VIAJE A BÉLGICA
En esta ocasión vamos a Bélgica con la intención de poder ver los museos de arte y disfrutar, en especial, de los museos de Bellas Artes como el de Brujas, Gante y Bruselas porque en ellos se presentan los mejores ejemplos de cuadros flamencos.
La pintura flamenca en Bélgica es un tesoro artístico que ha dejado una huella indeleble en la historia del arte. La maestría técnica y la atención al detalle de los artistas flamencos, así como su habilidad para capturar la luz de una manera única, los han convertido en referentes en el mundo del arte. La influencia de la pintura flamenca se ha extendido a lo largo de los siglos, inspirando a generaciones de artistas y dejando un legado duradero en la historia del arte europeo. Sin duda, la pintura flamenca en Bélgica es un testimonio de la creatividad y el talento excepcional de los artistas de esta región.
La escuela flamenca de pintura, que se desarrolló en la región de Flandes en los siglos XV y XVI, es conocida por su atención al detalle, uso magistral de la luz y sombra, así como por su realismo y simbolismo religioso. Artistas como Jan van Eyck, Pieter Bruegel el Viejo y Peter Paul Rubens son algunos de los nombres más destacados de esta tradición artística.
Día 21 de marzo (jueves)
Ruta: Madrid Burgos
Viaje camino de Burgos |
Iniciamos en viaje de Semana Santa, lo hemos titulado siguiendo las huellas hacia Waterloo. Llevamos muchos años desde que visitamos Bélgica y siempre esquivamos las paradas en este país, aunque cuando lo visitamos, sin mucha profundidad, nos pereció muy bonito.
Pensábamos salir mañana pero hemos anticipado todo lo posible la salida para evitar los atascos propios de la gente que sale con mucha anticipación, al final partimos a las 18,00 horas con la intención de pernoctar donde las fuerzas nos acompañen. Antes de partir aprovechamos a repostar en la estación Plenoil cercana al precio 1.3789€ (GPS N 40.4550281 W3.4917201).
Poco tiempo tenemos para avanzar y decidimos pararnos en el área de autocaravanas de Burgos, no la conocíamos. Estamos en Burgos como primera parada de nuestra siguiente aventura.
El área de autocaravanas en la ciudad de Burgos (España), se encuentra situada en la parte nueva y se necesita autobús para visitar el centro histórico, tiene vaciado y llenado de aguas, es totalmente gratuita. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N42.355901 W 3.672120.
Poco podemos contar estamos en una mega área de autocaravanas con más 100 y vemos como algunos dando vueltas para buscar sitio.
Mañana daremos el salto importante para llegar lo más al norte posible de Francia o bien lo más cercano a la frontera de Bélgica.
Día 22 de marzo (viernes)
Ruta: Burgos- Sainte-Maure-de-Touraine
Parada camino de Francia |
Día 2 del viaje a Waterloo. El día comienza en el área de autocaravanas de Burgos. La noche ha sido tranquila aunque siempre el primer día te cuesta adaptarse.
Salimos a las 9;00 horas de camino paramos para repostar en un Plenoi (GPS N 42.362081 W 3.653351) que tenemos a 1 km , precio diesel 1,359 € litro. Ya desgraciadamente no veremos estos precios hasta que no regresemos a España.
Desde Burgos estamos a tiro de piedra de la frontera entre España y Francia. En esta ocasión no repostamos antes de llegar a Francia. En el primer peaje nos está esperando la policía de la aduana por el único carril que nadie quiere entrar. Nos miran y piensan que no somos muy apetitosos.
Uno de los mayores obstáculos de cruzar Francia de sura norte es cruzar la ciudad de Burdeos, aunque en esta ocasión lo hacemos relativamente bien porque en ningún momento nos paramos.
El paisaje en la zona vinícola de Burdeos es con los campos de vides donde solamente destacan los palos que sujetan las plantas.
Área de descanso en Francia |
En esta ocasión cada vez veo más descuidado el campo, este año es difícil ver las grandes extensiones amarillas de colza que había en años anteriores. El ganado ya es muy difícil de ver, algunas vacas y pocos caballos.
Tienen razón cuándo se manifiestan, el campo está en retroceso y pronto llamarán la Francia vaciada.
Tenemos que repostar Rompetrol en la autopista 10 litros para llegar al destino y el precio, como barato (GPS N46.451967 W0.016095), 1:98€ litro, pero hemos llegado a ver el gasoil a 2,19, hay diferencias con España.
Para dormir hemos adaptado la ruta y terminamos en el área de autocaravanas de Sainte-Maure-de-Touraine, poco puedo decir porque llegamos de noche, solamente que está entre Poitiers y París.
El área de autocaravanas en Sainte-Maure-de-Touraine (Francia), situada en la Av. Ronsard, es municipal y gratuita, tiene para vaciar, pero el grifo de llenado no está disponible. Las coordenadas GPS del lugar corresponden: N47.110873 E0.616239.
Día 23 de marzo (sábado)
Ruta: Sainte-Maure-de-Touraine-Brujas
Castillo de Sainte-Maure-de-Touraine Francia |
Día 3 del viaje a Waterloo. El día comienza en el área de autocaravanas Sainte-Maure-de-Touraine, gratuita. Es el típico pueblo del centro de Francia con todos los arquetipos de la zona del Loira. Tiene una preciosa iglesia, su castillo, su palacio y unas casas bajas blancas de piedra.
A las siete de la mañana nos han despertado el repicar continuo de las campanas de la iglesia, sonaba tan intenso que parecía la llamada a la oración en las mezquitas por parte del imán.
Lo más curioso ha sido que cuando he ido a ver el interior de la iglesia estaba cerrada. Entonces debe de ser que se emplea exclusivamente las campanas para despertar a la población.
Las calles están desiertas era como un pueblo zombie, no había ni el ladrido de los perros. Hay una de las fachadas que llama la atención es la Casa de Estouville (GPS N47.1109654 E0.6182759), situada 2 Rue Auguste Chevalier, datada en el siglo XV, destaca la fachada porque representa la morada del señor de Saint-Maure, y después hasta el siglo XX se dedico al comercio.
El estilo renacentista es el reflejo de la llegada de la decoración arquitectónica de esa época. La riqueza y la belleza de las esculturas de esta causa, han permitido su preservación has convertirse en Monumento Histórico en 1947.
Casa de Estouville de Sainte-Maure-de-Touraine Francia |
Se puede admirar un pináculo con la concha de Santiago, un blasón rodeado por el collar de la Orden de San Miguel y los estucos que identifican la familia de Estouteville. El detalle del blasón de la fachada está compuesto por un fondo de diez rayas de plata y gules y un león negro, que saca la lengua y en la cabeza tiene una corona de oro. En el escudo están inscritas las iníciales IE, LE y GE indican que el edificio pertenecía de Jean d'Estouteville, era señor de Normandía, convertido más tarde en turolense por alianza.
Lo más curioso ha sido que cuando he ido a ver el interior de la iglesia estaba cerrada. Entonces debe de ser que se emplea exclusivamente las campanas para despertar a la población.
La Église Sainte Maure-Sainte Britte (GPS N47.1109982 E0.6191557), situada Rue de la Basse Cr et du Co, 37800 Sainte-Maure-de-Touraine. El horario es de 10 a 17,30 horas.
Es un edificio del siglo XIX, con una notable cripta de los siglos X y XI, en muy buen estado de conservación y que sirve de museo lapidario.
Esta cripta vio cerrados todos sus accesos durante varios siglos, sirviendo de tumbas a los señores locales. Redescubierta en el siglo XIX durante la construcción de la nueva iglesia, se puede acceder con cita previa.
Église Sainte Maure-Sainte Britte de Sainte-Maure-de-Touraine Francia |
Para visitar la cripta, hay que ponerse en contacto con la Oficina de Turismo, que a su vez me redirigió a la Sociedad de Amigos del Patrimonio de Sainte-Maure-de-Touraine.
En esta Asociación, gente encantadora me organizó una visita guiada a esta magnífica cripta con una historia tan especial. Considera ir a ver la capilla de las vírgenes, testigo de la historia de las dos vírgenes martirizadas allí.
Seguimos caminando hasta el Castillo (GPS N47.1116849 E0.5949743), situado 1 Rue du Château, 37800 Sainte-Maure-de-Touraine.
El conde Foulques de Nerra construyó en el año 990 un primer castillo, en el siglo XVI en este lugar se construyó un edificio del que se conserva la fachada, una gran torre cuadrada que domina un foso cubierto de hierba.
En su primera fase de construcción, hacia finales del siglo X, el castillo de Sainte-Maure estaba formado por una torre del homenaje construida en madera. Esta estructura de madera es sustituida por un edificio de piedra y de planta cuadrada.
El acceso al castillo se realiza a través de una torre de entrada. Esta torre tiene planta cuadrada. La coronación de la obra fortificada ya no existe. La torre tenía un puente levadizo. Por encima de la puerta quedan las ranuras que recibieron los dos brazos de palanca. Una habitación, situada en el piso superior de la torre, corona el portal de acceso
Castillo de Sainte-Maure-de-Touraine Francia |
El edificio principal tiene dos plantas. Sin embargo, la observación del muro sur sugiere la existencia de un piso “ciego” (sin ventana) y que posiblemente pudo albergar sótanos, cobertizos o incluso cárceles. El antiguo tejado de la casa tenía dos vertientes formando un ángulo agudo.
Dos torres de planta poligonal llegaron a flanquear el cuerpo principal de la casa en el siglo XV. Estas dos torres, erigidas durante la cuarta fase de construcción, contienen cada una escalera de caracol. Sólo una de las dos torres, la situada al sur, quedó tras las obras de instalación del colegio realizadas durante el siglo XIX.
Como no encuentro donde comprar el pan, nos trasladamos al Intermarche (GPS N 47.1023301 E0.6134609), más cercano, situado Les rotes, Les Marchaux ZAC, 37800 Sainte-Maure-de-Touraine, para llenar el depósito de gasoil, precio el más barato hasta ahora en Francia, 1,78€, llenar más de 120 euros. Tomar nota de cómo se las gastan aquí
Salimos pitando por la A10 dirección París, en el camino vemos unas retenciones con tractores franceses que protestan con lo suyo, pero de una forma pacífica y sin obstaculizar la calzada.
Entrada en la frontera de Bélgica |
Cruzar París siempre es una aventura por las retenciones, afortunadamente hay buchón, pero de color naranja. Siempre el corazón palpita con la sola mirada del penacho de la torre Eiffel, a lo lejos.
Desde aquí hasta Bélgica es un paseo nupcial, pero en esta ocasión, bañado por agua. Pagamos el último peaje y echamos cuentas que cruzar Francia en peajes han sido 160 euros.
Menos mal que Bélgica las autopistas son gratuitas, 80 km más y estamos en Brujas, nuestro primer destino.
Nos acoplamos en una buena área de autocaravanas con luz por 25 € la noche. Hacemos un reset de vaciado y llenado y mañana veremos una de las ciudades más bonitas de Europa.
El área de autocaravanas en Brujas (Bélgica), es una magnifica instalación con plazas grandes, con un precio de 25 euros y temporada baja, tiene para vaciado y llenado, el agua potable cuesta 0,50 euros .Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N51.195766 E 03.225707.
Día 24 de marzo (domingo)
Ruta: Brujas
Calles de Brujas de Bélgica |
Día 4 del viaje a Waterloo. El día comienza en el área de autocaravanas de Brujas, es magnifica por su silencio, está situada cerca del puerto.
La noche ha sido de perros con lluvia intensa intermitente acompañada de granizo. Pensaba que ese tipo de fenómenos solamente se daban en España.
Caminamos hasta nuestro primer punto de interés, es el Museo Groeninge Dijver o Museo Bellas Artes (GPS N51.2052357 E3.2265194), situado Dijver 12, 8000 Brugge, el precio de las cuatro entradas son 56€. El horario es de 9,30 a 17.00 horas. Es ese tipo de museos que te deja con buen sabor de boca por la calidad de las obras y porque se puede disfrutar en un corto espacio de tiempo.
Presenta una importante colección de obras flamencas que resume la historia del arte en Bélgica. Por poner un ejemplo hemos podido ver dos de las tablas del Bosco más enigmáticas.
“Retrato de Felipe Goede”, obra Rogier van der Weyden Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La primera de la obras de arte que vemos “Retrato de Felipe Goede”, obra Rogier van der Weyden, esta datado en 1484. Realizado en óleo sobre tabla.
El retrato muestra al duque de Borgoña va adornado con su característico traje negro. Sobre su jubón de terciopelo con cuello de piel, lleva la cadena del Toisón de Oro, de la orden de los caballeros que se fundó en 1430. El prototipo de este retrato oficial, del que existen múltiples versiones fue probablemente pintado Rogier van der Weyden. Este tipo de retratos oficiales circularon por el reino.
“Virgen con el Niño coronada por dos ángeles”, obra del Maestro de Vestido Bordado, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “Virgen con el Niño coronada por dos ángeles”, obra del Maestro de Vestido Bordado, esta datado en 1478-1482. Realizado en óleo sobre tabla.
En los talleres de los artistas del siglo XV, era costumbre fusionar motivos existentes en obras nuevas. Esta pintura es una combinación de elementos de Rogier van der Weyd, Es una de al menos cinco obras con la imagen de la Virgen que se le atribuyó al llamado Maestro del Vestido Bordado. Se debe por la forma repetitiva en la que pintaba las hojas y el brocado de oro, comparable a las puntadas reales del bordado.
“Virgen con el Canónigo Joris van der Paele”, obra del pintor Jan Van Eyck, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “Virgen con el Canónigo Joris van der Paele”, obra del pintor Jan Van Eyck, esta datado en 1436. Realizado en óleo sobre tabla.
La obra fue encargada por el canónigo de Brujas para su tumba en la catedral de San Donaciano, donde también señalo sus misas. Se santo patrón Jorge encomienda al canónigo enfermo a María y Jesús con un realismo casi dramático que nos muestra una facciones imperfectas, en alusión a su grave enfermedad que padecía y que acabará con su vida en 1443. Frente a ellos se encuentra San Donaciano como patrón de la iglesia. El realismo detallado de Van Eyck y la interpretación de la obra son sorprendentes, al igual de los reflejos en la armadura y el casco de san Jorge. El interior de la iglesia posiblemente se inspira en la catedral de San Donaciano, que ya no se conserva.
Una inscripción en el marco, abajo a la izquierda, identifica al donante de la obra así como al artista y el año de 1436. Lo más destacado en la riqueza decorativa del conjunto son sus ropajes suntuosos, joyas, alfombras y capiteles historiados que se pueden ver al fondo.
“Crucifixión”, obra del pintor Maestro de la Virgen Strauss, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “Crucifixión”, obra del pintor Maestro de la Virgen Strauss, esta datado en 1440. Realizado en tempera y óleo sobre tabla.
El maestro fue un pintor que estuvo activo en Florencia y lleva el nombre de una representación de la Virgen y el Niño donada por la familia Straus. Posiblemente sea la misma persona que Cenni di Francesco di Ser Cenni. Uno de los pintores toscanos del gótico tardío más individuales y líricos, tiende un puente entre Agnolo Gaddi y Lorenzo Monaco. Sus figuras esbeltas y pálidas combinan la evanescencia espiritual con la solidez de forma giottesca.
“Virgen con el niño”, obra del pintor Robert Campin, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “Virgen con el niño”, obra del pintor Robert Campin, esta datado en el siglo XV. Realizado en óleo sobre tabla.
La Virgen con el Niño es una copia de una composición del maestro de Flemalle (Robert Campin) de Tournai. La tabla fue probablemente fue realizado por un pintor afincado en Bruselas a finales del siglo XV. La tela roja con pliegues detrás de la Virgen y el cojín de brocado dorado sin adiciones del copista. El fruto que aparece en la mano del Niño simboliza la derrota del pecado original.
“Retrato de Margareta Van Eyck”, obra del pintor Jan Van Eyck, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “Retrato de Margareta Van Eyck”, obra del pintor Jan Van Eyck, esta datado en 1439. Realizado en óleo sobre tabla. Tiene unas medidas 41.2 × 34.6 cm.
Margarita aparece de tres cuartos, esto es que el cuerpo está casi de frente al espectador pero no del todo. Está sentada sobre un fondo negro, llevando un elegante vestido rojo de lana con forro de piel gris, probablemente de ardilla, en el cuello y puños. Su tocado con cuernos está cubierto con un paño bordado en su orilla con encaje fino. Su ojo izquierdo muestra estrabismo, una característica inusualmente evidente en muchos europeos del norte en la época. El pintor se ha tomado un cierto número de libertades para acentuar las características de su mujer. Su cabeza no es proporcionada al cuerpo, y su frente muy despejada, deja al artista concentrarse en las características faciales. Además, el patrón geométrico formado por el tocado, los brazos y la V de la línea del cuello le permite al rostro dominar la imagen.
“Virgen con el Niño dentro de un interior”, obra de un seguidor del pintor Jan Van Eyck, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “Virgen con el Niño dentro de un interior”, obra de un seguidor del pintor Jan Van Eyck, esta datado en 1450. Realizado en óleo sobre tabla.
La obra pintada en el panel representa a María con el niño sentada en un trono en el interior de una habitación. El pintor anónimo basó su composición en elementos de diferentes obras de van Eyck. Eso confirma la conclusión de que al menos tuvo acceso a los dibujos de estudio del maestro de Brujas y que probablemente incluso permaneció un tiempo en su estudio en Brujas.
“En el anverso: San Andrés", obra de Hans Memling, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “En el anverso: San Andrés, en el reverso: Descendimiento en la Cruz”, obra de Hans Memling, esta datado en 1491. Realizado en óleo sobre tabla.
La pintura San Andrés es una obra maestra del Renacimiento flamenco que destaca por su estilo artístico sobresaliente y su composición detallada. La pintura, que data del siglo XV, representa a San Andrés, uno de los doce apóstoles de Jesucristo, en una pose majestuosa y serena.
El estilo artístico de Memling se caracteriza por su habilidad para crear detalles minuciosos y precisos que se pueden apreciar en la textura de la ropa del santo y en los objetos que lo rodean. Además, su uso del claroscuro y la luz y sombra añade profundidad y dimensión a la obra.
“En el reverso: Descendimiento en la Cruz”, obra de Hans Memlin, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La composición de la pintura es igualmente impresionante. San Andrés se encuentra en el centro de la obra, flanqueado por un fondo oscuro y misterioso. A su alrededor se encuentran objetos simbólicos que representan su vida y su martirio, como la cruz en forma de X que sostiene en su mano y la cuerda que lo ata.
“Isabel de Portugal con Santa Isabel”, obra de Petrus Christus, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “Isabel de Portugal con Santa Isabel”, obra de Petrus Christus (1425-1476), esta datado en 1457-1460. Realizado en óleo sobre tabla.
La composición muestra a la reina Isabel de Portugal en actitud de oración, acompañada por la figura de Santa Isabel de Hungría, quien le ofrece una corona de flores. La imagen de la reina está representada con gran detalle, destacando su distinción y perfección, mientras que la figura de Santa Isabel aparece como una mujer muy natural y humilde.
“Santa Verónica con el sudario”, obra de Maestro de la legenda de Santa Ursula, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “Santa Verónica con el sudario”, obra de Maestro de la legenda de Santa
Úrsula, esta datado en 1457-1460. Realizado en óleo sobre tabla. Tiene unas medias de 31 x 25 cm.
La obra fue atribuida al Maestro de la leyenda de Santa Úrsula fue un pintor flamenco activo en el siglo XV. Su nombre deriva de un políptico representando escenas de la vida de Santa Úrsula pintado para el convento de las Hermanas Negras de Brujas.
Verónica (también llamada Serafia), según la tradición cristiana, fue la mujer que, durante el Viacrucis, tendió a Cristo un velo, lienzo o paño: el paño de la Verónica (también llamado "Verónica" a secas) para que enjugara el sudor y la sangre.
“Ecce Homo”, obra de Aelbrecht Bouts, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “Ecce Homo”, obra de Aelbrecht Bouts, esta datado en 1500-1525. Realizado en óleo sobre tabla.
Aelbrecht Bouts fue un pintor flamenco de la era holandesa temprana. Nació en una familia de pintores en Lovaina. El padre de Aelbrecht era Dieric Bouts el Viejo (1415-1475). Aelbrecht desarrolló su propio estilo inconfundible con colores fuertes, texturas ricas y detalles finos. Murió en Lovaina.
“Retablo de Santa Úrsula”, obra de Maestro de la legenda de Santa Úrsula, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “Retablo de Santa Úrsula”, obra de Maestro de la legenda de Santa Úrsula, esta datado en 1457-1460. Realizado en óleo sobre tabla.
La composición de la pintura ofrece una variedad de personajes y escenas que se entrelazan en una narrativa coherente. La figura central de Santa Úrsula se destaca en el centro de la pintura, rodeada de otras figuras y símbolos religiosos.
El uso del color en la pintura es excepcional, con una paleta rica y variada que crea una sensación de movimiento y drama. Los tonos dorados y azules se utilizan para resaltar las figuras religiosas, mientras que los tonos oscuros y sombríos se utilizan para representar la lucha entre Santa Úrsula y la sinagoga.
“La muerte de la Virgen”, obra de Hugo van der Goes, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “La muerte de la Virgen”, obra de Hugo van der Goes, esta datado en 1475-1463. Realizado en óleo sobre tabla.
Está representada la Virgen María en su lecho de muerte, rodeada por los apóstoles. Por encima de ella, en un plano celestial, ajeno a lo terrenal, se aparece Cristo con ángeles, dispuesto a recibir a la Virgen. Se representa un episodio que no proviene del Nuevo Testamento sino de los Evangelios apócrifos y recogido en la Leyenda Áurea de Jacobo de la Vorágine. Era una leyenda muy popular en la Edad Media. Después del Concilio de Trento se abandonaron este tipo de historias sobre personajes sagrados que no estaban recogidas en la Biblia.
“Díptico de la Anunciación”, obra de Hans Memling, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “Díptico de la Anunciación”, obra de Hans Memling, esta datado en 1467. Realizado en óleo sobre tabla.
Las obras se representan mediante un díptico, a la izquierda, arcángel Gabriel anuncia a la Virgen María que será la madre del Hijo de Dios. A la derecha, la figura de la Virgen con un jarrón de lirios blancos, que simbolizan la pureza de María.
“Tríptico Moreel”, obra de Hans Memling, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “Tríptico Moreel”, obra de Hans Memling, esta datado en 1467. Realizado en óleo sobre tabla.
El Tríptico Moreel o Retablo de San Cristóbal. El panel central interior muestra a San Cristóbal sosteniendo al Niño Jesús, con San Mauro a su izquierda y San Gil a su derecha. Willem Moreel arrodillado en oración y venerando a los santos con sus cinco hijos aparece en el panel izquierdo. Bárbara arrodillada con las once hijas se muestra en el panel derecho. Los paneles exteriores son probablemente una adición de principios del siglo XVI, completado después de la muerte de los donantes y del artista.
“San Juan Bautista con el donante Iván de la Peña”, obra de Alvaro Sanchez, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “San Juan Bautista con el donante Iván de la Peña”, obra de Alvaro Sanchez, esta datado en siglo XV. Realizado en óleo sobre tabla.
Esta tabla del pintor Álvaro Sánchez, activo en Valladolid entre 1450 y 1499, que representa a San Juan Bautista entronizado con el donante, Iván de la Peña, arrodillado a sus pies. Es de suponer que la obra procede de algún lugar de España.
“Misa de San Gregorio”, obra de un pintor anónimo de Bruselas, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “Misa de San Gregorio”, obra de un pintor anónimo de Bruselas, esta datado en 1500. Realizado en óleo sobre tabla.
La obra representa la Misa con la celebraba el Papa Gregorio, uno de sus obispos cuestionó la transformación del pan y el vino en el cuerpo y la sangre de Cristo. Para convencer a los incrédulos Cristo apareció sobre el altar como el Varón de Dolores, con sus estigmas y los instrumentos de la Pasión. La obra fue pintada por un maestro anónimo de Bruselas a partir de un grabado de Israel van Meckenem, esto nos da una idea como se utilizaban los retablos en la liturgia de la Edad Media.
“Crucifixión”, obra del pintor Frey Carlos, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “Crucifixión”, obra del pintor Frey Carlos, esta datado en 1520. Realizado en óleo sobre tabla.
Durante el siglo XV y XVI, muchos artistas tenían movilidad, iban y venían del norte al sur de Europa buscando trabajo. Esto fue el caso del pintor Frey Carlos, un hermano flamenco que vivió y trabajo en el Monasterio de los Jerónimos de Évora (Portugal).
El cuadro realiza una diagonal que cruza el plano de la imagen dirige nuestra mirada en sentido de la derecha. Este detalle sugiere que el panel estrecho alguna vez correspondió con una contraventana izquierdo de un tríptico ya desaparecido, con un Descendimiento de la Cruz en el centro.
“El martirio de Santa Catalina”, obra del pintor Jan Provoost, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “El martirio de Santa Catalina”, obra del pintor Jan Provoost (1462-1529), esta datado en 1501-1505. Realizado en óleo sobre tabla.
Santa Catalina de Alejandría fue una de las santas más populares de la Edad Media. A menudo se la representa con la rueda rota y clavada a la que estaba sujeta. Cuando un rayo destruyó el instrumento de tortura, se decidió decapitarla.
El pintor basó su composición en un grabado en madera de Durero. Inicialmente, este panel formaba parte de un tríptico, de cual la Crucifixión de enfrente era el panel central y el panel izquierdo se conserva en el Museo Boljmans de Roterdam.
“Crucifixión”, obra del pintor Jan Provoost, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “Crucifixión”, obra del pintor Jan Provoost (1462-1529), esta datado en 1501-1505. Realizado en óleo sobre tabla.
EL cuadro probablemente fue pintado por Provoost para ser expuesto en la capilla de Jerusalén de Brujas. Allí se reunió la Hermandad de los Peregrinos de Jerusalén, de la que el propio pintor era miembro. Si bien sus contemporáneos solían representar una vista imaginaria de la ciudad de Jerusalén, quizás, el pintor había viajado a Jerusalén con sus propios ojos porque hace una representación desde la izquierda que se basan en sus propias observaciones. A la derecha, Constantinopla está representada de una manera mucho menos realista.
“Juicio Final”, obra del pintor Jacques van den Coornhuse, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “Juicio Final”, obra del pintor Jacques van den Coornhuse (1529-1594), esta datado en 1578. Realizado en óleo sobre tabla.
El cuadro representa una escena de la justicia, es una copia suelta del Juicio Final de Jan Provoost, que cuelga junto a ella, Van den Coomhuse lo pintó más de cincuenta años después, por encargo del preboste de San Donatien de Brujas.
La boca del infierno representada en la obra de Provoost fue censurada en su momento, por lo que esta parte es la más diferente. Entre los santos del cielo, reconocemos en particular a Pedro con su llave, a la izquierda y a David sosteniendo su arpa, a la derecha.
“Diptico de un donante con San Nicolás y de su esposa con Santa Godelieve”, obra del pintor Jan Provoost, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “Diptico de un donante con San Nicolás y de su esposa con Santa Godelieve”, obra del pintor Jan Provoost (1462-1529), esta datado en 1501-1505. Realizado en óleo sobre tabla.
En el interior de las contraventanas se puede ver que se representa el avaro y la muerte, están representados los patrocinadores del Tríptico. En el momento que se arrodillan y son acompañados por su santo patrón. El nombre no se puede saber quiénes eran, pero por su fisonomía se puede reconocer a los santos Nicolás de Myra frente a la ciudad de Amberes, y de Santa Godelieve de Gistel luciendo el pañuelo con el que fue estrangulada.
“El Juicio Final”, obra del pintor Jan Provoost, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “El Juicio Final”, obra del pintor Jan Provoost (1462-1529), esta datado en 1501-1505. Realizado en óleo sobre tabla.
Este Juicio Final decoraba la sala del tribunal del concejal del ayuntamiento de Brujas. El pinto subraya el papel del Redentor desempeñado por Cristo haciéndole mostrar su herida en el costado, símbolo de su sacrificio.
Como detalle se puede ver los eclesiásticos aparecen no solo a las puertas del cielo, sino también cerca del abismo infernal. Fueron repintadas en 1550 por Pieter Porbus, después de que Carlos V prohibiera toda crítica al clero. Estas pinturas fueron eliminadas por completo en 1956 devolviendo la original.
“El avaro y la muerte”, obra del pintor Jan Provoost, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “El avaro y la muerte”, obra del pintor Jan Provoost (1462-1529), esta datado en 1501-1505. Realizado en óleo sobre tabla.
Estas tablas son los paneles exteriores de un tríptico. Las contraventanas laterales fueron previamente cortadas en su espesor, y las contraventanas interiores también se conservan en el Groeningemuseum, se pueden ver al otro lado de esta base. El panel central de tríptico ha desaparecido. El significado de esta escena, una transacción entre un cambista y un esqueleto, plantean muchas preguntas. Probablemente forma parte de la tradición de escenas moralizantes del siglo XVI, que advierten contra la vanidad de las cosas.
“Díptico Sentencia de Cambyse”, obra del pintor Gerard David, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “Díptico Sentencia de Cambyse”, obra del pintor Gerard David (1450-1523), esta datado en 1498. Realizado en óleo sobre tabla.
A petición de los concejales de Brujas, que en aquella época también eran jueces, David pintó este monumental díptico que cuenta la historia del juez corrupto Sisammes. A la izquierda, la corrupción del juez y su arresto por el rey Cambyse. A la derecha, el castigo Sisamnes es desollado vivo. Su piel se utiliza entonces para cubrir el asiento en el que su hijo, que le sucede, ahora administra la justicia. Es una advertencia edificante, este tipo de escenas de justicia como esta adornaban muchos ayuntamientos flamencos en los que se administraba justicia. El pintor situó esta historia de la Antigüedad en un entorno contemporáneo, para que los espectadores pudieran ponerse más fácilmente en el lugar de los personajes.
“La Virgen y el Niño”, obra del pintor Adriaen Isenbrant, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “La Virgen y el Niño”, obra del pintor Adriaen Isenbrant (1485-1551), esta datado en 1498. Realizado en óleo sobre tabla.
Hay que destacar de esta obra es su estilo artístico. Adriaen Isenbrant fue un maestro flamenco que se especializó en la pintura religiosa y que se inspiró en el estilo de los maestros italianos de la época. En esta obra, podemos apreciar una técnica meticulosa y detallada, con una gran atención al realismo y la precisión en la representación de los personajes y los detalles.
“Retrato de Paulus de Nigro”, obra del pintor Adriaen Isenbrant, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “Retrato de Paulus de Nigro”, obra del pintor Adriaen Isenbrant (1485-1551), esta datado en 1518. Realizado en óleo sobre tabla.
El estilo artístico de Isenbrant es evidente en esta pintura, ya que utiliza una técnica de pincelada suave y delicada que le da a la obra un aspecto realista y detallado. La composición de la pintura es impresionante, con Paulus de Nigro sentado en una silla con una mano apoyada en el brazo de la misma. La posición de su cuerpo y la expresión en su rostro sugieren una sensación de autoridad y confianza.
El uso del color en esta pintura es también notable. Isenbrant utiliza una paleta de colores suaves y cálidos, que le da a la obra una sensación de calma y serenidad. El artista también utiliza sombras y luces para crear profundidad y dimensión en la pintura.
“Donante con San Pedro y San Pablo”, obra del pintor Adriaen Isenbrant, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “Donante con San Pedro y San Pablo”, obra del pintor Adriaen Isenbrant (1485-1551), esta datado en 1530-1540. Realizado en óleo sobre tabla.
Esta obra es un buen ejemplo de la capacidad del pintor para retratar. Lamentablemente no se conoce la identidad del personaje representado en la oración. A menudo los santos del fondo pueden proporcionar alguna pista. En este caso está san Pablo, con la espada, y san Pedro, con el libro y la llave, son los santos patrones y protectores del patrocinador. Esta pintura corresponde con el lado derecho de un díptico. El panel izquierdo sin duda representaba a la Virgen María.
“Tríptico Bautismo de Cristo”, obra del pintor Gerard David, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “Tríptico Bautismo de Cristo”, obra del pintor Gerard David (1450-1523), esta datado en 1502-1508. Realizado en óleo sobre tabla. Tiene tres tablas. La del centro mide 127,9 cm de alto por 96,6 cm de ancho. Cada una de las alas miden 132 cm de alto y tienen una anchura diferente: 43,1 y 42,2 cm.
La tabla del centro está dedicada al tema del Bautismo de Jesús, con Juan el Bautista derramando agua del Jordán sobre Cristo y un ángel a un lado sosteniendo las vestiduras de Cristo. En riguroso eje vertical con Cristo está Dios Padre y una paloma símbolo del Espíritu Santo. En la parte posterior se ha pintado un paisaje de verde luminoso con escenas de la vida de san Juan Bautista. En primer término se representan con detalle hierbas y flores. En las alas laterales está representados los donantes con sus hijos. Izquierda está Jan de Trompes, tesorero de la ciudad de Brujas presentado por Juan el Evangelista, su santo patrón. En el ala de la derecha está su segunda esposa, Elisabeth van der Meersch, presentada por santa Isabel de Hungría.
“Glorificación de la Virgen”, obra del pintor Ambrosius Benson, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “Glorificación de la Virgen”, obra del pintor Ambrosius Benson (1490-1550), esta datado en 1530-1532. Realizado en óleo sobre tabla. Tamaño 131 x 108 cm.
Esta pintura es una obra clave en la obra de Ambrosius Benson. En el siglo XIX aún no sabíamos quién había creado esta obra. Pero en torno a esta obra ya se había recopilado una colección de obras estilísticamente similares, que todavía hoy goza de gran aceptación. Sólo más tarde se pudo vincular esta colección a Ambrosius Benson.
A la derecha vemos una sibila, representada como una mujer recatada. Sus rasgos faciales son típicos del estilo de Benson; A menudo reutiliza sus figuras femeninas en diferentes formas: como una sibila individual, como una María Magdalena leyendo o en composiciones más grandes. La forma en que Benson pinta la ropa de sus figuras también es distintiva. Buen ejemplo de ello son los pliegues luminosos del vestido de terciopelo rojo que luce la profetisa del extremo izquierdo.
“Santa Familia”, obra del pintor Ambrosius Benson, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “Santa Familia”, obra del pintor Ambrosius Benson (1490-1550), esta datado en 1525-1532. Realizado en óleo sobre tabla.
Pintor de composiciones religiosas y retratos, activo en los Países Bajos pero de origen italiano. La primera información que de él tenemos es de 1518, cuando adquirió la ciudadanía en Brujas. Al año siguiente ya está inscrito como maestro independiente en el gremio de pintores y guarnicioneros de la ciudad, en cuyos registros se añadió que era oriundo de Lombardía. Inicialmente trabajó como ayudante en el estudio de Gerard David, quien ejerció una gran influencia en su estilo y con quien mantuvo un litigio. Atraído por Brujas, por su reputación artística y comercial, Benson gozó en la ciudad de prestigio y fama como pintor, y jugó un importante papel social, ocupando puestos de responsabilidad tanto en el Ayuntamiento como en el gremio de pintores. Dirigió un activo taller, y entre sus discípulos se encuentran Joachim Spaers, Jacob Vinson y dos de sus hijos: Jan y Willem Benson.
“Santa Familia con san Juan Bautista”, obra del pintor Ambrosius Benson, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “Santa Familia con san Juan Bautista”, obra del pintor Ambrosius Benson (1490-1550), esta datado en 1527. Realizado en óleo sobre tabla. Tiene unas medidas de 83 x 65 cm.
En el cuadro destaca el pajarito anodino en la parte superior izquierda es testigo de un momento de paz entre la Sagrada Familia y Juan Bautista, que descansan al borde de un bosque. La imagen llena completamente el encuadre, por lo que hay poco espacio para nada más que las figuras de esta escena íntima. Por lo tanto, los motivos adicionales, como el pájaro, deben haber sido representados por Benson por alguna razón. En la pintura holandesa temprana, cuando se representa a María y el Niño con un pájaro, suele ser un jilguero. Cuenta la leyenda que el pequeño jilguero arrancó una espina de la frente de Cristo durante su procesión al Calvario. Como resultado, una gota de sangre del Salvador cayó sobre la cabeza del jilguero, de ahí su característica mancha roja. El pájaro representado en el cuadro de Benson, sin embargo, no es un jilguero sino un carbonero común. No se sabe por qué Benson se desvió de la iconografía habitual, tal vez quería transmitir un mensaje diferente que ahora se ha perdido.
“María Magdalena”, obra del pintor Ambrosius Benson, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “María Magdalena”, obra del pintor Ambrosius Benson (1490-1550), esta datado en 1550. Realizado en óleo sobre tabla. Tiene unas medidas de 69 x 55 cm.
María Magdalena está representada con el vaso embalsamador, que contiene el aceite con el que ungió los pies de Cristo. Ambrosius Benson pintó muchas veces a este santo. Se conocen una veintena de versiones más de este tema y pueden dividirse iconográficamente en dos grupos. Por un lado María Magdalena con el jarrón embalsamador y por el otro con un libro. El estilo de Benson es fácilmente reconocible por sus manos con dedos largos y delgados y los pliegues claramente pintados en las mangas.
“La Lactación de san Bernardo”, obra del pintor Pieter Claeissens, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “La Lactación de san Bernardo”, obra del pintor Pieter Claeissens (1557-1560), esta datado en 1557-1560. Realizado en óleo sobre tabla. Tiene unas medidas de 138.7 x 74.3 cm.
Dos paneles laterales de un tríptico del que se ha perdido el panel central. El panel de la izquierda muestra a Antonio, vistiendo un hábito de monje, un cerdo y leyendo un libro. Al fondo aparecen escenas de su vida: los tormentos diabólicos y su encuentro con Pablo, a quien luego encuentra muerto pero erguido en posición de oración.
Reverso “La Lactación de san Bernardo”, obra del pintor Pieter Claeissens, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
El panel derecho muestra a un abad cisterciense arrodillado y orando. El escudo de armas tallado en el costado de su silla de oración es el de Antonius Wydoot, trigésimo sexto abad de la abadía de Duinen (ordenado en 1557, fallecido en 1566). Los paneles laterales cerrados muestran la 'Lactatio Bernardi' en grisalla. A la izquierda María con el Niño que deja brotar la leche del pecho. Según la leyenda, la leche humedeció los labios de San Bernardo, representado arrodillado a la derecha.
“Juicio final”, obra del pintor Pieter Pourbus, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “Juicio final”, obra del pintor Pieter Pourbus (1523-1584) esta datado en 1551. Realizado en óleo sobre tabla.
El cuadro fue un encargo de los Francos de Brujas, una vasta zona administrativa alrededor de Brujas. En el cuadro se representa la figura de Cristo que está rodeado de santos, mientras, en la tierra, se abren los sepulcros y los muertos resucitan. Envían a los bienaventurados al cielo y los pecadores al infierno. Las figuras son musculosas recuerdan al Juicio Final de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina, que Pourbus conocía por los grabados.
“Juicio final”, obra del pintor Pieter Pourbus, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “Escenas de la vida de Cristo”, obra del pintor Pieter Pourbus (1523-1584), esta datado en 1570. Realizado en óleo sobre tabla. Tiene unas medidas de 101.6 x 105.1 cm.
El retablo (tríptico y predela) y contiene seis escenas de la vida de Cristo, con énfasis en la Pasión. El panel de la izquierda muestra el Transporte de la Cruz, el panel del medio el Descendimiento de la Cruz con el Entierro al fondo y el panel de la derecha la Resurrección. La predela representa de izquierda a derecha la Anunciación, la Adoración de los Pastores y la Circuncisión. Esta obra fue originalmente pintada sobre un lienzo, pero probablemente se transformó en un tríptico con cierre a finales del siglo XVI o principios del XVII, con los distintos paneles del frente cubiertos con fragmentos recortados del lienzo. La obra es excepcional en la obra de Pieter Pourbus, tanto en términos de composición como de técnica de grisalla. Cerrado, el retablo muestra a Verónica en el registro superior a la izquierda y, a la derecha, como patrona, un clérigo, patrocinado por Carlomagno; en el registro inferior a la izquierda está San Nicolás, a la derecha San Adrián, y en ambos paneles un escudo diferente, que aún no ha sido identificado. Este exterior no está pintado en grisalla y, a juzgar por el estilo, fue realizado a finales del siglo XVI o principios del XVII.
“Retratos de Jan van Eyewerve y Jacquemyne Buuck”, obra del pintor Pieter Pourbus, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “Retratos de Jan van Eyewerve y Jacquemyne Buuck”, obra del pintor Pieter Pourbus (1523-1584), esta datado en 1551. Realizado en óleo sobre tabla. Tiene unas medidas de 97.6 x 142.6 cm.
Estos dos retratos forman un díptico suelto. La pareja se casó en 1551 o 1552 y con motivo de esta ceremonia se inmortalizó en este retrato de boda. Jan van Eyewerve está representado de frente y en posición tres cuartos. Mantiene los codos separados. Gracias a su guante consigue darle a su mano derecha una postura elegante. Notamos dos anillos en el dedo meñique de su mano izquierda. Su vestimenta es rica pero sobria. Del conjunto se puede concluir que pertenece a la rica burguesía de Brujas. El hombre se encuentra en una habitación del suelo de una casa en Vlamingstraat, Brujas. El espacio interior de la sala está sugerido por una pared del fondo con un banco estrecho y sobrios paneles renacentistas. En la parte superior izquierda un putto lleva su escudo de armas. La pintura está fechada en la parte superior izquierda y la edad del hombre está indicada en la parte superior central. Arriba a la derecha, una ventana ofrece una vista de Kraanplaats y Vlamingbrug. A la izquierda está la Casa de Pesaje y en el centro de la plaza está la grúa de madera "Craene" con la imagen de una grúa en la parte superior. Los trabajadores de la ciudad que manejan la herramienta descansan en el borde de la rueda. Sobre los muros del muelle cuelgan contrafoques y un portero choca con su carretilla. Dos hermanos del Hospital St. John's supervisan la descarga del vino, del que les ofrecen una copa; pasa un mendigo. Todo continúa en el cuadro en el que Jacquemyne Buuck aparece justo debajo de la cadera y ligeramente vuelta hacia su marido. Esta postura evitada acentúa la elegancia del hombre. Tiene ambas manos formalmente cruzadas a la altura del regazo. Hay dos anillos en el dedo índice de su mano izquierda. En la mano derecha la mujer sostiene sus guantes y un paternoster. Ella y su marido Jan van Eyewerve viven en la misma habitación en el suelo de una casa en Vlamingstraat, Brujas. El espacio interior de la sala está sugerido aquí por una pared trasera con un banco estrecho y sobrios paneles renacentistas. La mujer viste de manera oscura, igual que su marido. Lleva una camisa muy ajustada, finamente bordada y con cuello ribeteado. Sobre sus hombros cuelga una gorra rígida, forrada de damasco blanco y ribeteada de encaje. Las mangas del vestido están rematadas con pelo de tres cuartos de largo, de donde emergen las mangas inferiores de color carmesí con finos puños de encaje. En la cabeza lleva un sombrero de encaje de gasa que está atado con una cinta debajo de la barbilla. Lleva una larga cadena anudada alrededor de su cuello. Un perro se sienta a su lado en el sofá como símbolo vivo de la fidelidad conyugal. El animal lleva un collar ancho decorado con un anillo de cobre, una campana y una cabeza de león. Arriba a la derecha un putto lleva su escudo de armas. La pintura está fechada y junto a ella también se indica la edad de la mujer.
El artista firmó con su nombre y la marca de su casa en la parte inferior izquierda de la ventana. A la izquierda, la ventana ofrece una vista de Vlamingbrug y de la casa De Haene. Entre las distintas decoraciones se pueden leer el año 1542, el escudo y el lema Plus Oultre de Carlos V. En el mostrador vemos mercancías extrañas; Al frente, un hermano compra algo a un vendedor del mercado. Al lado de la casa, los niños juegan con dados enormes. Sobre el Puente de la Grúa vemos la torre de la Iglesia de San Juan y, además, al otro lado de la Plaza de San Juan, la Casa Croone, también testigo del comercio del vino en Brujas.
“Tríptico Trabajo en el Muladar”, obra del pintor Jheronimus Bosch, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “Tríptico Trabajo en el Muladar”, obra del pintor Jheronimus Bosch, el Bosco, esta datado en 1501-1525. Realizado en óleo sobre tabla. Tiene unas medidas de 98.6 x 72.1 cm.
El panel central del tríptico de Job muestra la terrible experiencia de Job. El libro de Job del Antiguo Testamento cuenta cómo Dios desafió al diablo a probar la paciencia de Job haciéndole sufrir las mayores adversidades. En el panel, Job está sentado en su palacio, reducido a escombros, resignado a su sufrimiento. Sus pertenencias están ardiendo en el paisaje. El grupo de músicos, que vienen a aliviar su sufrimiento con la música, motivo que sólo se incorporó a la iconografía de Job en el siglo XV y aparece con frecuencia a partir de 1500, no parece atraer la atención de Job. Mira en dirección a una compañía diabólica, encabezada por una figura con garras y cabeza de zorro que le hace señas y viene a golpearlo con un manojo de ramitas.
En el panel derecho del tríptico de Job, San Jerónimo se autoflagela con una piedra delante del crucifijo. Viste, como de costumbre, su hábito cardenalicio. El exterior de la trampilla muestra dos escudos de armas, identificados como los de las familias de Haro de España y los Pijnappels de 's Hertogenbosch. Christina van Driele tenía padres llamados Haro (padrastro) y Pijnappels (madre). Estaba casada con Jacob Van de Voorde, cuyos escudos de armas de sus padres se encuentran en la parte posterior del otro panel.
El panel izquierdo del tríptico de Job representa a San Antonio en oración, rodeado de figuras monstruosas. El exterior de la trampilla muestra dos escudos de armas, identificados como los de las familias Vervoort o Van de Voorde y Maes de Amberes. Jacob Van de Voorde, concejal de Amberes (1508-1518), muerto en 1520, tenía padres con los nombres Van de Voorde y Maes. Estaba casado con Christina Van Driele, cuyos escudos de armas de sus padres se encuentran en la parte posterior del otro panel.
“Tríptico El Juicio Final”, obra del pintor Jheronimus Bosch, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “Tríptico El Juicio Final”, obra del pintor Jheronimus Bosch, el Bosco, esta datado en 1500. Realizado en óleo sobre tabla. Tiene unas medidas de 98.5 x 55.9 cm + 98,5 x 27.3 (paneles laterales).
La escena central no muestra la resurrección, sino la imagen de la existencia mundana que continúa, por así decirlo; la tierra que ha sido tomada por demonios y apenas se distingue del infierno. La vida humana está notablemente entrelazada con el reino animal porque los árboles y las plantas están extintos. Según Boczkowska, la resurrección real está simbolizada por el motivo astrológico-simbólico de la luna llena, el disco redondo azul en el que aparece Cristo. Las escenas y motivos imaginativos, a veces sorprendentemente ingeniosos, a veces espeluznantes o sucios, pueden tener un significado simbólico. Sin embargo, esto no siempre está claro. Los autores lo interpretan de muchas maneras. Las escenas pueden corresponder a refranes y costumbres populares. Satirizan a la sociedad, ilustran vicios y pecados, en el contexto de los cuatro elementos: aire, agua, fuego y tierra. Hammerstein llama la atención sobre el papel importante que desempeñan en esta obra la música, la danza y los instrumentos.
El panel derecho representa el infierno como un dominio cerrado y fortificado con una puerta de entrada. El primer plano muestra el camino que lleva al infierno. Piscina, de la que las personas son pescadas por un diablo con gorro de bolsillo, otras devoradas por un animal mitad pájaro, mitad pez; las extremidades yacen en la orilla. Tiro de bueyes con carro cisterna, el conductor, desnudo y sentado sobre el buey de tiro, sostiene un cáliz, una espada y en un largo palo al hombro, un paño y una tetera; en su casco hay un gallo; en un carro plano, en un caldero, un monje y una monja; piqueros y un alférez desnudo siguen al carro; Monstruos alados, uno con pico de espátula y ambos vestidos con trajes divertidos, mira. Puerta del Infierno, en forma de torre con puerta de paso; se prepara la horca en lo alto de la torre; verdugos, una rueda en una estaca y dos presos; Al pie de la torre, un anciano sentado vigila un fuego de leña y junto a una cruz con una serpiente. Muro del recinto, que es defendido por guerreros utilizando escaleras, ganchos y otros equipos contra la fuga de un grupo de prisioneros. Infierno, un paisaje abrasador con una fortaleza en llamas; los presos deambulan; algunos se prestan a justas locas. El reverso de la trampilla muestra los restos de una Coronación de Espinas, que continúa en medio de los dos estilos planos del marco de la otra trampilla.
El panel de la izquierda muestra el reino de los cielos en una naturaleza soleada, como un paraíso terrenal. La composición se compone de un paisaje profundo, con varios motivos principales ligeramente divididos entre los que aparecen pequeños personajes desnudos. En el cielo, criaturas aladas y pájaros se elevan hasta las altas nubes. Los motivos más importantes son los siguientes. Fuente de la Vida, una fuente redonda de espíritu renacentista con reminiscencias góticas y decoración caprichosa, cuya base es una pila de agua de la que brotan los cuatro arroyos del Paraíso; un primer balcón sobre columnas forma un estanque superior que recibe agua de las bocas de agua del tramo superior, y desborda por caños; más arriba un mirador. Corteza hueca del fruto, en la que habitan los bienaventurados y alrededor de la cual retozan. Barco maravilloso con tienda de campaña, un galeón en la parte superior; ángeles trompetas en el alcázar alado; personajes y pájaros. Flor con fruto perlado, una bienaventurada se aferra a un pétalo en forma de flecha; éste tiene ramitas de enebro. Ángel que toca el arpa, con tres celestiales arrodillados. El reverso de la trampilla muestra los restos de una Coronación de Espinas, que continúa en medio de los dos estilos planos del marco de la otra trampilla.
“La muerte de Marcus Licinius Crassus”, obra del pintor Lancelot Blondeel, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “La muerte de Marcus Licinius Crassus”, obra del pintor Lancelot Blondeel (1496-1561), esta datado en 1558. Realizado en óleo sobre tabla. Tiene unas medidas de 70 cm x 56.6 cm.
El cuadro representa la muerte del comandante militar romano Marcus Licinius Crassus, que formo el triunvirato con Julio Cesar y Cneo Pompeyo Magno, era conocido por su codicia. Tomado prisionero durante una batalla, sus enemigos le echaron líquido en la bocal. El pintor sitúa la escena en un paisaje en ruinas, genero que hizo famoso al artista entre sus contemporáneos.
“San Lucas pintando a la Virgen”, obra del pintor Lancelot Blondeel, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “San Lucas pintando a la Virgen”, obra del pintor Lancelot Blondeel (1496-1561), esta datado en 1545. Realizado en óleo sobre tabla.
El cuadro presenta a San Lucas, el patrón de los pintores, pintando el retrato de la Virgen María, quien posa elegantemente para él.
La composición de la pintura es impresionante, con una perspectiva cuidadosamente construida que atrae al espectador hacia el centro de la escena. La figura de San Lucas se encuentra en el lado izquierdo del cuadro, mientras que la Virgen María está en el lado derecho, creando un equilibrio visual perfecto. El artista utiliza una paleta de colores vibrantes y saturados que realzan la belleza de la escena.
“Última cena”, obra del pintor Pieter Porbus, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “Última cena”, obra del pintor Pieter Porbus (1523-1584), esta datado en 1548. Realizado en óleo sobre tabla.
El tema de la Última Cena inspira a muchos artistas. Jesús acordó por última vez con sus apóstoles compartir el pan y el vino. Al mismo tiempo les dijo que una de las doce personas presentes lo traicionaría.
La mayoría de los artistas eligen representar este momento, pero no Pourbus. Pintó lo que sucedió después: Judas saliendo apresuradamente. Según el Evangelio de Juan (13:27), este fue el momento en que Satanás entró en Judas. Entonces, la figura diabólica que entra en la habitación de la derecha es muy probablemente Satán.
“Sagrada Familia con Isabel y Juan Bautista”, obra del pintor Cornelis van Cleve, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “Sagrada Familia con Isabel y Juan Bautista”, obra del pintor Cornelis van Cleve (1520-1567), esta datado en 1541-1567. Realizado en óleo sobre tabla. Tiene unas medidas de 95 x 74 cm.
El tema representa la visita de Isabel y Juanito cuando eran niños a la Sagrada Familia no se basa en una indicación evangélica sino en las “Meditationes” del Pseudo-Buenaventura (siglo XIII). Por su contenido sentimental y sus opciones de representación narrativa y plástica, se hizo muy popular en el arte italiano e italianizante del siglo XVI. En nuestras regiones también se pueden encontrar composiciones similares de Jan Van Hemessen y Frans Floris. El llamativo color blanco púrpura de la piel, en un suave esfúmato modelo combinado con un tono de sombra muy oscuro que contrasta, es particularmente característico de esta pintura y de la obra de Cornelis van Cleve en general.
“Paisaje con paz durante la huida a Egipto”, obra del pintor anónimo, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “Paisaje con paz durante la huida a Egipto”, obra del pintor anónimo, esta datado en 1560. Realizado en óleo sobre tabla. Tiene unas medidas de 81.8 x 125.9 cm.
La huida Egipto es un tema iconográfico muy tratado en la pintura flamenca desde la Edad Media. En el centro se representa a la Virgen sentada con el niño y en un segundo plano san José, el paisaje idealizado construido mediante franjas horizontales, que son interrumpidas por elementos verticales, como los árboles.
“San Juan Bautista predicando”, obra del pintor Pieter Brugel el joven, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente de la obras de arte que vemos “San Juan Bautista predicando”, obra del pintor Pieter Brugel el joven (1564-1638), esta datado en 1601-1620. Realizado en óleo sobre tabla. Tiene unas medidas de 118.7 x 167.5 cm.
Esta pintura es una de las muchas copias que se hicieron en el estudio de Pieter Brueghel el joven y Jan Brueghel según el original de su padre. La obra original de Pieter Bruegel I está fechada en 1566 y se conserva en el Szépmüveszeti Muzeum de Budapest. La copia de Brujas puede fecharse entre 1601 y 1620.
“Paisaje boscoso con vacas y cabras”, obra del pintor Roelant Savery, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente obra de arte que vemos “Paisaje boscoso con vacas y cabras”, obra del pintor Roelant Savery (1576-1639), esta datado en 1616. Realizado en óleo sobre tabla. Tiene unas medidas de 53 x 85 cm.
Los paisajes de Roelant Savery representan la naturaleza, los animales y la arquitectura de manera meticulosa. Tanto sus dibujos como sus pinturas parecen sacados de la naturaleza, como si Savery representara exactamente lo que vio. Sin embargo, estos paisajes a menudo esconden influencias diferentes y una estructura bien pensada.
Estas influencias tirolesas se ven claramente en el bosque y en el castillo del cuadro de alrededor de 1616. Situado en una pendiente, el imponente castillo domina el paisaje. Savery estaba entonces de regreso en Ámsterdam, donde combinó los conocimientos adquiridos en Praga y Tirol con nuevos intereses, como la representación de animales.
“Cristo redentor”, obra del pintor Willem Key, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente obra de arte que vemos “Cristo redentor”, obra del pintor Willem Key (1515-1568), esta datado en 1540-1568. Realizado en óleo sobre tabla.
El pintor se registro en 1549 como ciudadano de Amberes, murió repentinamente en 1568 tras alcanzar riqueza y una sólida posición social gracias a sus retratos y cuadros historiados, pintados con docta mano según los versos de Lamposonio a su retrato. Valorado principalmente como retratista, entre quienes posaron para él se cuentan el cardenal Granvela y el duque de Alba, cuyo retrato, conservado en el Palacio de Liria, es posiblemente de lo último que pintase y próximo a otro retrato del mismo sujeto pintado por Tiziano.
“Virgen y el Niño”, obra del pintor Jan van Hemessen, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente obra de arte que vemos “Virgen y el Niño”, obra del pintor Jan van Hemessen (1500-1595), esta datado en 1618. Realizado en óleo sobre tabla. Tiene unas medidas de 150.5 x 116.7 cm.
El cuadro es una copia parcial de la famosa Sagrada Familia de Francisco I (1518) de Rafael (París, Museo del Louvre). La composición original representa a la Sagrada Familia con Isabel y el pequeño Juan. Aquí sólo se reproduce la Virgen ayudando al Niño a salir de la cuna. La ventana que se abre a la izquierda da a un paisaje montañoso finamente detallado que representa la Huida a Egipto. La obra está datada de mediados del siglo XVI, mientras que el marco tallado data de la segunda mitad del siglo XVII.
“San Jerónimo”, obra del pintor Jan van Hemessen, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente obra de arte que vemos “San Jerónimo”, obra del pintor Jan van Hemessen (1500-1595), esta datado en 1550. Realizado en óleo sobre tabla. Tiene unas medidas de 51 x 65 cm.
Se representa al santo con el sombrero cardenalicio y el león –atributos habituales del santo pero estrictamente rechazados por Erasmo– no aparecen por ninguna parte. El hombre envejecido, pero no viejo ni cansado, con manos especialmente fuertes, también está en consonancia con las observaciones de Erasmo de 1522. Sólo se representan algunos elementos clave de la penitencia del santo. La piedra con la que se castiga el pecho yace frente a él como para servir de pedestal al crucifijo, recordatorio de nuestra mortalidad. Sin ningún otro atributo ni paisaje, el hábito rojo identifica finalmente al santo como San Jerónimo.
“Marte rodeado de las Artes y las Ciencias, vence la Ignorancia”, obra del pintor Antonius Claeissens, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente obra de arte que vemos “Marte rodeado de las Artes y las Ciencias, vence la Ignorancia”, obra del pintor Antonius Claeissens (1536-1613), esta datado en 1605. Realizado en óleo sobre tabla. Tiene unas medidas de 197.5 x 280 cm.
Marte domina a Ignorancia, una figura desnuda con orejas de perro. La Victoria alada vuela delante del vencedor con una corona de laurel y una rama de palma. El dios romano de la guerra está flanqueado por las Ciencias y las Artes, cada una personificada por mujeres ricamente adornadas. A la izquierda está Astronomía con armilar, Dialéctica con loro, Gramática con clave y escritura, Retórica con clave y caduceo y Geometría con globo, compás y escuadra. A la derecha está la Música, tocando un balscalmo y con laúd, trompeta y trompa a sus pies, la Aritmética escribe sobre una tablilla de cera y la Pintura tiene una paleta y pinceles en la mano. Marte aparece por segunda vez, como el soldado romano que protege la pintura. Tradicionalmente, Marte pisotea las Artes, protegidas por Minerva, simbolizando así los horrores de la guerra. La lucha por la emancipación de los pintores contra los artesanos y el reconocimiento oficial de la pintura como una de las Artes Liberales son el punto de partida de Claeissens para la invención de esta nueva alegoría.
“Alegoría de la paz en los Países Bajos en 1577”, obra del pintor Pieter Claeissens II, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente obra de arte que vemos “Alegoría de la paz en los Países Bajos en 1577”, obra del pintor Pieter Claeissens II (1535-1623), esta datado en 1577. Realizado en óleo sobre tabla. Tiene unas medidas de 159 x 198 cm.
Esta notable representación alegórica fue considerada en el siglo XIX como una representación de la Pacificación de Gante, por analogía con los grabados de 1577. Posteriormente, probablemente después del Tratado de Tournai que devolvió a los Países Bajos del Sur bajo dominio español, este folleto pro-Orange adaptó al nuevo clima político pintando sobre el escudo derecho del carro triunfal.
Al frente, personificaciones femeninas de las Diecisiete Provincias animan el carro triunfal y la procesión. Los representantes de los Estados Generales detrás del coche parecen retratados del natural. Sus rasgos faciales están claramente individualizados, pero la cabeza es ligeramente demasiado grande para su cuerpo. Un Kain extremadamente educado, personificación de la envidia, es aplastado bajo una rueda. La mujer crudamente realista, Proprium Commodum, también intenta detener la procesión clavando un palo en las ruedas. Pax está entronizado en el carruaje, acompañada por Cáritas y Concordia. Al fondo se desarrolla una batalla entre Tempus y las Parcas por un lado y Ratio y Populus por el otro. Este cuadro probablemente estaba destinado al ayuntamiento de Brujas, ya que en el marco original está pintado el escudo de la ciudad.
“La venganza de Tomyris”, obra del pintor Pieter Pieters, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente obra de arte que vemos “La venganza de Tomyris”, obra del pintor Pieter Pieters, esta datado en 1610. Realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 184 x 175 cm.
Representación de la reina Tomiris de los Masagetas, que sumerge en su propia sangre la cabeza del rey persa Ciro el Grande, como venganza por el suicidio de su hijo tras una artimaña de Ciro.
“Retrato de un hombre”, obra del pintor Adriaen Thomasz, Key, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente obra de arte que vemos “Retrato de un hombre”, obra del pintor Adriaen Thomasz, Key (1544-1589), esta datado en 1580. Realizado en óleo sobre madera. Tiene unas medidas de 79 x 61.5 cm.
Vemos a un hombre en la esquina de una mesa cubierta con un mantel verde sobre la que apoya las manos. El hombre barbudo está vestido completamente de negro a excepción del cuello de piel. En su mano derecha sostiene un par de guantes y lleva una boina plana. Su apariencia corresponde al prototipo del retrato humanista flamenco popular en la pintura renacentista. Desafortunadamente, debido a que falta una inscripción, no sabemos el nombre del hombre.
“Retrato de Petrus Ricardus”, obra del pintor Frans Pourbus II, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente obra de arte que vemos “Retrato de Petrus Ricardus”, obra del pintor Frans Pourbus II (1569-1622), esta datado en 1592. Realizado en óleo sobre madera. Tiene unas medidas de 107.3 x 77 cm.
La inscripción en latín en la parte superior izquierda identifica al modelo como "Petrus Ricardus, profesor de la Universidad de Lovaina y médico de Su Majestad". Petrus Ricardus fue médico de la ciudad de Gante y médico personal de Ernesto de Austria y de los gobernadores Alberto e Isabel.
Vestido con una toga negra, el hombre se encuentra en la esquina de una mesa sobre la que se apoya con la mano derecha. De la edad indicada sólo quedan algunos vestigios que, aparentemente, en restauraciones anteriores se interpretaron como '46' y, por tanto, se completaron en la pintura. El escudo de armas en la esquina superior derecha contiene el lema 'nil temere' (nada sin consulta). El escudo con casco y los tres anillos se repite en el anillo de su dedo índice. De su toga cuelga una cinta con una gran medalla con el retrato de Felipe II del año 1592. Su función queda aún más subrayada por los libros de medicina de Galeno e Hipócrates en la mesa de la izquierda.
“Retrato del archiduque Alberto y la archiduquesa Isabel”, obra del pintor Frans Pourbus II, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente obra de arte que vemos “Retrato del archiduque Alberto y la archiduquesa Isabel”, obra del pintor Frans Pourbus II (1569-1622), esta datado en 1601-1620. Realizado en óleo sobre madera. Tiene unas medidas de 60 x 84 cm.
Los bustos de los archiduques existen en varias copias. El retrato de la Archiduquesa se remonta con certeza a un prototipo de Frans Pourbus II. El retrato de Isabella está concebido como una obra independiente. La adición del retrato de Albrecht a un retrato doble en busto es una nueva creación. La pose y la elaboración del retrato de Alberto corresponden a la representación del Archiduque con armadura realizada por Otto van Veen (Viena, Kunsthistorisches Museum). Además de los matrimonios de Brujas, existen varias copias de estos retratos cortesanos. Gracias a la tecnología de alta calidad, los paneles Bruges reflejan muy bien el tipo diseñado por Pourbus.
“Retrato de un teólogo con su secretario”, obra del pintor Jacob van Oost I, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente obra de arte que vemos “Retrato de un teólogo con su secretario”, obra del pintor Jacob van Oost I (1603-1671), esta datado en 1668. Realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 116 x 222 cm.
Un teólogo, probablemente jesuita, lee las decisiones del concilio y las comenta. Su secretario secular toma nota. A la izquierda está el atril, decorado con la escultura del grupo del Calvario y sobre él la parte 36 de las decisiones conciliares recogidas. A la derecha una mesa de trabajo con un mantel de vivos colores, donde se sientan el sacerdote y el secretario. Sobre la mesa hay accesorios de estudio, como un globo terráqueo y un libro. Detrás hay una estantería con ediciones de la Biblia y literatura en el campo de la teología, la exégesis y el derecho canónico.
“Retrato de cuatro niños”, obra del pintor Micolaes Maes, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente obra de arte que vemos “Retrato de cuatro niños”, obra del pintor Micolaes Maes (1634-1693), esta datado en 1657. Realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 150 x 112 cm.
El cuadro representa a cuatro niños en una sala de juegos, con vistas a un jardín. La hija mayor, una niña, está detrás. Los niños más pequeños tienen cada uno un atributo: una cesta de manzanas, un perro con una correa y un látigo para hacer girar un trompo. Cada uno de estos motivos puede interpretarse alegóricamente: las manzanas pueden aludir a la fertilidad de la familia, el perro al vínculo de lealtad que une a los miembros de la familia, el látigo a la orientación y educación que debe recibir un niño.
“Retrato de una familia de Brujas”, obra del pintor Jacob van Oost I, Museo Groeninge Dijver, Brujas (Bélgica) |
La siguiente obra de arte que vemos “Retrato de una familia de Brujas”, obra del pintor Jacob van Oost I (1603-1671), esta datado en 1645. Realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 150.5 x 255.5 cm.
El ciudadano señala ostentosamente los alrededores para llamar nuestra atención sobre sus posesiones. El punto de vista bajo hace que los personajes parezcan imponentes. Se desconoce la familia, pero debido a la reconocible silueta de la ciudad de Brujas, la familia debe situarse en el contexto de Brujas. Las edades de los miembros de la familia se integran discretamente: con el hombre en el tacón de su zapato, con la mujer en su abanico, con el niño a su lado en su sombrero, con el sentado la niña sobre la almohada de su cesto, con el joven sobre su bota, y con el niño en brazos de la niñera sobre el trozo de pan que tiene en las manos. De la gran diferencia de edad entre los cónyuges, por un lado, y la corta edad de la mujer, por otro, se deduce que los hijos deben proceder de dos matrimonios. Probablemente sólo los dos hijos más pequeños nacieron del matrimonio con la mujer aquí representada. En el extremo izquierdo del cuadro hay un jardinero con una pala al hombro, descendiendo al jardín. Como ocurre con la mayoría de los retratos familiares, esta obra contiene un simbolismo subyacente, que hace referencia al amor, la pureza y la fertilidad, como condiciones para una vida familiar armoniosa.
Puente Bonifacio de Brujas de Bélgica |
Aquí dejo de explicar las obras del Museo Groeninge Dijver porque ciento de cuadros y esculturas del siglo XVIII y XIX y XX, con artistas muy renombrados franceses, ingleses y belgas.
Nada más salir del museo vemos como la gente se arremolina en el entorno de Puente Bonifacio (GPS N51.204907 E3.225370), allí hacen una parada los Free Tours y es imposible sacar una secuencia que verdaderamente merezca la pena.
El Bonifaciusbrug tiene un sorprendente atractivo por su historia y cálido romance puede dejarlo sin aliento. Ubicado a lo largo de uno de los pintorescos canales, logra crear una atmósfera completamente única con sus árboles altos, bancos ocultos, misteriosas obras de arte y maravillosas vistas a la Iglesia de Nuestra Señora y al palacio Gruuthuse. Es uno de esos lugares para ver pasar el mundo: pasan barcos de turistas y la gente deambula mientras el ruido de los cascos de los carruajes tirados por caballos resuena durante todo el día. No se deje engañar más adelante, ya que el puente tienen un aspecto antiguo aunque verdaderamente data de principios del siglo XX y es uno de los puentes más jóvenes de Brujas. Mientras admiras los canales de cuento de hadas con casas inclinadas y los barcos turísticos que pasan, sin duda te inundará un sentimiento de humildad al mirar hacia la Iglesia de Nuestra Señora.
Hospital de san Juan de Brujas de Bélgica |
A la salida vamos a la iglesia del Hospital de san Juan (GPS N51.2039442 E3.2235341), situado en Mariastraat 38, 8000 Brugge, Es una magnífica oportunidad de ver una iglesia desde otro punto de vista, en este caso convertida en un gran museo donde se exponen una de las colecciones más importantes de Bélgica. En su sala especial se encuentran juntas las pinturas de Hans Meling uno de los maestros del arte.
Es impensable que durante ocho siglos haya sido el centro de referencia como hospital de los pobres y ahora es un museo que nos relata el arte desde ese periodo de tiempo.
Desde su fundación en el siglo XII, la hospitalidad y la asistencia han formado parte de la historia del hospital. Aquí atendían con los brazos abiertos a cualquiera que necesitara cuidados o un lugar donde pernoctar, sin importar su origen o clase social.
Exponen las obras de uno de los primitivos flamencos más conocidos: Hans Memling. Este maestro del siglo XV, de escenas y paisajes hiperrealistas, vivió y trabajó en Brujas, donde creó sus obras maestras más importantes. Cuatro de las siete obras maestras del museo fueron creadas por Memling especialmente para el Hospital de San Juan y han permanecido allí desde finales del siglo XV. Se construyó un monumental relicario de cristal específicamente para sus obras. En la iglesia adyacente al hospital se encontrará cara a cara con el Relicario de Santa Úrsula, una de las obras maestras absolutas de Memling.
“El Puente” obra de la escultura Patricia Piccinini, Hospital de san Juan de Brujas de Bélgica |
Nada más entrar lo primero que nos llama la atención es las esculturas hiperrealistas de la artista australiana Titulada “El Puente” obra de la escultura Patricia Piccinini, realizada en el 2023, en silicona , fibra, pelo , textil. Tiene unas medidas altura: 119 cm, ancho: 170 cm, profundidad: 79 cm.
La escultura enfrenta al espectador con prejuicios y sesgos. Nos habla sobre el amor incondicional y el cuidado al otro, para los que son diferentes. Vemos a una mujer abrazando amorosamente a una quimera, mitad humana, mitad cerda. La quimera se ve vieja y cansada, pero consolada en los brazos de la mujer. Patricia Piccinini se inspiró en varias obras del museo.
“Santa Isabel de Hungría atiende a los enfermos”, obra de Frans Francken el joven, Hospital de san Juan de Brujas de Bélgica |
La siguiente de la obras de arte “Santa Isabel de Hungría atiende a los enfermos”, obra de Frans Francken el joven (1601-1700), está datada en el siglo XVII, realizado en óleo sobre madera.
El cuadro nos presenta a Santa Isabel, con coronas u otras vestimentas y un damasco nobiliario, palabra y primer plano presentados en un contexto hospitalario. Amamanta a una mujer corriente que está sentada en una cama, con la pierna hacia el santo y las manos cruzadas. Un hombre se sienta en la cabecera y observa, a su alrededor se representan varios personajes que observan o dan testimonio de su participación, al fondo, un enfermo yace en una cama en una alcoba con cortinas rojas.
“Los siete actos de misericordia”, obra de Frans Francken el joven, Hospital de san Juan de Brujas de Bélgica |
La siguiente de la obras de arte “Los siete actos de misericordia”, obra de Frans Francken el joven (1601-1700), está datada en el siglo XVII, realizado en óleo sobre madera.
Presentación de las Siete Obras Corporales de Misericordia: alimentar al hambriento, beber al sediento, vestir al desnudo, visitar a los enfermos, albergar a los extraños, enterrar a los muertos y redimir a los cautivos. A la derecha vemos cómo un niño cambia una ficha de pan por una barra de pan en el comedor del maestro. Esto normalmente ocurría en la iglesia, pero aquí el artista lo representa al aire libre. Pintura al óleo sobre tabla.
“Vista de las fachadas occidentales de las habitaciones de los enfermos”, obra de un pintor anónimo, Hospital de san Juan de Brujas de Bélgica |
La siguiente de la obras de arte “Vista de las fachadas occidentales de las habitaciones de los enfermos”, obra de un pintor anónimo, está datada en el siglo XVII, realizado en óleo sobre lienzo.
Este lienzo ofrece una vista del dominio y el entorno de la vida en el hospital de San John. Vemos las fachadas occidentales con las salas de enfermos al fondo, el convento de las hermanas a la derecha y el cementerio a la izquierda.
Las hermanas caminan, trabajan y rezan en el dominio visten el habito blanco y negro característico. También aparecen personas que acuden al hospital, llevan una chaqueta con los colores de la ciudad de Brujas: rojo, azul y blanco.
“Retrato Sor Anna-Thérèse Useel”, obra de un pintor Mattias Visch, Hospital de san Juan de Brujas de Bélgica |
La siguiente de la obras de arte “Retrato Sor Anna-Thérèse Useel”, obra de un pintor Mattias Visch, está datada en 1738, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas: 85.5 x 76.5 cm.
El retrato de Sor Anna-Thérèse Useel, residente en el hospital, que trabajaba durante el día como monja. Ella es corpulenta, la vestimenta con capucha y cuello almidonado ocupa casi todo el lienzo. Tiene las manos cruzadas y en la mano izquierda sostiene un libro de oraciones. Hay un rosario junto a ella sobre la mesa. La enfermera nos mira con una sonrisa amistosa.
“Tríptico con representación de la Trinidad”, obra de un pintor anónimo, Hospital de san Juan de Brujas de Bélgica |
La siguiente de la obras de arte “Tríptico con representación de la Trinidad”, obra de un pintor anónimo, está datada en 1551, realizado en óleo sobre madera.
Tríptico con representación de la Trinidad, hermana del hospital y patrona. Y el panel central presenta al santo patrón, San Judoco, una hermana arrodillada del hospital de la Santísima Trinidad. En el panel izquierdo: San Juan Bautista con el Cordero. En el panel derecho: San Severino, obispo de Rávena con un huso (instrumento manual, generalmente de madera) como atributo.
“Vista de las antiguas salas de hospital”, obra del pintor Jan Baptiste Beerblock, Hospital de san Juan de Brujas de Bélgica |
La siguiente de la obras de arte “Vista de las antiguas salas de hospital”, obra del pintor Jan Baptiste Beerblock, está datada en 1778, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas: 82 x 153 cm.
El cuadro muestra una representación de la ajetreada en la vida hospitalaria tal como era en todos sus aspectos, en 1778 en las salas del Sint-Janshospitaal. Están representados pacientes, pastores, hermanas y personal de servicio. La escena está representada a la derecha, por así decirlo, con una cortina drapeada. Beerblock ha representado varias obras de arte y utensilios que aún hoy se conservan en la colección del museo.
“Lección de anatomía”, obra de un pintor anónimo, Hospital de san Juan de Brujas de Bélgica |
La siguiente de la obras de arte “Lección de anatomía”, obra de un pintor anónimo, está datada en 1679, realizado en óleo sobre madera. Tiene unas medidas: 109x133 cm.
Cuatro médicos están junto a un cadáver abierto. Los hombres pueden identificarse por el retrato de grupo del consejo gremial de médicos de Brujas, pintado en 1677 por Filips Bernaerts. Se trata de Cornelis Keldermans, Joris Simaey, Hendrik Franssens y François Guillemin o Frans Toomkins. La similitud de los retratos también hizo que La lección de anatomía fuera atribuida durante mucho tiempo a Filips Bernaerts. Sin embargo, la diferencia de estilo entre esta pintura y La dirección del oficio del cirujano de Brujas hace que esa atribución sea insostenible.
“Retrato Franciscus Toomkins”, obra de un pintor anónimo, Hospital de san Juan de Brujas de Bélgica |
La siguiente de la obras de arte “Retrato Franciscus Toomkins”, obra de un pintor anónimo, está datada en 1691-1700, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas: 103.5x80.2 cm.
El médico está representado hasta la cintura y está de pie ante una mesa con un taladro de trepanación y un cráneo sobre el que descansa su mano derecha. Tiene guantes en la mano izquierda. Detrás de él hay dos columnas alrededor de las cuales se extiende una cortina; arriba a la izquierda hay una vista de un cielo nublado. Según la inscripción del siglo XIX situada en el reverso del cuadro, el médico retratado fue decano del gremio de cirujanos de Brujas entre 1684 y 1686.
“Retrato del oftalmólogo François de Wulf”, obra de un pintor anónimo, Hospital de san Juan de Brujas de Bélgica |
La siguiente de la obras de arte “Retrato del oftalmólogo François de Wulf”, obra de un pintor anónimo, está datada en 1700, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas: 102.5x80 cm.
Se representa al oftalmólogo examinando el ojo izquierdo de un niño. La identificación del médico como François De Wulf está confirmada por el lema que contiene una alusión a su nombre: “Numerum curat lupus” o “El lobo se preocupa por el número”. El lema latino es una variación de un verso de la Bucolica de Virgilio: “Lupus non curat numerum [ovium]”. La preocupación del oftalmólogo puede referirse al número de ojos: para una visión óptima, la preservación de ambos ojos es fundamental.
“Asunción de Santa Apolonia”, obra del pintor Jacob de Oude Van Oost, Hospital de san Juan de Brujas de Bélgica |
La siguiente de la obras de arte “Asunción de Santa Apolonia”, obra del pintor Jacob de Oude Van Oost, está datada en 1660, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas: 285x191.5 cm.
Santa Apolonia es llevada al cielo por dos ángeles. Lleva un vestido blanco y una capa roja y mira hacia el cielo. En su mano derecha sostiene su atributo, las tenazas con las que fue torturada. Un ángel lleva una rama de palma, signo de su martirio. Los Putti flotan a sus pies, sosteniendo la estructura diagonal del cuadro. Óleo sobre lienzo.
“Dos paneles con escenas de la leyenda de la Santa Cruz”, obra de un pintor anónimo, Hospital de san Juan de Brujas de Bélgica |
La siguiente de la obras de arte “Dos paneles con escenas de la leyenda de la Santa Cruz”, obra de un pintor anónimo, está datada en 1476-1500, realizado en óleo sobre tabla. Tiene unas medidas: 107.3x57cm.
Ambos paneles representan acontecimientos de la búsqueda y descubrimiento de la Santa o Verdadera Cruz. La leyenda de la Santa Cruz debe leerse ahora a la izquierda y ahora a la derecha. En el reverso están representados San Job y la Virgen María. Ambos tienen un halo dorado. María está representada de pie, sobre un suelo de baldosas de colores y con un libro en la mano. Job está sentado y lleva un taparrabos blanco. Hay varios personajes a su alrededor. Ambas trampillas exteriores están gravemente dañadas.
“Lamentación de Cristo”, obra atribuida al llamado Maestro de la Leyenda de Santa Lucía, Hospital de san Juan de Brujas de Bélgica |
La siguiente de la obras de arte “Lamentación de Cristo”, obra atribuida al llamado Maestro de la Leyenda de Santa Lucía, está datada en 1481-1500, realizado en óleo sobre tabla. Tiene unas medidas: 81.4x123.5 cm.
La composición, que fue ampliamente copiada en los siglos XVI y XVII, se remonta a Hugo van der Goes. Sólo un fragmento de aquella “Lamentación” original, pintado sobre lienzo, sobrevive en Oxford, Christ Church College. Por su calidad, color y técnica, esta versión claramente todavía pertenece a la tradición pictórica del siglo XV, en una interpretación sorprendentemente personal. El irreal fondo dorado ha sido reemplazado por un paisaje claro con un afloramiento rocoso a la derecha en el plano central y una carretera que conduce a una ciudad amurallada en la distancia. A juzgar por el edificio circular del templo, es posible que aquí se represente Jerusalén. Las figuras están modeladas escultóricamente, las telas de colores brillantes tienen pliegues metálicos brillantes. En el azul del manto de María, una técnica de punteado sugiere la densidad del tejido. Todo esto revela claramente el estilo del maestro de Brujas de la leyenda Lucía, como lo confirma la construcción especial del panel.
“Cristo, rodeado de instrumentos de pasión”, obra de un pintor anónimo, Hospital de san Juan de Brujas de Bélgica |
La siguiente de la obras de arte “Cristo, rodeado de instrumentos de pasión”, obra de un pintor anónimo, está datada en 1476-1500, realizado en óleo sobre tabla. Tiene unas medidas: 49x42cm.
Cristo está en medio de un grupo formado por su Madre y Juan Evangelista, María Magdalena con sus hermosas vestiduras, la tercera María y dos ángeles mirando. Lleva una corona de espinas y con la mano izquierda recoge la sangre que mana de la herida provocada por el golpe de la lanza. Sobre el fondo dorado están representados algunos instrumentos de la pasión, como la escalera, la esponja y el martillo. Juntos representan la historia de la Pasión, el viaje de Cristo hasta la muerte en la cruz.
“Descendimiento de la Cruz”, obra del pintor copia de Rogier van der Weyden, Hospital de san Juan de Brujas de Bélgica |
La siguiente de la obras de arte “Descendimiento de la Cruz”, obra del pintor copia de Rogier van der Weyden, está datada en siglo XVI, realizado en óleo sobre tabla. Tiene unas medidas: 84.5x65cm.
En los talleres los aprendices realizaban su formación copiando los dibujos y las composiciones del maestro. Es a través de ese ejercicio como aprendían a colocar espacialmente las figuras, a crear la perspectiva, las expresiones, los plegados y tratamientos de las telas, etc. Vinculándose por tanto de forma irremediable a los modos de sus maestros. Algo que, en el caso de los artistas de gran fama, como era Rogier van der Weyden, era además buscado y deseado por sus discípulos.
“Virgen Dolorosa y Ecce Homo”, obra del pintor copia de Simon Marmion, Hospital de san Juan de Brujas de Bélgica |
Las siguientes de la obras de arte “Virgen Dolorosa y Ecce Homo”, obra del pintor copia de Simon Marmion, está datada en siglo XV, realizado en óleo sobre tabla. Tiene unas medidas: 44x61 cm.
Vemos a María llorando y a Cristo, su hijo que murió en la cruz y que es la fuente de su dolor. Las lágrimas corren por las mejillas de María. El blanco de sus ojos está rojo, delatando el hecho de que ya ha llorado mucho. El cruce de brazos frente a su pecho expresa aún más sus sentimientos. Las manos de Cristo también están cruzadas. Las heridas en sus manos y la corona de espinas son resultado del trato cruel que sufrió antes de su muerte, pero no es eso lo que aquí se enfatiza. Cuando la vida abandona su cuerpo (sus labios son azules y sus ojos están cerrados), Cristo está casi sereno.
Al hacer zoom sobre madre e hijo, el pintor los acerca mucho al espectador. El resultado es una imagen que te hace, como creyente, llorar con María, por Cristo o quizás también por alguien más que conoces. Al mismo tiempo, la resurrección de Cristo después de la muerte da esperanza, lo cual es un pensamiento reconfortante.
“Cristo pensativo”, obra de un escultor copia anónimo, Hospital de san Juan de Brujas de Bélgica |
La siguiente de la obras de arte “Cristo pensativo”, obra de un escultor copia anónimo, está datada en 1550, realizado en piedra policromada. Tiene unas medidas: 164.5x71x50cm.
Cristo está sentado sobre una piedra y sólo lleva un taparrabos. Tiene las manos atadas y apoyadas en su regazo. Sus pies descansan sobre un manto frente a la piedra. Mantiene la cabeza vuelta y los ojos cerrados. Sobre su cabeza lleva una pesada corona de espinas, su cabello ondulado le cae hasta los hombros.
“Retrato de sor Elisabeth Roufflet en su lecho de muerte”, obra de un pinto anónimo, Hospital de san Juan de Brujas de Bélgica |
La siguiente de la obras de arte “Retrato de sor Elisabeth Roufflet en su lecho de muerte”, obra de un pinto anónimo, está datada en 1630, realizado en óleo sobre tabla. Tiene unas medidas: 63.5x78.7cm.
Retrato de la hermana Elisabeth Roufflet, superiora del Hospital St. John, tendida sobre un féretro funerario de madera. Se la representa con capucha, escapulario y corona profesional en la cabeza. Ella sostiene su carta de profesión entre sus manos juntas. A la derecha hay una mesa con un crucifijo, un cirio consagrado encendido y probablemente una pila de agua bendita. Inscripción en la parte superior con información sobre el fallecido. Pintura al óleo sobre tabla.
“Díptico Cristo cargando la cruz y retrato de un fraile menor”, obra del pintor Jan Provoost, Hospital de san Juan de Brujas de Bélgica |
La siguiente de la obras de arte “Díptico Cristo cargando la cruz y retrato de un fraile menor”, obra del pintor Jan Provoost, está datada en 1522, realizado en óleo sobre tabla. Tiene unas medidas: 49.8x40.
El mecenas franciscano del panel izquierdo mira al frente, con la mirada intensa, aunque desenfocada, típica de la visión visionaria de la pintura holandesa., por el contrario, mira decididamente el retrato del devoto, con los ojos inclinados hacia abajo, como si escudriñara el corazón del fraile. El hecho de que este díptico involucra fundamentalmente la visión interna –la visión “de corazón a corazón”– queda explícito en los dos corazones en miniatura representados a lo largo del borde superior del panel de donantes. Junto con una representación de un cordón franciscano en la parte superior del panel de Cristo, los corazones funcionan como pictografías, acompañando a las palabras pintadas en una inscripción que dice: “Los cordones franciscanos llevan [o atraen] la mayor cantidad de corazones” (Francisci chorda traxit ad se plurima corda). Haciendo un ingenioso juego de palabras con el latínchorda/corda, el cuadro implica una analogía entre el cordón anudado que recuerda los votos franciscanos y el cordón espiritual que une el corazón de Jesús al corazón del fraile. Esa cuerda emblemática es tan firme como el látigo que ata las manos de Cristo y tan inquebrantable como las intensas miradas de las dos figuras.
Reverso “Díptico Cristo cargando la cruz y retrato de un fraile menor”, obra del pintor Jan Provoost, Hospital de san Juan de Brujas de Bélgica |
En el reverso del díptico, Jan Provoost nos invita a considerar la fugacidad de la vida. El cráneo, colocado en un nicho, nos recuerda nuestra propia mortalidad. El acertijo en el marco refuerza aún más este mensaje. La “traducción” exacta de esta inscripción al francés medio no es del todo segura, pero lo que está claro es que este mensaje es un “memento mori”. Nos dice que la muerte puede ser difícil de contemplar, pero que también es bueno hacerlo: si piensas en tu mortalidad durante tu vida, ya puedes prepararte para tu destino en el más allá. A finales de la Edad Media y el Renacimiento, el acertijo (el juego con palabras e imágenes) se hizo cada vez más popular. Esto implica no sólo reemplazar una palabra escrita con una imagen, sino también jugar con similitudes en el sonido y asociaciones en el significado. También incorpora la interacción entre diferentes idiomas. Por lo tanto, debemos esforzarnos un poco más en comprender este mensaje, que debe haberlo convertido en un desafío intelectual ya en el siglo XVI.
“Relicario de Santa Úrsula”, obra del pintor Hans Memling, Hospital de san Juan de Brujas de Bélgica |
La siguiente de la obras de arte “Relicario de Santa Úrsula”, obra del pintor Hans Memling, está datada en 1482-1489, realizado en óleo, dorado, madera. Tiene unas medidas: 91.5x98x41.5 cm.
“Relicario de Santa Úrsula”, obra del pintor Hans Memling, |
Este conocido y muy raro relicario fue hecho especialmente para el Hospital St John y contenía reliquias de varios santos, incluida la de Santa Úrsula. La leyenda de Úrsula en el santuario es de 1489. Lleno de color, luz y oro, es un placer para la vista. El santuario es una combinación de arquitectura, escultura y pintura. Sólo en días festivos religiosos, como el onomástico de Úrsula el 21 de octubre, se sacaba el santuario o se lo llevaba en procesión.
El Santuario de Úrsula tiene la forma de una capilla gótica con techo a dos aguas. Los lados largos cuentan la leyenda de Santa Úrsula y las 11.000 Vírgenes en seis escenas pintadas. En los lados cortos se ve a la Virgen como patrona y a la Virgen con dos monjas en posición de oración. Los cuatro pequeños medallones del techo representan ángeles tocando música. Los dos medallones más grandes muestran la Coronación de María por la Trinidad y un grupo de vírgenes. En las esquinas hay estatuas de santos que pueden hacer referencia a los monjes que encargaron el santuario: santas Isabel e Inés y santos Juan Evangelista y Santiago. Lleno de color, luz y oro, el santuario es un placer para la vista. Es una combinación de arquitectura, escultura y pintura.
“Retrato de una mujer joven o Sibylla Sambetha”, obra del pintor Hans Memling, Hospital de san Juan de Brujas de Bélgica |
La siguiente de la obras de arte “Retrato de una mujer joven o Sibylla Sambetha”, obra del pintor Hans Memling, está datada en 1480, realizado en óleo sobre madera. Tiene unas medidas: 46.6x35.2 cm.
Una de las principales características de la pintura holandesa temprana es el realismo. Esto se debe en parte a que eran maestros de la expresión textural. Pero también tenían otro ingenioso truco para lograr este realismo: la ilusión óptica, también conocida como trompe l'oeil. El término proviene del francés y significa “engaña a la vista”. En el caso del Díptico de Maarten van Nieuwenhove, pero también de este Retrato de una mujer joven o de Sibylla Sambetha, Hans Memling lo consigue haciendo que la pintura del panel continúe sobre el marco. Al pintar a la modelo de esta manera, con las yemas de los dedos apoyadas en el marco, parece como si en realidad estuviera detrás del marco y que, si quisiera, pudiera alcanzarnos a través de él. El marco es otro ejemplo. Está hecho de madera, pero la pintura hace que parezca mármol valioso. De esta forma, Memling demuestra su talento para el engaño.
“Díptico de Maarten van Nieuwenhove”, obra del pintor Hans Memling, Hospital de san Juan de Brujas de Bélgica |
La siguiente de la obras de arte “Díptico de Maarten van Nieuwenhove”, obra del pintor Hans Memling, está datada en 1487, realizado en óleo sobre madera. Tiene unas medidas: 52x41,5 cm.
Este cuadro llama la atención es la túnica de terciopelo de Maarten van Nieuwenhove. No parece exactamente lo que probablemente pretendía Memling. La pintura se compone de varios elementos diferentes, incluidos los pigmentos. Los pigmentos son tintes que dan color a la pintura y pueden estar hechos de diversos materiales: tierra (ocres, sombras), piedras (lapislázuli, azurita), animales (cochinilla) y plantas (rubia). Los pigmentos también pueden crearse mediante procesos químicos (blanco de plomo, cardenillo). Los artistas tenían que saber mucho sobre las propiedades de estos pigmentos y cómo hacer pintura con ellos. Sin embargo, lo que no siempre pudieron prever fue la durabilidad de ciertos pigmentos, especialmente los orgánicos. De hecho, a lo largo de los siglos, algunas capas de pintura cambiaron de color o incluso desaparecieron. Como es el caso del díptico de Maarten van Nieuwenhove.
“Retrato de un miembro de la familia de Rojas”, obra del pintor Hans Memling, Hospital de san Juan de Brujas de Bélgica |
La siguiente de la obras de arte “Retrato de un miembro de la familia de Rojas”, obra del pintor Hans Memling, está datada en 1460-1470, realizado en óleo sobre madera. Tiene unas medidas: 105.5x50.5 cm.
Francisco de Rojas era descendiente de una noble familia española y embajador de España en la corte de Borgoña. Esta es una de las pocas representaciones que tenemos que evidencian la presencia española en Brujas, cuando era un centro comercial en la Edad Media.
“Tríptico con la Adoración de los Reyes Magos”, obra del pintor Hans Memling, Hospital de san Juan de Brujas de Bélgica |
La siguiente de la obras de arte “Tríptico con la Adoración de los Reyes Magos”, obra del pintor Hans Memling, está datada en 1479, realizado en óleo sobre madera. Tiene unas medidas: 56.7x33.7; 78x56.8; 56.7x33.7 cm.
Representación de la Adoración de los Magos en el panel central, el Nacimiento de Jesús en el panel izquierdo y la Presentación en el templo en el panel derecho. En los paneles exteriores están representados dos santos: San Juan Bautista con el cordero en el panel izquierdo y Santa Verónica con el paño con la imagen de Cristo en el panel derecho. Al final de la lista de ancho completo se encuentra la siguiente inscripción: DIT WERCK DEDE MAECKEN HERMANO IAN FLOREINS / ALIAS VANDER RIIST HERMANO PROFES DEL HOSPITAL DE SINT JANS EN BRUGGHE ANNO MCCCLXXIX /OPUS IIOHANIS MEMLING”.
Muchos marcos de cuadros eran reemplazados si estaban dañados o simplemente si ya no eran del gusto de la gente, a menos que tuvieran una inscripción u otra información importante, como es el caso aquí. Desde la década de 1960, ha habido un renovado interés entre los historiadores del arte por los marcos y pedestales, debido a la información que contienen. Además de las inscripciones, fechas, monogramas y pinturas, los marcos también son interesantes por su valor material y porque el diseño dice algo sobre la moda de la época. El borde interior dorado y el borde exterior pintado de este tríptico están totalmente de acuerdo con el gusto del siglo XV. La cornisa, a su vez, es un elemento singular. Aunque también data del siglo XV, no se sabe si fue parte integral de la etapa de diseño o se agregó poco después de su finalización. De cualquier manera, es un documento histórico importante.
“Tríptico con la lamentación de Cristo”, obra del pintor Hans Memling, Hospital de san Juan de Brujas de Bélgica |
La siguiente de la obras de arte “Tríptico con la lamentación de Cristo”, obra del pintor Hans Memling, está datada en 1480, realizado en óleo sobre madera. Tiene unas medidas: 54x23; 54x46; 54x23 cm.
La figura femenina en el exterior izquierdo del tríptico, se puede ver algo extraordinario: tiene barba. La santa es conocida por muchos nombres. En inglés se llama Wilgefortis, en holandés “Sint-Ontkommer”. Un nombre inusual para una santa. Según la leyenda, Santa Wilgefortis era una princesa piadosa cuyo padre, un rey pagano, quería casarla con otro rey pagano de Portugal. Debido a que había hecho voto de castidad, rezó a Dios para que la ayudara a salir del matrimonio (de ahí que en Inglaterra también se la conociera como Uncumber, es decir, sin obstáculos). Dios respondió dándole una barba. La historia tiene un final triste: su prometido ya no quería casarse con ella y su padre, enfurecido, la había crucificado.
“Los desposorios místicos”, obra del pintor Hans Memling, Hospital de san Juan de Brujas de Bélgica |
La siguiente de la obras de arte “Los desposorios místicos”, obra del pintor Hans Memling, está datada en 1479, realizado en óleo sobre madera. Tiene unas medidas: 172x79; 172x172; 172x79 cm.
La figura central es Santa Catalina, quien está arrodillada ante la Virgen María y el Niño Jesús. La Virgen sostiene la mano de Santa Catalina mientras el Niño Jesús le coloca un anillo en el dedo. A la izquierda de la pintura, se encuentra San Juan Bautista, quien sostiene una cruz y un cordero, mientras que a la derecha se encuentra San Donato, quien sostiene una espada y un libro.
El estilo artístico de Memling es evidente en la pintura. Su técnica de pintura al óleo es impresionante, y su habilidad para crear detalles realistas es asombrosa. Los colores utilizados en la pintura son ricos y vibrantes, lo que le da a la obra una sensación de vida y movimiento.
La historia detrás de la pintura es fascinante. Se cree que fue encargada por el gremio de los carpinteros de Brujas para su capilla en la iglesia de San Juan. La pintura fue robada en varias ocasiones a lo largo de los siglos, y en una ocasión fue cortada en pedazos para facilitar su transporte. Finalmente, la pintura fue restaurada y se encuentra actualmente en el Museo Memling de Brujas.
Farmacia del hospital de San Juan |
Hay varios aspectos poco conocidos sobre la pintura que la hacen aún más interesante. Por ejemplo, se cree que la figura de Santa Catalina fue modelada a partir de la esposa de Memling. Además, la pintura contiene varios símbolos religiosos y alegóricos que pueden ser interpretados de diferentes maneras.
Si uno se enfermaba en la Edad Media, había muchas menos opciones de curación que hoy. Sobre todo, había que rezar mucho y prepararse para el más allá. Desde el siglo XII, se podía acudir al Hospital St. John , el hospital más grande y antiguo de la ciudad. Imagínese amplias salas de hospital donde antes había hileras de camas. Viajeros, peregrinos, pobres y enfermos recibían aquí refugio, guía espiritual y cuidados. En la Edad Media, esto último se limitaba a menudo a la sangría o al uso de hierbas medicinales.
Se completa la visita al Museo del Hospital de San Juan entrando en la antigua farmacia del hospital y al jardín de hierbas. En su auténtico interior del siglo XVII, la farmacia te adentra en la historia de las boticarias hermanas.
La antigua farmacia del hospital de San Juan se encuentra en el antiguo monasterio situado junto al museo. Cuando falleció el último fraile, el ayuntamiento decidió habilitar allí una farmacia en 1643. Fue gestionada por monjas y permaneció en uso hasta 1971.
Farmacia del hospital de San Juan |
Las hermanas boticarias adquirían medicamentos a los farmacéuticos de Brujas, aunque también realizaban sus propias preparaciones. Cerca de allí había un jardín de hierbas de más de 3000 m². En la actualidad, los cuatro parterres situados en la plaza que hay ante la farmacia sirven para recordar este jardín de hierbas. La farmacia apenas ha sufrido cambios con el paso del tiempo, por lo que es un lugar único, con un interior auténtico del siglo XVII.
Nave de la Iglesia de Notre Dame de Brujas (Bélgica) |
A las 13;00 horas visitamos la iglesia de nuestra señora de Brujas (GPS N 51.204401 E3.224105 ), situada en la calle Mariastraat, 8000 Brugge. Horario: 9,30 a 17; 00 horas. Si bien la entrada a la iglesia es gratuita, para poder ver la Madonna y otras obras hay que pagar una entrada de 8 euros. Viendo su interior pero dejamos para mañana el museo para verlo con mayor detenimiento.
La Iglesia de Notre Dame en Brujas, Bélgica, es un impresionante edificio religioso que data del siglo XIII. Conocida por su arquitectura gótica y su rica historia, la iglesia es uno de los lugares más emblemáticos de la ciudad.
El exterior de la iglesia presenta una imponente fachada con una torre campanario que se eleva sobre el casco antiguo de Brujas. La entrada principal está decorada con esculturas y detalles arquitectónicos elaborados que reflejan la belleza y la majestuosidad del estilo gótico.
En el interior, la Iglesia de Notre Dame alberga una impresionante colección de obras de arte sacro, incluyendo retablos, esculturas, frescos y vidrieras. Destaca el retablo de la Virgen María en el altar mayor, así como la escultura de la Piedad y los frescos del techo que adornan el espacio sagrado.
Capilla Iglesia de Notre Dame de Brujas (Bélgica) |
Además de su valor artístico, la iglesia también tiene una importante relevancia histórica. Durante siglos ha sido un lugar de culto y peregrinación para los fieles católicos, y ha sido testigo de numerosos eventos significativos a lo largo de los años.
En resumen, la Iglesia de Notre Dame en Brujas es un tesoro arquitectónico y artístico que merece ser visitado por aquellos que deseen sumergirse en la historia y la belleza de esta encantadora ciudad belga.
En el altar mayor, delante de un sencillo retablo consistente en un tríptico compuesto por tres pinturas, descansan los sepulcros de Carlos el Temerario, duque de Borgoña y Brabante, y su hija, María de Borgoña. Pero estos sepulcros, al igual que la iglesia y su mobiliario, no comparten el mismo estilo artístico.
Curiosamente, el sepulcro de la hija es unos sesenta años más antiguo que el de su padre, a pesar de haber muerto sólo cinco años después que aquél. Mientras que Carlos el Temerario murió en la ciudad francesa de Nancy durante una batalla en 1477, su hija María lo haría a la temprana edad de veinticinco años mientras practicaba su deporte favorito en Brujas, caza con halcón a caballo, tras caer de él y ser aplastada por el animal.
Iglesia de Notre Dame de Brujas (Bélgica) |
Los restos de María de Borgoña fueron depositados en un sepulcro con una decoración propia de su época; se trata de un sepulcro gótico, con una talla recargada a la vez que refinada y delicada, poniendo el artista mucho esmero en el detalle. Sin embargo, su padre en un principio fue enterrado en Francia, donde falleció, pero más de medio siglo después sus restos fueron llevados junto a los de su hija, en Brujas, donde descansan hoy en día. Es en este momento cuando se decide enterrar a Carlos el Temerario en un sepulcro renacentista, ya el estilo predominante entonces. La talla de este sepulcro es mucho más sencilla, realista, sobria y austera, no sólo porque el estilo renacentista no fuese tan recargado como el gótico, sino también porque ya se apreciaba cierta decadencia en la ciudad de Brujas y de su economía. Curiosamente, estos sepulcros narran la historia de la ciudad, de una Brujas rica y próspera a una Brujas decadente que acabaría sólo unos siglos después casi en el olvido.
El curioso hecho de que el sepulcro de María de Borgoña sea más antiguo que el de su padre no es la lo único que caracteriza a esta tumba, sino que los restos de la duquesa de Borgoña no yacen solos: en el mismo sepulcro se encuentra el corazón de Felipe el Hermoso, su hijo, dentro de una caja de plomo con inscripciones en su honor.
Sepulcro Iglesia de Notre Dame de Brujas (Bélgica) |
Felipe nació en Brujas en 1478, heredando el título de duque de Borgoña de su madre a la edad de tan sólo cuatro años. Pasaría a ser Felipe I de Castilla tras casarse con la hija de los Reyes Católicos, también conocida como Juana la Loca, ya que su incapacidad para gobernar provocaría que su marido se hiciese cargo del Reino de Castilla. Se suele decir que en cierta medida su locura se debía a la constante ausencia de su marido, a la muerte prematura de éste y al encierro forzoso que sufrió por parte de su padre, Fernando de Aragón, y su hijo, Carlos I de España y V de Alemania.
Felipe el Hermoso murió en Burgos siendo muy joven, con sólo 28 años, de forma repentina. Según la historia, la muerte le llegó jugando a la pelota, cuando en un descanso bebió abundante agua fría, cayendo enfermo y muriendo poco después.
Si bien su cuerpo yace actualmente junto al de su esposa Juana en la Catedral de Granada, lo cierto es que su cuerpo fue despojado de su corazón, llevándolo a la ciudad que le vio nacer, Brujas, consiguiendo de esta manera que Juana la Loca no tuviese el corazón de su amado Felipe ni cuando él vivía ni después de morir.
Virgen con el Niño de Miguel Ángel en la Iglesia de Notre Dame de Brujas (Bélgica) |
La iglesia tiene una verdadera obra de arte universal “Virgen con el Niño” o “Madonna” del artista florentino y escultor Miguel Ángel Buonarroti. Es la única obra del artista que salió de Italia mientras éste aún vivía.
La característica principal de esta obra es que tanto la virgen María como el niño Jesús miran hacia el suelo. Esto originariamente no debió ser así, sino que cuando la escultura fue realizada en 1504 se concibió para ser expuesta a gran altura en la Catedral de Siena, por lo que no debería parecer que mirase al suelo, sino a los fieles. Sin embargo, la escultura fue llevada a Brujas por dos comerciantes flamencos, los hermanos Jan y Alexander Mouscron, diez años después de ser esculpida.
Esta obra sufrió a lo largo de la historia dos grandes robos, el primero por parte de Napoleón Bonaparte en 1794, y 150 años después también sería robada por las tropas nazis, en 1944. Afortunadamente, siempre acabó regresando a su sitio. Gracias a ello, hoy podemos disfrutar de ella en la Iglesia de Nuestra Señora de Brujas.
Monasterio beatario o Begijnhuisje de Brujas (Bélgica) |
No podemos dilatar mucho la comida porque estamos en Europa. Vamos a un restaurante y nos conformamos con una hamburguesa con patatas, precio 25 euros.
Después de comer marchamos hasta el Monasterio beatario o Begijnhuisje (GPS N51.201745 E3.2238699), situado Begijnhof 30, 8000 Brugge. Es uno de esos sitios que nos ofrece unos rincones más maravillosos con un patio de casas bajas de ladrillo encaladas en blanco y con un gran jardín plantado de lirios blancos y amarillos, en el centro la iglesia de las monjas.
Es la zona donde viven las hermanas de la Orden de San Benedito y mujeres solteras de Brujas. En este lugar se encuentra un pequeño museo en una de las casas, la Begijnhuisje, donde se explican la historia y tradiciones de las beguinas, acercándonos a su modo de vida. Un lugar donde parece que no ha pasado el tiempo, no son religiosas las mujeres dedicada a la oración y a la ayuda a los más necesitados.
Originalmente, en 1225, un grupo de mujeres jóvenes sin recursos, que habían fundado una piadosa asociación de beguinas, decidió instalarse cerca de un arroyo, en un lugar aislado llamado "La Vigne", un poco fuera de la ciudad, y para ganarse la vida allí trabajando la lana para los tejedores. Junto con sus hermanas de otras ciudades flamencas, las Beguinas de Brujas trastocaron el orden moral de la Iglesia, revolucionaron las mentalidades y cambiaron el paisaje de muchas ciudades de Flandes.
Entrada Monasterio beatario o Begijnhuisje de Brujas (Bélgica) |
La condesa de Flandes, Margarita de Constantinopla, los tomó bajo su protección en 1245: su intervención obtuvo del obispo de Tournai, Gauthier de Marvis , que el recinto se erigiera como parroquia independiente. Su autonomía se ve reforzada por un privilegio otorgado por el rey Philippe le Bel, en virtud del cual el beaterio era ahora responsabilidad exclusiva de la corte real. Además, la dimensión contemplativa fue reforzada por una nueva regla de vida. En 1275, tras la construcción de la nueva muralla de Brujas, se encontró el beaterio dentro del perímetro de la ciudad. En el siglo XV, se experimentó un período de prosperidad; el beaterio era rico y se extendía sobre un área varias veces mayor que la que ocupa hoy: es una verdadera ciudad dentro de la ciudad. Su iglesia estaba muy ocupada y la parroquia estaba atendida por un párroco asistido por cinco vicarios.
Los disturbios religiosos en el siglo XVI están en el origen del accidente fuego (ocurrida en 1584) de la antigua iglesia del siglo XIII. Fue reconstruido idénticamente (en gótico) en 1604, pero será reconstruido y ampliado alrededor de 1700. El Beguine experimentado un resurgimiento en el siglo XVII y XVIII. Sin embargo, su población cambió socialmente: si la orientación seguía siendo religiosa y contemplativa, las beguinas eran en adelante de origen aristocrático y su forma de vida era más parecida a la de las canonesas. El reclutamiento tendió a volverse socialmente selectivo, aunque se mantuvo una apertura hacia las “beguinas pobres”.
Jardín del Monasterio beatario o Begijnhuisje de Brujas (Bélgica) |
El Beaterio, al igual que otras instituciones religiosas, fue suprimido por la administración revolucionaria francesa de finales del siglo XVIII y en 1798, la propiedad fue ejercido por el “Comisión de asilos públicos Comisión”. En 1803, tras el Concordato de 1801, unas beguinas difícilmente podrían volver a estar juntos, pero el estilo de vida era apenas adecuado para la mentalidad moderna de los siglos XVIII y XIX. El beaterio, sin embargo, sobrevivió otro siglo, pero el declive parecía inevitable. El canónigo Rodolphe Hoornaert, último sacerdote de la Beguine, se esforzó por un lado para restaurar el patrimonio construido de la parroquia, pero luego, desesperado por resucitar el béguinisme, tomó, después de muchos contratiempos, la iniciativa a mediados de la década de 1920 de fundar una nueva comunidad religiosa, la “Hijas de la Iglesia”, que adoptó la regla de San Benito y se instaló en un convento de nueva construcción dentro del perímetro del beaterio, el “Monasterio Benedictino de la Viña”.
El jardín está lleno de altos olmos y en el centro el césped está lleno de lirios blancos y amarillos enmarcan el paisaje de casas encaladas y pese al ocasional gentío, siempre se respira un ambiente de retiro.
Retablo Monasterio beatario o Begijnhuisje de Brujas (Bélgica) |
La actual iglesia, bajo la advocación de Santa Isabel de Hungría, es una iglesia pseudo basílica de paso bastante simple, sin crucero, con nave de tres vasos, orientada, con un coro sin pasillos que termina en una cabecera plana, con un campanario a horcajadas. La iglesia ocupa el lado oriental del recinto central del beaterio, y el muro que encierra el presbiterio se eleva a orillas del río Reie.
La fachada occidental (la que da a la plaza central), construida entre 1604 y 1609, contiene un portal de entrada con arco rebajado, con jamba de puerta ornamentada, en madera, de la vendimia 1605; el portal se encierra en una hornacina rematada por un arco de estilo Tudor, en cuyo campo gris se ha realizado una hornacina de arco de medio punto que alberga una estatuilla que representa a Santa Isabel.
A la derecha altar lateral se encuentra una estatua de la Virgen de Spermalie (o Nuestra Señora de la Consolación), alto 108 cm, madera y policromada de yeso, que data del siglo XIII. Originario de la abadía de Spermalie en Sijsele, se ofreció al beaterio alrededor de 1840. La Virgen, sentada, sostiene al niño en posición vertical sobre sus rodillas. Románico en el estilo, la estatua es solemne, austera, pero majestuosa. Se llama la atención sobre el drapeado ondulado del vestido, presagio del estilo gótico. La estatua fue restaurada de manera bastante incómoda en 1903.
Virgen de Spermalie, Monasterio beatario o Begijnhuisje de Brujas (Bélgica) |
La iglesia, del siglo XIII, era gótica en su origen, pero se quemó casi por completo en el siglo XVI al caerse una vela. Los elementos barrocos del interior se añadieron durante la reconstrucción realizada en el siglo XVII.
Jardin con la iglesia de fondo, Monasterio beatario o Begijnhuisje de Brujas (Bélgica) |
Y por último visitamos la catedral Sint-Salvatorskathedraal o Catedral de San Salvador (GPS N51.2056299 E3.2190787), situada en la calle Steenstraat, 8000 Brugge. Horario: 10:00-13:00 y 14:00-17:30.
Entrada de la Catedral Sint-Salvatorskathedraal de Brujas (Bélgica) |
La construcción de la iglesia gótica comenzó hacia 1275. Comenzaron por el coro alto, inspirado en la catedral de Tournai. Después de un tercer incendio en 1358, la iglesia creció gradualmente hasta convertirse en una iglesia cruciforme basilical de tres naves con crucero, una torre de cuatro lados en el lado oeste y un coro.
En el último cuarto del siglo XVI, la iglesia sufrió mucho por la iconoclasia y gran parte del mobiliario de la iglesia resultó dañado. En el siglo XVII el interior recibió una decoración barroca bajo la influencia de la Contrarreforma.
Bajo el gobierno revolucionario francés, la iglesia de San Salvador fue vendida públicamente (1799) y comprada por los feligreses. Fue reabierto en 1801. Mientras tanto, se abolió la diócesis de Brujas y se demolió la antigua catedral de St. Donaas.
En 1834 se restableció la diócesis de Brujas y la iglesia de San Salvador fue elevada a catedral. Tras el grave incendio de 1839, se decidió levantar la torre medieval. La corona de la torre será neorrománica, diseñada por el arquitecto inglés Robert Dennis Chantrell y el arquitecto de Brujas Pieter Buyck. En enero de 1872 se completó con una aguja de cobre.
Retablo de la Catedral Sint-Salvatorskathedraal de Brujas (Bélgica) |
En la segunda mitad del siglo XIX, la Catedral de San Salvador recibió la influencia del estilo neogótico bajo la influencia del arquitecto Jean Bethune. La catedral fue completamente repintada y redecorada en este estilo. Esta pintura aún se puede contemplar parcialmente en el coro y la girola. Las numerosas vidrieras también datan casi todas de esta época.
El excepcionalmente rico patrimonio de arte religioso, obra tanto de Brujas como de otros artistas, de diferentes estilos y con influencias de toda Europa, ofrece una visión general del arte desde el románico hasta la actualidad.
Muchos tesoros artísticos llegaron a Sint-Salvators provenientes de iglesias y monasterios demolidos después del dominio francés: de los Frailes Menores, los Predicadores, los Carmelitas, los Agustinos, la Abadía de Eeckhoute y la Abadía de Sint-Trudo. Pero sobre todo de la antigua catedral de St. Donaas, ilustre antecesora de la actual catedral que sigue viva en St. Salvators.
La Catedral de San Salvador alberga pinturas, estatuas, platería, mausoleos, murales, una singular sillería del coro del gótico tardío, tapices del barroco tardío, vidrieras neogóticas... Las más vulnerables y preciosas de estas obras de arte se encontraban en el Tesoro.
“Monumento funerario de Juan II Carondelet”, obra del escultor Michiel Scherrier, Catedral de San Salvador de Brujas (Bélgica) |
La catedral es un gran museo, entras obras de arte podemos ver “Monumento funerario de Juan II Carondelet”, obra del escultor Michiel Scherrier, realizado en mármol y alabastro, esta datado 1549. Tiene unas dimensiones: 170 cm x 59 cm.
El obispo Carondelet está representado durmiendo sobre su lado izquierdo sobre un sarcófago de mármol negro. Su cabeza en inglete descansa sobre una almohada, parcialmente sostenida por la mano izquierda. En su mano derecha sostiene un libro cerrado en cuya encuadernación está representada la decapitación de Juan. Su casulla está ricamente decorada con hojas de acanto y la columna representa a Dios Padre, Juan Evangelista, Pedro y Santiago en una decoración renacentista de arcos, pilastras y cornisas. La cruz está decorada con arabescos.
El monumento funerario de Carondelet estaba originalmente mucho más lujosamente equipado y estaba ubicado en el coro de la catedral de San Donaas. Con la demolición de esta iglesia, el monumento fue trasladado parcialmente a Sint-Salvators.
“Calvario con Santa catalina y Santa Bárbara”, obra de un pintor anónimo, Catedral de San Salvador de Brujas (Bélgica) |
La siguiente obra de arte que podemos ver “Calvario con Santa catalina y Santa Bárbara”, obra de un pintor anónimo, realizado en óleo sobre madera, esta datado 1415-1425. Tiene unas dimensiones: 70 cm x 141 cm.
El Cristo crucificado está representado en el centro de un entorno árido y rocoso. A la izquierda, Juan sostiene a María y detrás de ellos dos santas mujeres más. El grupo de la derecha está formado por un sumo sacerdote, un centurión, un soldado y una persona no identificada. Tres ángeles azules recogen la sangre de Cristo en cálices.
El fondo está formado por preciosas láminas de oro, típicas de la pintura de alrededor del 1400, decoradas con relieves. El escenario lo cierra a ambos lados un pequeño edificio con los santos más populares de los siglos XIV y XV. Santa Catalina a la izquierda y Santa Bárbara a la derecha. El conjunto está contenido en un marco de madera con una tapa con estrellas doradas sobre fondo azul en el interior.
Esta obra se sitúa en un momento crucial de la pintura flamenca. Hay otra influencia del arte en miniatura y de la pintura francesa e italiana predominante. Por otro lado, las semillas de los últimos primitivos flamencos ya son visibles en el realismo de, entre otras cosas, la vestimenta contemporánea de los soldados y los santos.
“Triptico Última Cena”, obra de un pintor Pieter Pourbus, Catedral de San Salvador de Brujas (Bélgica) |
La siguiente obra de arte que podemos ver “Triptico Última Cena”, obra del pintor Pieter Pourbus (1524-1584), realizado en óleo sobre madera, esta datado 1559. Tiene unas dimensiones: 184 cm x 149,5 cm.
En el panel central Cristo bendice el pan en presencia de los doce apóstoles. En la parte delantera izquierda, de espaldas al espectador, reconocemos a Judas con una bolsa con dinero en la mano. La Última Cena tiene lugar en un interior renacentista con cuatro columnas jónicas y una ventana abierta con vistas a una ciudad al fondo.
En los paneles laterales se encuentran ejemplos de la Eucaristía del Antiguo Testamento. En el panel izquierdo el encuentro de Abraham y Melquisedec. Abraham, vestido con ropas antiguas, se acerca a Melquisedec, que sostiene pan y vino. Se dice que el hombre del turbante detrás de Melquisedec es el autorretrato de Pieter Pourbus.
En el panel derecho vemos a Elías bajo el enebro. Elías es alimentado milagrosamente por un ángel con la ciudad de Bersabe en Judá al fondo.
Las contraventanas cerradas representan la Misa de San Gregorio. Ambos paneles forman un espacio continuo con el Milagro de San Gregorio a la izquierda en el que Cristo se aparece a Gregorio durante la consagración. El panel de la izquierda muestra a los miembros arrodillados de la cofradía del Santísimo Sacramento que, por así decirlo, participan del misterio. Se trata de retratos reales de los miembros, un género en el que Pieter Pourbus era especialista.
“Tortura de San Hipólito”, obra del pintor Dirk Bouts, Catedral de San Salvador de Brujas (Bélgica) |
La siguiente obra de arte que podemos ver “Tortura de San Hipólito”, obra del pintor Dirk Bouts (1410-1475), realizado en óleo sobre madera, esta datado 1470-1474. Tiene unas dimensiones: 39.5x90; 90x90; 39,5x90 cm.
En el panel central, el oficial romano Hipólito está acuartelado en un terreno desnudo y salobre debido a su fe. Es destacable cómo Bouts intenta crear profundidad en la obra utilizando una peculiar composición circular. Bouts estaba fascinado por el efecto de la perspectiva y buscaba constantemente cómo podría aplicarse en la pintura.
En el panel derecho, el emperador Decio, ataviado con un rico brocado y con un bastón, observa la ejecución junto con su séquito. Los mecenas están representados juntos en el panel izquierdo: Hippolyte de Berthoz (+1502), dignatario de la corte de Borgoña y su esposa Elisabeth Hugheins.
El hecho de que estén representados juntos en el mismo panel y, por tanto, conectados con la escena de la tortura, es una novedad en la pintura. La conexión entre los paneles laterales y el evento central se ve reforzada aún más por el paisaje montañoso que atraviesa los tres paneles.
En este tríptico trabajaron sucesivamente dos de los artistas más importantes del siglo XV. Dirk Bouts, pintor de la ciudad de Lovaina, pintó el panel central y el panel derecho. Probablemente la obra no estuvo terminada a su muerte en 1475, después de lo cual Hugo van der Goes completó el ala izquierda y las grisallas (H. Hippolytus y H. Elisabeth) en el exterior de las contraventanas.
“Retablo de la Pasión”, obra de un escultor anónimo, Catedral de San Salvador de Brujas (Bélgica) |
La siguiente obra de arte que podemos ver “Retablo de la Pasión”, obra de un escultor anónimo, realizado en madera policromada y dorada, esta datado 1480. Tiene unas dimensiones: 190x 261 cm.
El Retablo de la Pasión consta de cinco fragmentos de retablo del gótico tardío. Como es habitual, la sección central, más elaborada, se centra en la Crucifixión. Vemos un calvario representado tradicionalmente con la cruz de Cristo entre las de los dos asesinos.
Al pie de las cruces se encuentran los soldados, casi todos a caballo, María, Juan apoyando a María y las tres Santas Mujeres. Los dos recuadros de la izquierda muestran la Flagelación y el Transporte de la Cruz con la Verónica. Los cuadros de la derecha contienen el Descendimiento de la Cruz y el Entierro.
El mueble neogótico y los paneles laterales (1894) fueron realizados por Louis Beyaert y representan ángeles con instrumentos de la Pasión junto a escenas de la Pasión: a la izquierda, Cristo ante Pilato y a la derecha, el cargamiento de la cruz.
“Carga de la Cruz, Calvario y Lamentación de Cristo”, obra del pintor llamado Maestro de las escenas de la Pasión de Brujas, Catedral de San Salvador de Brujas (Bélgica) |
La siguiente obra de arte que podemos ver “Carga de la Cruz, Calvario y Lamentación de Cristo”, obra del pintor llamado Maestro de las escenas de la Pasión de Brujas, realizado en óleo sobre madera, esta datado 1515. Tiene unas dimensiones: 143 x 224,5 cm.
En el mismo panel están representados el acarreo de la cruz, la muerte en la cruz y la lamentación. A la izquierda el Cargamento de la Cruz. Cristo, cargando la cruz con la ayuda de Simón de Cirene, se encuentra con Verónica. Los soldados le instan a continuar. En el extremo izquierdo vemos a María, sostenida por Juan. Detrás de ellos, los judíos salen a caballo por las puertas de la ciudad.
En el centro se representa la Crucifixión con Cristo entre los dos asesinos. A la izquierda de la cruz están Juan sosteniendo a María y a las dos santas mujeres. A la derecha el centurión y otras tres personas. El lado derecho del panel muestra la Lamentación con Juan sosteniendo el cadáver de Cristo y las tres Marías (María, María-Salomé y María-Cleofas) llorando a Cristo. Las tres escenas transcurren en un vasto paisaje verde y azul bajo un cielo nublado.
Esta pintura es la obra básica del "Maestro de las escenas de la Pasión de Brujas", anónimo del siglo XVI. Este maestro utilizó numerosos motivos de otros primitivos flamencos y talladores de madera alemanes. En El Transporte de la Cruz hay referencias a Hans Memling y Alberto Durero. El Calvario recibió la influencia del Maestro de Flémalle.
“Corona de bastón”, obra de un orfebre anónimo, Catedral de San Salvador de Brujas (Bélgica) |
La siguiente obra de arte que podemos ver “Corona de bastón”, obra de un orfebre anónimo, realizado en cobre dorado y esmalte azul, esta datado en el siglo XIII. Tiene unas dimensiones: 30 cm.
Un obispo porta el bastón como signo de dignidad y de su cuidado pastoral. El cayado originalmente tenía una curva simple en la parte superior como el bastón de un pastor. Alrededor del siglo XI, esta curvatura evolucionó hasta convertirse en una corona ricamente decorada en forma de volutas.
Aquí sólo se conserva la coronación del siglo XIII. El rollo representa un episodio de la leyenda de Santa Valeria que, después de su decapitación, ofreció su cabeza a San Marcial, quien celebró misa en la catedral de Limoges, ciudad donde se había convertido en obispo. Detrás de San Marcial hay un altar con un cáliz encima.
El rollo está bellamente decorado con figuras de animales, cuentas de esmalte, botones dorados y motivos vegetales. El eje y el rizo están cubiertos por una red esmaltada en forma de rombo.
“Relicario de san Eloi”, obra del orfebre Jan Crabbe, Catedral de San Salvador de Brujas (Bélgica) |
La siguiente obra de arte que podemos ver “Relicario de san Eloi”, obra del orfebre Jan Crabbe (1570-1651), realizado en plata, esta datado en 1610-1611. Tiene unas dimensiones: 66x121.5x43 cm.
En el centro de la cima del relicario de plata se encuentra el globo terráqueo con una cruz, símbolo del Salvator Mundi. A izquierda y derecha encontramos a los cuatro evangelistas junto con María y San Eloi. Al pie del tejado, sobre un friso calado, a un lado están los cuatro doctores occidentales de la iglesia (Ambrosio, Jerónimo, Agustín y Gregorio Magno); del otro lado los cuatro orientales (Basil, Juan Crisóstomo, Gregorio Nacianceno y Gregorio de Nisa).
En las esquinas vemos ángeles tocando trompetas y en el medio ángeles presentando coronas a los santos. Los lados del relicario cubren seis arcos en los lados largos, con un apóstol en cada arco con su nombre y atributo. Los lados cortos muestran la bendición de Cristo y San Eloi.
“Virgen entronizada con San Lucas y San Eloi”, obra del pintor Lanceloot Blondeel, Catedral de San Salvador de Brujas (Bélgica) |
La siguiente obra de arte que podemos ver “Virgen entronizada con San Lucas y San Eloi”, obra del pintor Lanceloot Blondeel 1498-1561), realizado en óleo en madera, esta datado en 1545. Tiene unas dimensiones: 138x98 cm.
Aquí vemos una Sacra Conversatio o Santa Conversación entre María, San Lucas y San Eloi. María está sentada con el Niño en un trono, ante una hornacina semicircular. Junto al trono se encuentran dos figuras monumentales de santos. A la izquierda, San Lucas con un libro en una mano y una tabla que representa a María en la otra. Detrás de él, un putto sostiene un medallón que contiene un buey, atributo de este santo.
A la derecha, San Eloi está representado con vestimenta episcopal, con su bastón en una mano y un martillo y una silla de montar en la otra. San Lucas y San Eloi son los patrones del oficio de pintores y guarnicioneros.
“Relicario del Beato Carlos el Bueno”, obra de un orfebre Jean-Baptiste Bethune, Catedral de San Salvador de Brujas (Bélgica) |
La siguiente obra de arte que podemos ver “Relicario del Beato Carlos el Bueno”, obra de un orfebre Jean-Baptiste Bethune (1821-1894), realizado en cobre, esmalte, piedras preciosas, esta datado en 1883-1885. Tiene unas dimensiones: 148 cm x 125 cm x 64,5 cm.
El relicario de cobre, de estilo neorrománico, tiene forma de ataúd y está cubierto con un tejado a dos aguas. En los lados largos hay tres nichos con estatuas sedentes del Margrave Leopoldo III de Babenberg, Carlomagno, Canuto IV (rey de Dinamarca y padre de Carlos el Bueno), Duque Canuto (primo de Carlos el Bueno), Papa Urbano II y Ladislao I. (rey de Hungría).
Los lados cortos tienen una hornacina con Cristo flanqueado por un lado por Norberto e Idesbald (abad de Ter Duinen) y por el otro lado Carlos el Bueno entre Jan van Waasten (obispo de Terwaan) y Gervinus (abad de Oudenburg).
En los bordes inferiores vemos los escudos de ciudades, papas, obispos y otras personas que contribuyeron económicamente a la construcción de este santuario. Sobre las volutas dobles del tejado se encuentra el escudo de Flandes coronado por una corona donada por María-Hendrika, reina de Bélgica. El santuario contiene 1588 piedras preciosas y semipreciosas y perlas.
“Estatuas de María y el ángel Gabriel”, obra de un orfebre anónimo, Catedral de San Salvador de Brujas (Bélgica) |
La siguiente obra de arte que podemos ver “Estatuas de María y el ángel Gabriel”, obra de un orfebre anónimo, realizado en bronce, esmalte (ángel), esta datado en el siglo XII. Tiene unas dimensiones: 13.8 cm.
Las dos pequeñas estatuas de bronce dorado representan la Anunciación. Las alas del ángel están decoradas con esmalte verde, amarillo y azul. Los rostros rígidos, la postura estática y los pliegues sencillos revelan el estilo románico.
Por lo tanto, las estatuas son muy antiguas y formaban parte del tesoro de la iglesia de St. Donaas, que incluía más piezas de orfebrería románica esmaltadas. Esta iglesia fue sede de la cancillería de los condes de Flandes. No es improbable que estas dos estatuas formaran parte de una colección más amplia de arte orfebre donada por el conde Diedérico de Alsacia (1128-1168) tras su dimisión, o fueran una donación de su sucesor Felipe de Alsacia (1168-1191).
A la salida de la catedral el frio aprieta, la sensación térmica es poco más de los tres grados, momento para degustar los famosos waflers con chocolate y un capuchino para entrar en calor.
Solamente nos queda regresar andando hasta el parking de autocaravanas mientras la luna se adueña del horizonte.
Día 25 de marzo (lunes)
Ruta: Brujas-Gante
Torre del Agua de Brujas (Bélgica) |
Día 5 del viaje a Waterloo. El día comienza en el área de autocaravanas de Brujas, la noche ha sido tranquila.
A las 9,00 salimos andando para visitar los Molinos de Brujas. Recordar que hoy es lunes y no abren los museos de la ciudad por lo que tenemos para visitar los edificios religiosos.
Los molinos de Kruisvest están en la zona norte, desafían sobre unos promontorios la mejor panorámica de la ciudad.
Lo primero que vemos es la Torre del Agua de aspecto medieval Watertower Gentpoortvest (GPS N51.2012809 E3.2324325), situada Gentpoortvest, 8000 Brugge, Bélgica.
La torre de agua de estilo medieval en realidad consta de un esqueleto interno de hormigón rematado con revestimiento. La superestructura se eleva a media altura sobre un friso en arco apuntado y está flanqueada por una torre arqueada que recuerda a la torre de los Poertoren en Begijnenvest. La torre del tipo C2 data del año 1925. Está situada en el paseo peatonal del siglo XIX, construido en el lugar de las fortificaciones de la ciudad según un diseño del arquitecto paisajista de Lovaina.
Gentpoort de Brujas (Bélgica) |
Paseando por el río podemos ver una de las puertas de acceso a la ciudad Gentpoort (GPS N51.203081 E3.234481), situada en Boninvest 113, 8000 Brugge, Bélgica.
Una de las 4 puertas de la Brujas medieval, su aspecto robusto atestigua su función defensiva. En el exterior, 2 torres cilíndricas románicas con aspilleras y pesadas puertas enmarcan un pequeño pasadizo. En el interior: 2 campanarios puntiagudos, una fachada plana adornada con una escultura que representa a San Adrián, protector de la ciudad contra la peste.
Gentpoort ofrece desde lo alto tenía una hermosa vista, entre otras cosas, del Barrio de la Magdalena. Esta puerta sureste forma parte de la segunda muralla de la ciudad de Brujas del año 1297.
La puerta actual fue construida junto con la puerta de la cruz y la (desaparecida) Puerta de Catalina por Jan van Oudenaerde alrededor del año 1400.
De 2011 a 2019, la puerta de entrada albergó un museo que ilustraba la función de una puerta medieval de la ciudad.
Por esta puerta los alemanes abandonaron Brujas y sus alrededores el 12 de septiembre de 1944. Hay mucha historia adjunta a esto.
Kruispoort gate de Brujas (Bélgica) |
Antes de llegar vemos una de las puertas más atractivas de entrada a Brujas Kruispoort gate (GPS N51.212553 E3.239941), Langestraat 191, 8000 Brugge, Bélgica.
Kruispoort o "Puerta de la Cruz" es la mejor conservada de las puertas medievales de Brujas. Fue erigido alrededor de 1297, cuando se construyó una segunda muralla alrededor de la ciudad. En un principio, había ocho puertas que servían de entrada a la ciudad de las que hoy sólo se conservan cuatro. El Kruispoort actual no es el original, sino una estructura construida en 1402. En la década de 1780, las murallas de la ciudad fueron demolidas cuando Brujas comenzó a expandirse. Cuatro de las puertas se dejaron intactas para dar a los visitantes una idea de lo fuertemente fortificada que estaba Brujas en la Edad Media.
Kruispoort consta de dos torres altas conectadas por un pasaje elevado. El pasaje y las torres tienen ventanas a través de las cuales se disparaban balas contra el enemigo. Inicialmente había dos puentes y una puerta de entrada que han desaparecido con el tiempo. Un puente levadizo y dos grandes puertas se cerraron rápidamente tan pronto como los guardias vieron acercarse al enemigo. El interior se conserva en su estado original y los visitantes pueden ver los asientos de los guardias en cada piso. El emperador Carlos V, Napoleón y el ejército alemán entraron en Brujas a través de Kruispoort.
Kruispoort gate de Brujas (Bélgica) |
El primer molino que vemos Bonne-Chière (GPS N51.2142664 E3.23696), Kruisvest 5, 8000 Brugge, Bélgica.
En la actualidad hay cuatro molinos en la ciudad de Brujas y, aunque el más reseñable es Sint-Janshuismolen, conviene destacar también este, que fue construido en 1844. En el año 1906 se reconstruyó y por su característico color blanco es uno de los puntos que debéis visitar en el Park Kruisvest.
El Bonne-Chieremolen es un molino de maíz y aceite situado en las afueras del centro de la ciudad de Brujas. El molino actual fue construido en 1844 en Flandes Oriental. En 1876 el molino fue vendido a un molinero de Brujas. Este molino sirvió como sustituto de un molino anterior en Brujas que se derrumbó en 1903 durante una fuerte tormenta. Parte del molino acabó en el canal. En 1911 ese molino fue sustituido por el molino de Bélgica. En 1997, el molino fue restaurado a gran escala, de modo que el antiguo molino volvió a estar operativo. Hoy en día, el molino Bonne-Chière sigue en pie en el mismo lugar, pero no es posible visitarlo. Así que tendrás que conformarte con ver el exterior del molino. Este molino es el primer molino que se ve en Kruisvest cuando se mira desde Kruispoort.
Sint-Janshuismolen de Brujas (Bélgica) |
Por fin llegamos al molino de san Juan o Sint-Janshuismolen (GPS N51.2149644 E3.2372626), situado en Kruisvest 3, 8000 Brugge, Bélgica.
Los molinos de viento aparecieron en las murallas desde el siglo XIII en adelante, cuando se crearon las murallas exteriores de la ciudad. El Sint-Janshuismolen data de 1770 y aún se encuentra en su ubicación original. Los molinos tenían una importante función económica hasta bien entrado el siglo XIX. Hasta el día de hoy, determinan la cara de la muralla oriental de la ciudad.
El molino fue reconstruido alrededor de 1550, pero fue derribado alrededor de 1744. Pieter Van Nieuwenhuyse era propietario de la mitad del molino Sint-Janshuis, pero murió el 6 de mayo de 1709. El molino actual no se construyó hasta 1770. El año de construcción está grabado en la barra de hierro. El molino fue comprado por Pieter Descamp , decano del sector panadero, en nombre de otros 26 maestros panaderos libres. De ahí el nombre que a veces se utilizaba Bakkersmolen . Sobre la entrada estaba grabado el nombre "Sint Aubertus". San Aubertus era el patrón del arte panadero de Brujas.
Gazellehuis de Brujas (Bélgica) |
Después de un largo período de tiempo, el molino pasó a manos de la familia Gevaert. El 3 de abril de 1914, la ciudad de Brujas compró los molinos por 5.000 francos. Frans Gevaert fue el último molinero libre de Brujas. Inicialmente, la ciudad de Brujas tenía previsto derribar los molinos. Posteriormente se reconoció el valor de los últimos molinos de las fortalezas de Brujas. El molino fue restaurado, pero no fue hasta 1964 que volvió a funcionar. Maurice Vienne estaba dispuesto a dirigir las fábricas los fines de semana. Esto resultó en más y más visitas a las fábricas. Su sucesor fue Jozef de Waele (1967-1993).
Desde aquí giramos en dirección al centro y vemos las puertas del Gazellehuis (GPS N51.2148375 E3.2374547), situado Rolweg 64, 8000 Brugge, Bélgica. Es el museo que muestra la obra del poeta Guido Gezelle, promotor de la lengua flamenca y neerlandesa. Lamentablemente hoy es lunes y está cerrado.
Desde el jardín podemos ver la escultura de Jan Fabre “el hombre que da una luz”. La creación en bronce de Jan Fabre brilla literalmente con su pátina dorada. La fornida figura, descalza, se resguarda con el cuello vuelto del viento que se levanta. Tiene preparado el mechero, del que sale una llama. Sobre un pedestal de mármol aparte, situado a su lado, hay un par de zapatos con los cordones desatados.
Exterior de la Finca de la familia Adornes de Brujas (Bélgica) |
Y sin quererlo topamos con un pináculo con forma de cebolla. Vemos que corresponde con la capilla de Jerusalén corresponde con lo que se llama Adornes Domain (GPS N51.2123586 E3.2337389), situado en Peperstraat 3, 8000 Brugge. No viene en las guías de viajes, los turistas son cero.
Es un museo que consiste en parte de la finca de la familia Adornes. Lo más valioso es la capilla dedicada al santo sepulcro, que contiene las tumbas de toda la familia Adornes, una réplica del santo sepulcro y reliquias traídas desde Jerusalén en el siglo XV. Es interesante ya que además la villa en sí mantiene la estructura medieval. La entrada general cuesta 7€.
La familia Adornes es una familia de mercaderes y banqueros que procede de Génova, Italia. Y constituye una parte de la influyente familia genovesa emigra a Flandes en el siglo XIII.
El patriarca de los Adornes flamencos es Opicius. Siguiendo las huellas del entonces conde Gwijde van Dampierre llega a Flandes en la segunda mitad del siglo trece. Alrededor del año 1300 la familia se establece en Brujas. Gracias a sus excelentes contactos con la familia condal logran ascender rápidamente en los círculos sociales.
Interior de la Finca de la familia Adornes de Brujas (Bélgica) |
En esos tiempos Brujas es un centro comercial europeo de gran importancia. Los mercaderes que vienen a Brujas llegan de todas partes de Europa. La ciudad es conocida por sus paños de calidad superior.
En el siglo XIV los Adornes se han integrado completamente a los círculos sociales más altos de Brujas. Ocupan puestos claves en la vida de la ciudad, en el comercio y en la política.
Anseim Adornes (1424-1483), el descendiente más importante y más internacional de la familia, vive en Brujas durante la época dorada de la ciudad. Es consejero y confidente del duque de Borgoña, Carlos el Temerario.
En 1443 Anselm Adornes se casa en la iglesia de Sint Jan con Margaretha van der Banck, hija de un patricio brujense tres años menor que él. La pareja tiene dieciséis hijos.
La construcción de la capilla de Jerusalén empezó probablemente a partir de 1427. En su niñez Anselm Adornes colocó la primera piedra de la capilla de Jerusalén. La capilla es consagrada por el obispo de Doornik en el Domingo de Ramos de 1429.
Fábrica en la Finca de la familia Adornes de Brujas (Bélgica) |
Anselm vive en el barrio escocés de Verversdijk. En 1468 el concejo municipal de Brujas le envía a Escocia para poner fin al boicot escocés contra Flandes. La misión diplomática da frutos y poco después los escoceses que se dedican, entre otros, a la importación de lana, se establecen nuevamente en Brujas. Gracias a sus buenos contactos con la Corte escocesa de Jacobo III su prestigio crece de manera significativa.
En 1475 Anselm se convierte en alcalde de Brujas. Cuando Carlos el Temerario muere durante la batalla de Nancy en 1477, los Adornes pierden temporalmente su influencia en Brujas y Anselm cae en desgracia. Los ciudadanos de Brujas le reprochan su simpatía con los gobernantes borgoñones. No es hasta el 1521 que reaparece el nombre Adornes en el concejo municipal de Brujas.
Después de la muerte de Carlos el Temerario, Anselm se muda a la Corte del rey escocés Jacobo III, con quien tiene una relación confidencial desde hace algún tiempo pero al final las enemistades escocesas le resultarán fatales. Anselm será asesinado en 1483 en un monasterio cerca de North Berwick por opositores de Jacobo III.
Interior de la Finca de la familia Adornes de Brujas (Bélgica) |
A finales del siglo XV Brujas conoce una rápida decadencia, La ciudad pierde la estabilidad política debido a los desórdenes sociales continuos que se suceden tras la muerte de María de Borgoña. La industria tradicional de paños pierde interés y se enarena el Zwin, que es la puerta de acceso a la ciudad. Además la ciudad de Amberes, más dinámica, le gana cada vez más terreno a Brujas. Así muchos mercaderes extranjeros deciden darle la espalda a Brujas definitivamente.
Los genoveses, entre los cuales figura la familia Adornes, desempeñan un papel importante durante varios siglos en el comercio del alumbre. La preciosa materia prima resulta indispensable para la industria del vidrio, el curtido de pieles y el tratamiento previo del textil. El mineral se utiliza para conseguir una mayor adherencia de las tinturas a la lana y para hacer los colores más resistentes a la luz y al agua.
El alumbre no sólo se conoce en la Edad Media por la producción de paños o como desodorante natural, sino que también es más conocido como un producto de higiene personal. En el pasado los hombres lo utilizaban para cerrar las heridas después de afeitarse.
El mineral, que se puede comparar con una especie de piedra de sal, se extrae fundamentalmente de las minas- ubicadas en Asia Menor (la actual Turquía). Con el impuesto que cobran los turcos otomanos por la extracción del alumbre, financian su expansión en el mundo cristiano. Así los turcos conquistan Constantinopla en 1453.
Capilla de la Finca de la familia Adornes de Brujas (Bélgica) |
En la segunda mitad del siglo XV los papeles se invierten y se encuentra alumbre de alta calidad en Tolfa, Italia. Rápidamente la Iglesia obtiene el monopolio sobre el comercio del alumbre en Europa. Con sus ganancias, la Santa Sede financia las guerras contra los turcos. Para la venta del alumbre, la Iglesia utilizará la red comercial de la poderosa familia florentina de los Medici, la que así amplía su fortuna aún más.
El Oso Blanco es una exclusiva sociedad brujense, que organiza entre otras actividades, justas caballerescas amistosas en los siglos XIV y XV. Hombres de familias brujenses importantes, como los Adornes, van der Buerse, van Gruuthuse y Breydel, eran miembros de esta sociedad caballeresca.
Los caballeros, separados por una valla, se enfrentan entre sí a galope tendido. Deben desmontar al adversario o romper su lanza contra su armadura. Las lanzas utilizadas son embotadas para no herirse mutuamente.
Aunque rara vez hubiera heridos, las justas podían ser a veces muy violentas. Así en una ocasión el impetuoso Anselm Adornes golpea con su lanza a su adversario en el casco resquebrajándose este por el medio. Su contrincante se lleva un buen susto, pero sin "poner su persona en peligro extremo" (Nicolaas Despars, 1522-1597).
Museo de la Finca de la familia Adornes de Brujas (Bélgica) |
Anselm Adornes es un adversario temible. Participa en justas en Lille y Bruselas midiéndose, entre otros, con el temido Jacques de Lalaing, miembro de la legendaria Orden del Toisón de Oro. En 1444, a sus veinte años, Anselm gana el gran torneo del Oso Blanco. En 1468 Anselm organiza un gran torneo en Brujas con motivo del casamiento del duque Carlos el Temerario y Margareta de York.
El Oso Blanco se reúne en la Poortersloge, es decir la sede del club de la sociedad. Hoy en día aún se puede ver su emblema en la fachada del edificio ubicado en la plaza Jan van
En uno de sus viajes visita Jerusalén y queda maravillado con la iglesia de Cristo. Decide hacer una copia en Brujas que sirva de enterramiento para él y su mujer. Consigue dos importantes reliquias relacionadas con Cristo, hace dos relicarios muy codiciados entre reyes.
En 1470 Anselm Adornes comienza con su hijo Jan su dificultoso viaje a Jerusalén. Jan interrumpe por ello sus estudios en la Universidad de Pavía. Empieza su expedición aquí, en la capilla de Jerusalén en Brujas, donde se confiesa y participa de la comunión. Un poco antes de su salida hace su testamento. El viaje, que en aquel momento por cierto, no carecía de pocos riesgos, dura unos catorce meses.
Retablo de la capilla de Jerusalen, familia Adornes de Brujas (Bélgica) |
Como buen aventurero Anselm no es un peregrino clásico que sigue los caminos habituales. Por temor a la enfermedad y a la fiebre que abunda en los buques abarrotados de pasajeros evita las grandes “galeras de peregrinación” venecianas que transportan a los peregrinos en cinco semanas desde Venecia hasta Tierra Santa vía Jaffa (ahora integrada a Tel Aviv). Anselm prefiere por el contrario embarcarse en una galera genovesa con rumbo a Túnez.
Antes de su partida Anselm viaja a la Santa Sede en Roma. Durante una audiencia con el papa Paulus II recibe la autorización obligatoria para hacer el viaje y una indulgencia para toda su familia.
Su destino final es la iglesia del Santo Sepulcro en Jerusalén. En su camino de regreso visitan también Líbano, Siria, Chipre, Rodos y Brindisi. Su hijo Jan escribe un minucioso diario en latín de todo el viaje del cual se han conservado dos copias manuscritos.
Anselm no viaja meramente por devoción. A lo largo de su vida viaja por toda Europa también como comerciante de paños y alumbre y como diplomático. En tal calidad actúa varias veces como confidente y representante del duque borgoñón Carlos el Temerario y del rey escocés Jacobo III. Este último le designa caballero por sus méritos y le admite en la prestigiosa Orden del Unicornio.
Virgen con el niño en la capilla de Jerusalen, familia Adornes de Brujas |
Sus misiones diplomáticas le llevan a muchos países, entre otros, Escocia y Polonia. Tiene contactos con importantes líderes, como Casimiro IV de Polonia y Fernando I de Nápoles. Sin lugar a dudas en el siglo XV la familia Adornes es una de las familias más cosmopolitas e internacionales de Brujas.
La familia tiene un interés especial por el arte. Diseña una capilla con vidrieras e imágenes religiosas, una biblioteca con manuscritos ilustrados y cuadros de grandes maestros. El hombre de negocios Anselm Adornes se rodea de preciosas obras de arte. La vida cultural en Brujas florece. Es la ciudad elegida por artistas y artesanos de talento para instalar sus talleres. Y estos creadores no solo tienen éxito aquí, sino que sus obras se venden más allá de las fronteras.
Al igual que sus padres, Anselm era un importante mecenas y encargó obras de maestros como Hugo van der Goes y Petrus Christus, pintores que hoy en día se incluyen entre los primitivos flamencos. Asimismo poseía dos pequeñas tablas de Jan van Eyck con la misma representación, San Francisco de Asís recibiendo los Estigmas.
Sepulcro capilla de Jerusalen, familia Adornes de Brujas (Bélgica) |
Curiosamente, ambas obras son casi idénticas, aparte de las dimensiones. Es probable que Anselm recibiera las tablas de su padre o de su tío. En su testamento, las legó a sus dos hijas, Margareta y Louise.
El interés de Anselm no se limitaba solo a la pintura. De esta forma, encargó la conclusión de la capilla de Jerusalén y coleccionó imágenes, vidrieras y reliquias para decorarla. Las siguientes generaciones siguieron su ejemplo y fueron añadiendo nuevas obras de arte. Toda la familia Adornes ha mantenido este amplio interés por la cultura hasta la actualidad.
La familia Adornes venera los Lugares Santos y Jerusalén en particular. Esto se aprecia claramente en la arquitectura de la capilla que es una reproducción libre de la iglesia del Santo Sepulcro de Jerusalén. Un ejemplo particular es el altar en arenisca que refleja los numerosos instrumentos (clavos, tenazas, escalera...) de la Pasión de Cristo en el Monte Gólgota.
También Santa Catalina de Alejandría ocupa un papel importante en la devoción de Anselm quien la convierte en la patrona protectora de su peregrinación a Tierra Santa. El monasterio de Santa Catalina que se encuentra al pie del Monte Sinaí, el lugar donde Dios se reveló a Moisés, es uno de sus destinos más importantes. Un símbolo de esta devoción tan peculiar es la rueda de Santa Catalina ubicada en la torre de la capilla. El motivo de esa rueda aparece en varios lugares de la capilla.
En ese tiempo, justo antes de la Reforma, la familia venera reliquias de santos y reliquias que están relacionadas con la Pasión de Cristo.
Relicario de la Resurrección, capilla de Jerusalen, familia Adornes de Brujas (Bélgica) |
Las dos reliquias más importantes están guardadas en relicarios muy especiales. El primero de ellos, el relicario de la Resurrección, fue diseñado especialmente para la capilla de Jerusalén. Allí, en el pedestal, se encuentran restos del Santo Sepulcro. Este delicado relicario de plata fue fabricado probablemente en un taller de Brujas en el siglo XV o a principios del siglo XVI.
Astilla de la Cruz Verdadera, capilla de Jerusalen, familia Adornes de Brujas (Bélgica) |
El segundo, el relicario de la Cruz, contiene una astilla de la Cruz Verdadera. Esta reliquia fue llevada a la capilla a finales del siglo XV por Niklaas Scoudteten. En 1519 el obispo de Doornik otorga permiso para venerar la reliquia.
En el pedestal se encuentran el escudo y el lema ("Tandem', o 'al fin') de la familia Adornes. Por tanto se puede deducir que el relicario está hecho probablemente a petición de Jan Adornes, el hijo de Anselm que sucede a su padre como patrono de la capilla.
Sepulcro de Anselm y de su mujer Margaretha van der Banck, capilla de Jerusalen, familia Adornes de Brujas (Bélgica) |
Un sepulcro único, situado en el centro de esta capilla familiar está el sepulcro de Anselm y de su mujer Margaretha van der Banck, una obra maestra en piedra de Doornik del maestro escultor Cornelis Tielman. Es el único sepulcro de piedra aislado del siglo XV que se conserva en óptimas condiciones y que nunca ha sido desplazado. Este hecho lo convierte en una tumba única en Brujas.
Tumba de la capilla de Jerusalen, familia Adornes de Brujas (Bélgica) |
En el sepulcro, Anselm y Margaretha están representados como estatuas yacentes de tamaño real. Es una escultura donde se representan a los difuntos acostados el uno junto al otro. En el caso de estatuas orantes los difuntos se arrodillan para rezar.
Anselm lleva su armadura completa ya que está representado como caballero. A sus pies se encuentra tumbado un león, símbolo del coraje. Margaretha apoya sus pies sobre un perro, símbolo de la lealtad.
Anselm expresa en su testamento el deseo de ser enterrado al lado de su mujer. Como fue asesinado en Escocia en el año 1483 solamente su corazón llega a la capilla de Jerusalén. Los demás restos de su cuerpo se encuentran en Linlithgow, Escocia. Margaretha van der Banck falleció unos años antes y está enterrada debajo del monumento.
La artesanía de los vitrales, es otra de las maravillas de la capilla, es muy probable que los seis vitrales coloridos daten del 1560. En cada ventanal las figuras se ven representadas de la misma manera. En cada parte del ventanal se ve a un miembro de la familia Adornes arrodillado y acompañado por su santo patrón o santa patrona.
En el caso de Anselm Adornes se trata de San Anselmus, arzobispo de Canterbury e importante doctor de la iglesia. Detrás de su esposa se encuentra la santa mártir Margaretha. Como atributo tiene el dragón. En la parte superior del ventanal se ve el lema de Anselm: "Para Tutum" que se. refiere a una oración a la Virgen y significa algo así como: 'María, prepáranos un camino seguro. Este lema se encuentra en diferentes lugares de la capilla.
Vitrales de la capilla de Jerusalen, familia Adornes de Brujas (Bélgica) |
En las partes inferiores de los ventanales se ven los escudos que caracterizan a cada una de las personas retratadas. Los vitrales fueron restaurados dos veces; la primera vez en 1890 y la segunda fase de restauración tuvo lugar en 1965-1966.
Basílica de la Santa Sangre de Brujas (Bélgica) |
Andamos hasta el mismo centro donde se encuentra la Basílica de la Santa Sangre de Brujas (GPS N51.2081343 E3.2265448), Burg 13, 8000 Brugge, Bélgica. Entrada gratuita. Horarios: lunes a domingo de 10:00 a 17:15 horas.
La basílica, del siglo XII, está situada en la Plaza Burg, y consiste en una capilla inferior y otra superior. La capilla inferior, dedicada a San Basilio el Grande, es una oscura estructura románica que se mantiene prácticamente en estado original. La reliquia se encuentra en la capilla superior, reconstruida en estilo gótico durante el siglo XVI, y renovada numerosas veces durante el siglo XIX en estilo neogótico.
En 1134, Teodorico de Alsacia decidió construir una doble capilla privada contigua a la Oud Steen, la primera residencia de los condes de Flandes, convertida hoy en el ayuntamiento de Brujas. Teodorico partió a la segunda cruzada en 1147, y según la tradición, volvió a su ciudad, Brujas, el 28 de febrero de 1150 con la reliquia de la Santa Sangre. Durante la primera mitad del siglo XIII, el nombre de la capilla superior se cambió a Capilla de la Santa Sangre.
La capilla superior de la Santa sangre fue construida originalmente en estilo románico como la capilla de San Basilio, la iglesia superior fue transformada a finales del siglo XV al estilo gótico, y de nuevo renovada en 1823. De la construcción románica original solo quedan los arcos de medio punto que dan acceso a la capilla lateral de la Santa Cruz.
Basílica de la Santa Sangre de Brujas (Bélgica) |
Una escalera monumental que lleva a la capilla superior, denominada comúnmente De Steegheere, se construyó entre 1529 y 1533 en estilo gótico tardío y renacentista, según los dibujos del pintor y arquitecto flamenco Lancelot Blondeel,12 decorada en el exterior con estatuas esculpidas. La Revolución francesa dejó la escalera muy dañada, y en 1832 se decidió moverla 4 metros hacia atrás y reconstruirla después de eliminar las ruinas de la Oud Steen. Las figuras de bronce dorado representan a Isabel de Borgoña, María de Borgoña, Teodorico de Alsacia y Felipe de Alsacia, y en los medallones se ve a los archiduques de Austria Alberto VII y Maximiliano III, así como a Margarita de York y a Sibila de Anjou, esposa de Teodorico e hija del rey Fulco de Jerusalén.
Durante el siglo XIX, las sucesivas campañas de renovación dieron a la capilla su aspecto final neogótico, con sus características decoraciones murales. Las vidrieras del coro datan de 18454 y representan a los soberanos que reinaron en el condado de Flandes desde Felipe II, duque de Borgoña, hasta la archiduquesa María Teresa de Austria, emperatriz del Sacro Imperio Romano Germánico
El púlpito en forma de globo terráqueo data de 1728 y fue realizado por Henry Pulinckx, que se inspiró en su propósito evangélico: «Id por toda la tierra y predicad el Evangelio» (Marcos 16:15).
Altar Mayor de la Basílica de la Santa Sangre de Brujas (Bélgica) |
El gran mural tras el altar mayor fue realizado en 1905. En la parte superior, el «Misterio de la cruz» representa a Cristo derramando su sangre, y al fondo, las ciudades de Belén, donde nació, y Jerusalén, donde murió. La parte inferior representa el traslado de la reliquia desde Jerusalén a Brujas: a la izquierda, Teodorico de Alsacia recibe la reliquia de Balduino III, rey de Jerusalén; a la derecha, arrodillado al lado de la condesa Sibila de Anjou, entrega la reliquia al capellán.
El altar mayor que se usa hoy para celebrar misa está decorado con un bajorrelieve en alabastro de principios del siglo XVII que representa la última cena. Cerca del altar mayor se exhiben los atributos típicos de una basílica: el tintinábulo (pequeña campana procesional) y el conopeo (especie de sombrilla procesional de seda roja y amarilla).
Laurent Delvaux terminó en 1751 el altar barroco de mármol blanco que preside la capilla lateral de la reliquia. Los dos ángeles que lo flanquean fueron realizados por Peter Pepers. La reliquia se guarda en un espléndido tabernáculo de plata realizado por el orfebre local François Ryelandt (1709–1774), que representa el Agnus Dei o Cordero de Dios. A la derecha del altar se ve un descendimiento de la cruz, pintura de Jacob van Oost el Viejo. La reliquia se muestra al público todos los viernes, y a diario durante las dos semanas previas al día de la Ascensión.
Relicario con la Sangre de Cristo en la Basílica de la Santa Sangre de Brujas (Bélgica) |
La basílica es conocida, sobre todo, por ser depositaria de una venerada ampolla que supuestamente contiene un trozo de tela con sangre de Jesucristo, traída a la ciudad por Teodorico de Alsacia en el siglo XII a su vuelta de la Segunda Cruzada.
Exposición del relicario, Basílica de la Santa Sangre de Brujas (Bélgica) |
La reliquia se muestra al público todos los días a las 14:00 horas, cuando los visitantes pueden acercarse a verla e incluso tocarla, y mientras tanto se guarda en un valioso relicario con incrustaciones de piedras preciosas. Una vez al año, el Día de la Ascensión, la reliquia es paseada en procesión por Brujas.
Aunque la Biblia no menciona que se conservara la sangre de Cristo, uno de los Evangelios apócrifos afirma que José de Arimatea preservó la Santa Sangre después de lavar el cadáver de Cristo. El ofrecimiento diario de la Sangre de Cristo durante la misa era esencial en la vida religiosa de la Edad Media en Europa. Una reliquia real de la Sangre de Jesús tendría gran significado, por ser testigo único de la pasión de Cristo y recordatorio perpetuo del carácter histórico del Evangelio cristiano.
La leyenda popular afirma que la ampolla llegó a Brujas durante la Segunda Cruzada (1147-1149) de la mano de Teodorico de Alsacia, que volvió de Jerusalén con la reliquia de la Santa Sangre, obsequio de su cuñado Balduino de Jerusalén, como recompensa por los grandes servicios prestados. No obstante, investigaciones recientes no han encontrado evidencia de la presencia de la reliquia en Brujas antes de la década de 1250. Lo más probable es que la reliquia apareciera cuando el ejército del conde de Flandes Balduino IX intervino en el saqueo de Constantinopla en 1204 durante la Cuarta Cruzada. Desde entonces, el vial ha desempeñado un importante papel en la vida religiosa de la ciudad. El papa Clemente V emitió en 1310 una bula papal que concedía indulgencias a los peregrinos que visitaran la capilla para ver la reliquia.
Capilla de la Basílica de la Santa Sangre de Brujas (Bélgica) |
Estudios recientes muestran que el vial, hecho de cristal de roca en el siglo XI o XII era una botella de perfume bizantina elaborada en la zona de Constantinopla. Nunca se abrió hasta su llegada a Brujas. El cuello está decorado con cordón de oro y su tapa está sellada con cera. La ampolla está encapsulada en un cilindro de oro con frente de cristal cerrado a ambos extremos por coronas decoradas por ángeles. En el marco está grabada la fecha «MCCCLXXXVIII die III maii» (3 de mayo de 1388).
La Procesión de la Santa Sangre parece haber surgido como ceremonia cívica a finales del siglo XIII. Instituida en 1303, la procesión ceremonial conmemora la liberación de la ciudad de la tiranía francesa un año antes, gracias a los héroes nacionales Jan Breydel y Pieter de Coninck, y tiene lugar el día de la Ascensión, siendo una de las más importantes celebraciones religiosas de Bélgica. Los ciudadanos de Brujas realizan una recreación histórica de la llegada del vial, junto con dramatizaciones similares de varios pasajes bíblicos. Cada cinco años se representa el Jeu du Saint Sang.
El relicario utilizado durante la procesión, que se exhibe en el museo de la basílica, fue elaborado en 1617 en Brujas por el orfebre Jan Crabbe con unos 30 kg de oro y plata y más de 100 piedras preciosas. Consiste en un receptáculo hexagonal incrustado de piedras preciosas y coronado por estatuas de oro que representan a Jesucristo, la Virgen María, San Donato (patrón de Brujas) y San Basilio el Grande.
Capilla de San Basilio en de Brujas (Bélgica) |
Después de la visita a la parte alta bajamos la escalera para ver la capilla románica de San Basilio. La capilla es una de las iglesias de estilo románico mejor preservadas de la provincia de Flandes Occidental. Construida entre 1134 y 1149, la capilla está dedicada a San Basilio el Grande, de quien el conde Roberto II de Flandes trajo una reliquia desde Kayseri, (Capadocia, Anatolia, en la actual Turquía).
La capilla está formada por dos naves a ambos lados de una nave central rematada por el coro, que a su vez termina en un ábside semicircular. En el tímpano situado sobre la entrada que une la capilla y el anexo se ve una representación del bautismo de San Basilio que data del siglo XII. En la nave derecha hay una escultura en madera policromada de una Virgen sedente con el Niño (sedes sapientiae) de principios del siglo XIV. La capilla también cuenta con dos veneradas estatuas de madera, realizadas alrededor de 1900, un Ecce Homo y una piedad, que acompañan a la reliquia de la Santa Sangre en la procesión anual.
Cristo yaciento en la Capilla san Basilio de Brujas (Bélgica) |
A la izquierda del coro se añadió en 1504 la capilla de San Ivo, que alberga las reliquias de San Basilio y del beato Carlos el Bueno, conde de Flandes. El retablo de mármol negro fue ejecutado supuestamente a partir del diseño de Lancelot Blondeel.
Pueblo de Damme (Bélgica) |
Muy cerca está la iglesia Nuestra Señora de Brujas, en su interior se ha convertido en museo que exhiben una gran colección de retablos flamencos, además, de la Madonna de Miguel Ángel, una de las pocas obras de arte que hay de este escultor fuera de Italia.
Iglesia de Nuestra Señora Damme (Bélgica) |
Poco más, después de comer salimos para visitar el pueblo de Damme, está a pocos kilómetros de Brujas. Es una preciosidad aunque no tiene nada abierto, solamente podemos pasear por sus calles.
El parking para autocaravanas en la entrada de Damme (Bélgica) (GPS N51.2484475 E3.2770912), situada Damse Vaart-Zuid 2, 8340 Damme. Tiene dos aparcamientos reservados para autocaravanas, es gratuito, pero tiene una indicación que no se puede pernoctar.
Siguiendo la estala de la torre llegamos a Our Lady Ascension Churc (GPS N51.2491099 E3.2785876), situada Kerkstraat, 8340 Damme. No se puede visitar.
La Iglesia de Nuestra Señora fue construida en 1225. Durante el siglo XIII, se desarrolló aún más el estilo gótico del Escalda, que es románico con elementos góticos. Posteriormente, la iglesia fue embellecida aún más. En el siglo XIV la torre de estudio se remató con un chapitel. La época dorada de Damme se reflejó en las dimensiones de la iglesia, que poco a poco empezó a adquirir aires de catedral. Aún así, el declive ya había comenzado antes de que finalizaran las últimas obras de ampliación.
Torre de la Iglesia de Nuestra Señora Damme (Bélgica) |
En 1578, Damme fue conquistada y saqueada por los Geuzen. Posteriormente la iglesia fue restaurada, pero no logró superar la terrible experiencia. La población disminuyó rápidamente, sobre todo cuando Damme también se convirtió en ciudad guarnición de los españoles. Los gastos de la gran iglesia eran demasiado elevados para la comunidad. Se derribó parte de la iglesia monumental, así como el chapitel. Ahora los restantes muros de separación entre cabeceras y naves laterales dan una idea del tamaño de la iglesia original.
Asegúrese de echar un vistazo al interior de la Iglesia de Nuestra Señora. El interior parece impresionante. Sobre los pilares de la nave se encuentran estatuas de apóstoles de madera del siglo XIII. Sobrevivieron a la violencia religiosa del siglo XVI. Observe también la cruz milagrosa sobre el altar. Según la leyenda, los pescadores de Damme pescaron la cruz en el mar. Actualmente se lleva cada año durante la Procesión de la Santa Sangre en Brujas. Además, la iglesia alberga valiosos altares barrocos y un confesionario del siglo XVII. También encontrarás algunas lápidas muy antiguas. Aquí está enterrado el famoso poeta Jacob van Maerlant. Su lápida original desapareció en el siglo XVIII. Ahora sólo queda una placa conmemorativa.
Ayuntamiento de Damme (Bélgica) |
Seguimos andando y visitando este bonito pueblo que parece mentira estar tan cerca de Brujas y tiene un aspecto rural. Podemos ver Stadhuis Damme (GPS N51.251551 E3.2816407), situado Markt 1, 8340 Damme. Precioso ayuntamiento de estilo gótico tardomedieval en la agradable plaza del mercado de la ciudad de Damme.
El ayuntamiento de Damme se construyó entre 1464 y 1468, en sustitución de un Schepenhuis y Hallen más antiguos. Aquí todavía se celebran las reuniones del consejo municipal todos los meses, en Vierschaere. Las bodas civiles de la comunidad Dam se llevan a cabo en la Sala del Consejo. En las salas del ayuntamiento se celebran diversos eventos y exposiciones.
Una escalera doble arqueada con leones y cuatro torreones en las esquinas decoran la fachada. En el primer piso se encuentran la Cámara del Consejo y la Vierschaere. Estas habitaciones estaban decoradas con llaves de vigas esculpidas realizadas en 1465 por Wouter van Inghen de Sluis, de las cuales tres se conservan in situ (Jacob van Maerlant y una pareja en el baño; el rey David con un arpa y una cerda examinada por dos personas; María con niño y un médico con dos pacientes). En la torre se ha instalado un carillón de 39 campanas, dos de las cuales datan del siglo XIV. También destacan el reloj municipal de 1459 y un reloj de sol.
Vapor del canal de Damme (Bélgica) |
Las seis estatuas de la fachada representan principalmente a los condes de Flandes: de izquierda a derecha, Felipe de Alsacia, Juana y Margarita de Constantinopla ( sosteniendo un modelo del Hospital de San Juan ), Felipe de Chieti y finalmente Carlos el Temerario y Margarita de York (Carlos ofrece a Margarita un anillo de bodas, su boda se celebró en Damme en 1468). Estas esculturas son de Gustaaf Pickery, hijo de Hendrik Pickery , cuya estatua de Jacob van Maerlant se colocó en la plaza frente al ayuntamiento en 1860.
Mólino de Damme (Bélgica) |
Llegamos al canal y podemos ver el baro de vapor «Lamme Goedzak» que viaja todos los día a Brujas desde la encantadora Damme Este barco, lento pero elegante, es el medio ideal para explorar el canal de Damme y disfrutar del continuo paisaje de pólderes bordeado de majestuosas hileras de álamos. El barco realiza cuatro veces al día el recorrido entre Brujas y el centro de Damme, el pueblo de Tijl Uilenspiegel.
Desde el canal tenemos una de las mejores imágenes con Schellemolen (GPS N51.2507344 E3.2772787), situado Noorweegse Kaai 4, 8340 Damme. Está abierto al público en verano.
En este lugar se encuentra desde la fundación de la ciudad un antiguo molino de madera, el Scellemeulen. Este molino era propiedad de los condes de Flandes; En 1267, esos derechos fueron vendidos a la ciudad por la condesa Margarita de Constantinopla. Sin embargo, la mitad de los ingresos aún debía destinarse a las tumbas.
El molino actual fue construido en 1867 en el lugar donde durante siglos estuvo el molino de madera y permaneció en uso hasta 1963. En 1971 fue adquirido por la provincia de Flandes Occidental y restaurado en 1975-1977. Es monumento protegido desde 1975 y desde su restauración, en verano las aspas vuelven a girar con el viento. Observe también la sirena encima de la capucha; una referencia a la “leyenda de la sirena”.
La noche se nos echa encima y marchamos hasta Gante, nos separan 69 km y lo llegamos en menos de una hora, Bélgica está muy bien comunicada.
Después de dar varias vueltas por Gante nos decantamos por el parking situado en la estación de tren donde pasaremos la noche en un gran parking, al lado de la estación de tren.
Ventana de una casa de Damme (Bélgica) |
El parking para autocaravanas en Gante (Bélgica) Station GENT-Dampoort, situado Oktrooiplein 10, 9000 Gent, Bélgica, no tiene ningún servicio, el precio es de 20,70€. La entrada para autocaravanas es un tanto complicada para vehículos de 7,50 metros, pero con un poco de ayuda se hace sin problemas, la salida es muy ancha y no tiene problemas. Las coordenadas GPS del lugar corresponde con: N51.056261 E3.739846.
Día 26 de marzo (martes)
Ruta: Gante-Lier
Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
Día 6 del viaje a Waterloo. El día comienza en el parking Gent Dampoort, lo hemos pasado genial en compañía de otros dos compañeros
Es el típico parking que cuesta trabajo entrar y se necesita ayuda porque es un poco estrecho, una vez dentro no hay problema y la salida es ancha.
A las 9; 00 horas salimos para realizar nuestra primera visita en el museo de Bellas Artes de Gante (GPS N 51.0385253 E3.7238057), situado Fernand Scribedreef 1, 9000 Gent. Es el más antiguo de Bélgica con 300 años y el segundo más importante del país.
Lo primero que hacemos, por recomendación de los guías, es acudir a la sala de restauración donde se encuentran siete de las tablas superiores del famoso retablo del Cordero Místico. Lleva un proceso de 10 años su restauración. En un primer plazo fueron restauradas las cinco tablas centrales. Es una de las obras maestras del arte de Van Eyck. Desgraciadamente no se pueden fotografiar, aunque la vigilante jurada llega tarde.
Varios siglos después, en 1950-51, el Instituto Real del Patrimonio Artístico (KIK-IPRA) se encargaría de supervisar y tratar de paliar los efectos que para la conservación del retablo había tenido su peripecia bajo los nazis durante la Segunda Guerra Mundial. Sin embargo, habría que esperar hasta 2012 para que se acometiese un ambicioso proyecto de restauración integral con carácter interdisciplinar, impulsado por el KIK-IPRA en colaboración con el Museo de Bellas Artes de Gante, donde se habilitaron los talleres para los trabajos del equipo que dirige Hélène Dubois.
Restauración Cordero Místico, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La primera fase del programa, dedicada a los ocho paneles exteriores, terminó en 2016 y sus resultados podrán admirarse bien de cerca en la exposición Van Eyck, una revolución óptica del Museo de Bellas Artes de Gante (MSK). Un trabajo que fue llevado a cabo por ocho restauradores bajo la dirección de Bart Devolder y Livia Depuydt. Los restauradores, que iban recuperando a un ritmo de 4 cm de pintura al día, descubrieron que gran parte de la obra se repintó en una restauración del siglo XVII. Repintes que se fueron eliminando para descubrir colores y detalles de gran calidad que “se ajustan a la perfección al estilo de Van Eyck”.
La segunda fase, la restauración de la tabla central inferior del Cordero Místico (los dos paneles de la derecha, Los eremitas y Los peregrinos; la gran escena central, la que da nombre al políptico y la más compleja, y el de Los caballeros de Cristo, a la izquierda) ha redescubierto, bajo el barniz amarillento y los repintes que se efectuaron desde el siglo XVI, toda la riqueza iconográfica y la calidad pictórica de la obra original, curiosamente esa gruesa capa de barnices y lacas ha preservado bastante bien los pigmentos originales. Un ejemplo es la Torre de Utrecht, símbolo de esta ciudad hoy holandesa, que ha recuperado todos sus detalles.
Restauración Cordero Místico, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
Para la tercera fase de la restauración, el registro superior de los paneles interiores del retablo fue trasladado al museo. Los tres paneles centrales, la Virgen entronizada, la Deidad entronizada y Juan Bautista entronizado, y los paneles laterales con Adán y Eva y los ángeles que cantan y tocan música se exhibirán en el MSK. Esta fase final de restauración se extenderá hasta 2026.
Nos hemos hecho una pequeña guía con las 10 mejores obras y que debemos de ver con mayor detenimiento. Entre otras obras, San Jerónimo en oración de El Bosco. Y Cristo con la Cruz a cuestas del Bosco. Luego obras de Van Dyck, Brueghel el joven, Theidore Gericault, Cornelis de Vos, De Smet, Francisco Iturrino.
“San Jerónimo en oración”, obra de pintor San Hiëronymus El Bosco, Museo de Bellas Artes de Gante |
Con el numero 1 podemos ver la obra maestra “San Jerónimo en oración”, obra de pintor San Hiëronymus El Bosco (1485–1495), realizada en óleo sobre madera, está datada en 1516. Tiene unas dimensiones 80 x 60.7 cm.
En el mundo no existe más que una veintena de obras que se pueden atribuir al Bosco con absoluta certeza. Una de ellas es “San Jerónimo en oración', una obra del siglo XV que representa al santo del pintor.
San Jerónimo en oración, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
A Jerónimo de Estridón se le solía representar en el siglo XV estudiando en su gabinete, como puede verse, por ejemplo, en el San Jerónimo en su gabinete, de la misma época (1480, iglesia de Ognissanti, Florencia), obra de Domenico Ghirlandaio. En cambio, El Bosco lo sitúa en un paisaje, como hizo Leonardo en su San Jerónimo, también datado hacia 1480. Solo que el paisaje del Bosco está lleno de figuras infernales, con plantas, árboles y rocas antropomorfas y visiones con símbolos sexuales. Es también inusual representarlo boca abajo tumbado, y no arrodillado.
El entorno de pesadilla que rodea a la figura del santo permite relacionar este cuadro con el tema de Las Tentaciones de San Antonio, tratado por el Bosco en un cuadro en el Museo del Prado y en un tríptico en Lisboa.
En la parte inferior aparecen los dos atributos de este Padre de la Iglesia: a la derecha, el capelo cardenalicio, a la izquierda el león, bastante humilde y doméstico.
El santo está enmarcado por una roca que parece una concha. Sobre ella están las tablas de la ley. En este punto, Combe recuerda el Tabernáculo espiritual de Ruysbroeck, que menciona a Moisés salvado de las aguas, identificándolo con el santo, que se dispone a preparar las tablas de piedra, símbolo del «fin de las tentaciones» (Cinotti, 1966).
A la derecha del santo hay un árbol hueco rodeado por su manto cardenalicio. En sus ramas están posados una lechuza y un pájaro carpintero; la primera simboliza la herejía y el segundo, la lucha contra ella.
El paisaje es de una gran calidad pictórica. Larsen (1998) lo calificó de «Paisaje cósmico que recuerda a Patinir». La mitad superior está ocupada por un valle que forma una unión cromática entre el primer plano y el último. Hay un lago en la parte izquierda, rodeado por colinas, que parecen pintadas con manchas de color. En el horizonte, los contornos se difuminan y los colores verdosos se aclaran y difuminan.
Predominan los tonos marrones y verdes, con la intensa nota de color de algunas plantas, el manto y el sombrero.
“Cristo con la Cruz a cuestas”, obra de pintor San Hiëronymus El Bosco, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
Con el numero 2 podemos ver la obra maestra “Cristo con la Cruz a cuestas”, obra de pintor San Hiëronymus El Bosco (1485–1495), realizada en óleo sobre madera, está datada en 1516. Tiene unas dimensiones 76,7 x 83,5 cm.
Hay un profundo debate si esta obra es del Bosco. Algunos sostienen que el lienzo sería obra de un artista coetáneo o de un seguidor con un talento excepcional. Fuera quien fuese el autor de la obra, no se puede negar que despierta la imaginación.
Cristo con la Cruz a cuestas, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
Este cuadro, que a primera vista parece una amalgama caótica, constituye realmente una representación cuidadosamente construida de la lucha entre el bien y el mal. En un plano central vemos el rostro de Jesucristo, que se encuentra en el cruce de dos diagonales que unen entre sí las distintas figuras. Entre la multitud de rostros grotescos, el sufrimiento de Jesucristo parece inconmensurable. Y sin embargo, el “Cristo con la Cruz a cuestas” transmite un mensaje de serenidad: Jesucristo siempre vencerá al mal en el mundo, incluso en su inmensa soledad. Una obra intrigante, incluso alucinante, que merece la pena ver.
Las figuras se proyectan sobre un primer plano único, y toda preocupación por la perspectiva queda más o menos abolida (...), son sólo cabezas que, vistas en un plano general, crean una composición cadenciosa de masas y volúmenes».
En esta tabla, el Bosco utiliza lo grotesco y la deformación y ningún otro símbolo para presentar el mal en escena. Su encuadramiento y composición «subraya la crudeza, la rabia y el odio de los hombres», según se ve en los gestos y en las mímicas. Los colores de la piel se intensifican: morados, rojos, representan esa rabia, la locura de los malos sentimientos. El autor muestra así en lo que puede convertirse una persona si se deja llevar por el mal, rechazando lo divino y la humanidad que hay en cada uno.
“Júpiter y Antíope”, obra de pintor Anton van Dyck, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
Con el numero 3 podemos ver la obra maestra “Júpiter y Antíope”, obra de pintor Anton van Dyck (1599-1641), realizada en óleo sobre lienzo, está datada en 1620. Tiene unas dimensiones 150 x 206 cm.
Cuando el Museo de Bellas Artes adquirió la obra en 1900, algunos miembros de la dirección estimaban que “Júpiter y Antíope” era demasiado atrevida para que lo vieran sus mujeres. Sin embargo, ellos mismos no tenían reparos en verlo. En todo caso, esta obra demuestra a la perfección el virtuosismo de Anton van Dyck. Vemos cómo el dios supremo Júpiter espía a Antíope mientras duerme, acompañado por el águila, su fiel compañero. En la época de Van Dyck, el cuadro representaba una oda a la fertilidad y una condena de la conducta licenciosa. Pero también hay que saber que muchos artistas utilizaban tales escenas mitológicas como “excusa” para representar cuerpos desnudos sin recato.
Júpiter y Antíope, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La composición de la pintura es impresionante, con una Antiope desnuda y vulnerable en el centro de la imagen, rodeada por un Júpiter majestuoso y dos putti traviesos. La técnica de Van Dyck es impecable, con un uso magistral del claroscuro y una atención meticulosa al detalle.
El color es otro aspecto destacado de esta obra. Los tonos cálidos y terrosos de la piel de Antiope contrastan con los tonos fríos y celestiales del cielo y las nubes. La paleta de colores de Van Dyck es rica y variada, con una gama de tonos que van desde los rojos intensos hasta los azules profundos.
La historia detrás de la pintura es fascinante. Se cree que Van Dyck pintó esta obra para el cardenal Guido Bentivoglio, un mecenas de las artes que encargó varias obras al artista. La pintura fue adquirida posteriormente por el rey Carlos I de Inglaterra, quien la incluyó en su colección de arte.
Hay algunos aspectos menos conocidos de esta obra que también son interesantes. Por ejemplo, se cree que Van Dyck utilizó a su esposa como modelo para Antiope, lo que le da un toque personal a la obra. Además, algunos críticos de arte han sugerido que la pintura tiene un subtexto político, ya que Júpiter podría representar al rey Carlos I y Antiope a la nación inglesa.
“Baile nupcial al aire libre”, obra de pintor Pieter Brueghel el Joven, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
Con el numero 4 podemos ver la obra maestra “Baile nupcial al aire libre”, obra de pintor Pieter Brueghel el Joven (1564-1638), realizada en óleo sobre lienzo, está datada en 1568. Tiene unas dimensiones 57.2 x 38.1 cm.
En primer plano se ven parejas bailando y moviéndose sobre el lienzo al ritmo de una canción que usted mismo deberá imaginarse. En el fondo se ve a la novia con una gran bandeja. Está rodeada de invitados curiosos por saber cuánto dinero han recibido los novios en su gran día. El dinero mueve montañas, y eso siempre ha sido así. Es probable que el cuadro sea una copia de una obra perdida del padre de Pieter Brueghel el Joven, Pieter Brueghel el Viejo.
“El cleptómano”, obra de pintor Théodore Géricault, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
Con el número 5 podemos ver la obra maestra “El cleptómano”, obra de pintor Théodore Géricault (1791-1824), realizada en óleo sobre lienzo, está datada en 1820. Tiene unas dimensiones 61x 51 cm.
Cuando esta obra se vendió en una subasta parisina, aún se conocía bajo el nombre “El loco asesino”. Sin embargo, las notas tomadas por Géricault revelaron que “El cleptómano” era un título mucho más apropiado para esta obra.
Pertenece a la serie de diez retratos de alienados internados en el manicomio parisino de Salpêtrière que realizó Géricault al final de su carrera. Se trataría de modelos clínicos representativos cada uno de una enfermedad, y lo realizó a instancias del prestigioso psiquiatra Étienne-Jean Georget, uno de los fundadores de la psiquiatría social. Georget consideraba que la demencia era una enfermedad moderna, que dependía en gran parte del progreso social en los países industrializados. Consideraba que los locos eran enfermos mentales que precisaban ayuda.
Intentó representar la fisonomía del enfermo con objetividad. La mirada vacía del cleptómano se dirige al infinito, está dentro de un mundo propio. El rostro está rígido, los cabellos revueltos y sin peinar, lleva una barba descuidada y el cuello sucio.
“Retrato de familia”, obra de pintor Cornelis de Vos, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
Con el número 6 podemos ver la obra maestra “Retrato de familia”, obra de pintor Cornelis de Vos (1559-1626), realizada en óleo sobre lienzo, está datada en 1630–1635. Tiene unas dimensiones 143.5 x 204.5 cm.
Retrato de familia, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
Cornelis de Vos fue particularmente hábil en la pintura de retratos de grupo, así como retratos de niños. Si bien los retratos de Vos exhiben una nueva fluidez en el estilo de pintura y espontaneidad en la representación de los niños, esto se combinó con una simplicidad libre de retórica que se remontaba a los primeros maestros flamencos. Los retratos de De Vos son capaces de comunicar un afecto humano relajado y cálido. En su representación de niños, fue un maestro en expresar sus personalidades y su energía lúdica. Esto le valió el reconocimiento de sus clientes que le encargaron numerosos retratos de niños o retratos de familia con niños.
La composición de este Retrato de Familia es clara y transparente, y revela una considerable artesanía en la representación de los tejidos y una notable naturalidad en los ojos y gestos de las personas retratadas. De Vos no se entrega al estudio del carácter; siempre sigue siendo un espectador frío y objetivo. El retrato familiar también tiene un significado moralizante. La manzana roja se refiere a la fertilidad y a la ética matrimonial burguesa del siglo XVII que tenía como objetivo la reproducción.
“Interior o Los enamorados”, obra de pintor Leon De Smet, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
Con el número 7 podemos ver la obra maestra “Interior o Los enamorados”, obra de pintor Leon De Smet (1881-1966), realizada en óleo sobre lienzo, está datada en 1911.
Interior, a veces también llamada Una pareja amorosa, es sin duda un punto culminante en la obra de Leon De Smet, ya que expresa eficazmente la poesía tranquila que caracteriza su obra. Aquí se nota la refinada gama de colores, el toque impresionista y la composición equilibrada con la que el artista crea una interpretación atmosférica del espacio y la luz. Como solía ser el caso, De Smet integró dos de sus pinturas anteriores en Interior.
“Fuga”, obra de pintor Gustave Van de Woestyne, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
Con el número 8 podemos ver la obra maestra “Fuga”, obra de pintor Gustave Van de Woestyne (1881-1947), realizada en óleo sobre lienzo, está datada en 1925. Tiene unas dimensiones 80.5 x 80 cm.
Es un pintor que no fue inmune al modernismo y gradualmente incorporó elementos estilísticos expresionistas y poscubistas en su obra. La fuga, de 1925, es una de sus obras más expresionistas. El título musical hace referencia a las múltiples voces de la composición. En el centro está el campesino rodeado de los elementos que determinan y componen su vida, a saber, la casa, la iglesia, los animales y la naturaleza. Las formas se han simplificado enormemente y se han reducido a grandes áreas de color contrastantes en una construcción similar a un collage.
“El español en París o Retrato del pintor Francisco Iturrino”, obra de pintor Henri Evenepoel, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
Con el número 9 podemos ver la obra maestra “El español en París o Retrato del pintor Francisco Iturrino”, obra de pintor Henri Evenepoel (1881-1947), realizada en óleo sobre lienzo, está datada en 1898. Tiene unas dimensiones 217 x 152 cm.
Después de completar sus estudios en la Academia de Arte de Bruselas, Henri Evenepoel se mudó a París en 1892. Como muchos otros artistas, estaba interesado en la evolución del arte francés. Sus obras más maduras las pintó en los años siguientes e incluyó este retrato de su amigo, el pintor español Francisco Iturrino. Esta figura monumental y sombría, vestida con una amplia capa, está representada a tamaño natural en la Place Blanche. La parte superior de su cuerpo contrasta con un fondo vivo dominado por el rojo vivo del Moulin Rouge. Los colores armoniosos, el estilo potente, la sobriedad y la atrevida ambientación que hace que la figura destaque entre la multitud confieren al tema un aire de gran distinción. Las fotografías tomadas en el estudio muestran que la figura fue pintada delante del fondo. La pintura fue la única obra que Evenepoel vendió a un museo.
“Peregrinación en Bretaña”, obra de pintor Charles-Henri Pille, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
Con el número 10 podemos ver la obra maestra “Peregrinación en Bretaña”, obra de pintor Charles-Henri Pille (1844-1897), realizada en óleo sobre lienzo, está datada en 1880. Tiene unas dimensiones 130.8 x 195.6 cm.
En sus cartas a su hermano Théo, Vincent van Gogh expresó repetidamente su admiración por la obra de Henri Pille, a quien conoció durante su estancia en París entre mayo de 1875 y marzo de 1876.
Estas serian las 10 tentaciones para visitar Museum voor Schone Kunsten Gent. Evidentemente, hay muchas excusas más, que vamos a desgranar los más importantes cuadros y esculturas del museo.
“La Virgen con el niño y dos ángeles “, obra del denominado Maestro de Frankfurt, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
Entre las obras de arte que nos ofrece el museo “La Virgen con el niño y dos ángeles “, obra del denominado Maestro de Frankfurt (1460-1573), realizado en óleo sobre madera, esta datada en 1495. Tiene unas medidas de: 47.6 x 34.8 cm.
La Virgen y el Niño con dos ángeles es un ejemplo bastante típico de pintura sobre tabla del siglo XV. La pared en la que está sentada María hace referencia al hortus conclusus, o jardín privado, símbolo de la Inmaculada Concepción de María. El fruto que un ángel ofrece a Jesús señala su papel como el nuevo Adán y Mesías. El panel está adscrito al Maestro de Frankfurt. Este maestro anónimo trabajó en Amberes entre 1490 y 1515. Su nombre proviene de dos retablos encontrados en Frankfurt.
“La Adoración de los Reyes Magos“, obra del pintor Colijn de Coter, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “La Adoración de los Reyes Magos“, obra del pintor Colijn de Coter (1450-1540), realizado en óleo sobre madera, esta datada en 1500. Tiene unas medidas de: 88.4 x 72.5 cm cm.
Varios artistas alrededor de 1500 continuaron pintando según la tradición de los primitivos flamencos, incluido Colijn de Coter, que estaba particularmente en deuda con el maestro de Flémalle y Rogier van der Weyden. Su producción, compuesta principalmente de retablos, juega un papel importante en el paso de la tradición a la innovación. Si bien el estilo de sus pinturas tiende a ser bastante arcaico con figuras monumentales, De Coter combina esto con elementos más innovadores, a saber, una técnica más simple, una representación más precisa de la perspectiva y un tratamiento más decorativo y formal del tema de sus pinturas. Este cuadro, que representa La Adoración de los Magos, es una de las pocas obras en Flandes de este importante pintor.
“El descanso en la huida a Egipto“, obra del pintor Adriaen Isenbrant, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “El descanso en la huida a Egipto“, obra del pintor Adriaen Isenbrant (1490-1550), realizado en óleo sobre madera, esta datada en 1520-1530. Tiene unas medidas de: 38,1x28,5 cm.
Por temor al rey Herodes, José, María y Jesús huyeron a Egipto. La familia no regresó a Nazaret hasta que Herodes murió. Esto es lo que nos cuenta el evangelio según san Mateo. A lo largo de los siglos se fueron añadiendo una serie de detalles a la historia. Este tema se hizo muy popular a partir del Renacimiento. Aquí vemos a la familia descansando en la huida a Egipto y el momento en que María socorre a su Niño. Los suaves pliegues del manto de María envuelven a la madre y al niño en un triángulo central. El efecto de claroscuro difuso y la luz nebulosa que rodea la pequeña y esbelta figura de María es típico del estilo de Adriaen Isenbrant. Isenbrant fue uno de los artistas más importantes de Brujas durante la primera mitad del siglo XVI.
“Alegoría de la noche“, obra del pintor Leon Frederic, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “Alegoría de la noche“, obra del pintor Leon Frederic (1856-1940), realizado en óleo sobre tela, esta datada en 1891. Tiene unas medidas de: 70x54,5 cm.
La Alegoría de la Noche está inspirada en la mitología griega, en la que la Noche está personificada por una mujer velada. Es madre de los gemelos, Sueño y Muerte, aquí presentados como dos niños desnudos. Léon Frédéric posiblemente hacía alusión aquí a otra tradición del arte de Europa occidental. Los niños dormidos son personificaciones de la Mañana y la Tarde, que aún no han despertado de una intensa conexión con su madre, la Noche. Aquí Frédéric pudo vincular su interés por la representación de imágenes oníricas con el arte del Quattrocento italiano, que tanto admiraba. Tanto la precisión de la ejecución como el refinamiento con el que pintaba telas transparentes recuerdan a las pinturas de Botticelli, cuya obra conoció durante sus viajes de estudios a Italia.
“Coronación de la Virgen“, obra del pintor Puccio di Simone, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “Coronación de la Virgen“, obra del pintor Puccio di Simone (1346-1360), realizado en temple sobre madera, esta datada en 1350. Tiene unas medidas de: 159,6x69cm.
La Coronación de la Virgen es el panel central de un políptico, que probablemente constaba de cinco paneles y una predela. La Gemäldegalerie de Berlín tiene en su colección dos paneles laterales que representan a Santa Catalina y San Lorenzo respectivamente. El panel de Gante parece bastante moderno para su época debido al uso generoso de adornos dorados. Se representa a Cristo colocando una corona de oro sobre la cabeza de su madre, la Virgen María, lo que era un tema muy popular en el arte cristiano. A sus pies, seis ángeles músicos celebran la apoteosis de la vida de María. Según la tradición medieval, los ángeles son mucho más pequeños, lo que indica su posición subordinada en la jerarquía de figuras. El fondo decorativo y la falta de perspectiva añaden una atmósfera celestial.
“La Virgen y el Niño con Juan Bautista, San Pedro y dos ángeles músicos“, obra del pintor Biagio di Antonio, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “La Virgen y el Niño con Juan Bautista, San Pedro y dos ángeles músicos“, obra del pintor Biagio di Antonio (1446-1516), realizado en óleo sobre madera, esta datada en 1465-1470. Tiene unas medidas de: 50,7x36,4 cm.
El tema de la Virgen y el Niño sentados en un trono en una hornacina arquitectónica y rodeada de santos y ángeles músicos fue muy popular en Florencia, especialmente para los grandes retablos. Rara vez se utilizó para obras más pequeñas, como obras religiosas para uso doméstico. Su simplicidad de estilo y ejecución algo arcaica sugieren que este panel fue probablemente una de las primeras obras de Biagio di Antonio. Su obra posterior muestra una mayor sofisticación, con figuras más realistas situadas en un paisaje pastoral.
“Calvario“, obra del pintor Jacob Cornelisz. van Oostsanen, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “Calvario“, obra del pintor Jacob Cornelisz. van Oostsanen (1477-1537), realizado en óleo sobre madera, esta datada en 1465-1524. Tiene unas medidas de: 66,5x54,8 cm.
La Crucifixión de Jacob Cornelisz. Van Oostzanen, conocido como Jacob de Amsterdam, proviene del monasterio dominico de Gante. Probablemente fue el panel central de un tríptico. El lamento del Cristo crucificado se sitúa en un paisaje boscoso con un pueblo a lo lejos. Vemos a lo lejos el último grupo de jinetes que se aleja al galope. A la escena de la crucifixión asistieron únicamente su madre María, Juan y tres santas mujeres. María está abrazando la cruz. Ante ella está el frasco de ungüento que vemos a menudo cuando se la representa. Su túnica fluida está ricamente adornada con brocado dorado. El panel es un ejemplo de pintura del gótico tardío, en el que los elementos decorativos son más importantes que las emociones internas de las figuras. También llama la atención la sensación de espacio que el artista logra evocar y el ritmo finamente equilibrado de la composición.
“La Lamentación de Cristo“, obra del pintor Cornelis Engebrechtsz, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “La Lamentación de Cristo“, obra del pintor Cornelis Engebrechtsz (1468-1533), realizado en óleo sobre madera, esta datada en 1515-1520. Tiene unas medidas de: 71,5x39,9 cm.
Van Leyden representa simultáneamente varios episodios de la Pasión de Cristo. Al fondo vemos la deposición de la Cruz en el Monte Gólgota y los soldados y la multitud regresando a Jerusalén; En primer plano, el cuerpo sin vida de Cristo yace a los pies de su madre. Juan sostiene la cabeza de Cristo mientras María Magdalena y dos santas mujeres se arrodillan junto al cadáver. Junto a Cristo se encuentran los símbolos de la Pasión, la corona de espinas y los clavos con los que fue crucificado. Van Engebrechtsz. Van Leyden es conocido principalmente por sus escenas narrativas de la Biblia. Esta pintura fue probablemente el panel central de un tríptico y procede del monasterio dominicano de Gante. La riqueza de los vestidos, los pliegues decorativos de los drapeados y la representación del espacio en planos sucesivos es propia de la pintura del gótico tardío de finales del siglo XV y principios del XVI.
“La Lamentación de Cristo“, obra del pintor Hugo van der Goes, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “La Lamentación de Cristo“, obra del pintor Hugo van der Goes (1440-1482), realizado en óleo sobre madera, esta datada en 1500. Tiene unas medidas de: 43,6x56,5 cm.
La Lamentación es una copia de una obra perdida de Hugo van der Goes. El cuadro tiene una composición muy inusual y fue una de sus obras más copiadas. Los torsos de las figuras, que ocupan toda la superficie del cuadro, están en primer plano y esto realza el poder dramático de la imagen. Nicodemo y José de Arimatea cargan el cadáver de Cristo mientras el apóstol Juan consuela a María, la Madre de Dios. La figura de arriba a la derecha es María Magdalena. La excepcional calidad de la copia sugiere que fue pintada por alguien muy cercano.
“La Crucifixión de San Pedro“, obra del pintor Jaume Huguet, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “La Crucifixión de San Pedro“, obra del pintor Jaume Huguet (1412-1492), realizado en óleo sobre madera, esta datada en 1500. Tiene unas medidas de: 74x67cm.
Jaume Huguet pintor gótico catalán con un estilo que evolucionó del gótico internacional hacia las innovaciones incorporadas desde la pintura flamenca. Su formación se realizó entre Valencia, Tarragona y Barcelona, si bien no se descarta que pudiera haber visitado Cerdeña o Nápoles, que formaban parte de la Corona de Aragón. Desarrolló su máxima actividad en Barcelona a partir de 1448, donde creó un taller que prácticamente monopolizó la realización de retablos en Cataluña durante la segunda mitad del siglo XV.
“Santísima Trinidad con donantes y santos“, obra del pintor anónimo, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “Santísima Trinidad con donantes y santos“, obra del pintor anónimo, realizado en óleo sobre madera, esta datada en 1480-1490. Tiene unas medidas de: 38.1 x 21.7cm.
Los dos paneles que muestran a los donantes y santos patrones adorando a la Santísima Trinidad formaban originalmente un todo. Al cortar el panel en dos mitades, se perdieron unos 2,5 centímetros. Sin embargo, la nube que continúa de un panel al siguiente muestra claramente que este había sido un panel. Sentado en un trono, Dios Padre aparece en una aureola de luz rodeado de ángeles. Su Hijo Jesús se sienta en el regazo de Su Padre y nos muestra sus llagas. El Espíritu Santo aparece como una paloma sobre el hombro derecho de Jesús. Detrás de los donantes están San Pedro y Santo Tomás a la derecha y San Juan Bautista y una santa a la izquierda. Se desconoce la identidad de los donantes.
“Cristo cargando la cruz y el Calvario“, obra del pintor anónimo, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “Cristo cargando la cruz y el Calvario“, obra del pintor anónimo, realizado en óleo sobre madera, esta datada en 1500-1550. Tiene unas medidas de: 21,5 cm.
El Calvario (o Gólgota) es el monte fuera de Jerusalén donde Jesús fue crucificado y en la iconografía religiosa, la crucifixión de Jesucristo una de las representaciones artísticas más prolíficas y repetidas.
La cruz y todas las escenas relacionadas con el pasaje evangélico del Calvario repletan la historia del arte de magníficas obras, lienzos, esculturas, retablos o vitrales.
“Cristo sobre la piedra fría “, obra del pintor Jan Gossart, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “Cristo sobre la piedra fría “, obra del pintor Jan Gossart (1478-1532), realizado en óleo sobre madera, esta datada en siglo XVI. Tiene unas medidas de: 23,3x17,7cm.
Adoptó el apellido de Mabuse por su lugar de nacimiento, Maubeuge (Mabuse en neerlandés). Se inscribió como Jennyn van Hennegouwe cuando se matriculó en la Guilda de San Lucas en Amberes en 1503. Nada se sabe de sus primeros años, pero se cree que pasó su juventud en la frontera francesa más que a orillas del Escalda. Sin la sutileza o la energía de Van der Weyden, tenía en común con el gran maestro de Tournai y Bruselas, el que sus composiciones se ambientasen normalmente en fondos arquitectónicos.
“La conquista de Jerusalén por Tito“, obra del pintor Maestro de María de Borgoña, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “La conquista de Jerusalén por Tito“, obra del pintor Maestro de María de Borgoña, realizado en óleo sobre madera, esta datada en 1475-1500. Tiene unas medidas de: 30x169,4 cm.
El asedio y la conquista de Jerusalén por Tito en el año 70 a. C. se representan con detalle y en un estilo que recuerda a la pintura en miniatura de finales de la Edad Media. De izquierda a derecha vemos el avance de la caballería, la crucifixión de los prisioneros, el asedio extramuros, la violencia de la guerra dentro de la ciudad y las atrocidades cometidas contra los habitantes. El cuadro alude al asedio de Gante por parte del emperador Habsburgo Federico III y su hijo, Maximiliano de Austria. El escudo de armas de las tiendas y estandartes también está relacionado con la alianza germano-austriaca que sitió Gante a mediados de 1488. El panel rectangular se conoce como predela, palabra italiana que se refiere a la sección inferior de un retablo. Esta parte suele permanecer visible cuando los paneles principales están cerrados. Esta predela procede de la capilla Vigilius de la cripta de la catedral de San Bavón de Gante. Se atribuye al maestro vienés de María de Borgoña que vivió en Gante a finales del siglo XV. Sin embargo, el retablo del que formaba parte se ha perdido desde entonces.
“La Adoración de los Magos“, obra del pintor Maestro del Prelado Mur, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “La Adoración de los Magos“, obra del pintor Maestro del Prelado Mur, realizado en óleo sobre madera, esta datada en 1450. Tiene unas medidas de: 124,5x112,5cm.
El tema de La Adoración de los Magos proviene del evangelio de San Mateo. Sin embargo, la presentación de los reyes magos como reyes es una evolución posterior de la tradición cristiana y se generalizó a partir del siglo XII. Los regalos ofrecidos por los Reyes Magos tienen un significado simbólico: el oro hace referencia a la realeza de Cristo, la mirra a su naturaleza humana y el incienso a su naturaleza divina. El Maestro del Prelado Mur perteneció a la escuela de Aragón y ejerció como pintor a mediados del siglo XV. El uso del relieve dorado, muy típico de la pintura sobre tabla española anterior, se limita aquí a las copas que los magos regalaban y a algunos motivos decorativos en las vestimentas.
“El varón de dolores“, obra del pintor Maarten van Heemskerck, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “El varón de dolores“, obra del pintor Maarten van Heemskerck, realizado en óleo sobre madera, esta datada en 1532. Tiene unas medidas de: 84,2x72,5 cm.
El tema de Cristo flanqueado por dos ángeles y mostrando sus heridas fue muy popular en la Edad Media y el Renacimiento. La escena generalmente se desarrollaba en la tumba. En este caso, sin embargo, Cristo está sentado sobre una nube, lo que probablemente se refiere a su ascensión al cielo. Los colores de fondo inusualmente brillantes, las complejas actitudes retorcidas de las figuras y el escorzo del monumental cuerpo de Cristo dan a la escena una mayor sensación de dramatismo. Una placa sobre la cabeza de Jesús tiene inscrita una cita del evangelio de San Juan: ECCE REX VESTER (He ahí tu Rey). Debajo está MH, el monograma del pintor, y el año 1532 está inscrito entre sus iníciales. El panel procede de la iglesia de San Cornelio de Machelen.
“Calvario“, obra del pintor Maarten van Heemskerck, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “Calvario“, obra del pintor Maarten van Heemskerck, realizado en óleo sobre madera, esta datada en 1543. Tiene unas medidas de: 323x265cm.
La Crucifixión de Maarten van Heemskerck procede del convento de las Clarisas Ricas de Gante. Aquí se han reunido en una sola escena varios aspectos de la Pasión. El Cristo crucificado cuelga muy por encima de la multitud, entre los buenos y los malos asesinos. Un soldado levanta una esponja empapada en vinagre para saciar la sed de Jesús, mientras otro mira con asombro al moribundo. En primer plano a la derecha, los soldados lanzan dados por la ropa de Jesús. A la izquierda vemos a María desmayarse en brazos del apóstol Juan. Al pie de la cruz, María Magdalena se siente abrumada por el dolor mientras mira al Mesías. El donante, vestido con sobrepelliz de sacerdote, está arrodillado en primer plano a la izquierda. Se desconoce su identidad. Los caballos bellamente ejecutados del fondo no se basan en estudios de la naturaleza sino en bocetos que Maarten van Heemskerck hizo de obras clásicas cuando visitó Italia de 1532 a 1536.
“La Anunciación“, obra del pintor Pierre Paul Rubens, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “La Anunciación“, obra del pintor Pierre Paul Rubens, realizado en óleo sobre tela, esta datada en 1610-1628. Tiene unas medidas de: 310 x 178,6cm.
María se arrodilla a la derecha; su cuerpo está alejado de Gabriel pero su cabeza está vuelta hacia él. Gabriel todavía está en el aire; extiende su mano izquierda hacia María y señala con su mano derecha hacia el cielo.
“San Francisco de Asís recibiendo los estigmas“, obra del pintor Pierre Paul Rubens, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “San Francisco de Asís recibiendo los estigmas“, obra del pintor Pierre Paul Rubens, realizado en óleo sobre tela, esta datada en 1633. Tiene unas medidas de: 265,5x193 cm.
San Francisco de Asís ya era una figura legendaria poco después de su muerte. La historia de su estigmatización no sólo fue muy popular en Italia sino también en el norte de los Alpes. En 1224, dos años antes de su muerte, San Francisco tuvo una visión en el monte La Verna, cerca de Arezzo, donde se había retirado con su hermano León. El Cristo crucificado se le apareció como un serafín de seis alas. En ese momento recibió las cinco llagas de Cristo, las cuales conservó hasta su muerte. La calavera y el libro de oraciones abierto en primer plano a la derecha hacen referencia a la vida de meditación y desapego que Francisco había elegido. Rubens pintó muchas versiones de este tema. Aquí el Santo aparece representado de frente, mirando directamente al espectador. La imagen de su rostro, lleno de dolor y confusión, realza el efecto dramático del acontecimiento y es típica de la obra tardía de Rubens. Esto también se aplica a su uso de tonos suaves de gris que se fusionan entre sí. El retablo fue originalmente una decoración de un altar lateral de la iglesia de los Recoletos de Gante, que ya no existe.
“La Familia de Santa Ana“, obra del pintor Maestro de Vos, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “La Familia de Santa Ana“, obra del pintor Maestro de Vos, realizado en óleo sobre madera, esta datada en 1585. Tiene unas medidas de: 135,3x170 cm.
Maerten de Vos es considerado un precursor de la gran escuela de pintura barroca de Amberes. Pintó retratos y escenas religiosas monumentales. La leyenda de Santa Ana se desarrolló en el siglo XIII. Nos dice que Anne estuvo casada tres veces y cada vez dio a luz a una niña. Ya era anciana cuando dio a luz a María, la madre de Jesús. En el cuadro María está sentada en el centro con el Niño Jesús en su regazo. Sentada a su lado está su prima Isabel, en lugar de su madre, Santa Ana, lo que es mucho más habitual. Delante de Isabel está su hijo, San Juan Bautista. Reconocemos a la pareja de ancianos a la derecha del arco como Ana y su tercer marido, Joaquín, con su hija María. Sentadas en primer plano a izquierda y derecha están las medias hermanas de María. Detrás de ellos vemos, de izquierda a derecha, a Zebedeo, Zacarías y José, los maridos de una de las medias hermanas de María, de su sobrina Isabel y de María. En una vista del edificio vislumbramos una escena en la que María e Isabel se encuentran.
“Piedad o Los Siete Dolores de María“, obra del pintor Maestro anónimo, Museo de Bellas Artes de Gante |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “Piedad o Los Siete Dolores de María“, obra del pintor Maestro anónimo, realizado en óleo sobre madera, esta datada en el siglo XVI. Tiene unas medidas de: 79x68,5 cm.
Esta obra fue registrada anteriormente como Los Siete Dolores de María. La Piedad (compasión en italiano) es uno de los siete dolores. Los otros seis están representados en el paisaje detrás de María: la profecía de Simeón sobre la Pasión de Jesús en la Presentación en el Templo, la Huida a Egipto, el Niño Jesús perdido en el Templo, María encontrándose con Jesús cargando la cruz en el camino al Gólgota, La Crucifixión y entierro de Jesús. La ejecución del paisaje y de las pequeñas figuras toscamente esbozadas del fondo es muy diferente a la de la Piedad en primer plano.
“El Entierro” obra del pintor Maestro de Magdalena Mansi, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “El Entierro” obra del pintor Maestro de Magdalena Mansi (1510-1530), realizado en óleo sobre madera, esta datada en 1520. Tiene unas medidas de: 101,7x125,9cm.
Esta pintura, presumiblemente de Amberes, representa a José de Arimatea y Nicodemo mientras depositan el cuerpo sin vida de Cristo en la tumba. José sostiene el cuerpo por los hombros mientras Nicodemo, envuelto en un brocado de oro, sostiene el sudario en el que había sido envuelto el cuerpo de Cristo. Detrás de él, a la izquierda, María Magdalena lleva el frasco de ungüento. Juan Evangelista está consolando a María, la madre de Jesús. La composición de este entierro se inspiró en una talla de los grabados de La pequeña pasión de Alberto Durero. El maestro anónimo debe su nombre a un cuadro de María Magdalena, que originalmente perteneció al marqués Giovanni Battista Mansi y que ahora es propiedad de la Gemäldegalerie de Berlín. Su estilo refinado se caracteriza por el realismo y la atención al detalle, una paleta de colores sobria y la serenidad de las figuras.
“Las Bienaventuranzas de Cristo” obra del pintor Maestro anónimo, Museo de Bellas Artes de Gante |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “Las Bienaventuranzas de Cristo” obra del pintor Maestro anónimo, realizado en óleo sobre madera, esta datada en 1553. Tiene unas medidas de: 124x46,4 cm.
El tríptico está construido en forma de narrativa visual en un estilo popular y animado. En el panel central, Cristo está sentado sobre una montaña dirigiéndose al pueblo. Este es el Sermón de la Montaña en el que Jesús habla de las ocho bienaventuranzas. Cada uno de los paneles laterales se divide en tres escenas y la sección inferior del panel central en dos. Cada escena retrata una de las ocho bienaventuranzas. El conjunto está rodeado por un marco finamente pintado. Bandas de texto e inscripciones en holandés explican cada imagen. Fue en parte debido a la influencia de la Reforma que la traducción de textos bíblicos a la lengua vernácula fuera también una práctica común en los círculos católicos del siglo XVI. El tríptico procede de la antigua iglesia de la orden de los Carmelitas Calcios en Gante. Los tesoros artísticos del monasterio y de la iglesia fueron destruidos durante la primera iconoclasia en 1566. Por lo tanto, el tríptico de las ocho bienaventuranzas probablemente se encargó después de esta fecha. En la parte posterior de los paneles laterales se encuentra el escudo de armas de Anton van Hille y su esposa Martine van Zevecote. Probablemente encargaron la obra. Antoon van Hille era juez de instrucción en Gante y era conocido por su oposición a la Reforma.
“Alegoría de la benevolencia” obra del pintor Benjamín Sammelins, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “Alegoría de la benevolencia” obra del pintor Benjamín Sammelins (1520-1624), realizado en óleo sobre madera, esta datada en 1589. Tiene unas medidas de: 78,4x108,4 cm.
Si tu enemigo tiene hambre dale de comer,/ y si tiene sed dale agua; porque apagarás las pasiones ardientes, / y el Eterno te recompensará' (Proverbios 25:21-22)
“Retrato de una mujer joven” obra del pintor Frans I Pourbus, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “Retrato de una mujer joven” obra del pintor Frans I Pourbus (1545-1581), realizado en óleo sobre madera, esta datada en 1581. Tiene unas medidas de: 40,5x32,4cm.
Frans I Pourbus, hijo de Peter Pourbus y padre de Frans II Pourbus, proviene de una famosa familia de artistas de Brujas. Además de paisajes y retratos, Pourbus tenía una marcada preferencia por las escenas religiosas de estilo dinámico e italianizante. Como retratista, Frans I Pourbus destaca por sus pinceladas excepcionalmente refinadas y por la digna idealización de sus modelos. Se le considera uno de los mejores retratistas de su generación. Este retrato de 1581 es la última obra conocida, firmada y fechada del maestro. Se desconoce la identidad de la mujer. Está vestida según la rica moda patricia de la época, con terciopelo negro con perlas y seda blanca, cosida con hilo de oro. Lleva una gorra blanca con alas; su rostro está elegantemente enmarcado con un delicado cuello de gorguera.
“Retrato de Livina van Steelant” obra del pintor Gerard Horenbout, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “Retrato de Livina van Steelant” obra del pintor Gerard Horenbout (1455-1475), realizado en óleo sobre madera, esta datada en 1524. Tiene unas medidas de: 43,4x33,5 cm.
Estos retratos de una familia patricia fueron posiblemente los paneles exteriores de un tríptico cuyo panel central ha desaparecido. Los escudos y lemas del libro de horas abierto nos indican quién está representado aquí. El marido y la mujer están representados junto con sus hijos. Sin embargo, cuando se terminó la pintura, ambos niños, que sostienen cruces en sus manos juntas, ya habían muerto. Detrás de ellos hay un ángel de la guarda. El miniaturista y pintor de paneles gante Gerard Horenbout, a quien se atribuyen estos retratos, trabajó en la corte de Margarita de Austria. Su depurado naturalismo y su gran calidad técnica recuerdan la obra de Gerard David.
“Retrato de Lieven van Pottelsberghe” obra del pintor Gerard Horenbout, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “Retrato de Lieven van Pottelsberghe” obra del pintor Gerard Horenbout (1455-1475), realizado en óleo sobre madera, esta datada en 1524. Tiene unas medidas de: 43,4x33,5 cm.
Gerard Horenbout está mencionado por primera vez en 1487, cuando fue admitido en la Guilda de San Lucas, el gremio de pintores de Gante. El único pintor entre los cinco miembros que patrocinaron su adhesión, Lieven de Stoevere (activo alrededor de 1463) pudo haber desempeñado un papel en su formación. En Gante, Horenbout dirigía un taller productivo. Además de pinturas e iluminaciones, el artista produjo tapices y herrajes, así como mapas y planos. En 1498 contrató a un oficial y en 1502 a un aprendiz de iluminador. Al menos tres de sus hijos asistieron a su taller: Lucas y Suzanne, —ambos se convirtieron en pintores— y otro hijo. Alrededor de 1503, poseía una casa en el Drabstraat con una fachada pintada, probablemente por su propia mano, lo que es bastante notable. También era copropietario en Gante de una finca llamada Le Verger, que vendió alrededor de 1517.
“Retrato de Giovanni Paolo Cornaro” obra del pintor Jacopo Tintoretto Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “Retrato de Giovanni Paolo Cornaro” obra del pintor Jacopo Tintoretto (1518-1594), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en 1561. Tiene unas medidas de: 102x81,2cm.
El Retrato del humanista Giovanni Paolo Cornaro, a la edad de treinta y dos años, data de 1561 y es un ejemplo perfecto de retrato de estatus. Estilísticamente esta obra pertenece al estilo oficial del retrato veneciano, en el que las figuras siempre están representadas sobre un fondo oscuro. La obra fue pintada por el artista veneciano Jacopo Robusti, también conocido como Il Tintoretto. El retrato fue pintado durante el apogeo del artista. El hombre retratado aquí era un conocedor de la cultura antigua y miembro de la prominente familia veneciana Cornaro. Varios de sus miembros fueron humanistas y artistas de renombre. Tintoretto retrató a Cornaro en un retrato de media figura, con la mano izquierda sobre la cabeza de una escultura de una mujer, una amplia referencia al origen cultural del personaje.
“Abogado del pueblo” obra del pintor Pieter II Brueghel, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “Abogado del pueblo” obra del pintor Pieter II Brueghel (1564-1638), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en 1621. Tiene unas medidas de: 76,6x123,7 cm.
Además de numerosas copias de la obra de su padre, Pieter Brueghel II también creó composiciones originales, como este cuadro del abogado del pueblo, firmado y fechado en 1621 en la parte inferior izquierda. Esta pintura es un interesante documento histórico. Las autoridades interfirieron cada vez más en la jurisdicción. En consecuencia, los abogados se convirtieron en un importante intermediario en las zonas rurales. Como vemos aquí, el abogado recibía a menudo un pago en especie. En esta obra Pieter II Brueghel se muestra como un artista satírico y un observador divertido de las relaciones humanas y situaciones sociales. Representa al abogado como un hombre astuto y codicioso que confunde a los campesinos poco sofisticados con montones de papeleo.
“Boda de granjero en un granero” obra del pintor Pieter II Brueghel, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “Boda de granjero en un granero” obra del pintor Pieter II Brueghel (1564-1638), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en 1616. Tiene unas medidas de: 69,9x105,2 cm.
Pieter II Brueghel, el hijo mayor de Pieter Bruegel el Viejo, hizo una gran contribución a la difusión de la obra de su padre. Tenía un estudio que se especializaba en copiar e imitar varios de los cuadros de su padre. La boda campesina en un granero es una copia prácticamente exacta, aunque más pequeña, de la misma obra de Pieter Bruegel el Viejo, que se exhibe en el Kunsthistorisches Museum de Viena. La pintura que vemos aquí originalmente colgaba en la residencia del abad de la Abadía de San Pedro en Gante. El banquete de bodas se desarrolla en un granero. La novia tiene una corona de papel sobre su cabeza, que está sujeta a un paño blanco detrás de ella. En la esquina superior derecha, dos haces de trigo están suspendidos en diagonal de un rastrillo. La ley permitía a los pobres recoger los tallos de trigo sobrantes de los campos después de la cosecha. A esto se le llamó “zantecornio”, lo que sugiere que la familia aquí retratada no era acomodada. La pareja de enamorados en el pajar del lado izquierdo del panel fue añadida por Pieter II Brueghel.
“Fiesta de San Jorge” obra del pintor Gillis Mostaert, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “Fiesta de San Jorge” obra del pintor Gillis Mostaert (1534-1598), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en siglo XVI. Tiene unas medidas de: 79,1x107,4 cm.
Gillis Mostaert, hermano gemelo de Frans Mostaert y alumno de Jan Mandijn de Amberes, fue un artista prolífico y muy popular en su época. Sin embargo, hoy en día se conocen muy pocas de sus obras. Mostaert fue contemporáneo de Pieter Brueghel el Viejo y pintó según su tradición. La Fiesta de San Jorge es un buen ejemplo de ello. Esta feria se celebraba la semana de la festividad de San Jorge y fue muy popular durante muchos años. Se rindió homenaje a San Jorge como ayudante en tiempos de necesidad y como santo patrón de los caballeros y arqueros. Podemos ver que el cuadro hace referencia a estas fiestas del pueblo por la bandera situada junto a la taberna a la derecha del panel, que probablemente era el lugar habitual de reunión del gremio de arqueros. En primer plano vemos a un grupo de vendedores del mercado exaltando las virtudes de sus productos. En el fondo central vemos a un hombre y una mujer golpeándose. Además de ser una rica fuente de información sobre la moral y las costumbres de la época, una obra de género como ésta también tiene un mensaje moral: el alcoholismo y el comportamiento libertino a menudo resultan en violencia y decadencia moral.
“La caza del jabalí de Caledonia” obra del pintor Peter Paul Rubens, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “La caza del jabalí de Caledonia” obra del pintor Peter Paul Rubens (1577-1640), realizado en óleo sobre madera, esta datada en siglo XVII. Tiene unas medidas de: 28x52,5cm.
Fue una de las primeras obras donadas a la ciudad de Gante por los Amigos del Museo, sociedad fundada en 1897. Es una copia antigua de una pintura de Peter Paul Rubens. Cuando Eneo, el rey de Calidón, se olvidó de honrar a la diosa Artemisa durante una gran fiesta de acción de gracias en honor del dios Dioniso, la diosa envió un jabalí gigante a la región. Destruyó viñedos y campos de maíz, mató ganado y obligó a los habitantes locales a huir. Se organizó una cacería y el héroe Meleagro mató a la monstruosa bestia con una lanza.
“Subasta de bienes incautados” obra del pintor Jose Geirnaert, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “Subasta de bienes incautados” obra del pintor Jose Geirnaert (1790-1859), realizado en óleo sobre madera, esta datada en 1835. Tiene unas medidas de: 104,5x132,4 cm.
La industrialización de la primera mitad del siglo XIX tuvo consecuencias nefastas para los pequeños agricultores y las industrias artesanales. Además, las malas cosechas provocaron hambruna y pobreza. Muchos no pudieron pagar los crecientes alquileres y fueron desalojados de sus hogares. Por lo tanto, la escena que Joseph Geirnaert pintó aquí no era infrecuente. Sin embargo, la subasta de bienes incautados no es una crítica a las condiciones sociales. Como en la mayoría de las escenas de género de este período, el sentimiento y la anécdota dominan la obra.
“Cabeza de Pierre de Wissant” obra del escultor Augusto Rodin, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “Cabeza de Pierre de Wissant” obra del escultor Augusto Rodin (1840-1907), realizado en bronce, esta datada en 1909. Tiene unas medidas de: 82,3x54,7x48 cm.
La Cabeza de Pierre de Wissant es una versión monumental de una de los burgueses de Calais, el grupo escultórico en el que trabajó Auguste Rodin entre 1884 y 1895. La temática se basa en un hecho histórico ocurrido en el siglo XIV, cuando un grupo de Ciudadanos destacados se ofrecieron para salvar su ciudad, que se encontraba sitiada por los ingleses. Rodin vio este tema como una oportunidad para experimentar con actitudes expresivas y expresiones faciales en un grupo de siete figuras masculinas. Hizo varias versiones de las cabezas de los burgueses, incluida esta llamada 'tête colossale' de uno de ellos, Pierre de Wissant. En 1903 el ayuntamiento de Gante quiso comprar un ejemplar de Los Burgueses de Calais para su nuevo museo. Sin embargo, esto resultó demasiado caro y al final la ciudad compró esta cabeza de bronce junto con el molde de yeso original.
“Retrato de una mujer” obra del pintor Frans I Hals , Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “Retrato de una mujer” obra del pintor Frans I Hals (1582-1666), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en 1835. Tiene unas medidas de: 85.2 x 68.1 cm.
Frans Hals pintó a esta mujer de medio cuerpo y sobre un fondo gris, dentro de un marco ovalado de piedra. El 'marco dentro de un marco' confiere a la obra un impresionante efecto trompe-l'oeil. La vestimenta de la mujer responde a las normas calvinistas: negro (satén o terciopelo) y blanco (lino o encaje) sin adornos. Las pinturas de Hals demuestran un gran virtuosismo, en gran parte debido al manejo fluido de la pintura por parte del artista y sus amplias pinceladas. Trabajó 'alla prima', sin dibujar directamente sobre el lienzo. Un boceto con pintura gris fue suficiente. Entre 1620 y 1630 realizó retratos animados; en la década de 1640, trabajó a un ritmo más constante y su paleta de colores se volvió más tenue. El Retrato de mujer data del inicio de esta nueva etapa.
“La Flagelación de Cristo” obra del pintor Peter Paul Rubens, Museo de Bellas Artes de Gante (Bélgica) |
La siguiente de las obras de arte que nos ofrece el museo “La Flagelación de Cristo” obra del pintor Peter Paul Rubens (1577-1640), realizado en óleo sobre madera, esta datada en siglo XVII. Tiene unas medidas de: 37,4x35,1 cm.
La flagelación de Cristo de Peter Paul Rubens es un boceto o modelo cuidadosamente elaborado para la pintura del mismo nombre en la iglesia dominicana, que es la actual iglesia de San Pablo en Amberes. El gran panel data aproximadamente de 1614. Forma parte de una serie de quince paneles pintados por once artistas, entre ellos Maerten de Vos, Anthony van Dyck y Jacques Jordaens. La composición del cuadro es casi la misma que la del dibujo. Sin embargo, se le dio mayor amplitud al modelo. En consecuencia, las figuras tienen más espacio. Nos llama la atención la pincelada directa e inquieta, el poder escultórico de los personajes y la equilibrada composición en torno a la figura de Cristo en el centro. Rubens frecuentemente basó las poses de sus figuras en ejemplos tempranos que había copiado durante su estancia en Italia. El propio artista concedía gran importancia a sus bocetos al óleo y los conservó hasta su muerte.
Abadía de San Pedro de Gante (Bélgica) |
Aquí damos por terminada la visita a este importante museo de Bellas Artes, por su puesto tiene cientos de obras que no pude citar, solamente he plasmado en el reportaje las que me han parecido más interesantes.
Desde el museo marchamos andando hacia el centro de Gente. En el camino nos encontramos la Abadía de San Pedro (GPS N51.0421779 E3.7253465), ahora convertida en Universidad. Abierto de martes a domingo de 10 a 18 horas. Entrada gratuita.
Podemos hacernos una idea de la importancia de la Abadía de San Pedro en la forma en la que Gante organizaba las Blijde Intredes, es decir, las coronaciones de los nuevos príncipes. Después de su ascenso al trono, el nuevo príncipe cruzaba los antiguos Países Bajos. En su largo viaje, las ciudades le rendían pleitesía, mientras que el monarca, a su vez, ratificaba sus fueros. Esta era su manera de reafirmar su posición de poder. En Gante, la Abadía de San Pedro siempre era el primer destino del monarca. Allí recibió la espada de la justicia del conde de Flandes y confirmó las libertades y derechos de la abadía. Solo entonces se dirigía a la ciudad para recibir un baño de masas.
Claustro Abadía de San Pedro de Gante (Bélgica) |
Las ceremonias en la abadía tenían un gran valor simbólico. El monarca dejaba claro que su autoridad era obra de Dios y que la abadía garantizaba su posición de privilegio. Las Blijde Intredes o coronaciones de los príncipes se celebraban con gran boato. El escenario casi siempre era el mismo.
La noche previa a la ceremonia, el príncipe dormía en el castillo del abad, en Zwijnaarde. Por la mañana se desplazaba con su séquito hasta el pueblo de San Pedro. Allí era recibido por las máximas autoridades clericales de la ciudad. Las autoridades religiosas le acompañaban hasta la Abadía de San Pedro, donde les esperaban el abad y sus monjes. Juntos asistían a una misa solemne en la iglesia de la abadía. Después, el abad bendecía al príncipe con la espada de la justicia del conde de Flandes. El ya nombrado monarca prestaba juramento y todos salían de la iglesia. El día terminaba con una fiesta en la abadía.
Los monjes cubrían sus necesidades diarias gracias a la agricultura. La Abadía de San Pedro poseía y explotaba dominios y pueblos enteros, hasta en Inglaterra. También desempeñó un papel importante en el movimiento de explotación agrícola flamenco que, en los siglos XII y XIII, transformó los bosques, páramos y pantanos en tierras agrícolas fértiles. Fue así como muchas abadías adquirieron un inmenso patrimonio de bienes raíces. Las donaciones de los benefactores que querían redimir su alma pecadora contribuyeron a aumentar su riqueza.
Frescos de la Abadía de San Pedro de Gante (Bélgica) |
La Abadía de San Pedro desempeñó un papel clave en la vida económica hasta el siglo XIII. Posteriormente conoció dificultades. Las compras y los préstamos imprudentes, las hambrunas y una política de construcción ambiciosa llevaron a la abadía al borde de la bancarrota. Además, la influencia de los benedictinos en la vida social también empezó a decaer. Nuevas órdenes religiosas, como los dominicos y los franciscanos, ocuparon su lugar. Su predicación activa y su estilo de vida ofrecían mejores respuestas a los desafíos de una sociedad en proceso de urbanización.
La abadía empezó a convertirse en el arma arrojadiza del rey. El abad se nombraba de forma clientelar y disponía de un voto decisivo en la asignación de los impuestos. Como resultado, las abadías de Gante a menudo se vieron involucradas en los muchos conflictos entre las ciudades y el soberano del país.
Desde el siglo XV, en la iglesia católica empezaron a escucharse protestas contra la decadencia. La publicación de las 95 tesis de Martín Lutero marcó el comienzo de la Reforma en 1517. El calvinismo ganó muchos seguidores en Flandes. Desde mediados del siglo XVI, una crisis política y religiosa azotó los antiguos Países Bajos. Las abadías estaban en horas bajas, algo que también tuvo consecuencias desastrosas para la Abadía de San Pedro.
Abadía de San Pedro de Gante (Bélgica) |
En el verano de 1566 llegó la catástrofe. Al final de un sermón protestante, una veintena de discípulos invadieron un monasterio cercano y destruyeron imágenes religiosas. La rebelión se extendió como la pólvora por el sur de los antiguos Países Bajos.
Los iconoclastas tampoco perdonaron a Gante. Destrozaron altares, estatuas de santos, pinturas y vitrales. La Abadía de San Pedro recibió un duro golpe. Tanto la iglesia de la abadía como la biblioteca y la casa del abad sufrieron importantes daños. Cuando los ánimos se calmaron se pudo empezar la reconstrucción.
En 1568 los antiguos Países Bajos se rebelaron contra el rey Felipe II. Diez años más tarde, los calvinistas se hicieron con el poder en Gante y ocuparon la Abadía de San Pedro. Este fue el comienzo de una segunda “acción de purificación”. El abad y sus monjes huyeron a Douai. El culto calvinista encontró un lugar en la iglesia parroquial situada al lado de la abadía, pero la iglesia abacial tenía que intentar resistir. Querían vender los edificios de la abadía para, con las ganancias obtenidas, financiar parte las nuevas murallas de la ciudad.
Ábside dd la Abadía de San Pedro de Gante (Bélgica) |
Sin embargo, esto nunca sucedió. En 1584, el gobernador Farnesio rindió a la Gante calvinista. Los benedictinos regresaron. Por aquel entonces, la otrora poderosa Abadía de San Pedro no era más que una ruina. La iglesia de la abadía y el dormitorium habían sido destruidos y parcialmente demolidos, la casa del abad y el decanato habían sufrido graves daños, mientras que la biblioteca había sido saqueada.
Iglesia de San Pedro de Gante (Bélgica) |
Adjunto a la abadía esta la Iglesia de Nuestra Señora de San Pedro es una iglesia que ha respirado silencio y espiritualidad durante siglos. Como iglesia puramente barroca, su arquitectura contribuye en gran medida a ello.
En el siglo XVI, la antigua iglesia abacial medieval de San Pedro sufrió mucho por la iconoclasia y hacia principios del siglo XVII se decidió construir una nueva iglesia, totalmente en consonancia con el espíritu de la Contrarreforma de la época. La primera piedra se colocó el 14 de abril de 1629, según diseño del arquitecto y jesuita flamenco Pieter Huyssens (1577-1636); las obras finalizaron el 1 de junio de 1722.
La Iglesia de Nuestra Señora de San Pedro está considerada una obra maestra de Pieter Huyssens y un punto culminante de la arquitectura barroca en el sur de los Países Bajos. Pieter Huyssens disfrutó de la protección de los archiduques Alberto e Isabel y se inspiró en la arquitectura renacentista y barroca italiana para sus diseños. Anteriormente también diseñó la iglesia Carolus Borromeus en Amberes y las iglesias jesuitas en Namur y Brujas.
La Iglesia de Nuestra Señora de San Pedro está diseñada en dos partes, con un edificio central y cúpula para la parte occidental y un edificio basilical con el coro de monjes para la parte oriental. Ambas partes estaban originalmente separadas por una buhardilla que se trasladó a la fachada oeste alrededor de 1846 durante las obras de modernización encargadas al arquitecto municipal Louis Roelandt (1786-1864). Un cuadro de Ange De Baets de 1836, actualmente conservado en el tesoro, aún muestra su estado original. La fachada occidental está igualmente equilibrada con sus pilares, nichos y ventanas colocados simétricamente. El frontón triangular muestra el escudo de armas (con tres llaves) de la abadía.
Iglesia de San Pedro de Gante (Bélgica) |
Durante la Revolución Francesa, la iglesia perdió su función original como iglesia abacial y de 1798 a 1809 fue utilizada como Museo departamental de Bellas Artes. Después de que la cercana iglesia parroquial de Nuestra Señora fuera demolida durante el dominio francés en 1799, la antigua iglesia abacial volvió a ser utilizada en 1810; Desde entonces funciona como iglesia parroquial. La construcción neoclásica de la plaza en analogía con la Plaza de San Pedro en Roma por el arquitecto Charles Leclerc-Restiaux data de 1848.
Canales de Gante (Bélgica) |
Caminamos por la calle de Sint-Pietersnieuwstraat hacia el centro por la zona universitaria de la ciudad (GPS N 51.0463992 E3.7259425), pensamos que esta zona puede ser más barata para almorzar. Vemos un restaurante Italiano “La Rustica”, nos parece una buena idea porque la reseñas son buenas y nos parece que con una buena pizza que oscila entre los 15 y 17 euros puedes comer.
Una vez en el centro histórico lo primero que llama la atención es la iglesia de San Nicolás (GPS N51.0537338 E3.7225764), situada Cataloniëstraat, 9000 Gent. Entrada gratuita. Horarios: 10:00-16:00 h.
Los ricos comerciantes de los alrededores de Gras y Korenlei medievales habían financiado la construcción de la iglesia y por eso eligieron al santo patrón de los comerciantes y patrón de los marineros, capitanes y panaderos: San Nicolás de Myra.
No existen hechos históricos, pero se dice que San Nicolás fue obispo de Myra, ciudad costera de Asia Menor, en la primera mitad del siglo IV. Era muy querido y para evitar que sus restos fueran robados durante las Cruzadas, los marineros los llevaron a un lugar seguro en la ciudad de Bari, en el sur de Italia, alrededor de 1087. En aquella época, de su tumba se derramaban unos 7 litros de una sustancia líquida llamada “maná” o “mirra”, que tenía un fuerte efecto medicinal. Este primer “milagro” es sólo una de innumerables leyendas. Por ejemplo, un posadero o un carnicero habrían matado a sus propios hijos y los habría ofrecido como carne de cerdo en un barril de salmuera. San Nicolás les devolvió la vida y desde entonces es considerado el gran amigo de los niños. Por ello, a menudo se le representa con una bañera y tres niños. Otra historia habla de un barquero que en un sueño recibió tres monedas de oro del Santo para llevar un cargamento de grano a la hambrienta Myra. Cuando el hombre se despertó y encontró las piezas de oro en su mano, inmediatamente cumplió el deseo del sueño. Por eso a menudo se representa a San Nicolás con tres bolas doradas y los hijos de Sinterklaas reciben monedas de oro y chocolate.
Altar Mayor de la Iglesia de San Nicolás de Gante (Bélgica) |
La parroquia de San Nicolás fue fundada a finales del siglo XI. Anteriormente, esta parte de la ciudad pertenecía a la parroquia de San Juan, donde la Iglesia de San Juan (ahora Catedral de San Bavón) ocupaba un lugar central. Detrás de la iglesia de San Juan se encontraba el primer puerto de Gante. Debido al auge del comercio de lana y telas, las actividades portuarias se ampliaron en la Edad Media a un segundo puerto en la ciudad: Graslei y Korenlei.
Cada vez más gente vino a vivir cerca de los puertos. Debido a los recién llegados, la parroquia de St. John creció rápidamente y se dividió. Así surgieron la actual parroquia de Sint-Niklaas y la más lejana parroquia de Sint-Jacobs. La parroquia de Sint-Niklaas tenía una buena ubicación cerca del Korenmarkt, Leiehaven y las carreteras principales.
En la Edad Media, los comerciantes locales podían contar con un privilegio especial que les proporcionaba grandes beneficios: el montón de cereales. Este privilegio obligaba a todo transportista de cereales que pasara por Gante a dejar una cuarta parte de su cargamento en la ciudad. Esta parte se vendió a través de comerciantes del Korenmarkt, que ganaron mucho dinero y pudieron así pagar la construcción de la nueva iglesia de San Nicolás.
Vidrieras de la Iglesia de San Nicolás de Gante (Bélgica) |
La primera iglesia que se levantó en el lugar de la iglesia actual data del siglo XII. Se trataba de una sencilla iglesia cruciforme de tres naves de estilo románico, de la que se han encontrado vestigios durante las excavaciones. Esta "primera iglesia de San Nicolás" pronto se quedó pequeña y los numerosos feligreses la demolieron rápidamente para construir una iglesia más grande: la actual iglesia de San Nicolás.
La construcción de la nueva iglesia se inició a principios del siglo XIII. Se construyó en varias fases: primero la nave en estilo gótico temprano, luego el crucero, la torre del crucero y el coro en estilo arquitectónico gótico del Escalda. Mientras Gante crecía hasta convertirse en una de las ciudades medievales, a la iglesia de San Nicolás se le dio la función adicional de campanario del siglo XIII.
La iglesia fue terminada a principios del siglo XIV, pero debido al crecimiento demográfico, la innovación volvió a ser necesaria. La iglesia era demasiado pequeña y debía reflejar la grandeza de Gante. Además, también podría mejorarse a nivel técnico. Además de los artesanos, también financiaron las obras los patricios y cofradías. Como se trataba de construcciones enormes, su construcción a menudo tardaba varios siglos. Por este motivo, en la iglesia de San Nicolás también se pueden ver distintas fases de construcción.
Arte en la Iglesia de San Nicolás de Gante (Bélgica) |
Las fraternidades y gremios han jugado un papel crucial en el desarrollo del patrimonio artístico de la iglesia. La gente competía constantemente entre sí por la obra maestra más grande, lo que dio lugar a proyectos atrevidos y muebles hermosos. Para ello se recurrió a buenos carpinteros, carpinteros, escultores, vidrieros y pintores.
Los veinte altares restantes fueron construidos entre los siglos XVII y XIX. Bajo el pastorado de Roger Nottingham se construyeron el altar principal y once altares laterales. Estos muebles suelen ser ejemplos perfectos del estilo barroco, pero evolucionaron con el tiempo. Se veneraron sucesivamente varios santos, se adaptó la combinación de colores a las últimas tendencias de la moda o se recuperaron figuras de antiguos altares.
La iglesia tiene mucho obiits o tableros de luto. Estas pinturas negras con forma de rombo contienen la palabra “obiit” (ha muerto), las fechas de nacimiento y muerte, y posiblemente el escudo de armas del difunto. Normalmente se colgaba un obiit cerca de la tumba asociada. La iglesia de San Nicolás contiene numerosos ejemplos, algunos de los cuales cuelgan en el coro, pero la mayoría están almacenados. A largo plazo es deseable que vuelvan a la iglesia. Pero primero es necesaria su restauración, así como una investigación preliminar de la historia del arte y la técnica de los materiales.
Púlpito de la Iglesia de San Nicolás de Gante (Bélgica) |
El púlpito de la iglesia de San Nicolás fue construido en 1669-1670 por el carpintero Norbert Sauvage; Se desconoce quién fue el responsable de la escultura. El púlpito contiene una gran riqueza de representaciones simbólicas. Cuatro volutas con los símbolos de los cuatro evangelistas sostienen la tina: el toro para Lucas, el ángel para Mateo, el león para Marcos y el águila para Juan. La tina en sí tiene un cartel en las cuatro superficies que representa a un padre de la iglesia: San Agustín (con el corazón en la capa), San Gregorio (con la paloma), San Jerónimo (en la puerta) y San Ambrosio. En las cuatro esquinas hay cuatro ángeles con los símbolos de los cuatro elementos: la canasta de flores para la tierra, el pez para el agua, el águila y la estrella para el cielo, la antorcha para el fuego. La caja de resonancia está sostenida por dos ángeles que probablemente representan la Fe y la Esperanza. El frente de la caja de resonancia muestra dos querubines; Reemplazan el escudo de armas original de la familia Van Biervliet que fue eliminado durante la Revolución Francesa.
Las doce estatuas de los apóstoles del siglo XVII formaban parte originalmente de la iglesia inferior, pero durante la restauración fueron trasladadas. Las estatuas de San Pedro (con libro y llave), San Andrés (con la cruz inclinada de San Andrés) y Santiago el Mayor (con bastón de peregrino y concha) fueron realizadas en 1642 por Claude Le Fer I; Se desconoce el autor de las otras estatuas de los apóstoles. En la iglesia hay una segunda estatua de los apóstoles Pedro y Pablo (con libro y espada). Estas estatuas fueron realizadas alrededor de 1633 por Jacques Cockx para la iglesia jesuita de Volderstraat. Hacia 1800 fueron trasladados a la iglesia de San Nicolás y colocados a ambos lados del portal de la antigua sacristía.
Púlpito de la Iglesia de San Nicolás de Gante (Bélgica) |
Caminamos hacia la catedral y vemos Fontein der Geknielden (GPS N51.0538705 E3.7239423). Se conoce popularmente al grupo escultórico “la fuente de los arrodillados” o como “los pisserkes” de la Emile Braunplein.
Al inicio de las Fiestas de Gante, el 19 de julio de 1937, los jóvenes desnudos de bronce aparecen sobre una pila de piedra, en pleno centro de la ciudad, para el deleite de los ganteses que celebraban con alegría y dieron un nombre burlón al grupo de estatuas.
Fue realizado por Georges Minne (1866-1941) y colocado allí en honor del décimo aniversario de la muerte del alcalde Emile Braun (1848-1927).
La fuente es una copia del original que se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Gante. Es el trabajo más conocido de Minne. Las figuras recuerdan el mito del semidiós Narciso, que se enamora de su reflejo y queda destruido por la añoranza del objeto inalcanzable de su amor.
En los cuadernos de bocetos de Minne también se encontraron estudios preliminares relacionados con la “Fuente de la Vida”, como se puede ver en el Retablo del Cordero Místico de los hermanos Van Eyck. Esto también justificó una interpretación más religiosa de la fuente.
Campanario de Gante (Bélgica) |
Más adelante vemos el Campanario de Gante (GPS N 51.0537061 E3.7243692), situado Sint-Baafsplein, 9000 Gent. Horario de 10:00-18:00 horas. Precio 11 euros.
Su construcción comenzó en 1313 y tras muchos años y diversas modificaciones fue finalizada en 1380. Posteriormente se le realizaron algunas reformas e incluso el reemplazo de la campana original que fue destruida.
La aventura comienza con una escalera de piedra, donde hay que subir 91 metros de altura te hará sentir como un auténtico aventurero medieval.Pero no te preocupen porque lo puedes hacer por el ascensor, cada paso te acerca más a las vistas más impresionantes de la ciudad.
A lo largo de los siglos, esta torre ha sido mucho más que un simple campanario. Ha sido testigo de la historia de Gante, desde anunciar la hora hasta servir como torre de vigilancia fortificada y depósito de la tesorería de la ciudad.
Hay salas intermedias donde puedes leer explicaciones sobre los aspectos y la historia de la torre. En la visita también podréis contemplar el carillón. Imaginen tocar esas campanas con un teclado, como si fueran músicos medievales dando vida a la ciudad con su melodía.
Fachada de la Catedral de San Bavón de Gante (Bélgica) |
Al fondo se adivina la silueta de la catedral de San Bavón (GPS N51.0534713 E3.7257507). Sint-Baafsplein 1, 9000 Gent. La entrada a la catedral es gratuita pero si quieres ver el famoso cuadro de los hermanos Van Eyck debes pagar 12€.
La catedral de San Bavón fue originalmente la iglesia parroquial más antigua de Gante y en aquel entonces seguía siendo la iglesia de San Juan Bautista. Las fuentes más antiguas de esta iglesia se remontan al siglo X. Según la tradición, Transmarus, obispo de Tournai y Noyon, fundó en el año 942 una iglesia dedicada a Juan Bautista en este lugar, situado en el floreciente puerto de la ciudad comercial de Gante. No fue hasta 1540 que Sint-Baafs recibió su nombre actual.
Antes, hacia el año 630, y no lejos de la iglesia de San Juan Bautista, San Amando o, según la tradición, el propio San Bavón, había fundado la Abadía de San Bavón, una comunidad de sacerdotes seculares que más tarde establecieron el gobierno de Le siguió el San Benito. La Abadía de San Bavón se convertiría en una de las abadías más importantes de Flandes. Sin embargo, a petición del emperador Carlos V, la abadía de San Bavón se transformó en capítulo de canónigos en 1536. Después del levantamiento de Gante en 1539, la abadía fue cerrada y los canónigos se trasladaron a la iglesia de San Juan, que a partir de entonces se llamó iglesia de San Bavón. El 12 de mayo de 1559, cuando el Papa Pablo IV firmó la bula 'Super Universas', Gante se convirtió en diócesis y la Iglesia de San Bavón se convirtió en Catedral de San Bavón.
Naves de la Catedral de San Bavón de Gante (Bélgica) |
De la iglesia parroquial original del siglo X no se conservan vestigios materiales. Los vestigios más antiguos se remontan a la iglesia románica del siglo XII. Se trataba de una iglesia cruciforme de tres naves con torre de crucero y coro de tres naves sobre una cripta del mismo tamaño pero dividida en cuatro naves. Sólo se conserva la cripta, y sólo dos de sus cuatro naves originales. Forman el núcleo de las ampliaciones góticas (nuevas naves laterales y amplias capillas radiantes) que se añadieron a finales del siglo XIII. La cripta de la catedral de San Bavón es la más grande de Flandes. En la cripta aún se pueden ver rastros de los murales originales.
Entre las obras maestras de la catedral podemos ver “Retablo de Gante o la Adoración del Cordero Místico”, obra de los pintores Hubert y Jan Van Eyck, realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1432. Tiene unas medidas Abierto mide 340 x 440 cm.
La Catedral de San Bavón alberga una de las mayores obras maestras de la pintura flamenca: el Cordero Místico. Después de la muerte de Hubert Van Eyck (ca 1366-1426), el retablo fue completado por Jan Van Eyck (ca 1390-1441) en 1432 en nombre de Joost Vijdt, concejal de Gante y celador de la entonces Iglesia de San Juan, y su esposa Elisabeth Borluut. La obra estuvo originalmente ubicada en la capilla que fundaron en la girola; Actualmente se puede contemplar en el antiguo baptisterio. El programa iconográfico de la tabla se orienta en torno al Agnus Dei, atributo de Juan Bautista como patrón de la parroquia. El foco central es la Redención de la humanidad a través del sacrificio de Cristo en la cruz. Los clientes se presentan en los paneles exteriores. Los hermanos Van Eyck son considerados grandes maestros absolutos de la escuela de los primitivos flamencos; el Cordero Místico como obra maestra del arte de la pintura al óleo que desarrollaron.
“Retablo de Gante o la Adoración del Cordero Místico”, obra de los pintores Hubert y Jan Van Eyck Catedral de San Bavón de Gante (Bélgica) |
El retablo de Gante tiene una historia material compleja, pues se trata de una obra de arte muy codiciada que ha sido víctima de varias agresiones y de al menos seis robos.3?En consecuencia, las diferentes tablas han sido desunidas en varias ocasiones, permaneciendo separadas unas de otras por largos periodos de tiempo.
Tapas de La Adoración del Cordero Místico Catedral de San Bavón de Gante (Bélgica) |
En el año 1566 se desunió para esconderlo de las revueltas calvinistas, que estaban destruyendo muchas obras de arte sacro de acuerdo a la mentalidad iconoclasta.
En 1794, las cuatro tablas centrales fueron enviadas al Louvre por las tropas de Napoleón, pero en 1815 Luis XVIII de Francia las devolvió como señal de agradecimiento a la ciudad donde encontró refugio. Las alas laterales se vendieron el año siguiente, y tras varias ventas intermedias acabaron en la Gemäldegalerie de Berlín. Pero en el año 1919 el Tratado de Versalles cita explícitamente el retablo y obliga a Berlín a devolver las tablas a Gante.
El retablo recuperado de las minas de sal de Altaussee al final de la Segunda Guerra Mundial
Durante la Segunda Guerra Mundial, el ejército alemán trasladó el retablo, junto a otras siete mil obras de arte, a una mina de sal, de donde fueron rescatadas por la unidad MFAA (Monuments, Fine Arts, and Archives program o Monuments Men), en español el Programa de Monumentos, Arte y Archivos.
Actualmente una de las tablas sigue perdida. Se trata de Los Jueces Justos (extremo inferior izquierdo del políptico) que fue robado en el año 1934. El que actualmente se contempla es una copia realizada por el pintor belga Jef Vanderveken en el año 1945.
A partir de 2010, el retablo está siendo sometido a un minucioso proceso de análisis y restauración, con apoyo de la Fundación Getty de California. La primera fase concluyó en 2017 y permitió restaurar los paneles traseros de las dos puertas. La segunda fase, concluida en 2019, restauró los panales inferiores: los de la derecha -el de Los Peregrinos y el de Los Ermitaños-, la escena central con la Adoración del Cordero Místico, y los dos de la izquierda: el de Los Caballeros de Cristo y el de Los Jueces Justos.
Tablas superiores “Retablo de Gante o la Adoración del Cordero Místico”, obra de los pintores Hubert y Jan Van Eyck Catedral de San Bavón de Gante (Bélgica) |
Si observamos las tablas superiores, la tabla central está ocupada por la figura de gran tamaño y cuerpo completo de Dios Padre, quien, sentado en un trono y vestido con túnica y manto rojo, va coronado con la triple corona papal y lleva en la mano izquierda un cetro mientras con la derecha bendice a la vez que con los tres dedos levantados alude a la naturaleza trina de Dios. Destaca la riqueza de su vestido, joyas y bordados así como la corona que aparece a sus pies y que muestra la superioridad del poder de Dios y de la Iglesia sobre los poderes terrenales. A su derecha aparece la Virgen, sentada aunque ligeramente vuelta hacia el lugar ocupado por Dios. Representada con rasgos idealizados, larga y fina melena rubia, destaca igualmente la riqueza de su túnica y manto, azul oscuro, con bordados, así como las joyas, sobre todo la corona que porta sobre su cabeza. María lee un libro de oraciones representado con extremo realismo y minuciosidad. Un esquema similar reproduce la figura de San Juan Bautista, situado a la izquierda de Cristo, representado con larga cabellera y barba, con túnica de piel y manto de paño verde, quien deja descansar un libro sobre sus piernas mientras parece señalar con la mano derecha a Dios Padre. Dos grupos de ángeles, músicos a la derecha y cantores a la izquierda, dirigen sus cánticos a Dios. También aquí cabe destacar la minuciosidad en la representación de los tejidos, brocados, joyas, muebles, instrumentos y libros. Por último en los extremos aparecen representadas de cuerpo completo las figuras desnudas de Adán y Eva. Éstas no aparecen integradas en ninguna escena sino dentro de sendos nichos rematados por dos escenas en grisalla que representan a Caín y Abel haciendo ofrendas a Dios, sobre la cabeza de Adán, y el asesinato de Abel en manos de su hermano Caín sobre la de Eva, quien porta una fruta en su mano en alusión al pecado original. Escena inferior central: Adoración del Cordero Místico (Eucaristía). Da nombre a la obra. El cordero místico, símbolo de Cristo aparece en el centro de un prado de un intenso color verde, está rodeado de ángeles y arcángeles, los bienaventurados, las santas mártires y los padres de la iglesia que viene a adorarlo. Su sangre se recoge en la copa sagrada, que luego se conoce como Santo Grial.
Tablas inferiores “Retablo de Gante o la Adoración del Cordero Místico”, obra de los pintores Hubert y Jan Van Eyck Catedral de San Bavón de Gante (Bélgica) |
Las seis tablas inferiores, las dos más anchas del centro más las cuatro situadas en los laterales desarrollan el tema que da nombre al retablo: la adoración del cordero místico. En el centro, en el mismo eje que Dios Padre, situado en la parte superior del retablo, aparece el Espíritu Santo que sirve de nexo de unión entre ambos temas, mientras que más abajo, en el centro de la composición se encuentra el cordero sobre un altar y de cuyo costado abierto sale sangre que va a parar a un cáliz. Rodeándolo aparecen ángeles que portan los instrumentos de la Pasión mientras otros portan incensarios. Al fondo, vemos un paisaje formado por árboles frutales y una ciudad a lo lejos. Desde allí provienen dos comitivas de mártires que portan las palmas que los identifican separados por sexo, por la izquierda acuden los santos mientras por la derecha vienen las santas, todos dirigiéndose hacia el cordero. Más abajo hay una fuente de la que emana agua, otra metáfora de Cristo ("Fuente de Vida") a cuyo alrededor se disponen grupos de santos, de los que distinguimos a la derecha a los apóstoles y San Pablo cuyos mantos marrón claro los distingue. Junto a ellos acuden grupos de papas, obispos y santos, entre los que distinguimos algunos como a san esteban que lleva las piedras de su martirio. Mientras, el grupo de la derecha está formado por los patriarcas bíblicos, anteriores a Cristo, entre los que distinguimos a Noé o Moisés. En las tablas de la derecha santos ermitaños y peregrinos acuden a unirse al grupo que ya adora la Fuente y el cordero. Entre ellos distinguimos en la primera tabla de la derecha a San Antonio Abad y María Magdalena, con el tarro de ungüentos, mientras que en la segunda tabla se distingue por su mayor tamaño a San Cristóbal, patrón de los viajeros y peregrinos. En las dos tablas de la izquierda se repite el mismo esquema, sólo que en éstas los personajes se dirigen a caballo hacia el centro de la tabla. Son los caballeros de Cristo, entre los que se encuentran San Jorge y el rey san Luis de Francia y por último los jueces justos.
Tapas de La Adoración del Cordero Místico Catedral de San Bavón de Gante (Bélgica) |
La obra que estamos comentando es, sin duda, la más rica y compleja no sólo de la producción de van Eyck sino de toda la pintura flamenca. Toda la tabla responde a un mismo programa iconográfico relacionado con la Redención del Ser Humano a través del sacrifico de Cristo. Así en las tablas exteriores se muestran, de arriba a abajo, dos profetas del Antiguo testamento y dos sibilas del mundo clásico, que anticiparon con sus visiones la llegada del Mesías. Estas visiones proféticas se hacen realidad en la escena intermedia que muestra la Anunciación de María por el Arcángel San Gabriel. En las tablas inferiores los donantes, quiénes quieren dejar constancia de su mecenazgo a través de sus retratos, oran ante las estatuas de los Santos Juanes, a quiénes estaba dedicada la Catedral de San Bavón en el momento en el que fue encargada la obra. Ambos santos también están relacionados con las profecías que anunciaban la llegada de Cristo pues el Bautista es el último profeta que anuncia su llegada mientras que el Evangelista en su Apocalipsis anuncia la segunda venida de Cristo .
Por su parte, en las tablas interiores podemos ver como el centro físico y temático de la composición está ocupada por Dios. El resto de personajes parecen dirigirse a Él creando un efecto centrípeto en la composición. En la tabla central aparece la imagen imponente y majestuosa de Dios Padre. Su presencia impresiona aunque no intimida como ocurriera en el arte románico. Aparece como Todopoderoso al que se someten todos los poderes terrenales. Bajo Él, el Espíritu Santo y el Cordero, imagen metafórica de Cristo, completan la Trinidad. Así mismo la Fuente de la Vida hace alusión a la misión redentora de Cristo; «Todo el que beba de esta agua, volverá a tener sed; 14 pero el que beba del agua que yo le dé, no tendrá sed jamás, sino que el agua que yo le dé se convertirá en él en fuente de agua que brota para vida eterna.»(Jn 4, 5-42). Flanqueando a Dios Padre aparece la Virgen y San Juan (tema de la Deesis Bizantina) y los ángeles que con sus cantos alaban a Dios. Finalmente en los extremos las figuras realistas de Adán y Eva, primeros padres de la Humanidad, adquieren un aspecto casi de estatuas y en ellas podemos ver el interés por el naturalismo. Sobre las cabezas de los primeros padres sendos relieves hacen mención a sus hijos, Caín y Abel, y al terrible pecado del asesinato de Abel en manos de su hermano, hecho relacionado con la llegada del pecado original simbolizado en la fruta que porta Eva. Este pecado será el motivo que justifique la escena inferior, pues el Cordero, con su sangre redime a la Humanidad del pecado.
En las tablas inferiores, aparece un espacio idealizado, de prados y árboles frutales, que bien podrían ser los que permanecían en el recuerdo de Van Eyck de su viaje por la península ibérica entre 1428 y 1429 al servicio del duque Felipe "El Bueno". Se trata de una representación de la Jerusalén Celestial y todos los Bienaventurados acuden a adorar al Cordero y a la Fuente de la Vida.
“Triptico del Calvario”, obra del pintor Joos van Wassenhove Catedral de San Bavón de Gante (Bélgica) |
La siguiente obra de arte que nos ofrece la catedral “Triptico del Calvario”, obra del pintor Joos van Wassenhove (1435-1480), realizado en óleo sobre madera, esta datado 1460.
En el brazo norte del crucero hay un tríptico que generalmente se atribuye a Joos van Wassenhove. En 1470 se trasladó a Italia, donde fue llamado Justo de Gante. Combinó la antigua escuela holandesa con el estilo del primer Renacimiento italiano. Esta obra representa el Calvario con Cristo crucificado; a la izquierda María, asistida por Juan y María Magdalena, se desmaya, a la derecha aparece Longino a caballo. Los paneles laterales muestran reflejos de la muerte en la cruz. El panel de la izquierda muestra a Moisés que, por orden de Dios, potabiliza el agua de Marah sumergiendo en ella un trozo de madera, tema también excepcional en la pintura de los Países Bajos. El panel derecho representa a Moisés y la Serpiente de Bronce. Las alas exteriores representan a San Lorenzo y San Luis. En el frente del panel derecho, aparecen dos figuras que parecen retratos en el grupo del medio, a la izquierda contra el borde del panel, un hombre con una joya en la gorra y una mujer con un velo; pueden presentar a los clientes. El panel probablemente fue encargado por Laureins de Maech y su esposa Louise van den Hove.
“Entrada de Bavón”, obra del pintor Pieter Paul Rubens Catedral de San Bavón de Gante (Bélgica) |
La siguiente obra de arte que nos ofrece la catedral “Entrada de Bavón”, obra del pintor Pieter Paul Rubens (1577-1640), realizado en óleo sobre madera, esta datado 1624.
De particular valor es una obra que ahora se encuentra en la Capilla de los Santos Pedro y Pablo. La pintura representa la Entrada de Bavón y fue pintada en 1624 por Pieter Paul Rubens (1577-1640). El pintor realizó esta obra, por encargo del obispo Antonius Triest, para el antiguo altar mayor; cuando se erigió un nuevo altar mayor en 1702 o poco después, se trasladó. La pintura representa la conversión de Bavón y su entrada al monasterio. Según la leyenda, Bavón, nacido en Lieja hacia el año 589, vivió una vida muy disoluta. Sin embargo, tras la muerte de su esposa se arrepintió; donó todas sus posesiones a los pobres y se convirtió en monje y seguidor de San Amando. Los escalones del frente representan al mayordomo que, en nombre de Bavón, distribuye sus bienes entre los pobres. A la izquierda, al lado de la escalera, la hija de Bavón mira la escena principal de la escalera: Bavón, con armadura, arrodillado, San Amando, con la mano en la barandilla, recibe al converso. Después de su muerte en 654, Bavón fue enterrado en la Abadía de Ganda fundada por él o por San Amando; esta abadía se convirtió más tarde en la Abadía de San Bavón. La pintura es una de las obras más importantes de Rubens.
“Pulpito”, obra del pintor Laurent Delvaux Catedral de San Bavón de Gante (Bélgica) |
La siguiente obra de arte que nos ofrece la catedral “Pulpito”, obra del
escultor
Laurent Delvaux (1696-1778), realizado en madera y mármol, esta datado 1741-1745.
El púlpito de la Catedral de San Bavón es una obra maestra de la escultura rococó. La silla fue realizada en 1741-1745 por el escultor flamenco Laurent Delvaux. Tras una estancia de trabajo en Inglaterra y un viaje a Italia, desempeñó diversos encargos para diversas iglesias y abadías de los Países Bajos. El grupo medio del púlpito consta de dos figuras alegóricas; Claramente inspirados en la obra de Lorenzo Bernini (1598-1680), presentan 'La verdad desvelada por el tiempo'. Detrás de las figuras, un tronco de árbol sostiene la bañera. De las dos escaleras que conducen a la silla, cada escalera está flanqueada por un ángel con el escudo de armas del obispo Antonio Triest. Tres relieves de mármol decoran la bañera; representan el nacimiento de Jesús, la conversión de Pablo y la conversión de San Bavón. Dos manzanos sostienen la caja armónica, que está cubierta con un cortinaje. En la parte superior dos ángeles llevan una gran cruz.
“Tumba del obispo”, obra del escultor Hieronymus Duquesnoy el Joven Catedral de San Bavón de Gante (Bélgica) |
La siguiente obra de arte que nos ofrece la catedral “Tumba del obispo”, obra del escultor Hieronymus Duquesnoy el Joven (1602-1654), realizado en madera y mármol, esta datado 1652-1654.
El coro, que forma parte de cuatro monumentos funerarios de obispos de Gante, también contiene el monumento funerario del obispo Antonius Triest (1621-1657). El mausoleo fue construido en 1652-1653 por Hieronymus Duquesnoy el Joven, hijo de Hieronymus Duquesnoy el Viejo (ca 1570-1641) y hermano de Frans Duquesnoy (1597-1643). El escultor flamenco se formó con su padre y posteriormente trabajó en el estudio de su hermano en Roma. Tras su muerte regresó a Bruselas, donde inició una brillante carrera. De 1644 a 1651 realizó, entre otras cosas, cuatro estatuas de apóstoles para la iglesia de San Miguel de Bruselas y una estatua de Santa Úrsula para la iglesia de Sablon en Bruselas. Desde 1651 trabajó para la catedral de San Bavón en Gante, en el mausoleo del obispo Antonius Triest. La obra muestra a María y a Jesús que, en un entorno arquitectónico y siguiendo el modelo italiano, miran al obispo medio yacente mirando hacia el coro. Abajo dos ángeles sostienen un cartel con una inscripción, arriba sostienen el escudo del obispo con sombrero de obispo. Antonio Triest fue el séptimo obispo de Gante. Dejó su huella en gran medida en el rico interior barroco de la catedral tal como lo vemos hoy.
Edificio con forma de barco en Lier (Bélgica) |
Desde aquí marchamos al parking de Gante para continuar nuestro viaje hasta el pueblo Lier, son solamente 79 km, porque pasar la noche aquí tendríamos que pagar dos días y si continuamos Lier tiene un área de autocaravanas gratuita, ya veremos… Además, la ciudad está muy vinculado con la corona española y que mañana descubriremos.
En menos de una hora llegamos a Lier, el área de autocaravana es pequeña para dos o tres autocaravanas, pero el parking es grandísimo sin ninguna limitación. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N51.1253257 E4.5734179 .
Día 27 de marzo (miércoles)
Ruta: Lier
Lier (Bélgica) |
Día 7 del viaje a Waterloo. Amanece en el parking gratuito para autocaravanas de Lier, dónde hemos pasado una noche muy tranquila.
Lier es una joya oculta en Bélgica, ofreciendo una combinación única de historia, cultura, y belleza natural. Es un destino perfecto para aquellos que desean explorar más allá de las rutas turísticas convencionales.
Lier es a menudo llamada "la ciudad de los desleales" (“Stad van de schapenkoppen” en neerlandés), una referencia histórica y folclórica que ha perdurado a lo largo del tiempo.
El término "Stad van de schapenkoppen", que se traduce al español como “Cabezas de Ovega”, es un apodo histórico y folclórico asociado con la ciudad de Lier en Bélgica. Este apodo tiene su origen en un evento anecdótico del siglo XIV, durante el reinado del Duque Juan II de Brabante. Aquí está la historia y su desarrollo:
El origen del Apodo sucede cuando piden que la ciudad pueda celebrar mercado, en el siglo XIV, los ciudadanos de Lier querían obtener el derecho de construir una nueva torre de vigilancia en su mercado. Para ello, necesitaban la aprobación y el financiamiento del Duque Juan II de Brabante.
Monumento a la Cabezas de Ovejas de Lier (Bélgica) |
En una audiencia con el Duque, los ciudadanos de Lier pidieron los fondos necesarios. El Duque, en tono de burla, les ofreció una opción: podían elegir entre recibir el dinero para la torre o recibir una cantidad equivalente de ovejas.
Decisión del Pueblo fue que los ciudadanos, creyendo que las ovejas podrían ser más útiles para su economía, optaron por aceptar las ovejas en lugar del dinero.
Reacción del Duque, sorprendido y divertido por la decisión, otorgó las ovejas pero también propagó la historia como una muestra de la "simplonería" de los ciudadanos de Lier.
A partir de entonces, los ciudadanos de Lier fueron apodados "schapenkoppen" (cabezas de oveja) como una referencia a esta decisión que se consideró ingenua.
Dominio Español en los Países Bajos, durante el siglo XVI, la región que hoy es Bélgica formaba parte de los Países Bajos españoles bajo el control de la Monarquía Habsburgo. Este período fue marcado por conflictos religiosos y políticos, incluyendo la Guerra de los Ochenta Años que llevó a la independencia de los Países Bajos del Norte.
Durante este período, la influencia española se extendió a varios aspectos de la vida en Lier y en otras partes de los Países Bajos del Sur. Esto incluye la arquitectura, el arte y ciertas costumbres que pueden haber sido adoptadas o influenciadas por el dominio español.
Mural historico de Lier (Bélgica) |
A las 9,00 horas comienza nuestro free tour por la ciudad de Lier, tiene 30000 habitantes y está todo muy a mano sin necesidad de transporte.
Nave de la Colegiata de San Gumaro de Lier (Bélgica) |
Lo primero que visitamos es la Colegiata de San Gumaro (GPS N 51.130047 E4.5719939), situada Kardinaal Mercierplein 8, 2500 Lier, fue el lugar histórico donde se caso Juana I y Felipe. Aquí se inicia la dinastía de los Habsburgo en España.
Lamentable está en restauración hasta el 2029, solamente desde un hueco habilitado se puede ver una iglesia totalmente desarmada y sus obras de arte muy protegidas.
La actual iglesia fue construida para reemplazar una antigua iglesia románica edificada en el año 1000. La torre de la iglesia de San Gumaro es la parte más antigua del edificio, y data de 1378. En 1702 la torre se elevó hasta alcanzar una altura de 80 metros. La parte más alta de la torre es de un estilo más tradicional, menos gótico.
El coro de la iglesia se terminó entre 1475 y 1516. La nave principal, el crucero y las capillas laterales se construyeron a partir del siglo XVI. La iglesia fue diseñada y construida por los famosos arquitectos Anton Brabantine Keldermans y Domien de Waghemakere.
El interior de la iglesia tiene un esplendor realmente espectacular. Uno de los elementos que más llaman la atención del visitante son sus vidrieras. Colocaros en la puerta de entrada al templo y contemplad la belleza de la piedra arenisca de color blanca de las paredes. Es sin duda uno de los productos más hermosos de los escultores de Malinas, realizado entre 1536 y 1539.
Portada de la Colegiata de San Gumaro de Lier (Bélgica) |
El templo tiene una nave principal y cuatro laterales. La nave central está coronada por un pináculo decorado con estatuas. A su lado, delgadas columnas de mármol negro, ricamente decoradas con estatuas de los evangelistas y los papas. Este elemento vertical es muy característico en el estilo gótico. Además, una parte de la decoración se compone de escenas de la Pasión de Cristo.
Las vidrieras, el otro tesoro arquitectónico de la iglesia, se construyeron entre los siglos XV y XVI. Sobre el coro, las vidrieras reflejan los retratos del emperador Maximiliano de Habsburgo y su esposa, la duquesa María de Borgoña. Otras figuras retratadas son Felipe el Hermoso y su esposa Juana de Castilla, Filiberto de Saboya y Margarita de Austria, el emperador Carlos V y su hermano Fernando de Habsburgo.
Toda la parte anterior se remonta a principios del siglo XVI. Las vidrieras de la parte sur del templo muestran imágenes de la coronación de la Virgen María. Todo este conjunto de vidrieras está catalogado como el más hermoso de Flandes.
En los laterales del coro se conservan algunos trípticos, entre los cuales destaca uno de Rubens, San Francisco y Santa Clara. También podemos ver el tríptico Colibrant, pintado por Goswin van der Weyden en 1515. El púlpito de la iglesia fue construido en 1462 por Quellien Verbruggen, mientras que la sillería del coro fue realizada por Verhulst en 1555.
Tumbas de la Colegiata de San Gumaro de Lier (Bélgica) |
En la colegiata se celebro la boda histórica más importante del momento entre Juana y Felipe. Siguiendo la costumbre de la Europa de la época, Isabel I de Castilla y Fernando II de Aragón, los Reyes Católicos, negociaron los matrimonios de todos sus hijos para conseguir asegurar objetivos diplomáticos y estratégicos. De este modo, buscando reforzar los lazos con Maximiliano I de Habsburgo, archiduque de Austria y emperador electo del Sacro Imperio Romano Germánico, y debilitar a los monarcas franceses de la dinastía Valois, ofrecieron a su hija Juana en matrimonio del hijo de Maximiliano, Felipe. A cambio de estos enlaces, los Reyes Católicos pedían la mano de la hija de Maximiliano, Margarita de Austria, como esposa para el príncipe Juan. Antes de esto, Juana había sido considerada como posible esposa para el delfín Carlos, heredero del trono de Francia, y en 1489 fue pedida en matrimonio por el rey Jacobo IV Estuardo de Escocia.
En agosto de 1496, Juana partió de Laredo (Cantabria) rumbo a Flandes, donde le esperaba su futuro esposo al que no había visto hasta entonces. Viajó a bordo de una carraca genovesa al mando del capitán Juan Pérez. Con el fin de demostrar el esplendor de la corona castellano-aragonesa a las tierras del norte y al hostil rey francés, el cortejo estaba formado por una flota de 19 buques entre naos y carabelas y una tripulación de 3.500 hombres. Además, se les unieron unos 60 navíos mercantes que cada año transportaban lana de Castilla a Flandes. La expedición se convirtió en la mayor flota en misión de paz montada hasta entonces por los castellanos y aunque la travesía tuvo algunas complicaciones, incluyendo una breve parada en Portland (Inglaterra) y el abandono de una de las carracas genovesas, el cortejo llegó sano y salvo a destino.
Puerta donde entro Juana a Lier (Bélgica) |
Al desembarcar, Juana no fue recibida por su prometido, cuyo apodo ‘el Hermoso' había sido dado por Luis XII de Francia. Los consejeros francófilos de Felipe se oponían a las alianzas de matrimonio pactadas por el emperador Maximiliano y buscaban convencerles de la inconveniencia de una alianza con los Reyes Católicos y las virtudes de unirse a los Valois. Pero, a pesar de todo, la boda se celebró el 21 de octubre de 1496. Juana, que no parecía mostrar tanta devoción como su madre, encontró en la corte flamenca un ambiente desinhibido, festivo y opulento derivado del comercio de tejidos que las tierras borgoñona-flamencas dominaban desde hacía siglo y medio.
La princesa era Inocente, también asustada, no podía presagiar todo lo que sucedería después y que le llevaría a ser reina, madre de uno de los hombres más poderosos de la historia, esposa enamorada y desesperada por quien le traería más amargos que dulces así como repudiada por los suyos hasta el final.
Juana era la mujer mejor preparada del Renacimiento. Tras su llegada a Flandes fue considerada como “una princesa muy bien educada, capaz de hablar en latín con los obispos y también otros idiomas a pesar de no haber sido formada como futura reina. Su educación se había debido a la importancia que Isabel La Católica le daba a la cultura. Y sin embargo pasó a la historia como loca, celosa y además bruja.
Mapa de Lier en la época de Juana (Bélgica) |
La incertidumbre, la desazón y el miedo posados sobre el rostro de Juana desde que fuera sabedora de la política matrimonial de sus padres con respecto a ella y sus hermanos, se esfumaron en un segundo. Lo que tardó la entonces infanta en mirar a los ojos por primera vez a la persona con la que debía contraer matrimonio. Cuentan las crónicas que entre ellos saltaron chispas cuando se encontraron. Tanto que ese mismo día, un 18 de octubre de 1496, se desposaron por la noche en una pequeña iglesia de Lier durante una misa celebrada por el Capellán Mayor de Juana, Diego Ramírez de Villaescusa, futuro obispo de las diócesis de Astorga, Málaga y Cuenca. Con pocos asistentes y bajo el único motivo de poder consumar el matrimonio sin más dilación. Ese fuego no podía permanecer encendido tanto tiempo.
Dos días más tarde, el 20 de octubre, se celebró en la iglesia de San Gumaro, con dimensiones catedralicias, la ceremonia de la velatio o misa de velación, es decir, que aunque ellos ya estaban casados oficialmente llevaron a cabo la liturgia católica, ya con miles de asistentes (tanto venidos de Castilla como de Flandes y otros territorios europeos) para serles concedidos la bendición nupcial con todos los rituales sagrados habidos y por haber. De hecho se sabe que San Gumaro entonces estaba en plena construcción y su boda se celebró en una pequeña capilla del fondo. La gran joya del gótico brabantino en Lier recuerda este hecho desde hace siglos en las vidrieras que regaló a la iglesia Maximiliano I donde aparecen él y su esposa, así como los jovencísimos contrayentes.
Plaza Mayor de Lier (Bélgica) |
Los festejos se sucedieron en la ciudad y cuentan que la entrega del público fue máxima. Tanto que los habitantes de Lier repiten constantemente la anécdota de que cuando los novios pasaban su noche de bodas en el edificio de la Corte de Malinas muchos ciudadanos de Lier, así como extranjeros, se acercaron a un puente de madera sobre el río Nete para ver si podían ver (o escuchar) algo de los acalorados encuentros de los recién casados. Tanta fue la asistencia que dicho puente se vino abajo y todos los que se habían aproximado allí para curiosear cayeron al río. Algunos incluso desaparecerían bajo el agua.
Ciudad de Lier (Bélgica) |
Durante el recorrido por la ciudad de Lier vamos a tener la oportunidad de ver y contemplar los mismos monumentos que pude ver Juana a su llegada: La Colegiata de San Gummarus, Beguinaje de Lier (Begijnhof), La Torre Zimmer (Zimmerplein), Ayuntamiento de Lier (Stadhuis), Las Puertas de la Ciudad y Murallas y la Plaza del Mercado (Grote Markt). Estos monumentos no solo fueron testigos de la llegada de Juana la Loca a Lier, sino que también han perdurado a lo largo de los siglos, permitiendo a los visitantes modernos experimentar una parte de la rica historia de la ciudad.
Capilla románica de san Pedro en Lier (Bélgica) |
Enfrente se encuentra la capilla
románica de san Pedro o Sint-Pieterskapel (GPS N51.1303108 E4.5737111), situada Heilige-Geeststraat 9, 2500 Lier, es muy sencilla y apenas tiene decoración, solamente en la portada se pueden ver dos caras en relieve.
La Capilla de San Pedro es una capilla de estilo románico-gótica, probablemente construida alrededor de 1225 como parte de una iglesia románica más grande (basílica con crucero y pasillos laterales) para reemplazar un lugar de oración de madera fundado en 764 por San Gumaro. A finales del siglo XV, tras la finalización de la iglesia de San Gumaro, según el canónigo R. Lemaire, la parte occidental (nave y pasillos) fue demolida, de modo que sólo la parte del coro, una pequeña parte de la nave y el crucero se conservaron como la capilla actual.
Posteriormente se realizaron varias renovaciones, incluida la modificación del interior en estilo barroco. Vaciado durante el dominio francés y vendido como propiedad nacional. De 1901 a 1904 iglesia parroquial de la Sagrada Familia. Fue quemada durante la Primera Guerra Mundial (1914); Alrededor de 1920, bajo la dirección del canónigo R. Lemaire en colaboración con el maestro de obras F. Vandendael, las partes aún existentes fueron restauradas a su forma original del siglo XIII sobre la base de investigaciones arqueológicas y materiales: la parte del siglo XIII en planta y se conservaron el alzado, la sacristía y las ventanas del siglo XVIII y el portal de entrada reconstruido (presumiblemente desde el lado oeste). Los frontones del crucero se reconstruyeron para poder restaurar las ventanas de arco de medio punto del siglo XIII, parcialmente conservadas. La estructura del tejado fue restaurada por analogía con iglesias similares. Tuvo un reemplazo parcial de las piedras severamente dañadas.
Bóveda de la capilla románica de san Pedro en Lier (Bélgica) |
Capilla románica orientada, de cruz griega, con coro semicircular pero bajo cubierta cónica. La influencia gótica se hace evidente en las bóvedas sobre pesados planos y contrafuertes del ábside así como en la perfilería de las molduras. Construido con piedra caliza de Tournai y arenisca de Brabante (presumiblemente utilizada cuando llegaron) bajo techos a dos aguas de pizarra con un techo a dos aguas. La construcción es sencilla con aberturas en las paredes de arco de medio punto. Ampliamente construido en el lado norte. Brazos de crucero salientes de un tramo con cierre plano. Frontón sur marcado por dobles contrafuertes en las esquinas y antepechos acordonados; dos grandes ventanales en arco carnoso y óculo.
El coro es semicircular, dividido en cuatro tramos (normalmente tres o cinco), indicados por contrafuertes tallados, entre los cuales ventanas de arco de medio punto.
El portal de entrada saliente hacia el suroeste (presumiblemente del siglo XIII, pero reconstruido en el lado sur cuando se demolió la nave, según relatos de la iglesia alrededor de 1591-1592): pasaje en forma de arco apuntado con moldura de goteo en consolas de cabeza de máscara, con cesta puerta de arco. La bóveda es de cañón apuntada. Al sureste: sacristía (siglo XVIII) de dos tramos y una planta bajo tejado de pizarra desconchada; Ventanas transversales y puerta de arco carrusel enmarcada con clave de diamante e impostas.
El interior es sobrio y está encalado, interrumpido por el uso de piedra natural para los arcos divisorios de medio punto y los pilares de vigas reconstruidos con capiteles de marco. Techo plano de madera sostenido sobre vigas de roble y decorado con medallones de santos pintados. Coro de tradición gótica cubierto por una semicúpula, aquí con bóveda de crucería sin función de soporte (oculta ante el fuego por el yeso posterior); ventanas arqueadas con vidrieras de colores.
“El asesinato del sacerdote Fredegerus” en la capilla románica de san Pedro en Lier (Bélgica) |
Se puede ver el cuadro “El asesinato del sacerdote Fredegerus” de 1689 de maestro desconocido. Murales neorrománicos "Doce Apóstoles", pintados en 1977.
Iglesia de Santiago en Lier (Bélgica) |
Seguimos el camino que aquí lo llaman español hasta otra pequeña iglesia dedicada a Santiago Sint-Jacobskapel (GPS N 51.130546 E4.5698162), situada Grote Markt, 2500 Lier.
La Capilla de Santiago, también llamada “Capilla Española”, fue fundada en 1383 por el magistrado de la Casa de Dios de Santiago y dedicada a Santiago el Mayor. En 1479 la capilla se quemó por completo, pero poco después fue reconstruida y dedicada de nuevo en 1582, tras los disturbios religiosos. Durante el siglo XVII funcionó como iglesia parroquial de las tropas españolas (dirigidas por los jesuitas) y tras la Revolución Francesa fue convertida temporalmente en Templo de la Razón y -tras la abolición de la diócesis de Amberes- reconocida como iglesia parroquial para la zona norte de la ciudad. En 1812 se convirtió en iglesia auxiliar, ya que el consejo municipal consideró que la iglesia de San Gumaro era insuficiente como iglesia parroquial. En el siglo XIX se restauró la fachada, se reformó el interior y se construyó una nueva torre. Muy dañado durante la Primera Guerra Mundial (incluidos todos los muebles), fue reconstruido en 1923.
Capilla gótica de finales del siglo XV, reconstruida en el período de entreguerras, orientada de este a oeste, de planta rectangular, bajo cubierta a dos aguas (pizarra) y dotada de torreón con campanario calado bajo chapitel de pizarra. La sobria fachada a dos aguas anclada al oeste, de dos niveles, que se ha conservado parcialmente (ver desgaste de la piedra), está hecha de piedra arenisca y tiene un zócalo con bisel inclinado. En el centro hay una puerta de arco de canasta hundida en un marco de arco apuntado perfilado debajo de una moldura de goteo con una lámpara de araña. El campo del arco contiene una hornacina con la estatua del santo patrón. Más arriba, la fachada está revestida horizontalmente por un cordón y encima se sitúa un gran ventanal en arco apuntado y un óculo de coronación. La lámpara de araña que en aquel momento coronaba el frontón ha desaparecido. A la izquierda del hastial hay una torre de escalera incorporada, redonda y articulada con rendijas de observación rectangulares alargadas y una aguja de pizarra con un adorno de bola de corona.
Ábside de la Iglesia de Santiago en Lier (Bélgica) |
El interior consta de un espacio de una sola nave, enlucido y pintado, cubierto por bóveda de cañón apuntado con arcos fajones de ladrillo, e iluminado por ventanas de arco apuntado. La nave de cinco tramos tiene luego un coro superior de un tramo con cierre de tres lados y bóveda de vigas sobre ménsulas. En el segundo tramo de la izquierda hay una ventana ciega de arco apuntado con escudos pintados de los gobernadores urbanos españoles, firmada “Bern. Janssens Fecit 1926”.
Ayuntamiento o Stadhuis de Lier (Bélgica) |
Un poco más adelante llegamos a la Gran Plaza donde se encuentra el Ayuntamiento o Stadhuis (GPS N 51.1309096 E4.56904), situado Grote Markt 58, 2500 Lier. Tenemos ocasión de visitar su interior. En un lateral se encuentra la torre Beffroi gótica, construida en 1369 y es otro de los lugares que Juana tuvo ocasión de ver. Ahora, es Patrimonio de la Humanidad.
Antigua Lonja de Paños y Campanario, actual Ayuntamiento. Como resultado de la floreciente industria textil, en 1367 se fundó una fábrica de telas con salas de exposición para los comerciantes de telas y una sala de reuniones, así como oficinas para el magistrado. La “Domus Scabinorum” era un edificio rectangular (30 por 10 metros) con una pasarela almenada con torreones bajo el techo .
En 1369: construcción de un campanario gótico diseñado por el arquitecto de Malinas Hendrik Mijs. Construcción en dos fases: la primera en 1369, dando como resultado una modesta torre cuadrada con cubierta temporal de madera, recubierta de pizarra. En la segunda fase, iniciada en 1411, demolición parcial de la torre existente, posteriormente ampliada hasta su forma actual. El campanario tenía una función independiente como torre de vigilancia y estaba situado junto a la lonja de los paños; este último se transformó en ayuntamiento en 1418, cuando la lonja de los paños fue trasladada a la Casa del Carnicero; desde entonces varios cambios y ampliaciones.
Fachada lateral Ayuntamiento o Stadhuis de Lier (Bélgica) |
Se necesitaron profundas reparaciones en el segundo cuarto del siglo XVIII. Misión confiada a Jan Pieter Van Baurscheit, el Joven. Las obras comenzaron en 1740 bajo la dirección del contratista de Lierse, C. Van Everbroeck. Se conservará lo que podría reutilizarse del edificio original: las fachadas delantera y trasera son nuevas. Clara distinción entre lo antiguo y lo nuevo en las fachadas laterales: las ventanas se hicieron iguales a las de las fachadas delantera y trasera. Al final se conservaron principalmente parte de los muros interiores y los cimientos de la antigua construcción. Fachada frontal colocada en 1742. Encargó a los herreros C. Marckx y Jan Verbuecken el 26 de junio de 1744 la realización de una barandilla de hierro basada en un diseño de JP Van Baurscheit; este último colocado en 1745. Fachadas terminadas en 1744. Interior embellecido aún más durante la segunda mitad del siglo XVIII hasta la Revolución Francesa (ver cuentas de la ciudad). Mediados del siglo XIX: nuevas adquisiciones y trabajos de adorno. En 1890: reparaciones de F. Geuens en la piedra azul y de L. Van Boeckel en la valla de hierro. Campanario restaurado en 1939 según un diseño de S. Leurs. Restauración general en 1960-1962 por R. De Bruyn y J. Lauwers.
Conjunto rectangular de construcción simétrica con fachada de cornisa de nueve tramos al frente y dos plantas bajo cubierta a cuatro aguas (pizarra). Sobrio, íntegramente en estilo rococó clásico, construido con piedra de Balegem y piedra azul de Tournai. Construcción de techo con buhardillas de arco de medio punto en un marco rococó de piedra azul: moldura de agua de coronación con extremos en forma de voluta; guirnaldas de frutas flanqueantes. En los extremos de la cumbrera: jarrones decorativos de cobre rojo, revestidos con pan de oro, renovados durante la última restauración.
Escalera del Ayuntamiento o Stadhuis de Lier (Bélgica) |
Fachada frontal rítmica verticalmente por pilastras de esquina a cuadros, pilares empotrados y piedra contrahuella central más alta (de medio piso). Zócalo de piedra azul con ventanas de sótano con arco rebajado. Ventanas en arco de hombro en marcos de piedra azul perfilados de un cuarto de hueco; en la planta baja con antepechos perfilados sobre consolas de voluta con motivo de conchas. Parapetos de las ventanas superiores con leones esculpidos portando el escudo de la ciudad. Entablamento formado por arquitrabe perfilado, friso ciego y cornisa de piedra azul.
La sección central ligeramente saliente y de tres tramos de ancho bajo un frontón triangular coronado con escudo de la ciudad sostenido por dos leones, de piedra arenisca alemana; delineando pilastras ajedrezadas de piedra azul. Una fachada de piedra azul con doble escalera y barandilla clásica de hierro forjado conduce a la entrada (en la fachada: rosetón que indica el nivel sobre el nivel del mar, 6 metros). Puerta en arco de hombro, de sobrio marco con clave de rocalla y cabeza de ángel, flanqueada por columnas toscanas sobre pedestales, que sostienen el balcón del primer piso; encima de las columnas, triglifos con regulae y guttae. Arriba, ventana de puerta de arco de medio punto con marco perfilado con clave de concha, flanqueada por pilastras sencillas con fuste rebajado; balcón con barandilla de hierro forjado y postes de piedra azul; este último estuvo coronado por dos leones (ahora frente a la Casa del Carnicero), reemplazado en 1863 por estatuas de la Justicia y la Prudencia diseñadas por F. De Vriendt, reemplazadas durante la última restauración en 1962 por jarrones decorativos de piedra azul. En la parte superior: ventana central en marco de rocalla, flanqueada por ventanas rectangulares en sobrio marco perfilado.
Salón del Ayuntamiento o Stadhuis de Lier (Bélgica) |
Fachada trasera similar de once tramos, construida de ladrillo con bloques de esquina de piedra arenisca, sobre zócalo de piedra arenisca con ventanas arqueadas del sótano. También se acentúa la sección central, rematada con coronación de frontón, que contiene óculo. En la esquina derecha: hornacina neogótica con la estatua de Nuestra Señora en piedra blanca, diseñada por B. Gerrits en 1931-1932.
Las paredes laterales sencillas con vistas similares. Al noroeste, antigua espadaña, formada por un casco de torre anclada, de planta cuadrada, con coronamiento monumental; construido de piedra arenisca y marcado por aberturas de pared rectangulares. En la planta baja: puerta rectangular del siglo XVIII con marco clásico de piedra azul bajo frontón triangular. Además, data de 1369 y mecanismo de relojería en el lado suroeste. Corona formada por una aguja de pizarra con cámara de campana, que se eleva entre cuatro torres de arco salientes (de cinco lados) y ligeramente inclinadas hacia afuera; este último sobre friso en arco trilobulado y conectado por friso dentario; banderines de coronación. Chapitel central rematado por una bola dorada y una estrella en la cola a modo de veleta.
Salón A, en la izquierda de la entrada, placa conmemorativa que hace referencia a la fundación, reconstrucción y restauración diseñada por R. De Bruyn. Escalera de caracol de roble de elegante estilo rococó, ejecutada en 1775 por W. Van Everbroeck. Consolas atribuidas a J. van der Neer. Herrería “Lucha del águila con el dragón” de L. Van Boeckel (1857-1944). Además, pinturas de, entre otros, la escuela de PP Rubens y A. Van Dijck.
Frescos del Ayuntamiento o Stadhuis de Lier (Bélgica) |
Sala del Consejo tiene en techo pintado del antiguo palacio episcopal de Amberes, que representa, entre otras cosas, las virtudes y los vicios, restaurado hacia 1950 por Bosmans. Bajorrelieves de GJ Herreyns, colocados en 1776. Cuatro relieves más pequeños que representan las cuatro estaciones (1875) de PJ Denis (1750-1814). Repisa de chimenea de mármol rojo (1745) de B. Jacquet. Paneles Luis XV. Dos cuadros de paisajes del siglo XVIII, atribuidos a Van Reysschot.
Museo de Lier (Bélgica) |
Salón de bodas Tres medallones de GJ Herreyns (1776). Chimenea Luis XV de mármol gris (1745) diseñada por B. Jacquet con mampara de chimenea del siglo XVII.
Marchamos a ver el Museo de Lier (GPS N51.1313075 E4.5674221), situado Florent Van Cauwenberghstraat 14, 2500 Lier, horario: 10:00-17:00 horas. Ofrece una exposición de la vida en la ciudad con pequeñas obras de arte.
El museo nos muestra la historia de la ciudad de Lier, el arte, las costumbres, las fiestas, la gente,... La entrada es muy económica, 4 euros para no residentes. En recepción hay un guardarropa con taquillas. No hay audioguía ni folleto, pero junto a las obras de arte hay carteles con explicaciones. A veces no queda claro qué signo pertenece a qué obra de arte, porque están agrupados. Un gran número de pinturas hermosas. Atención a la sección del folclore con caballos, gigantes y la posibilidad de jugar al avestruz. En la última sala se ha montado un salón donde cuelga una obra de Rubens y su hijo Bruegel. En la parte trasera también puedes admirar una impresión 3D de un mamut. Hay tal variedad de temas que se pueden ver que los grandes artistas de Lier no sacan todo su potencial.
“Retrato de Familia en el día de acción de Gracia”, obra del pintor Frans Floris, Museo de Lier (Bélgica) |
Vemos un bonito cuadro flamenco “Retrato de Familia en el día de acción de Gracia”, obra del pintor Frans Floris, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado 1561. Tiene unas medidas de 130 x 225 cm.
La identidad de la familia retratada es incierta. La hipótesis más extendida es la de los Van Berchem, una familia adinerada flamenca que vivía en el castillo de Zevenbergen en Ranst. En este caso, el hombre que toca el laúd es Jan van Berchem (1532-1593), alguacil de Breda y alcalde de Amberes. La mujer que toca el virginal es su esposa Jacqueline van Enckevoort (...-1598). Las demás personas son hijos del matrimonio, nietos, yernos, etc. El hombre del retrato sería un yerno fallecido (el texto del retrato afirma que murió el 10 de enero de 1559, a los 58 años). En la parte superior e inferior del retrato familiar hay varias líneas en latín: "VT NIL CONCORDI THALAMO FELICIUS OMNI IN VITA ESSE POTEST ET SINE LITE TORO", "SIC MAGE IVCVNDVM NIHIL QUAM CERNERE GNATOS CONCORDEIS NIVEO PECTORE PACE FRVI, - 1561". Esto se traduce como "Como en la vida no puede haber nada más feliz que un matrimonio al unísono y un lecho sin discordia, no hay nada más agradable que ver a los hijos disfrutar al unísono de la paz con un espíritu inmaculado, 1561". También son típicos los instrumentos musicales, que hacen referencia a la 'Concordia', la armonía dentro de la familia.
“Los Proverbios”, obra de Piter Brueghel el joven, Museo de Lier (Bélgica) |
Otro de los cuadros es “Los Proverbios”, obra de Piter Brueghel el joven, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1607. Tiene unas medidas de 116 x 168 cm.
El cuadro muestra como si fuera una caricatura con 87 escenas donde representan las enseñanzas que debemos de aprender para evitar los malos hábitos: el juego, la prostitución, las críticas, los vicios, etc.
La escena es un pueblo a orillas de un río, no lejos del mar, constituye el telón de fondo de una escena poblada por numerosos personajes. Personas, animales y objetos ilustran alrededor de un centenar de refranes y dichos.
“La Virgen y el niño”, obra del pintor Bartolomé Esteban Murillo, Museo de Lier (Bélgica) |
Un cuadro controvertido, en mi opinión, “La Virgen y el niño”, obra del pintor Bartolomé Esteban Murillo, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1650. Tiene unas medidas de 110 x 85 cm.
Parece un poco extraño, pero al parecer fue encontrado en los fondos de almacén de Lier dónde se estaba haciendo un inventario por parte de un sevillano. Al parecer enseguida lo relaciono con el pintor español Murillo. Tendremos que verificarlo.
Reliquias de san Gummarus,Museo de Lier (Bélgica) |
Otra obra importante es el enorme relicario en plata que contiene las reliquias de san Gummarus, patrón de la ciudad. Sale todos los años en peregrinación.
Este relicario data del año 1668 y fue realizado por el platero de Amberes Wierick III Somers. El santuario consta de un núcleo de madera que descansa sobre la parte posterior de cuatro figuras de leones de madera que se asientan en las esquinas de una placa base. Los leones sostienen entre sus patas el escudo de la ciudad de Lier. Al núcleo de madera se unen cuatro placas de plata pulida. En la parte inferior del relicario hay una granada estilizada y en la parte superior una placa de cubierta elevada a través de la cual se puede acceder y sacar el relicario del santuario. Las cuatro planchas de plata martilladas representan imágenes de la vida de Gummarus o en relación con Gummarus: el milagro del árbol, el milagro de la fuente, el milagro del niño, el encuentro de Gummarus y Rumoldus y el martirio del sacerdote Fredegerus en Capilla de San Pedro. Encima de la tapa está el árbol de Gummarus. Esta es una columna de costos de alivio en forma de árbol. Este árbol data de los años 1665-1666 y fue realizado por Johannes de Fallais, un platero de Amberes. El árbol está flanqueado por dos ángeles de plata que fueron realizados sólo en los años 1784-1785 por el platero Jean-Baptist Verberckt.
Torre Zimmer de Lier (Bélgica) |
Nuestro siguiente destino es la torre de Reloj o torre Zimmer (GPS N 51.1289493 E4.5654014), situado en Zimmerplein 18, 2500 Lier, simplemente sirve para dar las horas desde 1300, lo que indica que Juana tuvo oportunidad de escuchar sus campanas.
Pequeño museo que analiza el tiempo, los relojes y la vida de Louis Zimmer, quien construyó el reloj y el estudio astronómico en la adyacente Torre Zimmer, a la que se puede acceder a través del museo. La exposición más fascinante del museo es el llamado “Reloj Maravilla”, un gran reloj astronómico con nada menos que 93 esferas.
Antes de que fuera bautizada como Torre Zimmer, en el siglo XIV era una simple torre de defensa de la muralla que protegía la ciudad. El nombre actual es un homenaje al relojero belga Louis Zimmer (1888-1970), el autor del «Reloj del Centenario» que luce hoy la torre en su cara frontal. Se trata de un reloj muy especial en el que 12 relojes pequeños rodean un gran reloj central con 57 esferas y que permite saber simultáneamente la hora del día en todos los continentes de la Tierra, las fases de la luna y las mareas.
Reloj Maravilla Museo de la Torre Zimmer de Lier (Bélgica) |
En el año 1960 se construyó un pabellón al lado de la torre para mostrar otra de las obras de arte de Zimmer: los Wonderklok. Estos «relojes fantásticos» se construyeron en Bruselas para la Exposición Universal de 1935 y se expusieron después en los Estados Unidos. Incluso Albert Einstein quedó fascinado con los relojes y felicitó a Zimmer por los extraordinarios mecanismos que incorporaban. Uno de los relojes, por ejemplo, necesita 25.800 años para que sus agujas den toda la vuelta, lo cual equivale exactamente al período de precesión del eje de la Tierra. Más tarde, Zimmer incorporó al reloj de la torre un planetario mecánico, por lo que no es de extrañar que fuera declarada patrimonio histórico ya en 1980.
Enfrenté se encuentra la puerta de entrada Gevangenenpoort o Puerta de la Prisión desde 1375(GPS N 51.1296289 E4.5686471), situada en Zimmerplein 2, 2500 Lier. Seguro que Juana hizo la entrada en la ciudad de Lier por su arco.
En el siglo XVI, Europa estaba sumida en el caos. El protestantismo puso en duda la fe. El cambio climático provocó muertes de ganado y pérdidas de cosechas. La guerra, las enfermedades y el hambre trastornaron la sociedad. La gente buscó y pronto encontró un chivo expiatorio para todas esas travesuras: las brujas.
Gevangenenpoort o Puerta de la Prisión de Lier (Bélgica) |
Se revivió la vieja superstición sobre brujas, demonios y hombres lobo. Las mentiras más extrañas bastaron para arrestar a mujeres, hombres y niños inocentes. En un sistema legal donde los sospechosos eran torturados hasta que confesaban, el destino de muchos acusados ya estaba determinado. Más de 50.000 personas fueron ejecutadas por brujería.
Lier tampoco escapó a este “engaño de bruja”. Entre 1589 y 1603, al menos 6 mujeres fueron arrestadas por brujas por el ayuntamiento.
La Puerta de la Prisión o “Puerta Eikel” formaba parte de las murallas de la ciudad, pero también servía como prisión. Al menos 6 supuestas brujas residieron en estas celdas entre 1589 y 1603.
La primera oleada se produjo en 1589 en Nijlen, donde la “simpel meyscken” Anneke Faes fue acusada de encantar leche y un caballo. Junto con su madre, Liesbeth Stryckaerts, son arrestadas y llevadas a Lier. Schout Willem Brant hace azotar a Faes, de 14 años, hasta que la niña confiesa. Nombra brujas a otras dos mujeres: Anna Cops de Liers y Cathelyne Van den Bulcke de Nijlen.
Gevangenenpoort o Puerta de la Prisión de Lier (Bélgica) |
La embarazada Liesbeth Stryckaerts es liberada rápidamente. Como castigo, Anneke Faes debe ayunar todos los viernes, Anna Cops es exiliada durante siete años. Pero Van den Bulcke ha corrido una suerte peor. Después de todo, Faes la llamó la bruja principal. El 19 de diciembre es torturada por un verdugo de Amberes. Cathelyne les cuenta a sus interrogadores algunas historias increíbles: cómo fue seducida por el diablo "Moonvaeyer", cómo pudo hacer mantequilla con agua y participó en el sábado de las brujas. Pero lo sorprendente es que nunca menciona los nombres de otras brujas. Un acto valiente, sobre todo porque el propio Van den Bulcke había sido denunciado. De esta manera evitó a otros el destino infernal que le esperaba: la pira funeraria...
En 1603, la puerta de la prisión alberga a dos nuevas brujas: Engelberte Hechts fue arrestada en Maagdenhuys (ver lugar Maagdenhuys), donde se dice que hechizó a las jóvenes residentes. Un poco más tarde siguió Helwige Van Horck, que había sido apuñalada en una posada cercana (ver lugar Den Torst) y no había sangrado lo suficiente. Se desconoce el destino final de Hechts, Van Horck fue exiliado.
Por último, visitamos El Begijnhof, era el barrio de las monjas beguinas, está declarado Patrimonio de la Humanidad. La iglesia de santa Margarita patrona de la beginas no está abierta.
El Begijnhof de Lier (Bélgica) |
Se trata de un típico beaterio callejero del siglo XIII con 11 calles estrechas y 95 casas. Las puertas de entrada de las casas llevan el nombre de algún santo o una escena bíblica. La mayoría de las casas datan del siglo XVII al XVIII. Algunas tienen patios y puertas típicos.
Las casas estaban originalmente habitadas por beguinas: mujeres religiosas solteras que podían llevar una vida independiente bajo la supervisión de una gran amante. Hicieron voto de pureza y obediencia, pero no de pobreza. Se ganaban la vida tejiendo o bordando encajes, entre otras cosas. Podían salir libremente del beaterio, sólo por las tardes y los domingos las puertas permanecían cerradas. Sor Agnes, la última beguina de Lierse, murió en 1994.
El exterior de la iglesia de Sint-Margaritakerk (GPS N51.128404 E4.567436), situada Sint-Margaretastraat, 2500 Lier.
La construcción de la iglesia comenzó en 1664 y duró más de 100 años, porque las beguinas la financiaron ellas mismas. Este largo período de construcción es visible en la fachada. La iglesia tiene una fachada barroca del siglo XVII, encima de la cual se colocaron volutas y una linterna en el siglo XVIII. El interior es barroco y el campanario rococó. La primera parte de la iglesia fue consagrada en 1671. Las estaciones del Vía Crucis se encuentran repartidas por todo el beaterio.
Iglesia de Sint-Margaritakerk El Begijnhof de Lier (Bélgica) |
Impresionante interior de iglesia barroca con contraste entre elementos estructurales de piedra natural y superficies enlucidas. Nave central ascendente separada de las naves laterales inferiores por una arcada de arco de medio punto con columnas dóricas de piedra natural sobre base cuadrada; estos últimos llevan un entablamento clásico formado por una cornisa tallada sobre elaboradas consolas con volutas y un friso con una inscripción que hace referencia, entre otras cosas, a la advocación de la iglesia.
Bóveda de estilo gótico: bóvedas de crucería de ladrillo con anchas nervaduras de piedra natural, sostenidas por consolas de mascarón; Llaves de arco dorado con motivos florales. Bóveda similar en las naves laterales, apoyada en los muros sobre sobrias pilastras con capitel de armazón. Coro también con bóveda de crucería, en el cierre del coro con dos amplias nervaduras hasta el arco de cintura. Entablamento del coro sostenido por esbeltas pilastras con los signos de los evangelistas en el capitel. Nave iluminada por ventanas arqueadas en marcos de bandas de piedra natural. Pasillos laterales con ventanas de arco de medio punto en marcos planos enlucidos.
Puerta del Begijnhof de Lier (Bélgica) |
Aquí terminamos de compras, paramos en un súper donde encontramos los mejores precios del aceite de oliva español a 5,99 euros el litro. Esto un mundo de locos.
Día 28 de abril (miércoles)
Ruta: Lier-Bruselas
Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
Día 8 del viaje a Waterloo. Amanece en el parking para autocaravanas de Lier. La noche ha sido especialmente tranquila, no hemos escuchado un alma.
A las 9;00 horas partimos camino de la capital de Bélgica, nos separan 56 km. Tenemos reservada una plaza en el parking del Albergue de Bruselas. El precio no es barato 35 euros, pero está en pleno centro y se puede ir andando al centro histórico.
Hace muchos años visitamos Bruselas de una forma bastante completa y solamente nos quedo la parte de los museos. La primera visita es al Museos Reales de Bellas Artes, es el más importante de Bélgica, por la cantidad y calidad del arte que exponen.
El museo tiene en la entrada varias opciones, nosotros sacamos el ticket para ver a los grandes maestros, más que suficiente para disfrutar de una mañana agradable. El precio es de 8 euros, mucho más barato que los museos que hemos visitado hasta ahora.
Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
Lo primero que destaca es el magnífico edificio neoclásico construido en el siglo XIX. En 1892 se inauguró y allí se llevaron a cabo las obras el Palacio de Bellas Artes, edificio inspirado en los estilos clásico y barroco. Trabajos de restauración y ampliación del museo. Simplemente pasear por su interior es muy agradable.
“Retrato de una anciana desconocida en su lecho de muerte”, Obra del pintor Jan Lievens, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La primera de las obras maestras que nos llaman la atención “Retrato de una anciana desconocida en su lecho de muerte”, Obra del pintor Jan Lievens (1607-1674), realizado en óleo sobre madera de roble, esta datado en el siglo XVI. Tiene unas medidas de: 29.5x36.5 cm.
El cuadro siempre ha estado relacionado con el mundo de Rembrandt y su taller o de su círculo más cercano, ahora, se considera que la autoría podría ser de Jan Lievens.
El cuadro representa una anciana desconocida en el lecho de su muerte con toda la crueldad de exponerse en el último día de tú vida, esto era muy habitual en aquella época. Se consideraba con alargar la vida del espíritu o del alma.
“Retrato de Nicolaes van Bambeeck”, obra del pintor Rembrandt van Rijn, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra de museo “Retrato de Nicolaes van Bambeeck”, obra del pintor Rembrandt van Rijn (1606-1669), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1641. Tiene unas medidas de: 105.5x84 cm.
El retrato de Nicolaas van Bambeeck, un comerciante de lana relativamente adinerado de Ámsterdam, y su esposa Agatha Bas, hija de Dirck Jacobsz. Bas, varias veces alcalde de Ámsterdam a partir de 1610. En otras palabras, los dos cónyuges procedían de estratos sociales algo diferentes.
“Retrato de van Willem van Heythuysen”, obra del pintor Frans Hals, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra de museo “Retrato de van Willem van Heythuysen”, obra del pintor Frans Hals (1582-1666), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1625-1630. Tiene unas medidas de:
47x36.7 cm.
El retrato de Willem van Heythuysen muestra a un rico comerciante que se presenta como un aristócrata, casi arrogante, con un pie de plomo y la mano en la empuñadura de su espada, ejemplo de la fuerte emancipación, el orgullo y la confianza en sí mismos de la ciudadanía holandesa en aquel periodo de tiempo. Las rosas, las hojas en el suelo y los seres queridos en el fondo pueden verse como signos de mortalidad, pero también recuerdan los esfuerzos necesarios para acumular riqueza y propiedades.
“Retrato de Johannes Hoornbeek”, obra del pintor Frans Hals, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra de museo “Retrato de Johannes Hoornbeek”, obra del pintor Frans Hals (1582-1666), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1645. Tiene unas medidas de: 79.5x68 cm.
El retrato de Johannes Hoornbeek (1617-1666), fue profesor de la Universidad de Leiden y la Universidad de Utrech. Las dos universidades estaban estrechamente relacionadas en el siglo XVII, y tanto el maestro como sus estudiantes participaron en el "Círculo de Utrech" intelectual. Otro miembro del círculo fue el compañero de estudios de Hornbeek, Andreas Essenius . [2] El círculo también era conocido como De Voetiaanse Kring (El Círculo Voetiano), y fue uno de los círculos intelectuales más influyentes de la segunda Reforma holandesa.
“Niños de la familia Van Campen con un carro de cabras. Fragmento”, obra del pintor Frans Hals, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra de museo “Niños de la familia Van Campen con un carro de cabras. Fragmento”, obra del pintor Frans Hals (1582-1666), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1623-1625. Tiene unas medidas de: 152 x 107,5cm.
Frans Hals fue especialmente famoso por sus retratos. Pintó personas de una manera extremadamente realista y con diferentes posturas y expresiones, para capturar un momento especial en la vida de sus sujetos.
Con motivo de su vigésimo aniversario de bodas, Ghijsbert Claesz van Campen y su esposa Maria Joris encargaron a Frans Hals que pintara su retrato familiar en 1624. Ghijsbert era comerciante de telas y también fue director, “buscador” y decano de la Comansgilde (gremio de comerciantes). La pareja vivía en una casa grande en Kerckstraat, una de las calles más antiguas de Ámsterdam, ahora Warmoesstraat. A su muerte, Ghijsbert poseía bienes inmuebles por valor de 30.000 florines, una inmensa fortuna en la época.
Hace más de dos siglos, un retrato familiar pintado por el maestro holandés Frans Hals fue misteriosamente dividido en tres cuadros.
“Paisaje italiano al atardecer”, obra de los pintores Jan Both y Andries Both, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra de museo “Paisaje italiano al atardecer”, obra de los pintores Jan Both (1618-1652) y Andries Both (1618-1652), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en siglo XVII. Tiene unas medidas de: 116 x 160,5cm.
De joven, Jan Both vivió varios años en Italia junto con su hermano Andries. Quedó cautivado por el paisaje italiano. Y por la luz dorada. Tras regresar a Holanda, Ambos continuaron pintando este tipo de paisajes italianos. Por tanto, se le considera uno de los italianizantes.
“Apolo y Marsias”, obra del pintor José Ribera “El Españoleto”, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra de museo “Apolo y Marsias”, obra del pintor José Ribera “El Españoleto” (1591-1652), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1637. Tiene unas medidas de: 202x255 cm.
La escena describe el momento en el que el dios Apolo desuella al sátiro Marsias tras perder el concurso de música al que había retado al dios. Las musas tenían que juzgar pero siempre empataban en su interpretación, hasta que Apolo introdujo la necesidad de cantar mientras se tocaba, algo que él podía hacer pues su instrumento era una lira mientras que para Marsias era imposible pues él tocaba el aulos. Como castigo, Marsias es colgado en un árbol y despellejado vivo, mientras mira al espectador como suplicando su intervención o ayuda. Por el contrario, el dios es representado casi de una forma idealizada y serena, complacido por su triunfo y acción posterior. La temática es algo cruda, propia de la pintura de Ribera.
“El cuerpo de San Marcos llevado por los cristianos”, obra del pintor Jacopo Robusti llamado Il Tintoretto, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra de museo “El cuerpo de San Marcos llevado por los cristianos”, obra del pintor Jacopo Robusti llamado Il Tintoretto (1518-1594), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en siglo XVII. Tiene unas medidas de: 108,5 x 125 cm.
Este es uno de los cuadros realizados por Tintoretto en los años 1560 para la Escuela de San Marcos, sobre el patrono de Venecia, Marcos el Evangelista, que según la tradición, predicó en Alejandría (Egipto). En 828, las supuestas reliquias del santo fueron robadas en Alejandría por navegantes italianos, que las llevaron a Venecia, donde se conservan en la Basílica de San Marcos, construida expresamente para albergar sus restos. El cuadro representa el momento en que, después de hallado el cuerpo del santo, es trasladado a Venecia.
“Crucifixión”, obra del pintor Dirk Bouts, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “Crucifixión”, obra del pintor Dirk Bouts (1410-1475), realizado en temple sobre lienzo, esta datado en siglo XVII. Tiene unas medidas de: 181,5 x 153,5 cm.
Bouts estuvo entre los primeros pintores norteños en servirse del punto de fuga único. Su trabajo tiene cierta rigidez primitiva en el dibujo, pero sus pinturas son altamente expresivas, bien diseñadas y ricas en color.
“Díptico La justicia del emperador Otón III y La prueba de fuego”, obra del pintor Dirk Bouts, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “Díptico La justicia del emperador Otón III y La prueba de fuego”, obra del pintor Dirk Bouts (1410-1475), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1471-1473. Tiene unas medidas de: 324,5x182 cm.
Díptico La justicia del emperador Otón III y La prueba de fuego |
Fueron un encargo para la sala de justicia del Ayuntamiento de Lovaina, efectuado en 1468. De ahí el tema, relacionado con la administración de justicia: un episodio sacado de la Leyenda dorada de Santiago de la Vorágine. Bouts falleció antes de terminar el segundo, que se cree finalizado por Hugo van der Goes. El mismo tema ya había sido tratado por Roger van der Weyden en el año 1436.
Los dos paneles narran una historia clásica de raíces bíblicas del casto José y la mujer de Putifar. La emperatriz intenta seducir al conde fiel, y al verse rechazada lo acusa de adulterio y lo hace decapitar. Esta parte de la historia viene narrada en la tabla de la izquierda, en diversos episodios integrados en una sola escena, como era propio de la Edad Media. Atrás, a la derecha, se ve a la emperatriz hablando con el conde. Destaca la representación detallada del tocado de la emperatriz, con velo transparente, conforme es propio del estilo flamenco. A la izquierda, ya está el conde con las manos atadas y hablando con su mujer, pidiéndole que lo vengue. En el primer plano, después de ser ajusticiado, ella recoge su cabeza.
Díptico La justicia del emperador Otón III y La prueba de fuego |
Detalle del panel de la derecha. Estos rostros tan individualizados hacen pensar en auténticos retratos de ciudadanos de Lovaina.
En la segunda tabla se narra el resto de la historia, también en episodios. La escena principal es la ordalía del fuego por la que pasa la condesa, una modalidad de juicio de Dios. Sujeta un tronco ardiente con una mano sin quemarse, mientras que bajo el otro brazo lleva la cabeza de su marido. De esta manera la mujer logra demostrar la inocencia de su difunto marido. Entonces el emperador Otón III castiga a su esposa. En la parte trasera de esta segunda tabla aparece la emperatriz quemada en la hoguera.
En ambas tablas destaca la representación individualizada de los rostros de los mandatarios y del pueblo, lo que hace pensar que Bouts retrató a sus contemporáneos en estas figuras secundarias.
El detalle de los paneles indica que los rostros tan individualizados hacen pensar en auténticos retratos de ciudadanos de Lovaina.
“Tríptico Crucifixión de Jesús con Alessandro Sforza”, obra del pintor Rogier van der Weyden, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “Tríptico Crucifixión de Jesús con Alessandro Sforza”, obra del pintor Rogier van der Weyden (1399-1464), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1460. Tiene unas medidas de: panel central 53.7x44.8; paneles laterales 53.7 x19 cm.
Alessandro Sforza (1409-1479), miembro de la rama de Pesaro de la famosa familia Sforza de Milán, un retablo de composición notablemente irregular, conocido como el Tríptico Sforza. Este retablo fue obra del taller de Rogier o de otro estudio de Bruselas fuertemente influenciado por su estilo.
Alessandro Sforza se encuentra arrodillado ante la Crucifixión (en el centro, su cabeza fue pintada en una lámina aparte y luego pegada en el cuadro) junto a dos miembros de su familia, que no se pueden identificar con certeza. En el mismo nivel, en las alas del tríptico se representan a San Bavón y San Francisco a la izquierda, y a Santa Catalina y Santa Bárbara a la derecha. La división del retablo en dos zonas es muy inusual: hace que el Nacimiento de Cristo y San Juan Bautista, en la zona superior de las alas, parezca estar por encima y no detrás de las figuras del primer plano de la zona inferior.
“Retrato de Antonio de Borgoña”, obra del pintor Rogier van der Weyden, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “Retrato de Antonio de Borgoña”, obra del pintor Rogier van der Weyden (1399-1464), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1449. Tiene unas medidas de: 38.4x28 cm.
Rogier ha prestado mucha atención a la mano que forma un patrón rítmico, enmarcado por el pulgar tenso y el meñique doblado. En diagonal frente a su pecho, Antoon sostiene una flecha que atraviesa la cadena. Panofsky describió su efecto como: “La flecha empuñada sin apretar pero con confianza divide la pintura en dos con una hermosa diagonal, expresando con orgullo orgullo viril y agresión”. La preferencia de Van der Weyden por las diagonales también se puede ver en el Retrato de una dama, que Rogier van der Weyden realizó aproximadamente en la misma época. El estilo pictórico también es comparable. En ambos casos ofrece una representación idealizada del modelo, menos detallada y realista que la de Jan van Eyck. En Rogier, los rasgos faciales cuidadosamente seleccionados del modelo pasan desapercibidos a un estudio de personaje bien pensado en el que la nobleza y el poder son centrales. Mientras que los retratos de Jan van Eyck son registros nítidos de individuos individuales, los últimos retratos de Rogier van der Weyden reflejan el entorno y el estatus de sus mecenas.
Se desconoce el significado exacto de la flecha. Puede referirse a éxitos de caballería y guerra, o a funciones ceremoniales en la corte, como arbitrar torneos. La flecha en ese caso es un atributo similar al martillo del Retrato de Francesco d'Este. La flecha también se ha asociado con su título de rey del tiro después de su victoria en la competencia anual de tiro del Gremio de San Sebastián en Brujas en 1463, pero no hay evidencia de esto.
“Piedad”, obra del pintor Rogier van der Weyden, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “Piedad”, obra del pintor Rogier van der Weyden (1399-1464), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1441. Tiene unas medidas de: 32.5cm x 45.8cm.
El cuerpo muerto de Cristo se concibe de manera similar a la natural del Descendimiento, los brazos colgantes y dedos flácidos típicos de la aguda observación de van der Weyden. El alargamiento conspicuo de las muñecas de Cristo ha sido explicada a veces como la ineptitud de un ayudante, pero igualmente puede ser una consecuencia de la larga permanencia de Cristo colgando en la Cruz, el tipo de detalle realista característico de van der Weyden. La Virgen arrodillada con manto azul sostiene y besa a su hijo muerto, ayudada y consolada por San Juan a la izquierda, a la derecha María Magdalena compungida, con el tarro de ungüentos junto a ella, mientras la luz del ocaso se extiende tras ellos.
Aunque se hicieron un buen número de imitaciones de la versión de Bruselas, solo unas pocas se basaron directamente en ella. Una conexión directa solo se puede ver en las versiones que pertenecen a la colección Rademakers en La Haya, al Museo Mayer van den Bergh, en Amberes, y la colección Manzoni, en Nápoles. La versión Manzoni combina características de la versión de Bruselas así como de las versiones de Madrid y otra en el Staatliche Museen, en Berlín.
“Tríptico de Jan de Witte y Marie Hoose”, obra del pintor del maestro de 1473, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “Tríptico de Jan de Witte y Marie Hoose”, obra del pintor del maestro de 1473, realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1473. Tiene unas medidas de: 74,5 x 115,5 cm.
En el tríptico podemos ver: panel central: María con el Niño; panel izquierdo: Jan de Witte, alcalde de Brujas; panel derecho: Maria Hoose, esposa de Jan de Witte.
Independientemente de la categoría social de nacimiento de las jóvenes (nobleza- burguesía-campesinado), el matrimonio es el acto supremo de su vida. En el tiempo, la vida no se puede concebir fuera de dos posibilidades: el convento o el casamiento. Al casarse, las chicas pasan de la autoridad del padre a la del marido y tomar, en adelante, el nombre de éste.
En el panel derecho del Tríptico por Jan de Witte, una joven núbil en la inscripción en el marco informa que tiene dieciséis años, recita oraciones. Está colocado subrepticiamente un poco más bajo que el hombre y la Virgen, representado en los otros dos paneles.
Esto refuerza su aire dócil y frágil que contrasta con el aire seguro de su marido, tiene treinta años, alcalde de la ciudad de Brujas. La pintura habría sido hecha para celebrar su unión. Para la ocasión, el joven coronó su cabeza con un hennin bordado con perlas y adornaba su esbelto cuerpo un lujoso abrigo negro, abierto hasta el pubis, bordeado de pelaje blanco y sobrio por un ancho cinturón rojo. Al lado de la novia un pequeño perro blanco.
“Tríptico con la Tentación de San Antonio”, obra del pintor Jheronimus Bosch, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “Tríptico con la Tentación de San Antonio. Abierto: Escenas de la tentación de San Antonio. Panel izquierdo cerrado: La captura de Cristo; panel derecho: El llevar de la cruz”, obra del pintor de Jheronimus Bosch llamado El Bosco, realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1520-1530. Tiene unas medidas de: 133,5 x 118 (panel central); 130,5 x 52,5 (panel izquierda); 130,5 x 52,5 (panel derecha).
El tríptico está tomado de una leyenda del padre de la iglesia egipcia Atanasio de Alejandría sobre el fundador del monaquismo, Antonio de Egipto. Tras la muerte de sus padres, este santo regaló todos sus bienes y se instaló a las afueras de su pueblo, donde llevó una vida ascética y se dedicó a la caridad. El diablo, sin embargo, vio a Antonio como una presa fácil y comenzó a susurrarle recuerdos de su rica vida. También trató de hacer dudar a Antonio señalando la dureza del ascetismo y el difícil camino hacia Dios. El diablo lo acosó día y noche, tratando incluso de inducirlo a fornicar como mujer, pero fue en vano.
“Calvario con donante”, obra del pintor Jheronimus Bosch, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “Calvario con donante”, obra del pintor de Jheronimus Bosch llamado El Bosco, realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1495-1505. Tiene unas medidas de: 74,7 x 61 cm.
En el horizonte está la ciudad de Jerusalén. En el desolado paisaje anterior, dos personas solitarias se dirigen hacia esa ciudad. En el extremo derecho de este paisaje, el pintor representó un árbol seco en el que vuelven a crecer las hojas. Este motivo aparece en varios lugares durante la Baja Edad Media, tanto en las artes visuales como en la literatura. Por un lado, se refiere a la muerte de Cristo en la cruz (representada como un árbol seco) y su resurrección (representada como hojas tiernas) y por otro lado al hombre pecador, que puede contar con la vida eterna, siempre que se arrepienta y se arrepienta, por sus pecados.
“Lamentación”, obra del pintor de Petrus Christus, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “Lamentación”, obra del pintor de Petrus Christus (1410-1476), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1450. Tiene unas medidas de: 98 x 188 cm.
La escena se coloca ante un vasto paisaje en el que Jerusalén se representa como una ciudad flamenca a finales de la Edad Media. El paisaje es más detallado, los personajes son más numerosos; además de las personas que tradicionalmente están presentes hay un par de espectadores entristecidos a la derecha de la tabla.
“Virgen con el niño”, obra del pintor de Rogier van der Weyden, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “Virgen con el niño”, obra del pintor de Rogier van der Weyden (1399-1464), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en siglo XV. Tiene unas medidas de: 56,6 x 35,6 cm.
El pintor era capaz de crear apariencia de vida gracias a la extraordinaria minuciosidad con que aborda los detalles menudos, como las lágrimas que escurren por las mejillas, los bordados de un tejido o la sombra de las barbas mal afeitadas, Van der Weyden rompe en su pintura con los límites entre lo real y lo esculpido al situar a sus figuras en espacios con frecuencia inverosímiles o irreales, con escalas contrarias a la lógica y, sin embargo, intensamente emotivas y de gran fuerza estética por la armonía de sus composiciones.
“La Virgen entre vírgenes”, obra del pintor de Maestro de la leyenda de Lucía, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “La Virgen entre vírgenes”, obra del pintor de Maestro de la leyenda de Lucía, realizado en óleo sobre tabla, esta datado en siglo XV. Tiene unas medidas de: 108 x 171cm.
Maestro de la leyenda de Santa Lucía fue un pintor neerlandés primitivo no identificado de Brujas. Su nombre proviene de un retablo de la iglesia de Santiago de Brujas, fechado en 1480, que representa tres escenas de la vida de Santa Lucía. Desde entonces, entre veinticinco y treinta y cinco pinturas se han atribuido al mismo autor. Es posible que haya formado a estudiantes españoles en su estudio de Brujas. Muchas de sus pinturas se caracterizan por vistas de la ciudad de Brujas al fondo, y pueden fecharse según el nivel de construcción de su campanario.
“La tortura de San Sebastián”, obra del pintor de Hans Memling, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “La tortura de San Sebastián”, obra del pintor de Hans Memling (1440-1494, realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1475. Tiene unas medidas de: 67,4 × 67,7 cm.
Sebastián fue, según la tradición, un santo oriundo de Narbona y criado en Milán que llegó a ser centurión de la primera cohorte romana en época del emperador Diocleciano. Por animar a sus compañeros de armas a aferrarse a la fe cristiana fue condenado a morir atado a un árbol y asaeteado, aunque sobrevivió a este martirio.
“Retratos de Willem Moreel, y su esposa, Barbara van Vlaendenbergh”, obra del pintor de Hans Memling, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “Retratos de Willem Moreel, y su esposa, Barbara van Vlaendenbergh”, obra del pintor de Hans Memling (1440-1494), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1482. Tiene unas medidas de: 39 x 29,7cm.
La composición de la obra es muy interesante, ya que los retratos de la pareja se encuentran enmarcados por una ventana abierta que muestra un paisaje urbano de Brujas al fondo. Este recurso visual le da profundidad a la obra y crea un contraste interesante entre la vida cotidiana de los retratados y la grandiosidad de la ciudad.
El color también es un aspecto destacado de esta obra. Memling utiliza una paleta de colores suaves y delicados, que le dan a la obra un aire de serenidad y elegancia. Los tonos dorados y rojizos de la ropa de Willem Moreel contrastan con los tonos azules y verdes de la ropa de su esposa, creando una armonía visual interesante.
“María y el niño”, obra del pintor de Hans Memling, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “María y el Niño”, obra del pintor de Hans Memling (1440-1494), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1467. Tiene unas medidas de: 40 x 29 cm.
Un aspecto poco conocido de esta pintura es que Memling utilizó una técnica de pintura en capas para crear la textura y la profundidad en la ropa y los accesorios. Esta técnica se conoce como “veladura” y consiste en aplicar capas finas de pintura translúcida para crear un efecto de luminosidad y profundidad.
“María y el niño”, obra del pintor de Quinten Massys, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “María y el Niño”, obra del pintor de Quinten Massys (1465-1530), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en siglo XVI. Tiene unas medidas de: 84,5 x 74,5 cm.
Massys cultivó la temática religiosa y el retrato. Las primeras obras, de las cuales no conservamos datos, no se han fechado, pero se le han atribuido imágenes de la Virgen como La Virgen con el Niño (Museos Reales de Bellas Artes, Bruselas) y Cristo presentado al pueblo (Museo del Prado, Madrid), mostrando la influencia de los primitivos flamencos en la intensidad del sentimiento religioso, suntuosidad cromática y minuciosidad en el detalle.
“Retrato de un hombre”, obra del pintor de Hans Memling, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “Retrato de un hombre”, obra del pintor de Hans Memling (1440-1494), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1472. Tiene unas medidas de: 35,3 x 25,7 cm.
Junto a Gérard David, pertenece al grupo de pintores que recogen la tradición flamenca y reiteran las formas anteriores. Su estilo es suave y delicado, con figuras bellas y magnífico colorido. Aporta una concepción germánica, sensual, de la belleza humana y de los destacados fondos paisajísticos de sus cuadros.
“Tríptico de la Abadía de Dielegem”, obra del pintor de Maestro de 1518, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “Tríptico de la Abadía de Dielegem”, obra del pintor de Maestro de 1518, realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1510-1529. Tiene unas medidas de: 180 x 150cm.
El tríptico representan: Panel central: Jesús con Simón el fariseo. Panel izquierdo: La resurrección de Lázaro. Panel derecho: La Asunción de María Magdalena y un abad premonstratense como copero.
Al pintor por motivos estilísticos se le han atribuido un numeroso grupo de pinturas anónimas y ha sido identificado por Georges Marlier con Jan van Dornicke, también llamado Jan Mertens el Joven, y por Lorne Campbell con el llamado Maestro de la Abadía de Dileghem. Sus pinturas son principalmente representaciones de escenas religiosas llenas de personajes, que combinan los estilos gótico y renacentista. Asimismo, incorporó a sus pinturas con frecuencia ropas muy elaboradas y ruinas arquitectónicas.
“San Jerónimo penitente”, obra del pintor de Albrecht Bouts, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “San Jerónimo penitente”, obra del pintor de Albrecht Bouts (1451-1549), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1480. Tiene unas medidas de: 41,6 x 37,8 cm.
Aquí se muestra al santo como un eremita penitente en el desierto, arrodillado ante el Crucifijo, mientras se golpea el pecho con una piedra. Cerca está sentado el león que se convirtió en su devoto compañero después de que el santo se quitara una espina de la pata. El paisaje pintado con precisión es un testimonio del amor flamenco por el detalle y el realismo.
“Paisaje con la predicación de San Juan Bautista”, obra del pintor de Joachim Patenier, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “Paisaje con la predicación de San Juan Bautista”, obra del pintor de Joachim Patenier (1485-1524), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en siglo XVI. Tiene unas medidas de: 36,5 x 45cm.
Este pintor fue uno de los primeros en los Países Bajos en hacer de los paisajes su tema principal y arrancarlos de su papel secundario. También jugó un papel destacado en el desarrollo de la perspectiva en las pinturas de paisajes. Siempre utilizó el mismo esquema de color en sus pinturas: sombras marrones en primer plano, verde azulado en el medio y azul suave en el fondo, logrando profundidad en la pintura. Sus paisajes son poco realistas, sino más bien compuestos artificialmente, con figuras religiosas generalmente en primer plano en un formato pequeño.
“Caridad”, obra del pintor de Lucas Cranach II, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “Caridad”, obra del pintor de Lucas Cranach II (1515-1586), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1540. Tiene unas medidas de: 50 x 34 cm.
Las escenas mitológicas de Cranach casi siempre presentan al menos una figura femenina esbelta, totalmente desnuda pero con un paño transparente o un sombrero grande; las creadas al principio de su carrera muestran influencias italianas, incluida la de Jacopo de'Barbari, quien estuvo en la corte de Sajonia por un tiempo hasta 1505. Luego los desnudos se vuelven raros en su producción hasta después de la muerte de Federico el Sensato. Los desnudos finales muestran un estilo distintivo que abandona la influencia italiana por un resurgimiento del canon estético gótico tardío, con mujeres delgadas, de ojos rasgados, piernas largas y pechos pequeños.
“Apolo y Diana”, obra del pintor de Lucas Cranach I, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “Apolo y Diana”, obra del pintor de Lucas Cranach I (1472-1553), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1526. Tiene unas medidas de: 83.8 x 56.5 cm.
La escena adquiere una intensidad particular por la forma en que las figuras están vistas en relieve, pero también relacionadas con el bosque que hay detrás de ellas. El cabello de Diana, representado con precisión, se enrosca alrededor de las astas del ciervo, que a su vez se confunden deliberadamente con las ramas de los árboles que hay detrás. La claridad incisiva característica de Cranach y la atención al detalle minucioso se ven aquí, por ejemplo, en la luz reflejada en el ojo del ciervo o en los pequeños cisnes que nadan en el lago.
“Susana espiada por los ancianos”, obra del pintor de Jan Matsys, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “Susana espiada por los ancianos”, obra del pintor de Jan Massys (1509-1575), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1567. Tiene unas medidas de: 162 x 222 cm.
Una bella esposa hebrea llamada Susana fue acusada falsamente por voyeurs lujuriosos. Mientras se bañaba en privado (después de haber despedido a sus sirvientas) en su jardín cerrado y amurallado, dos ancianos, que se habían despedido previamente, se vuelven a encontrar cuando la espían mientras se baña. Los dos hombres se dan cuenta de que ambos sienten lujuria por Susana. Cuando ella regresa a su casa, la abordan y le exigen que tenga relaciones sexuales con ellos. Cuando ella se niega, la arrestan, alegando que la razón por la que despidió a sus sirvientas fue para estar sola, ya que estaba teniendo relaciones sexuales con un joven debajo de un árbol.
“Júpiter como sátiro con Antíope y sus hijos Anfión y Zetos”, obra del pintor de Vincent Sellaer, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “Júpiter como sátiro con Antíope y sus hijos Anfión y Zetos”, obra del pintor de Vincent Sellaer (1490-1564), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en siglo XVI. Tiene unas medidas de: 100 x 130.6 cm
El pintor durante su juventud viajó a Italia, concretamente a Brescia, donde adquirió influencias procedentes de los pintores manieristas italianos y de Leonardo Da Vinci.
Tras su retorno a Flandes, vivió de nuevo en Malinas, donde ejecutó gran cantidad de lienzos, generalmente de temas mitológicos y religiosos, en los que la presencia de ángeles niños y mancebos se suele repetir de forma característica. Buena parte de su obra fue destruida por los iconoclastas de Malinas. La influencia que ejerció sobre otros artistas de su época como Frans Floris, Willem Key y Joos van Cleve fue muy importante.
“Las tentaciones de San Antonio”, obra del pintor de Cornelis Massys, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “Las tentaciones de San Antonio”, obra del pintor de Cornelis Massys (1510-1557), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en siglo XVI. Tiene unas medidas de: 67 x 93.5 cm
Cornelis Massys es también autor de dibujos acabados, del tipo conocido como dibujos de obsequio, de trazo fino y ejecución esmerada como el Paisaje montañoso, Bruselas, Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica o el Paisaje con las tentaciones de Cristo, Edimburgo, National Gallery of Scotland, por lo que ha sido también uno de los pintores a los que se ha atribuido el llamado Álbum Errera de los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica, un conjunto de ochenta y cuatro dibujos de paisajes acabados y estudios de árboles, rocas y edificios diversos.
“Adán y Eva”, obra del pintor de Lucas Cranach I, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “Adán y Eva”, obra del pintor de Lucas Cranach I (1472-1553), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1528. Tiene unas medidas de: 167 x 61 cm.
Los dos antepasados bíblicos están retratados, en este caso, en dos paneles diferentes, ante un fondo oscuro, de pie en una tierra con hierba y piedras apenas visibles, mirando el uno hacia el otro con el árbol entre ellos. Ambos sujetan dos pequeñas y finas ramas cuyas hojas cubren justo sus genitales. Eva sostiene con la diestra alzada la manzana, que acaba de morder y le presenta a Adán. Sobre su cabeza la serpiente cuelga enroscada de una rama del Árbol del conocimiento del bien y del mal. Tiene orejas como en algunos bestiarios medievales. Adán es mostrado rascándose la coronilla, dudando.
“Susana espiada por los ancianos”, obra del pintor de Jan Massys, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “Susana espiada por los ancianos”, obra del pintor de Jan Massys (1509-1575), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1565. Tiene unas medidas de: 148 x 204,5 cm.
En el centro de la composición, la hermana mayor, medio desnuda, está sentada sobre las rodillas del anciano Lot. Junto a ellos, la hermana menor les ofrece con gracia una copa de vino. A la izquierda, Sodoma está en llamas, mientras los ángeles ayudan a Lot y su familia a escapar; a la derecha, Gomorra también está en llamas, y frente a nosotros, una pequeña ciudad ha escapado del desastre. Probablemente se trate de Zoar, donde la familia se había refugiado por primera vez.
“Tríptico de la familia Micault”, obra del pintor de Jan Cornelisz. Vermeyen, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “Tríptico de la familia Micault”, obra del pintor de Jan Cornelisz. Vermeyen (1547-1549), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en siglo XVI. Tiene unas medidas de: 145 x 125 cm.
La composición de esta pintura es otro aspecto interesante a destacar. El tríptico consta de tres paneles, siendo el central el más grande y los laterales más estrechos. En el panel central, Vermeyen representa a la familia Micault en un entorno doméstico, rodeados de objetos que reflejan su estatus social y su gusto por el arte. Los paneles laterales, por otro lado, muestran a los miembros de la familia en poses más formales y ceremoniales.
“Políptico con Job y Lázaro”, obra del pintor de Bernard van Orley, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “Políptico con Job y Lázaro”, obra del pintor de Bernard van Orley (1487-1541), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1521. Tiene unas medidas de: 176 x 184 cm.
El Políptico con Job y Lázaro da testimonio de algunas de las innovaciones que Van Orley introdujo en los Países Bajos y para las que se inspiró en maestros del Renacimiento alemán e italiano como Durero, Rafael y Mantegna. Además del edificio renacentista que sirve de telón de fondo del drama que se desarrolla entre los hijos de Job, llama la atención el tamaño de las figuras, la dinámica de la representación y la expresividad de los rostros. Además, el políptico delata una cierta timidez: los espectadores atentos reconocen no sólo el nombre, el lema y el escudo del pintor en el panel central, sino también su autorretrato en uno de los paneles exteriores.
“El banquero con su esposa”, obra del pintor de Quinten Massys, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “El banquero con su esposa”, obra del pintor de Quinten Massys (1465-1530), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1514. Tiene unas medidas de: 70,5 x 67,7cm.
La banca y el cambio de moneda eran profesiones relativamente nuevas a principios del siglo XVI. En una sociedad que cambiaba rápidamente, el comercio y el dinero adquirieron un lugar cada vez más importante.
La iglesia advirtió contra los abusos resultantes. El hombre de este panel está absorto en su actividad: pesar monedas y determinar su contenido en oro. Su esposa observa atentamente.
Se trata de una de las primeras “piezas de género”: no es un retrato, sino que representa una escena de la vida cotidiana. A menudo, estas escenas contienen una lección moral o un mensaje religioso. No fueron hechos para un cliente específico, sino para el mercado libre.
“Los milagros de San Benito”, obra del pintor de Pedro Pablo Rubens, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “Los milagros de San Benito”, obra del pintor de Pedro Pablo Rubens (1577-1690), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1630. Tiene unas medidas de: 164 x 262.
San Benito fue un monje, es decir un solitario, un cristiano del siglo VI. Nacido en Norcia (Italia) en el año 480 y muerto en 547, pertenece a esa categoría de personas que, llevadas por el deseo de una más íntima unión con Dios y por el impulso de una llamada particular, dejan el mundo para consagrarse enteramente al servicio divino en la oración y la penitencia.
“El triunfo de la fe católica”, obra del pintor de Pedro Pablo Rubens, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “El triunfo de la fe católica”, obra del pintor de Pedro Pablo Rubens (1577-1690), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1630. Tiene unas medidas de: 63,5 x 89,5 cm.
El cuadro forma parte de una serie de imágenes alegóricas destinadas a exaltar el sacramento de la Eucaristía y la fe católica frente a la herejía, en el contexto de la Europa posterior a la Reforma protestante. Fueron concebidos como modelos a pequeña escala para la confección de tapices monumentales.
“Cuatro estudios de una cabeza de moro”, obra del pintor de Pedro Pablo Rubens, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “Cuatro estudios de una cabeza de moro”, obra del pintor de Pedro Pablo Rubens (1577-1690), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1640. Tiene unas medidas de: 51 x 66 cm.
Rubens produjo una célebre serie de cabezas de estudio, algunas de las cuales ejecutó a partir de la vida real e inventó otras a partir de figuras imaginarias. Mantuvo estos estudios preliminares a mano en el estudio para referencia. Estos estudios de un africano pueden haber sido utilizados como fuente para uno de los reyes de la Adoración de los Magos, que a menudo se representaba como un moro. Aparte de este tema, las imágenes de figuras africanas eran poco comunes en el arte renacentista y barroco europeo.
“El regreso de la peregrinación”, obra del pintor de Pieter Brueghel II, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “El regreso de la peregrinación”, obra del pintor de Pieter Brueghel II (1564-1688), realizado en óleo sobre madera, esta datado en 1607. Tiene unas medidas de: 48,3 x 78,5cm.
Pieter Brueghel el Joven pintó paisajes, temas religiosos, proverbios y escenas de pueblo. Se han registrado algunos bodegones de flores de Pieter. Sus pinturas de género de campesinos enfatizan lo pintoresco, y son consideradas por algunos como carentes de la sutileza y el humanismo de Pieter el Viejo.
“El vino de la fiesta de san Martín”, obra del pintor de Pieter Brueghel I, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “El vino de la fiesta de san Martín”, obra del pintor de Pieter Brueghel I (1564-1688), realizado en temple sobre lienzo, esta datado en el siglo XVI. Tiene unas medidas de: 148 × 270,5 cm.
La composición es muy compleja. Una multitud de personajes se arremolinan en torno a un tonel pintado de rojo en el centro del cuadro, en las más variadas actitudes: hay mujeres, hombres, niños, ancianos, y todos se afanan por conseguir un poco del vino que brota del enorme recipiente. Algunos ya han conseguido su parte y beben ávidamente; otros corren con escudillas, jarras o sus propios sombreros a recoger el licor; no faltan peleas y discusiones, o las consecuencias de los excesos: así, a la izquierda del cuadro un hombre vomita mientras otro, totalmente ebrio, yace inconsciente en el suelo. Incluso varias madres con sus hijos se acercan a la fiesta y alguna de ellas ofrece vino a los pequeños.
“La muerte de Marat”, obra del pintor de Jacques-Louis David, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “La muerte de Marat”, obra del pintor de Jacques-Louis David (1743-1693), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1793. Tiene unas medidas de: 165 cm × 128 cm.
Representa el fallecimiento en 1793 del líder revolucionario francés Jean-Paul Marat, fundador del periódico radical L'Ami du peuple (El amigo del pueblo), líder de los montañeses y muy relacionado con la facción jacobina durante el reinado del Terror, aunque nunca fue un miembro indiscutible. Marat fue apuñalado el 13 de julio de 1793, mientras trabajaba en su bañera, por Carlota Corday, quien apoyaba a la facción girondina, más moderada, y quien culpaba a Marat de las Masacres de septiembre. Corday marchó de Normandía a París obsesionada con la idea de asesinar al hombre a quien ella percibía como una «bestia», para así «salvar a Francia», y consiguió aproximársele usando el subterfugio de alertarle de una supuesta conspiración contrarrevolucionaria.
“Coronación de la virgen”, obra del pintor de Pedro Pablo Rubens, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “Coronación de la virgen”, obra del pintor de Pedro Pablo Rubens (1577-1690), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1625. Tiene unas medidas de: 415 x 257 cm.
Pedro Pablo Rubens fue un pintor barroco de la escuela flamenca. Su estilo exuberante enfatiza el dinamismo, el color y la sensualidad. Sus principales influencias procedieron del arte de la Antigua Grecia, de la Antigua Roma y de la pintura renacentista.
“La Asunción de María”, obra del pintor de Pedro Pablo Rubens, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “La Asunción de María”, obra del pintor de Pedro Pablo Rubens (1577-1690), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en siglo XVII. Tiene unas medidas de: 500 x 338,5 cm.
En 1849 llegaron las primeras peticiones a la Santa Sede de parte de los obispos para que la Asunción se declarara como doctrina de fe; estas peticiones aumentaron conforme pasaron los años. Cuando el papa Pío XII consultó al episcopado en 1946 por medio de la carta Deiparae Virginis Mariae, la afirmación de que fuera declarada dogma fue casi unánime.
“Angustia de Dios con San Francisco”, obra del pintor de Pedro Pablo Rubens, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “Angustia de Dios con San Francisco”, obra del pintor de Pedro Pablo Rubens (1577-1690), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1624. Tiene unas medidas de: 420 x 332 cm.
Rubens trató una amplia variedad de temas pictóricos: religiosos, históricos, de mitología clásica, escenas de caza, paisajes, retratos; así como dibujos, ilustraciones para libros y diseños para tapices (series de La Historia de Decio Mus, La Historia de Constantino, El Triunfo de la Eucaristía y La Historia de Aquiles).Se conservan aproximadamente mil quinientos cuadros suyos. Una producción tan elevada fue posible gracias no solo a las facultades imaginativas y técnicas del maestro, sino también por un amplio taller con colaboradores, donde al parecer trabajaban en cadena.
“La Asunción de la Virgen”, obra del pintor de Theodoor van Loon, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “La Asunción de la Virgen”, obra del pintor de Theodoor van Loon (1581-1649), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1622. Tiene unas medidas de: 356 x 237 cm.
Pintor activo en Roma entre 1602 y 1608, en el taller de un mal conocido pintor de Amberes llamado Jacob de Hase, recibió la influencia de los primeros maestros barrocos romanos, incluyendo algunas sugerencias caravaggistas puestas de manifiesto en sus obras tempranas.
“La Virgen y San Francisco de Asís protegiendo el Mundo de la ira de Cristo”, obra del pintor de Pedro Pablo Rubens, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “La Virgen y San Francisco de Asís protegiendo el Mundo de la ira de Cristo”, obra del pintor de Pedro Pablo Rubens (1577-1690), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1620. Tiene unas medidas de: 413 x 280 cm.
Rubens poseía una amplia formación humanista y tuvo siempre un profundo interés por la Antigüedad clásica. "Estoy convencido de que para lograr la mayor perfección en la pintura es necesario comprender a los antiguos", afirmaba. Dominaba diversas lenguas, incluido el latín, y llegó a ejercer como diplomático entre distintas cortes europeas. Fue además ennoblecido tanto por Felipe IV de España como por Carlos I de Inglaterra.
“El martirio de San Livino”, obra del pintor de Pedro Pablo Rubens, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “El martirio de San Livino”, obra del pintor de Pedro Pablo Rubens (1577-1690), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1633. Tiene unas medidas de: 413 x 347cm.
El santo obispo ha sido asaltado por unos bandidos que lo someten a toda clase de torturas. En el momento recogido por el artista acaban de arrancarle la lengua que uno de los verdugos ofrece en las tenazas a la voracidad de un perro. Como en tantas composiciones barrocas la escena terrenal se contrapone a una visión celestial. Sobre las nubes contrasta la ira de los ángeles vengadores, que esgrimen el rayo destructor, con la dulzura de los angelotes que descienden portando la corona y la palma para el mártir. Todo ello crea una indescriptible tensión en esta gran obra, que bien puede llamarse magistral.
“La Adoración de los Reyes Magos”, obra del pintor de Pedro Pablo Rubens, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “La Adoración de los Reyes Magos”, obra del pintor de Pedro Pablo Rubens (1577-1690), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1628. Tiene unas medidas de: 384 x 280 cm.
María muestra al niño, que sostiene sobre un pesebre cubierto de paja, a los reyes y la multitud reunida. Ella coloca su mano izquierda sobre la calva del mayor, el rey griego, que viste un manto dorado con una estola de sacerdote. Detrás de Jesús están el rey etíope negro con turbante blanco y el asirio con las manos cruzadas sobre el pecho.
Las escaleras le dan a Rubens la oportunidad de trabajar en altura y a muchas personas en una estrecha relación con el piso. Las vestiduras litúrgicas, que hacen referencia a la Eucaristía, responden al simbolismo del sacrificio de Jesús. Por tanto, el rey mayor puede sujetar el pie del niño, será considerado destinatario del sacramento; el vientre de la virgen.
“El camino al Calvario”, obra del pintor de Pedro Pablo Rubens, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas (Bélgica) |
La siguiente obra maestra del museo “El camino al Calvario”, obra del pintor de Pedro Pablo Rubens (1577-1690), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1634-1637. Tiene unas medidas de: 569 x 355cm.
La composición de la pintura es igualmente impresionante, con una multitud de figuras en movimiento que se entrelazan en una escena caótica pero cohesiva. El ojo del espectador es llevado hacia el centro de la pintura, donde Jesús lleva su cruz, mientras que los personajes que lo rodean parecen estar en diferentes etapas de su viaje hacia la crucifixión.
El uso del color es también notable, con una paleta rica y vibrante que añade aún más drama a la escena. Los tonos rojos y dorados se utilizan para resaltar la figura de Jesús, mientras que los tonos más oscuros y terrosos se utilizan para representar la tierra y el entorno circundante.
Todos estos cuadros de Rubens están expuestos en una inmensa sala que permite ver estas obras de unas dimensiones nada habituales, solo pensar cuanto tiempo tardaría en pintar estos lienzos de varios metros de alto, algunos superan los 5 metros.
El Mont des Arts Bruselas |
Aquí damos por finalizada la visita porque el museo tiene una intensidad tan importante que termina cansando por la cantidad de obras, decidimos abandonar para comer en un restaurante turco cercano.
Desde aquí marchamos al centro histórico, para ello, tenemos que atravesar uno de los miradores más bonitos El Mont des Arts (que significa “monte de las artes” en francés), GPS N50.8446918 E4.355575) es una zona que se encuentra en el límite del barrio de la Corte de Bruselas. En este lugar están situados algunos de los edificios más importantes del país como la Biblioteca Real o los Archivos Nacionales de Bélgica. También se encuentran allí algunos de los museos más relevantes como el Museo Magritte, el Museo de Instrumentos Musicales o los Museos de Bellas Artes de Bélgica.
Con motivo de la inminente Exposición Internacional de Bruselas de 1910, el rey encomendó al paisajista francés Pierre Vacherot, que ejecutara un jardín de carácter temporal. El nuevo parque gustó tanto, que permaneció así por décadas, hasta que se decidió resucitar el antiguo proyecto.
Además de por la gran de museos y edificios importantes, el Mont des Arts es muy conocido por sus jardines. Se trata de unos jardines preciosos con varias hileras de árboles y arbustos muy coloridos en el centro. Por el parque, a los lados de los arbustos centrales hay una gran cantidad de bancos para sentarse a disfrutar del entorno.
El Mont des Arts Bruselas |
Por otro lado, las escaleras que hay situadas al final de los jardines son uno de los mejores lugares para tener una visión de toda la ciudad. Al estar en una posición elevada, permiten disfrutar de una panorámica de los edificios más emblemáticos de la ciudad, como por ejemplo del edificio del Ayuntamiento. Al final de los jardines, coronando las vistas, se puede ver también la estatua del rey Alberto I.
Iglesia de Santa María Magdalena Bruselas |
Más adelante pasamos por Iglesia de Santa María Magdalena GPS N50.8453944 E4.3544633, situada Rue de la Madeleine 1, 1000 Bruxelles.
Esta bellísima Iglesia recibe al visitante, fiel o Peregrino en Bruselas que es una ciudad católica con constantes símbolos religiosos en sus fachadas y edificios, se encuentra en la salida de la Estación de tren de Bruselas Centro, camino hacia la "Grand Place".
La Capilla de Santa María Magdalena es una de las iglesias más antiguas de Bruselas, ya que fue fundada por los Hermanos de la Misericordia en el siglo XII sobre los cimientos de una iglesia anterior, que se cree fue construida por Caballeros Templarios.
La iglesia ha sufrido varias modificaciones, sobre todo durante su reconstrucción tras el bombardeo francés del centro de Bruselas en 1695. Es conocida por su torre de estilo barroco que se eleva sobre los tejados de los edificios de alrededor. Además, es visible desde muchos puntos de la ciudad. Es una iglesia sencilla, tanto su exterior como su interior. Destaca por sus ladrillos rojos y una pequeña torre sobre la puerta principal. En uno de los laterales, se encuentra una capilla. En su última restauración 1956-1959, se encontraron unos muros bajos en la excavación que acreditan la existencia de un Santuario mucho más antiguo (al parecer de Los Caballeros Templarios), sobre el que se encuentra edificada La Iglesia actual.
Nave Iglesia de Santa María Magdalena Bruselas |
Fue a primeros del siglo XV cuando se añadieron las dos naves laterales del edificio, la fachada con Cristalera y el pequeño Campanario.
El centro de Bruselas fue bombardeado en el año 1695 por el mariscal francés Villeroi (Villaroy), también La Iglesia que ha sido totalmente restaurada.
El sobrio Presbiterio, invita con su paz a la oración y recogimiento, con la Santa Cruz, las cinco ventanas superiores verticales indican la elevación al cielo, llegan hasta el gran Arco de la Nave central.
El techo es artesonado y de madera de roble, casi único en Bruselas (puerta central de La Iglesia vista desde el interior).
Nuestra Señora de La Asunción, se le reza especialmente para que interceda ante su Hijo por la unión de La Iglesia.
Los Arcángeles San Miguel, San Gabriel y San Rafael, en un precioso Icono, sobre la mesa la cabeza del derrotado maligno enemigo.
Tiene una bellísima imagen de Santa María Magdalena, Santa que da el nombre a La Iglesia, es de pequeño tamaño, su elegante vestido es de la época de La Edad Media. Y una representación del Niño Jesús en brazos de La Virgen María niña o adolescente, y a su vez en brazos de Santa Ana.
Nieto, Madre y Abuela; curiosa y original representación de tres generaciones de la bella Sagrada Familia, la imagen también es de tamaño pequeño.
Durante la restauración de La Iglesia, se le agregó La Capilla de Santa Ana que anteriormente estuvo situada en La Rue de Montagne.
Fuente de Mennaken Pis Bruselas |
Una vez en el centro histórico, como no, no podemos olvidar de ver la diminuta figura de Mennaken Pis (GPS N 50.8450127 E4.3499437). Es la segunda vez y ahora me parece más pequeña de lo que recordaba.
La figura tiene siglos y refiere a un dicho muy español, los niños vienen con un pan debajo del brazo. Los niños pobres vendían su primer pis de la mañana al gremio de los curtidores porque tienen alto contenido en amoníaco, a cambio les daban un trozo de pan. De esta forma se hace bueno nuestro refranero popular.
En 1388, en la esquina de Stoof- y Eikstraat, ya había una fuente de la que formaba parte una estatuilla de piedra que se llamaba Julianekensborre. La estatua en sí no se ha conservado y tampoco hay una foto de ella, por lo que no hay certeza de que esta pequeña Juliane haya orinado. Sin embargo, existe un registro de 1452, en el que se utilizan las palabras daer dmenneken pist como indicación de la ubicación de esta esquina de la calle. También en el plano de la ciudad de Frans Hogenberg y Joris Bruin de 1572, se encuentra este topónimo, junto con un mínimo boceto del que sólo se puede deducir que era una estatua independiente. En ocasiones especiales bebía cerveza o vino en lugar de agua, una tradición que también estaba en boga en la corte borgoñona. En Enghien, se dice que ya en 1362 había una fuente Manneken-Pis..
Fuente de Mennaken Pis Bruselas |
En 1619, el consejo de la ciudad ordenó la renovación completa de la fuente del charco. El escultor Hieronymus Duquesnoy el Viejo realizó una estatua de bronce según el ejemplo antiguo de los putti pisciatori. La estatua de Duquesnoy se colocó sobre un pilar de seis pies de altura, ejecutado por el cantero Daniël Raessens. También fabricó las dos tinas en las que el pequeño orina (6 x 6 y 4 x 2 pies).
El Manneken Pis es mundialmente famoso por su aspecto travieso y las leyendas que se tejieron sobre el origen y la significación de esta estatua. Entre ellas están las siguientes:
Una primera leyenda cuenta que en el siglo XIV Bruselas fue atacada por enemigos, que en un momento dado fingieron rendirse. En realidad, sin embargo, estaban colocando pólvora bajo las murallas de la ciudad y querían hacerla volar. Se dice que un niño llamado Julián vio la mecha a tiempo y la apagó orinando sobre ella. De este modo, salvó a la ciudad de la destrucción.
Una segunda leyenda habla de un niño que defecó y orinó contra la puerta de una bruja. La bruja se enfureció y maldijo al pequeño: para castigarlo, el niño seguiría orinando indecentemente para siempre. Un buen hombre, al ver todo aquello, sustituyó rápidamente al niño por una estatua para librarlo de la eterna micción.
Fuente de Mennaken Pis Bruselas |
En una tercera historia, que es la que más cuentan a los turistas, había una fiesta en Bruselas. Un rico comerciante que visitaba la ciudad en familia perdió a su hijo pequeño entre la gran multitud de personas. Lo buscaron durante días, y al cabo de dos días el padre volvió a ver al niño: el hijo estaba riendo y orinando en un pequeño jardín. El padre se alegró tanto de encontrar a su hijo que mandó hacer una fuente de agradecimiento. Sobre la fuente colocó la estatua de su hijo orinando.
Según otra leyenda, el joven duque Godofredo III de Lovaina huyó del palacio de su padre cuando sólo tenía seis años. Paseó por Bruselas con algunos niños de su misma edad. Los sirvientes, que lo buscaban, lo encontraron en el lugar donde ahora se encuentra la fuente. Tal y como estaba entonces, sigue estando allí ahora como una estatua.
Sin embargo, algunos creen que la estatua se hizo con motivo de la Batalla de Ransbeek cerca de Vilvoorde. Cuando el duque Godofredo III de Brabante tenía dos años, su padre murió. Tras su muerte, dos nobles de la corte, Walter van Mechelen y Geeraard van Grimbergen del género Berthout, declararon la guerra al joven duque. Los guardianes del joven duque pidieron ayuda a la graaf van Vlaanderen. Ofreció su ayuda, pero sus soldados querían saber por quién tenían que luchar. Por lo tanto, el pequeño fue mostrado a los soldados y luego llevado al campo de batalla. Allí, la cuna fue colgada en la rama de un árbol durante la lucha que duró tres días. Finalmente, los rebeldes fueron derrotados. El joven duque también tuvo su parte. Varias veces al día, se ponía de pie en su cuna y luego se aseguraba de que su chorro volara sobre el borde con fuerza. Para no olvidar este memorable acontecimiento, el roble del que había colgado la cuna fue trasladado a Bruselas y plantado en una calle del centro de la ciudad, a la que se dio el nombre de Eikstraat. Junto al árbol se erigió una estatua de un niño orinando.
Fuente de Mennaken Pis Bruselas |
Una historia más probable es que el Manneken Pis se hizo como homenaje a las numerosas curtidurías que se encontraban en los alrededores de la Stoofstraat, y en las que se utilizaba orina de niños pequeños para procesar el cuero. El amoníaco de la orina era en la Edad Media una materia prima apreciada por sastres y curtidores, y para hacer al cuero más flexible.
Iglesia de san Nicolás Bruselas |
Antes de entrar en la calle que conduce a la Plaza Mayor, hacemos una parada para ver la iglesia de san Nicolás (GPS N 50.8476194 E4.3507616), llama la atención por la cantidad de tiendas que tiene adosadas a sus muros.
La iglesia de San Nicolás es uno de los últimos ejemplos de iglesia medieval incrustada en el tejido urbano, con pequeñas casas adosadas. La advocación a San Nicolás evoca el comercio. De hecho, la capilla fue fundada muy cerca del centro comercial de la ciudad, la Grand-Place, y fue entre sus muros donde se reunieron los concejales antes de construir su primera casa de concejal. La iglesia data de alrededor de 1125. Pero fue reducida al rango de capilla de Sainte-Gudule en 1174 y no se convirtió en parroquia hasta 1622.
No queda mucho del primer edificio, incluida la torre, mencionada en 1289 y modificada después de 1367, sirvió de campanario. El coro de la iglesia se completó en 1381. La iglesia de San Nicolás sufrió las guerras de religión en 1579 y se vio gravemente afectada por los bombardeos de 1695. Fue rápidamente restaurada. Pero su torre reconstruida se derrumbó en 1714. No fue reconstruida. La iglesia se cerró en 1797 y se puso a la venta en 1799. Fue comprada por los feligreses y volvió al culto en 1804.
Iglesia de san Nicolás Bruselas |
Una restauración en 1956 le dio una nueva fachada en piedra blanca de Massangis. En esta ocasión se sacaron a la luz algunos restos romanos. En el interior, la sorpresa viene dada por la ruptura del eje entre la nave y el coro. Por lo demás, la iglesia adopta una planta tradicional: nave principal flanqueada por dos naves laterales, crucero no saliente y coro de cinco lados con dos capillas en cada uno de los dos brazos del crucero, la capilla de San Nicolás al sur y la capilla de la Virgen al norte. De este santuario emana una atmósfera extraña: se debe sin duda a la oscuridad que allí reina, a la pequeñez de los tramos de la nave, a la perspectiva inusual y a la luz difusa de las vidrieras, realizadas en los años cincuenta.
Gran Place Bruselas |
Desde aquí seguimos hasta la Gran Place (GPS N50.8471266 E4.3514517), quizás es una de las más bonitas del mundo. La Grand Place es el centro de la ciudad de Bruselas, se trata del espacio más amplio de la antigua ciudad medieval, está declarada como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, entre otros edificios se encuentra el Hotel de la Ville o Ayuntamiento, obra maestra del arte gótico. Enfrente se levanta la Casa del Rey, construida en un estilo flamenco donde alberga el museo de la ciudad de Bruselas, también destacamos en la plaza los antiguos edificios que ocupaban los gremios, en sus bajos ahora están llenos de terrazas y cafeterías, el más notable es ‹‹el Roi de Spagne››, un bonito café con decoraciones del pasado glorioso de la ocupación española.
Se levanto en la Edad Media sobre el antiguo arenal formado por dos afluentes de río Senne. En 1402 se empezó a construir el ayuntamiento, ha sido testigo de muchas de las manifestaciones de la historia de Bélgica.
En agosto de 1695 la mayoría de las casas, muchas de las cuales todavía construidas de madera, son destruidas en el momento del bombardeo de la ciudad por las tropas francesas mandadas por el mariscal de Villeroy. Solo la fachada y la torre del Ayuntamiento, que servía de blanco a los artilleros, y algunos muros de piedra sobrevivieron a las balas de cañón incendiarias. Las casas que rodeaban la plaza fueron reconstruidas de piedra por las distintas corporaciones. Entre ellas, la casa del gremio de los cerveceros que hoy alberga el Museo de los Cerveceros.
Gran Place Bruselas |
La Casa de la Villa fue construida entre 1402 y 1455. Es el único testimonio arquitectural del lugar en la Edad Media. El arquitecto original es probablemente Jacob Van Thienen. El ala derecha, de la que el joven Charles el Temerario pone la primera piedra en 1444, es la obra de Guillermo (Willem) de Voghel. La bóveda de estilo gótico de 96 metros hecha por el arquitecto Jan Van Ruysbroeck. En su cima se encuentra una estatua de San Miguel, el patrón de Bruselas, enterrando al demonio.
Cabe remarcar la asimetría del Ayuntamiento. La torre no se encuentra exactamente en medio del edificio y la parte de la izquierda y la de la derecha no son la verdad idéntica (aunque lo parecen en la primera vista). Una vieja leyenda conocida dice que los bruselenses quieren que el arquitecto que ha concebido el edificio se suicide tirándose de su cumbre después de darse cuenta de este «error» arquitectónico. De hecho ambas partes no han no sido construidas juntas. Según Paul de San Hilaire, esta asimetría es para conectar al omnipresente simbolismo alquímico de la Grand-Place. La parte izquierda del Ayuntamiento cuenta con doce arcos -campanario incluido- representando la alquimia húmeda en doce etapas, mientras que la parte derecha cuenta con siete arcos -campanario incluido- celebrando la 'nueva' alquimia seca, en siete etapas. La cifra siete es representada ampliamente en la arquitectura de la Grand-Place.
Gran Place Bruselas |
La casa del Rey, es desde el siglo XII, un edificio de madera donde se vendía el pan, de donde viene su nombre original en neerlandés, broodhuis (casa del pan). Ha sido reemplazado en el siglo XV por un edificio de piedra que protegía los servicios administrativos del duque de Brabante, es decir, el despacho del Recepción general del Ducado de Brabante, razón por la cual fue nombrada La Casa del Duque, y cuando éste mismo duque se convirtió en rey de España, Casa del Rey. Carlos V la hizo reconstruir en estilo gótico tardío, bastante parecido a lo que se puede ver actualmente, aunque sin vueltas ni galerías. Por razón de los daños surgidos con el transcurso del tiempo, sobre todo en el momento del bombardeo de 1695, la ciudad la hizo reconstruir en 1873 en estilo neogótico. El edificio, restaurado 1985, hospeda hoy el museo de la ciudad desde 1887.
Solamente nos queda regresar andando 20 minutos hasta el albergue, dónde tenemos situado el parking.
Día 29 de marzo (miércoles)
Ruta: Bruselas-Waterloo- Villers-Dinant-Luxemburgo
Waterloo (Bélgica) |
Día 9 del viaje a Waterloo. El día comienza en el parking del Albergue de Bruselas donde hemos pasado una noche increíble para estar en el interior de una gran ciudad. Hacemos un reset rápido de vaciado y llenado.
A las 9;30 horas hacemos check-in y partimos con los deberes hechos camino de nuestro siguiente destino.
A los 30 km hacemos un pequeño desvío de la autopista para entrar en la mítica y famosa ciudad de Waterloo. Nos parece un sitio excepcional con una calidad de vida muy elevada.
Pasamos casi sin quererlo por la casa de la República Catalana, no hay nadie que nos reciba en la Casa de la República es la residencia oficial en el exilio del 130 expresidente de la Generalidad de Cataluña, Carles Puigdemont y Casamajó, huido de la justicia.
Situada en Waterloo, Bélgica, en la Avenue del Abogado 34, una zona residencial alejada del centro de Bruselas. Se ha convertido por este motivo en la sede del Consejo por la República.
Waterloo (Bélgica) |
La mansión del expresidente se reconoce al instante, a lo lejos, por los dos mástiles que presiden el jardín. Uno con el estandarte de la Unión Europea y otro con la bandera catalana –la legal, no la estelada–, como si de una embajada se tratara o como si allí viviera un embajador.
Llegar hasta aquí es para hacer el testimonio de las numerosas informaciones que durante estos últimos años han aparecido en la prensa. Asimismo, el espacio no edificado frente al edificio ha sido aprovechado por eventos de carácter mediático y fotografías colectivas. En Waterloo, la oficina de turismo constata semanalmente entre 15 y 25 peticiones de información para encontrar la casa, ya que ésta se ha convertido en un reclamo turístico.
Después de estar un rato para ver si alguien nos recibía continuamos unos kilómetros hasta la Abadía de Villers.
Waterloo fue campo de batalla de la última campaña militar de Napoleón. El monarca francés, que tenía en contra a media Europa, tuvo que entregar las armas y cayó preso del británico duque de Wellington.
Waterloo (Bélgica) |
En la actualidad, este lugar, situado a tan solo treinta kilómetros del aeropuerto de Bruselas, se ha convertido en un espacio que rememora no solo la batalla, sino parte de la historia de la expansión napoleónica.
Memorial de Waterloo (Bélgica) |
Una gran colina artificial (GPS N 50.6801862 E4.394006), se ha levantado junto a los campos que fueron espacio para la batalla, que tuvo lugar el 18 de junio de 1815. Se llama la loma del león, porque en la parte superior hay un gran monumento con la figura de un león. Simboliza el poder monárquico y se levantó justo donde el Príncipe de Orange fue herido.
Subir el centenar de escaleras que tiene esa colina, que se fabricó con la tierra del propio campo de batalla, permite asomarse a una gran panorámica del campo de batalla.
Aparcamos en un parking reservado especial para autocaravanas (GPS N 50.5881552 E4.529859), situado 50 Av. Georges Speeckaert Villers-la-Ville, Región Valona, gratuito.
Las entradas a la Abadía son 8 euros, los precios de los museos son mucho más baratos que en el norte de Bélgica. Los horarios: 10:00-17:00 horas (abierto todos los días)
La Abadía de Villers fue fundada por la orden cisterciense en el siglo XII en estilo románico y fue ampliada durante el gótico. Construido en 1146, una docena de monjes y tres hermanos laicos llegaron desde Clairvaux a Valonia, en la provincia valona de Brabante, para fundar un monasterio cisterciense. Después de un par de comienzos en falso en lo que resultaron ser lugares menos que ideales, la Abadía de Villers comenzó a unirse y, aunque tomó 70 años, la abadía se hizo realidad cuando el refectorio finalmente se completó en 1267.
Molino Abadía de Villers (Bélgica) |
A pesar de un comienzo increíblemente lento, el monasterio pronto demostró ser muy grande, con hasta 100 monjes y 300 hermanos laicos viviendo a la vez durante los siguientes siglos, con terrenos que crecieron hasta 100 acres. Solo en el siglo XVI el lugar santo comenzó a perder su posición.
Desde finales del siglo XV, el nombramiento de los abades se hace bajo la influencia política de los Duques de Borgoña. Después de un turbulento período durante las guerras de religión en el siglo XVI, la abadía experimenta un nuevo período de prosperidad, bajo los archiduques Alberto e Isabel de Austria. La abadía sufre la guerra con Luis XIV, pero en el siglo XVIII, los edificios medievales se logran reconstruir al estilo clásico.
Los tercios españoles, la disminución de las finanzas y la escasez de monjes afectaron significativamente al monasterio, pero la Revolución Francesa finalmente condujo al declive del antiguo monasterio. En 1796, el edificio estaba completamente abandonado, y cuando se construyó una línea de ferrocarril a través de los terrenos en 1855, el monasterio y sus terrenos se deterioraron aún más.
Descuidado durante casi 100 años, el estado belga finalmente intervino, compró la propiedad y comenzó los esfuerzos de conservación que comenzaron a acelerarse significativamente en la década de 1970 cuando fue declarado sitio histórico oficial. Actualmente mantenido regularmente por la Association pour la Promotion Touristique et Culturelle de Villers, su antigua belleza de estilo cisterciense se exhibe en varias dependencias, que incluyen dormitorios, una cocina, un comedor, un claustro y, lo más importante, una cervecería.
Camino de la Abadía de Villers (Bélgica) |
Al inicio del primer milenio, las ciudades y el campo de Occidente, impulsados por el crecimiento demográfico y las innovaciones técnicas, experimentaron un crecimiento sin precedentes. Una fe intensa da origen, casi en todas partes, a nuevas corrientes religiosas. Gracias a este movimiento espiritual, los monasterios se multiplicaron bajo la afluencia de vocaciones y la propia vida monástica fue reformada. La Orden de Citeaux encarna esta renovación más que ninguna otra.
Contra los excesos del mundo eclesial y más particularmente de los cluniacenses, los monjes del nuevo monasterio de Citeaux, fundado en 1098, pretenden volver a lo esencial: la contemplación de Dios, a través del ascetismo. Restaurando la estricta observancia de la regla de San Benito (siglo VI), propugnan una vida en el desierto, centrada en la oración y el trabajo manual.
Después de una génesis difícil, Citeaux se extendió rápidamente entre 1113 y 1115, gracias a la influencia de personalidades influyentes, la más emblemática de las cuales fue San Bernardo, abad de Claraval. La abadía madre y las abadías hijas, todas borgoñesas a excepción de Claraval la Champenoise, desarrollaron sus ramificaciones por todo Occidente.
Orden del Cister Abadía de Villers (Bélgica) |
Ante esta meteórica expansión, la orden cisterciense instauró su propia estructura de gobierno, basada en los principios de jerarquía (control de las abadías filiales por la abadía madre), de unanimidad (observancia de reglas comunes) y de colegialidad (reunión anual de los abades). Desarrollada a escala internacional, esta cultura en red contribuyó, en los siglos XII y XIII, al éxito del proyecto cisterciense.
La Abadía entra en decadencia completa produciéndose un deterioro que afectó a su estructura, era la época de románticos y sus muros desvencijados se pusieron de moda, hasta aquí acudían viajeros para contemplar está obra como se deshace gracias a naturaleza
La Abadía es tan grande que solamente la iglesia tiene unas dimensiones como una catedral. Dispone de un gran claustro, donde se pueden ver los restos de la sala capitular, el comedor, la sala de legos, de monjes, hospital, farmacia etc.
Vamos a descubrir el monumento con otros ojos con lo que vemos el arte. Aquí se cumple el ciclo de la vida, se nace lentamente, se desarrolla y se llega a la muerte.
Piedras, piedras y piedras de la Abadía de Villers (Bélgica) |
En este momento las piedras son colonizadas por las plantas, se tiñen de verde por los líquenes, los techos se derrumban, las ventanas se deforman. Todo está en un proceso de profundos cambios y destrucción. No queda nada bonito como los monjes lo idearon, pero podemos contemplar el espíritu de sus almas.
Comenzamos la visita por el molino de la abadía es uno de los únicos edificios que no ha sido devastado tras la venta del monasterio en 1796. A pesar de dos incendios y múltiples transformaciones, todavía presenta importantes partes medievales contemporáneas a su construcción, es decir, alrededor del año 1200. Entre ellas, la románica bodega, llamada así por el desnivel de la topografía que rodea el edificio.
Antiguamente, esta sala albergaba un horno del que salían cada día 300 panes para la comunidad y gente pobre de paso. Cuando la parte norte del molino se transformó en hotel-restaurante en el siglo XIX, sirvió como bodega.
Con sus muros de piedra vista, sus altas bóvedas, su columna central con capitel liso y su gran chimenea, la bodega románica es digna de los Caballeros de la Mesa Redonda.
Posada de la Abadía de Villers (Bélgica) |
Entre los numerosos invitados ilustres que desfilaron por el Hotel-Restaurante Dumont, Víctor Hugo fue sin duda el más ilustre y el más diligente. Seducido por la poesía y el ambiente romántico de las ruinas de la abadía, el célebre escritor visitó Villers al menos cinco veces entre 1861 y 1869. Luego se alojó en la pequeña suite de dos habitaciones del establecimiento, a dos pasos de.
En aquella época, la autora de “Notre-Dame de Paris” vivía en exilio voluntario en la isla anglo-normanda de Guernsey. Al sufrir una laringitis persistente, sus médicos le aconsejaron viajar a regiones menos húmedas. Y el clima de nuestro país parecía convenirle perfectamente. En una carta dirigida a su hijo François-Victor, escribió: “El cambio de aires ha obrado maravillas y he resucitado…”
Víctor Hugo quedó tan impresionado por su descubrimiento de la abadía que describió sus mazmorras en “Los Miserables”. También dibujó en sus cuadernos la iglesia, la cervecería y la puerta laica. Una tradición, sin duda apócrifa, le atribuye incluso la autoría de un grafiti enojado... ¡contra los autores de los grafitis en las paredes del monasterio!
Posada de la Abadía de Villers (Bélgica) |
Dos años después de su última estancia, fue expulsado de Bélgica por orden de Leopoldo II, tras haber asumido la defensa de los comuneros de París. Por tanto, ya no volverá a la abadía.
Inaugurado en 2018, el Camino Meditativo comienza al pie del lugar llamado leprosario y pasa por los restos de la capilla Santa Magdalena, donde antiguamente se acudía a lavar los cuerpos de los niños enfermos. Luego se sube hasta la capilla de San Bernardo. Los ocho paneles que bordean el recorrido son una invitación a detenerte y reconectar con tu cuerpo, tus emociones y tu entorno.
Este camino nos lleva hasta la antiguas ruinas de la posada se encuentran entre las mejor conservadas de la abadía. Construido a finales del siglo XIII, este edificio monumental, de casi 40 metros de largo y 12 de ancho, podía acoger a un centenar de invitados, entre pobres y peregrinos. La sala del refectorio estaba salpicada de bóvedas de arista sostenidas por columnas y rematada por un cómodo dormitorio en el piso de arriba. La gran chimenea se utilizaba para calentar a los huéspedes y cocinar en la cocina del hotel.
Iglesia de la Abadía de Villers (Bélgica) |
En el siglo XVI, el edificio fue transformado en cervecería. La cerveza se obtenía fermentando granos de cebada almacenados en el piso de arriba.
La iglesia es el edificio más imponente de la abadía (94 m de largo, 23 m de alto y 40 m de ancho). Su construcción, primero de estilo románico y luego gótico, se inició en 1197 y finalizó hacia 1267. Una de las particularidades del edificio es el uso de óculos (cruceros circulares) combinados con ventanas muy alargadas que hacen del coro una construcción única en su género. La sencillez de las líneas y la sencillez de la decoración son características del arte cisterciense. Los monjes se reunían en la iglesia siete veces al día y una vez por la noche para cantar.
Claustro de la Abadía de Villers (Bélgica) |
Construido entre los siglos XIII y XV, el claustro era el centro de la vida cotidiana y espiritual de la abadía. Rodeado de galerías cubiertas, este patio interior comunicaba con los distintos edificios ocupados por la comunidad religiosa: la iglesia, el ala de los monjes, el refectorio y la sección de laicos. En la galería que bordea la iglesia había bancos para leer. Cerca de la entrada al refectorio había un lavabo (lavatorium) destinado a las abluciones de los religiosos.
Refectorio de la Abadía de Villers (Bélgica) |
Construido en el siglo XIII, el imponente refectorio de los monjes (474m2) estaba coronado por dos pisos: el primero pudo haber servido como complemento al dormitorio de los monjes y el segundo, que albergaba la estructura, pudo haber permanecido desocupado. Iluminada por 11 grandes ventanales, estaba dividida en dos naves por una hilera de cinco columnas, antiguamente abovedadas de crucería. Fue el prior quien, después del benedictina, presidió la comida. Desde el púlpito, un monje leía la Biblia mientras los monjes comían en silencio.
Jardín de la Abadía de Villers (Bélgica) |
Rodeado de muros de ladrillo coronados por elegantes balaustradas de piedra, el jardín del abad ocupaba parte de la ladera de la colina Garenne convertida en anfiteatro. Su composición estuvo dictada por el palacio de la abadía. Un eje conectaba las arcadas de la farmacia y la entrada principal del palacio con la capilla de Notre-Dame de Montaigu ofreciendo una perspectiva y una simetría perfectas, típicas de los jardines franceses. Esta perspectiva se vio alterada durante la construcción del viaducto ferroviario en 1855. Los lavabos de las dos fuentes son los únicos elementos auténticos del jardín del siglo XVIII.
Dinant (Bélgica) |
Para darle vida a este jardín, muchas variedades de rosales y hortensias conforman la estructura básica de los parterres. La guarnición vegetal se complementa con especies de plantas anuales y perennes.
Aquí damos por concluida la visita a este monumento, la verdad hubiéramos estado más horas disfrutando de sus piedras, pero el viaje continua hasta Dinant, es una de las ciudades más bonitas de Bélgica y menos reconocida.
Nos recibe en la entrada a la ciudad Dinant un enorme estrechamiento entre dos rocas verticales con una señal de tráfico que indica 2,70 de ancho ellos lo llaman Rocher Bayard (GPS N 50.2447732 E4.920487), desde lejos verdaderamente da miedo pasar con la autocaravana.
La verdad es que nos sorprendió como la carretera pasaba por esta grieta entre dos montañas, es como un roto hecho en la montaña, desgraciadamente no tuvimos tiempo para inmortalizar el momento. Y la zona no es muy fácil de aparcar. Pero es curioso el lugar y merece la pena verlo. Si vas en autocaravana no olvides llevar la cámara preparada.
Cimetière Militaire Français en Dinant (Bélgica) |
Subimos por intrincadas calles hasta llegar a la parte más alta de la montaña para ver su ciudadela, cuando llegamos estaba cerrada. El parking para autocaravanas, solamente durante el día, una indicación nos dice que no está permitida la pernocta GPS N 50.2617 E 4.9151.
Enfrente del parking está Cimetière Militaire Français de Dinant. La Fuerza Expedicionaria Británica participó en las últimas etapas de la defensa de Bélgica tras la invasión alemana en mayo de 1940 y sufrió muchas bajas al cubrir la retirada a Dunkerque. Las fuerzas de la Commonwealth no regresaron hasta septiembre de 1944, pero en los años intermedios, muchos aviadores fueron derribados o estrellados en incursiones contra objetivos estratégicos en Bélgica o mientras regresaban de misiones sobre Alemania. El cementerio militar de Dinant (Citadelle) contiene las tumbas de los aviadores que sirvieron en la Segunda Guerra Mundial.
La Citadelle de Dinant (GPS N 50.2616999 E4.9129461), situada Chem. de la Citadelle 1, 5500 Dinant. Horario de 10 a 18,00 horas.
Ciudadela de Dinant (Bélgica) |
La ciudadela fue construida sobre el lugar de un antiguo fuerte construido por Vauban y luego desmantelado, instalado sobre las ruinas de un castillo del siglo XI. Descubrirá su historia, desde el saqueo de Dinant en 1466 hasta la guerra del 14 al 18, pasando por la época de Luis XIV y de Vauban. El Museo de Armas fascinará a los amantes del género, ya que en diferentes salas se exponen personajes de la época.
Durante su historia fue testigo de las terribles batallas de agosto de 1914 en las que se enfrentaron los ejércitos francés y alemán, se dedica un espacio a estos acontecimientos significativos de la historia belga y europea.
Bajamos a la ciudad para ver el centro, marchamos hasta su catedral, tiene un aspecto exterior muy distinto. Encontramos un amplio parking donde es posible visitar la ciudad e incluso poder pasar la noche, en estos momentos es gratuito porque las maquinas de ticket no funcionan, GPS N 50.2670854 E4.9069832.
Justo enfrente del parking se encuentra la Eglise Saint-Georges de Leffe (GPS N 50.267476 E4.9068232), tiene una estructura muy llamativa, es más bien una pequeña ermita pero se encuentra cerrada.
Portada de la Colegiata de Notre Dame de Dinant (Bélgica) |
Caminamos andando por el bonito río Mosa, es un verdadero espectáculo lo que describe el río en ambos márgenes, hasta que llegamos a la Colegiata de Notre-Dame de Dinant (GPS N 50.2620116 E4.909216), situada Place du Cardinal Mercier, 5500 Dinant . De estilo románica y gótica, coronada por una cúpula de cebolla.
“El campanario de la iglesia de Dinant es una inmensa olla de agua. Sin embargo, la fachada de la iglesia tiene un gran carácter y toda la ciudad está maravillosamente compuesta”. En estos términos describió Víctor HUGO, un día de 1838, la iglesia de Dinant que, en más de un sentido, merece una visita.
El lugar donde se levanta actualmente el santuario parece haber estado siempre destinado al culto. Cuenta la leyenda que, hacia el año 320, Santa Materne construyó un oratorio al pie del espolón rocoso que domina el Mosa; El edificio fue ampliado considerablemente en el siglo VII, siguiendo el estilo románico, algunos dicen incorrectamente, aunque solo vio la luz aquí en el siglo XI. Esta misma iglesia fue elevada, en 934, al rango de colegiata por el obispo Richier.
Nave Colegiata de Notre Dame de Dinant (Bélgica) |
Luego, se desarrolló en el siglo XII, esta vez siguiendo la arquitectura románica; De esta construcción sólo queda hoy un portal en la fachada norte, con motivos erosionados por los vaivenes del tiempo.
Luego Jean d'Outremeuse, en sus crónicas, relata que en 1228 una piedra, desprendida de la roca, se estrelló contra una de las alas de la colegiata, matando así a treinta y seis personas. Poco después surgiría un nuevo santuario. Pero ayer, como hoy, semejante empresa implicaba gastos considerables y el patrocinio de un burgués de Dinant era bienvenido. El nuevo edificio, de estilo gótico, no quedó completamente terminado hasta el siglo XIV, pero probablemente fue entregado al culto poco antes.
En 1466, el fuego devoró gran parte de la iglesia, pero los muros principales permanecieron intactos. Sin embargo, los clérigos de la colegiata se vieron obligados a exiliarse en Huy. Sin embargo, la ira del duque de Borgoña se apagó y concedió al capítulo el favor de reconstruir el templo y rehabilitar las casas del clero adscrito a Dinant.
Mientras tanto, los Bouvignois se habían apoderado del santuario de Saint Perpète y, aunque el duque había ordenado a los poseedores de los tesoros de la iglesia de Notre-Dame que los devolvieran a su propietario, el rival económico y político de Dinant se mantuvo inflexible. El asunto se llevó ante el Consejo de Mechelen; y la reliquia del santo patrón finalmente regresó a su lugar predilecto. Durante el saqueo de Dinant en 1466 por las tropas borgoñones, la mayoría de las campanas también desaparecieron misteriosamente con los soldados de Felipe el Bueno, y las autoridades municipales tomaron la sabia decisión de refundir las que habían escapado al saqueo, para colocarlas en la campana de la torre del santuario. Menos de un siglo después, las tropas de Enrique II debían retirarlos y transportarlos a Mézières, al sur de Givet.
Vitral Colegiata de Notre Dame de Dinant (Bélgica) |
En 1473, los especialistas informaron el defectuoso estado de las bóvedas que amenazaban con arruinar todo el edificio; fueron demolidos y reconstruidos en 1478; Fecha en la que la torre sur recibió su chapitel. La ciudadela, sobre todo, temblaba bajo los cañones franceses cuyos proyectiles no siempre llegaban a los castillos, pero también la colegiata que luego fue objeto de un segundo saqueo. Era necesaria una nueva restauración.
Mientras tanto se había construido un campanario en forma de bulbo destinado a cubrir el tejado del ayuntamiento que, como hemos dicho, se había erigido sobre el puente. Pero se consideró demasiado frágil para soportar tal peso; Estos temores pronto encontraron su justificación. El voluminoso objeto (herejía arquitectónica o éxito estético) fue colocado en lo alto de la iglesia. En cualquier caso, se trata de una solución poco defendible, afirmó el canónigo Hayot, desde un punto de vista constructivos y que, durante el resto del tiempo, debía dar a Dinant su particular apariencia.
La colegiata necesitó constantes reparaciones hasta el siglo XIX, tal es la fragilidad del mármol negro que en parte la compone. Durante la Revolución Francesa, el santuario de San Perpetuo llegó a Alemania, y con él numerosas pinturas, esculturas y diversos muebles.
Retablo de la Colegiata de Notre Dame de Dinant (Bélgica) |
El siglo pasado vio la tercera gran restauración de la iglesia de Notre-Dame. Así, en 1828, para evitar los daños de las frecuentes inundaciones, se levantó el terreno de la colegiata, lo que eliminó para siempre las numerosas lápidas que la cubrían, ante la curiosidad de los científicos. Sin duda, parecía más razonable la demolición de las pequeñas casas que, con el paso de los años, se habían adherido a la fachada sur del santuario, como parásitos de ladrillo.
Finalmente, a principios del siglo XX, el templo fue completamente restaurado, por primera vez desde 1466. Desafortunadamente, no por mucho tiempo. El 23 de agosto de 1914 los alemanes volvieron a incendiarlo. Hubo que cambiar el tejado. A los arquitectos se les ofreció una alternativa: arreglar la colegiata en el estilo anterior al siglo XVI o conservar la bombilla con la que había sido rematada en 1566; la segunda solución fue considerada la mejor y, además, los arbotantes que le habían sido quitados en el siglo XIX fueron devueltos al edificio.
En su interior se venera a san Pedro, tiene el mayor vitral neogótico del mundo del siglo XIX. Y una preciosa colección de imágenes de santos del siglo XV.
Tenemos un dilema, quedarnos a dormir en Dinant o bien proseguir nuestro recorrido hasta el siguiente destino. Continuamos nuestro viaje hasta un país que visitamos por primera vez Luxemburgo, apuramos el tanque de combustible porque sabemos que es un poco más barato que en Bélgica, nos recibe el gasoil más barato de la zona 1,567 €. Durante el trayecto no aparado de llover, pero lluvia fuerte lo que nos hacia ir con mucha precaución.
Relicario de la Colegiata de Notre Dame de Dinant (Bélgica) |
Aparcamos como podemos en el parking del mismo centro llegamos el viernes después de las 18,0 horas, mañana es sábado y no hay limitaciones (GPS N 49.6164138 E6.1241764), en fin de semana es gratuito. Se llama Glacis square (Fouerplaatz).
Día 30 de marzo (sábado)
Ruta: Luxemburgo- Montcresson
Ascensor panorámico Luxemburgo |
Día 10 del viaje a Waterloo. Amanece en el parking del centro de la ciudad de Luxemburgo magnifico, pero creo que las facilidades para las autocaravanas son solamente los fines de semana.
Descubrimos una ciudad de primer nivel en todos los aspectos. Los transportes en el país son todos gratuitos, tren, bus, tranvía, ascensores, funicular. Podemos disfrutar de un aire limpio, una limpieza en las calles difícil de ver, una seguridad en las calles como pocos lugares en el mundo.
A las 9,00 horas comenzamos la visita a la ciudad. Descubrimos como la capital Luxemburgo está formada por tres ciudades distintas, dos en la parte más alta de las montañas y otra ciudad antigua en el fondo del valle.
Estamos situados en la parte alta histórica, un ascensor panorámico nos baja al Luxemburgo primitivo se trata Panoramic Elevator of the Pfaffenthal (GPS N 49.6155493 E6.1312288). Las vistas panorámicas de la ciudad son excepcionales y se ha convertido en una verdadera atracción turistica. Se ve el puente nuevo así como el viejo. La bajada es super rápida y es fácil encontrar el punto de acceso en la base así como también el superior. Ambos te dejan conectados a calles desde las cuales se pueden ver distintas cosas y hacer caminatas. El uso como decía es gratuito.
Funícular Luxemburgo |
Desde el ascensor nos lleva cruzado varias calles a un funicular Railway Gate (GPS N 49.6165558 E6.1308197), que nos deja en el nuevo Luxemburgo, donde están las sedes de las principales empresas del mundo que se han instalado aquí para evadir impuestos de forma legal.
Andando llegamos al centro histórico cruzado Puente Gran Duquesa Charlotte (GPS N 49.6173031 E6.1317285). El puente te lleva a través de la carretera que conecta la avenida John Fitzgerald Kennedy, en Kirchberg, con el Boulevar Robert Schuman, en Limpertsberg. El puente también se conoce como el Puente Rojo (luxemburgués: Rout Bréck, en alemán: Rote Brücke, en francés: Pont Rouge) a causa de su pintura roja distintiva.
El puente se construyó en el periodo 1962-1965, siendo inaugurado el 24 de octubre de 1966, tiene una altura de 75 metros.
Seguimos andando hasta la parte viaje y hacemos una parada para ver la iglesia de San Miguel que nos llaman sus campanas (GPS N 49.6113918 E6.1346796), situada Rue Sigefroi, 2536 Ville-Haute Luxembourg.
Puente Gran Duquesa Charlotte Luxemburgo |
Es la iglesia más antigua de la ciudad de Luxemburgo. Ubicada en el núcleo primigenio de dicha ciudad, combina varios estilos arquitectónicos (románico, gótico y barroco).
Iglesia de San Miguel Luxemburgo |
La iglesia es de una sola nave, aún siendo pequeña cuenta con hermosos detalles, desde la diversidad de estilos arquitectónicos como románicos, góticos y barrocos, como también nos gusto las increíbles vidrieras de color. Otra de las cosas que más nos llamó la atención fue el mecanismo de un reloj antiguo que hay expuesto en la entrada.
Tras la llegada de los dominicos en 1627 al “Marché-aux-Poissons” junto a la iglesia de Saint-Michel y el apoyo de la parroquia del barrio, la iglesia fue ampliada de 1639 a 1643 en el lado oeste, es decir en el lado del centro de la ciudad. Pero ya en 1679 esta parte recién construida fue reducida a cenizas por un fuego.
Durante el asedio de la fortaleza de la ciudad de Luxemburgo por parte de las tropas francesas en 1683 destruyeron el coro de la iglesia. Es con la ayuda de Louis XIV que se inició la reconstrucción de la iglesia entre 1687 y 1688. La memoria del Rey Sol permaneció viva gracias al escudo de flores de lis que adornó el portal hasta 1796. Fue durante esta renovación que redujo la iglesia hacia el este en la longitud de antiguo coro, donde se construyó la galería del actual biombo. El nuevo portal de estilo barroco, que da acceso al interior de la iglesia, fue diseñada y realizada por el escultor luxemburgués Nicolas Koenen.
Ábside de la Iglesia de San Miguel Luxemburgo |
En 1803, la iglesia de Saint-Michel volvió al culto católico. Desde entonces ha servido como nueva iglesia parroquial para la población del Casco Antiguo. La fisonomía del edificio sufrió un cambio final en 1834 durante la integración del antiguo Refectorio del convento dominicano en la nave de la iglesia.
De hecho el edificio, fue vaciado durante la supresión del convento de los dominicos, podría reunir entre sus paredes un cierto número de objetos artísticos procedentes de otras iglesias conventuales suprimidas durante los acontecimientos de la Revolución francesa.
Vitral de la Iglesia de San Miguel Luxemburgo |
Así encontramos en la iglesia de Saint-Michel parte del mobiliario litúrgico procedente de la antigua iglesia parroquial de San Nicolás, el convento de Franciscanos, de la colegiata de los padres jesuitas, del monasterio de Notre-Dame de las canonesas de San Agustín y la antigua iglesia parroquial de Saint-Ulric en Stadtgrund.
Ábside la Catedral de Notre Dame de Luxemburgo |
Desde aquí marchamos hasta la catedral de Santa María (GPS N 49.6098736 E6.1286805), situada Rue Notre Dame, 2240 Ville-Haute Luxembourg. Horarios: de 8,00 a 18,00 horas.
De estilo neogótico, sin embargo, posee algunos elementos renacentistas. A finales del siglo XVIII, la iglesia recibió la imagen milagrosa de Maria del Consuelo de los afligidos, la patrona de la ciudad y el ducado. La cripta de la catedral funciona como el lugar de sepultura de la Familia Gran Ducal Luxemburguesa.
Los jesuitas están en el origen de la devoción a Nuestra Señora Consolatrix Afflictorum, que fue elegida protectora de la ciudad en 1666. La estatua de Nuestra Señora que fue llevada a la catedral en 1794 y permanece allí hoy fue realizada en 1624.
Lo que más tarde se convertiría en catedral sirvió en un principio como iglesia para el colegio de los jesuitas. La construcción de la iglesia duró desde 1613 hasta 1621, cuando fue consagrada. En 1778, los jesuitas abandonaron la ciudad y su antigua iglesia se convirtió en la iglesia parroquial de la ciudad de Luxemburgo. En 1848, la iglesia recibió su nombre actual de Notre Dame (Nuestra Señora) como homenaje a la patrona de Luxemburgo. Antes de esto, estaba dedicada a San Pedro. Pero no fue hasta 1870, cuando Luxemburgo recibió el título de obispado (diócesis), que el papa Pío IX elevó la antigua iglesia a la categoría de catedral.
Bóveda de la Catedral de Notre Dame de Luxemburgo |
La catedral pasó por varios períodos de construcción. Aunque su estilo es principalmente gótico, como se refleja en sus arcos apuntados, también contiene elementos renacentistas y barrocos, especialmente notables en varios adornos de alabastro. La catedral tiene dos entradas, la original de 1621, situada en la rue Notre Dame (Enneschtgaas), y una más nueva en el bulevar Roosevelt.
Entre 1935 y 1938, el arquitecto Hubert Clement dirigió la ampliación de la catedral, que se integró armoniosamente con los edificios circundantes, como el antiguo colegio de los jesuitas. En la entrada de la cripta se pueden ver esculturas de Auguste Trémont, el escultor luxemburgués que también creó los leones del exterior del Ayuntamiento de la ciudad de Luxemburgo en la calle Knuedler.
La catedral tiene tres torres, la original de la iglesia de los jesuitas y dos que se añadieron en los años 30 cuando se amplió la catedral. En total, la catedral tiene 11 campanas. Durante las obras de construcción en abril de 1985, la torre principal se incendió durante las obras de renovación y quedó destruida casi por completo. Las tres campanas de la torre no sobrevivieron al incendio. Fue un momento especialmente desafortunado, ya que el Papa Juan Pablo II estaba a punto de visitar el Gran Ducado. La reconstrucción de la torre terminó en octubre de 1985 y las nuevas campanas sonaron en julio de 1986. Puedes ver imágenes del incidente en este artículo (en francés).
Cripta de la Catedral de Notre Dame de Luxemburgo |
La cripta es el lugar de descanso de Juan el Ciego, rey de Bohemia y conde de Luxemburgo, así como de los miembros fallecidos de la familia gran ducal; Los dos leones que flanquean la entrada también son obra de Auguste Trémont.
Dama de Oro de Luxemburgo |
Enfrente de la catedral se encuentra el icono de Luxemburgo es una escultura sobre un monolito que la llaman la Dama de Oro dentro del Monumento del Recuerdo o Gëlle Fra, representa el homenaje a los caídos en las guerras. Una placa hace mención a los caídos en las brigadas internacionales de Luxemburgo que lucharon contra el fascismo y en favor de la democracia en España.
Tejados de Luxemburgo |
La pieza central del monumento es un obelisco de 21 metros de altura y hecho de granito. En lo alto del obelisco se levanta una estatua de bronce dorado con una mujer, sosteniendo una corona de laurel como si la colocara sobre la cabeza de la nación. A los pies del obelisco están dos figuras de bronce que representan a los soldados luxemburgueses que se ofrecieron como voluntarios para servir a Francia, uno se encuentra en la base de la estatua, por haber muerto en el servicio de su país, mientras que el otro se sienta, y está de luto por la muerte de su compatriota.
Poco más nos queda y decidimos marcharnos de Luxemburgo, nos tomamos por la calle un tente en pie para dilatar la hora de la comida.
Partimos camino de España con la intención de acercarnos lo máximo posible. La noche nos sorprende en el pueblo Montcresson que tiene una pequeña área gratuita de autocaravanas. Está cerca de Orleans.
Montcresson es una población y comuna francesa, situada en la región de Centro, departamento de Loiret, en el distrito de Montargis y cantón de Châtillon-Coligny.
Anochece quer no es poco en Francia |
El área de autocaravanas de Montcresson (Francia), es uno de esos sitios que nos encantan porque suelen ser sitios pequeños que los pueblos franceses reservan para que las autocaravanas puedan aparcar, sin pedir nada a cambio. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 47.9057208 E2.8101687.
Hemos llegado ya muy de noche, está lloviendo a raudales y no nos permite poder hacer un pequeño recorrido por el pueblo para saber donde pasaremos la noche, pero mañana será otro día.
Día 31 de marzo (domingo)
Ruta: Montcresson-Irún
Área de descanso de Francia |
Día 11 del viaje a Waterloo. Amanece en el área de autocaravanas Montoresson. No tiene para cargar y descargar o no lo vemos.
Hoy es un día completamente de viaje, nos separan más de 700 km. es un largo trayecto hasta la frontera española.
Después de estudiar el planning del viaje decidimos darle un poco de suspense. Tomamos el camino más complicado indicando al Tom Tom que nos lleve por la ruta sin peajes.
Desde hace bastantes años no tocamos carreteras nacionales en Francia, siempre nos movemos por autopistas de peaje.
Vemos que Francia ha hecho un gran esfuerzo en mejorar las carreteras locales y nacionales, antes era misión imposible.
Las rutas que elegimos son hasta Burdeos sin peajes y después con peajes hasta la frontera española, esto supone un ahorro de más 60 euros.
El último tramo, a ciento cincuenta kilómetros de la frontera es con continua lluvia lo que hace que la velocidad se ralentice, tanto, que nos sorprende la noche.
Anoche en Francia |
A las 21:00 horas llegamos a España al parking que nos gusta mucho llegar porque está ya en la parte española, los datos son gratuitos y podemos ver las cadenas españolas, aunque hoy no sé cómo vamos a terminar.
El parking para autocaravanas en la ciudad de Irún España, está situado en el primer desvío nada más pasar la frontera española, es gratuito hasta las 9,00 horas y siempre lo encontramos lleno de autocaravanas, tiene un pequeño desnivel, pero nada que impida la pernocta. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 43.3433696 W 1.7598054.
Día 1 de abril (lunes)
Ruta: Irún-Madrid
Francia desde Irún |
Día 11 del viaje a Waterloo. Amanece en el parking de autocaravanas en Irún (GPS N43.3433696 W 1.7598054), como ya hemos citado, es el más preciado porque cuando pasamos por la zona aprovechamos para pasar la noche, es gratuito por la noche, durante el día es zona azul, está al lado de la frontera.
El parking tiene a sus espaldas el río Bidasoa y el puente que da acceso a Francia y a la localidad de Biriatou. Siempre en el puente hay una brigada de la gendarmería francesa, en el margen español nunca veo policía.
La zona sigue repletas de tiendas que venden tabacos, embutidos, licores, y cualquier cosa de menaje que se asemeje a la marca España. Imagino que este es el motivo porque esta la gendarmería en la frontera, para que no se produzca mucho contrabando.
En la misma plaza hay una gasolinera Eroski (GPS N 43.3421775 W1.7604223) con buenos precios en el gasoil, 1,567€, aprovechamos para llenar el tanque.
Amanece en Irún |
A las 9,00 horas partimos hacia la autopista. Poco más hay que indicar pues Irún Madrid tiene pocas dificultades. Indicar que nos ha sorprendido la gran nevada que había caído en Somosierra, estaba totalmente blanco y las barredoras de nieve en alerta.
Durante el camino vas pensando en los pormenores del viaje y me ha sorprendido el actual nivel de vida de Bélgica, la última vez, hace veinte años, era muy parecido a España, actualmente por lo menos el norte es mucho más parecido a Holanda, por lo que pienso que se ha holandizado gracias al idioma común flamenco, siguiendo el modelo económico y de vida de los Países Bajos.
En estos momentos y como curiosidad Bélgica se sitúa a la cabeza del continente, seguida de cerca por los holandeses (61.219 euros) y los luxemburgueses (60.366 euros).
Nos ha sorprendido mucho Luxemburgo porque era el gran país desconocido para nosotros, aunque imaginábamos como era la vida en el país después de ver tanto documental donde se paga muy pocos impuestos y esto sirve de atracción a los capitales dentro del sistema financiero.
En total en este viaje hemos recorrido 3915 km.
-FIN-
by
© Fotografías y textos son propiedad:
Ángel López
© Bajo el soporte de:
www.viajeuniversal.com
