como un lirio, extremidades alargadas y un rostro pequeño y delicado. El velo de gasa sirve más para enfatizar su desnudez que para preservar su dignidad. Este tipo de representación del desnudo femenino de Cranach ya era muy popular en su época.

La pintura no tiene fecha, pero ciertamente se hizo después de 1537. Esto puede derivarse del dragón sobre Amor: el escudo de la familia y también la firma de Cranach. En sus primeros trabajos, las alas de este dragón se levantan, después de 1537 se bajan.

El siguiente cuadro es una de las obras de arte de la sección clásica “Autorretrato”, obra del pintor Scipione Pulzone (1544-1598), esta datado en 1564, realizado en pintura al óleo sobre tabla de tilo. Tiene unas medidas de 43.5 x 34,5 cm.

Pulzone fue un artista estimado del Renacimiento italiano tardío y uno de los intérpretes pictóricos más originales de la era de la Contrarreforma. Pulzone probablemente nació en algún momento de la década de 1640 en Gaeta y se formó inicialmente como pintor en el estudio de Jacopino del Conte. Gran parte de su obra, especialmente las pinturas religiosas, parece fuertemente influenciada por el estilo de Girolamo Siciolante da Sermoneta. Pulzone sobresalió especialmente en sus retratos con una gran calidad artística en la reproducción de los detalles. Trabajó principalmente en Nápoles, Florencia y Roma.

Aquí damos por finalizada la presentación de las mejores pinturas del Museo, en un marco que difícilmente podemos pasar por alto sin un breve comentario en lo referente a su arquitectura. El museo Kröller-Müller, situado en el bosque de Hoge Veluwe, Otterlo, Holanda, fue diseñado por Henry van de Velde encargado por la Fundación Kröller-Müller.

Después de las propuestas realizadas entre 1911 y 1913 por Berlage, Behrens y Mies van der Rohe que habían sido rechazadas, fue Van de Velde quien recibió el encargo de diseñar un edificio para la colección de arte de la familia Kröller-Müller. La construcción de su ambicioso diseño comenzó en 1921, siendo interrumpida por la crisis económica, retomándose y ampliándolo entre 1941 y 1942. La colección y los terrenos de la propiedad que rodea el museo fueron legados al Estado. El edificio se amplió de nuevo en 1953 con una galería de escultura, una gran sala y auditorio, haciéndose famoso por su intimidad, su relación con su entorno natural y su iluminación equilibrada mediante lucernarios. El conjunto es un edificio alargado, horizontal muy centrado. En el centro del volumen del edificio sobresale una sala escalonada con patio cruciforme.

El jardín de esculturas del Museo Kröller-Müller en Otterlo, Países Bajos, se extiende por más de 25 hectáreas. No es solo uno de los espacios de arte al aire libre más grandes del mundo, sino uno de gran importancia cultural e histórica, que muestra una visión única de la escultura del siglo XX desde Rodin en adelante. Este volumen ricamente ilustrado rastrea las historias de algunas de las piezas más fascinantes del jardín, en particular las obras específicas del sitio, junto con el diseño del paisaje en sí y varias extensiones de los terrenos. Finalmente, los diseños recientes de los estimados arquitectos paisajistas holandeses, West 8, para el exterior, y de Gerrit Rietveld y Aldo van Eyck para los renombrados pabellones de esculturas, se consideran junto con el futuro del jardín. Con obras de Auguste Rodin, Richard Serra, Claes Oldenburg, Dan Flavin, Dan Graham.

El jardín de esculturas se inauguró festivamente el 3 de junio de 1961 en presencia de un grupo internacional de artistas, críticos, conservadoress y directores de museos. Hammacher (primer director) describe el jardín en su apasionado discurso de bienvenida como un "alfabeto de formas espaciales" en el que el observador puede encontrar profundidad y enriquecimiento al considerar las esculturas como "símbolos de vida".

El Pabellón Sonsbeek fue diseñado por Aldo van Eyck como pabellón temporal y construido en el verano de 1966 para albergar esculturas de cerca de treinta artistas (incluyendo Brancusi, Arp y Giacometti) en el parque de Sonsbeek en Arnhem. Destruido unos meses más tarde, fue reconstruido en 2006 en el jardín del museo Kröller-Müller en Hoenderloo, Países Bajos.

La construcción es un ejercicio cuidadoso de dibujo en planta: seis muros paralelos de casi 4 m de altura se sitúan a una distancia de 2,5 m entre sí que sostienen una cubierta traslúcida. La forma en que las paredes se curvan formando espacios semicirculares y los cortes repentinos en los muros que permiten el paso entre los distintos espacios entre los muros transforman este simple patrón en un complejo dispositivo espacial. Hay una pequeña habitación cerrada circular. Los visitantes, compartiendo el espacio con las esculturas, exploran el pabellón como si se tratara de un laberinto; no de confusión, sino de lo que van Eyck llamó "Claridad Laberíntica" donde el espacio euclídeo y el lugar arquitectónico trabajan juntos de manera armoniosa para (usando las propias palabras de van Eyck) ayudar al hombre a regresar a casa.

El pabellón Sonsbeek ocupa una parcela cuadrada de 12 m de lado. Se compone por galerías y salas abiertas concertadas únicamente por elementos verticales y horizontales en carácter de líneas y planos. Estos planos nunca componen vértices, se extienden más allá del punto de intersección con otro elemento. La intersección de los planos define vacíos o planos transparentes, generando ritmos asimétricos, donde las galerías actúan como ejes de un sistema que conduce a la sala principal. La depuración formal y la síntesis de elementos del pabellón Sonsbeek rescatan conceptos enunciados por el grupo De Stijl en los 17 puntos de la arquitectura neoplástica.  Sin embargo, en esta obra el uso de colores puros es sustituido por materiales con distintas texturas y tonalidades. La fluidez espacial que alcanza en esta obra resulta acorde a las necesidades expositivas. Rietveld resume estética plástica y técnica constructiva con una coherencia singular en esta obra realizada en plena madurez de su carrera.

Aquí damos por terminada la visita a este importante museo holandés. A la salida pensamos en comer en el interior del museo, pero la carta es muy escasa. Optamos por comer en la autocaravana donde tenemos dispuesto: puré de verduras y lomo en salsa.

Para llegar a nuestro siguiente destino de la tarde que por cierto es una visita guiada al palacio que tenemos concertada a las 15,00 horas, nos separan 5 km y cogemos una bicicleta gratuita que tienes a tu disposición por todo el parque.

El recorrido por el parque es muy divertido y tienes oportunidad de pasar entre un bosque de brezales, pastos y dunas móviles, podemos ver muchos animales salvajes como: jabalíes, gansos y muflones.

En realidad el Palacio era el pabellón de caza de la familia Kroller Müller y su nombre Jachthuis Sint Hubertus. Fue encargado por la mujer Helen de estos magnates de la siderúrgica al arquitecto Hendrikus Petrus Berlage.

El palacio se crea como un pabellón de caza que debe servir como una casa de campo representativa, adecuada para recibir relaciones comerciales y otros invitados. Berlage diseña su edificio en un estilo que recuerda a las casas de campo inglesas, especialmente los techos concatenados y las formas masivas. Él usa su ladrillo holandés familiar y agrega una torre, un motivo bien conocido de Berlage. En la fase inicial de construcción, aún no se menciona el nombre San Humberto. La mayoría de los primeros dibujos lo identifican como pabellón de caza o 'landhuis Hoenderloo'.

Es Helene quien le pide a Berlage que elabore el motivo de la leyenda de Hubertus en su diseño. En esta historia, el joven noble Hubertus puede golpear a un gran ciervo mientras caza. Cuando el ciervo se vuelve hacia él, ve una cruz resplandeciente en sus cuernos, por lo que perdona al ciervo y finalmente se convierte al cristianismo. Para Helene, la historia tiene un significado aún más profundo, a saber, que "había que vencer la pasión y prevalecer la sabiduría y la prudencia". Una explicación que encaja con su lema posterior Spiritus et Materia Unum, espíritu y materia son uno. Berlage agrega dos alas alargadas al edificio y hace que la torre sea más alta y más fuerte. El dibujo grande muestra mejor cómo las dos alas y la torre juntas pueden representar la forma de astas con una cruz.

La zona pantanosa De Veentjes, en el lado norte de la finca, parece ser el lugar perfecto, especialmente para convertirse en un lago. Sin un plan de edificación detallado, se inicia la construcción del estanque y un puente de mampostería. Pero los Kröller tienen sus dudas y tienen el plano de la casa ampliado en dos lugares en madera. Después de adquirir un nuevo terreno, el lugar para el pabellón de caza se traslada al norte. Allí se cavará un segundo estanque (más grande) y se conectará al primero. La construcción finalmente comenzó en 1916.

El estanque fue excavado en 1919. El plan es hacer un gran estanque redondo que se convierta en un pequeño lago . Pero durante el trabajo de excavación, la capa de hierro oxidado en el suelo se daña. Normalmente, el agua de lluvia permanece naturalmente sobre él, pero ahora el estanque se vacía una y otra vez. Después de numerosos intentos de reparación, se crea un fondo artificial a partir de rollos de masilla (asfalto), que se extienden sobre toda la superficie del estanque y se unen con alquitrán. Desde entonces, el fondo ha sido hermético.

El diseño de Berlage incluye no solo la casa de campo, sino también los jardines circundantes y los estanques adyacentes. Sobre todo, Berlage se esfuerza por lograr la unidad y mantiene el control sobre el diseño, la combinación de colores y el uso de materiales en cada parte del edificio. Deja que el ladrillo domine tanto en el interior como en el exterior. Incluso los techos están compuestos por un mosaico de ladrillos vidriados en 2 colores por habitación. También diseña los muebles , los suelos de baldosas, las lámparas y utensilios como la cubertería. Justo al lado del pabellón de caza, Berlage diseñó un edificio de servicios con taller, garaje, establos para caballos y viviendas para el personal.

En 1917, Berlage le propone a Helene diseñar un monograma para decorar el patio. Helene prefiere dar este encargo a Joseph Mendes da Costa, de quien ya posee muchas esculturas pequeñas. 'De esta manera toda la casa está casi entretejida de sentimiento: en la torre la cruz, en las ventanas de la sala de billar el simbolismo de líneas de Berlage [...] y en el patio la huella de Mendes.' Berlage no está encantado con la decisión e Helene. Después de todo, él quiere hacer una obra de arte total, y no hay lugar para la visión y el estilo de otro artista, ciertamente no en un lugar tan destacado como la entrada de su obra maestra.

Helene encuentra el diseño de Berlage muy hermoso, pero todavía tiene 'algunos pequeños deseos' que le gustaría ver cambiados. El arquitecto a menudo tiene que desviarse de sus propios ideales, lo que no beneficia las relaciones mutuas. En 1918, Helene visita el edificio, cuando acaban de poner los cimientos, y descubre que su salón no tiene vistas al estanque. Por lo tanto, le pide a Berlage que haga una ampliación, incluso si eso significa una enorme violación de la simetría de la planta. Tiene que ajustar su diseño dos veces, pero Helene aún no está satisfecha. Entonces la medida no es aceptada por Berlage. Presentó su renuncia el 1 de septiembre de 1919.

Después de la partida de Berlage, la casa se amuebla y se acondiciona para ser habitada. Sin embargo, los Kröller suelen residir en el Klaverblad, más pequeño y sencillo. “Siempre pienso y comparo con nuestra casa de Harskamp, […] tan acogedora como allí, tan exterior, tan ordinaria, tal como queremos que sea”. Helene muestra mucho respeto por este 'edificio de Berlage extrañamente tosco y con mucha belleza, pero también con sus errores'. Ella escribe: Quienes vivan en él tendrán que adaptarse a él, tendrán que aceptar sus muchas piedras y sus estrechos pasillos, pero es una obra de arte, que es inquebrantable.

La entrada al interior del Palacio es cualquier cosa menos acogedora: el gran toldo eclipsa la entrada y la luz del vestíbulo se ve atenuada por estrechas vidrieras. Las paredes están hechas de ladrillos vidriados de color amarillo oscuro de Delft por la empresa De Porceleine Fles. Con las grandes urnas crean una atmósfera de mausoleo.

Desde la esquina, un águila real estilizada en bronce, escultura de JM Mendes da Costa (1863-1939), mira al visitante con la mirada de un juez. El armero alto diseñado por Henri van de Velde (1863-1957), así como la barandilla y otros elementos interiores, están hechos de madera de ébano de coromandel muy oscura y vulnerable (procedente de la India o Indochina). El estado de ánimo en esta sala se mantuvo deliberadamente sombrío porque el arquitecto Hendrikus Petrus Berlage (1856-1934) expresaba la primera fase de la vida de San Humberto (Patrono de los cazadores).

En la serie de vidrieras (diseñadas por Henning de Bunzlau) en lo alto, la vida del santo se representa como si fuera una tira cómica: la primera ventana muestra que su mundo consistía en un caos oscuro. La ventana del medio muestra el enfrentamiento con el ciervo místico y en la última ventana el mundo de San Humberto.

Debajo de las escaleras se ocultó un sistema de aspiración central ultramoderno que consistía inyectar aire y recogerlo en una zona con un filtro. Por lo tanto, el personal nunca tuvo que arrastrar una aspiradora sobre las hermosas baldosas vidriadas, lo que solo las dañaría.

Puertas dobles oscuras conducen al gran comedor frente al estanque que está bañado por una luz casi cegadora. En contraste con el sombrío salón, aquí todo es cálido, colorido y radiante. Esta sala simboliza, pues, la vida plena en la que el santo encontró la verdad luminosa. Sobre el techo un magnífico artesonado. Aunque está inspirado en los techos de los palacios del Renacimiento italiano, la ejecución es sorprendentemente moderna. El material consiste en ladrillos vidriados en tres colores: el azul del cielo, el amarillo de las estrellas y el rojo del resplandor del sol. En el centro cuelga una lámpara cuyo cuenco está tallado en alabastro extremadamente fino. El pavimento recibió los colores del bosque en el que san Humberto iba a cazar: todo tipo de tonos verdes del vidrio de Leerdam se colocan juntos en un mosaico. El estilo de Berlage se puede reconocer en todas partes de esta sala.

Las sillas, con su tapizado a rayas con los colores de los jóvenes jabalíes, llevan en el respaldo el distinguido emblema de San Humberto. Todos los muebles, incluidas los radiadores de metal de la calefacción central, se fabrican según los diseños de Berlage.

La puerta de la derecha da acceso a la biblioteca semicircular cuya hilera de altos ventanales deja pasar poca luz. Es un lugar de meditación y estudio: en este estado de ánimo, san Humberto se dedicó a trabajos espirituales después de una existencia materialista. El Sr. Kröller amueblaba su habitación con obras de grandes contemporáneos de Berlage: esculturas de Lambertus Zijl (1866-1947), de Mendes da Costa, Hildo Krop (1884-1970) y John Rädecker (1885-1956).

La contrapartida de esta biblioteca semicircular es el salón de té con un sol naciente en el techo. Las lámparas del interior y del exterior tienen forma de diamante y proporcionan la iluminación ideal de los ladrillos, a veces apagados y fríos, otras veces brillantes y cálidos.

La sala de estar de la Sra. Kröller-Müller es elegante, donde se han colocado algunos hermosos camellos chinos T'ang. En esta sala cuelga un retrato al óleo de la mujer que, con su sentido del arte muy desarrollado, reunió una colección inigualable. Originalmente, quería exhibir los lienzos que había comprado de grandes maestros holandeses como Vincent van Gogh, Bart van der Leck, Piet Mondrian y Charley Toorop junto con obras de A. Renoir, Cézanne, G. Seurat, Picasso y otros en el noble arte de la caza.

Pronto se hizo evidente que era demasiado pequeño para eso, comenzó con el diseño de un museo ubicado cerca de Otterloo. La inminente crisis económica mundial paralizó el trabajo que había comenzado con tanto entusiasmo. La pareja vio menguar su capital y se vio obligada a colocar el pabellón de caza Sint Hubertus con la colección de arte en una fundación. De esta manera, sus posesiones únicas permanecieron juntas y, tal como querían, accesibles para todos.

Seguimos el recorrido por Parque Nacional Hoge Veluwe es por el colorido, aunque en este momento, no es otoño, cuando los tonos amarillos, dorados, verdes y marrones se mezclan en la penumbra, una creación de gran belleza. El juego que se mueve en él y que se puede observar especialmente por la tarde, es un espectáculo único en sí mismo.

Ya entendemos mejor todo lo que significa este Parque Nacional que se crea gracias a un matrimonio de los más ricos del mundo, cuando compran unas fincas para cazar, levantan un pabellón para sus desplazamientos, ella es una gran aficionada al arte y con el dinero de hierro logra comprar más de 11000 objetos de arte. Para albergar la colección construye el museo. Como el matrimonio no tienen hijos y la herencia la donan al Estado y se queda con el Parque Nacional, el museo y el Palacio.

Hacemos una pequeña reflexión de lo vivido durante el día. Es difícil entender como se ha preservado los terrenos de este parque durante tantos años hasta llegar al grado de protección actual. El recurso de suelo en los Países Bajos en un país donde es tradicional la cantidad ingente de dinero y esfuerzo para ganar al mar los trozos de suelo durante siglos, mientras 54,5 kilómetros cuadrados son respetados y rescatados de una zona que era agrícola durante principios del siglo XX para dedicarlo un uso como Parque Nacional.

La pregunta que nos hacemos es en estos momentos es como y cuanto debían de ser la familia tan rica para poder comprar este ingente terreno. Pues obedece a un tanto a la suerte porque gracias a una gran sequía seguida de una violenta tormenta transformo el suelo en polvo y llevado los millares de hectáreas de suelos agrícolas frágiles en esta región a principios del siglo XX. Esto permitió que la pareja Kroller Muller, que había hecho fortuna en los negocios marítimos de comprar alrededor de 5000 ha de terreno para reforestarlo y cercarlo con un muro, con el fin de mantener los grandes animales para la caza, animales que habían desaparecido de los Países Bajos en aquella época. Después de una quiebra económica, la pareja lo propuso a una fundación, con la ayuda del Estado neerlandés de proseguir su obra, con la condición de que el parque y el museo permanecieran abiertos al público. El parque conserva el relieve dunar de arenas remodeladas por los vientos y una vasta zona arenosa está voluntariamente conservada desprovista de vegetación. Numerosos animales salvajes que han invandido naturalmente el parque (zorros, mustélidos, ardillas, reptiles, anfibios, invertebrados, etc.), anteriormente A. Kröller, primero por las necesidades de sus cacerías personales después por el placer de observarlos en libertad, ha introducido los ciervos, los jabalíes y los muflones que recorren la parte más grande del parque en libertad.

En total hacemos 10 km. en bici por el parque hasta volver al parking del museo dónde tenemos la autocaravana. Mientras pensamos, pocas guías turísticas aparece reflejado este lugar y hemos tenido la suerte de visitarlo, gracias a seguir la obra de Vicent van Gogh, además, poder pernoctar una noche en el centro del parque es algo extraordinario.

Es el momento de abandonar el parque camino de nuestro siguiente destino a 100 km de la frontera de Bélgica. Siguiendo la historia del pintor hasta otro de los lugares en la historia del pintor Vicent van Gogh.

Llegamos a la localidad de Nuenen y aparcamos en un sitio habilitado para autocaravanas dónde pasaremos la noche. Es un sitio para seis autocaravanas se encuentra en la entrada al polideportivo de la ciudad, es gratuito, pero no tiene ningún tipo de servicios. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 51.4635213 E 5.5633021.

Cuando aparcamos en Nuenen (Países Bajos) sentimos que estamos supercansados porque el día hay sido muy intenso y agotador, solamente nos queda ducharnos y una cena reparadora: tomamos una ensalada de salmón con espárragos, paté y almejas.

Día 16 de abril (sábado)
Ruta: Nuenen (Paises Bajos)- Compiegne (Francia); distancia 375 km. ; tiempo estimado 4h2'

La noche es muy tranquila y no se escuchan ruidos, apenas dos autocaravanas más nos acompañan y no sentimos ruido hasta primera hora de la mañana gracias a que el parking está pegado a una guardería y se escucha como los padres acuden pronto para dejar a sus hijos.

Hemos venido hasta aquí por dos motivos por que la localidad se encuentra ya en dirección de regreso a España y lo más importante porque Vincent van Gogh vivió en Nuenen durante dos años y pintó allí el gran estudio de figuras The Potato Eaters y números cuadros inspirado en sus tierras y gentes. .

En diciembre de 1883, Vincent se fue de Drenthe a la casa de sus padres en Nuenen. Fue un paso muy audaz, porque no los había visto desde la Navidad de 1881 (cuando aún vivían en Etten). No tuvo una recepción nada cálida porque habían discutido muy habitualmente, pero sus padres le permitieron quedarse y montar un estudio en la sala Mangle.

Aunque las relaciones familiares no eran tan buenas como podrían haber sido, Vincent pronto decidió que quería quedarse en Nuenen porque amaba el entorno y la gente. Visito durante su estancia las fábricas de tejidos, los trabajadores de la tierra y en su estudio, trabajó diligentemente produciendo bocetos de los residentes típicos de Brabante. También salió al campo y pintó paisajes. Estaba particularmente preocupado por los efectos del color. Confiado en sus habilidades gracias a los numerosos estudios de figuras que había realizado, produjo la pintura de figuras grandes dimensiones y considerada una de sus mejores obras de arte, The Potato Eaters.

Vincent iba a menudo a Eindhoven, donde compraba pintura y daba lecciones de arte a Willem van de Wakker, Anton Kerssemakers y Antoon Hermans. También diseñó pinturas para el comedor de la casa de los Hermans.

Vincent dependía financieramente de su hermano Theo, ya que no pudía vender ningún cuadro. La falta de ingresos provocó tensión entre Vincent y Theo, y Vincent le reprochó a Theo enérgicamente. Aun así, Theo, que trabajaba como marchante de arte en París, siguió enviándole a Vincent 150 francos cada mes a cambio de algunas piezas. Acordaron que cada pintura que hiciera Vincent sería de ahora en adelante propiedad de Theo.

Después de trabajar en la casa de sus padres por un tiempo, Vincent comenzó a buscar un estudio más grande. Pronto encontró uno, que alquiló a Johannes Schafrat. Después de que su padre muriera de un ataque al corazón en marzo de 1885, Vincent se mudó y se fue a vivir a su estudio. Fantaseaba con mudarse a Amberes con la esperanza de vender trabajo allí y seguir estudiando. Finalmente, partió hacia la ciudad el 24 de noviembre de 1885.

Lo primero que vemos es el Museo de Vicentre se encuentra situado en el centro de la ciudad (GPS N 51.4767084 E 5.5507286), Berg 29, 5671 CA Nuenen, Países Bajos, precio 9 euros y audioguía 2 euros. Nos cuenta con detalle la vida y la obra que desarrolla Van durante los años 1883 y 1885 en Nuenen y Antwerp. El catálogo cuenta con unas 188 pinturas de este período inicial, pero fundamental, en la carrera de van Gogh.

Toda la vida del pintor está llena de enigmas y este pequeño museo trata de ayudarte a que puedas entender un poco mejor el breve paso por Nuenen dentro de la vida y de la obra de este controvertido personaje.

El pastor de Nuenen había pedido a los feligreses que no posaran para el algo excéntrico hombre que era Van Gogh en ese momento. Entonces, en esencia, él era una especie de 'persona non grata' en Nuenen. Se habría quedado Van Gogh, sin la llamada del pastor, en Nuenen y, por lo tanto, nunca habría adquirido la fama mundial que ahora disfruta precisamente porque dejó Nuenen-

Van Gogh vendió solo una pintura en su corta vida. Normalmente, no se llega más lejos, en términos de fama, que cualquier otro pintor de casas y jardines de los Países Bajos. Cómo hubiera sido su futuro si su hermano Theo, que le proporcionaba artículos de pintura, entre otras cosas, no lo hubiera mantenido y, como comerciante de arte, hubiera llevado sus pinturas a la atención de los clientes en lugar dejarlas en los rincones.

Vincent van Gogh solo decidió convertirse en artista a la edad de 27 años. En apenas diez años (1880-1890) realizó aproximadamente 900 pinturas y 1100 obras sobre papel. Eso significa que, día tras día, entregó un promedio de 4 pinturas al día sin un solo día libre o vacaciones en diez años. Si piensas en los harapos de otros pintores de su época, entonces puedes imaginar algo sobre eso, pero Van Gogh no se puede comparar con otros artistas. No fue necesariamente la gran disciplina que subyace en esto, sino un impulso inimaginablemente grande para dar un relato a cada minuto de su vida y todo lo que sentía todos los días con un pincel en sus pinturas: ningún pintor puede estar de acuerdo con él en ese aspecto. En su obra jugará un papel en su historia, sabiendo que ni el dinero ni el deseo de ser famoso eran un motivo de su grandeza como pintor.

En Nuenen, Van Gogh se centró en pintar la vida rural y los trabajadores del campo, con una paleta de colores oscuros y terrosos. Durante esta etapa, creó unas 188 pinturas, así como numerosos dibujos y acuarelas.

La obra más famosa de esta etapa es “Los comedores de patatas”, pintada en 1885. Esta pintura representa a una familia de campesinos sentada alrededor de una mesa, comiendo su modesta cena. La obra destaca por su crudeza, con figuras toscas y colores apagados que reflejan la dureza de la vida rural.

El tiempo en Nuenen también fue un período de experimentación y aprendizaje para Van Gogh. A pesar de las difíciles condiciones de vida y los problemas financieros, estudió intensivamente la técnica del dibujo y la pintura al óleo. También empezó a desarrollar su característica pincelada, que se haría más evidente en su etapa posterior en Francia.

Durante su estancia en Nuenen, Van Gogh también realizó una serie de retratos, estos retratos demuestran su habilidad para capturar la personalidad y la emoción de sus sujetos protagonistas.

La etapa de Nuenen fue un período crucial en la carrera de Vincent van Gogh. Aunque sus obras de esta época pueden parecer sombrías en comparación con sus pinturas más coloridas y vibrantes de su etapa en Francia, estas obras tempranas reflejan su compromiso con la representación de la realidad y su interés por las vidas de las personas comunes.

La búsqueda de la luz de Vincent es claramente visible en su primera obra maestra. Le escribe en cartas a Theo cómo los tonos oscuros tienen mucho color y habla de "tonos cobrizos y verdes jabonosos de hoy, pero que este regreso espero que sea doble, a saber, que espero pintar algunos de ellos en tonos más claros". Una gama, más carne y sangre, pero igualmente buscando algo aún más verde, jabonoso y cobrizo.

El resultado es una pintura colorida y oscura, su primera obra maestra, con una lámpara de aceite literal y figurativamente como punto de luz.

Cuando terminamos de ver el museo Vincent son las 12,00 horas, y aquí, a esa hora es sinónimo para hacer una comida fría, aunque nosotros elegimos un restaurante para almorzar. El restaurante De Aardappeleters (GPS N 51.4769239 E 5.5511645), situado Berg 30, 5671 CC Nuenen, Países Bajos. Se trata de un restaurante de comida rápida para la venta exterior que tiene unas mesas donde se puede consumir pedimos: unas croquetas, empanadillas de queso, salchichas y patatas fritas holandesas, en total pagamos 36 euros.

Caminamos por el pueblo en una ruta marcada dónde se puede ver los lugares donde pinto los cuadros porque algunas casas todavía se conservan desde ese tiempo, aunque la mayoría no corresponde con las imágenes de los cuadros porque el pintor deforma siempre la realidad ofreciendo algo parecido pero a la vez diferente ante sus ojos.

En el recorrido lo primero que vemos es el monumento que levantó el famoso arquitecto Berlage, ya hemos hablado anteriormente de él, era el arquitecto que contrató la familia Kröller-Müller, los millonarios, para el diseño de su casa de campo. La obra de este arquitecto se estudia en las universidades de arquitectura.

Monumento a Van Gogh de Hildo Krop (GPS N 51.4772688 E 5.550660), se pensó en diciembre de 1929 se formó un comité en Ámsterdam cuyo objetivo era conmemorar el cuadragésimo aniversario de la muerte de Vincent van Gogh con un monumento permanente. Entre los que tomaron la iniciativa estaban el arquitecto Berlage y el artista Mondriaan. En 1930 se decidió que Nuenen era el mejor lugar para erigir este monumento. También se solicitó una contribución al municipio de Nuenen. Después de considerar la solicitud, el consejo decidió contribuir con cincuenta florines. Hildo Krop recibió el encargo de producir el monumento y se inauguró el sábado 30 de julio de 1932. Hendrik Wiegersma de Deurne escribió un discurso para el evento y lo leyó durante la inauguración. Luego lo ofreció en venta por cien florines en beneficio de los pobres. Finalmente, recibió doce florines y medio por ello.

El monumento consta de una piedra de molino hecha de una roca bávara sobre la que se coloca un bloque de basalto del sur de Francia con un sol radiante tallado en él. El monumento combina el período oscuro de Nuenen con el período francés claro. Alrededor del borde de la piedra de molino están escritas las palabras:

Enfrente podemos ver la casa del sacristán (GPS N 51.4772982 E 5.5516966), se trata de uno de los monumentos que nos ha llegado hasta nuestros días de los vestigios que pinto Van Gohh. La casa data de 1763 y Van Gogh lo pinto con un tejado de mimbre mucho más alto. El Kostershuisje es la casa del sacristán, es conocida como la segunda o incluso la casa más antigua de Nuenen. Hay diferentes historias sobre la fecha en que nació el Kostershuisje. Por ejemplo, la placa ANWB en la casa indica que la casa del sacristán fue construida en 1763. Esta es la época de las Tejedoras, por lo que la cabaña se construyó con el objetivo de ser la casa de una tejedora.

Vincent pasaba a menudo por esta casa porque se interesaba por los trabajos de las tejedoras. Los pintó y dibujó trabajando en sus telares. Más tarde, el sacristán de la iglesia vivió en esta casa, por lo que se conoce como “Casa del Sacristán”.

Aunque muy cambiada la ciudad desde la época de Van Gogh, viendo la casa se puede capturar rápidamente la atmósfera de antaño. La casa, que sin duda también creó una atmósfera en la época de Van Gogh, en la plaza triangular, junto al tilo centenario.

Otro de los lugares de pintor es el llamado Brievengaardershuis, (GPS N 51.4777394 E 5.5523627) en la calle Papenvoort 3.

Esta es la casa vivía el jefe de la estafeta de la oficina de correos. Vicente escribió muchas cartas a su hermano y sus amigos, y los llevaba directamente al cartero que vivía en esta casa. También enviaba pinturas a su hermano, a veces enrolladas (paños), a veces enmarcados y bien embalados. También recibió mucho correo de sus amigos, cartas y pinturas.

Luego vamos a la pequeña iglesia Van Goghkerkje donde su padre daba misa en 1882, situada Papenvoort 2a, 5671 CR Nuenen, (GPS N 51.4779907 E 5.5527835).

El Padre Van Gogh fue desde agosto de 1882 pastor de la Congregación Reformada Holandesa en Nuenen. Para predicar, Theodorus puede caminar desde su casa hasta su iglesia en la calle de Papenvoort en solo unos minutos. Este es un edificio característico: alargado y octogonal con una torreta abierta reconocible en la parte superior. Fue construida en 1824-1826 como una de las primeras iglesias de Waterstaat en los Países Bajos: iglesias que se establecieron en el siglo XIX bajo la supervisión de Rijkswaterstaat y con dinero del gobierno.

Vincent representa la iglesia con bastante precisión en el lienzo a fines de enero, principios de febrero de 1884: La partida de la Iglesia Reformada en Nuenen. Por ejemplo, representa las ventanas tapiadas a ambos lados de la entrada; estas ventanas ciegas delatan la presencia del balcón sobre la entrada. Y también es visible la placa sobre la puerta de entrada, en la que se lee el texto bíblico: 'Jesús dijo: Mi casa, casa de oración será llamada, Mat. 21:15'.

El cuadro es un regalo para su madre. 'Recientemente pinté la pequeña iglesia con el seto y los árboles para ella, ese tipo de cosas', escribe Vincent a Theo y añade un boceto. Su madre se había roto el fémur el 17 de enero cuando se bajó del tren en Helmond. Él la cuida junto con su hermana Willemien. Debido al accidente, las tensiones entre Vincent y su familia pasan a un segundo plano y están en mejores términos. El gesto de regalarle a su madre una representación de la iglesia de su padre sin duda ayuda a la situación. Tanto el boceto de la carta antes mencionado como un dibujo muestran a un hombre con una pala en primer plano. En el cuadro, presumiblemente del otoño de 1885, sustituye a este obrero por un grupo de feligreses y también actualiza otras partes con colores más vivos. Algunas figuras visten el traje de luto. Por esta adicción a la imagen de la iglesia de su padre, probablemente se refiere a su muerte en esa primavera. La pintura permaneció en posesión de la madre hasta su muerte.

La iglesia es uno de los lugares de Nuenen que más nos recuerda a Vincent van Gogh. Después de su tiempo en el pueblo, muchas cosas han cambiado. En 1928, por ejemplo, se añadió una sacristía en la parte trasera. El interior fue completamente renovado en 1952 y 1977: desaparecieron el púlpito, los bancos en forma de arco y el coro con frente de órgano. El diseño también se reorganizará y las ventanas se renovarán. El órgano del balcón ya fue reemplazado en 1888. Todavía se conservan la pila bautismal de cobre original, el atril de cobre, parte de la platería y la Biblia.

En esta ocasión tenemos mucha suerte porque la iglesia siempre está cerrada al público. Estaba apoyado en la cancela cuándo llegó una señora y me dijo que iba abrirla porque en una hora había una boda, amablemente nos permitió la entrada.

La iglesia de Van Gogh fue construida en 1824/1825 por Waterstaat. El estilo arquitectónico es neoclásico, un estilo arquitectónico líder internacionalmente que se introdujo en los Países Bajos a fines del siglo XVIII y fue ampliamente utilizado en diversas variantes durante la primera mitad del siglo XIX.

La Van Goghkerkje es una pequeña iglesia de salón con un cierre de tres lados en los lados cortos. En la cubierta hay un torreón abierto con chapitel, decorado con una esfera y una veleta. Dos ventanas góticas en cada lado largo dan luz al interior de la iglesia. También se pueden encontrar ventanas similares en los lados inclinados del frente de la iglesia. En dos costados a ambos lados de la entrada se conservan las ventanas ciegas góticas originales que indican la presencia de un balcón.

Encima de la puerta, que todavía está presente en su texto original, está cincelado: '1824, Jv Hoven, KV', lo que significa: en el año 1824 construido, el cura Jan van Hoven instaló esta piedra. Un poco más arriba de la puerta, está tallado en piedra natural el proverbio: 'Jesús dijo: Mi casa, casa de oración será llamada, Mat.21:15'.

Su interior es austero como todas las iglesias luteranas, con un piano, un altar y unos pocos bancos corridos.

Desde aquí vamos a la factoría Begmann (GPS N 51.479903 E 5.549342) situada en la calle Berg 65, dedicada a la fabricación de telas, entre sus telares Van Gogh hizo algunos cuadros, previo pago, porque el cura tenía prohibido a todo el pueblo que posase para Van Gogh, la mayoría que se prestaba eran pobres y lo hacían por unas monedas.

En la segunda mitad del siglo XIX había cinco fábricas textiles en Nuenen, incluida la fábrica de lino de Jacobus Lodewijk (Louis) Begemann (1838-1906). Louis es hermano mayor de la amante y vecina de Vincent, Margot Begemann, era lahija del fallecido pastor de Nuenen al que el padre de Vincent había sustituido. Era la más pequeña de cinco hermanas, pero ya era una mujer en edad madura, pues, tenía cuarenta y tres años, mientras que Vincent apenas tenía treinta y un años y no será la belleza la que cautive a Vincent que escribe sobre ella ««Es una pena que no la conociese hace diez años, ahora da la impresión de ser un violín de Cremona que ha sido estropeado por manos chapuceras. Cuando yo la conocí, ya estaba muy estropeada, pero originalmente era una persona de una gran valía.» Todos los demás solo estorbaron. Y estuvimos totalmente de acuerdo en las medidas a tomar entonces. Tres días antes, por cierto, ya le había advertido y dicho, estoy preocupado por tu hermana.

Cuando Margot se envenenó con estricnina en respuesta a la prohibición de la familia de ella a que siguiera viéndose con el pintor. Ella nunca le hizo daño, quizás por ser la que le amaba de verdad y él también la guardaba afecto y años después la regalaría un cuadro que envió a través de una de sus hermanas. Vincent acude a Louis en busca de ayuda. Margot se va a buscar un médico en Utrecht y mantienen el asunto en secreto con el pretexto de que viaja por negocios. Margot es socia en la empresa de Louis. Después de que el negocio quebrara antes, Margot invirtió su propio dinero. Mediados de septiembre de 1884 Vincent visita a Margot en Utrecht con algunos otros de la ciudad; presumiblemente este es Louis, quien estaba al tanto de la situación.

El padre de Louis, el reverendo Willem Lodewijk Begemann, fundó una fábrica de lino alrededor de 1845 para crear empleo para los protestantes. En 1864, Louis inicia una empresa con su socio comercial Jacob Tirion para producir artículos tejidos de algodón. En 1870, Louis continúa solo y hace construir una casa y una fábrica en el Berg al año siguiente. El negocio quiebra en 1879, pero comienza de nuevo. La fábrica cierra después de su muerte en 1906. La historia de que después de la partida de Vincent de Nuenen, sus pertenencias y estudios se almacenan en el ático de esta fábrica.

El hermano menor de Vincent, Cor van Gogh (1867-1900), entra en contacto con un hijo de Louis, Willem Begemann, en Nuenen. Los chicos tienen la misma edad y van al Rijks-hbs en Helmond. Después de su examen final en julio de 1884, se decide que Cor trabajará. A través del contacto con la familia Begemann, comenzó a trabajar como aprendiz no remunerado en la fábrica de máquinas de Egbert Haverkamp Begemann en Helmond.

Seguimos hasta las afueras Nuenen dónde se encuentra el molino de harina, Molen De Roosdonck, situado en la calle Gerwenseweg 2 (GPS N 51.4820291 E 5.5502343). Está abierto los sábados de 10 a 15 horas.

El molino fue construido en 1884 por Miller van Himbergen de Woensel (Eindhoven) en nombre de Marcellus van den Eijnden de Dommelen. Primero quiso tener un molino de torre, pero se vio obligado a cambiar sus planes cuando ocurrió un gran accidente durante la construcción: el 17 de octubre de 1883, el casco, que en ese momento tenía más de 15 metros de altura, se derrumbó durante la construcción; el resultado fue una muerte.

En 1887 el municipio concedió un permiso para adecuar el molino a la producción de aceite. Con este fin, Van den Eijnden compró a su colega de Heezer, Van Asten, dos martillos con accesorios y dos cantos rodados de su molino de aceite en Leenderweg (St. Viktor).

El martillo de aceite estaba ubicado en la planta baja del molino y estuvo en uso hasta su demolición en 1930. Mientras tanto, en 1898, Hendricus Merks, un molinero de Boxtel, se convirtió en propietario del molino. Más tarde, el molino pasó a su hijo Arnoldus Martinus.

Este molino de viento aparece en varias pinturas y dibujos de Vincent van Gogh. En el verano de 1885, Vincent se centra en representar a los trabajadores agrícolas en el trabajo. Le gusta especialmente representar a los agricultores y las esposas de los agricultores durante la cosecha. En las muchas escenas que dibuja, un molino de viento aparece regularmente en el fondo. En sus paseos, Vincent pasa a menudo por el molino de viento De Roosdonck. Este molino de viento está ubicado en el lado norte de Nuenen en el cruce de Nederwetten y Gerwen, cerca de la casa de la familia De Groot-van Rooij.

Vincent dibujó y pintó el molino de maíz; es visible en el fondo del interior del tejedor de Piet Dekkers, que vivía enfrente. La identificación no se puede establecer con certeza en los dibujos, porque Vicente también grabó otro molino y porque no siempre dibujaba de la realidad, sino también de la memoria en el estudio. A veces añade un atractivo elemento paisajístico a una actuación. La proporción del molino en una serie de dibujos sugiere que se trata de De Roosdonck, incluido el campo de trigo con la cosechadora y la esposa del granjero que ata las gavillas y el campo de trigo con las gavillas de maíz y un molino de viento. El Roosdonck es un nombre posterior, que hace referencia a la zona en la que se encuentra el molino: el Roosdonken.

Pasamos por la casa de Pieter Dekkers, está en la calle De Rijt 2 (GPS N 51.483635, E 5.549845) era el hilandero que pinto, hizo amistad y le gustaba pasar por su casa. Se dice que Vincent pasó tres meses pintando en la fábrica de tejidos de su padre. Dekkers, cuyo hijo Driek recolecta nidos de pájaros para Vincent, vive en las afueras del pueblo; ambas casas han sido demolidas con el tiempo.

En el mismo camino vemos la casa del cuadro más famoso Los comedores de patatas (GPS N 51.4833649 E 5.5507669). Aquí vino varias veces para hacer los bocetos del cuadro con los detalles de la casa. La idea era retratar la miseria y la podredumbre de una gente que cultivaba patatas y solamente tenía en su dieta patas. Sus rostros, sus harapos, su luz y su hambre queda perfectamente reflejado.

Durante su visita a Nuenen, Van Rappard pinta varias cabezas de estudio de agricultores y trabajadores. Estimula a Vincent a ser más competente en la pintura de figuras humanas. Para convertirse en pintor de los campesinos, cree que tiene que practicar mucho. Planea pintar al menos 30 cabezas. Impulsado como está, ajusta su objetivo a 50 piezas. Del período de finales de octubre y finales de mayo se han conservado 47 estudios de cabeza.

Vincent abandona el plan de tomar lecciones de dibujo de figuras fuera de Nuenen por el momento. Con sus estudios de cabeza, práctica no solo la anatomía durante todo un invierno, sino también el color, la pincelada y los efectos de luz y oscuridad. Desde el comienzo de su arte, Vincent ha esperado producir una pintura con varias figuras, una tarea compleja. En preparación para esto, también estudia manos y brazos. A principios de abril de 1885, toma forma su deseo de una pieza figurativa. Opta por una actuación de campesinos alrededor de un plato de papas por la noche. Realiza muchos estudios preliminares y compila una composición en el estudio sobre la base de estos. En abril de 1885 realiza un importante estudio para los comedores de patatas De, tras el cual realiza una litografía. La versión final de la pintura llegará en abril-mayo.

Los numerosos estudios preliminares los hace in situ en la masía. Como Vincent describió anteriormente, había entrado en las casas de la gente y descubierto nuevos modelos. En una de esas expediciones debió entrar en la casa de la familia De Groot-van Rooij. Esta choza, como llamaba Vicent a las sencillas masías, y sus habitantes forman el escenario y los figurantes de “Los comedores de patatas”. El pintor visita a menudo a la familia. Viven en el actual Gerwenseweg 4 en el lado norte de Nuenen, al este del molino de viento De Roosdonck. La modesta cabaña consta de tres pequeñas casas unidas. Aunque el cuadro La chaumière, o La choza, se ha asociado con la casa de la familia De Groot-van Rooij, esto no parece probable.

Siete personas viven en la casa adosada de la familia De Groot-van Rooij. La viuda Cornelia de Groot vive allí con sus hijos Hendrik, Peter y Gordina (Sien), así como la hermana de Cornelia, Mieke, y los hermanos Francis (Sis) y Anthonius (This). Vincent también registra a varios miembros de la familia en estudios separados.

La granja es propiedad del padre de Cornelia, Anthonie van Rooij, y en 1873 pasa a manos de su marido, Cornelis de Groot, que muere diez años después. La casa sería demolida a fines de la década de 1920. El periodista Benno Stokvis fotografió el interior de la cabaña antes de la demolición, el hombre de la foto es el último miembro vivo de la familia Gijsbertus, que vivía en Beekstraat en ese momento. El hijo de Gordina, Cornelis de Groot Jr., está construyendo el alojamiento actual en parte en el sitio de la casa paterna demolida. Se dice que las piedras de la antigua casa se incorporaron a la pared de atrás. Una torcedura ilógica en la pared interior sería el resultado de la construcción de la antigua chimenea. También se dice que partes del marco de la puerta de la cocina y la ventana del comedor provienen de la casa anterior. Los descendientes de la familia De Groot vivieron allí hasta 1954. La casa fue dañada en la Segunda Guerra Mundial, después de lo cual fue restaurada. Según los cimientos aún presentes, la antigua casa habría sido más grande.

Regresamos al pueblo para ver la casa de Stichting Van Gogh Village Nuenen o Presbiterio (GPS N 51.4771226 E 5.548622), situada en la calle Berg 29, 5671 CA Nuenen, Países Bajos

Cuando Vincent llegó a Nuenen el 5 de diciembre de 1883, se mudó con sus padres a la casa parroquial de la Iglesia Reformada Holandesa de la que su padre era ministro. La recepción fue fría y las tensiones entre Vincent y su padre eran altas. Sin embargo, a mediados de diciembre, sus padres le dieron acceso a la sala de planchado y le permitieron usarla como estudio.

La habitación estaba húmeda y fría, por lo que se hicieron ajustes antes de que Vincent se pusiera a trabajar: se instaló un taburete de madera, un calefactor y una cama. El estudio estaba situado entre la fosa de purines, el retrete, el desagüe y la carbonera y al cabo de unos meses Vincent suspiró:

“mi imaginación no es lo suficientemente fuerte como para pensar que esto es una mejora con respecto a la situación del año pasado”.

En una carta a su hermano Theo fechada el 20 de marzo de 1884, Vincent escribió que esperaba tener un estudio más espacioso para poder trabajar mejor con modelos. Desde mediados de mayo había llegado el momento en que encontró un nuevo estudio con el sacristán católico Johannes Schafrat. Ahí es donde eventualmente viviría, porque las tensiones en el hogar habían aumentado demasiado después de la muerte de su padre el 26 de marzo de 1885. Una vez que vivió en el estudio, Vincent visitó ocasionalmente el presbiterio y las relaciones familiares mejoraron lentamente.

Vincent realizó un cuadro del presbiterio y varios cuadros del gran jardín del presbiterio, como El jardín de la casa parroquial en la nieve de 1885.

La madre y la hermana de Vincent, Willemien, se mudaron de Nuenen a Breda el 30 de marzo de 1886. Para entonces Vincent ya había dejado Nuenen: el 24 de noviembre de 1885 se había trasladado a Amberes.

Pegado a la casa anterior se encuentra Nune Village (GPS N 51.4763355 E 5.5506246), situada en calle Berg 24, era el lugar donde vivía Margot Begemann, eran los vecinos de sus padres y 10 años mayor que Vicent como hemos visto anteriormente.

Durante la estancia de Vincent en Nuenen, la casa contigua a la derecha del presbiterio está ocupada por cuatro hermanas solteras. Su padre Willem Lodewijk Begemann (1804-1876) era pastor de la iglesia protestante e hizo construir la casa Nune Ville hacia su jubilación en 1874; sin embargo, él y su esposa murieron dos años después.

Las familias Van Gogh y Begemann se llevan bien. Después de que la madre Van Gogh se rompiera la pierna en enero de 1884, la residente más joven de Nune Ville, Margot Begemann (1841-1907), se hizo cargo de su clase de costura. Ella también visita regularmente el presbiterio para visitas de enfermos. Durante este período, Vincent se interesa por su vecina, que es doce años mayor que él. Resulta ser mutuo, escribe Vincent: “ella y yo nos hicimos amigos durante la enfermedad de Moe”. Los dos dan largos paseos por el entorno natural de Nuenen y Margot visita el nuevo estudio de Vincent en Schafrat. Entablan una relación e incluso tienen planes de boda, pero ambas familias están en contra. Desesperada, Margot intenta suicidarse tomando veneno, pero gracias a Vincent termina bien. Después de una larga estadía con un médico amigo en Utrecht.

Después del incidente, el padre y la madre Van Gogh y las hermanas Begemann mantienen un buen contacto y se visitan regularmente. Sus casas estaban separadas, pero los jardines lindaban entre sí. La majestuosa Nune Ville tenía encanto a través de las pilastras de las esquinas, la cornisa y los marcos de las ventanas. La hermana Wilhelmina Begemann deja la casa al Municipio Reformado de Nuenen a su muerte en 1922. Hasta 1954 sirvió como residencia de ministros; el estado y la apariencia se consideran mejores que el presbiterio de 1764. La venta de Nune Ville por parte de la Iglesia Reformada a la familia Van Gogh en 1956 permitió hacer la contribución necesaria para la restauración del antiguo presbiterio.

Ahora, el edificio restaurado del siglo XIX se puede visitar regularmente. Entre otras cosas, el propietario muestra el salón con pinturas de los pintores amigos de Vincent de La Haya y Nuenen. Puede ver y escuchar la historia de Margot y Vincent entre los muebles, objetos y pinturas del siglo XIX en toda la casa. En el ático encontrará las habitaciones de servicio originales del siglo XIX. También escuchará la historia del niño judío que estuvo escondido aquí durante 2,5 años.

Caminamos hacia la iglesia de Clemenskerk siguiendo la estela que se levanta en el cielo de la torre que se puede adivinar desde cualquier punto de Nuenen, en torno a esa silueta Van Gogh realizó multitud de cuadros, dibujos y bocetos.

En la esquina del parque podemos ver la escultura en bronce Homenaje a Vincent van Gogh (GPS N 51.4746073 E 5.5492943), situada Park 35, 5671 GB Nuenen, Países Bajos. Vivió en el pueblo de Nuenen desde 1883 hasta 1885. Durante este período pintó, entre otras cosas, a los comedores de patatas. Obra del Escultor: Nicholas Johannes Maria (Klaas) van Rosmalen ('s-Hertogenbosch, 6 de agosto de 1926 - allí, 11 de diciembre de 2008).

En el mismo parque cercano se levanta la estatua que inmortaliza los Comedores de patatas Aardappeleters Beeld (GPS N 51.4740437 E 5.5486991), Park 65, 5671 GC Nuenen, Países Bajos.

Van Gogh pintó el cuadro de fama mundial en Nuenen hace 130 años. Los iniciadores Cor van der Linden y el artista Peter Nagelkerke hicieron la estatua para los residentes de Nuenen. Pero el Comité de Respeto a Van Gogh encuentra la imagen fea y un "insulto a Van Gogh".

Esta es una versión en bronce tridimensional de la obra maestra de Vincent The Potato Eaters. En la base de esta estatua se ha colocado una 'cápsula del tiempo' con fotos, documentos y objetos de 2015. Esta cápsula se abrirá en 2145, 130 años después de su colocación. El diseñador es el artista de Eindhoven Peter Nagelkerke. La estatua fue inaugurada el 9 de diciembre de 2015.

Van Gogh vio en Los comedores de patatas una obra maestra. Eligió una composición difícil para demostrar que estaba en camino de convertirse en un buen pintor de figuras. La pintura tenía que representar la realidad de la dura vida en la granja. Por lo tanto, dio a los campesinos rostros toscos y manos huesudas y trabajadoras. De esta manera demostró que con esas manos que ponían en el plato ellos mismos cavaban la tierra y que tan justamente se ganaban la comida.

El pintor compuso las cinco figuras en colores tierra, casi del color de una papa bien polvorienta, sin pelar, por supuesto. El mensaje de la pintura era más importante para Van Gogh que la anatomía correcta y la perfección técnica. Quedó muy satisfecho con el resultado. Sin embargo, su pintura fue recibida con críticas porque era de color muy oscuro y las figuras estaban llenas de errores. Hoy, The Potato Eaters es una de las obras más famosas de Van Gogh.

Continuamos la visita, justo enfrente del parque donde está la iglesia Heilige Clemenskerk (GPS N 51.4737253 E 5.5489975), situada Park 53, 5671 GC Nuenen, Países Bajos.

La iglesia de Heilige Clemenskerko san Clemente católica y romana, fue construida en 1871 según un diseño de Carl Weber. Reemplazó a la iglesia antigua, que estaba ubicada aproximadamente en el mismo lugar. La basílica cruciforme de ladrillo de tres naves está construida en un estilo ecléctico tradicionalista con elementos de la arquitectura románica y gótica. La torre oeste de 60 metros de altura tiene cinco tramos, el tramo superior de los cuales tiene forma octogonal y está rematado por una aguja octogonal. En la torre se encuentra el Mariaklok, fundido en 1490 por Jan van Venlo. Pesa 1420 kg y procede de la antigua Clemenskerk, cuyos restos fueron demolidos en 1886.

En 1910 se añadieron capillas y una sacristía, que fueron diseñadas por Jan Stuyt. Entre 1960 y 1970 se adaptó el interior a las ideas de la época, ya finales del siglo XX al XXI se restauró la iglesia y se volvió a adaptar y pintar el interior con los colores originales. Las estatuas de santos también fueron policromadas nuevamente.

El mobiliario de la iglesia contiene principalmente objetos y estatuas de las últimas décadas del siglo XIX y principios del siglo XX. La iglesia contiene un órgano Smits de 1882. A la izquierda de la iglesia está la entrada al cementerio, y a la derecha de la iglesia está el presbiterio de 1910.

Heilige Clemenskerk, que no debe confundirse con Sint-Clemenskerk en Gerwen, también en el municipio de Nuenen, Gerwen y Nederwetten, es la iglesia parroquial católica romana de Nuenen.

El cuadro de El Martín pescador de marzo de 1884, la estructura se eleva sobre un pequeño arroyo. Vincent no lo dibuja muy meticulosamente. La iglesia bastante nueva, terminada en 1872, tiene una torre octogonal y estrecha. Vincent dibuja una copia cuadrangular, en la que los ecos y el techo también se desvían de la realidad. Es posible que haya realizado una composición basada en bocetos. En De populierenlaan del otoño de 1885, Vincent también pinta la iglesia en una vista panorámica de Nuenen.

Las cosas no van bien con Andreas Pauwels, el pastor de la iglesia que vive junto al estudio de Schafrat y Vincent. Pauwels cree que el pintor no debe rebajarse a hombres de clase baja y se opone a que los residentes le sirvan de modelo. Cuando una de sus modelos, Gordina de Groot, a quien pinta regularmente y aparece en The Potato Eaters, queda embarazada sin estar casada, culpa erróneamente a Vincent.

Aquí damos por terminado la visita a esta interesante ciudad que nos acerca a la vida de uno de los pintores más enigmáticos de nuestra historia. Poco más, hacemos la compra en el súper de la ciudad que nos servirá para la cena improvisada: Rosbif y arenques con vinagre.

Salimos pitando para alcanzar lo máximo que podamos de camino para España, estamos a 300 km de Nuenen ya en territorio de Francia, camino de París. Dormimos en Compiegne y mañana visítanos su hermoso Chateau.

Cuando llegamos a la ciudad de Compiegne el día empieza anochecer, miramos los parkings que teníamos como referencia y la verdad no nos gusta mucho. Muy cerca vemos varias autocaravanas aparcadas en la calle 1 Rue des Bains. El parking tiene un gálibo pero según nos indican está abierto y la policía lo ha habilitado para las autocaravanas. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 49.4230107 E 2.8309599.

Día 17 de Abril (domingo)
Ruta: Compiegne (Francia)-Irún (España) ; distancia 886 km; tiempo estimado 9h 18'

El día de ayer comenzó en la ciudad francesa de Compiegne, todo parecía perfecto porque habíamos pasado la noche muy tranquila en un buen parking ideal situado muy cerca del Palacio.

Nada más salir para visitar la ciudad, notamos que está tomada por la policía que controla los accesos para la prueba ciclista París-Roubaix (también conocida «El infierno del norte» o «La clásica de las clásicas») es una carrera de un día profesional de ciclismo en ruta que se disputa en la zona septentrional de Francia.

Enseguida vemos que la plaza del castillo está totalmente vallada y se está celebrando la presentación de una de las clásicas carreras de bicicleta francesas con la presentación de los equipos y numeroso público aficionado, hay unas extraordinarias medidas de seguridad. Esto hace que no nos permiten la entrada al chateau, nos conformamos con visitar los jardines y apuntar Compiegne como un sitio pendiente para una próxima visita.

Los parques y jardines del Château de Compiègne constituyen un conjunto imponente de 21 hectáreas de jardines, el Petit Parc y el Grand Parc con una superficie de 700 hectáreas, unidos al bosque por un conjunto de senderos radiales. El conjunto está atravesado por los 4,5 km del famoso callejón de Beaux-Monts.

Diferentes jardines se han sucedido desde el siglo XVI alrededor del castillo. Cuando Luis XV decidió reconstruir el castillo, le pidió al arquitecto Jacques-Ange Gabriel que pensara también en el proyecto de un jardín. El jardín diseñado por Gabriel, con sus cinco terrazas y sus lechos de bordado, nunca se completó. Permanecen de este proyecto detresbolillo de tilos que enmarcan el jardín y un pequeño estanque redondo instalado originalmente en la terraza de María Antonieta, luego trasladado al centro de la Rosaleda.

A partir de 1810, el Emperador encomendó al arquitecto Berthault la gestión del desarrollo de los espacios exteriores. La voluntad del Emperador era “unir, lo antes posible, el palacio con el bosque, que es el verdadero jardín y constituye todo el placer de esta residencia”.

El jardín del Château de Compiègne, tal como lo había diseñado Gabriel en 1755, no incluía ningún proyecto específico para la instalación de obras escultóricas. Las dos primeras estatuas están instaladas en lo alto de la rampa, el Filoctetes herido de Dupaty y la Venus del Capitolio de Chinard, en el Primer Imperio, bajo la dirección de L.-M. Berthault. Hoy, el jardín del Château de Compiègne tiene una treintena de obras esculpidas. Vienen de espectáculos o pedidos especiales. La única excepción es la última escultura instalada, en 1869, una Andrómeda por el cincel de Clesinger, sobrino de George Sand. Algunas obras son originales, pero el parque también alberga muchas copias de la antigüedad, como la Venus Génitrix de Barthélémy Frison o la Venus del Capitolio de Joseph Chinard.

Dentro del Jardín del Château de Compiègne fue implantado un espacio dedicado como Jardín de las Rosas, creado por Berthault en 1820 y restaurado por los jardineros de la finca en el año 2000, este maravilloso jardín ofrece al visitante una gran variedad de rosas antiguas: rosas damascenas, centifolia, gallica y noisettiana. Se asocian con plantas perennes como altramuces, peonías, amapolas, lirios y efímeras.

Durante el período de floración, este excepcional conjunto ofrece al visitante una gran variedad de colores y olores.

Dado el éxito que hemos tenido en la visita a la localidad de Compiègne decidimos continuar el viaje y posponemos descubrir esta hermosa ciudad para otra ocasión. Seguimos la ruta y esperamos llegar a Burdeos para dormir, pero antes tenemos que atravesar París en domingo.

Nos separan 67 km de París donde llegamos a la hora prevista, y como pensábamos, nos cuesta casi una hora atravesarla. Esto nos hace pensar cómo debe de ser de difícil la vida en esta ciudad en un continuo atasco. Salvo que vivas cerca del trabajo, tienes que sentirte como en la cárcel.

Pasado París hacemos una parada en un área de descanso de la autopista de peaje para comer unos calamares en salsa y unos macarrones boloñesa.

Llegamos a Burdeos a las 22.00 horas y decidimos tirar un poco más hasta Morcenx porque la salida de Burdeos está relativamente sin mucho tráfico. Más adelante, decidimos cambiar de opinión y continuar hasta Irún, dónde llegamos pasado la media noche.

El parking para autocaravanas en la ciudad de Irún (España), situado en la calle de Europa, es un aparcamiento público, sin servicios, es gratuito hasta las 9,00 horas. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 43.343418 W 1.759605.

Día 18 de abril (lunes)
Ruta Irún-Madrid ; distancia 474 km; tiempo estimado 4h50'

Madrugamos prontito y solamente no queda repostar a un precio decente para que nos llegue el combustible hasta destino. Buscamos en internet la gasolinera más barata de Irún y nos sale BIDASOIL (GPS N 43.3356134 W 1.7528002), es encuentra situada Zona Punttas, N-121-A, 74, 20305 Irun, Gipuzkoa.

Poco más se puede escribir porque el resto del viaje hasta Madrid es pura seda. Solamente indicar que hemos recorrido 4.033 km y que el consumo medio ha sido de 10,3 l.

FIN

by

A. López

Propiedad:

© Bajo el soporte de: