BLOG DEL VIAJE POR ESCOCIA Y FRANCIA-ISLAS ORCADAS Y HÉBRIDAS PARTE 2ª

Si has accedido directamente a esta página debes de conocer que hay una primera parte del relato que puedes leer en el enlace situado anteriormente.

Son las 17,00 horas ya no hay ninguna posibilidad de visitar mucho más, la verdad es que llevamos todo el día metidos en el interior del museo y cuando salimos no conocemos nada de la ciudad.

Decidimos subir hacia la parte más alta para poder ver el interior de la catedral de Edimburgo. Pero antes, ya que estamos en la puerta, admiramos el monumento gótico dedicado del escritor Sir Walter Scott.

Es un monumento victoriano de estilo neo gótico, está coronado con un gran pináculo, con las paredes de piedra ennegrecidas que resguardan la escultura blanca del poeta. El momento está decorado con 68 estatuas figurativas. En las pilastras inferiores hay dieciocho cabezas que representan a poetas y escritores escoceses: James Hogg; Robert Burns; Robert Fergusson; Allan Ramsay; George Buchanan; Sir David Lindsay; Robert Tannahill; Lord Byron; Tobias Smollett; James Beattie; James Thomson, John Home; María, reina de los escoceses; el rey James I de Escocia; el rey Jaime V de Escocia; y William Drummond.

A su lado está la figura ennegrecida y cubierta de verdín de David Livingston, fue un explorador y misionero escocés que se ha quedado petrificado en la ciudad y solamente sirve de parada para las gaviotas en la concurrida avenida de Princess Street.

Nada más salir a la calle nos damos cuenta que estamos en la capital mundial de los artistas callejeros, enfrente de la Galería Nacional de Pintura hay un espacio que es ocupado de forma espontánea por estos artistas, tocan su canción favorita, pasan la gorra y se marchan a otra cosa mariposa. Da igual el país o qué tipo de arte expresen, puedes escuchar un grupo de música escocesa con gaitas y dos minutos después una imitación de tambores lejanos de oriente, pero sin ojos rasgados.

Pues nada… vamos a andar el resto de la tarde. Para empezar cogemos la empinada calle de The Mound que nos conduce a los ennegrecidos edificios de piedra, aquí todo lo construido en piedra es negro, ignoro si es por la contaminación, por la luz o bien porque la piedra es de ese color. Esta calle comunica con la N Bank Street que también tiene una pendiente considerable, por fin llegamos a la calle perpendicular que es una de las más importantes porque atraviesa Edimburgo de este a oeste y se llama Lawnmarket, durante el trayecto de menos de un kilómetro ya tenemos varios kilos de estos papeles de publicidad que se llaman flyers, dicen que la ciudad de Edimburgo debe tener la mayor rotativa del mundo dedicada a la publicidad callejera, además como no hay papeleras pues no la puedes tirar, yo las voy acumulando para pasárselas a mi mujer en colecciones de 10 en 10 pero el problema es que vamos cuatro y a cada uno nos dan un ejemplar de cada publicidad, es tan amplia y variada que va desde la nueva atracción llamada Britannia, donde se explora la recreación del palacio flotante de la Reina ; otra publicidad que nos llama la atención el World of Illusions, dicen que es una diversión interactiva para todas las edades, ¡vamos…! la zona de los espejos del parque de atracciones de Madrid. Si quieres visitar el jardín botánico con sus 28,32 hectáreas también tenemos un anuncio. No puedo olvidar las muchas recomendaciones de la “The Scotch Whisky Experience” o no te marches de la ciudad sin visitar el Greyfriars Boddy, el perro más famoso de Escocia por su fidelidad. En el apartado de espectáculos de miedo son tan variados los flyers que nos dan hasta miedo qué no sabríamos cual elegir: The Edinburgh Dungeon, el City of the Dead Tours, el Mary King's Close; el Mercat Tours, todos tienen su propio stand con figurantes donde te promocionan las Giras Fantasmales. Sobre los flyers de restaurantes y casas de comidas mejor no tocarlo porque parece que Edimburgo es la feria de la gastronomía mundial y sus platos abarcan desde la India hasta Grecia sin paradas, no podemos olvidar el apartado dedicado a Serranos y Manchegos de la cocina española; en el apartado de fiestas sobresale los bares Latinos con sus fiestas hasta altas horas de la madrugada aquí es hasta las 3 a.m. En media hora que llevamos sueltos por la calles de Edimburgo estamos empezando a cogerla manía porque no tiene una papelera donde podamos depositar tanto flyers.

Otra de las leyendas que se han hecho famosas es que Edimburgo es la ciudad más traicionera del mundo porque puedes en un día disfrutar de las cuatro estaciones del año, la verdad es que nosotros solamente hemos disfrutado de dos, hemos salido en verano y a las 18,00 horas estamos en invierno y con manga corta, seguro que antes de marchamos pasamos por la primavera y el otoño para que saquemos el paraguas.

Ya he hablado de los artistas callejeros de Edimburgo pero según vamos andando vemos más y más… aquí los llaman perroflautas, no estoy muy de acuerdo con el adjetivo porque me parece un tanto despectivo, pero si, puedo afirmar sin temor a equivocarme que Edimburgo pude considerarse la capital, la Meca , para todo Artista Callejero Alternativo y estoy seguro que tienen como meta y será un pecado mortal no venir a Edimburgo alguna vez en su vida, y si Escocia no estuviera en una isla harían andando el camino de Santiago para llegar hasta este particular enclave presidido a su particular Hollywood.

Lo primero que vemos es el edificio de The Hub, tiene toda la pinta de una iglesia aunque nunca llegó a consagrarse. Fue construido entre 1842 y 1845, como el Victoria Hall, para albergar la Asamblea General de la Iglesia de Escocia. En 1999, el edificio fue transformado en el cubo, las oficinas y un espacio de actuación para el Festival Internacional de Edimburgo. El edificio es una impresionante combinación de galardonado diseño contemporáneo y la arquitectura de estilo victoriano clásico.

Seguimos la misma calle hasta llegar a un extremo donde cambia de nombre, aunque se trata de la misma, ahora se llama High Street. Ante nuestros ojos aparece un ensanchamiento con forma de plaza ocupada por la Catedral de San Giles, destaca por su cúpula central con forma de corona.

La entrada a la catedral es gratuita, aunque se puede hacer una donación de 3 libras, lo que si es obligatorio el pago de 2 libras para poder sacar fotografías en su interior , imagino que es para la compra del copyright y poder disponer de los derechos de autor de las vidrieras, esculturas, capiteles, etc, recomiendo pagarlo porque es muy poca cantidad de dinero y son muy puntillosos los celadores en ver si portas la pegatina que acredita haber pasado por caja. El horario de visita es de 9,00 horas a 19,00 horas, por eso es recomendable dejar la visita para cuando cierran los museos y no sabes que hacer.

La catedral de Edimburgo se empezó a construir en el siglo XII, está dedicada a la veneración de San Giles, es el patrono de la ciudad y un santo muy apreciado por tullidos y leprosos. Oficialmente no tiene la categoría de catedral porque para la iglesia presbiteriana no existe esa categoría.

La visita a la catedral comienza por el pasillo de la derecha donde se encuentra el retrato realizado en bronce en bajo relieve del autor Robert Luis Stevenson (1850-1894), obra del escultor americano Augustus St. Gaudens, esta datado en el siglo XIX.

Robert Louis Balfour Stevenson fue un novelista, poeta y ensayista escocés. Su legado es una vasta obra que incluye crónicas de viaje, novelas de aventuras e históricas, así como lírica y ensayos. Se lo conoce principalmente por ser el autor de algunas de las historias fantásticas y de aventuras más clásicas de la literatura juvenil, como La isla del tesoro, la novela histórica La flecha negra y la popular novela de horror El extraño caso del doctor Jekyll y el señor Hyde, dedicada al tema de los fenómenos de la personalidad escindida y que puede ser clasificada como novela psicológica de horror. Varias de sus novelas continúan siendo muy famosas y algunas de ellas han sido llevadas varias veces al cine del siglo XX, en parte adaptadas para niños.

Si continúas por la nave derecha llegas al Pasillo Santo de la Sangre , es una pequeña capilla que contiene el monumento a James Stewart, conde del Moray. Fue regente de Escocia a partir de 1567-1570 en que murió asesinado. Durante su entierro John Knox predicó un sermón conmovedor. En la parte baja de la escultura yaciente hay inscrito el poema escrito el día antes de su ejecución: Dispersa mis cenizas, espárcelas en el aire. Señor, usted sabe dónde están todos estos átomos, Tengo la esperanza de que una vez recuperará mi polvo, y confío que me alzará con los Justos.

En la ventana podemos ver el vitral donde se representa el sermón de John Knox. Tras conocer al reformista escocés George Wishart, Knox abandonó la fe católica y se adhirió al protestantismo. En 1546, el cardenal David Beaton, que ese mismo año había ordenado la ejecución de Wishart, fue asesinado en el castillo de St. Andrews. Knox se unió a los reformadores que habían encabezado la revuelta, predicó enardecidamente contra el «papismo» y, tras la toma del castillo por los franceses, fue llevado como galeote a Francia.

El primer día de marzo 1546 Wishart fue quemado en la hoguera en el Castillo de St. Andrews. Sus palabras mientras ardía en el fuego hoy son recordadas como las de un verdadero mártir de la fe: “Yo los perdono con todo mi corazón, ruego a Cristo también perdone a los que hoy, por ignorancia, me han condenado a muerte”.

Más adelante esta la zona donde se firmo El Convenio Nacional. En esta iglesia se firmó el importante Convenio Nacional (el National Covenant), en 1638, un manifiesto en el que un grupo de escoceses declararon su apoyo abierto a la renuncia al papado y la reforma del culto propiciada por el clérigo John Knox y sus seguidores; una firma que llevaría a muchos de ellos a la persecución y a la muerte, y finalmente al establecimiento de la iglesia protestante en Escocia.

El órgano de la catedral ocupa un lugar destacado de la nave derecha, fue creado por Rieger de Austria e instalado en 1992. Hay un panel que presionando el botón se ilumina el interior.

Siguiendo llegamos al pasillo de Chepman tiene un elaborado monumento (1888) dedicado a James Graham, Marqués de Montrose, fue el líder de la causa real en el conflicto religioso civil de los años 1640. Lo ejecutaron en 1650, y más tarde fue sepultado en la cripta debajo del pasillo.

Hay un gran pasillo se llama de Preston, es una capilla grande donde se encuentran colgadas las banderas heráldicas de los Caballeros del Cardo, Fue construido en 1454 para acomodar la famosa reliquia de Edimburgo, el hueso del brazo de St. Giles, y como el monumento al hombre que lo dono a la ciudad sir William Preston. La reliquia fue perdida en los disturbios de la reforma en 1560.

El pasillo comunica con el portal que da entrada a la capilla de la Orden del Cardo. Es considerada como uno de los honores más altos del país pertenecer a la orden de caballería de Escocia.

El orden del cardo tiene sus raíces en la Edad Media , pero la orden fue presentada en 1687 por el rey Jaime VII de Escocia (rey James II de Inglaterra). La nave de Holyrood Abbey fue adaptado como su capilla, pero en 1688 la abadía fue saqueada por los disturbios de Edimburgo, furiosos por la lealtad católica Rey James. Después de eso, los caballeros del Cardo no tenían capilla durante más de 200 años.

La Capilla del Cardo fue diseñada por Robert Lorimer y terminó en 1911. Contiene una sillería para 16 miembros, el puesto del Sovereign y dos puestos reservados para los reyes. La capilla contiene una gran riqueza de detalles, tanto religiosa como heráldica, y gran parte de ella peculiarmente refiere la historia de Escocia, incluyendo los ángeles tocando la gaita.

A lo largo de los lados de la capilla están la sillería para los caballeros, los cuales están limitados por marquesinas ricamente talladas con unos pináculos donde los caballeros se elevan por encima.

Entramos en la zona más antigua de la iglesia lo ocupa el Coro o presbiterio que fue construido entre 1320 y 1380, aquí se encuentran las únicas columnas que quedaron en pie de la antigua iglesia románica.

Caminando por la nave izquierda llegamos a la Capilla de Chambers, es el lugar donde se encuentra el monumento a William Chambers, editor y rector, emprendió la restauración de la catedral en 1872.

El siguiente espacio está dedicado a la Capilla de San Eloy, es el santo patrón del gremio medieval más importante de Edimburgo, el Hammermen (trabajadores del metal) quienes construyeron el altar y la capilla. Contiene el monumento de 1894 a Archibald Camphell, marqués de Argyll, enemigo de Montrose en 1640 y líder de la facción de oposición que apoyó el establecimiento de la iglesia convenida. También cayó en desgracia y fue ejecutado.

En un lugar destacado se encuentra la estatua dedicada a John Know, Ministro de St. Gile de 1559 a 1572, ya hemos visto que era un famoso predicador y un líder de la reforma de la iglesia Escocesa.

Siguiendo por la pared sur podemos ver la Capilla de Albany, fue construida en 1409, se asocia al duque de Albany y al cuarto conde de Douglas, los dos nobles más poderosos de Escocia, acusados de asesinar al heredero al trono.

La iglesia de San Giles tiene una excelente selección de vidrieras, las primeras fueron colocadas en 1873. Las más famosas son la hermosa ventana de Burne-Jones y el sorprendentemente y diferente vidriera del Gran Oeste que conmemora a Robert Burns, el poeta nacional de Escocia, y datada en 1985.

Durante la Edad Media , ya no quedaba ninguna vidriera en la iglesia, tan solo, unos pocos fragmentos diminutos que sobrevivieron a la Reforma. Éstos se pueden ver en dos de las ventanas del pasillo bajo. Los reformadores no estaban de acuerdo con las vidrieras, porque representaban a distintos santo e imágenes.

Quizás una de las vidrieras más bonitas se encuentra en la venta del este. Fue construida el 3 de noviembre de 1877, muy similar a la que tuvo la primera vez desde la Reforma. En la sección inferior, se representa la crucifixión, con la figura de Cristo en la cruz ocupa el centro. María Magdalena se arrodilla a sus pies, con la Virgen María y San Juan en el primer plano, mientras que los enemigos se burlan de Jesús en la parte de la derecha. En la parte superior de la ventana está la Ascensión , los apóstoles agrupados alrededor miran con asombro como Cristo se eleva vestido con túnicas brillantes hacia una gloria señalada en color oro. La tracería en la parte superior está lleno de ángeles.

La gran ventana del oeste, fue instalada en 1985, es la obra de la artista islandesa Leifur Breiðfjörð, una de sus más grandes de su género. Se representan temas principales dentro de la poesía de Robert Burns, en un estilo semi-abstracto. La sección más baja es principalmente verde, que representa el mundo natural que se describe tan amorosamente. La sección central contiene muchas figuras humanas, ya que conmemora la unidad humana, independientemente de su raza, color o credo. La tracería superior contiene un sol glorioso de amor, marcado con un color rojo.

Una de las más bellas ventanas en San Giles fue diseñada por el prerrafaelita artista Edward Burne-Jones, y fabricado en los talleres de William Morris. El vitral se sitúa en el extremo oeste de la catedral cerca del Pasillo Albany, en la sección superior muestra la Travesía del río Jordán, y retrata las figuras de tres grandes heroínas del Antiguo Testamento, en la parte baja: Miriam, Ruth y la hija de Jefté. Su nombre no es conocido, pero ella fue sacrificada por su padre a causa de un desafortunado voto que había hecho.

Saliendo a la calle, en la puerta de la catedral se halla la estatua de Adam Smith, esta impasible con el cabello manchado por las deposiciones de las gaviotas y palomas. Fue un economista y filósofo escocés, uno de los mayores exponentes de la economía clásica.

Adam Smith basaba su ideario en el sentido común. Frente al escepticismo, defendía el acceso cotidiano e inmediato a un mundo exterior independiente de la conciencia. Smith creía que el fundamento de la acción moral no se basa en normas ni en ideas nacionales, sino en sentimientos universales, comunes y propios de todos los seres humanos.

En 1776, publicó La riqueza de las naciones, sosteniendo que la riqueza procede del trabajo de la nación. El libro fue esencialmente un estudio acerca del proceso de creación y acumulación de la riqueza, temas ya abordados por los mercantilistas y fisiócratas, pero sin el carácter científico de la obra de Smith. Gracias a este trabajo, que fue el primer estudio completo y sistemático del tema, Smith se conoce como el padre de la economía.

Llegamos a una antigua iglesia se llamaba Tron Kirk desacralizada, ahora se ha convertido en el Royal Mile Market. El cambio ha sido radical su construcción es del siglo XVII ha estado impartiendo culto hasta el año 1952 en que cayó en desuso, y paso a ser el centro de información turística y ahora se dedica como un espacio diáfano como mercado.

El interior todavía conserva algunas de sus antiguas vidrieras que se mezclan con las más osadas pinturas actuales. El mercado está ocupado por antiguos miembros de una selección de Artistas Callejeros que fueron llevados desde la calle al interior de la iglesia hacia el capitalismo más racional. En definitiva, es un mercado de turistas para turistas, dicen que poca gente de Edimburgo ha entrado a ver este mercado.

Aquí damos por terminado nuestra primera estancia en Edimburgo, solamente nos queda regresar hasta la calle Princes Stret, hasta ahí llegamos guiados por los pináculos góticos del monumento a Scott, enfrente se encuentra la parada del bus donde cogemos la línea nº 44 que nos devuelve hasta el P+R+Bus donde pesáramos la noche .

Comenzamos el día y después de esperar unos minutos vemos que llega el BUS nº 108, sacamos la tarifa familiar para 24 horas pagando 8,5 euros, le preguntamos para ir al centro de Edimburgo, el conductor nos explica que hoy está cortado uno de los barrios de Edimburgo porque hay un gran desfile y que si queremos llegar nos montemos hasta la última parada y que allí nos explicará. Llegamos a un gran centro comercial que se llama Fort Kinnaird nos dice que crucemos enfrente que en 10 minutos llegará el Bus nº 30 que nos dejará en Princes Street. Efectivamente puntualmente llega el autobús y en 8 paradas estamos en el mismo centro de la ciudad.

Marchamos andando hasta nuestro primer destino que consiste en visitar el Palacio de Holyroodhouse, es el actual Palacio de la Reina en Escocia. Solamente es visitable cuando la Reina de Inglaterra no está de visita en la ciudad, hoy hemos tenido suerte y ha debido de salir porque la taquilla está abierta, ¡y muy abierta! El precio en tarifa familiar 31,20 (dos adultos y dos niños); el horario es de 9,00 a 18.00 horas.

El Palacio de Holyroodhouse, más conocido como Holyrood Palace, la palabra Holyrood es anglicanizada de las escocesas Haly Ruid («Cruz Sagrada»), primeramente era ocupado como monasterio por David I en el año 1128, durante muchos siglos ha servido como principal residencia de los reyes y reinas de Escocia desde el siglo XV. Actualmente Holyroodhouse es la residencia oficial de los reyes de Gran Bretaña, donde pasa, habitualmente, una temporada a principios de verano.

En el siglo XV había una casa de invitados en el mismo lugar donde hoy está el ala norte del Palacio, al oeste de la Abadía y su claustro. Muchos de los reyes de Escocia estuvieron allí antes de la construcción del Palacio, y para finales del siglo XV Holyrood ya era una residencia real de pleno derecho; no solo Jacobo II nació en Holyrood en 1430, fue en Holyrood donde fue coronado, donde se casó y donde descansan sus restos. Entre 1498 y 1501, Jacobo IV construyó un nuevo edificio, convirtiendo a Holyrood en un palacio en todo sentido de la palabra.

El Palacio fue construido alrededor de un patio, situado al oeste del claustro de la Abadía. Contiene una capilla, una galería, los apartamentos reales, y un gran salón. La capilla ocupaba la actual ala norte del Gran Patio, con los apartamentos de la Reina ocupando parte del ala sur. El ala que está al oeste contiene los aposentos del Rey y la entrada al palacio. Él mismo supervisó la construcción de una puerta de dos pisos, cuyos fragmentos sobreviven en la Abadía. Jacobo V añadió el comienzo de la actual torre noroeste, entre 1528 y 1536. En esta torre está la famosa habitación que una vez ocupara María, Reina de los Escoceses.

El artesonado del techo de madera de las habitaciones principales es del tiempo de María y los monogramas MR (Maria Regina) e IR (Jacobus Rex) se refieren a María y su hijo, Jacobo VI. Se cree que los escudos que conmemoran la boda de María y Francisco II de Francia, fueron tallados en 1559 pero puestos en su posición actual en 1617. Esta sala contiene una cámara de audiencias y la habitación de la Reina. Fue en la habitación de la torre norte, donde se cometió el asesinato de David Rizzio en presencia de María, el 9 de marzo de 1565. En los siglos siguientes, los visitantes estaban convencidos de que podían ver su sangre en el suelo.

Después de que Jacobo VI se convirtiera en Rey de Inglaterra en 1603 y se mudara a Londres, el palacio ya no volvió a ser sede permanente de la corte. Jacobo lo volvió a visitar en 1617 como lo hizo Carlos I de Inglaterra en 1633, cuando fue coronado Rey de Escocia en la Abadía de Holyrood.

En 1650, ya fuera por accidente como por diseño, el palacio ardió durante la visita de Oliver Cromwell y sus soldados. Cromwell reconstruyó el palacio, pero esta reconstrucción no aguantó y Carlos II de Inglaterra reconstruyó el palacio devolviéndolo a su estado original entre 1671 y 1679. Jacobo VII y II vivió en Holyrood entre 1679 y 1682 cuando todavía era Duque de York.

Después de 1707, el Palacio se usó durante las elecciones por los representantes de los nobles. Tras la Revolución francesa, Jorge III permitió al hermano menor de Luis XVI, el Conde de Artois vivir en Holyrood. Tras su segundo exilio, la realeza francesa vivió otra vez en Holyrood entre 1830 y 1832 cuando se mudaron a Austria.

En tiempos modernos, los monarcas han pasado al menos una semana al año usando como corte el Palacio en Edimburgo. La reina actual todavía lo usa cuando está en Escocia para acontecimientos de Estado (si no son ocasiones de estado, se aloja en Balmoral). Su uso se ha incrementado desde la restauración del parlamento escocés en 1999, albergando ocasionalmente a miembros de la familia real, en concreto el Príncipe Carlos y la Princesa Ana. Hubo una época en la que se pensó que un miembro de la familia real, la Princesa Real (que tiene fuertes vínculos escoceses), se convertiría en residente permanente del Palacio como representante de la Reina ; pero esto no fue más que un rumor. En el Palacio la Reina se reúne y nombra al Primer Ministro de Escocia. Durante la presidencia británica de la Unión Europea , se celebró aquí una reunión del Consejo Europeo.

El palacio en su forma actual fue construido entre 1671-1678 en una disposición cuadrangular, aproximadamente 230 pies (70 m) de norte a sur y 230 pies (70 m) de este a oeste, con la excepción de la del siglo XVI de la torre norte-oeste construida por James V. Sir William Bruce diseñó las 3 plantas más el ático de estilo barroco de Carlos II en la restauración de la monarquía. La entrada principal se encuentra en el frente oeste, en una altura de 2 plantas que une la torre noroeste del siglo XVI con una torre que se encuentra en el sur-oeste con tres, cerradas con techos cónicos. La puerta de entrada está enmarcada por columnas dóricas romanas, con el tallado de las armas reales de Escocia y una cúpula octogonal con reloj en la cara anterior.

Las fachadas levantadas en el norte y sur tienen como característica que son simétricas con 3 plantas que se levantan detrás del extremo izquierda y derecho . La rehabilitación general fue completada por el arquitecto Robert Reid entre 1824-1834 que incluía la reconstrucción parcial de la torre de la esquina sur-oeste y rectificación de todo el frente sur, realizado con sillares para que coincida con la del este. El frente oriental tiene 17 pilastras con columnas superpuestas en cada piso. Las ruinas de la iglesia abacial se conectan al palacio en la esquina noreste. Para el cuadrángulo interna, Bruce diseñó una plaza Colonaded –conjunto de columnas uniformemente espaciadas– de nueve arcos en las fachadas norte, sur y este superpuestos con columnas de los tres órdenes clásicos para indicar la importancia de las tres plantas principales. La planta baja es orden dórico se utiliza para los servicios, en cambio, el orden jónico se utiliza para los apartamentos de estado en la primera planta, mientras que el orden corintio se utiliza para los apartamentos reales en el segundo piso

Las habitaciones abiertas al público incluyen los antiguos apartamentos del siglo XVII del Rey y la Gran Galería, y los apartamentos del siglo XVI en la torre noroeste.

La entrada se realiza por la gran escalera en la esquina suroeste del patio central tiene un techo barroco del siglo XVII con yeserías representando a los ángeles que portan estandartes de Escocia. Las pinturas italianas en las paredes son fragmentos de frescos pintados alrededor del año 1550 por Lattanzio Gambara, que ilustran escenas de la Metamorfosis de Ovidio. Fueron compradas por el príncipe Alberto en 1856, y se colocan aquí en 1881. En la parte superior de la escalera se encuentra el comedor real, antes formaba parte de las habitaciones de la reina.

La situación de las habitaciones del rey se encuentra en su totalidad entre los lados sur y este del patio central. Se accede desde la Gran Escalera , al conjunto de habitaciones que comprenden una sala de guardia, cámara de presencia, cámara privada, antecámara, dormitorio y armario. La parte privada del palacio, tiene una gran la riqueza en la decoración. A partir de la visita de Jorge IV en 1822, la sala de guardia se ha utilizado como una sala del trono, y el orden de habitaciones se invirtió. La sala de estar de la tarde y la mañana llamada Drawing Room ocupa la antigua cámara de presencia y la cámara privada, y conservan sus típicos techos decorados en el siglo XVII. La sala de estar de la mañana tiene colgados tapices franceses comprados por Carlos II, y se utiliza para ceremonias privadas. La Antecámara del Rey, el dormitorio y armario están distribuidos a lo largo del lado este del palacio. Alcoba del Rey, en el centro de la fachada este, tiene la más decoración de los techos de yeso del siglo XVII, aumentados por las pinturas de Hércules por Jacob de Wet II. La cama del siglo XVII fue construida para el Duque de Hamilton, aunque es conocida como “cama de la reina María” porque ella ocupó esta parte del palacio.

La Gran Galería, la sala más grande en el palacio, se comunica con el gabinete del rey, con los apartamentos de la antigua reina situados al oeste. La galería está decorada con 110 retratos de los monarcas escoceses, empezando por el legendario Fergus I, que supuestamente gobernó desde el año 330 a. C. Los retratos fueron realizados entre 1684 y 1686 por Jacob de Wet II. Esta colección celebra el linaje real de Escocia, mediante la cual los escoceses confirman su continuidad y la antigüedad como una parte importante de su identidad nacional en el siglo XVII. Más tarde se convirtió en una capilla católica por el conde de Artois. Hoy en día se utiliza para las grandes funciones, incluyendo las investiduras y banquetes.

El conjunto de habitaciones en el primer piso de la torre noroeste comprende una sala de audiencias, se accede desde un vestíbulo junto a la Gran Galería, y un dormitorio, dando lugar a partir del cual hay dos habitaciones. Estas habitaciones fueron ocupadas por señor Darnley en el siglo XVII, y más tarde formó parte del departamento de la reina en el palacio reconstruido, antes de ser adquirida por el Duque de Hamilton a partir de 1684. La reina Mary ocupó un conjunto idéntico de habitaciones en el segundo piso de la torre: los dormitorios están unidos por una escalera de caracol privado. La Cámara exterior de la Reina contiene su oratoria, y fue el escenario de la muerte de David Rizzio, después de que fue arrastrado desde la mesa de la cena en la habitación de la torre norte. En los siglos posteriores, los visitantes fueron a menudo convencidos de que podían ver su sangre manchada en el suelo.

Los techos de madera, tanto de los cuartos principales datan de la época de la reina María, y los monogramas MR (Maria Regina) e IR (Jacobus Rex) se refieren a sus padres, María de Guisa y James V. Las escudos conmemoran el matrimonio de María y Francisco II de Francia se cree que fueron tallados en 1559, pero poner en su posición actual en 1617, momento en que se añadieron las grisallas y el friso .

En la parte contigua del palacio se encuentran los restos de la antigua Holyrood Abbey son las antiguas ruinas de la abadía de los Canónigos Regulares en Edimburgo, Escocia. La abadía fue fundada en 1128 por el rey David I.

La leyenda indica que en 1127, mientras que el rey David I estaba cazando en los bosques al este de Edimburgo durante la Fiesta de la Cruz , fue tirado de su caballo después de haber sido sorprendido por un ciervo. De acuerdo a las variaciones de la historia, el rey se salvó de ser corneado por el animal cuando cayó al suelo por la aparición milagrosa de una cruz santa que descendía de los cielos, o por la luz solar reflejada por un crucifijo, que apareció de repente entre la cornamenta del ciervo mientras que el rey trató de agarrarse a ellos en defensa propia. Como un acto de acción de gracias por su salvación , David I fundó la Abadía de Holyrood en el sitio en 1128.

La arquitectura de la abadía indica que fue construida siguiendo las normas de la orden de los agustinos, la iglesia consta de dos secciones distintas: una parte era dedicada al propio monasterio mientras que el resto de la nave se dedicaba como parroquia. Los principales servicios monásticos se llevaban a cabo en el altar mayor y en el coro adyacente, por otra parte en toda la iglesia había varios altares subsidiarios para la celebración de las distintas misas individuales. Estos incluyen el altar de la Capilla de la Virgen , situada, detrás del altar mayor y Santa Catalina en el sur de pasillo adyacente al altar mayor, y San Andrés. Si bien el acceso al coro de la iglesia solamente podían acceder por lo general a los miembros de la comunidad monástica, los laicos serían admitidos en la nave y, posiblemente, en menor medida, los altares subsidiarios del extremo este. El altar de la parroquia, servia sus oficios por su propio capellán, estando situada en la nave.

El número de altares de la nave aumentó en el siglo XVI con la construcción de otras capillas con el apoyo de los económicos de los distintos gremios de Canongate (distrito de Edimburgo). El Hammermen (gremio del metal) erigió un altar dedicado a San Eloy en 1536. El gremio de los boteros habían construidos un altar dedicado a los Santos Crispín y Crispiniano y los Baxter (gremio de los farmacéuticos) tenían un altar dedicado a San Hubert. En 1554, a los sastres se les concedieron un servicio divino en un altar de Santa Ana.

Durante la Guerra de los Wooing, los ejércitos ingleses invasores del conde de Hertford infligieron daños estructurales en la Abadía de Holyrood en 1544 y 1547. El plomo fue despojado del techo, las campanas fueron retiradas, y se llevaron muchas de las decoraciones de la abadía. En 1559, durante la Reforma escocesa, la abadía sufrió mayores daños cuando una muchedumbre destruyó los altares y saquearon el resto de la iglesia .La reforma supuso el fin de los servicios de los ordenes religiosas y de los monasterios, el extremo este de la iglesia abacial se convirtió en ruinas. En 1569, Adam Bothwell, el comendador de Holyrood, informó a la Asamblea General de la Iglesia de Escocia que el extremo este se encontraba en un estado de deterioro tal que el coro y el crucero deben ser demolidos. Esto se hizo el año siguiente, conservando solamente la nave, que por entonces se dedicaba como una iglesia parroquial del municipio escocés de Canongate. Entre 1570 y 1573 se construyó el frontón este, que cierra el extremo este de la antigua nave, todos menos dos de las ventanas de la nave fueron destruidas, las tumbas reales fueron trasladados a un nuevo panteón real en el pasillo del sur. La abadía fue ampliamente remodelada en 1633 para la coronación de Carlos I.

En 1686, James VII estableció un colegio jesuita en el palacio de Holyrood. Al año siguiente, la congregación protestante se trasladó a la nueva iglesia de la Canongate , y la abadía se convirtió en una capilla católica Real como la capilla de la Orden de la iglesia abacial Thistle. Más adelante, la iglesia fue remodelada de acuerdo con los planes de James Smith, y fue equipado con tronos elaborados y puestos para los caballeros individuales de la Orden del Cardo. Sin embargo, en 1688, a raíz de la Revolución Gloriosa , la multitud de Edimburgo se dirigió hacia la abadía, destruyó la Capilla Real y profanó las tumbas reales. El techo abovedado en piedra se colapsó durante la restauración de 1758, porque el trabajo de la rehabilitación fue mal ejecutado, y durante una tormenta en 1768 el techo se derrumbó, dejando a la abadía en su estado actual, una ruina sin techo. La restauración de la abadía se ha propuesto en varias ocasiones desde el siglo XVIII, en 1835 por el arquitecto James Gillespie Graham como un lugar de encuentro para la Asamblea General de la Iglesia de Escocia y, en 1906, como una capilla para los caballeros de la Thistle , pero se rechazaron ambas propuestas.

Saliendo de la abadía se encuentran los jardines del palacio se extienden a unos 10 acres (4 hectáreas), ubicada dentro de un parque mucho más grande de Holyrood. En el siglo XVI era un jardín privado se encuentra al norte del palacio, se accede a través de una galería de madera de la torre noroeste. Esto fue eliminado en el siglo XIX, cuando el príncipe Alberto se interesó en el recinto, construyendo una nueva entrada hacia el norte para evitar los barrios pobres Canongate y trazar el jardín en su forma actual. Un pequeño edificio jardín, que sobrevive del siglo XVI, que se conoce como el baño de la reina María, aunque se cree que no llegó a utilizarse para el baño. El reloj de sol en el norte del palacio fue tallado en 1633 por John Mylne, mientras que la fuente en la explanada es una réplica de la fuente del siglo XVIII y de la del siglo XIX en el Palacio de Linlithgow.

Cuando salimos del palacio es la hora de comer, aprovechamos para descansar en los bancos de hormigón que están en la entrada al Parlamento Escocés para degustar unos bocadillos “take snacks” con una bebida que compramos “in situ”.

Nos llama la atención la arquitectura del Parlamento de Escocia es modernista y parece un barco anclado, donde los materiales que dominan son: el hormigón y la madera. El edificio parece estar dispuesto como un contra poder, situado justo enfrente del Palacio de la Reina británica y que todavía aún hoy lo utiliza unas semanas al año para afirmar su poder. Enfrente, justo en la acera opuesta se ha levantado el nuevo poder del parlamento de Escocia que ha conseguido poner en jaque durante algunos momentos la constitución y la existencia del actual Reino Unido como una estructura de país único. Quizás históricamente han aprovechado la proximidad de la Abadía de Holyrood que era el lugar donde se celebraban las sesiones del histórico parlamento antes de la unificación del Reino Unido.

Nos informamos de los requisitos para poder entrar y hoy parece que no hay problemas para poder visitar el interior gratuitamente, la verdad es que pocos turistas están interesados en verlo por dentro pero en nosotros ha despertado la curiosidad.

El parlamento está abierto al público los lunes, viernes, sábado y festivos en horario de 10 a 17 horas; el resto de la semana martes, miércoles y jueves es cuando se celebran las sesiones parlamentarias, se puede asistir a ellas previa reserva en horario de 9 a 18.30 horas.

La entrada a este tipo de edificios oficiales no está exenta de la obligatoria incomodidad derivada de los controles de seguridad que en este caso es verdaderamente minucioso casi más que tomar un avión en cualquier control de un aeropuerto.

El Parlamento escocés es la cámara legislativa unicameral de Escocia. Está compuesto por 129 diputados elegidos cada cuatro años mediante un sistema mixto proporcional y directo. Esto es, 73 diputados proceden de la elección en 73 circunscripciones unipersonales y 52 se reparten proporcionalmente entre ocho regiones distintas (siete diputados por cada una).

El primer Parlamento de Escocia, también llamado los Estados de Escocia, fue la cámara legislativa del Reino de Escocia, y funcionó desde comienzos del siglo XIII hasta que la monarquía independiente se fusionó con el Reino de Inglaterra conforme al Acta de Unión de 1707, para formar el Reino de Gran Bretaña. Como consecuencia, también el Parlamento de Escocia se fusionó con el Parlamento de Inglaterra para formar el Parlamento del Reino Unido, que tiene su sede en Westminster, en Londres.

Tras el referéndum escocés de 1997 donde los ciudadanos respaldaron ampliamente la recuperación de la institución legislativa, el actual Parlamento lo estableció la Ley de Escocia de 1998, mediante la que devolvieron algunas competencias a Escocia. Esta ley define también las competencias de la cámara señalando explícitamente cuáles son las materias sobre las que el parlamento de Westminster tiene competencias exclusivas, entre los que se encuentran la ley que rige esta cámara así como la capacidad para aumentar o reducir sus competencias. La primera sesión del nuevo Parlamento tuvo lugar el 12 de mayo de 1999

Desde septiembre de 2004 la sede oficial del Parlamento escocés es el Edificio del Parlamento escocés, en el barrio de Holyrood, en Edimburgo. Fue diseñado por el arquitecto español Enric Miralles, y se compone de un conjunto de edificios con forma de hoja, con un ala con cubierta herbácea, que se funde con el parque adyacente y con los gabiones de muros procedentes de construcciones anteriores. En su interior se disponen distintos motivos geométricos basados en el cuadro de Henry Raeburn del Reverendo patinando, un auténtico icono del arte escocés. Gabletes encadenados y el horizonte de barcas dadas la vuelta del Garden Lobby completan su arquitectura.

La reina Isabel II inauguró el nuevo edificio el 9 de octubre de 2004. Mientras, la construcción del edificio se prolongaba (y fueron tres años más de lo previsto) el Parlamento tuvo su sede en la Cámara de la Asamblea General de la Iglesia de Escocia, a unos cientos de metros de Holyrood, también en Edimburgo.

El arquitecto Eric Miralles propone un edificio donde se incorpore la historia escocesa en un diseño modernista. Inspirándose en el paisaje escocés, tomó prestadas las formas de los barcos, a partir de una línea en las inmediaciones, así como los motivos de las pinturas de la flor de Charles Rennie Mackintosh –un arquitecto, diseñador y acuarelista escocés, que tuvo una importancia fundamental en el movimiento Arts and Crafts y que además fue el máximo exponente del Art Nouveau en Escocia–, estos se convirtieron en la base para la construcción del edificio, así como para la formas icónicas que podemos ver en aberturas de los tragaluces en forma de canoa en el Jardín Lobby. Además, Miralles invocó vivamente alusiones a la Saltire o la cruz escocesa –tiene forma de un aspa es un símbolo heráldico que se representa como una diagonal cruzada , al igual que la forma de la letra X en tipo romano– se puede ver en impresiones de los techos y en otros detalles.

Las ideas en el diseño están muy calculadas, y se presta una gran atención a todas las superficies, las articulaciones, y la apertura es notable, como se puede deducir de las estructuras inventadas del techo de la cámara de debates o los muebles hechos a medida construidos para casi todas las habitaciones. Este nivel universal de detalle, mientras que lamentablemente fue causa de los altos costos de construcción y de muchos retrasos, sirve para rechazar enfáticamente el establecimiento de las jerarquías espaciales; cada habitación es tan pensativa, única, e importante como todas las demás. El efecto es sorprendente y las expresiones caprichosas del arquitecto logran una claridad formal, imposiblemente difícil en medio de la complejidad deslumbrante.

La estructura del edificio que alberga la Cámara de Debates es en su mayor parte de acero revestido con paneles de hormigón. El hemiciclo de la Cámara está en el primer nivel de este edificio. Los parlamentarios escoceses entran al hemiciclo a través de un pasillo acristalado, que se extiende por la cara norte. En el extremo oeste del pasillo se encuentra un dintel de piedra que pertenecía al edificio original del Parlamento, donde se reunía el antiguo Parlamento Escocés existente antes de la unión de Escocia e Inglaterra. La familia Dundas-Bekker, propietaria de Arniston House en Midlothian, donde se usó esta piedra para la construcción de un puente, la donó al Parlamento.

El hemiciclo de la Cámara cuenta con asientos, dispuestos en una distribución semicircular, para los parlamentarios escoceses además del Fiscal General del Estado y el Fiscal Jefe, así como una zona para el Presidente de la Cámara. Los escritorios de los parlamentarios son de roble y sicómoro (madera de un árbol, de gran resistencia y perdurabilidad) y fueron diseñados por Enric Miralles. La excepcional construcción del tejado de la Cámara consiste en vigas de roble contrachapadas que se sostienen a nivel del techo y están unidas por un sistema de juntas de acero inoxidable. La ausencia de columnas de soporte garantiza una buena visión desde todos los puntos de la Cámara.

El muro divisorio que se extiende hasta la parte baja de Canongate se conoce como “El Muro de Canongate”. En el muro hay colocadas piedras de toda Escocia, algunas de las cuales contienen fósiles o citas grabadas. El diseño trazado sobre el muro se basa en un esbozo realizado por Enric Miralles de la vista de las calles que podía observar desde la ventana de su habitación en un hotel de Edimburgo.

La controversia arquitectónica que fue creada en los primeros momentos sobre todo por el megaproyecto y el coste económico que era considerado como un pozo sin fondo y el público en general se ha reducido un poco en los últimos años a medida que se hace más fácil de apreciar los éxitos de la construcción fuera de la historia desastrosa de fondo que dominó sus primeros días por las criticas en prensa. Para Miralles, quien trágicamente murió de un tumor cerebral en el 2000 sin ver su finalización, el Parlamento se ha convertido en su obra magna. El diseño caprichoso e impulsivo sigue siendo único sin precedentes en el mundo de hoy, y el edificio sigue ejerciendo una enorme influencia en el campo de la arquitectura.

Después de la visita al Parlamento teníamos previsto cruzar todo Edimburgo de este a oeste para visitar en el otro extremo el Castillo de Edimburgo. No hay ningún autobús de línea, salvo los turísticos, que hagan el trayecto; por lo que decidimos hacerlo andando.

Hasta el castillo sólo hay una forma de entrar, y es por la Royal Mile. Justo delante está la explanada del Castillo, donde celebran en verano la Military Tattoo (una exhibición militar). No puede llegarse en coche particular, pero los taxis sí pueden dejarte ahí.

Cuando llegamos al castillo ya son cerca de las 16,30 y nos dicen que ya no es posible entrar porque están preparando el desfile de la noche para el Military Tattoo y qué tampoco quedan entradas.

Ante la decepción decidimos dar por concluida la visita a Edimburgo, desde el castillo bajamos andando hasta la calle Princes Stret, donde se encuentra la parada del bus, allí cogemos la línea nº 44 que nos devuelve hasta el P+R+Bus.

En el planning del viaje teníamos la intención de pernoctar en este parking de Edimburgo pero dado que hemos terminado muy pronto vamos adelantar unos 100 km en el itinerario de mañana intentando buscarnos la vida en la población de Perth que se encuentra más o menos a esa distancia. El trayecto de mañana imaginamos que es uno de los más complicados porque la distancia son casi 350 km y las carreteras del norte de Escocia son extremadamente complicadas.

Salimos un poco a la aventura sin saber donde pernoctar por el camino pero ya encontraremos un sitio idóneo ya que en Escocia no suele haber muchos problemas con la pernocta.

A la salida de Edimburgo en el barrio de East Craigs a los pocos kilómetros encontramos una gasolinera Shell con precios asequibles (1,099) con posibilidad para el vaciado y llenado. Está situada en la confluencia de las calles Glasgow Rd con Maybury Rd, el grifo de llenado es muy lento y necesitas bastantes minutos para poder llenar. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 55.94118 // W 3.31290 .

Seguimos nuestro viaje por el este de Escocia y cuando sentimos sueños vemos la señalización de un parking P+R+Bus en la ciudad Perth. Vamos a ver si hay problemas para la pernocta.

Cuando llegamos vemos que no hay ninguna autocaravana en el parking pero el responsable del parking nos indica que es gratuito y que no hay problemas para que pasemos la noche, nos indica que es vigilado por vídeo cámaras.

El parking para autocaravanas en la ciudad de Perth (Escocia), es llano y bien iluminado. Las coordenadas del lugar corresponden con N 56.38.687 // W 3.47721 .

Ruta: Perth-Helmsdale- John O'Groats - Scrabster- Stromness-Kirkwall-(Islas Orcadas) Km. 287 tiempo estimado 4 horas 12'

La noche en este parking ha sido muy tranquila no hemos notado el lógico ajetreo de comienzos del día. Cuando nos levantamos vemos que estamos en un nudo de comunicaciones terrestres para el transporte de Bus por toda Escocia.

Partimos hacia el norte de Escocia a las 9,00 horas tenemos todo el día para llegar a nuestra primera parada en Helmsdale, situada en la parte más al norte de Escocia, hay una distancia de unos 287 km.; el tiempo estimado es casi de 5 horas y nos lo tomamos con calma.

Las carreteras de Escocia son como las habíamos imaginado, los primeros kilómetros son autovía, luego hay pequeños trozos desdoblados en ambos sentido que permiten los adelantamientos para pasar a una simple carretera de doble sentidos, carecen de arcenes, todo ello plagado de señales de prohibiciones de velocidad y vigiladas con radares, hay tantos radares en un trayecto de 200 km como el que pueda existir en los 2000 km que hemos hecho hasta llegar aquí.

Como digo, la carretera va estrechándose tanto y el tráfico es muy denso lo que hace que vayamos en ciertas zonas muy lentamente, hay que tomárselo con mucha calma. La verdad es que tenemos tiempo suficiente hasta las 19,00 horas.

A la hora de la comida paramos en el puerto pesquero de Helmsdale porque vemos aparcadas varias autocaravanas, el tiempo es cambiante, unos momentos hace sol y otros llueve intermitentemente, el día atraviesa las cuatro estaciones del año, a la hora de la comida estamos atravesando el invierno. Cito el lugar porque es un sitio muy bonito con posibilidad para poder pernoctar en ruta. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 58.11501// W 3.65091 .

Continuamos nuestra ruta, desde este punto nos quedan 87 km hasta John O' Groats y el tiempo previsto en hacer el recorrido es de 1 hora 57', así que podéis imaginar por la media cual es el estado de la carretera. Como siguiente parada ponemos en el Tom-Tom la gasolinera más cercana antes de embarcarnos en el ferry con destino a las Islas Orcadas que pueda tener un precio Low Cost. Tememos que el gasóleo en las islas sea mucho más caro y queremos salir totalmente llenos. La gasolinera pertenece al centro comercial Tesco, se encuentra en la localidad de Ackergill, el precio es 1,109£ litro. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 58.45207 // W 3.09982 .

Seguimos el camino por la A-99 a partir de esta localidad de Ackergill dejan de verse las temidas cámaras con radares y el tráfico pasa a ser testimonial. Durante el viaje hemos visto varias localidades y parajes que bien merecían una parada pero no podemos parar porque tenemos por delante el barco que nos lleve a las islas Orcadas.

A las 18.00 horas llegamos al puerto de John O'Groats desde donde sale el ferry de la pequeña compañía John O'Groats que nos trasladará hasta la población de St Margarets (Islas Orcadas), tarda un tiempo 45 minutos.

El ferry sale a las 19,30 horas y nos indican que solamente hay sitio para una autocaravana y la otra tendría que entrar si alguno de las reservas fallan pero lo peor es que la vuelta tampoco está garantizada teniendo que viajar con un billete abierto, nos informan que ellos funcionan más con reservas previas online porque es una compañía muy pequeña, nos piden 210£ por los 4 pasajeros y la autocaravana ida y vuelta.

Les indicamos que es muy expuesto viajar así porque no podemos quedarnos más tiempo del que pesamos en las islas y que debemos de viajar juntos. Nos hacen el favor para ayudarnos de sacarnos los horarios y los puertos de salida ferry de otras líneas de la competencia que hacen las islas Orcadas. Nos advierten que los barcos son más grandes pero a la vez un poco más caros.

Salimos precipitadamente hacia el vecino puerto de Scrabster, esta localidad esta a unos 30 Km. y el barco sale a las 19,00 horas, el trayecto esta operado por la compañía naviera Northlink con el moto vapor Hanavoe, es un barco flamante recién estrenado. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 58.61260 // W 3.53998 .

Llegamos con el tiempo suficiente para dirigirnos a la taquilla y sacar los billetes de ida y vuelta dentro del calendario que teníamos previsto, el precio es 259,70£ para 2 adultos, dos niños y una autocaravana de 7,00 metros.

En total hemos pagado 50 libras más y además vamos a otra parte de las islas Orcadas más alejada, por lo que tenemos que reprogramar todas las visitas a estas islas.

Enseguida nos advierten que debemos de embarcar porque ya somos los últimos, después de entrar en la bodega podemos comprobar que todavía el barco puede llevar algún coche más.

Después, por la publicidad, hemos conocido que hay otra tercera alternativa para llegar hasta las Islas Orcadas y se realiza con la compañía Pentland Ferries. El barco sale desde Gills Bay y llega en menos de una hora a la localidad de St. Margaret's Hope. Tiene tres salidas diariamente desde Gills Bay: a las 9.30; 13.30 y 18.30 horas y en sentido contrario: 7.45; 11.50; 16.50 horas. El precio para una autocaravana 2 adultos y 2 niños son: 246 libras. Las coordenadas GPS del puerto de salida corresponden con: N 58.6391687 // W3.1614526.

Durante el trayecto de una hora hago un pequeño repaso al significado y a la historia de las islas Orcadas para saber por qué hemos venido hasta este punto tan alejado del planeta y qué nos ha atraído para llegar hasta aquí. Lo primero que me planteo es que el archipiélago esta formado por unas 70 islas de las cuales una pequeña parte está habitada, unas 20 islas, y tiene una población de unas 20.000 personas de los cuales la mayor parte de ellos viven en la isla más grande, quizás será un poco por el azar pero vamos a desembarcar en Mainland. La isla tiene dos pequeñas ciudades, donde nos deja el barco es en Stromness y la capital del Archipiélago es Kikwall.

Geográficamente el archipiélago se divide en dos grupos, las islas Orcadas del Norte –más despobladas y menos fertiles– y las islas Orcadas del Sur, que serán las que vamos a visitar por su facilidad de transporte y la cercanía a Escocia.

Aunque pueda parecer mentira la pertenencia de las islas Orcadas al reino de Escocia es relativamente reciente desde el siglo XV, pese a su proximidad geográfica, fueron entregadas por el rey Cristian I de Dinamarca y de Noruega como un compromiso de pago de la dote para que su hija Margarita de Dinamarca se casará con Jacobo II de Escocia, como nunca se llegó a pagar la dote se ejecuto el compromiso y así de esta forma las islas llegaron a manos del reinado de Escocia. Seguramente en esos momentos era una patata caliente que tenia los noruegos para mantener dentro de su reinado unas islas sin un valor económico grande y que eran muy costosas su defensa. Trasladados al siglo XXI, esta situación nunca se hubiera producido porque las islas albergan una importante reserva de petróleo.

La historia de Noruega sobre las islas Orcadas se remontan al siglo VIII y duró por un espacio de tiempo de VII siglos para tener como soberanía unas islas que distan muchos kilómetros de su situación geográfica. Las razones para que Noruega tuviera ese espíritu expansionista en el siglo VIII obedece a una sobrepoblación del territorio y a una falta de tierras de cultivo. Pero la razón más importante es que los vikingos era un pueblo que dominaba el mar y necesitaba de un sitio seguro y apartado donde pudiera servir como base marítima para sus tropelías sobre el continente y alejados de la respuesta militar de países como Francia, España o Portugal.

Los vikingos convirtieron las Orcadas en la base militar y capital del pueblo vikingo para realizar impunemente su labor de pirateo en los mares del norte . Este periodo tan largo de la historia ha dejado huella en las islas, que se puede ver en el tipo de granjas que explotan los recursos de la tierra hasta muchos de los topónimos y palabras que se emplean.

Otra de las cosas que me planteo es como llegó hasta estos recónditos trozos de tierra la humanidad. Hay vestigios de que el hombre habitaba las islas desde 8.500 años a. C. cuando la navegación no existía y los recursos marítimos eran tan escasos, la respuesta la tuve a la vuelta cuando vi que desde la costa de Escocia visualmente se puede ver muy a mano la isla más cercana llamada “Hoy”, entonces era fácil imaginar que una pareja de hombres y mujeres pudieran cortar dos árboles y unirlos y con la ayuda de las corrientes marinas llegar al paraíso y de esa forma poco a poco se fueron habitando las islas.

Las gentes que ocupaban las islas antes de la llegada de los Noruegos se llamaban Pictos, eran tribus que ocupan el norte de Escocia y qué Ptolomeo ya citaba en sus viajes y en su mapa del mundo y los denominaba así por sus tatuajes otorgándoles el nombre de Pictia o Pictavia, era un pueblo muy fuerte y trashumante en contacto permanente con la tierra debido a que eran granjeros y se dedicaban a la cría de ganado en una zona geográfica muy difícil por las adversidades climatológicas.

Estas tribus se mantuvieron en las islas Orcadas pese a la llegada del cristianismo a Escocia pero sucumbieron con la llegada de los noruegos, se dice que cuando llegaron a las islas pudieron matar a todos los hombres y utilizar a las mujeres para crear una raza superior fruto de la mezcla de una gente adaptada a la tierra y la cabeza de un pueblo vikingo expansionista y superior tecnológicamente.

Sin darnos cuenta estamos atracando en el puerto Stromness, salgo a la cubierta para hacerme una idea del tamaño y las posibilidades de la pernocta, en el extremo oeste de la ciudad se encuentra un pequeño campesite, en estos momentos hay cuatro autocaravanas, imagino que no debe de ser nada caro pero preferimos intentar ver la posibilidad de la pernocta libre. Nada más salir damos una vuelta para ver donde es posible la pernocta pero no encontramos nada que nos parezca bien. Pensamos en seguir camino hasta la capital donde se anuncia que hay un área de autocaravanas, estamos a unos 12 kilómetros de Kirkwall y sin más pensarlo nos trasladamos hacia allí.

La información que aparece en las páginas de Internet indica qué el área de servicios Parking Kirkwall Accès/adresse: 18 Pickaquoy Road KW15 1RP Kirkwall, tiene para vaciar y llenar, se puede dormir. Las coordenadas GPS N 58.98408 // W 2.97241.

En veinte minutos estamos en la misma puerta, nos hemos dados de bruces con el camping de Kirkwall, en realidad se llama Orkney Caravan Park quizás la información que aparece en Internet es un tanto interesada, decidimos marcharnos, aunque nos queda la duda del precio y si se puede utilizar como área de servicios.

No hay mucho problema porque pegado al mar encontramos un pequeño parking que esta ocupado por una autocaravana y hay hueco para otras cuatro o cinco. No hay ninguna señalización que impida el aparcamiento y menos la pernocta. Se trata de un autocaravanista británico, que por cierto, casi todos los que pernoctan fuera de los campings me he dado cuenta que son gente mayor y con autocaravanas entradas en años. Esta familia inglesa está aparcada de cara al mar para disfrutar de las vistas pero nosotros tenemos que hacerlo al contrario para dejar el voladizo sobre el césped y que no sobresalga la autocaravana en exceso.

El parking para autocaravanas en la ciudad de Kirkwall (Islas Orcadas), se encuentra situado en una calle sin salida entre las calles Grainshore Rd. y Ayre Rd. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 58.98593 // W 2.96915 .

La noche en el lugar es perfecto hemos estado tranquilos con el ligero sonido de las olas sobre la costa, hasta bien entrada la mañana que llegaron unas máquinas de limpieza llevándose todas las basuras de la calle y de las papeleras.

Durante la noche hemos tenido oportunidad de ver las estrellas desde este punto tan al norte en el mismo paralelo que la ciudad de Stavenger en Noruega. Una de las posibilidades al viajar en invierno hasta Escocia es poder ver las famosas Auroras Boreales. Los británicos las conocen como “Merry Dancers” y sin duda alguna, el mejor lugar del Reino Unido para verlas es Escocia. La costa Caithness y las Islas Orcadas constituyen algunos de los mejores puntos de observación junto con Shetland y las Hébridas Occidentales. Todos ellos son enclaves con bajos niveles de contaminación lumínica debido a la escasa densidad de población.

La población de Kirkwall es un nudo de comunicaciones de los ferrys con las distintas islas más pequeñas de las Orcadas y con el archipiélago de las islas Sherland uniendo su capital Lerwick, hay tres ferrys a la semana y el trayecto tarda 7 h 45'.

Verdaderamente el aspecto de la ciudad Kirkwall es el de cualquier población de Noruega, quizás influya mucho la luz, el color del verde del suelo y sobretodo el color del mar y los cielos.

Estamos situados a las afueras de la ciudad pero esto no es impedimento para llegar sin problemas hasta la Catedral , siempre somos guiados por su torre negra que domina el horizonte, enseguida llegamos a la calle Broad Street. El horario de visita a la catedral es de 9,00 a 18,00 horas, la entrada es gratuita.

La catedral de San Magnus es un buen ejemplo de la arquitectura románica fue construida por los obispos de Orkney cuando las islas fueron gobernadas por el nórdico Earls de Orkney (conde de Orkney). Es propiedad no de la iglesia sino del municipio escocés de Kirkwall como resultado de un acto firmado por el rey James III de Escocia después de la anexión de las Orcadas por la corona escocesa en 1468. Es la única iglesia del Reino Unido que tienen una mazmorra conocida como Marwick's Hole, entre el muro sur del coro y la capilla del brazo sur del transepto.

La construcción de la catedral comenzó en 1137 por orden de el Conde Rognvald-Kali –era el sobrino del Conde Magnus– quien fue martirizado, luego se fueron añadiendo elementos a lo largo de los siguientes tres siglos. El primer obispo fue Guillermo el Viejo, cuando la diócesis estaba bajo la autoridad del arzobispo de Nidaros en Noruega. Fue el Obispo William quien siguió la obra a la vez que el cercano Palacio del Obispo .

El Conde Magnus heredó el condado Nórdico de las Orcadas junto con su primo el Conde Haakon Paulson. Más tarde surgieron diferencias entre ellos y en un intento por reestablecer la paz, en el año 1116 acordaron que se encontrarían en la isla de Egilsay –situada a unos 12 km al Norte de la Isla de Mainland–; el conde Haakan rompió el acuerdo de solo llevar un barco cada uno y llegó con 8 embarcaciones llenas de hombres. El Conde Magnus fue atrapado y condenado a muerte en lugar de ejecutarlo Haakon, mandó a uno de sus cocineros que lo hiciera, Magnus fue martirizado para garantizar la paz en las Islas Orcadas. Las historias y las leyendas que hablaban de la santidad de Magnus crecieron cada vez más, y cuando Rognvald-Kali ganó el Condado de las Orcadas al hijo de Haakon en la década de 1120, le habían aconsejado buscar la protección divina de su tío el mártir y así prometió construir una gran iglesia de piedra en su memoria si tenia éxito en su empresa. Magnus y Rognvald fueron canonizados y sus restos yacen en la catedral, en la parte del coro.

La catedral románica fue atribuida a los albañiles ingleses que habian trabajado en la catedral de Durham. La mampostería de piedra es de arenisca roja de la cantera que estaba cerca de Kirkwall y arenisca amarilla de la isla de Eday, alternando unas piedras de cada isla se consiguió un aspecto de un tablero de damas para dar un efecto de policromía.

El edificio fue completado durante el siglo XII, momento en que la catedral original tenía tres naves que desembocan en un gran ábside, las dos colaterales más estrechas, la cabecera es un ábside similar al de Durham. La fachada Oeste del edificio debía de tener dos torres gemelas de 9 metros del frente actual. En el siglo XIII la iglesia es ampliada hacia el Este y se creó lo que ahora es la capilla de San Rognvald, no obstante, la piedra de la capilla actual está más labrada que aquella del edificio original, aunque el estilo sobrio se ha mantenido.

La parte más reciente de la catedral es el extremo Oeste del edificio, aunque existe un debate sobre si lo es la parte inferior de la fachada, ya que no se sabe si esta entrada del siglo XIII formó parte alguna vez de la fachada antigua o si estaba erguida y aislada del resto del edificio y después se incorporo a la iglesia a finales del siglo XIV o principios del siglo XV.

Cuando la catedral estaba lista para la consagración de las reliquias de San Magnus. En 1917, se encontró una cavidad oculta en una columna, que contiene una caja con los huesos, incluyendo un cráneo que muestra una herida consistente con un golpe de un hacha.

A finales del siglo XII y principios del siglo XIII, el edificio se amplió al este con nuevas bóvedas. La reforma protestante en 1560 tuvo un efecto menos dramático en la catedral de San Magnus que en algunas otras partes de Escocia, pero la Iglesia había escapado por los pelos en 1614 de los levantamientos. Las fuerzas gubernamentales que suprimen una rebelión, habían asediado y destruido el castillo de Kirkwall y la intención era de destruir la Catedral de San Magnus, los rebeldes se habían escondido en el interior. El obispo intervino para evitar que lleven a cabo este plan.

En el siglo XX se sustituye el último tramo de la torre haciendo una nueva con una aguja revestida de láminas de cobre. Como resultado, la catedral de hoy se ve mucho más por la torre original que fue alcanzada por un rayo en el siglo XVII. La restauración y renovación por obras en el edificio sigue actualmente , y con mayor urgencia porque fue descubierto en la década de 1970 que el extremo occidental de la catedral estaba en peligro de colapsar del resto de la estructura.

El interior de la Catedral destaca los enormes y sobrios pilares de las naves, en el extremo Este hay un bello ventanal del siglo XIII con vidrieras de inicios del siglo XX. Al otro lado esta la ventana Oeste que data de finales del siglo XIV y principios del siglo XV, los vitrales fueron colocados en 1987 en conmemoración del 850 aniversario de la catedral.

En las paredes de las naves laterales hay muchas tumbas y otros objetos que evocan “la muerte” como: ataúdes, relojes de arena, cráneos y otros huesos humanos . La nave lateral Norte contiene una señal de madera colgada llamada “Mort Bord”, se trata de un monumento curioso que se puede encontrar colgado en el pasillo norte de la nave. Está construida de madera y tiene una inscripción y con la imagen de la muerte. En este caso la muerte se muestra como un esqueleto cubierto y en el lado opuesto hay una inscripción dedicada a Robert Nicolson. La inscripción explica que su cuerpo se encuentra debajo de la piedra y que dejó una esposa. La Mort Brod data del siglo XVII y se utilizaron para enterramientos hasta mediados del siglo XIX.

El crucero esta cubierto por una torre gótica temprana modo de linterna, donde podemos ver una serie de argollas metálicas clavadas a la pared, eran usadas por las caballerías inglesas en 1651 para atar sus caballos.

En la esquina donde se encuentra la nave trasversal sur y en la parte sur del coro se observa una ventana ciega. Se cree que, hasta finales del siglo XVII, el espacio que había detrás de la ventana se usaba como calabozo o lugar de castigo. Aquí se encontraron una serie de esqueletos en el siglo XIX.

En la nave trasversal Sur hay un rosetón fue construido con una cantería multicolor. En la nave transversal Norte se encuentra una vidriera dedicada a San Magnus, en ambas naves transversales hay capillas del siglo XIII, las cuales se usan ahora como sacristías.

En el coro destaca la carpintería del Órgano, fue construido entre 1920-1925, en el cual esta decorado con representaciones al primer obispo William the old (Guillermo el viejo), el obispo Bjarni Kolbeinson y San Magnus junto con el fundador San Rognvald.

Los restos de San Magnus se encuentran en el coro suroeste y los de San Rognvald en el coro noreste, se hallan en pilas de piedras enormes, los cuales fueron colocados en este lugar durante el siglo XIII.

El presbiterio, ahora es la capilla de San Rognvald donde se localiza la representación del santo, aun lado esta la del obispo William I y al otro el padre de San Rognvald. También hay dos cruces de medallón para la consagración que originalmente se encontraban en el coro. En la parte alta se puede ver un ventanal del siglo XIII con vidrieras del siglo XX.

En la capilla se hallan los monumentos al Sr. John Rae, el explorador al Ártico y el de William Balfour Baikie, misionero y explorador. También hay una pila bautismal moderna construida con piedra local.

La estatua de madera es una copia de la estatua de piedra de San Olaf, el Santo Patrón de Noruega, de la Catedral de Nidaros, en Trodheim.

Enfrente de la catedral están los restos de antiguo palacio del Obispo de Kirkwall. Era la residencia del obispo, Guillermo el Viejo de Noruega, bajo la iglesia católica se elimino la autoridad del arzobispo de Nidaros (Trondheim). En la actualidad está arruinada la estructura y más bien parece un pequeño castillo.

Originalmente, se cree que han sido como un típico palacio Real de Noruega, con una gran sala rectangular por encima de los trasteros y una casa de la torre como la residencia privada del obispo. El rey Haakon IV de Noruega, que pasaba el invierno después de la Batalla de Largs, murió aquí en 1263, marcando el final de los nórdicos como señores de las Islas Orcadas. El palacio descuidado cayó en ruinas por 1320.

En 1468, Orkney y Shetland fueron dados como aval por Christian I de Dinamarca y Noruega para el pago del casamiento de su hija Margaret, prometida a James III de Escocia, y como el dinero, nunca se llegó a pagar, las islas se anexaron a la Corona de Escocia. En 1526, el palacio estuvo poco tiempo en la posesión de William, Señor Sinclair, antes de que se le ordenara regresar al Obispo de Orkney. Cuando el rey Jaime V de Escocia visitó Kirkwall en 1540, él guarneció sus tropas en el palacio y en el Castillo de óirkwall. Poco después, una amplia restauración fue iniciada por el obispo Robert Reid, fue el último obispo medieval de las Orcadas que también fundó la Universidad de Edimburgo.

La propiedad pasó a Robert Stewart, primer conde de las Orcadas, en 1568, y luego a su hijo Patrick Stewart, segundo conde de Orkney que planeó para incorporarla en su Earl Palace, Kirkwall, pero las deudas lo obligaron a regresar al Obispo James Law. Hijo del conde Patrick Robert.

Desde aquí marchamos al Museo de Orkney, se encuentra situado enfrente de la catedral, en la calle Broad Street; en el edificio que se denomina Tankerness Casa; el horario es de lunes a sábado de 10.30 a 17.00 horas; la entrada es gratuita.

El Museo Orkney cuenta la historia de la vida en las islas Orkney, desde la Edad de Piedra, pasando por los pictos y vikingos, hasta nuestras fechas. La colección del museo es de importancia internacional y cuenta con un programa de exposiciones temporales cambiante.

El Museo Orkney está abierto en la casa de Tankerness. Construida hace tres siglos, esta casa era el hogar de la familia de Baikie Tankerness, cuya sucesión dio nombre a la casa. Se abrió como museo en 1968. La Biblioteca y sala de dibujo Baikie le da al visitante una idea de cómo la casa se veía cuando era una casa de familia.

Las alas norte y sur de la casa eran originalmente usadas como residencias para el clero de la catedral. Después de la reforma fueron comprados por Gilbert Foulzie, el primer ministro protestante, que en 1574 construyó el arco de entrada que lleva su escudo de armas.

La colección comprende una serie de objetos que tratan de mostrar como era la vida en las islas durante más de 6000 años. Cada sala representa una época de la historia de las islas desde la edad de piedra hasta el día de hoy.

En la sala nº 4 se pueden ver una serie de piedras simbólicas que hablan de la raza de los Pictos. El nombre por el que los pictos se llamaban a sí mismos es desconocido. La palabra griega picti (picti en latín) aparece por primera vez en un panegírico escrito por Eumenio en 297 a. C. y que significa “los pintados” o “los tatuados”. Sin embargo, podría deberse a una etimología popular anterior, quizá del celta Pehta, Peihta (luchador).

Los pictos eran granjeros que habitaban en pequeñas comunidades que vivían de la agricultura y sobre todo de la ganadería: los vacunos y los caballos se consideraban un signo principal de riqueza y prestigio y había gran cantidad de ovejas y cerdos. Los topónimos sugieren que la trashumancia era una práctica común. Los animales en general eran pequeños para los estándares posteriores, pero los mejoraron al contactar con otros pueblos: los caballos de Gran Bretaña se importaban a Escocia e Irlanda para cruzarlos con los nativos y acrecentar su tamaño. De fuentes irlandesas nos ha llegado que la élite solía competir en cría de ganado por el tamaño de las reses y no hay razón para no pensar que los pictos hicieran lo mismo.

En la Sala nº 5 esta dedicada a la época de los Vikingos donde se exponen numerosos objetos como una bellísima placa hecha de hueso de ballena. Procedían de Noruega y pronto sometieron a las poblaciones de las islas Hébridas, la Isla de Man, Islas Orcadas y Shetland.

En la Sala nº 6 Se exponen la caja que contuvo los huesos de San Magnus y estuvo en un pilar de la Catedral. El santo fue martirizado, el conde Hakon ordenó a su abanderado llamado Ofeig, para que ejecutase al conde, pero el guerrero se negó airadamente.

Enfurecido, Hakon se volvió a su cocinero, Lifolf, y le dio instrucciones para matar a Magnus.

De acuerdo con la historia, Lifolf lloró en voz alta, pero Magnus se dirigió para darle unas palabras de consuelo y le perdonó de los actos que debía de llevar a cabo: “No temas, para hacer esto en contra de tu voluntad, a él le obligan más pecados que a ti”.

Así Magnus se arrodilló ante Lifolf y pidió ser golpeado con fuerza en la cabeza, en lugar de decapitado como un criminal común: “Ponte tú delante de mí, y golpéame en la cabeza una gran herida, ya que no es correcto decapitar a los jefes como si fueran ladrones. ¡Ánimo, pobre infeliz, porque he orado a Dios por ti, para que Él tenga misericordia de ti. Lifolf dio el golpe y se escindió el cráneo del conde en dos.

La sala nº 7 presenta una exposición que nos demuestra como era la vida en las islas durante el siglo XVIII muchas veces llena de algunos avances pero se advierte la existencia de muchas carencias frutos de su aislamiento.

La sala nº 8 presenta una serie de objetos como trajes rurales y aperos de labranza de una gente que siempre ha estado unida a la tierra.

La sala nº 9 se exponen una serie de fotografías históricas que nos muestran como era de dura la vida en aquella época.

La sala nº 10 se exponen una serie de objetos como un fragmento de la escuela, juegos de niños.

La sala nº 11 se exponen un enorme mapa corresponde con una copia del último plano artesanal efectuado sobre Escandinavia y Escocia, se presenta sobre una de las chimeneas de la antigua casa.

La sala nº 12ª se presentan un ejemplo de cómo era la vida en una de las casas burguesas de Kirkwall con muebles de estilo ingles y numerosas decoraciones sobre las paredes.

Aquí damos por finalizada la visita a Kirkwall capital de la Isla de Mainland. A nuestro regreso al parking nos damos cuenta que ha llegado un remolque y está preparando comida callejera, en la isla veremos muchos ejemplares de Food Trucks, con perritos calientes, hamburguesas de todo tipo de carne y patatas fritas. Por el olor nos sumamos a ellos y desayunamos cuatro hamburguesas con patatas a un precio de 9,80 libras, las cuatro. La verdad no esperéis carne de ternera porque era de salchichas pero se podían comer.

Enseguida partimos de Kirkwall por la carretera A961 en dirección a Burwick. En los primeros kilómetros hacemos una parada porque vemos una granja que tiene las famosas vacas escocesas se denominan “The Higland Cow” o vaca de las tierras altas, es utilizada para la producción de carne, a finales del siglo XIX se internacionalizó porque fueron llevados algunos ejemplares de esta raza a Norteamérica. Actualmente vive también en Holanda, Escandinavia, Argentina o Alaska.

La primera vez que se menciona esta raza escocesa es en el siglo VI, tiene unos cuernos largos, su color predominante es rojizo y rubio con una nariz muy marcada y de color negra, tiene un pelo largo que la protege del frío y le hace muy difícil su supervivencia fuera del ambiente gélido del norte de Escocia. Los grandes machos llegan a pesar 800 Kg. y las hembras sobre 500 Kg.

Su leche es sumamente grasienta lo que la hace muy apreciada para la mantequilla, y su carne, es considera como de altísima calidad por su bajo contenido en colesterol.

He de decir que ahora no es fácil verlas en las granjas de cría porque el mercado de la carne ha bajado mucho el precio aunque se ha hecho una sociedad estatal que controla tanto las ventas como la cría y que trata de desarrollar su crianza bajo una economía de mercado, pero mucho me temo que la gente cría este ganado como una especie de reivindicación nacionalista por personas que no tiene muchos problemas económicos y ponen una vaca en sus posesiones como un ejemplo de imagen nacionalista.

La característica que mejor la define es por la melena de su cabeza, es considerada la más larga de cualquier raza de ganado, proporciona protección contra el frío del invierno. Su habilidad en la búsqueda de alimentos les permite sobrevivir en las zonas montañosas escarpadas donde pastan y se alimentan de plantas que evitan muchos otros ganados. Pueden cavar a través de la nieve con sus cuernos para encontrar plantas enterradas.

Ya he mencionado que el cambio de ferry nos ha trastocado todas las previsiones de las visitas a las islas previstas y la forma de hacerlo, así que lo que vamos hacer es atravesar todas las islas hasta la zona más al sur y empezar el recorrido desde ese punto en sentido contrario.

Partimos desde la isla de Mainland para pasar por la pequeña isla Lamb Holm esta se une a la isla de Glims Holm, después pasamos por la isla de Burray y por último salvando un puente llegamos a la isla de South Ronaldsay, estas cuatro ultimas desde principios del siglo XX están conectadas por carretera por lo que no es necesario coger el ferry, se crearon en 1940 una serie de barreras con piedras que se las llamaron “Barreras de Churchill” que unieron la isla grande con las cuatro más pequeñas del sur.

La unión de las islas vino dada por la necesidad de crear principalmente unas defensas navales para proteger el anclaje en Scapa Flow –es un fondeadero conocido sobre todo por haber sido el emplazamiento de la principal base naval del Reino Unido durante la Primera y Segunda Guerras Mundiales–, pero ahora sirven como vías de comunicación, que lleva la carretera A961 desde Kirkwall a Burwick.

El proyecto de construcción de 2,5 Km. de barreras y calzadas necesitaría una importante mano de obra que Escocia no disponía y que alcanzó su punto máximo en 1943 a más de 2.000 empleados.

Gran parte del trabajo fue proporcionado por más de 1300 prisioneros de guerra italianos que habían sido capturados en la guerra del desierto en el norte de África, y fueron transportados a Orkney a principios de 1942. A medida que el uso de mano de obra por prisioneros de guerra fue prohibida por las Convenciones de Ginebra, aunque los trabajos fueron justificados como “mejoras” de las comunicaciones relativas en las Islas Orcadas del Sur.

Las carreteras por las islas Orcadas son relativamente buenas con un ancho para dos vehículos, bien pintadas y asfaltadas. En este aspecto se ve que las islas han abandonado la concepción que tiene el resto de Escocia sobre las comunicaciones y apuestan por el desarrollo basado en la mejora de las carreteras. Aunque en determinados lugares quedan vestigios de las carreteras de ancho para un solo vehículo, pero en líneas generales se puede ir por todas las islas sin el corazón encogido de encontrarte empotrado con otro vehículo.

Las islas son relativamente llanas y destacan por la falta de árboles, lo que nos hace pensar que los inviernos tienen que ser muy ventosos. El paisaje básicamente es una enorme pradera verde delimitada por inmensos cercados donde se crían, básicamente, ovejas y vacas.

Entender este tipo de paisaje es difícil pero básicamente esta parte del planeta estuvo aislada y cubierto de hielo, según se elevaron las temperaturas las plantas pioneras llegaron desde el sur y el suelo bajo fue pronto alfombrado con una rica cobertura herbácea, se indica que el paisaje actual se configuro definitivamente desde hace 5000 años con la llegada del hombre lo que supuso la tala y el exterminio de los árboles para el aprovechamiento del suelo en la agricultura y el pastoreo de animales.

En la actualidad se pueden ver enormes praderas de helechos mezclados con herbáceas y líquenes que crecen sobre una alfombra de turba con el dominio del brezal formando un páramo inmenso.

El paisaje se nos asemeja al que vimos al pasar por Finlandia: el verde del suelo, el azul del cielo y de los lagos, si quitamos los enormes pinares que puedes ver en Finlandia estaríamos en el paisaje que contemplamos en las islas Orcadas.

Nada más atravesar las islas más pequeñas podemos ver flotando sobre Scapa Flow una plataforma petrolífera que confirma que estamos ante la nueva economía del Reino Unido y es la explotación petrolífera de sus mares.

Las riquezas del Mar del Norte extienden en el subsuelo de estas islas donde además se encuentran una cuarta parte de las reservas de petróleo, más la posibilidad de producir energía marina que podría abastecer por sí misma la vasta extensión de los Highlands.

Durante el pasado referéndum para la independencia de Escocia del Reino Unido un sentimiento nacionalista se apoderó de las Islas de Norte. Si Escocia se independiza de Gran Bretaña, las Orcadas y las Shetland podrían “independizarse” de Escocia... La amenaza la formulan a dos voces de los partidos liberal-demócratas, que han decidido jugar fuerte en el referéndum y plantarle cara al primer ministro escocés.

Desde que el petróleo fue descubierto y comercializado en los años 70, y gracias a la influencia ejercida por otro liberal-demócrata, las islas del norte se han beneficiado de un fondo de compensación de más de 400 millones de euros por la extracción de petróleo negociado en su día con Londres. Los isleños quieren seguir teniendo ese privilegio o mejorarlo si cabe, aprovechando las circunstancias políticas actuales.

En el trayecto que hemos hecho nos podemos dar cuenta que las islas Orcadas no hay árboles. Son llanas, excepto la isla de Hoy, donde los campos tiñen el paisaje de variados colores: verdes, naranjas, amarillos y rojizos que van cambiando según la suavidad de la luz, y que se ofrece al viajero como un cuadro multicolor que sorprende la retina.

Después de recorrer por carretera las cuatro islas mencionadas llegamos hasta el extremo más al sur en la isla South Ronaldsay donde se encuentra la tumba de las Águilas, aparcamos en el parking habilitado. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N58.73910// W2.93038 .

Hay un centro de visitantes; el horario: abril a septiembre 9.30 -17:30 h.; el precio de entrada es de: Adultos £ 7.50 y Niños: hasta 13 años 3,50 £.

El centro de visitantes ofrece un recorrido virtual para que te hagas una idea de la escala y el contenido de las Tumbas de las Águilas. Corresponde con la excavación de dos lugares que tuvieron mucha actividad durante la Edad de Piedra y la Edad del Bronce y destaca por la forma en que fueron excavados. Único entre los sitios arqueológicos en Orkney, los visitantes pueden manejar realmente algunos de los artefactos de 5.000 años de antigüedad que fueron encontrados en la tumba.

La Tumba de las Águilas fue descubierta una noche de verano en 1958, por un agricultor de las Orcadas, Ronnie Simison notó una serie de piedras horizontales expuestas cerca de los acantilados de arenisca que bordean su tierra de cultivo. Al excavar al lado de la pared de piedra seca, se encontró con una serie de objetos preciosos pulidos - una cabeza de maza, tres cabezas de hacha de piedra, un "botón" negro y un pequeño cuchillo de piedra caliza. Este descubrimiento casual cambió la vida de Ronnie y su familia para siempre, y dio lugar a la creación de una de las atracciones turísticas más importantes del Orcadas.

Ronnie regreso a los pocos días después de su descubrimiento inicial, se sorprendido cuando descubrió una pequeña cámara de piedra que contiene alrededor de 30 cráneos humanos.

Lo que tenía en un principio pensó que podría ser un cementerio se confirmó más tarde que podría tener una antigüedad de unos 5000 años y era una importante tumba neolítica o de la Edad de Piedra.

Junto a los huesos humanos había unas garras y huesos de unas 14 águilas de cola blanca. El sitio llegó a ser conocido como la “Tumba de los Eagles”, y plantea muchas preguntas acerca de la importancia de estas aves en la vida de la gente que vivía aquí.

Desde esta parte tan al sur de la isla South Ronaldsay iniciamos nuestro regreso de isla en isla hasta el norte por la carretera A961, pasamos por una de las poblaciones de la isla, se trata de Burwick es un pequeño pueblo con un puerto. Es el más cercano puerto de todas las islas Orkney a la parte continental de Escocia. Tiene una línea especial con un ferry exclusivo de pasajeros que opera en el verano desde John o'Groats en Caithness, luego hay un autobús que te lleva hasta Kirkwall, es una de las travesías que más utilizan los tour operadores para las excursiones de un día por las islas.

El nombre fue registrado por primera vez hacia 1225 como “Bardvik”, derivado del antiguo nórdico Vík bar, que significa "bahía de la extremidad", por su posición cerca del punto más meridional de la isla.

La iglesia de Burwick es lo mas destacado de la zona, fue construida con una sola nave con piedras de lajas donde no se ve ningún ventanal, esta rodeada de tumbas que la confieren una imagen un tanto especial.

El paisaje de la zona es de una isla muy despoblada con muchas granjas de gran extensión de terreno, donde destaca el verde de la alfombra de césped que se extiende por todo el suelo.

Es el paraíso para las vacas, las hay de todos los colores y razas, también encontramos una de las granjas que se dedican a la cría de ocas y faisanes. Entre granja y granja los agricultores dejan un espacio que sirve de camino para poder ir andando hasta otras partes de la isla.

Llama la atención que en toda la isla no encuentras un solo árbol, es posible que la acción del hombre sea una de las consecuencias directas al dedicar las tierras al cultivo y al pastoreo, siendo reemplazos por una pradera de hierba, esto esta certificado porque se han descubierto muchos vestigios con carbón de leña, aunque se ha podido sugerir que la madera encontrada corresponde de sedimentos que llegaban a las costas procedente del continente. Los brezales y la manta de turba son uno de los efectos cambiantes del paisaje.

Nos ponemos en marcha hacia el norte, en estos momentos somos los dueños de la carretera porque no encontramos a nadie. Pasamos por las inmediaciones de la ciudad de St. Magaret's Hope es la más poblada con unos 550 habitantes y se convierte en el tercer mayor asentamientos de las islas Orcadas después de Kirkwall y Stromness.

Santa Margarita es conocida también con el nombre de La Esperanza , recibe el nombre porque pudiera haber muerto allí, o St. Margarita, reina de Escocia, era la esposa de Malcolm III. La última explicación es sugerida por los mapas de Ordnance Survey Victorian que muestran el antiguo emplazamiento de una capilla paleocristiana dedicada a Santa Margarita.

Seguimos nuestro camino hasta la isla de Burray para llegar cogemos el puente nº 4 del plan llamado Churchill Barriers. Las barreras se construyeron en la década de 1940 principalmente como defensas navales para proteger el anclaje en Scapa Flow, pero ahora sirven como vías de comunicación, que lleva la carretera A961 desde South Ronaldsay hasta la isla de Burray.

Las bases de las barreras se construyen a partir de gaviones que encierran 250.000 toneladas de roca quebrada, extraídas desde canteras en Orkney. Los gaviones se dejaron caer en su sitio con unas instalaciones de cables aéreos sobre el agua de hasta 59 pies de profundidad. Las bases se cubrieron entonces con 66.000 bloques de hormigón construidos con roca local de entre cinco toneladas y diez toneladas. Los bloques de cinco toneladas se colocaron en el núcleo, y los bloques de diez toneladas fueron dispuestos en los lados en un patrón aleatorio para actuar como ondas de choque del mar.

La mayoría de la isla de South Ronaldsay está explotada por granjas dedicas a la cría de ovejas, la única población es Burray tiene unas 75 casas y un censo total de toda la isla de unas 400 personas.

En pocos kilómetros tomamos otro de los puentes que unen las islas, llegamos al nº 3 del plan llamado Churchill Barriers, este une la isla de Burray con el pequeño islote de Glimps Holm, esta desahabitado y guarda en sus costas unas magnificas playas de arena blanca, la isla tiene una superficie de poco más de 55 hectáreas.

Más adelante llegamos a otro de los puentes, se trata del nº 2 del plan Churchill Barriers, este une el islote de Glimps Holm con el islote de Lamb Holm, este trozo de tierra es aún más pequeño y tiene unas 40 hectáreas. Esta barrera pavimentada es mucho más corta y en uno de sus lados se ven los mástiles de antiguos barcos naufragados. La isla esta considerada como habitada pero no por ningún residente permanente.

De regreso hacia el norte hacemos una parada en la pequeña isla para visitar la Capilla Italiana , está en un paraje donde puedes pernoctar . Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 58.88982 // W 2.89019 .

La visita a la capilla italiana, fue construida por prisioneros de guerra italianos durante la Segunda Guerra Mundial, la ornamentada capilla italiana es ahora la principal atracción de la isla.

En 1942, más de 1.300 prisioneros de guerra italianos fueron capturados en el norte de África y llevados hasta las Islas Orcadas, donde permanecieron hasta principios de 1945. Unos 550 fueron llevados al campamento nº 60, en el que se pusieron a trabajar en la construcción de las Barreras de Churchill, cuatro calzadas creados para bloquear la entrada del mar a la base militar de Scapa Flow.

En 1943, el mayor TP Buckland, nuevo comandante del campo número 60, y el padre Giacombazzi, sacerdote del campo se pusieron de acuerdo en que era necesario un lugar de culto. Dos chozas de metal se unen entre sí para formar una capilla improvisada. Los presos, bajo la dirección del prisionero Domenico Chiocchetti, hicieron todo el trabajo para transformar una estructura de hierro corrugado simple en una obra de belleza. La capilla estaba llena de yeso y el altar estaba hecho de hormigón. Chiocchetti fue el encargado de pintar el santuario de la capilla. La belleza que él creó condujo a los prisioneros que decoran todo el interior y la creación de una fachada frontal de hormigón que ocultaba la forma de la cabaña y hacía que el edificio pareciese una iglesia.

Desde la partida de los prisioneros, varios residentes del campo de 60, incluyendo Chiocchetti, han regresado para poder ver la capilla que habían creado. En 1996, una declaración fue firmada conjuntamente por funcionarios de Orkney y la ciudad italiana de Moena de donde era originario Chiocchetti, reforzando los lazos entre los dos lugares. El edificio ha sido cuidadosamente preservado y todavía se utiliza como una capilla.

Salimos en dirección norte, enseguida llegamos al puente nº 1 del plan Churchill Barriers, comunica el islote de Glimps Holm con la isla grande de Mainland. Ahora vamos a visitar los yacimientos arqueológicos. Circulamos por la A 965 en dirección a Stenness, unos kilómetros antes de llegar nos desviamos a la derecha por la B 9055.

Primeramente nos detenemos en una pequeña ampliación de la carretera para poder ver el conjunto megalítico de Stoness of Stenees. Se encuentra situada en la carretera secundaria B9055 a cinco millas al noreste de Stromness. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 58.9936128 // W3.2088369 .

Las Rocas de Stenness es un monumento Neolítico, puede ser el más antiguo Henge –la palabra refiere a un tipo particular de movimiento de tierras de la época neolítica, que suelen consistir en un banco con forma circular u ovalada con una zanja interna que rodea una zona central plana de más de 20 metros de diámetro. Normalmente hay poca o ninguna evidencia de ocupación en un Henge, aunque pueden contener estructuras rituales tales como círculos de piedra, círculos de madera y calas– de las Islas Británicas. Diversas tradiciones asociadas con las piedras sobrevivieron en la era moderna y forman parte del Núcleo Neolítico de las Orcadas como Patrimonio de la Humanidad.

Las piedras que todavía se mantienen en pie están situadas en un promontorio en la orilla sur del río que une los extremos meridionales del mar Loch de Stenness y el agua dulce del lago de Harray. El nombre, que se pronuncia stane-es en el dialecto de las islas Orcadas, proviene del nórdico antiguo que significa punta de piedra. Esta zona tiene importantes yacimientos monumentos neolíticos en las proximidades, lo que sugiere que esta zona tenía una importancia especial en la vida de los primeros habitantes .

El monumento carece de la zanja que rodea el banco, seguramente por la acción del hombre y de la agricultura , pero las excavaciones han demostrado que esto solía ser un monumento Henge, posiblemente el más antiguo de las Islas Británicas. Las piedras son losas delgadas, de aproximadamente 300 mm de espesor terminadas en ángulos. Cuatro de ellas, tienen aproximadamente 5 metros de altura, originalmente las piedras formaban un círculo de piedra de hasta 12 piezas, describiendo una elipse alrededor de 32 metros de diámetro sobre una plataforma nivelada de 44 m de diámetro, rodeado por un foso. La zanja se corta en la roca antes de los 2 m y es de 7 m de ancho, rodeado por un banco de tierra, con una sola calzada de entrada en el lado norte. La entrada mira hacia el yacimiento Neolítico de Barnhouse Settlement que se ha encontrado al lado del lago de Harray. La piedra del reloj que marcaba el tiempo se encuentra fuera del círculo hacia el norte-oeste y tiene unos 5,6 m de alto. Aunque originalmente tuvo al menos dos piedras allí, al igual que en la década de 1930 se encontró el tronco de una segunda piedra. Otras piedras más pequeñas describen una forma cuadrada en el centro de la plataforma donde se encontraron los huesos incinerados, carbón y cerámica. Esto se conoce como una “chimenea”, similar a la encontrada en Barnhouse, se piensa que el lugar fue construido 3100 antes de Cristo.

En el siglo XVIII el yacimiento se utilizaba para hacer ciertas tradiciones y rituales, relacionados con los dioses nórdicos. Fue visitado por Walter Scott en 1814. Había una piedra, conocida como la “Piedra de Odin” estaba situada en el campo al norte de la Henge, fue perforado con un agujero circular, y fue utilizado por parejas locales para hacer sus compromisos de boda metiendo la pareja la mano por el hueco. También se asoció con otras ceremonias y cree que tienen poderes mágicos. Se había creado una tradición para hacer todo tipo de juramentos o promesas con la mano delante de la Piedra de Odin; esto se conoce como el “voto de Odin”.

En diciembre de 1814 el capitán W. Mackay, un inmigrante recién llegado a Orkney que era dueño de tierras de labranza en las proximidades de las piedras, decidió eliminarlas con el argumento de que la población local allanaba y molestaba su tierra mediante el uso de las piedras en los rituales. Comenzó en diciembre de 1814 por romper la piedra de Odin. Esto causó indignación y fue detenido después de destruir otra piedra y consiguió derribar otra.

La piedra derribada fue levantada nuevamente 1906 haciendo un ejercicio de reconstrucción. En la década de 1970, la estructura del dolmen se derrumbó y dos piedras verticales permanecen en su lugar.

Una imagen de las Piedras de Stenness está presente en la portada del álbum de Van Morrison “La piedra filosofal”, también la piedra de Odin se representa en el álbum de Julian Cope's titulado “Descubrir Odin”.

Seguimos circulando unos kilómetros más adelante por la carretera B9055 hasta llegar al parking habilitado para visitar el Anillo de Brodgar situado en el término de Stenness (Escocia), el lugar es llano y es un buen sitio para pernoctar. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 59.00496// W 3.23174 .

El Anillo o Círculo de Brodgar (en inglés, Ring of Brodgar o Brogar) es una arquitectura Neolítica formada por un círculo de piedra o Crómlech en las Islas Orcadas, en Escocia. El círculo de piedra se encuentra en un istmo entre el lago Stenness y el lago Harray. El centro del círculo nunca había sido excavado, en estos momentos están trabajando en el yacimiento y aunque no ha sido científicamente datado se cree que fue construido alrededor del 2500 a. C., por lo que sería contemporáneo –en sentido amplio– de Stonehenge y de muchos otros restos arqueológicos similares en las islas británicas y en Europa.

El círculo tiene 104 metros de diámetro, y es el tercero más grande del Reino Unido. El monumento originalmente estaba compuesto por 60 piedras, de las que solo 27 se conservaban al final del siglo XX. Las rocas estaban dispuestas alrededor de un foso circular de tres metros de profundidad y nueve metros de ancho que había sido excavado previamente en el suelo de roca.

El área cercana al Anillo contiene muchas otras rocas y apilamientos similares, así como enterramientos prehistóricos, lo que lo convierte en un paisaje ritual importante. Aunque su propósito no es conocido, la proximidad de las Rocas de Stenness y de la tumba de Maeshowe confiere a esta estructura una importancia histórica especial. El Anillo de Brodgar y otros monumentos neolíticos cercanos, entre ellos el poblado de Skara Brae, fueron declarados Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1999.

Las excavaciones realizadas por el Orkney College en la zona cercana del Ness of Brodgar, entre el anillo de piedras y Stenness ha puesto al descubierto gran número de edificios, tanto rituales como domésticos, y sus trabajos sugieren que es probable que haya más en las cercanías. También se han descubierto piezas de cerámica, huesos, herramientas de piedra y una maza de piedra pulida. El descubrimiento más importante es probablemente una pared de piedra de unos 100 metros de largo y seis metros de altura. Parece atravesar toda la península y podría tener un significado simbólico, como barrera entre el mundo ritual del anillo y el mundo cotidiano que lo rodea.

Por la tarde nos acercamos para visitar Skara Brae, el parking esta abierto y si se llega después de las 17,30 no hay nada que impida la pernocta, pero si se pregunta inmediatamente te enviaran al camping. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 59.0482537 // W3.3344874.

Cuando llegamos son las 16,30 horas y nos indican que para ver el lugar se necesitan varias horas, así que preferimos volver mañana.

Para matar el tiempo nos acercamos hasta Kirkwall para dedicar el resto del día en las compras, hay dos grandes supermercados donde acudimos al Tesco y Lidl que se encuentran juntos. El parking utilizado es habilitado por la ciudad para vehículos grandes donde hay un indicativo de prohibido “caravanas”, aunque en esos momentos somos más de diez autocaravanas, quizás ninguno de nosotros no nos reconocemos en el pictograma que ha empleado la ciudad para la prohibición y dudo muy mucho que quieran sancionar o sancionen. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 58.98095 // W 2.96578 .

Después de las compras decidimos pernoctar en el mismo lugar que lo hicimos en la noche anterior, cuando llegamos unas plazas están ocupadas por el remolque de las hamburguesas y en otras por dos coches que si se fueran nos permitirían estacionar sin problemas, uno de los coches saca a sus perros a pasear mientras comienza a llover, otro de ellos contempla el mar como si fuese un tiempo de espera. Nosotros con mucha paciencia pensamos que en algún momento se marcharan y solamente tendremos que ocupar su sitio.

El coche de los perros regresa y se queda esperando el anochecer frente a mar con los perros en el interior del maletero, el coche del hombre solitario da la bienvenida a una pareja que se colocan en la parte trasera, pensamos que aquello durara poco, esperamos una hora y la verdad que no entendemos nada, ya es de noche y nadie se mueve, parece que seamos nosotros los que molestamos, somos capaces de imaginar aquello como una cita. El coche del solitario enciende las luces y pone la calefacción, lo que nos hace pensar que por fin se marcha pero aquello presupone algo mas que no acertamos a comprender.

Ante esa situación preferimos ser nosotros los que se marchen, habíamos echado un ojo a otro parking situado en un pueblo anterior Finstown, se encuentra a unos 4 kilómetros. Partimos en dirección Stromness, donde llegamos en pocos minutos.

Efectivamente el parking es ideal para pernoctar, ponemos nuestro voladizo como la noche anterior, enfrente al mar para poder salvarlo sin problemas, junto a nosotros hay un remolque de hamburguesas y varias máquinas y remolques de construcción.

El parking de autocaravanas utilizado para la pernocta es en la localidad de Finstown, no tiene ninguna señal que impida nuestra maniobra de aparcamiento, ni tampoco la pernocta. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N59.00519 // W 3.11278 .

Ruta: Finstown- Stromness- Scrabster-Ullapool 192 Km.; tiempo estimado 3 h 31'

Por la mañana nada más levantarnos nos dirigimos hasta Skara Brae es un extenso asentamiento neolítico, situado en la bahía de Skaill, en la más grande de las Islas Orcadas.

Para la visita empleamos el mismo parking que ayer, Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 59.0482537 // W3.3344874.

Las entradas al yacimiento hay que pagar la tarifa familiar para 2 adultos y 2 niños por un importe de 22,80 £. El horario es de de lunes a domingo, 9.30 a 17.30 horas.

Skara Brae es un extenso asentamiento neolítico, situado en la bahía de Skaill, en la más grande de las Islas Orcadas. Consta de diez casas agrupadas, y debió estar habitado, aproximadamente, entre el 3100 y el 2500 a. C. Su importancia y su buen estado de conservación han hecho que sea declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco. Está considerado como el poblado neolítico mejor conservado y más completo de Europa.

Hasta 1850, Skara Brae estaba oculto bajo capas de sedimentos acumuladas durante siglos. Entre 1928 y 1930 fue excavado por completo por Vere Gordon Childe, revelando su contenido. Aparentemente, los habitantes primitivos de Skara Brae fabricaban y usaban vasijas estriadas similares a las de otros pueblos británicos. Las casas fueron construidas empleando la técnica de la arquitectura subterránea, utilizando para ello montículos preexistentes de desechos de huesos y conchas. Aunque estos montículos también proporcionaban cierta estabilidad a la casa, su función principal era la de ofrecer aislamiento contra el duro clima de las Orcadas. Estas edificaciones medían unos 40 m2, y constaban de una gran habitación cuadrada con una gran chimenea, que se emplearía para cocinar y como calefacción. Dado que en esta zona apenas crecen árboles, los habitantes de Skara Brae empleaban maderas traídas por la marea y huesos de ballena, recubiertos con paja y hierba, para cubrir sus viviendas.

Las casas también contenían algunos muebles hechos de piedra, tales como armarios, sillas o cajas para almacenamiento. Además el poblado disponía de un sofisticado sistema de canalización que permitía que existiera una variante primitiva de cuarto de baño en cada vivienda. Siete de las diez viviendas tienen una distribución similar, con camas y vestidores situados en lugares casi idénticos. El vestidor quedaba directamente frente a la puerta principal, por lo que sería lo primero que se vería al entrar en la casa.

Una octava casa aparece desnuda de todo mobiliario, y dividida en pequeños cubículos. Es posible que esta casa fuese empleada como taller para la fabricación de herramientas sencillas, como agujas o hachas, ya que durante su excavación se descubrieron restos de piedra, hueso y cuerno.

Curiosamente, este asentamiento también ofrece el primer testimonio de la existencia de la pulga Pulex Irritans en Europa.

Estudios realizados con carbono-14 hacen pensar que Skara Brae estuvo ocupado desde aproximadamente el año 3100 a. C. Hacia el 2500 a. C., momento en que el clima cambió, volviéndose más húmedo y frío, y el asentamiento fue abandonado. Hay diversas teorías que intenta explicar esta desaparición de los habitantes de Skara Brae, pero ninguna ha podido aportar pruebas concluyentes.

Nada más acceder al yacimiento de Skara Brae se puede ver una reproducción de la Casa N º 7 con unos 5000 años de antigüedad. La casa fue excavada por el Catedrático Gordon Childe en 1928. Cuando se encontró ya no tenia tejado. Se excavó la arena y las distintas capas.

La casa esta compuesta de una sola habitación y otra más pequeña llamada Celda que debió de utilizarse como almacén. Sin embargo, se encontraron desagües en algunas celdas del pueblo. Por lo que no se puede descartar que se tratase un baño interior.

A la casa se accede por un pequeño pasillo que comunica con la gran habitación, enfrente , había un gran aparador que originalmente se encontró vacío pero en el interior había piezas de cerámica y huesos quemados. Un foso delante del aparador contenía excrementos. El mueble estaba construido con lajas de piedra canteadas.

A ambos lados, se instalaron dos camas construidas con lamas de piedra para hacer la forma de un cajón. La losa de la cama más cercana al fuego estaba tallada, la piedra central estaba desgastada debido a que la gente subía y bajaba del cajón. Por encima de las camas hay armarios empotrados en la pared .

En el centro de la sala había un hueco, se decía que era la chimenea para lograr una temperatura confortable que consiguiera apaciguar las bajas temperaturas de los inviernos en las Orcadas.

La puerta de entrada original tenía la mitad de la que se representa para evitar las pérdidas de calefacción. La parte superior de la misma fue recortada posteriormente para la gente que vivía en la casa. Se muestra el original del dintel.

La estructura de esta semi cueva estaba cubierta por el tejado, el original era de pequeñas vigas revestidas de césped por el exterior.

La entrada al conjunto de Skare Brain lleva consigo el acceso a una de las casas más importante de toda la isla se llama Skaill House, hay que andar un pequeño camino hasta llegar.

La casa de Skaill House fue construida por el obispo George Grahama en 1620, en la actualidad se exhibe según vivía la familia Scarth en los años de 1950.

La casa fue ocupada por los “lairds” –un término escocés que significa mercader o terrateniente–, cuya renta principal provenía del alquiler de sus tierras. El arrendamiento se podía pagar en especies para poder comprobar los pesos de los productos en la casa hay dos vigas de peso romanas, una es grande y aquí se llamo “Pundlar”, luego hay otra más pequeña que se llamo “Bismars”, de origen nórdico. El pago en especies fue practicado hasta la década de 1850. Además la economía venia como consecuencia del contrabando, la producción de algas y el cultivo del lino.

La finca principal Breckness a la que pertenece Skaill House, ha sufrido sucesivas fases de crecimiento y de declive territorial. Estos periodos han sido atribuidos a la situación económica y el carácter de los Lairds –titulo nobiliario escocés se ubica por debajo de un barón y por encima de un caballero– individuales.

La primera sala de la casa donde accedemos es un gran salón, propiedad del noveno Laird de Breckns William George Thomas Walt, utilizaba esta sala para exponer todas las obras de arte que iba coleccionando. Estaba expuesto como un museo hasta que en 1930 cuando el Coronel Henry William Scarth había heredado la finca, decidió entregar la colección entera al Museo Nacional de Antigüedades de Edimburgo.

El comedor dispone de una pequeña ventanilla en la puerta de entrada por donde eran servidas las comidas sin necesidad de entrar en el salón dotando a la habitación de una gran privacidad.

2º William George Thomas Watt- era el noveno Laird, vivió en la casa con su esposa Mary Barry, esta era nieta del historiador de Okney , y hermana de Robina quien la sucedió.

3º Robert Graham Watt- fue hijo del noveno y décimo Laird. Murió a los 37 años.

4º Teniente Robert Barry- hijo también del reverendo George Barry, fue suegro del noveno laird y bisabuelo del Coronel Scarth, que era el 11 Laird , la obra fue pintada por Stanley Cursiter.

6º Teniente James Barry- era hijo del historiador de las islas Orkney, el reverendo George Barry, la obra fue pintada por Stanley Cursiter.

7º William Graham Watt, séptimo Laird, fue el descubridor de Skara Brae en 1850 después de haberse quedado expuesto de entre las dunas por una tormenta.

9º Reverendo Robert Yule- cuñado de George Barry y ministro de la catedral de St. Magnus.

10º Reverendo Hericus Scharbau- Ministro superior de Lubeck y bisabuelo del Coronel Scarth.

12º Elizabeth Graham Scarth- hija del coronel Scarth, ahora la condesa Temple of Stowe, dibujada a la edad de seis años por A.C Haydon.

13º Señora Balfour de Pilring- fue antepasada del marido de Anne Watt, una hija del séptimo Laird .

Siguiendo por un corto pasillo hay una puerta a la izquierda que te lleva hasta la Biblioteca , este cuarto era antiguamente dos habitaciones que se unieron por orden del Coronel Scarth, quien al mismo tiempo construyó la curiosa ventana redonda cuando instalo el modulo de calefacción cerca de la puerta oeste.

Al lado de la ventana hay un retrato del único hijo de Coronel Scarth Walter qué murió trágicamente a la edad de 14 años en un accidente con un caballo. También se pude ver un bastón de origen nórdico “staff calendar” (bastón calendario) marcado con runas, fue un regalo para el coronel Scarth de Stanley Cursiter.

Encima de la chimenea hay una foto del Coronel Scarth, era el 11 Laird . En la parte baja de la ventana hay un panel marcado con las iniciales M S B y K E inscritos. Estas son las iniciales de las esposas del Coronel Scarth: Mary Beatrix Scarth, quien murió en 1955 y de Kathleen Edgar quien vivió en la casa de Skaill hasta su muerte en 1991.

La siguiente estancia es la Sala Principal. A la derecha estaba la puerta principal a la mansión del Obispo Graham. Está protegida con una barra de seguridad para evitar las entradas no deseadas.

El suelo original era de losas de piedra y se sustituyó en 1930 por suelo de madera de roble, durante las obras aparecieron varios esqueletos enterrados, esto es debido a que se construyó la casa encima de un cementerio.

El armario grande se le conoce con el nombre de Cofre de la Armada. Las figuras grabadas se atribuyen al estilo holandés del siglo XVI con influencia española. Los cuadros provienen de los galeones hundidos en 1558, posiblemente del buque de suministros El Gran Grifón, naufragado en Far Isle.

Al lado del cofre está un escudo de Lubeck fue bordado en 1840 por Hannan Scharbau, tía abuela del Coronel Scarth. Hay un chaleco rojo que perteneció al General George Brown, quien lucho en las guerras Napoleónicas y en Crimea y fue pariente de la esposa del quinto Laird.

En la escalera se pueden ver las banderas del Primer Batallón de Scots Guarda, que sirvió el coronel Sacarth en 1918, además de otra bandera rusa que capturo mientras servía con las Fuerzas Blancas Rusas en 1919.

En la parte alta de la escalera están los retratos de los primos de los Graham Lairds; el marques de Montrose, general monárquico que fue ahorcado y descuartizado por los Covenantes en 1650, y el Jacobita Vizconde Bonnie Dundee, quien resulto muerto en su momento triunfal en la batalle de Killiecankie en 1689

Subiendo las escaleras por la puerta de la derecha se llega al salón, tiene unas vistas preciosas hacia el lago y la bahía, fue construido por el Coronel Scarth, quitando el espacio de un cuarto de baño central.

Hay un gran cuadro marino en el hueco, es de Odnees, en la isla de Stronsay, fue pintado por Stanley Cursite, pintor oficial de la reina de Escocia, quien lo presento a su amigo el Coronel Scarth. La mesa redonda esta diseñada para guardar los documentos de los alquileres, en los cajones están marcados con una letra del abecedario, dentro se guardaban las cuentas individuales de los inquilinos, partencia a Robert Scarth de Binscarth, comisionado de muchas de las fincas de Orkney en el siglo XIX.

Dentro de una vitrina hay una colección de figuras de Staffordshire, una vajilla de porcelana pintada con ramos de flores con un borde en color verde y dorado. Los paneles de seda fueron traídos de Japón por Henry Scharbau, abuelo del Coronel Scarth.

En el suelo una piel de tigre traída de la India por el abuelo del Mayor Macrae, Robert Sacarth Farquar Macrae, quien era inspector de la Policía General en Behar y Orissa, India.

Siguiendo por el pasillo de la derecha se llega a la habitación de la Sra. Scarth , se quedo viuda en 1972, cuando el Conde Scarth falleció. En sus últimos años no salía de la habitación, murió el 17 de enero de 1991, poco después de recibir la visita del médico.

Siguiendo el recorrido a la izquierda esta la Habitación del Obispo con una cama con columnas propiedad del Obispo George Graham de la catedral de San Magnus entre el periodo de 1615 a 1638.

A la derecha de la cama hay colgado un cuadro de madera fechado 1624 que proviene de la catedral de San Magnus, Encima de la chimenea hay un descolorido escudo pintado sobre piel de lagarto fechado 1676, perteneció a Hane Graham, segundo Laird.

Al lado de la venta hay un cofre donde se guardaba la Carta de Breckness, según la tradición fue grabado por el segundo Laird utilizando una navaja. En realidad es del primer Laird y data del siglo XVII, está hecho de roble y contenía los documentos de la finca que datan del siglo XVI.

Al terminar la visita preguntamos donde podemos ver un buen observatorio de aves para emplear el resto del día , nos indican que hay un paraje que no debemos perdernos, aunque tiene un horario especial por el tema de las mareas, hoy hay que llegar entre las 13,30 y las 17,30, se denomina Brough Head of Birsay.

La isla de Brough Head of Birsay esta unida mediante un istmo a la isla grande de Mainland, solamente es accesible cuando esta la marea baja andando un tramo de unos 240 metros, algo muy parecido a lo que sucede en el Monte de San Michele en Francia.

Hacia allí partimos, se encuentra en la parte noroeste de la isla y dista unos 50 kilómetros de donde nos encontramos; a las 13,00 horas estamos allí, parece que se ha corrido la voz porque el parking esta a rebosar. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N59.13406 // W 3.32313 .

La isla es una reserva natural que cuenta con los restos de los antiguos asentamientos pictos y más delante de los nórdicos, así como un moderno faro.

El primer asentamiento en la isla se cree que fue en el siglo VI, tal vez por los misioneros cristianos. En los siglos VII y VIII se produjo la construcción de una importante fortaleza picta, pero en el siglo noveno los pictos fueron desplazados por los escandinavos.

El asentamiento picto se atestiguada por un pequeño pozo y una importante colección de objetos, ahora en el Museo Orkney (anteriormente conocido como Tankerness Casa Museo), Kirkwall y en el Museo de Escocia, Edimburgo. Entre ellas se destacan un grupo de moldes para la metalurgia, dedicados a la fabricación de los broches de bronce y otros ornamentos eran producidos en este sitio en el siglo VIII. El recinto alrededor de la iglesia nórdica se superpone a un cementerio picto, también fue hallada una importante piedra tallada picta que se encontró en pedazos en este recinto durante las labores de saneamiento (también en exhibición en Edimburgo). El artefacto picto más interesante encontrado es una losa de piedra que muestra tres figuras y algunos símbolos pictos. No se sabe cuál es el objeto de esta talla, pero es probable que muestre temas aristocráticos pictos. Esta losa es de principios del siglo VIII muestra una procesión sorprendente de tres pictos vestidos con ropas largas, portan lanzas, espadas y escudos cuadrados. Por encima de las cifras son partes de cuatro símbolos pictos.

Hoy en día, se pueden ver muchos de los restos de los asentamientos. Siendo los más significativos los restos de una pequeña iglesia románica del siglo XII y fue dedicada a San Pedro. La iglesia tiene un ábside semicircular y hay restos de bancos de piedra para la congregación que cubren las paredes. El altar de piedra es de arenisca roja fue reconstruido en la década de 1930.

La iglesia tiene una forma interesante; probablemente con una torre cuadrada en un extremo, y un ábside semicircular en el otro. Existe cierta evidencia de una iglesia anterior, posiblemente picta en el mismo sitio. La iglesia era un lugar de peregrinación hasta la Edad Media.

El recorrido por la isla Brough de Birsay comienzo en el aparcamiento hay que bajar una pequeña montaña para llegar al istmo que en marea baja queda completamente seco. Hay que tener en cuenta que la marea baja dura dos horas por lo que hay que estar siempre informado de cuando sube la marea para abandonar la isla, allí no hay nadie viviendo ni tampoco hay ningún refugio, quedarse allí supone una temeridad e intentar pasar con la marea subiendo puede ser muy peligroso. Una vez atraviesa la plataforma podemos ver los restos de la iglesia, a la izquierda sale un camino de hierba que bordea la isla ascendiendo hasta la parte más alta donde se encuentra el faro. Hay que garantizar no subir cerca de la orilla por la peligrosidad de una caída por la fuerza del viento, la altura de subida va desde los 12 metros de la parte baja hasta los 52 metros a la altura del faro, este fue construido por David A Stevenson en 1925 tiene un diseño inusual con una fila de almenas en la cima de la torre.

Los acantilados ofrecen vistas espectaculares, pero también proporcionan refugio y sitios de anidación de fulmares, araos, alcas y frailecillos (mirar cuidadosamente a una zona de hierba justo debajo del faro) durante el comienzo del verano. Continuar hacia la derecha alrededor de los acantilados, según bajas vas perdiendo altura para volver al asentamiento vikingo.

Hemos tardado una hora y media en hacer el recorrido con sus correspondientes paradas, la verdad es que queda poca gente en la isla y tenemos el mismo nerviosismo que la primera vez que visitamos el Monte Saint Michel porque pensábamos que cuando llegásemos al parking estaría bajo el agua.

Aquí damos por finalizada la visita a las islas Orcadas, ha sido una pena no tener unos días más para contemplar los numerosos rincones que atesora el archipiélago y también nos hubiera encantado poder coger el ferry hasta las islas Shetland y disfrutar de las preciosas panorámicas de este archipiélago situado más al norte.

A las 16,30 horas estamos de regreso en el puerto de Stromness para embarcar de vuelta a la Escocia continental en el motor-vapor Hamnavoe. Después de una travesía agradable, sin mucho oleaje desembarcamos en el puerto de Scrabster, donde llegamos poco antes de las 19,00 horas.

Iniciamos el tramo de carretera hasta el oeste de Escocia donde se encuentra el puerto de Ullapool, lugar donde se toma el ferry para las islas Hébridas. Tenemos tres posibles rutas la primera es seguir por la costa hacia el oeste, esta es la que tiene menos kilómetros 192 km, aunque imaginamos que puede ser la más complicada a nivel de carreteras; la segunda es bajar hacia el sur en dirección Edimburgo y luego cruzar de este a oeste, esta es tiene unos 197 km.; y la tercera es bajar casi hasta Edimburgo y luego ir directamente hasta el oeste, esta puede ser la que mejor carretera tenga y la que más kilómetros ofrece , a priori son 236 km.

El final dejamos que la decisión la tome nuestro propio Tom-Tom qué nos indica que la segunda opción es la más rápida son 197 Km. y el tiempo estimado es de 3 horas 56'. Tenemos 103 Km. por la carretera nacional A-9, ya la conocemos y sabemos que tiene tramos complicados pero se pude viajar cómodamente; en el kilómetro 103 tenemos que abandonarla para tomar la carretera A839 y A835 que será la parte más complicada con unos 94 kilómetros más.

En el camino vemos una gasolinera a buen precio y pedimos permiso para llenar de agua potable, nos dicen que el gasóleo esta cerrado porque se marchan ya y las bombas están apagadas pero podemos llenar de agua potable sin problemas. Cito el lugar es la población de Brora y la estación de servicio pertenece a la cadena Gleaner. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 58.01441 // W 3.85328 .

La primera parte la hacemos de día y sin mayores problemas, a la hora de coger la carretera secundaria la cosa se complica porque el firme ya no es igual, ya es totalmente de noche, una noche bien cerrada y como siempre pasa el día en Escocia tiene cuatro estaciones del año y ahora nos a tocado el invierno. Nos imaginamos que estamos circulando por unos lugares idílicos pero que por lo cerrado de la noche y la lluvia no podemos disfrutar. A la altura de la localidad de Lairg entramos en el margen del lago Loch Shin el más extenso de la región Sutherland.

Para nada recomiendo conducir por estos parajes por la noche y menos con estas condiciones, nosotros lo hacemos con el corazón encogido, tomando todas las preocupaciones porque atravesamos muchos kilómetros por zonas muy boscosas con muchos animales sueltos, incluso casi atropellamos a un hombre que había salida de su casa porque no tenia cobertura en el móvil y hablaba desde el centro de la calzada.

Llegamos bien entrada a noche a la población de Ullapool, son las 23,00 horas, no hay nadie por la calle, aparcamos directamente en el parking que tenemos señalado, aunque indica claramente que no puede ser utilizado por las autocaravanas durante la noche, pero en esos momentos hay mas de diez. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N57.89707 // W 5.16472 .

Nada más levantarnos y ver que no hemos sido sancionados por dormir en este parking, corremos directamente al puerto para ver si podemos salir en el primer barco de la mañana para visitar el archipiélago de las islas Hébridas exteriores.

La Terminal del Ferry en Ullapool solamente para tomar el barco se encuentra en las coordenadas GPS corresponden con: N 57.89508 // W 5.15967.

Nos indican que no hay disponibilidad de bodega para las autocaravanas en el primer barco de las 10,30 horas porque esta todo el ferry reservado. El siguiente barco es a las 17,30 horas y hay sitio para nosotros, pedimos la reserva pero queremos hacerlo en el billete especial que te permite viajar en los barcos de la compañía por las islas Hébridas exteriores, de isla en isla hasta regresar a la zona continental de Escocia. El billete combinado con todas las islas se llama “Hopscotch”.

Al principio el empleado se hace el loco, nos dice que no es posible que tenemos que pagar solamente el trayecto reservado entre Ullapool-Stornoway, el hombre esta un tanto nervioso porque hay una cola de gente que quiere sacar los billetes para el barco de las 10,30 horas y nosotros saldríamos en el posterior, quiere atender a los viajeros que desean salir en el siguiente ferry , pero si dejamos pasar a más gente perderíamos la reserva del siguiente barco.

Empezamos en un tira y afloja y al ver que no nos movemos de la taquilla no le queda otra que abrir un amplio catalogo de la compañía donde indica los trayectos y el recorrido que pretendes hacer entre las islas en el billete especial que estamos demandando llamado Hopscotch.

Nosotros teníamos claro el recorrido que queríamos hacer, además llevamos indicados con sus horarios de salida y los distintos puertos pero hasta que el empleado de CalMac no lo ve plasmado en el catalogo comercial de la compañía no entiende, o no quiere entender.

Así que llevaros apuntados el trayecto que queréis hacer el nuestro se llama Hopscotch número 11 que hace la ruta entre las islas: Skye, Uist, Harris & Lewis y se une a través de los puertos de: Mallaig-Armadale, Uig-Lochmaddy, Berneray–Leverburgh-Stornoway– Ullapool, nosotros lo hacemos en sentido contrario, quizás es lo que no entendía el empleado que las rutas se pueden hacer en los sentidos.

El precio que nos pide por Hopscotch número 11 es de 218,55 £. Comparado con el ferry de las islas Orcadas es relativamente barato.

Salimos puntualmente a las 17,30 hacia Stornoway (Isla Lewis), la travesía se hace en unas 3 horas. Cuando llegamos verdaderamente no sabemos donde pernoctar porque no hay mucha documentación de relatos de autocaravanas, aunque imaginamos que las condiciones para las autocaravanas son totalmente distintas y no habrá problemas.

Durante el viaje en ferry hago un breve repaso a las isla que vamos a visitar, en principio es ver las islas Hébridas exteriores. Desembarcaremos en la isla más grande del archipiélago y del Reino Unido, formado por la isla Lewis y Harris. Estas dos denominaciones da nombre al norte que se llama Lewis y la parte sur de la isla que se llama Harris y dado su nombre son consideradas como dos islas separadas aunque solamente es una isla, la frontera entre ambas partes los forman ambos Loch. Es la isla más poblada tiene cerca de 20.000 habitantes y su capital es Stornoway.

Más tarde, después de la visita a la primera isla tomaremos el ferry para visita North Uist, tiene unos 120 km cuadrados y una población de poco más de 1500 personas y la ciudad más importante es Lochmaddy, pasaremos por un puente que une con la isla de South Uist con una población de poco más de 2000 personas y su capital Lochboisdale, por último atravesaremos un nuevo puente para visitar la isla de Benbecula, tiene una población de 1300 habitantes y su capital es Balivanich.

Nada más desembarcar Stornoway (Isla Lewis), buscamos un parking donde podemos hacer una visita a la ciudad y además nos permita la pernocta, el lugar esta situado al lado del puerto en una calle ancha y sin limitaciones. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N58.21395// W 6.38627 .

Comenzamos la visita por el puerto, hay una parte dedicada a los grandes barcos y luego hay otro pequeño puerto que se dedica a los pequeños barcos recreativos. La ciudad no es muy grande tiene dos calles peatonales que constituye el centro urbano. La población tiene unos 9000 habitantes que principalmente se dedican al comercio, son de origen presbiterianos esto influye en el desarrollo económico de la ciudad pues son muy estrictos, el domingo no trabajan lo que hasta hace unos años impedía la llegada de aviones o barcos, la primera vez que se saltaron esta regla hubo quejas de la población, ahora, los domingos no abren las tiendas.

En el mismo puerto podemos ver la figura en bronce que conmemoran a las Mujeres del Arenque , era uno de los principales motores de la economía durante el siglo XIX y XX. Las mujeres quitaban las tripas de los arenques y los envasan en grandes barriles de madera.

La importancia era tal que en 1914 la industria empleaba a 3000 mujeres y 1400 hombres, los puertos se llenaban de mujeres que se dedicaban todo el verano a quitar las vísceras del pescado, era tal la necesidad de mano de obra que muchas mujeres venían desde otras partes de la Escocia continental. Las mujeres trabajan al exterior a expensas del clima desde las 6 a.m. hasta las 6 p.m. los cortes con los cuchillos y la salmuera hacia un trabajo muy penoso. El fin de la Segunda Guerra Mundial significo el agotamiento para esta industria porque las capturas se redujeron enormemente por sobreexplotación, y consecuentemente la demanda bajo en la misma medida.

La calle principal en Stornoway se llama street Cromwell recibe el mismo nombre que las fuerzas parlamentarias de Cromwell que se enfrentaron a tomar el control de la ciudad. Stornoway también jugó un papel importante durante la Primera y Segunda Guerra Mundial. En la Edad Media también hubo una gran cantidad de combates.

El edificio más importante es Martins Memorial Church, fue levanta en 1878 en un estilo neo-gótico, construida con sillares de piedra, destaca su torre campanario similar al de muchas iglesia holandesas.

No hay mucho que destacar, podemos ver un memorial donde indica que llegó la antorcha olímpica a la isla en el año 2012. Hay una escultura de amarillo dedica a los Pescadores, obra de Uisdean Paterson. Por encargo de la compañía Stornoway Servicios Trust, colocada en el: Stornoway Harbour.

Después de visitar la ciudad nos llama la atención porque en la parte más alta y destacada de un promontorio se encuentra la figura del castillo de Stornoway, esta en medio de un parque, hacia allí nos dirigimos porque imaginamos que el parking tiene que ser un buen sitio para la pernocta.

Efectivamente, visto y hecho, al final pernoctamos en la autocaravana en el parking del Castillo de Lews en Stornoway (Isla de Lewis), es un sitio llano, apartado del ruido, no tiene ninguna señalización que nos prohíba aparcar o pernoctar, además es gratuito. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N58.21156// W 6.39600 .

Por la mañana tenemos tiempo dar una vuelta por el parque y el entorno del castillo antes de poder entrar en el Museo Nan Eilean, el horario es de 10,00 horas a las 17,00 horas, la entrada es gratuita.

El museo fue inaugurado recientemente, julio de 2016, es un amplio pabellón situado a la entrada del castillo de Lews, entre sus fondos se presenta es una pequeña introducción a la cultura de las islas Hébridas y su adaptación al medio natural durante siglos.

Una de las salas nos muestra imágenes con una proyección en tres pantallas que son desgarradoras donde se pueden ver desde distintos ángulos las islas durante todo el año, lo que nos indica que el mismo lugar sufre una trasformación asombrosa convirtiendo un paraje de ensueño en un lugar que verdaderamente se cristaliza en inquietante.

Quizás las piezas más importantes del museo son el llamado Ajedrez de la Isla de Lewis es un conjunto de setenta y ocho piezas de ajedrez, junto a catorce tableros y una hebilla de una bolsa, de la época medieval que fue encontrado en la isla de Lewis, en Escocia, en circunstancias no esclarecidas. Las piezas de ajedrez están talladas en su gran mayoría de marfil de morsa, se presume que sean de origen escandinavo y que hayan sido realizadas en la segunda mitad del siglo XII. Las figurillas están talladas minuciosamente, con expresiones de asombro en sus pequeñas caras.

Constituyen, con mucho, el mayor conjunto de piezas de ajedrez antiguas jamás encontrado; debido a su antigüedad, la gran cantidad, el perfecto estado y la habilidad que demuestran sus maestros en su manufactura, son figuras muy importantes de la Edad Media , atestiguando el nivel de la producción artesanal en el norte de Europa en la Baja Edad Media, la fuerte conexión cultural y política entre los países escandinavos y las islas británicas en aquella época, además de la creciente popularidad del juego de ajedrez en el continente europeo. Sesenta y siete de las piezas se encuentran en el Museo Británico de Londres, y los once restantes se encuentran en el Museo de Escocia.

Al parecer, un residente de Stornoway, Roderick Ririe, fue el que llevó el descubrimiento al público por primera vez en una reunión de la Sociedad de Anticuarios de Escocia, el 11 de abril de 1831, en Edimburgo. Posteriormente, la Sociedad de Anticuarios intentó adquirir las piezas, pero antes de que pudieran recaudar fondos, un relojero de Edimburgo, T. A. Forrest, intervino para realizar la compra. Luego Forrest vendió 67 piezas al Museo Británico, junto con 14 tableros y una hebilla que completan el hallazgo. Las diez piezas de ajedrez restantes fueron vendidas en secreto a un coleccionista escocés, Charles Kirkpatrick Sharpe. En paralelo, este coleccionista –no se sabe como– consiguió además un alfil directamente de la isla. En 1888, la Sociedad de Anticuarios, finalmente, logró comprar las once piezas que se encontraban en posesión del coleccionista y las expuso en el Museo de Escocia.

Existen versiones contradictorias acerca de cómo se encontraron las piezas. De acuerdo con la historia más conocida, Malcolm MacLeod, un campesino local habría encontrado las piezas enterradas bajo un banco de arena de más de cuatro metros de altura en la bahía de Uig, en la costa oeste de la isla de Lewis, algún tiempo antes de ser expuestas. Esta historia, sin embargo, surgió bien posteriormente y probablemente se deba a un juglar local. Relatos más antiguos y más fiables, incluyendo el del propio Sharpe, indican que las piezas estaban dentro de una cámara redonda de piedra, posiblemente de un taller, situado próximo a las ruinas de un monasterio que habrían existido en la región llamada Taigh nan Cailleachan Dubha, o “Casa de las Mujeres Negras”. De hecho, la existencia de este convento en Mèalasta, a unos diez kilómetros al sur de Uig Bay, está atestiguado en 1709. Sin embargo, no parecería existir ningún otro registro documental o ruina en el lugar que corroboren esta fuente. En cambio, las estructuras subterráneas que datan de la Edad del Hierro son comunes en la región; una en particular, que consistía en galerías que daban a una cámara cuya descripción se asemeja a la del relato de Sharpe, se atestigua en Mèalasta, que ha llevado a algunos estudiosos a preferir la cámara subterránea como la ubicación más probable para el descubrimiento de las piezas. Además, los registros de asignación de la parroquia de Uig de los años 1852 a 1853 mencionaron piezas de ajedrez encontradas en las ruinas de un convento unos setenta años antes. Por lo tanto, no se debe descartar que las piezas hubieran sido encontradas a finales del siglo XVIII y permanecido en posesión de algún habitante de la isla hasta su venta posterior.

Las piezas son de estilo románico, predominante en Europa durante los siglos XI-XII. Sin embargo, el establecimiento de la fecha probable de su producción está basado sobre todo en el diseño de las mitras de los alfiles, representados por obispos. Estas presentan un formato que entró en uso, aproximadamente, a partir de 1150. Antes de eso, la división de los sombreros de los obispos era de atrás hacia adelante, formando dos picos, izquierdo y derecho, a diferencia de la abertura lateral existente en 2015 y cuya introducción data de aquella época. Alrededor del año 1200, la mitra cambió de nuevo y fue siendo cada vez más y más alta, que difieren de los obispos, alfiles, de Lewis. Por lo tanto, se supone que las piezas habrían sido hechas durante este período que va desde 1150 hasta 1200.

La mayoría de las piezas de ajedrez de Lewis fueron talladas en marfil de morsa, y unas pocas en dientes de ballena. Tienen una altura de entre 4 y 10 cm. Se dividen en ocho reyes, ocho damas, dieciséis alfiles, quince jinetes, dieciséis guerreros (en lugar de las torres) y diecinueve peones, sumando un total de 78 piezas que constituyen cuatro juegos, por lo tanto, incompletos. La altura de las piezas figurativas oscila de 7 a 10 cm y los peones de 4 a 6 cm, aproximadamente. Se cuenta que, cuando fueron encontradas, algunas estaban teñidas de un rojo granate, aunque los estudios científicos no han identificado restos de pintura en las piezas.

Los reyes son retratados como hombres con barba, bigote y pelo largo sobre los hombros. Usan coronas simples pero en diferentes formatos y están sentados en sillas adornadas con varios temas diferentes. Están vestidos con una túnica o manto, lo cual es consistente con la literatura de los países europeos en la Edad Media. Todos sostienen una espada ancha y corta en sus rodillas con vainas simples. Las piezas no son idénticas entre sí presentando algunas características particulares, tales como la ausencia de una barba y bigote en dos piezas. Una pieza encontrada en 1772 en Escocia ha sido identificada y asignada como parte de este mismo conjunto.

Las damas están sentadas en sillas ornamentadas similares a las de los reyes. Usan coronas simples y un velo que cae sobre los hombros y se describe en otra literatura de la época. Visten una túnica con un vestido con mangas cortas por debajo y usan adornos similares a las bandas en las muñecas. La mano izquierda apoya el brazo derecho se utiliza para apoyar la cabeza y que tiene una flexión contemplativa. Las piezas son algo diferentes entre sí en adornos: una de ellas tiene en la mano izquierda un vaso con forma de trompeta y en la otra, un pañuelo. Dos de las piezas son probablemente el mismo conjunto que los reyes encontrados debido a la similitud de las coronas.

Los alfiles utilizan dos tipos de vestimentas sacerdotales: la capa de asperges o casulla que se utiliza en las piezas consideradas más antiguas. Algunas de las piezas tienen adornos grabados y el uso de pañuelos o túnicas. Cinco de las piezas están sentadas en una silla decorada y las demás de pie. Las mitras son bajas y planas con un detalle característico en la parte trasera denominada infulae. Todas las piezas sostienen un báculo con una o ambas manos. Las que sostienen el báculo con una sola mano, en la otra tienen un libro o la mano levantada como señal de bendición.

Los caballos llevan jinetes con barba y bigotes montados que visten un abrigo largo que va desde las muñecas hasta los pies, vestidos con zapatos o botas sin espuelas. Los cascos son en su mayoría cónicos con un protector para la nariz y orejas. En una mano sostienen un escudo largo con algunas inscripciones heráldicas. Debajo del escudo, una espada que está unida a la cintura y en la mano derecha sosteniendo una lanza. Los caballos tienen sillas decoradas con adornos. Las piezas son algo diferentes entre sí en los escudos, usan barbas y cascos.

Las torres están representadas por los guerreros denominados warders o hrokr. Son figuras de pie sosteniendo el escudo y la espada, que llevaba largas cotas de malla hasta el pie y usan cascos en forma cónica variada teniendo algunos el protector nasal. Algunas partes también cubren la cabeza como una capucha. Los escudos tienen diferentes grabados como así también los caballos, además del tamaño que también varía. Algunas de las piezas presentan el escudo al frente y en otros en el lado izquierdo. Las espadas, cuando no están delante del escudo, están en el lado derecho.

Los peones varían en tamaño y forma, pero tienen en común una base octogonal, y solamente dos poseen dibujos grabados. Fueron fabricados de marfil de dientes de morsa y se estimado su confección cerca del siglo XII. Once de las piezas tienen un saliente en la parte superior.

En el 2012 el Museo Británico acordó prestar indefinidamente seis de piezas de ajedrez en al Consejo de las islas occidentales. Ellas las podemos contemplar ahora en el Museo del Castillo de Lews.

Las vitrinas del museo están repletas de numerosos objetos que muestran como era la vida en las islas Hébridas, desde trajes de faena, pasando por trajes de novia. Hay una estantería donde se muestra el famoso Whisky Galore, la historia comienza cuando un barco cargado de Whisky se hundió el 5 de febrero de 1941 durante la Segunda Guerra Mundial cargado con 250000 botellas, los locales iban todos los días a la playa con la esperanza de poder tomarse este famoso Whisky, aún después de tantos años siguen apareciendo botellas en las playas. Hay varias películas que muestran esta historia con tintes cómicos.

Ahora pasamos a ver el Castillo de Lews, esta en reconstrucción la parte alta pero la parte baja se puede visitar, nos sorprende porque esta decorado como un gran salón de bodas con distintas estancias.

Lews Castle fue construido en los años 1844-51 como una casa de campo para Sir James Matheson que había comprado toda la isla unos años antes con su fortuna gracias al comercio de opio chino. Fue diseñado por el arquitecto de Glasgow Charles Wilson.

En 1918, la finca Lewis incluyendo el castillo fue comprado por el industrial Señor Leverhulme de la familia Matheson. Él cedió el castillo a la gente de la parroquia Stornoway en 1923.

Durante la Segunda Guerra Mundial el castillo fue tomado como alojamiento para personal de vuelo y de tierra de 700 Naval Air Squadron, que operaba un destacamento de seis Supermarine Walrus aeronave desde una grada a Cuddy Point en el mismo terreno. La base se conoce como HMS Mentor.

Después de la guerra, el castillo también se utilizó para los alojamientos para estudiantes de Lews Castle College en la década de 1950.

Después de visitar el castillo y el museo hemos visto en la ciudad una estación de combustible en Stornoway que tiene para lavar coches, aprovechamos para vaciar y llenar de agua potable, ya que no nos ponen ningún impedimento y nos facilitan la labor, por supuesto, aprovechamos el favor para llenar el depósito de gasoil y hacer algunas compras en su supermercado. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N58.21575 // W 6.38522 .

Salimos desde Stornoway en dirección de Callanish por la carretera A858, nos separan escasos 24 km. Nada más dejar la capital la carretera se convierte en un solo carril para ambos sentidos, ellos a ese tipo de carreteras le llaman single track roads. Para poder cruzarse y conducir hay una pequeñas plazas, son las passing places, tramos donde el arcén se ensancha para que puedas apartarte si viene un coche en sentido contrario.

Las pequeñas plazas están cada pocos metros, así que casi nunca tendrás que retroceder. Si una passing place está a la izquierda, te corresponde a ti apartarte, y si está a la derecha, tendrá que parar el otro conductor. Si ambos paráis, haz luces para indicar que le dejas pasar. Tras ceder el paso, intercambias un gesto de rigor para dar las gracias y saludar.

El tramo que hacemos por este tipo de carreteras de un solo carril es de 20 km con un tráfico intenso que nos permite estar parando en cada plaza situada cada 200 metros, lo que nos demora el viaje cerca de una hora.

El paisaje que vemos es muy distinto al que hemos podido contemplar en las islas Orcadas donde el verde contrastaba con el cielo azul luminoso, aquí en las Hébridas el verde del suelo ha pasado a un verde más ocre más parecido al que puedes contemplar cuando va madurando las plantaciones de trigo. Aquí aparece una superficie verde de un recubrimiento de turba, las casas son más parecidas a las de Noruega por su construcción simple en base a la madera, los pequeños lagos de color azul oscuro inundan el paisaje.

Las Islas Orcadas destacaban por la importancia de las granjas de vacas y de ovejas , además del cultivo de grandes superficies de terreno para la plantación de forraje para alimento de estos animales. En las islas Hébridas y más en concreto en esta, no vemos ninguna granja todo parece campo sin explotar como un paisaje alpino que carece de árboles y solamente hay plantas de brezos, hierbas y arbustos enanos.

Las Hébridas tiene una gran diversidad de flores silvestres: se puede ver ejemplares de Iris blancos y amarillos; hermosas orquídeas que florecen de forma natural. Entre el final de la primavera y el verano aparecen muchos tipos de flores silvestres entretejiendo una alfombra de flores raras.

Esta parte de tierra en escocés se le da el nombre de Machair esta palabra en gaélico significa fértil llanura cubierta de hierba. Espacios donde abundan las flores que hace que el machair sea tan especial. Los colores cambian a través de la temporada con los amarillos que domina al principio y luego desapareciendo en tonos rojos, blancos y azules.

Continuamos la visita a la isla partiendo hacia el Círculo de Piedras Prehistóricas de Callanish, el parking habilitado para autocaravanas esta situado a unos 150 metros del conjunto histórico, es gratuito. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N58.19565 // W 6.74379 .

Las Piedras de Callanish (o Callanish I), cuyo nombre en gaélico sería Clachan Chalanais o Tursachan Chalanais, son un conjunto de menhires levantados en época prehistórica.

Los vestigios del yacimiento más antiguos están fechados entre el 2900 y 2600 a. C., aunque posiblemente hubiera construcciones precedentes antes del 3000 a. C. Una tumba fue construida dentro del recinto con posterioridad. Los restos provenientes de la destrucción de la tumba sugieren que el lugar quedó en desuso entre el 2000 a. C. y el 1700 a.C.

Los 13 monolitos principales conforman un crómlech de unos 13 m de diámetro, con una larga avenida de acceso flanqueada por piedras en su lado norte, y filas más cortas de piedras por sus lados este, sur y oeste. La disposición general en planta del monumento recuerda la forma de una cruz celta algo distorsionada. La altura de cada uno de los monolitos oscila ente 1 m y 5 m, con un promedio de 4 m, y están realizados en roca de gneis de origen local, de la propia isla de Lewis.

El más alto de los monolitos señala la entrada a un enterramiento cubierto con un montículo de piedras (cairn) en el que se han descubierto restos humanos. Una campaña de excavaciones en 1980 y 1981 mostró que la cámara mortuoria era una adición posterior al monumento, y que había sufrido modificaciones en varias ocasiones.

Se cree que la alineación de la avenida de piedras (mirando hacia el sur) señalaba hacia el punto de ocaso de la luna en el solsticio de verano, por detrás de una montaña distante llamada Clisham.

Los críticos de estas teorías argumentan que pueden existir diversos alineamientos por puro azar en toda estructura de este tipo. Adicionalmente, diversos factores como el efecto de las inclemencias del tiempo y los desplazamientos sufridos por las piedras a lo largo de los siglos, hacen que no se puedan establecer con certeza tales alineamientos, tanto si fueron originalmente así como en cualquier otro caso.

Hay un Centro de Visitantes donde se pueden ver la historia del yacimiento en un horario de 9.30 a 20,00 horas p.m. El monumento se puede visitar libremente con entrada es gratuita, no así el centro de visitantes que exige el pago por su visita.

Cuando terminamos son las 13,00 horas, es la hora de la comida, el vehículo lo hemos dejado aparcado ocupando una plaza de bus en el Circulo Callanish, aunque hay espacio sufienciente para varios autobuses, así que pensamos que será más prudente marcharnos y buscar otro parking más tranquilo. A unos 3 kilómetros encontramos otro parking donde comemos en medio de la naturaleza. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N58.21398 // W 6.73805 .

La localidad donde hemos podido parar es Breasclete, esta situado a las afueras, hay un colegio donde hay un parking muy hermoso sin ningún coche, esta amenizado con el sonido del agua de un arroyo cercano y un paisaje memorable con unas vistas al Lago Bharabhat y al fiordo Ceann Hulabahaig, convierte el acto de comer un momento muy agradable. He de indicar que el lugar es un sitio idóneo para la pernocta.

Seguimos el camino por la isla hasta la edificación prehistórica denominada Dun Carloway Broch, el parking para autocaravanas se encuentra como a unos 200 metros del vestigio, es pequeño pero si hay sitio se puede pernoctar. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 58.26867 // W6.79093 .

Tenemos oportunidad de visitar un edificio de piedra que aquí en Escocia se les llamo Bronh, es una torre construida en piedra seca levantada durante la Edad del Hierro escocesa (250 a. C. a 500 d. C.). Este tipo de edificaciones se encuentran en gran número en el norte de Escocia (Caithness y Sutherland), las islas del norte (Shetland, Orcadas) y las Hébridas (Lewis, Skye, Mull, Uist, etc.). Se trata de macizas torres circulares troncocónicas que se pueden elevar hasta 13 metros. El broch, por su forma de castillo, se pensaba que podía servir para proteger a la población durante conflictos tribales pero la falta de aperturas además de una estrecha puerta lo hace improbable. Se piensa que ciertos brochs fueron reconstruidos posteriormente por los pictos.

Existe una definición amplia de brochs según el tipo de base: sólida (representada por Dun Telve) o con una galería continua (Gurness), pero la distinción no es tan clara. Solo Mousa queda con su configuración completa, mientras otros brochs, como Dun Carloway (Lewis), Dun Telve y Dun Troddan (Glenelg), Dun Dornaigil (Sutherland) o Midhowe (Islas Orcadas) solo conservan, a lo más, un tercio de su volumen y de lo que se cree fue la altura original.

Dun Carloway fue construido, probablemente, en algún momento del siglo I a. C., y la datación por radiocarbono de los restos encontrados en el broch evidencian que fue ocupada hasta alrededor del 1300. En la base el broch tiene entre 14 y 15 metros de diámetro y las paredes alrededor de 3 metros de espesor. Tiene planta circular y paredes paralelas que dejan un hueco practicable entre ambas, todo el edificio fue construido sin mortero. Probablemente tenía el suelo de madera, tabiques y techo de paja, necesarios para hacerla habitable, pero la única evidencia que queda de ello son los agujeros para los postes y vigas. Junto con el techo, el estrecho pasadizo presumiblemente asegurado por una puerta de madera, fueron los puntos más vulnerables de la construcción, sobre todo al fuego.

La única apertura hacia el exterior, la puerta de entrada, tiene unas dimensiones inferiores a 107 centímetros de alta por 91 de ancha, siendo el dintel la piedra más grande de toda la construcción.

La doble pared se compone del muro interior, vertical, y del muro exterior con una inclinación que hace que los pasillos inferiores sean fácilmente practicables pero no así los superiores. En la construcción existían, algunas se conservan, aperturas o puertas que daban paso desde el interior a estos pasillos, que se llegan a unir entre plantas por medio de escaleras. Tanto los pasillos como las escaleras están realizados con lajas de piedra que se apoyan en ambos muros. En la planta baja entre ambos muros se abren cuatro habitaciones, en una de las cuales se han encontrado restos de cerámica, la conocida como habitación A. Otra habitación, la D , se abre al pasillo de entrada al broch, por lo que se supone que aloja a quien lo guardaba.

En los muros interiores se aprecia todavía el recrecimiento hecho a unos 2,1 metros para apoyar el suelo que conformaría el techo de la planta baja y piso de la superior.

A pesar de que la estructura ha sido demolida en parte –posiblemente para utilizar los elementos por los isleños en siglos posteriores que utilizaron la piedra para la construcción de viviendas– su estado ruinoso significa que se pueden ver las paredes masivas en sección transversal, y son increíbles. Puede, de hecho, caminar entre ellos y ver los restos de una escalera de caracol que una vez que se abría paso por el interior de la carcasa doble.

La visita a esta torre nos sugiere que estamos ante la primera edificación en altura que hizo el hombre y con el paso de los siglos se denominaría rascacielos. Aunque este edificio no fue edificado en altura ante la falta de suelo, aquí se empleo la altura para unificar el criterio de defensa, varias familias se agrupaban en un espacio constructivo con forma de torre para poder salvaguardar sus propias vidas.

Continuamos la carretera para visitar Blackhause Village, el parking es gratuito y la visita hay que pagar la tarifa familiar de 8,30 £. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N58.29664//W 6.79102 .

Las Casas Negras de Garenin. Son casas hechas de adobe realizadas en el siglo XIX y que estaban habitadas hasta hace sólo 40 años por los locales de la isla. Hay un Museo en el que explican la forma en la que aprovechaban el suelo para formar casas negras impermeables a la lluvia y acogedoras. Hay un pequeño hostal en una de las casas negras. Tranquilos, la casa está restaurada, hay calefacción, duchas, cocina, etc. Podéis pasar la noche calentitos en un lugar muy especial donde ya lo hacían los escoceses hace más de 100 años.

Los blackhouses han visto el ciclo de la vida a través de generaciones de familias. Este tipo de casas fueron ocupadas hasta la década de 1970 cuando los últimos residentes de avanzada edad se trasladaron a un alojamiento donde no era necesario el mantenimiento anual de paja y piedra.

Las viejas casas y sus alrededores fueron declarados un área de conservación poco después de que los últimos residentes las abandonaran ya que no había aquí una oportunidad única para preservar un estilo de construcción de viviendas que habían sobrevivido durante siglos pero que casi habían desaparecido en la última mitad del siglo XX “la blackhouse”. Las paredes de piedra seca son dobles, el perfil bajo de su estructura se acopla muy bien para el momento que sopla el viento ofreciendo menor resistencia y la paja son utilizados en las casas como el mejor aislante para el clima de las Hébridas, y en realidad eran casas ecológicas en que todas los materiales de construcción se empleaban sacados de la naturaleza y extraídos de lugares cercanos a nivel local.

El blackhouse está construido en tierra batida, donde las piedras de base de la pared de pie sobre guijarros para evitar el movimiento. Las gruesas paredes que sirven de aislamiento de la casa se construyen a partir de dos capas de piedras en seco con un relleno de turba coronada con una capa de arcilla para evitar que el agua se introduzca por la pared y luego cubierto con césped que absorbe el exceso de agua.

Las maderas empleadas en la casa se hacen generalmente de restos que se encuentran en las playas, ya que la isla carece de árboles y en algunos casos también se emplea el hueso de la ballena. Sobre el techo de madera se colocó una capa de césped, pero dejando una zona que sirve de chimenea en el caballete del tejado para permitir que el humo del fuego central se escape a través de la paja de avena.

La isla de Lewis es un lugar muy ventoso así la paja debe ser asegurada a las piedras y tejados colocando una malla de cuerda y sujetada por piedras.

El poblado ha sido totalmente rehabilitado y se destinan las casas como hotel, además tienen actividades de arquitectura sostenible y numerosas actividades ecológicas como la calefacción utilizando la turba del campo.

Se puede visitar una de las casas que la mantienen como museo. En su interior nos muestran como era la vida antes de los años de 1970, se pueden ver muebles de varias generaciones que habitaron la casa, además de la vajilla, utensilios de cocina, sistema de calefacción de lavado y secado de ropa, una forma de vida que a nosotros nos parece un tanto cercana porque la hemos vivido en casa de nuestros abuelos. Una de estas casas no son muy diferentes a ciertas hogares en poblaciones rurales de la España profunda en Zamora, Soria o León.

El aumento en el precio del petróleo ha provocado un resurgimiento en la extracción de turba en la isla de Lewis donde participan las mujeres y los niños ahora están también involucrados . Las turberas eran comunes en toda Gran Bretaña, pero la extensión en el aprovechamiento del suelo dedicado a la agricultura e industria, en estos momentos la isla de Lewis es uno de los pocos lugares que quedan en el que se encuentra en grandes cantidades

La turba se corta en tajadas –conocido en gaélico como modas- que son alrededor de un pie de largo, la mitad de un pie de ancho y tres pulgadas de espesor. La turba se apila fuera de la casa hasta que se seca completamente y puede ser utilizada para calentar las estufas de leña en sus hogares. Nos dijeron que cualquier persona que viva en la Isla de Lewis, tienen el derecho de ir y recoger la turba y es gratis. Toda persona con los suficientes conocimientos para ir y desenterrar el turba, y que hacerlo de la manera correcta, puede tener combustible gratis .... ¡si se vive allí

La turba se dice que es un suelo orgánico que tiene más de 60 por ciento de materia orgánica y es superior a 50 cm de profundidad. Aquí en las islas occidentales la profundidad de la turba puede alcanzar hasta veinte pies!

Turberas es un área donde se encuentra la turba, que también se conoce como un pantano o musgo. La turba es realmente descomposición parcial de la vegetación, la parte principal de su composición se deriva del musgo Sphagnum, que se mezcla con la tierra anegada.

Durante mayo y junio, a veces se puede ver a los aldeanos como se dedican al corte de la turba. Los bancos de turba todavía en algunas zonas de las islas se emplean comercialmente . Los mejores bancos son los que tienen los perfiles más profundos. La turba de los niveles inferiores es más densa y se denomina turba negra. La turba de estos niveles tarda más en quemar y caliente más y por lo tanto es más rentable.

Rebanadas de turba se cortan y se ponen a través del páramo a secarse. Hay una herramienta especial, una especie de hierro de turba—tairsgear (el nombre gaélico de la herramienta)— que facilita la extracción de la turba procedentes de losas más profundas, por lo general un pie más o menos de longitud y unos pocos pulgadas de espesor. La herramienta tiene un mango de madera con una cuchilla en ángulo en un extremo. El borde de corte afilado de las rodajas de hierro de turba a través de la turba suave en un movimiento hacia abajo y, con un tirón hacia atrás de la empuñadura principal de la herramienta de un bloque rectangular de turba es arrancado y por lo general esto es arrojado a un lado dejando que se seque en el páramo para poder ser utilizado en unas pocas semanas.

Una vez secas, las turbas serán llevadas a los Croft y por lo general son grandes pilas. Estas pueden ser construidas en varias formas hoy en día, es con forma curvada en cada extremo y afilado a un punto tienen cerca de 2 metros de altura. El apilamiento de la turba sigue las costumbres locales y una pila de turba bien construida puede ser una obra de arte, tanto visual como por su funcionalidad de uso. Puede llevar varios meses para que la turba se seque suficiente y se pueda quemar bien y así que es un largo proceso.

Para acabar el día decidimos marchar hasta la parte más al norte de la isla, se denomina puerto Ness. Nos separan 43 km y el tiempo previsto para el recorrido es de 1h01', la vía de comunicación es la A858, es una carretera un tanto más correcta que las que hemos viajado durante el día de hoy. El paisaje es muy similar al que hemos visto durante la mañana con grandes paramos sin un alma, pequeñas poblaciones de decenas de casas, muchos lagos que por un momento nos parece que estamos circulando por Finlandia, si pudieramos poner en la imagen los bosques de abetos tendríamos un idéntico paisaje.

El trayecto nos permite ver algunas zonas cercadas dedicadas a la ganadería pero son de pocas reses en la mayoría de ellas, básicamente están formadas por ovejas pero en un número que no llegan a la media docena de ovejas y se ves alguna granja de vacas corresponden con tres o cuatro ejemplares. Las casas de estas granjas se ven que están muy bien construidas y en sus garajes hay buenos coches, barcos y elementos de recreo. Dudamos a que se dedica esta gente y cual es economía real porque es difícil de entender que con cuatro vacas o seis ovejas se puedan disfrutar de estos bienes, ignoramos si las subvenciones sacadas de la extracción del petróleo dentro del ámbito de las islas pueda llegar unitariamente a cada habitante de las islas Lewis.

Antiguamente la economía de isla estaba basada en las granjas cercadas con un tamaño de tres hectáreas dedicadas a la cría de cientos de ovejas y vacas con unas 4000 explotaciones dentro de los 168 municipios de la isla. Había pequeños agricultores y algunos pescadores dedicados al arenque pero la sobreexplotación de los caladeros supuso el abandono de la actividad para casi 3000 personas que tuvieron que marcharse de la isla. La isla tenía una pequeña industria familiar dedicada a la fabricación de tejidos derivados de la lana con sus famosos telares con las conocidas telas de cuadros escoceses, con la llegada de las telas acrílicas ha supuesto también una actual industria testimonial.

Cuando llegamos vemos el puerto pero nos da miedo bajar con la autocaravana por la inclinación y estrechez de la carretera, vemos un parking en un restaurante y pedimos permiso para poder utilizarlo, nos indica que mejor bajemos al puerto que ya tenemos compañía, efectivamente con paciencia hacemos la bajada por un carretera estrecha que nos deja en el mismo espigón de abrigo, pegado a la playa. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N58.49185//W6.22749 .

El parking en el puerto Ness de la Isla de Lewis para autocaravanas es precioso y es un sitio de los que hacen autocaravanismo, es gratuito, tiene para hacer barbacoas y además puedes comprar pescado a los pescadores locales.

La noche en este lugar ha sido muy relajante para nosotros imagino que nuestros compañeros que están a nuestro lado no lo ha sido tanto porque ayer cuando llegamos pusieron muy mala cara porque aparcamos a su lado, tampoco dijeron nada pero ya todos nos conocemos y sabemos de que pie cojeamos, les dejamos todo el espacio suficiente que nos permitía el sitio que era un poco más de un metro pero no le pareció suficiente a nuestro propietario de la Pilote Exploteu.

Me levanto temprano y me voy a dar una vuelta por el Puerto de Ness Harbour, veo que han hecho un mirador y hay un pequeño monumento de acero inoxidable. Se trata de un pequeño memorial financiado por el constructor local John Murdo Macleod, para inmortalizar el recuerdo de todos los pescadores de la zona que perdieron la vida en el noble arte de la pesca.

El monumento de acero inoxidable construido por taller de Gordon Diesel, cuenta con detalles de los pescadores que perdieron la vida en el mar en el periodo de mayor esplendor entre 1835 y 1900, en total fueron 96 hombres los que perdieron su vida en los mares del Atlántico Norte.

El puerto fue inaugurado en 1837 como una necesidad que tenia la industria pesquera para acceder directamente a uno de los bancos pesqueros más importantes del Atlántico Norte. Enseguida se vio que el lugar no ofrecía la seguridad adecuada para tantos barcos y se iniciaron las obras para la construcción del rompeolas que ahora podemos ver y que daba cobijo a toda la flota pesquera además de los barcos a vapor que llegaban para abastecerse de la pesca local, a finales de 1886 el numero de barcos registrados en el Puerto Ness era de 36, a principio del siglo XX se llegaban a pescar 600 toneladas en su mayoría de arenques.

Las casas cercanas no tienen ninguna protección ni vallados lo que nos indica el tipo de seguridad ciudadana que disfruta esta parte de Escocia, no hay separación entre el gran ventanal de su salón y la calle, todo un lujo en nuestro tiempo.

En la actualidad el puerto Ness es ocupado por dos o tres pequeños barcos, en estos momentos veo como uno de los pescadores se monta en uno de ellos, enseguida encara el puerto y sale rápidamente, veo como las olas lo agitan de tal forma que enseguida se ve encima de una ruleta rusa, distingo que se para en un punto donde imagino esta echando las redes.

Puedo ver como una de las casas esta en venta y por curiosidad me informo el precio es de 75.000 libras, tiene 3 habitaciones, salón, cuarto de baño, cocina americana, tiene un jardín anterior, y posterior tiene un finca llamada Croft con una superficie de 1.918 hectáreas y que esta sujeta la venta a la aprobación de la Comisión Crofting dedicada a la gestión de los bienes en zonas rurales, como un registro especial de la propiedad rural. La verdad nos parecen muy barato pero ignoramos las condiciones de vida en este espacio tan apartado, pero imaginamos que no deben de ser muy buenas pese a que tenga todos los servicios sanitarios cubiertos, solamente un dato indica que el centro más cercano donde se puede comprar alimentación esta a una veintena de kilómetros.

Sus vecinos podemos ver como tienen caballos, otros cuidan vacas escocesas y algunos de ellos podemos ver pequeños rebaños de ovejas. Es un espacio muy bucólico pero con ese Pero en mayúsculas que nos hace poner en la balanza lo bueno y lo malo. En definitiva, pensamos que es complicado vivir en este lugar salvo que tengas todo en la vida resuelta y lo hagas como un ejercicio de ascetismo –un estilo de vida austero y de renuncia a placeres materiales con el fin de adquirir unos hábitos que conduzcan a la perfección moral y espiritual– todo un reto en nuestro tiempo.

Nada más desayunar partimos hacia el sur de la Isla de Lewis, hacemos el recorrido contrario al del día anterior, hemos utilizado toda el agua potable que disponíamos, decidimos volver por Stornoway para visitar la gasolinera de ayer y repostar nuevamente , se trata de Manor Park Filling Station, son muy amables y podemos hacer el vaciado y el llenado de agua, también repostamos para compensar su amabilidad, además tienen una tienda Spar donde venden en su supermercado artículos de primera necesidad. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N58.21575 // W 6.38522 .

El primer punto del día que queremos ver se llama Ravenspoint Centre para visitar su histórico museo. Partimos en dirección sur por la carretera A859, es de doble sentido y bastante correcta, entramos en una zona más deshabitada con un precioso paisaje lleno de lagos, después de unos 22 Km. abandonamos la carretera en las inmediaciones del fiordo Eireasort donde cogemos la carretera secundaria B8060, también es de doble sentido pero tiene un firme un poco más degradado pero no ofrece ninguna dificultad, andamos unos 11 km más hasta llegar al destino.

Ravenspoint Centre es un hotel que ha creado un museo etnográfico, la entrada es gratuita y el parking también, pidiendo permiso no tendrás problemas para poder pernoctar en el parking. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N58.09188 // W6.51236 .

El hotel es un sitio apropiado para poder hacer excursiones por uno de los sitios menos conocidos de la isla de Lewis, se pueden alquilar bicicletas por 5 libras para poder hacer alguna de las rutas ya trazadas.

El albergue se dedica durante el verano a impartir cursos de una semana para estudiar gaélico (idioma escocés) alojándose en casas de la comunidad y proporcionan lo básico para esos días.

El albergue también esta designado como un lugar desde donde se pueden hacer excursiones en el programa The Bird of Prey Trail, dedicado a la reintroducción del águila real de cola blanca que ha tenido mucho éxito en la isla de Harris.

Las distintas salas del museo etnográfico de la región, en sus vitrinas se pueden ver unas muestras de cómo era la confección de la ropa escocesa basado en la lana de las propias ovejas de Harris, los utensilios empleados en su confección como la rueca, principalmente se hacían en un entorno rural que se confeccionaban sus propias ropas. El tejido de enormes alfombras negras de lana con unas grandes agujas de madera.

Durante siglos, los isleños de Lewis y Harris, en las islas de Uists, Benbecula y Barra han tejido tela llamándolo “clo-mòr” en gaélico corresponde con los tejidos de “paño grande “.

Originalmente este tejido era hecho a mano por los trabajadores rurales de los crofters para uso familiar, eran ideales para la protección contra el clima más frío del norte de Escocia. Los excedentes de los paños se comercializan en el exterior o se utiliza como el trueque, llegando a ser una forma de moneda entre los isleños. Por ejemplo, no era raro que los alquileres que se pagan en mantas o piezas de tela. A finales del siglo XVIII, el hilado de hilo de lana a partir de materias primas locales era una industria de primera necesidad para los pequeños agricultores. La tela hecha a mano terminada se exportaba al continente escocés y se negocian junto con otras materias primas producidas por los isleños, como pieles secas, de cabra y de ciervo.

Tienen expuesto una pequeño púlpito portátil de iglesia construido en madera era transportado por el reverendo por las zonas aisladas y servia para impartir la homilía semanal a pequeños grupos religiosos, permitía no mojarse en las lluviosos días de los domingos. Entro en funcionamiento el servicio de octubre de 1878 para dar servicio religioso a unas 594 personas de una amplia región de los lagos, fue una idea del reverendo Mr. Hector Cameron. En una fotografía podemos ver el púlpito en medio de un barranco donde los fieles se asientan sobre el suelo en la zona de Plockton.

Otra de las salas representa el mobiliario de una casa de clase alta de la zona con una amplia colección de platos de porcelana. Sobre las paredes un estupenda colección fotográfica de alumnos de la escuela de principios del siglo XX. Sobre varios baúles hay una colección de herramientas de la época para distintos usos agrícolas o industriales. También se exponen una colección de fotografías donde se puede ver la extracción de la turba como ya hemos visto en otras zonas de la isla “Peat Cutting”. Unas vitrinas muestran una de las actividades más importantes de la isla que representa la caza de las ballenas, se puede ver todo tipo de herramientas y artilugios que empleaban los pescadores en sus capturas, por medio de arpones, además de una importante colección de huesos, dientes, etc.

En el exterior del museo hay una preciosa vista de todo el fiordo, además de un memorial por las víctimas del conflicto de la I Guerra Mundial entre 1914-1919 y la II Guerra Mundial entre 1939-1945. Una placa indica los nombres y apellidos de los fallecidos.

La finca de al lado al hotel tiene unos preciosos ejemplares de ovejas de Lewis. Durante el viaje no hemos visto la típica oveja de las islas Hébridas se llaman Hebridean es una raza pequeña de color negro son las ovejas de Escocia, es similar a otros miembros de la oveja de cola corta de Europa del Norte o oveja islandesa. Se la conoce con el nombre de ovejas de St Kilda, junto con las de Soay y Boreray forman parte de las ovejas autónomas y menos numerosas de Escocia.

Los ejemplares que podemos ver es la Oveja de Islandia, es una raza doméstica de patas cortas con cara y patas libres de lana.

Es una oveja reproductiva se pueden acoplar con corderos que tienen tan sólo de cinco a siete meses, aunque muchos agricultores esperan hasta segundo invierno antes de permitir que se reproduzcan. Ellos son reproductores estacionales y entran en celo alrededor de octubre. La época de apareamiento puede durar hasta cuatro meses. Los carneros se convierten en maduros a temprana edad y pueden comenzar a criar ya en cinco meses.

Salimos en dirección a nuestro siguiente destino, atravesamos la isla de Harris para ver el paraje denominado Hushinish, circulamos por la carretera A859 hasta que llegamos a la inmediaciones del fiordo Seaforth, circulamos por una zona deshabitada con unas vistas impresionadas, esta parte de la isla las ovejas circulan alegremente por donde les viene en gana, tenemos que extremar la medidas de seguridad para no tener un accidente pese que ellas parecen estar acostumbradas y no se asustan.

En un paraje especial paramos a comer en una ampliación de la carretera con unas vistas panorámicas maravillosas. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N57.95950//W6.74585 .

Continuamos el camino y tenemos que atravesar la isla de Harris de este a oeste, seguimos por la carretera A859 hasta un poco antes de la pequeña aldea de Air Asaig, allí nos desviamos a la derecha por la carretera B887, esta es de menor importancia y pasamos a transitar por una carretera de un solo carril con doble sentido, además podemos ver que tiene bastante tráfico, enseguida vemos que es una carretera muy sinuosa con grandes desniveles y continuas subidas y bajas, curvas difíciles lo que nos impide disfrutar de un paisaje excepcional.

Siguiendo la carretera llegamos hasta las inmediaciones del Lochan Beag, son una sucesión de lagos en diferentes niveles que se van llenado unos de otros por medios de cascadas. La carretera se estrecha aun más cuando llegamos a un sitio alucinante porque se levanta en medio de la nada un castillo, se llama Castle Estate Amhuinnsuidhe. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N57.96112//W6.99076 .

Obligatoriamente paramos para contemplarlo, curiosamente la carretera no bordea el castillo sino entra por un arco y atraviesa como una servidumbre de paso toda la propiedad particular para salir por otro arco.

Castillo Amhuinnsuidhe es una gran casa de campo privada en la Isla de Harris. La casa fue construida en 1865 para el 7mo conde de Dunmore Charles Murray, el entonces propietario de la isla. Amhuinnsuidhe fue diseñado en el estilo señorial escocés por el arquitecto David Bryce. En 2003 Amhuinnsuidhe Castle fue comprado por el estado escocés y junto con los derechos de pesca. El castillo ahora es utilizado como un lugar para fiestas privadas y otros eventos.

Corre el rumor de que el castillo alberga el fantasma de Lady Sophie Scott, que también era un residente del castillo en la época eduardiana. Lady Sophie era una deportista entusiasta y según se dice una excelente tiradora. Ella y su marido, Sir Samuel Scott fueron reconocidos por su hospitalidad. A pesar de que era muy aficionada a los niños, no tuvo descendencia. Murió en 1937 a la edad de 63 años. Sus restos y los de su marido están enterrados en el montículo de piedras en la colina detrás del castillo. La leyenda dice que lady Sophie que todavía visita su amada Amhuinnsuidhe, aunque sólo para mantener una vigilancia sobre sus huéspedes y asegurarse de que su estancia sea lo más cómoda posible.

Paramos en el parking del castillo frente a una colección de coches de lujo que deben corresponder con las personas que están descansando en su interior. El castillo tiene una amplia pradera con un muro que la separa de la playa al modo de zona balconada sobre el Loch Leosavay.

Visto que no podemos visitar el castillo nos marchamos, atravesamos el arco de salida que se levanta justo antes de las casas que configuran la aldea de Amhuinnsuidhe, formada por una decena.

Seguimos por la carretera estrecha de la B 887 en este tramo circula paralela al Leosavay River el agua procede del lago que esta unos kilómetros más arriba Loch Haladail, este a su vez se carga de agua del lago Loch Langabhat que se encuentra en su cabecera. Circulamos por grandes extensiones de turberas pero aquí tienen poca profundidad porque dejan a la luz enormes rocas de las montañas, parece que circulamos por un paisaje alpino pero a nivel del mar tiene muchas semejanzas con paisajes del norte de Noruega.

Más adelante llegamos al paisaje paradisíaco de Hushinish con su hermosa playa de arena blanca. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N57.99572//W7.09192.

Aparcar en Hushinish es complicado por lo estrecho que es y la cantidad de autocaravanas que hay en estos momentos, tampoco nos ayuda el tiempo. Ya he mencionado anteriormente que en Escocia puedes encontrar en un día las cuatro estaciones del año, hoy nos hemos levantado en primavera, durante el mediodía hemos disfrutado del verano, hemos pasado rápidamente al otoño y justo cuando llegamos a este hermoso paraje se convierte en el invierno.

La playa de Hushinish es muy extensa de arena blanca, las aguas del mar es en color azul turquesa que parece que estemos en el Caribe, al fondo hay un conjunto de casas con un albergue, tiene un precio de 650 libras a la semana. Desde aquí se pueden hacer muchas excursiones a pie por la península Tidal Pond que esta completamente deshabitada, al fondo se puede ver la isla de Taransay, al otro lado del península hay una playa mucho más larga más bonita, aun si cabe, y que pocas personas han tenido oportunidad de ver se llama Beach Uishnish.

El cielo se vuelve gris y lluvioso, estamos muy mal aparcados para quedarnos a pernoctar, y mayoritariamente todos los vehículos somos autocaravanas por lo que no esperamos que se quede alguna plaza libre. Decidimos seguir el camino hasta el puerto de Leverburgh para mañana coger el ferry.

Iniciamos el regreso andado durante la tarde por la carretera B887, a estas horas ya tiene menos tráfico, volvemos a salir al cruce A859 y cogemos dirección sur atravesando la pequeña localidad de Tarbert, nos quedan sobre 30 Km. para llegar al destino. El paisaje deja de ser tan abrupto para convertirse en grandes llanos, con lagos, y una capa de turba verdosa, en este tramo la carretera es de un solo carril con doble sentido, afortunadamente nos cruzamos con pocos coches y el recorrido lo hacemos en poco más de una hora. En el camino no ha dejado de llover y hemos pasado por unas playas preciosas que… ¡bien hubiera válido una parada!.

Antes de llegar a Leverburgh visitamos la preciosa iglesia de San Clemente, tiene un gran atractivo porque parece que esta en el interior del agua, pero es un efecto óptico para publicitarla. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N57.74116//W6.96221 .

La iglesia de San Clemente se encuentra situada en la localidad de Rodel, nos engaña su situación porque en las guías las fotografías aparece dentro del agua y cuando llegamos nos llevamos una profunda decepción porque esta muy alejada del agua, pero si la miras desde el mar el efecto óptico hace parecer que su torre sale del mismo mar como en una isla.

La iglesia se construyó para la veneración de San Clemente, era un santo de la iglesia romana en el siglo I d. C y se declara como el santo patrón de los marineros. Aunque no sabemos si este fue el motivo porque nunca había sido homenajeado en esta parte de Escocia, aunque en Dinamarca se le venera y seguramente por la influencia sobre esta parte del territorio pueda venir el homenaje, al estar durante el siglo XI bajo la dominación danesa, o podría referirse a un anterior uso religioso del lugar.

La iglesia de san Clemente fue construida sobre 1520 por orden de los jefes del clan MacLeod de Dunvegan y Harris como un lugar para su enterramiento. Aunque muchas de sus lápidas perduran, la ubicación exacta de las tumbas de los MacLeod es un tanto incierta.

La reforma protestante fue una losa para esta iglesia tan enraizada con la iglesia católica antigua, en 1560 quedo completamente en ruinas. La reconstrucción llegó dos siglos después gracias a la ayuda del Capitán Alexander MacLeod , pero no fueron suficientes las reparaciones porque la iglesia sufrió un devastador fuego que la volvió a dejar muy dañada. No fue hasta 1873 en que la condesa de Dunmore se decidió a su rehabilitación.

En el exterior, sobre la torre de la iglesia se pueden ver unas magnificas esculturas de piedra, una de ellas, lleva puesta la Feileadh Mor –traducida conocía en gaélico con el nombre de féileadh mor (pronunciado filamor), que significa el «gran kilt». –, es una gran envoltura tradicional llevada por los hombres, se ponía alrededor de la cintura, al igual que un kilt actual, pero el resto de la tela se colocaba por encima del hombro y se sujetaba con un alfiler, la parte superior podía ajustarse de acuerdo a las condiciones del clima, la temperatura y la libertad de movimiento necesaria.

Otra de las tallas de una “sheela na gig” son tallas figurativas de mujeres desnudas mostrando una vulva exagerada. Se encuentran en iglesias, castillos y otras edificaciones, especialmente en Irlanda y Gran Bretaña, a veces junto a figuras masculinas, son muy parecidas a nuestros canecillos románicos eróticos de algunas iglesias de Cantabria. No se sabe muy bien su significado pero quizás pueda tratarse de una advertencia contra la lujuria, una defensa contra el mal o simplemente un símbolo de fertilidad.

La tercera talla es un toro que pudiera significa la fuerza y la riqueza. La silueta del toro es un culto lunar porque sus cornamentas aparecen dos lunas.

En el interior de las iglesias, hay cuatro piedras talladas con espadas que datan de los años 1400 y 1500. En su momento marcaban los lugares de enterramiento de los miembros del Clan Macleod, aquí o en el cementerio. Las preciosas tallas ilustran el alto estatus de la familia y su preeminencia en la isla. Las espadas representan la fuerza y su poder. Las lápidas funerarias elaboradamente talladas, aparecen en toda la sociedad Gaélica.

La tumba de Alasdair Macleod es una de las más excelentes del siglo XVI en Escocia, era el 8º jefe del clan Macleods, encargó la construcción de la iglesia y de esta tumba. A pesar de la apariencia de su atractiva efigie, una herida de espada le había dejado con el apodo de Alasdair Crotach o “el jorobado”. Fue enterrado aquí en una fecha no determinada entre 1545 y 1547.

Muchas de las tallas que muestra nos indican el significado de lo importante para MacLeod en su vida y en su muerte. Encima del arco que contiene la tumba se representa la Santísima Trinidad , además de otras figuras como un ángel esparciendo incienso desde un incensario; un grupo de caza, liberado por un caballero que lleva un casco puntiagudo, preparándose para perseguir a tres ciervos; otra lleva un birlinn o galera de la Tierras Altas. En la pared de dentro del arco se representa el mundo de los vivos y debajo se representa a MacLeod vestido con una armadura de Caballero, En conjunto, las imágenes nos dicen mucho de las creencias que tenían la naturaleza del señorío celta: religión, mecenazgo y poder.

En el cementerio están enterrados los Seanchaidhs o historiadores orales, estas figuras formaban para de la cultura celta componiendo y salvaguardando historias, canciones, poemas y tradiciones.

Aquí están enterrada Mairi Nighean Alasdair Ruaidh, también conocida en ingles con Mary MAcLeod, fue una figura líder de un grupo de poetisas escocesas. Creo preciosas poesías insistiendo en la importancia de la música y capturando temas llenos de fuerza, sabiduría y generosidad. Murió muy mayor sobre 1709. Su actual tumba no esta localizada dentro del cementerio, pero puede estar dentro de la iglesia, cerca de las cuatro lápidas funerarias ornamentales en el transepto norte.

Era una mujer muy especial en su comportamiento sobre todo cuando vivía en el Castillo de Dunvegan. Se dice que disfrutaba tanto del whisky, el rapé, y llevaba un bastón de cabeza plateada. En sus memorias estaba que fuera enterrada boca abajo, quizás, siguiendo sus propias palabras, para dejar su boca mentirosa en la parte de abajo.

Otro de los poetas que están enterrados aquí es John Morrison (1796-1857) escribió muchos himnos sobre los asuntos de conflictos religiosos en el siglo XIX.

Llegamos a la pequeña localidad de Leverburgh al atardecer, son cuatro casas que solamente tienen sentido en las comunicaciones entre islas, nos dirigimos directamente al puerto para buscar la oficina del puerto, solo encontramos abierto un restaurante, donde nos informan que aquí no hay posibilidad de hacer las reservas del ferry, nos facilitan un teléfono de la naviera donde podemos hacer la reserva a partir de las 6 a.m. Nos comentan que la capacidad del barco es para unos cuarenta coches y que normalmente no suele haber problemas con el embarque.

Por si las moscas decidimos quedarnos a dormir en la misma dársena de entrada al ferry para que cuando llegue el barco seamos los primeros en estar situados. En la zona hay un apartado para que las autocaravanas puedan descargar las aguas negras.

La pernocta la hacernos en el mismo puerto de Leverburgh (Islas Hébridas). Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 57.76689 // W 7.02443 .

La noche al principio se ha convertido en algo movidita porque parece que la vida de la isla de Harris se desenvuelve en el entorno del restaurante cercano por la cantidad de jaleo que hemos notado, pero enseguida conciliamos el sueño y el despertador nos indica que son las 7 a.m.

Salgo para contemplar el frescor del paisaje y coger fuerzas para el trayecto en barco, estamos rodeados de ovejas y carneros, circulan por el puerto y por las casas sin ningún rubor, esto hace imponer un sabor especial al lugar. Durante la noche se han colocado algunos coches detrás de nosotros y poco a poco van llegando más vehículos hasta hacer un buen número.

El día esta húmedo y tenemos que abrigarnos con un buen abrigo, calculo que la temperatura es inferior a 8 grados, el cielo es despejado y parece que a esta hora estemos disfrutando de la primavera. Cuando el día es tan marcado es que vaticina que pueda tener muchos cambios y novedades y esto en Escocia no es nada bueno.

Mientras esperamos la salida del ferry aprovechamos para leer un poco la historia de esta localidad. En 1920 comienza la construcción de este puerto pesquero con un muelle para poder albergar más de 50 barcos arrastreros, además conseguir un gran centro de distribución de pescado. En 1922 estaba terminado y llegó mucha mano de obra femenina para elaborar los arenques pero la crisis económica hundió la venta de pescado. Actualmente el puerto alberga algunos barcos de recreo y el moto vapor que une la isla de Harris con el puerto de Bermeray en la isla de North Uist.

En pocos minutos vemos en el horizonte el barco que llega a la isla, con una facilidad asombrosa entra en el pequeño puerto y baja su enorme portón verde para sacar de sus fauces una veintena de coches que desembarcan rápidamente.

Como somos los primeros en la fila nos piden el indicativo de la reserva previa como no tenemos, primeramente nos dejan de lado y comienzan a embarcar coches, por el retrovisor veo que hay varias furgonetas y un autobús turístico. Enseguida nos recortar los billetes y nos indican que embarquemos por la fila central que nos lleva a la primera fila de la salida, viajamos todo el trayecto pegados al portón verde de salida. Vemos que afortunadamente entran todos los vehículos que esperaban en la zona de embarque.

A las 8.25 a.m. partimos puntualmente del puerto, nos indican que no podemos permanecer en el interior de la autocaravana y subimos a un pequeño salón donde apenas hay butacas para todos los pasajeros.

El espectáculo de la travesía es un tanto especial porque el barco va salvando haciendo zig-zag cientos de pequeños islotes verdes que están deshabitados, operación que se hace con ayuda de una balizas especiales, me sorprende lo bien que está señalizado todo el recorrido.

En poco más de una hora estamos en el puerto de Bermeray (isla North Uist), se abre el portón verde y somos los primeros en desembarcar. Es un puerto que ha sido levantado recientemente con ayuda de los fondos europeos que solamente sirve y se emplea para la comunicación entre islas, no tiene ningún tipo de vida.

Indico las coordenadas GPS por si es necesario para tener información de la llegada y el embarque al puerto de Bermeray (North Uist) N 57.69611 // W 7.19493 . A nosotros solamente nos sirve para poder hacer un desayuno rápido antes la visita a la isla.

Bermeray es una pequeña isla tiene una superficie de 10 Km. cuadrados que se distingue por ser una de las más montañosas con 85 metros de altitud, era conocida con el nombre de Islas de los Osos, conocida por sus playas limpias de arena bajo un sistema dunar. En 1999 se construyó una calzada que une la Isla de Berneray con Otternish en el North Uist.

Antes de comenzar la visita a Nort Uist queremos dirigirnos hasta el puerto de salida de mañana para reservar el ferry que finalice el recorrido por las islas Hébridas, salimos desde la localidad de Lochmaddy, está a unos 18 kilómetros, vamos a reservar porque es el trayecto más largo y seguro que es el más complicado de todo el viaje.

La carretera por el norte de la isla es nueva, muy bien asfaltada y pintada pero es de un solo carril con doble sentido Single-track road hay continuos passing place, la conducción es bastante fluida porque apenas nos cruzamos con un vehículo.

Llegamos a la localidad de Lochmaddy donde nos dirigimos directamente a la estación del ferry donde podemos canjear nuestro billete abierto y hacer una reserva para mañana domingo a las 20,40 horas.

Lochmaddy su hombre significa el Lago de los Perros, es un localidad que representa el centro administrativo del Norte de Uist, era un lugar habitado según testimonios desde 1610 como un lugar de reunión para los piratas porque sus calas eran sitios ideales para esconder sus mercancías. La actividad comercial de tiendas y edificios públicos se ha generado debido a la actividad portuaria, y hoy el pueblo tiene el único banco, palacio de justicia, oficina de turismo y albergue juvenil. Aunque no pensemos que es una ciudad llena de calles, los edificios se distribuyen a lo largo de la carretera principal en construcciones de una sola altura.

Aquí comenzamos la visita a la isla de Nort Uist, antes marchamos a la oficina de turismo donde nos dan un mapa turístico, por cierto, no muy bueno pero gracias a la pericia de su responsable nos permite indicar los mayores atractivos que mayoritariamente son sus playas.

Nuestra intención es bajar hasta la última isla de Eriskay en el sur y quedarnos a dormir en alguna paradisíaca playa blanca.

Partimos por la carretera A865 en dirección sur para atravesar toda la isla de Norh Uist, llegamos al puente de un solo carril que une la isla de Benbecula. La capital de la localidad es Balivanich que dejamos a la izquierda de la carretera. Unos kilómetros más adelante cruzamos otro puente, casi mejor, una calzada elevada que nos une con la isla de South Uist, en esta parte la carretera es de doble sentido y esta mucho mejor cuidada y asfaltada.

Nada más pisar la isla de South Uist hacemos una parada a la escultura de granito de Nuestra señora de las Isla, en gaélico se llama: Moire ro Naomh nan Eilean o Bana Thighearna nan Eilean, es una escultura dedicada a la Virgen María.

La estatua está situada en las laderas occidentales de Ruabhal, una colina cerca del extremo norte de South Uist. Se encuentra al este de la carretera A865. Para poder visitarla hay que andar por un camino pavimentado se extiende desde la carretera a la estatua. La coordenadas GPS del lugar corresponden con N 57.34282 // W 7.36479 .

La estatua fue encargada después de la disputa con la Secretaría de la Defensa porque quería destinar esta parte de la isla para realizar amplia gama de pruebas militares con mísiles. Esto habría destruido gran parte de Uist, y que la gente debía de participan en la construcción de una ciudad militar, así como instalaciones para mísiles. La gran alarma social causaba la preocupación por la destrucción de una gran parte del camino de la isla de la vida, la cultura y el idioma. La resistencia a las propuestas del Ministerio de Defensa fue dirigida por Canon John Morrison, el párroco local. Se encargó y recaudó fondos para la construcción de la estatua. La escultura fue terminada en 1957, y dedicada en 1958.

La escultura fue diseñada por Hew Lorimer, y esculpida en granito traído desde fuera de la isla. En 2007 la estatua fue catalogada como un edificio protegido de categoría especial.

Continuamos el camino unos 12 kilómetros más para visitar el llamado castillo de Ormacleit. Hay que pensar que Ormacleit es más una casa fortificada que un castillo. No hay torres ni pináculos aquí, simplemente queda en pie una impresionante estructura de una mansión en ruinas que mantiene la intención de mostrar el poder y la influencia del clan Ranald.

La construcción del castillo se inició hacia 1701 por Allan MacDonald, el jefe de Clanranald, en el sitio de una casa del siglo XVI a principios construida por otro Allan MacDonald, jefe de la 9ª dinastía. Fueron usadas una parte de esta casa medieval que se incorporo al edificio actual. El segundo MacDonald trajo a un arquitecto francés y equipo de albañiles para hacer el trabajo. Estos terminaron sus trabajos en un tiempo relativamente cortos, dedicando 7 años más para completar el proyecto, y Ormacleit fue ocupado desde 1707. Tan pronto como el castillo fue terminado se quemó en 1715, en la víspera de la batalla de Sheriffmuir (o en el mismo día, de acuerdo con otras fuentes). Tal vez fue un mal presagio, porque el jefe del clan murió en la batalla, y el castillo nunca fue reconstruido.

Llegar hasta el castillo no ha sido fácil porque no dejado de llover como si estuviéramos en la estación del otoño, actualmente está muy deteriorado y su acceso es un completo barrizal, lo que nos impide bajarnos de la autocaravana pero pensamos que no merece la pena llegar hasta aquí, ni siquiera utilizando una vista romántica de esta auténtica ruina.

Por si acaso indico las coordenadas GPS del lugar para llegar hasta aquí N 57.26084 // W 7.40904 .

Las condiciones climatológicas no mejoran, si no todo lo contrario, continuamos nuestro camino hacia el sur hasta el siguiente destino, se trata Cladh Hallan Roundhouses, es una zona desde donde se puede hacer una pequeña excursión por un yacimiento prehistórico.

Nos separan unos 18 kilómetros hasta el parking desde donde podemos hacer la excursión a Cladh Hallan. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 57.16446 // W 7.39679 .

Desgraciadamente llueve y hace mucho viento lo que nos impide salir de la autocaravana, aprovechamos para comer con la esperanza que esto mejore y podamos visitar la zona.

Una hora después nos es imposible salir. Indico que no se si merece la pena el lugar pero básicamente se puede ver una serie de construcciones de las que solamente quedan en pie los cimientos. Estas estuvieron habitadas por los primero pobladores de la islas habitadas durante la edad de bronce, entre los años 1.100 y 200 antes de Cristo.

En 2001, un equipo de arqueólogos encontró cuatro esqueletos en el lugar, uno de ellos era un hombre que había muerto 1600 AC, y la otra una mujer que había muerto 1300 AC. (Aproximadamente al mismo tiempo que el rey Tutankamón de Egipto). Al principio, los investigadores no se dieron cuenta que se trataba de momias, ya que el tejido blando se había descompuesto y los esqueletos habían sido enterrados. Pero las pruebas revelaron que ambos cuerpos no habían sido enterrados hasta alrededor de 1120 a.C, y que los cuerpos habían sido conservados poco después de la muerte en una zona de turba del pantano durante 6 a 18 meses. Los cuerpos fueron preservados, luego, aparentemente recuperados de la ciénaga y llevados dentro de una vivienda, es de suponer que tiene un significado religioso. Los arqueólogos no saben por qué los cuerpos fueron enterrados siglos más tarde. Los esqueletos Cladh Hallan difieren de la mayoría de los cuerpos del pantano en dos aspectos: a diferencia de la mayoría de los cuerpos del pantano, que parecen haber sido puesto en la ciénaga con el propósito expreso de la preservación (mientras que la mayoría de los cuerpos del pantano fueron simplemente enterrados en la ciénaga), la diferencia de la mayoría de cuerpos encontrados en el pantano es que sus tejidos blandos ya no se conservan en el momento de su descubrimiento.

Marchamos más al sur para atravesar el último puente que comunica con la isla de Eriskay. Llueve tanto que debemos de pararnos en una zona habitada frente a un cementerio para ver si escampa, las imágenes de las tumbas sobre un prado verde y frente al mar es evocador. Indico las coordenadas para el que me siga si tiene un mejor día pueda verlo con todo su esplendor. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 57.08463 // W 7.30896 .

Como el día no abre y no podemos hacer otra cosa mejor seguimos hasta la parte más al sur donde se encuentra un pequeño puertecillo desde donde sale un ferry que comunica con la siguiente isla Barra.

El lugar es interesante para poder pernoctar porque además hay posibilidad de vaciar el químico y llenar de agua potable. Las coordenadas GPS del puerto en la isla de Eriskay corresponden con N57.0703638 // W 7.3075599 .

En este momento tomamos la decisión de no quedarnos a dormir en la hipotética y bella playa del sur que imaginamos al llegar y regresamos en dirección norte hasta la zona más habitada de la isla en la localidad de Lochmaddy porque nos preveemos lo peor.

De regreso hacia el norte todavía nos quedan ganas de hacer una parada en la antigua iglesia de de la Parroquia de Carinish, es una curiosa iglesia con el cartel “For Sale”, nos bajamos y vemos que nos se puede echar un ojo al interior, por los ventanales la iglesia podemos ver que tiene todos sus bancos de madera y el púlpito del sacerdote, aunque está llena de colchones.

Así que quien quiera comprarse una iglesia construida en 1830 en esta recóndita parte del mundo solamente tiene que llamar al teléfono 01876 500329. Indico las coordenadas GPS para llegar hasta el lugar N 57.52174 // W 7.31358 .

Llegamos a Lochmanddy para pasar la noche, primeramente nos dirigimos al puerto para situarnos en la primera fila para salir mañana en el primer ferry pero en este momento el temporal es tan grande que decidimos que quedarnos aquí es incluso peligroso. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 57.5971479// W 7.1585874 .

Después de buscar varias alternativas en el pueblo nos quedamos en una zona un poco más resguardada, a nuestro lado hay un generador con un molino de viento que gira a tal fuerza que parece pueda despegar en cualquier momento. El parking indica claramente en frente no overnicht pero pensamos que estos momentos a nadie puede importar si está prohibido o no lo esta, en pocos minutos llega otra autocaravana que tapa el cartelito de la prohibición.

El parking para autocaravanas en Lochmanddy (North Uist) utilizado para la pernocta se encuentra en el Museo y Centro de Arte. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 57.59851 // W 7.158863 .

La noche es complicada, en la primera parte seguramente por los efectos del sueño no notamos nada pero a las 4 a.m. el viento sopla sobre nuestro trasero y parecemos un barco a la deriva en el mar, por mi cabeza pasa que en cualquier momento el viento nos pueda tumbar la autocaravana, miro por la ventanillas y los arbustos de dos metros rozan el suelo y se defienden del viento como pueden, decido vestirme por si la cosa se pone un poco peor podamos salir precipitadamente hacia otra parte del puerto y buscar alguna casa que nos proteja mejor del viento.

Durante una hora me mantengo despierto veo que a las 4,30 a.m. comienza amanecer “qué no es poco”, me ponga la radio y milagrosamente escucho la Cadena Ser , imagino que por los efectos del temporal trae hasta aquí sus ondas, de esta forma me entero en los informativos que el equipo olímpico español ha conseguido su primera medalla en la Olimpiada de Brasil.

Poco a poco la tormenta deja de ser tan virulenta y me quedo nuevamente dormido hasta primera hora de la mañana en que comprobaremos los daños

Cuando nos levantamos vemos que no hay nadie por la calle, nos dirigimos andando, con mucho miedo de salir volando, como podemos, hasta la estación marítima con la intención de cambiar la salida por el primer ferry del día que tiene previsto la salida a las 11,00 horas.

Nos indican que no saben si el ferry ha salido desde la isla de Skype pero que está cerrada la navegación y que están a la espera de más información y nuevas órdenes, que de todas formas el ferry no saldrá en la mañana.

Compruebo que los daños en la autocaravana han sido más graves de lo previsto, tenemos una raja de unos 5 cm. en el paragolpes trasero a la altura del soporte, no hemos tenido ningún golpe por lo que imagino que el viento y alguna pequeña fisura ha terminado por romper, encintamos toda la zona con la milagrosa cinta americana para que la raja no vaya a más y nos permita regresar sin mayor problema.

Vemos como continuamente llagan coches al puerto pero son desviados por lo empleados de la compañía marítima. Nuevamente y con mayores dificultadas marchamos al puerto para ver si hay novedades, nos informan que el ferry está a punto de llegar y que tiene paralizada la navegación hasta las 3 a.m. de mañana del 8 de agosto, pero antes de nosotros esta todo el pasaje que debía de salir a las 11,00 de hoy. Conseguimos que nos cambien la reserva a ese primer barco, aunque nos aclaran que no es tampoco seguro que pueda salir si para esa hora no mejora la climatología.

Sobre las 12 horas vemos en el horizonte el barco que llega a puerto de una forma accidentada, le cuesta un enorme esfuerzo entrar en el puerto, abre sus fauces y vomita un escaso pasaje, imaginamos el miedo que abran pasado sus ocupantes durante un trayecto tan agitado.

El resto del día lo pasamos en el interior de la autocaravana en una zona un poco más abrigada, lo hacemos en compañía de otra autocaravana que no parece molestarle que estemos tan cerca unos de otros sino todo lo contrario le protegemos del viento, y nos dedicamos a entretenernos de la mejor forma posible.

Este pequeño parking se encuentra enfrente del Lochmalddy Hotel, aquí no hay ningún cartel que impida la pernocta. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 57.59796 // W7.1585142 .

Después de un día sin hacer absolutamente nada, preocupados por el clima y por no saber si podremos abandonar esta madrugada pasamos el día tristes.

Almorzamos y cenamos sin movernos del sitio, dedicando las horas a leer, ver la tele y jugar a las cartas hasta las 22,00 horas en que nos acostamos para conciliar el sueño reparador , nos ponemos el despertador a las 2 a.m.

A las 1,30 p.m. me despierto precipitadamente, el viento sopla muy fuerte decido ir andando hasta el puerto para ver si es una realidad la posibilidad de la salida de la ratonera donde estamos. Me encuentro un empleado de la naviera organizando los coches que van llegando y me indica que el barco saldrá a las 3.am. pese a que el temporal no ha terminado pero es ya menos peligroso y tiene autorizada la salida del barco.

Cuando llegamos nos organizan según tengamos reserva o no y media hora antes vamos entrando lentamente, parece mentira la cantidad de coches y camiones y autocaravanas que hay y que puedan entrar todos.

Comienza el embarque por los coches, cuando tienen la mitad dentro, empiezan a meter dos camiones y por fin nos toca a nosotros, vemos como les dicen a los que no tienen reserva que tienen que esperar que todos los que la tienen estén dentro, al final entramos todos.

El trayecto entre Lochmaddy (North Uist) en el archipiélago de las islas Hébridas y la localidad de Uig (isla Skye) se realiza en unas 2 horas 30 minutos, lo hacemos en una butaca con la intención de dar alguna cabezada que complete el sueño reparador del día.

Llegamos al puerto de Uig y vemos que el parking de embarque esta completamente lleno para la vuelta. En un parking cercano vemos a dos autocaravanas pernoctando, aprovechamos su compañía y que hay suficiente espacio para echar otra cabezada hasta las 9,00 a.m., estamos en el parking de alguna tienda pero no creo que tenga inconveniente en dejarnos ese pequeño hueco durante esas pocas horas. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 57.58627 // W 6.37701 .

Comenzamos la visita a la isla de Skye por la carretera de montaña A855 que parte de la localidad de Uig, es de un solo carril “Single Track Road” con mucho tráfico lo que hace que extremos las medidas de seguridad. La carretera circula paralela al río Rha. Pasamos por el paraje denominado The Quiraing. El parking se encuentra situado en las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 57.628262// W6.290819 .

Desde este punto se puede hacer un paseo de unas dos horas que discurre a través de algunos de los paisajes más espectaculares de Escocia en la zona Trotternis. Cubre una distancia de 6,8 kilómetros, con el tiempo medio para completar la caminata, es de 2 horas.

Cuando llegamos el pequeño parking esta lleno, los coches se dejan en las cunetas y nos parece que lo mejor que podemos hacer es marcharnos porque es complicado meter un vehículo tan grande como el nuestro.

Cruzamos la isla por la parte norte de oeste a este, llegamos al parking para visitar los acantilados de Kilt Rock; IV41 Ellishadder Skye Escocia (Highlands), se puede pernoctar, pero cuando llegamos es tal la cantidad de vehículos y el consecuente agobio que da estas situaciones, aunque en este caso lo tomamos con paciencia y esperamos a que poco a poco se vayan marchando los vehículos. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 57.61093 // W 6.17306 .

El paraje se llama Mealt Falls dentro de los acantilados de Kilt Rock hay un salto de agua sobre el mar, con unas espectaculares vistas. Aparcar aquí es un tanto complicado porque hay muchos coches y autobuses pero decidimos tomarlo con calma hasta que conseguimos hacernos con un sitio para poder visitarlo sin agobios.

El lago de Loch Mealt es de agua dulce situado en el interior de la isla, está muy cercano al lago Ellishadder, localizado al sur de Staffin, en el lado oriental de la península Trotternish en la isla de Skye, es lo que se conoce como: las tierras altas de Escocia.

Este lago más o menos tiene forma de un cuadrado con una extensión de aproximadamente 1 Km. de longitud. Se encuentra cerca del mar y su lado oriental comprende la espectacular caída de 55 metros sobre el mar, se le conoce como los acantilados de Kilt Rock. Los acantilados están hechos con roca de estratos dolerita –granito negro– mezclada con estratos de roca de diferentes colores. El lago del acantilado de Kilt Rock cuenta con una espectacular cascada creado a partir de la salida de Loch Mealt.

Mas adelante hacemos otra parada en el paraje se denomina Lealt Falss donde antiguamente había una mina, es también de una gran espectacularidad, aquí hay menos afluencia de turistas porque no paran los grandes autobuses con japoneses. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 57.56574//W6.15524 .

El paisaje hace referencia a la desembocadura del río Lealt, este lugar tuvo una gran importancia económica porque se desarrollo la industria minera para la extracción de diatomita, en gaélico tenia el título de An Caile . La diatomita es una sustancia gris harinosa similar a la arcilla, que se encuentra en ciertos lagos de agua dulce y contiene muchos minerales usados en la producción de numerosos productos, desde bebidas, azúcares y cosméticos a los productos químicos, aceites industriales y pintura.

Nuestro siguiente destino es el castillo de Dunvegan, se encuentra en la parte contraria, en el oeste de Skye, para llegar seguimos hacia el sur por la carretera A855 hasta la localidad de Portree, allí cogemos la carretera A87, hacemos unos pocos kilómetros al norte hasta la intersección con la carretera A850 que cogemos en dirección este.

Continúanos el camino para visitar el castillo Dunvegan, dispone de un gran parking, es gratuito. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 57.44717 // W 6.58547 .

El horario para la visita es: 10 a. m. diaria-17:30 (última entrada 17:00) Billete familiar (2 adultos y 4 niños): 31.00 £.

El Castillo de Dunvegan está situado a dos kilómetros al norte de la localidad de Dunvegan en la isla de Skye, en la costa oeste de Escocia. El castillo pertenece a la familia MacLeod, forma parte del clan MacLeod. Es el castillo escocés que lleva más tiempo habitado, y ha sido el bastión del clan durante más de 700 años. En un principio no podía visitarse, hasta que en 1933 se abrió a los visitantes por vez primera. Desde ese momento, el castillo ha estado en los primeros lugares de las listas de atracciones más visitadas de Escocia. A lo largo de los años lo han visitado importantes personajes como Walter Scott, el doctor Johnson, Isabel II y el emperador japonés Akihito.

En la actualidad, los visitantes pueden realizar recorridos por el castillo y dar paseos en bote por el lago Dunvegan para ver algunos pueblos. También es posible alojarse en las estancias del castillo y hacer compras en una de las cuatro tiendas que contiene. En sus alrededores se pueden llevar a cabo actividades como caminar, pescar, comer en restaurantes locales, compras y acampadas junto a las montañas Cuillin. El castillo alberga importantes reliquias del clan como la Fairy Flag of Dunvegan, la Copa de Dunvegan y el Cuerno de Sir Rory Mor's.

La primera estancia que vemos es el Salón Comedor y la Biblioteca, ofrece una reconstrucción que se hizo en 1623 por Rory Mor y constituía la sección central del castillo. Une dos de las partes más antiguas: La Torre del Homenaje y la Torre de las Hadas. El decimoquinto jefe del clan Rory Mor estaba casado con Isabel Macdonald de Glengarry, eran muy dados a organizar suntuosas fiestas, donde asistían grandes personajes de la época como el trovador Clan Ranald, cuenta “Disfruto de la compañía de sus amigos en la fiesta, rodeado de música de arpas, copas llenas y jóvenes divertidos”.

El gaitero del clan Macleod, Donald Mor MacCrimnon animaba las fiestas con su gaita. El trovador irlandés Turlogh O'Muirgeasa había recitado sus versos. Rory Mor había ayudado a los O'Neills del Ulster en la lucha de Irlanda contra Inglaterra. Aunque la historia produjo importantes cambios porque Jacobo VI de Escocia sucederá a su prima Isabel en el trono de Inglaterra, momento en que Rory Mor viajo a Londres para ofrecer sus respetos a su nuevos reyes, los Estuardo del norte de Gran Bretaña, y en 1613, Jacobo VI lo invito a Greenwich donde le otorgó el titulo de Caballero. Durante su estancia aprovecho el tiempo para comprar ciertos muebles que luego traslado a Dunvegan, un aparador de roble, con este nuevo mobiliario comienza un cambio en la decoración del palacio.

La continuación de todo estos cambios son representados por el nieto de Rory Mor, era el decimoctavo jefe del clan Iain Breac, entre 1644 al 1693, momento en que la decoración se asemeja mucho más a cualquier palacio ingles. Se pueden ver dos enormes retratos pintados por el pintor Alam Ramsay: el de Norman, el jefe del clan durante la revolución del 45, y el de su segunda esposa.

A este jefe del clan se le apodaba “El Malvado”, sin duda termino dando la razón al apodo por sus crímenes espantosos, entre ellos el supuesto asesinato de su primera esposa (cuyo retrato se encuentra junto al suyo) en la mazmorra del castillo. Fue su nuera quien agasajo al famoso Dr. Johnson en el castillo; y su nieto de 18 años que impresiono muchísimo a los invitados de sus madre.

Este nieto de Rory Mor, fue el vigésimo tercer jefe del clan, llegó a obtener el grado militar de General. Su retrato fue realizado por el pintor Raeburn, está colgado sobre el aparador acompañado de su atractiva esposa, pintada tan bien por el mismo autor. La obra fue vendida en un momento de dificultades económica pero luego fue rescatada de la casa de subastas Sothebys por Sir Reginald MacLeod, el dueño de la famosa casa de subasta afirmo que era la primera vez que una obra puesta en el mundo privado del arte regresaba a sus antiguos propietarios.

Después del levantamiento jacobita de 1745, la vida que ejercían los clanes en Escocia desapareció completamente. Tanto el Malvado como el general fueron miembros que terminaron completamente arruinados en el momento de su muerte, y también la tercera generación, el nieto del general se encontró con las ruinas. En la entrada al salón, en la pared derecha, junta a la ventana, se encontrará su retrato. Su época fue marcada como la Gran Hambruna de la Patata de los años de 1847 a 1851, la misma catástrofe que desoló a Irlanda, y como resultado de la misma fue expulsado del castillo a los 39 años. Ningún otro jefe del clan pudo volver a vivir en el castillo, hasta 1929, cuan Sir Reginald, su segundo hijo, sucedió a su hermano mayor Norman Magnus, el vigésimo sexto jefe. Los retratos de los dos hermanos están colgados en las ventanas. El retrato del jefe actual, John MacLeod of MacLeod, está colgado sobre la chimenea. Es el regalo que le hiciera el jefe en 2002, la custodia de los fondos de la fundación Dunvegan del clan MacLeod está en los EE.UU.

En la Biblioteca se exponen muchos ejemplares únicos antiguos de interés histórico y familiar, y muchos de ellos son primeras ediciones. Sobre el pavimento hay una alfombra urdida con diseño persa, de alrededores de 1900, junto con el escritorio de George III, cerca hay una silla metamórfica de estilo “Royal Regency” hecha en madera de caoba, que se convierte en escalerilla de la biblioteca. Sobre la chimenea se halla el cuadro de Dame Flora Macleod, pintado en los años 1950.

El salón actual era hace seiscientos años el cuarto de estar del jefe de clan y su familia. El pavimento de piedra es todavía el antiguo, al que se ha superpuesto una tarima de madera; en el siglo XIV las paredes de la sala se elevaban a una altura de dos pisos, tenia un techo de madera sostenido por enorme vigas de roble. Había una chimenea en cada extremo, y saeteras en los lugares que luego se abrieron las ventanas. La sala esta decorada con tapices y armas, en el suelo se emplean juncos en lugar de alfombras.

El camino para subir a la parte superior de la Torre del Homenaje (The Keep) –construida por los diestros canteros del Rey David II en 1350– se hace a través de escaleras murales construidas en el rebaje de la pared, una de ellas aún se conserva y sirve para bajar a la cocina.

Despreciando la antigua profecía que anunciaba la muerte temprana al que lo intentara, el General Norman MacLeod (1722-1801), reconstruyo el tejado del ruinosa Torre e hizo esa estancia habitable. No sobrevivió mucho tiempo a su obra, que refleja su buen gusto por proporcionan un lugar de honor apropiado a la preciada posesión del Clan: The Fairy Flag.

La bandera (The Flag) es algo más que un tesoro de la antigüedad. Simboliza los misterios y la continuidad de todo el Clan. Se conoce poco sobre ella. Durante unos dos siglos, estuvo cerrada en un cofre, pero después estuvo expuesta al aire y no muy bien conservada. Se conoce su antigüedad –unos 1300 años, aproximadamente–, la seda ha sido identificada como procedente de Siria y Rodas y se cree pudo estar en la camisa o túnica de un santo; los cuidadosos remiendos , aun visibles, son muy antiguos. El doble reborde revela su uso como estandarte. En los anales del Clan, sus poderes no son mera leyenda. Se cuenta que en varias ocasiones inclino el curso de la batalla a favor de los MacLeod.

La primera de estas tradiciones relacionadas con el RC MacLeod cuenta cómo uno de los jefes del clan MacLeod se casó con un hada; Sin embargo, después de veinte años se ve obligado a salir y regresar al país de las hadas. Ella se despidió del jefe en el Fairy Bridge (que se encuentra cerca de 3 millas de Dunvegan) y le dio la bandera. Ella prometió que si se agitaba en tiempos de peligro y angustia, regresaría para ayudarles . Una tradición similar, relacionada con John Arnott MacCulloch, afirmó que la bandera era un regalo del hada que tenía poderes para salvar a su marido y a su clan, después llegaría a tener la bandera y su portador podría ir lejos porque se convertiría en invisible.

En 1938, se produjo un incendio en un ala del castillo de Dunvegan, y de acuerdo con Sir Lain Moncreiffe, las llamas se controlaron y extinguieron cuando la bandera se puso a buen recaudo. Durante la Segunda Guerra Mundial, el jefe del clan, Dame Flora MacLeod de MacLeod, recibió una carta de un miembro del clan que la dio suerte durante misiones de bombardeo sobre Alemania gracias a una foto de la bandera que llevaba en el bolsillo.

La Sala Norte es una parte que queda del antiguo edificio de tres pisos que había hecho construir el General Norman MacLeod –era el vigésimo tercer jefe del clan–, y que cumplía la función de barracas militares. Junto a la ventana al lado izquierdo de la pared se encuentra el cuadro del castillo que representa como era el edificio en el momento de su construcción. En la década de 1840 a 1850 las barracas fueron demolidas para ser reemplazadas por la sala del billar de estilo victoriano.

El general Norman fue comisionado por el regimiento conocido como los Highlanders de Frasser (71 batallón a pie) y se embarcó desde Greenock a Norteamérica a luchar en las guerra de la independencia americana. Capturado por un corsario norteamericano, fue hecho prisionero de guerra, y durante su estancia en prisión, entabló amistad con George Washington. Cuando recupero la libertad lucho con las fuerzas británicas en las colonias del sur.

Esta parte del castillo fue construida para albergar al 2 batallón de los Black Warch, que Norman formó al regresar a Dunvegan en 1781. Unos pocos años después se le convocó para luchar en la India , con hombres que había reclutado miembros del clan. En 1785 ya había ascendido al rango de General, y era comandante segundo de la armada británica en la India.

En esta sala se expone un extraordinario cofre con filigranas, es un regalo que le hiciera la reina de Cannadore a Norman, cuando se encontraba de servicio en el sur de la India. Las fuerzas comandadas por el general habían sitiado la ciudad y al rendirse, la reina le ofreció matrimonio, Norman le explico que ya estaba casado, pero ella le respondió “Eso no tiene la menor importancia”.

Uno de los objetos más importantes es la Copa de Dunvegan. Fue obsequiada por Sir Ruairidh (décimo quinto jefe del clan) por los servicios ofrecidos a los O'Neil del Ulster contra las fuerzas invasoras de la Reina Isabel I de Inglaterra en 1595. El centro de madera de esta copa data de 1493. La inscripción que se puede leer en el centro superior son las primeras líneas del salmo 144, lo cual sugiere que esta copa podía haber cumplido la función de cáliz. Junto a ella se encuentra el cuerno de Sir Ruaridh Mor. Según la tradición, todo heredero de la jefatura del clan debía de beber su contenido en un solo trago “Sin bajarla y sin caerse una gota”.

Cerca se exponen los accesorios de la vestimenta militar de Sir Walter Scott, recomendó que los jefes de los clanes de la tierras altas usaran durante el recibimiento oficial de George IV de Edimburgo en 1822, John Norman tomo estas sugerencias tal vez demasiado al pie de la letra como puede observarse en el retrato que esta en el Recibidor Principal.

Uno de los mejores libros expuestos en la biblioteca, es el “Dunvegan Amorial” fue completado entre los años de 1582 y 1584, donde aparece la colección heráldica del clan. Perteneció previamente a William Shaw, maestro de obras del rey Jacobo VI de Escocia.

La Carta Real entregada a Alasdair Crotach (octavo jefe del clan) por el rey Jacobo IV de Escocia en 1498, es de un gran significado para el clan MacLeod. Es importante porque siete generaciones de los jefes MacLeod han sostenido un dominio sobre estas tierras.

Una de las ironías de la historia es el que el enemigo de hoy puede ser el gran aliado del mañana. Dos ejemplos aparecen dentro de las reliquias jacobinas en la exposición situadas dentro del gabinete que se encuentra en la parte izquierda de la sala. En el levantamiento de 1745, el jefe MacLeod –conocido con el sobrenombre del Rojo– era un declarado enemigo del príncipe Carlos Eduardo Estuardo. Sin embargo unos años después, Flora MacDonald vino a vivir al castillo con su hija. Que se había casado con el jefe MacLeod, era un hijo ilegítimo de Norman MacLeod (el vigésimo segundo jefe del clan).

En la sala se exponen también otros objetos pertenecientes a Flora MacDonald entre los que se encuentra su corsé, su alfiletero y un rulo del príncipe Carlos, qué este le diera como un recuerdo como una forma de agradecimiento por haberlo ayudado a evadirse de la captura de los ingleses.

En un rincón de la sala se halla el busto de Emily Sarah MacLeod, era la hermana de vigésimo quinto jefe del clan. Luego de los estragos que causo la hombruna de la patata, Emily permaneció en Dunvegan, en una pequeña casita del pueblo. Dedico su vida a aliviar las aflicciones causadas por el terrible desastre. Se generación fue la ultima que usó el idioma gaélico como su primera lengua.

Se puede ver un gran colmillo de elefante fue un regalo que le hicieran al famoso cazador victoriano, Arthur Henry Neumann (1850-1907), a Norman Magnus. En su juventud Norman Magnus era el comisionado político de la tribu Zulu en Sudáfrica, y fue allí donde entablo amistad con Neumann. Norman le invito al castillo de Dunvegan para que encontrara allí el lugar pacífico que necesitaba para terminar su libro “La caza de elefantes en el este de África Ecuatorial”.

Salimos del castillo para pasear por los Jardines del Palacio Castillo ocupan una superficie de cinco acres que fueron construidos en el siglo XVIII. Destacan por el contraste con el páramo estéril, que domina el paisaje de Skye, los jardines son un oasis escondido que ofrece una mezcla de las plantas, claros de bosques, brillantes piscinas alimentadas por cascadas y arroyos que fluyen hacia el mar. Hay que ver el jardín del agua con sus puentes adornados e islas repletas de una variedad vegetal rica y colorida, pasear por el elegante entorno del Jardín formal de la Ronda. El jardín amurallado bien vale la pena una visita para ver sus colores de herbáceas y recientemente añadido invernadero de estilo victoriano. En la antigua huerta del castillo, hay un Museo dedicado al jardín con una amplia gama de plantas y flores que complementan las características atractivas, incluyendo un estanque de nenúfar, una urna neoclásica y una pérgola. Una cantidad considerable de plantas para hacer una paisajismo que ha venido desarrollándose durante los últimos 30 años para restaurar y desarrollar los jardines de Dunvegan.

Terminamos de ver el castillo cuando verdaderamente nos echan, son las 17,30 horas. Hoy es el último día en las islas Hébridas, todavía nos queda en recorrido hasta Armadale que se encuentra en el sur-oeste, para embarcar en el ferry que nos conduzca hasta la Escocia continental.

La isla de Skype dejo de estar comunicada únicamente por el ferry cuando se construyó el enorme puente situado en la parte sureste; por lo que no es necesaria la utilización del ferry desde el puerto Armandale pero como el trayecto entraba en la oferta de la naviera Colmac pues decidimos utilizarlo porque además nos quitamos unos 90 kilómetros de carretera.

Pongo los datos en el navegador y me indica que la hora prevista a Armadale es a las 16,45, nuestro barco esta previsto la salida a las 19,15 horas por lo que tenemos el tiempo muy justo para la llegada hasta el puerto. Además, ignoramos como esta la carretera por este lado de la isla.

Salimos un poco precipitados por la carretera A863 en dirección sur-este, afortunadamente tiene poco tráfico de turistas, esta bien pavimentada y señalizada. En la población de Sligachan cogemos la A 87, esta ya la conocemos y esta muy bien, discurre una decena de kilómetros cuando nos desviamos en la población de Skelemus para coger la carretera A851, esta no tiene tráfico y también esta muy bien lo que nos permite llegar a las 18,40 horas, justo antes de que salga el primer ferry, por desgracia no podemos entrar en este.

A la hora en punto tomamos el último ferry desde Armandale (islas Hébridas interiores) hasta el pequeño puerto en la Escocia continental en la localidad de Mallaig. El barco parte a las 19,20 horas Las coordenadas GPS del puerto de salida N 57.06443 // W 6.89520 .

El trayecto es tranquilo y en 40 minutos estamos en Mallaig, proseguimos un poco el viaje porque todavía es muy de día y decidimos seguir hasta la ciudad de Fort William, donde llegamos en una hora.

Lo primero que hacemos nada más llegar a Fort William es buscar una gasolinera con un precio decente del gasóleo y con grifo para el llenado de agua potable, encontramos la más cercana al parking donde el gasóleo esta a 1,067 £ el litro y además nos ofrecen el grifo de agua potable situado en el exterior.

Dejamos la autocaravana en el parking de Fort William para vehículos grandes, donde hay un apartado para autocaravanas, es gratuito desde las 22,00 horas hasta las 8,00 a.m. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N56.82152//W 5.10338 .

Decidimos no hacer cena y marchar al MacDonalds cercano, a nuestro regreso podemos ver que cuatro de las autocaravanas de italianos que estaban en el parking se han marchado al parking siguiente situado en el Lidl, hacemos lo mismo para no tener que levantarnos mañana a las 8 a.m. para sacar el ticket y así poder dormir seguidos hasta las 9.00 horas.

El parking para autocaravanas en el hipermercado Lidl de Fort William, es vigilado por cámaras y es gratuito. Las coordenadas GPS del lugar corresponde con: N56.82161 // W 5.10196 .

La noche en el parking del Lidl es tranquila y para agradecer su acogida hacemos una compra con las cosas más necesarias por un importe de 24,52 £, ya he mencionado con anterioridad que es un gesto imprescindible para que las cadenas comerciales de distribución vean con buenos ojos el que podamos pernoctar en sus parking el hacer algo de gasto porque así no nos verán como unos gorrones, nos verán como unos clientes importantes.

Emprendemos la salida después de las compra y de volver a llenar de agua la autocaravana con destino a la segunda ciudad de escocia Glasgow, nos separan menos de 200 Km. pero entre las paradas y las condiciones de la carretera necesitamos toda la mañana para llegar al destino.

La carretera que une ambas localidades es la A 82, no puede decirse que sea mala pero el trazado, el trafico del verano y la mayoría los conductores no habituados a circular por Escocia la convierten en una ratonera.

La carretera esta llena de curvas sin señalización del limite de velocidad, tiene el ancho justo para dos vehículos pero cuando estos son del tamaño de un camión, autobús o similar se convierte en una peligrosa cortadora, tiene numerosos estrechamientos con puentes piedra tan cortos como un metro de largo pero que si coincide con el cruce de dos vehículos grandes, el lío esta armado. Nosotros pese a nuestro conocimiento de la zona casi chocamos con un camión en unos de los estrechamientos y en otro nos quedamos encajonados con un autobús porque además estos conductores no tienen paciencia, han convertido este tramo peligroso de la carretera en la ley del más fuerte.

Lamentablemente no entiendo como esta situación se produce en las puertas de la segunda ciudad más poblada de Escocia donde la autopista se abre unos 20 Km. antes de la llegada, ¡si antes llegas con vida!.

Acudimos directamente al parking señalizado como P+R+Bus para vehículos grandes, cuando entramos nadie nos dice nada y ocupamos el mínimo espacio dejando la trasera en un zona que no impidiese el acceso a los viandantes. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 55.85050 // W 4.27182 .

El empleado del parking nos informa de su funcionamiento porque las máquinas automáticas están fuera de servicio. El pago del parking es de 4 £ y con ese billete sirve para uno de los ocupantes pueda viajar gratuitamente por el transporte público de Glasgow durante todo el día, el resto de los ocupantes debemos de pagar 1 £ por persona y puedes viajar ilimitadamente durante el día. El autobús que te lleva al centro es a la ida el número 91 y a la vuelta es el número 92, ambos actúan como un bus circular en distintos sentidos.

La ciudad me decepciona un poco, porque es muy grande, la mayor de Escocia, incluso más grande que Edimburgo, la tercera del Reino Unido, casi tanto como la ciudad de Madrid. La importancia de la ciudad es muy grande en Escocia porque representa el 41% de su población. De su pasado industrial poco a poco esta desapareciendo porque llegó a ser la ciudad más importante del Imperio Británico. Todos estos testimonios se van borrando de su arquitectura hacia nuevos proyectos en la banca o la enseñanza. Barrios enteros se han tirado para edificar unos edificios más modernos y vanguardistas.

Llegamos en el bus hasta mismo centro de la ciudad donde se encuentra la calle George Square en la cual se levanta el edificio Glasgow city Chambers, en la plaza están los monumentos y memoriales más significativos que incluye el Cenotafio con el memorial por la guerra.

La ciudad esta llena de esculturas de los principales lideres. Destaca la estatua ecuestre del Duque de Wellington confeccionada por el artista italiano Carlo Marochetti, erigido en 1844. La cabeza de la estatua apareció un día con un cono de tráfico y se ha convertido en un icono de la ciudad, representaba el humor de la población local y se cree que se remonta a la primera mitad de la década de 1980.

Nos sorprende nuevamente la ciudad de Glasgow, en un momento nos encontramos perdidos porque hemos llegado un poco tarde y con pocas horas poder descubrirla, para poder ayudarnos nos servimos de la oficina de turismo de la ciudad, se encuentra a escasos metros en la Gallery of Modern Art, donde nos facilitan un mapa y un planning para sacar partido a las horas que nos quedan en la ciudad.

El monumento más importante de la ciudad es la catedral de St. Mungo's y es el primero que queremos acudir para ello seguimos por la calle Ingram Street hasta la calle de High St. que nos lleva directamente hasta la catedral, desgraciadamente el mapa nos confunde y todo parece estar mucho más a mano, en hacer el trayecto andando tardamos más de media hora.

Afortunadamente nos sorprende la imagen medieval de un barco de piedra varado que conmemora la vida de San Musgo que fundo un pequeño templo, obra del primer obispo de Glasgow que se llamaba San Kentigern cuyo apodo era el de Musgo.

El actual templo se puso la primera piedra en el año 1136, aunque luego fue destruida en un incendio y se volvió a consagrar una nueva catedral en 1197 durante el mandato del obispo Guillermo de Bondington, aunque las obras duraron muchos años y el coro se terminó de construir en el siglo XIII y la nave en el siglo XIV.

El interior de la catedral es de tres naves donde la central es mucho más amplia que las colaterales. La nave central esta ordenada en la cabecera al oeste y el coro al este, mientras que las naves laterales están ordenadas de norte a sur.

La catedral es el templo más grande de toda Escocia, tiene 87 metros de largo; la anchura de la nave es de 63 metros; y la altura es de 32 metros.

Las columnas sujetan una techumbre abierta de madera, en contraste con el techo del coro, que tiene un diseño medieval tardío, y la mayor parte de la madera data del siglo XIV.

Una buena parte de la catedral esta decorada con estandartes del ejército vinculado con la ciudad o con Escocia y las Highlands, estos los podemos ver en distintas estancias del edificio.

Sobre la puerta de entrada se puede ver un enorme rosetón multicolor, es uno de los mejores ejemplos de vidrio instalado en la catedral durante el siglo XIX.

Si caminamos por la nave de la derecha, para los católicos nave de la epístola, podemos ver la esquina Cameroian, fue un regimiento que nació desde el afán reformista que tenían los Covenanters (predicadores pro-reformistas) y de sus seguidores quienes, en la Escocia del siglo XVII estaban dispuestos a luchar y morir por la libertad de culto.

La nave se puede observar como esta desnuda de decoración salvo las conmemoraciones belicistas que hasta conmemoran los conflictos de la Guerra de Las Malvinas y el Golfo, monumentos de infantería, de paracaidistas, etc.

En los pilares de los altares de la nave lateral se ven unas marcas causadas por la eliminación de altares que habían sido colocados en los pilares del siglo XV hasta la Reforma. El altar con un retablo estaba normalmente puesto contra la cara oriental del pilar, y las otras tres caras estaban rodeadas por una reja en la parte inferior.

Cada uno de estos altares estaba dedicado a un santo en particular y se sabe que algunos estaban relacionados con organizaciones gremiales, en particular con la Casa de Comercio en Glasgow como eran de los peleteros, de los sastres, tejedores, albañiles. Más tarde, en el tiempo de la Reforma estos altares se eliminaron junto con las imágenes de los santos.

En aquellos tiempos la catedral fue atacada con violencia y se vio al borde de ser destruida por completo, el edificio fue salvado de una destrucción fatal gracias a los Comerciantes de Glasgow, quienes incluso llegaron a tomar las armas para defenderla.

Como ya he citado anteriormente estamos ante un edificio que carece de decoración debido a los ataques de la Reforma , entre lo poco rescatado, cerca del púlpito de madera podemos contemplar un cuadro fue un regalo del Doctor y la Señora Nevile Davidson. Es una copia de estudio de “La adoración de los Pastores”, obra de Camillo Procaccini, nacido en Bolonia en 1546 y fallecido en Milán en 1625. El original de esta pintura se encuentra expuesta en la Galería de Brera en Milán.

La iglesia de la planta baja se encuentra situada en el brazo del crucero norte. Es un apartado distintivo de la Catedral y no puede considerarse una cripta porque no es subterránea.

Fue construida para aprovechar los desniveles de tierra en la parte oriental de la catedral y corresponde con un verdadero reto constructivo para el maestro de obras diseñando un bosque de columnas que soportase el peso de la Catedral en la planta superior.

Esta zona es el único trozo que queda como ejemplo de la reconstrucción y expansión que sufrió la catedral en el siglo XII hacia el extremo oriental, fue comenzada y completada por el obispo William de Bondington (1233-1258).

Esta iglesia cumple una doble función, uno era de servir para instalar el sepulcro de San Ketigern (san Musgo) y otro la provisión de capillas adicionales y altares. En 1451 un decreto en papel declaro que el peregrinaje a la catedral de Glasgow igualaría en mérito al que se hacia a Roma, por esta razón, los peregrinos veían y hacían ofrendas en el sepulcro y en el santuario situado en el Coro detrás del altar mayor. La tumba se encuentra situada en un espacio formado por cuatro columnas directamente posicionadas debajo del altar mayor de la plata alta y fue diseñado para soportar su peso. Un factor importante que contribuye a la belleza y el interés de la Iglesia de la planta baja es la colocación de pilares más grandes alternados con pilares más pequeños y de diseños diferentes.

Entre los peregrinos más notables que acudieron en peregrinación al lugar santo, destaca el rey Eduardo I, quien visito la catedral en tres ocasiones en 1301. Se alojo en el Monasterio de Blackfriars cerca del lugar donde esta la vieja iglesia de Blackfriars y la Universidad de Glasgow.

La tumba esta cubierta con un mantel bordado y seis arrodilleras, diseñados por Malcon Lochhead y confeccionados por el Gremio de bordadoras. El mantel esta compuesto por 1864 pedazos de seda Sekers, con motivos de oro y plata.

La iglesia tiene los restos más antiguos de la catedral del siglo XII, si continuamos por el pasillo sur se puede ver un fuste con un bóveda sencilla en la que destaca su distintiva decoración del siglo XII tardío.

Al este del sepulcro se encuentra en el pilar central el lugar donde se corresponde con la antigua localización del Altar de Santa María de la Cripta , estaba destinada para la devoción de los peregrinos. La bóveda es el siglo XIII y corresponde con la terminación de la construcción de la iglesia de la parte baja.

La cabecera está dividida en cuatro capillas, la parte de la iglesia que se encuentra más al sur corresponde con la Capilla de San Juan Evangelista, aquí se encuentra la fuente de San Musgo con la cual, probablemente al principio dio agua en la comunidad monástica. En la ventana se ve la obra de Clayton Bell que muestra San Kentigern bautizando al niño Rhydderch, rey de Strathclyde.

Esta capilla actualmente contiene fragmentos que muestran la santidad de San Kentigern, que datan del siglo XIII, y otros fragmentos de antiguas torres.

La capilla de San Andrés, es conocida como la Capilla de las Enfermeras, fue decorada por asociaciones de enfermería para su uso. Desde entonces el Colegio Real de Enfermeras y otras organizaciones se han encargado de amueblarla.

La capilla de San Pedro y San Pablo, es la siguiente a la de San Andrés. Los arcos son originales del siglo XIII, fueron remodelados al final de ese siglo para formar un arco sencillo dentro del cual se encuentra una figura yaciente, una esfinge de Robert Wishart (1271-1316). A la figura de piedra le falta la cabeza. En la figura se puede apreciar la vestimenta de la misa, la marca de la mitra en el cojín, y las figuras dañadas de ángeles en la cabeza y los pies. Esta figura en el siglo XIX estaba tendida en el sepulcro de San Mungo.

En la capilla se puede ver la ventana con un vitral es obra de Gordon Webster y conmemora el Reverendo Dr. Neville Davidson.

La capilla situado en el ala norte corresponde con la dedicada a San Nicolás, está decorada con el patrono de los marineros y de los niños. Hay una placa redonda en memoria de los no nacidos y de los muertos neonatales.

La iglesia de la planta baja tiene una serie de vidrieras del siglo XIX, todas las antiguas fueron destruidas durante la Reforma. En el extremo norte del deambulatorio son obra de Ballantyre y Allan donde se representan a San Kentigern y san Columba con Rhydderch de Trathclyde; en la segunda se pude ver al Arzobispo James Boyd, Alexander Burnet y Hohn Paterson. Estas vidrieras fueron un regalo del Reverendo John Hamilton.

Subiendo la escalera volvemos a la catedral para observar sus vidrieras son modernas, en el pasillo norte del coro. La primera, tercera y quinta vidriera forman una serie con el tema “Cristo y el Mundo”. La primera, “Cristo y el trabajo del Mundo”, la tercera “Cristo y la felicidad del mundo”, ambas obra de Herbert Hendrie y dadas por Sir John Stirling-Maxwell. La quinta vidriera titulada “Cristo y la belleza del mundo”, fue obra de Sadie Pritchard, fue un regalo de la Glen , conocido propietarios de barcos.

La segunda vidriera está elaborada en una forma moderna del grisáceo medieval. El artista fue Carl Edwards y el donante fue el coronel J.R. Lamberton. La cuarta vidriera que es también grisácea, fue obra del artista Robert Armitage y el donante de la misma fue el teniente-coronel J.H.

Sobre el deambulatorio hay un conjunto de vidrieras, en el extremo norte con dos ventanas obra de Herbert Hendrie y donadas por Sir Achibal Camphell de Succoth. Donde se representan a San Andrew, Santo Patrón de la Gente de Escocia, San Juan, Santo Patrón de los reyes de Escocia.

Las vidrieras en la capilla situada más al norte son de Marion Grant, y fueron donadas por William McCall. Representan a San Ninian y Casa Candida en Whithorn, y a San Columba y la abadía Iona. Las siguiente cuatro vidrieras fueron donadas por una persona anónima. Fueron diseñadas por Francis Spear e ilustran: La Natividad , la Crucifixión , la Resurrección y la Ascensión. Las vidrieras de la Capilla de San Stephen y de San Lawrence son de Gordon Webster y representan a los dos santos. Fueron donadas por los Amigos de la Catedral en memoria de Lord Steven Bilsland que llevo acaba la modernización de las vidrieras de la catedral.

En el extremo sur del deambulatorio hay dos ventanas obra de Christopher Webb donde se representan a la Reina Margaret y al Rey David I, fueron donadas por John W. Train. Otra vidriera con dos secciones tiene representado un diseño masónico realizado por Robert Armitage, fue donado por The Lodge of Glasgow, en San John nº 3.

Aquí damos por terminada la visita a la Catedral de San Mungo, tenemos dos opciones adentrarnos en el inmenso cementerio adjunto o bien recorrer los principales graffiti del centro de Glasgow. Optamos por elegir la segunda posibilidad en un recorrido por los más importantes Murales pintados en la ciudad.

El arte urbano es uno de los platos fuertes de la ciudad de Glasgow, se ha convertido en uno de los mejores lugares del planeta para ver “Street Art”. En el espacio de la ciudad que menos lo esperas te encontrarás con dibujos urbanos de todo tipo llenos de color y creatividad que convierten solares vacíos, pareces grises, muros de casas en construcción en verdaderas obras de arte.

Glasgow es una de las ciudades más vibrantes y creativas de Escocia. Desde el principio de los tiempos, sus salas de conciertos han dado algunos de los mejores grupos de música del momento, sus universidades y escuelas han engendrado nombres tan imborrables como el de Charles Rennie Mackintosh y sus salas de exposición se han llenado de arte.

Algunas de estas obras urbanas fueron encargos del Ayuntamiento de Glasgow, que se esmeró en llenar la ciudad de arte y cultura cuando en 2014 fue sede de los Juegos de la Mancomunidad , y que incluso creó un mapa llamado City Centre Mural Trail.

Otros murales han sido pintados con la colaboración de galerías de arte, y otros son espontáneos, y desaparecen tan rápido como toman las calles. Pero algunos nombres no dejan de repetirse: Smug, Rogue-one, Klingatron, Recoat, etc.

El primero que vemos se sitúa en la calle Argyle Street se titula “Animales en la Cafetería”, es un obra de Smug que muestra lo que se puede lograr con un poco de imaginación. Los detalles hacen que pensemos que se trata de una cafetería de verdad, en la que distintos animales toman algo mientras miran por la ventana.

El siguiente Mural ocupa la fachada de un negocio en la calle Miller Street número 5, corresponde a una barbería con el nombre Safe Hands. Entre la autopublicidad indican “ Los sueños de un grupo de chicos para convertirse en el mejor barbero se ha materializado en la mejor peluquería que nunca se levantó en Glasgow”. La obra del artista Smung donde se representan una mano y unos dedos con uñas manchadas que sujetan el cartel de la tienda.

El siguiente lo vemos en el Edificio Graham Hills, se encuentra la Universidad de Strathclyde, en la calle George Street nº 40, representan una serie de murales de los edificios públicos donde se han pintado una serie de murales dentro del campus de la Universidad de Strathclyde. Es una obra de Rogue One, en la parte izquierda se puede ver un planetarium sobre un mar infinito de estrellas donde sobre vuela una estación espacial. El otro mural de la pared se titula “ La Nave Tierra ”.

Un poco más adelante se encuentra el espléndido mural titulado “El Pájaro que nunca voló”, es una obra de Smung, se encuentra situado en la calle de High Street, y se dice que está basado en la figura de San Mungo que representa el Santo Patrón de Glasgow.

La historia cuenta que cuando era joven Mungo, unos chicos de su pueblo comenzaron a tirar piedras a los petirrojos que picoteaban en el suelo buscando las sobras.

El ave fue golpeada y cayó al suelo. Los chicos salieron corriendo. Mungo corrió, también, pero él corrió hacia el pájaro caído. Recogiéndolo alisaba y acarició sus plumas y rezó sobre él. Después de un rato se revivió y se fue volando. Tal vez fue porque sólo estaba aturdido. Los aldeanos lo calificaron como un milagro y así fue que un niño debe ayudar a un pájaro caído cuando tiene problemas.

El siguiente es un enorme mural en un edificio de seis pisos obra de Aske one, se encuentra situado campus de la Universidad de Glasgow, en el numero 230 de la calle de la Catedral.

Más adelante pasamos por otro de los murales más grande del artista Rogue, está pintado en la calle de John Street, describió su inspiración: “Pensamos que un concepto interesante sería tener cuerpo de bailarines con forma de marionetas. Tomé mi influencia de una cubierta de Beastie Boys y una imagen Run DMC”.

Desde aquí nos trasladamos al festival de Gaitas denominado Glasgow International Piping Festival se celebra desde el día 8 al 14 de agosto, su nombres es Piping Live!. Hay numerosas actuaciones a lo largo de la ciudad, unas son de pago y otras son gratuitas. Elegimos ir hasta la plaza de George Square porque allí se celebran las presentaciones de las distintas bandas de gaiteros con una pequeña actuación, es gratuita. Además la plaza está rodeada de unos stand que giran en torno de la gaita, el llamado The Pipers' Market.

El Festival Internacional de Gaitas en directo de Glasgow es más grande de su tipo en todo el mundo, la duración es de una semana donde se concentran más de 200 eventos en diversos lugares de la ciudad. Los músicos actúan en la plaza todos los días que dura el festival, trae a los mejores gaiteros y músicos al corazón de la ciudad. Se celebra el concurso anual de gaitas de ámbito internacional, abarca desde grandes grupos hasta de cuartetos también habrá conciertos especiales el jueves y el viernes por la noche, lleno de colaboraciones y nunca antes vistas entre los músicos con gaitas y también participan músicos tradicionales llegados desde el extranjero. El festival también celebrará Año de la Alimentación de Escocia y bebidas en el “Mercado Pipers” en la plaza George, mostrando lo mejor de los productos frescos, locales, escoceses.

Son las 17,00 horas y ya las posibilidades de extender la visita son nulas, salvo que nos quedemos mañana en Glasgow pero tenemos que iniciar el regreso hacia el sur para estar más cerca de Dover. Nos hemos quedado sin poder visitar en la ciudad el Kelvingrove Art Gallery and Museum, es el museo y galería de arte más importante de Glasgow (Escocia) y tiene una de las mayores colecciones de arte cívico de Europa. El museo es la segunda mayor atracción turística de Escocia y el museo más visitado de todo el Reino Unido fuera de Londres.

De todas formas vamos a prolongar un poco más la visita a la ciudad para ver un poco escaparates y tiendas pero desgraciadamente esto dura poco porque a las 18,00 horas no hay nada abierto y por la calle no circula ni el tato.

Para regresar al parking P+R cogemos el autobús circular que hace la ruta en sentido contrario al de la mañana, es el número 92 y la ruta se llama River Clyde.

La noche es perfecta en el parking, a las nueve de la mañana las barreras del parking están bajadas y con el ticket de ayer no se abren, viene el empleado del parking y nos dice que debemos de ir a la taquilla del metro para pagar nuestra estancia nocturna. Una vez allí la taquillera nos dice que en el parking no se puede pasar la noche, la verdad es que no hay ninguna señal que lo prohíba, nos dice que debemos de pagar 8 £ más por pasar toda la noche, bueno no es nada caro y nos parece muy justo, aunque no entendemos que existiendo ese parking no abra la posibilidad para que todas las noches podamos estar allí, siendo una posibilidad real para aumentar el atractivo turístico de la ciudad de Glasgow.

Salimos en dirección a Chester camino de Inglaterra, nos separa 386 kilómetros y esperamos hacerlos en toda la mañana, aunque tenemos previsto hacerlo en poco más de 4 horas.

A primera hora de la tarde llegamos a Chester y nos vamos directamente al parking que tenemos señalado. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N53.18423 // W 2.89480.

El parking que utilizamos se llama Little Roodee Car Park, en estos momentos hay unas doce autocaravanas y algunos autobuses, parece el sitio perfecto para visitar la ciudad y poder pasar la noche con tranquilidad. El precio indicado para las tres primeras horas es de 4 £ , las siguientes hasta las 6 horas son 5 £ ; más de seis horas 5,80 £ ; y si llegas después de las 17,00 horas 1,50 £ . No hay ningún indicativo que esté prohibido dormir y por lo que parece lo haremos en compañía bastantes autocaravanas.

El parking se encuentra muy cerca de los restos del Chester Castle: Agricola Tower and Castle Walls, fue fundado por Guillermo el Conquistador en 1070 y se convirtió en el centro administrativo del condado de Chester. El primero fue construido de tierra y madera, el tamaño sólo ocupaba el área del patio interior. En el siglo XII fue reconstruido en piedra y luego se añadió muralla exterior.

Durante los reinados de Enrique III y Eduardo I el castillo sirvió de cuartel militar como trampolín para la conquista de Gales, además se levantaron otros edificios sobre todo en la muralla exterior. En el período medieval el monarca rara vez se quedó en el castillo, pero continuó sirviendo como un centro logístico para la administración del condado.

Caminamos hacia el centro en busca de la Oficina de Turismo porque desgraciadamente no conocemos mucho de lo que la ciudad ofrece, además de sus horarios de visitas. Nos dirigimos por la amplia avenida Grosvenor Rd, esto nos permite adentrarnos en el centro peatonal por la calle Brige St., luego tomamos la calle Northgate St. En los bajos del Ayuntamiento Town Hall se encuentra la Oficina de Turismo. Allí compramos un mapa y adaptamos el tiempo a las informaciones que nos facilitan.

La primera recomendación es que marchamos rápidamente hasta la iglesia Saint John porque cierra sus puertas a las 16,30, llegamos unos minutos antes y vemos la puerta cerrada sin ninguna posibilidad de poder ver su interior, y la verdad que bien debe de merecer la pena.

La Iglesia de San Juan Bautista fue la catedral e iglesia de esta ciudad de Chester desde 1075 hasta la Reforma en 1541 cuando el Colegio se disolvió y el asiento de los Obispos de la catedral estableció por primera vez aquí después de la Reforma fue trasladado a la Abadía de San Werburgh, que estaba en mejores condiciones y que no habían sufrido la violencia de los Comisionados del Rey.

En la Edad Media , San Juan era conocido como la catedral e iglesia de la Santa Cruz y San Juan Bautista; se suponía que era la depositaria de una reliquia de la Vera Cruz que habían traído de las cruzadas. Se convirtió en un lugar de peregrinación no sólo para el ingleses y también para escoceses , pero principalmente para los galeses, como Edward que requiere a la nobleza de Gwynedd que jurar sobre la Santa Cruz en San Juan de que no iban a estar en rebelión contra el Rey y este forjó un vínculo entre los galeses y la Iglesia.

La iglesia está construida en piedra arenisca roja. En el extremo oeste corresponde con la parte más antigua y ahora está en ruinas correspondía con el lugar donde se levantaba la torre noroeste. La planta del cuerpo de la iglesia consiste en una nave con cuatro bahías con un cuerpo de luces al sur, norte y pasillos y un porche al norte, con un cruce norte y sur. La capilla norte se encuentra debajo de la torre campanario de 1886 y ahora se utiliza como una sacristía; la capilla sur se encuentra la capilla de la Virgen. Al sur de la capilla de la Virgen es una sala conocida como la casa del capítulo.

Cerca de la iglesia, sobre la plaza, se hallan las ruinas de antiguo anfiteatro romano, es el más grande descubierto hasta ahora en Gran Bretaña, y data del siglo I, cuando fue fundada la fortaleza romana de Deva Victri. Es un mito inglés peculiarmente que el anfiteatro habría tenido el uso principalmente para el entrenamiento militar; es toda la evidencia recuperada de la excavación muestra que se utilizó para divertimiento popular en peleas de gallos, luchas de toros y deportes de combate, incluyendo el boxeo clásico, la lucha libre y, probablemente lo más importante, el combate de gladiadores.

El anfiteatro estuvo en uso durante gran parte de la ocupación romana de Gran Bretaña, cayó en desuso en torno al año 350. El anfiteatro solamente fue redescubierto en 1929, cuando una de las paredes de la fosa fue abierta durante unos trabajos de construcción. Entre 2000 y 2006, las excavaciones del anfiteatro se llevaron a cabo por el Ayuntamiento de Chester.

Ahora nos toca volver hasta el centro de la ciudad para ver la Catedral de Chester, data de entre 1093 y principios del siglo XVI, aunque el sitio en sí pudo haber sido utilizado para el culto cristiano desde la época romana. El edificio toca los principales estilos de la arquitectura medieval inglesa, desde el románico normano hasta el gótico perpendicular.

En el siglo XI el edificio era una abadía benedictina que se había estableció en el sitio por Hugh Lupus, conde de Chester, con la ayuda de San Anselmo y otros monjes de Bec, en Normandía. Las partes más antiguas de la actual catedral que han llegado a nuestros días corresponden con la base de esa iglesia. La iglesia abacial no era en ese momento la catedral de Chester; 1075-1082 la catedral de la diócesis era la cercana iglesia de San Juan Bautista, después de lo cual la sede fue trasladada a Coventry. En 1538, durante la disolución de los monasterios, la orden fue disuelta y el santuario de san Werburgh fue profanado. En 1541 la abadía de San Werburgh se convirtió en una catedral de la Iglesia de Inglaterra, por orden de Enrique VIII. El último abad de la Abadía de San Werburgh, Thomas Clarke, se convirtió en el primer decano de la catedral nueva.

La catedral de Chester fue construida dentro de un eje este-oeste, común a muchas catedrales, con la capilla en el extremo oriental, y la fachada hacia el oeste. El plano es cruciforme, con una torre central (como es habitual en las iglesias monásticas en inglesas), pero es asimétrica, tiene un pequeño crucero, en el lado norte que se mantiene en pie del edificio anterior, y un inusual gran crucero sur. La nave, coro del crucero sur tienen amplios pasillos a ambos lados, y están iluminadas por las ventanas de un triforio. Al norte de la catedral tiene una serie de edificios monásticos, incluyendo el claustro, refectorio y una sala rectangular capitular. La fachada del edificio se apoya en el norte con edificios posteriores.

La catedral de Chester está construida de piedra arenisca roja, en este caso se llama piedra de Keuper de la cuenca de Cheshire. La piedra se muy apropiada para ser tallada, aunque es fácilmente erosionables por la lluvia y el viento, y está muy afectada por la contaminación. Con los otros edificios de piedra arenisca roja, Chester es una de las catedrales de Inglaterra que mayor atención necesitan. La restauración más importante se produce en el siglo XIX, momento en que se añadieron muchos nuevos detalles nuevos.

La fachada de la catedral está dominada por una gran ventana de ocho partes de estilo gótico perpendicular, por encima de un umbral se situada un porche, fue diseñado, probablemente por Seth y George Derwall, a principios de 1500. Este pórtico formada parte del edificio del siglo XV todavía en el brazo sur del crucero, torres centrales y suroeste, y el claustro. La fachada de la catedral hace tope en el norte con un edificio de estilo victoriano del centro educativo y en gran parte oculta a la vista por el edificio utilizado anteriormente como la Escuela del rey, que ahora es una parte del Barclays Bank.

El interior de la catedral de Chester da un aspecto cálido y suave, debido al color rosado de la piedra arenisca. Las proporciones aparecen amplias porque la vista desde el extremo Oeste de la nave hasta el extremo Este, la visión está dificultada por el púlpito y la nave, aunque es más ancho y alto en comparación con muchas de las catedrales de Inglaterra. Las proporciones son posibles en parte porque está ornamentada la bóveda estrellada, al igual que en la catedral de York, es de madera, y no de piedra.

El coro es de cinco tramos, se construyó entre 1283 y 1315 y diseñado de Richard Lenginour, es un ejemplo temprano del gótico de la arquitectura decorada. Las columnas se han modelado fuertemente dentro de los ejes adjuntos, sostienen arcos profundamente moldeados. Hay una galería en el triforio con cuatro arcos lobulados en cada bahía. La bóveda sexpartita, es obra de una restauración del siglo XIX, se apoya en grupos de tres ejes que brotan de ménsulas figurativas. El efecto global es robusto, y contrasta con la delicadeza de la sillería del coro con pináculos, la tracería de las ventanas y la rica decoración de la bóveda que se llevó a cabo por los diseñadores de Clayton y Bell. El coro, esta datado alrededor de 1380, es una de las parte más vistosas de la catedral.

Los antiguos edificios monásticos son de estilo gótico perpendicular. Al claustro se accede desde la catedral a través de una puerta románica normada en el pasillo del norte. El claustro es parte del programa de construcción que se inició en la década de 1490 y es probablemente la obra de Seth Derwall. La pared sur del claustro formaba parte del período normando, entre las estructuras más antiguas que quedan en la catedral está la cripta situada al oeste de los claustros, que datan de principios del siglo XII, y que fue utilizado originalmente por los monjes para el almacenamiento de alimentos. Se compone de dos naves con bóvedas de crucería y columnas redondas festoneadas con capitales.

En el sur de la cripta se encuentra el llamado paso del abad, que data de alrededor del año 1150 y consta de dos bahías con una bóveda. Sobre el paso del abad esta la capilla de San Anselmo, que también data desde el siglo XII. Es en esas tres zonas donde predomina el estilo gótico con una bóveda restaurada en siglo XIX. La capilla mayor fue remodelada en el siglo XVII. Al norte del claustro está el acceso a un refectorio, construida por Simón de Whitchurch en el siglo XIII. Contiene un púlpito inglés unido por una escalera ascendente con un arco, su estilo es único aunque hay otro similar en Inglaterra en Beaulieu Abbey.

Una parte de las decoraciones que tenía la catedral se han perdido pero lo más valioso son la sillería del coro esta datada de alrededor de 1380. Tienen una terminación en punta, formando marquesinas. Los extremos de puestos tienen un remate superior muy ricos con la tallas figurativas. Las sillas incluyen 48 misericordias –corresponden con los asientos plegables y desmontables y cuentan con un soporte denominado “misericordia”, que servía como apoyo disimulado para el tiempo que se estaba de pie–, todos menos cinco de los cuales son originales y representan una variedad de temas, algunos de humor y algo grotescos.

Las vidrieras de Chester fueron totalmente destruidas a manos de las tropas de los parlamentarios durante la guerra civil inglesa. Como consecuencia de ello, las actuales que podemos ver fue una reconstrucción efectuada durante los siglos XIX y XX y muestran ejemplos representativos de las tendencias significativas en el diseño de los vitrales de la década de 1850 en adelante. De las anteriores son estilo Victoriano, obra de la empresa William Wailes es el mejor representado, en el pasillo del sur (1862), así como Hardman & Co. y Michael Connor. Las vidrieras a partir del período victoriano, están también representadas por las dos principales firmas de Londres, Clayton y Bell y Heaton, Butler y Bayne. El estilo estético está representado por Charles Kempe Eamer. Los vitrales de principios del siglo XX incluyen varios que conmemoran a los muertos de la Primera Guerra Mundial.

También hay varios vitrales con aspecto modernista, siendo el más reciente la ventana del refectorio del 2001, obra de Ros Grimshaw que representa la creación. La ventana perpendicular de ocho luces del extremo oeste contiene vitrales de mediados del siglo XX que representan a la Sagrada Familia y los Santos, obra de WT Carter Shapland. Tres ventanas modernas en la nave sur, fueron diseñadas y fabricadas por Alan Younger para reemplazar las ventanas dañadas en la Segunda Guerra Mundial. Ellos fueron donados por el sexto duque de Westminster para celebrar el 900 aniversario de la catedral y contener las fechas de 1092 y 1992 para reflejar el tema de la continuidad y cambio.

En el centro de jardín del claustro se halla un grupo escultórico que significa “El agua de la vida”, una característica que representa el encuentro entre Jesús y la Samaritana , como se dice en el Evangelio de Juan. Con una forma circular presenta las dos figuras cara a cara, dotando de intensidad y ternura al encuentro. El agua fluye continuamente desde zonas comunes, sobre las manos y en la piscina donde están asentadas, desde donde se ilumina la escultura, a través del agua. Alrededor de este plato se escriben las palabras; “Jesús dijo:” el agua que yo daré se convertirá en el manantial para la vida eterna. Juan 4:14

La obra fue un encargo de la catedral de Chester y financiado por Capital Bank. La escultura fue dedicada por el decano de la catedral de Chester, el Dr. S. Smalley, el 8 de mayo de 1994.

Son las 17,30 horas cuando como siempre nos echan del monumento por pesados, el resto del día que es poco vamos a dedicarlo para visitar el centro urbano de Chester que es único en el mundo.

La arquitectura de la ciudad de Chester está dominada por unas enormes casas de entramado de madera que se denominan “The Rowns”, se trata de casas adosadas que dan a varias calles y están unidas formado la parte baja una galería comercial.

Se distribuyen en dos niveles de tiendas y locales. Mientras que el primer piso es cubierto y se accede a través de diferentes escaleras que lo comunican con la calle, el nivel inferior da a la misma calle y en muchos casos es necesario bajar unos escalones. La mayoría de los locales se trata de comercios y tiendas, pero también hay restaurantes, cafés y oficinas.

El origen de las Rows se remonta a la Edad Media cuando fueron construidas sobre las ruinas romanas de los edificios de la antigua Deva Victrix. La parte inferior y las criptas estaban construidas en piedra y la parte superior de madera.

Actualmente, se conservan alrededor de 20 sótanos de piedra, pero no así han perdurado las galerías medievales ya que la gran mayoría es fruto de remodelaciones llevadas a cabo en el siglo XIX. En cualquier caso y aunque hay algunos tramos donde se ve la continuidad de los Rows, alguna vez se ve interrumpida por edificios modernos, aunque una gran parte de su trazado se conserva el diseño original.

Aquí damos por terminado la visita a la ciudad de Chester, regresamos caminando hasta el parking situado en uno de los extremos de la ciudad. Cuando llegamos al parking muchas de las autocaravanas se han marchado, solamente quedamos las españolas y los italianos, pero no parece que haya ningún impedimento para poder tener una pernocta tranquila.

Hoy es un día largo tenemos que atravesar toda Inglaterra para llegar hasta Dover donde cojamos el ferry hacia el continente europeo, es de estos días que no hacen gracia pero son necesarios tanto a la ida como la vuelta.

Nada más levantarnos pasamos por la máquina de cobro del parking y nos indica que debemos por la estancia 15 £, más o menos como habíamos calculado.

Antes de ponernos en la autopista queremos hacer una parada en un centro comercial para comprar alguna de las cosas que necesitamos y calcular el dinero en billete que nos sobra para gastarlos en el último llenado dentro del Reino Unido. Ponemos los datos en el tom-tom para la elección de una gasolinera en ruta, elegimos el centro comercial del Tesco situado en Bretton, es un mega centro llamado Bourghton Shopping Park. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N53.16788//W2.97577.

Tenemos suerte porque encontramos el gasóleo bastante económico a 1,089 Libras, calculamos el que necesitaremos para poder llegar hasta la frontera y es de uno 66 litros, en el pago empleamos casi todas las monedas que nos quedan.

Disponemos de todo el día para hacer el viaje porque hasta las 24 horas no tenemos el billete del ferry. Enseguida cogemos la autopista M-6 en dirección sur, a los 100 Km. pasamos cerca de la ciudad de Birmingham, treinta kilómetros más adelante pasamos muy cerca de Coventry; en el kilómetros 200 pasamos Northampton, atravesamos Luton, llegamos a la M-25 que rodea las inmediaciones de Londres que de alguna forma se ralentiza un poco la marcha pero afortunadamente en ningún momento nos quedamos completamente parados.

A última hora de la tarde llegamos a Dover y decidimos hacer tiempo dando una vuelta por la ciudad. Vamos directamente a un parking donde vemos varias autocaravanas, vemos que después de las 17,30 y hasta las 9 a.m. es gratuito, hace alguna referencia a las autocaravanas pero no les hacemos mucho caso. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N51.12880//E1.31138.

La ciudad de Dover nos decepciona un poco porque pensábamos que era una localidad señorial muy turística y nos encontramos un zona un tanto degradada imagino que como consecuencia de servir como frontera de la isla.

A las nueve de la noche nos dirigimos con tiempo suficiente al puerto en previsión de sufrir alguna retenciones, enseguida entramos y pasamos el control de frontera establecido por la policía francesa, en la aduana no nos miran y enseguida estamos en la ventanilla del ferry DFDS, teníamos la salida a las 24,00 horas con destino a Dunkerque pero queremos cambiar por el ferry anterior con destino a Dover, nos dice que no hay problema pero que no podemos permanecer en el interior del puerto porque hay que entrar con una hora de diferencia. Nos facilita una etiqueta para poder abandonar las instalaciones y volver en una hora a las 22,00 horas. Abandonamos en puerto y nos ponemos en una zona interior, para aprovechar el tiempo cenamos. Indico las coordenadas para facilitar la llegada al puerto de Dover: N51.12703//E1.33457.

A la hora acordada volvemos a entrar al puerto siguiendo la ruta anterior hasta que llegamos nuevamente ante la ventanilla DFDS para hacer el nuevo checking, afortunadamente nos dicen que pueden cambiarnos el billete con destino a Dover sin coste económico.

Es algo que no entendemos si online no había billetes para las 23,00 horas con destino a Dover y por obligación tuvimos que sacar el regreso con destino a Dunquerke que a nosotros no nos venía nada bien porque está a 50 Km. en dirección a Bélgica. Cuando subimos al barco escasamente somos una veintena de vehículos, el barco va completamente vacío. Son cosas difícilmente de entender que lo tengan completo en la web y en el momento del embarque este totalmente vacío.

La travesía es muy tranquila porque afortunadamente la borrasca parece haber pasado. Cuando llegamos a Calais desembarcamos y vemos como la imagen que tuvimos a la ida la podemos contemplar a la vuelta, todo lleno de policías y de sirenas que intimidan.

Acudimos directamente al parking habilitado como área de autocaravanas de Calais (Francia). Le volvemos a encontrar completamente lleno y las inmediaciones repletas de autocaravanas. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 50.96586 // E 1.84347.

Tenemos como alternativa seguir unos kilómetros más en dirección a París hasta un área de autocaravanas en la población de San Omer (Francia), donde llegamos en menos de una hora.

El área de autocaravanas en San Omer (Francia) es una referencia importante tanto para la salida de Francia antes de llegar a Calais como para ser utilizada a la entrada a Francia procedente del Reino Unido, tiene como bueno que es tranquila y económica.

El área dispone de una máquina que administra el agua y luz por 2 euros, se puede vaciar gratuitamente, el precio por día es de 5 euros. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 50.75714 // E 2.25896 .

Saint-Omer es un municipio francés situado en el departamento del Paso de Calais en la región Norte-Paso de Calais. La ciudad está atravesada por el río Aa que la confiere un carácter especial.

De 1477 a 1677, Saint-Omer sufrió ataques incesantes a causa de los cuales su población se redujo de forma considerable. Se convierte en un baluarte de la reconquista católica, sus colegios y seminarios fueron germen de futuros misioneros británicos y valones.

En el siglo XIX se construye el ferrocarril lo que da lugar a una transformación y desarrollo creciente de la ciudad: comercio, escuelas, industria, hoteles y servicios.

Salimos prontito desde San Omer y antes de coger la autopista buscamos un buen sitio para repostar barato, se trata de la gasolinera de Carrefour en San Martin au Laert. El precio es de 1,047 € litro. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N50.75458 // E 2.24449 .

Nuestro destino es la ciudad de Giverny, se encuentra a 253 km de Saint Omer, la mayoría de estos los hacemos por la autopista de peaje A-1 con un coste de 28€, llegamos al destino a las 13,00 horas.

El parking para autocaravanas en la localidad de Giverny (Francia) está detrás de los jardines de entrada comparte sitio con el aparcamiento de autobuses, se encuentra a 200 metros de la Casa de Monet y a 400 metros del centro de la ciudad. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 49.07318 //E 1.52970 .

El parking es completamente llano, gratuito, no tiene ningún servicio para autocaravanas pero es un placer pasar el día y la noche en esa población. Un ejemplo de cómo el turismo de las pequeñas localidades francesas atraen el turismo de autocaravana.

Lo primero que hacemos es acudir a la oficina de turismo de Giverny donde nos informan de las posibilidades culturales de la zona. Nos indican que se está celebrando la exposición única de Sorolla en el Museo de Monet y que además, para evitar las largas colas, es mucho mejor acudir al museo para sacar la entrada conjunta y así evitar la masificación de la entrada al casa de Monet.

Así hacemos, vamos al museo de Monet y sacamos el ticket combinado museo + casa Monet pagamos 53,50 euros (dos adultos y dos niños). El horario es hasta las 18,00 horas, tiempo suficiente para poder ver ambos.

La exposición de Sorolla en Giverny es una oportunidad única que nos ofrece la vida de poder contemplar una serie de cuadros que se han reunido del pintor dentro de un marco que fue anteriormente compartido por Monet, además tenemos la ocasión de poder analizar algunos de los cuadros de Sorolla frente a parte de la obra de Monet.

Sorolla no fue un pintor impresionista, tampoco fue considerado como academicista ni historicista. Simplemente fue un pintor moderno, capaz de romper con las obras acartonadas de Coubert, de Manet porque con su vida al borde del mediterráneo sustituyó el realismo, el folclorismo y el paisajismo de nuestros pintores de la época por un estilo propio –mirando en paralelo pero haciendo algo diferente a la corriente impresionista– tratando de dotar a su obra de innovaciones técnicas y un naturalismo iluminado que vive de las fuentes de Velázquez en lo que correspode con el estilo y la calidad de su trazo. Capaz de plasmar la luz y el aire, de plasmar las alegrías de las personas, los afanes y los sufrimientos del trabajo.

El origen de Sorolla era muy humilde y tuvo un mérito grande su aprendizaje, su formación y su desarrollo como pintor. Su obra maduró dentro de un ambiente liberal y culto, tuvo amigos como Blasco-Ibáñez o Pérez de Ayala. Tenía una tendencia hacia la innovación el progreso unidad a una facilidad de vida cosmopolita y comunicación propia que le hizo conectar fácilmente con el mundo de la pintura.

Se le clasifico como un hombre aburguesado, superficial y de unas dotes especiales por la sensualidad quizás todos son atributos de la modernidad que esgrimía el pintor que le ha tenido desde su muerte con un resentimiento por una obra que ahora es reconocida como el segundo pintor español más importante del siglo XX después de Picasso.

Ahora su obra está presente en el Museo Metropolitan de Nueva York, también el Museo de Orsay de París, en el Museo del Prado y en el Museo de Sorolla de Madrid.

La primera de las obras que podemos contemplar “El Beso de la Reliquia ”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1893, procede del Museo de Bellas Artes de Bilbao, realizado en óleo sobre lienzo.

El cuadro nos muestra el interior de la Iglesia de San Pablo, en Valencia, donde aparecen humildes fieles que se reúnen en torno a la figura de un sacerdote para besar la reliquia que sostiene entre sus manos. En los rostros de estas mujeres y niños podemos ver la tristeza de su pobreza. En contraposición, la cara del sacerdote muestra un gesto adusto y estricto. A la izquierda, vemos un monaguillo vendiendo estampitas religiosas. En esta pintura, Sorolla se encuentra en perfecto dominio de su pincelada. Ilumina el área izquierda de la composición poniendo el foco en el pañuelo de la cabeza de la mujer que besa la reliquia, manteniendo el área izquierda en penumbras. Sorolla ilustra la escena detalladamente pero, a la vez, con una pincelada suelta. Sin la perfección de los neoclásicos pero, todavía, sin la soltura de los impresionistas.

El siguiente cuadro “Triste Herencia”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1899, procede de la Fundación Bancaja de Valencia, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 285 x 210 cm.

Se trata de una obra de grandes dimensiones en la que se representa una escena tomada al natural de la playa del Cabañal de la ciudad de Valencia (España), en la que se ven diferentes niños afectados de varios tipos de incapacidad que se disponen a tomar un baño en el mar como medida terapéutica para combatir sus problemas de salud.

Destaca la figura central de uno de los niños que se mueve con dificultad apoyado en unas muletas en el que pueden apreciarse las secuelas de poliomielitis, enfermedad por entonces muy frecuente y que producía graves afectaciones del aparato locomotor. Un religioso de la orden de San Juan de Dios vigila atentamente a los pequeños. La obra pertenece a la primera época del pintor en la que trató varios temas de interés social.

Este cuadro se presentó a la Exposición Universal de París del año 1900, y fue premiado con el Grand Prix. En 1901 obtuvo la Medalla de Honor en la Exposición Nacional de Bellas Artes (España). Fue adquirido en 1981 por Bancaja a la Iglesia de la Asunción de Nueva York

El siguiente cuadro “Vuelta de pesca: transportando un barco”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1894, procede del Museo Orsay (Francia), realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 265 x 403.5cm.

Sorolla comienza hacer diversos estudios sobre el mar estuvieron siempre relacionados con el mundo del trabajo de los pescadores. Es a partir de este momento cuando Sorolla se entrega con entusiasmo a pintar en la playa obras que en unos casos resultan ser la disculpa para llevar a cabo esplendorosos y complicados estudios de mar.

El siguiente cuadro “Cosiendo la vela”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1896, procede del Museo Cívico de Venecia, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 222 x 300 cm.

La obra corresponde con una serie de cuadros luminosos que abordan los trabajos de la clase obrera. Realizó Cosiendo la vela durante una estancia estival en Cabañil. Esta composición, que parece inspirada en una estampa popular, muestra a unas mujeres en un patio ajardinado que cosen una enorme vela blanca, en la que se despliegan las dimensiones de la luz. La inmensa tela se extiende en diagonal y se pierde en perspectiva en el fondo del cuadro, a través de una puerta abierta que muestra un paisaje luminoso.

El siguiente cuadro “Encajonando Pasas”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1900, procede de un coleccionista particular, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 89 x 126 cm.

Es otra de las obras de Sorolla donde se ve a la gente trabajando, en esta ocasión la escena de interior en el que varias mujeres con indumentarias blancas y negras se encuentran sentadas en hilera, inclinadas hacia delante, concentradas en su trabajo de encajonar las pasas.

El siguiente cuadro “Los Pimientos”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1903, procede de New York. The Hispanic Society of America, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 96 x 130 cm.

El cuadro muestra escenas costumbristas, aparece la imagen de una joven que está poniendo sobre una cazuela unos pimientos rojos ante la atenta mirada y dirigido por un hombre mayor, se encuentra sentado y destacan en sus pies las tradicionales albarcas del Mediterráneo.

El siguiente cuadro “Preparación de pasas secas en Jávea”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1900, procede del Museo Orsay de París, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 96 x 130 cm.

Sorolla estaba encantado con la búsqueda de la luz del Mediterráneo. En septiembre de 1900 acude ya con su mujer e hijos a Jávea. Es entonces cuando le atrae sobremanera un tema alicantino de aquella comarca septentrional tan típica como la elaboración de la pasa.

El siguiente cuadro “ La Trata de Blancas”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1894, procede del Museo Sorolla de Madrid, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 166,5 x 195 cm.

En el cuadro aparecen representadas un grupo de mujeres vestidas a modo de campesinas con mantillas y pañuelos en sus cabezas que semejan estar dormitando, a excepción de la anciana de negro que las acompaña, la cual permanece despierta y vigilante. Con el angosto espacio que se refleja en el cuadro, el pintor trata de simbolizar la imposibilidad de huir del destino. Sin embargo, la alusión a la prostitución se hace de una manera velada, revelándose una gran piedad por parte del autor en la forma de encarar al tema.

La pintura fue objeto de críticas positivas y negativas, aunque destacaron especialmente estas últimas entre los ultra moralistas católicos del momento. Algunos de estos se quejaron de que un pintor tan sobresaliente como era Sorolla hubiese «manchado su hermoso y brillante pincel con el hollín de los lupanares», tachando a la obra de indecorosa junto con otras de temática parecida.

El siguiente cuadro “Pescadoras Valencianas”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1903, procede de la Diputación de Valencia, realizado en óleo sobre lienzo.

Joaquín Sorolla había descubierto las cualidades de la pintura al aire libre, la magia de la luz del Mediterráneo y, por fin, tras larga búsqueda, había encontrado su asunto en algo que, precisamente, le era extremadamente familiar: Valencia y su mar. Este lienzo en cuestión resume la potencia creadora y lumínica de los cuadros de este momento, plenos de un color a veces abrumador. Unas mujeres, entregadas a una lectura anónima, ocupan un primer plano en el que destaca secundario un tipo marinero cerrando la escena por la izquierda. De fondo, las aguas del mar surcadas por los veleros.

El siguiente cuadro “Después del baño”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1902, procede del Museo Sorolla de Madrid, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 102 x 162 cm.

El cuadro de estilo costumbrista refleja la luz y el sentimiento maternal que se produce después del baño a un niño de corta edad, la escena es radiante y no deja dudas de la felicidad del momento.

El siguiente cuadro “Niños a la orilla del mar”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1903, procede del Museo del Arte de Philadelphia, realizado en óleo sobre lienzo.

Sorolla, a lo largo de su carrera artística, representó, en diversas poses y situaciones, a otros jóvenes desnudos bañándose en la playa, hasta el punto de que se puede considerar un tema específico de su obra.

El siguiente cuadro “El Verano”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1904, procede del Museo de Bellas Artes de La Habana , realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 149 x 252 cm.

Otro de los cuadros relacionados con el costumbrismo en el disfrute de la playa, donde se representa como la gente disfruta del baño excepto una madre que saca desnudo al niño a regañadientes.

El siguiente cuadro “La hora del baño. Niña sobre la playa”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1904, procede del Museo de Bellas Artes de La Habana , realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 149 x 252cm.

Este tipo de obras con escenas de playa son las que dieron al artista mayor fama por su capacidad para trabajar la luz y el movimiento. Es una aportación más personal de Sorolla y en ellas exhibe su virtuosismo para representar los escenarios posibles sobre el mar donde aparece: el agua, siempre en movimiento, con transparencias, reflejos, reverberaciones…

La elección de un punto de vista alto que suprime el cielo y el horizonte es sin duda un recurso para evitar el deslumbramiento y analizar mejor los matices del color en que se descompone la luz cegadora de la playa.

El siguiente cuadro “El barco blanco, Jávea”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1905, procede de una colección privada, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 105 x 150 cm.

Joaquín Sorolla visita por primera vez Jávea en 1896 y le sorprende agradablemente la belleza del lugar y por lo diferente que es su costa respecto a la de Valencia queda patente en el telegrama que envía a su mujer al llegar, y en la carta que a continuación le escribe: «Jávea sublime, inmensa, lo mejor que conozco para pintar… estaré algunos días. Si estuvieras tu, dos meses».

El siguiente cuadro “Fin de jornada, Jávea”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1905, procede de una colección privada, realizado en óleo sobre lienzo.

Sorolla acude a Jávea durante cuatro veranos, a veces acompañado por su familia y otras con más libertad de movimientos, y pintó allí un centenar de apuntes y cuadros.

En 1905, parece ser Sorolla abandona precipitadamente Jávea debido a un suceso turbio que todos ocultaron con un pacto de silencio. Parece que durante aquel verano intimó con una de las criadas que iban a lavar a la noria. Lo cierto es que después de 1905 Sorolla no volvió nunca más a Jávea.

El siguiente cuadro “Pescador Valenciano”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1903, procede de una colección privada, realizado en óleo sobre lienzo.

En este cuadro Sorolla ha dado un paso más para acercarse a un retrato sobre el mar, normalmente pintaba en la playa a una distancia considerable que incluso se la marcaban las autoridades para no interrumpir la vida cotidiana en las playas donde acudía con su caballete.

El siguiente cuadro “Pescadores Valencianos”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1895, procede de Fundation Charitable, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 65 x 87 cm.

El óleo rinde un homenaje al quehacer de los pescadores de la tierra natal del pintor y capta con destreza el reflejo de un sol radiante en la espuma del mar. En ella aparecen retratados unos pescadores que llevan a cabo sus faenas diarias. El interés primordial de Sorolla por los efectos lumínicos se aprecia en el propio escenario donde tiene lugar la acción, así como en la superficie de todos los elementos representados. La gama cromática todavía acusa la herencia de las pautas marcadas por el mundo académico, aunque el valenciano ya comenzaba a introducir ese brillo que posteriormente caracterizó su producción. De la misma manera, la pincelada aún dista en gran medida de aquella que imprimirá durante su etapa de madurez.

El siguiente cuadro “Día Gris sobre la playa de Valencia”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1901, procede de una colección privada, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 64 x 95 cm.

Las aguas grises, como el cielo encapotado, anuncian la cercana tormenta. En primer plano dos bueyes que en aquella época ayudaban a los pecadores acercarse a la playa cuando regresaban de las faenas diarias de pesca.

El siguiente cuadro “Rocas en el cabo de Jávea”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1905, procede de The Hispanic Society of America, New York, realizado en óleo sobre lienzo.

En 1905, Sorolla preparaba su primera exposición individual, que se realizará el próximo año en París y quería tomar un poco de pintura nueva en todas partes. Sabiendo de sus anteriores estancias en Jávea cómo el color y la transparencia del agua podrían contribuir a su trabajo, decidió pasar un largo verano allí pintado acompañado de la familia. Fascinado por los reflejos de la luz del verano, produjo muchas obras cuya técnica y pictórica alcanzo picos difícil de superar.

El siguiente cuadro “Bote blanco”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1905, procede de un coleccionista particular, realizado en óleo sobre lienzo.

Ese verano de 1905 Sorolla pinta un total de dieciséis obras importantes con el tema de «mar y rocas». Son todas muy similares sólo que en este caso el ángulo desde el que esta pintado impide que aparezca el potente fragmento de costa de las estribaciones del cabo de San Antonio.

El siguiente cuadro “Rocas en Jávea y barco blanco”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1905, procede del Museo Carmen Thyssen, Málaga, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 62,5 x 84,7 cm.

El cuadro está fechado en 1905 corresponde con último año que Sorolla pinta en Jávea; verano que añora el resto de sus días y al que tan a menudo hace referencia en las cartas a su mujer, pues fueron días felices y de grandes logros artísticos.

El siguiente cuadro “Nadadores en Jávea”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1905, procede del Museo Sorolla de Madrid, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 61 x 50 cm.

Una buena parte de la obra de Sorolla está relacionada con el mar y es la más abundante de su producción. El pintor se siente atraído por el color del mar, de ese azul intenso y de las transparencias que le fascinaban. También se refiere a las emociones intensas producidas por la contemplación del mar.

El siguiente cuadro “Helena entre rosas”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1907, procede del Museo de Bellas Artes de La Habana , realizado en óleo sobre lienzo.

En 1906 da un giro importante en su obra y comienza introducir en su pintura los jardines, siempre desde un punto de vista intimista. En un primer lugar comienza pintando los jardines de Sevilla, después de la Alambra y del Generalife y, finalmente, de su propia casa de Madrid.

Precisamente esos jardines, los de su casa madrileña, son los que nos muestra en “Helena entre rosas”. Un cuadro donde retrata a su hija Helena leyendo un libro entre un mar de rosas. En cuadro juega con el contraste entre el verde de las hojas y el color rosa de las flores, un color del que también va vestida su hija para que forme un todo con el resto de la obra.

El siguiente cuadro “Mis Hijos”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1897, procede del Museo Sorolla de Madrid, realizado en óleo sobre lienzo.

El cuadro representa el retrato de sus hijos pequeños de Joaquín, María Clotilde y Elena, están vestidos de forma burguesa, este tipo de cuadros no eran muy admirados por la critica que le consideraban uno más de los pintores de sus tiempo.

El siguiente cuadro “Clotilde en el estudio”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1900, procede del Museo Sorolla de Madrid, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 96,5 x 65,5 cm.

Joaquín Sorolla y Clotilde se conocieron de adolescentes. Joaquín era amigo de Juan Antonio, el hermano mayor de Clotilde y compañero en la Escuela de Bellas Artes de Valencia. A través de Juan Antonio, Sorolla comenzó a trabajar para el padre de éste en el estudio de fotografía.

Parece ser que Joaquín y Clotilde se enamoraron pronto, aunque no quedan pruebas escritas de su relación, salvo tres cartas en las que Sorolla menciona de forma cariñosa a su futura mujer.

El siguiente cuadro “Clotilde con vestido gris”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1900, procede del Museo Sorolla de Madrid, realizado en óleo sobre lienzo.

El retrato de Sorolla trata de vislumbrar una sencilla sonrisa en sus labios, aunque su mano derecha aparezca apoyada en un gesto algo forzado sobre el brazo de la silla que tiene a su lado. Conviene no pasar por alto el modo en el que el pintor resuelve el efecto de drapeado de las mangas del vestido que luce su esposa.

El siguiente cuadro “Madre”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1895-1900, procede del Museo Sorolla de Madrid, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 125 x 169 cm.

Esta pintura es una de las más bellas y misteriosas de Sorolla. Muestra en una escena íntima a la esposa del artista, Clotilde, con una niña recién nacida, ambas están acostadas y casi totalmente tapadas con una colcha blanca de gran tamaño.

El siguiente cuadro “Mujer desnuda”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1902, procede del Museo Sorolla de Madrid, realizado en óleo sobre lienzo.

Clotilde aparece en la cama de espaldas al espectador porque no quería que se le viese la cara. Sorolla ha logrado en esta pintura que las sábanas satinadas de color rosáceo junto al sensual cuerpo de Clotide sean los auténticos protagonistas del cuadro. Está perfectamente lograda la fusión del color blanco en los tonos rosados brillantemente iluminados por una luz que viene de la parte derecha del cuadro y pierde intensidad cuando sobrepasa el cuerpo de Clotilde, espléndida en su desnudez.

El siguiente cuadro “Autorretrato”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1904, procede del Museo Sorolla de Madrid, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 100,5 x 66 cm.

Sorolla pintó hasta quince autorretratos de los que ocho se conservan en el Museo Sorolla de Madrid. Este lo realizó cuando apenas había entrado en los cuarenta y en su segura pose, confiada y firme parece querer dejar claro el excelente momento de madurez y éxito profesional por el que atravesaba en aquellos momentos

El lugar donde Sorolla se autorretrata es en su propio estudio y desde allí contempla al espectador con una mirada fija y penetrante, casi desafiante.

En este autorretrato quiso Sorolla rendir un homenaje a su digno oficio de pintor y para ello buscó la inspiración en el maestro Velázquez y más concretamente en su autorretrato de Las Meninas. Las referencias al genio malagueño se aprecian en múltiples detalles de la obra como en la profundidad del espacio marcado prácticamente tan solo por los lienzos de las paredes, también en el lienzo en blanco que se muestra a la derecha o en los característicos colores del Siglo de oro, sobrios y oscuros e iluminando sólo las zonas a resaltar como el cuello de la camisa que enmarca un rostro resplandeciente.

El siguiente cuadro “La familia Benlliure Arana”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1906, procede de un coleccionista particular, realizado en óleo sobre lienzo.

El cuadro representa la amistad que tuvieron entre Sorolla y el escultor Benlliiure. En el cuadro aparece en el primer plano el hijo José Luis Mariano el único hijo que tuvo con la cantante Lucrecia Arana, el niño esta vestido de marinero junto a su madre que posa elegantemente vestida sentada sobre un sofá con tapicería dorada. Detrás de ellos cuelga un espejo donde se ve trabajando al escultor como un homenaje a su figura.

El siguiente cuadro “Clotilde con un vestido negro”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1908, procede del Metropolitan Museo de Nueva York, realizado en óleo sobre lienzo.

Enorme cuadro realizado a tamaño natural donde se ve a su mujer Clotilde está ataviada con un elegante vestido de noche negro, en el salón de su casa de Madrid. Al fondo, el cuadro de la “Santa en oración” que Sorolla pintó al poco de casarse con ella y que debía tener un significado especial para ambos. Entre tanto marrón y negro, solo destacan dos focos de color: la silla oriental roja en la que se apoya Clotilde y la flor amarilla que lleva en la cintura.

El siguiente cuadro “Retrato de Aureliano de Beruete”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1908, procede del Museo del Prado de Madrid, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 115,5 x 110.5 cm.

El personaje retratado es el pintor Beruete con el que Sorolla tuvo una importante relación. Dada su amplia y sólida formación humanística y la mayor edad que tenía con respecto a Sorolla, Beruete ejerció sin duda una notable influencia sobre su amigo, cuyo compromiso con los objetivos del regeneracionismo se debe, en buena parte, al ideario del paisajista, uno de los fundadores de la Institución Libre de Enseñanza. Además, por sus buenas relaciones sociales pudo introducir a Sorolla como pintor de retratos en los círculos de la nobleza y la alta burguesía en la ciudad de Madrid.

El siguiente cuadro “Retrato de Antonio García”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1908, procede The Hispanic Society of America, realizado en óleo sobre lienzo.

El cuadro es un retrato de su suegro el fotógrafo valenciano Antonio García, fue una persona muy influyente en la sociedad burguesa de la época porque tenía muchos contactos con la clase social más alta de Valencia. Esto facilito el desarrollo de la pintura de su yerno en sus primero años.

El siguiente cuadro “Clotilde en los jardines de la Granja ”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1907, procede del Museo de Bellas Artes de La Habana , realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 100 x 170 cm.

Joaquín Sorolla acude a La Granja en 1907 invitado por Alfonso XIII. Sorolla retratará al Rey en los Jardines, pero al mismo tiempo capta los instantes de su familia en el jardín y los paisajes y la luz única del lugar en aquellos meses del verano y del otoño de 1907. A pesar de que han sido muchos los artistas que han pintado los jardines y los paisajes de La Granja , quizás ninguno de ellos haya logrado captar su luz clara e intensa.

El siguiente cuadro “Retrato de Raimundo Madrazo y Garreta”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1906, procede del Metropolitan Museo de Nueva York, realizado en óleo sobre lienzo.

Raimundo de Madrazo y Garreta fue un pintor español realista del siglo XIX. Era hijo y discípulo del famoso retratista Federico Madrazo, cuñado del no menos famoso Mariano Fortuny, hermano de Ricardo Madrazo y nieto del notable pintor José Madrazo. Hoy, algunas de sus obras se encuentran expuestas en los mejores museos de Europa, como en el Museo del Prado.

El siguiente cuadro “Retrato de Antonio García sobre la playa”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1909, procede del Museo Sorolla, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 150 x 150 cm.

Sorolla realizó en distintos momentos de su carrera varios retratos de su suegro, en este caso quiso rendir homenaje a quien fuera fiel acompañante de sus sesiones de trabajo a la orilla del mar durante sus campañas de verano en las playas de Valencia, y al reconocido fotógrafo que, aunque disfrutaba de una bien merecida reputación en su profesión, siempre había albergado inquietudes de pintor, que de algún modo veía satisfechas con orgullosa admiración en la figura de su yerno.

El siguiente cuadro “María en los jardines de la Granja ”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1907, procede del Museo Sorolla, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 56 x 89 cm.

María esta retratada en el centro de la imagen, está acompañada de una niña, hija del crítico Leonard Williams, que lleva un aro en su mano derecha. Las dos visten de blanco, María con sombrero. Detrás un estanque circular, donde se reflejan los árboles y el cielo. Al fondo árboles, macizos de plantas y un banco de madera, en el que reposa una mujer.

El siguiente cuadro “El baño en la Granja ”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1907, procede del Museo Sorolla, realizado en óleo sobre lienzo.

Los niños representados son los hijos del capataz del Patrimonio en el Palacio de La Granja de San Ildefonso: los hermanos Jesús (1903-1929) y Juliana Fernández Pérez (nacida en La Granja de San Ildefonso el 9 de agosto de 1899 y fallecida en Salamanca en 1987).

Dña. Juliana Fernández Pérez contaba cómo fue durante varios días a posar junto a su hermano (cuatro años menor que ella) para Sorolla. Por cada jornada “nos daba 2,50 pesetas por día. Estábamos una hora aproximadamente muy quietecito los dos, porque nos pagaba puntualmente al terminar cada jornada”.

El siguiente cuadro “Saltando a la comba, La Granja ”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1907, procede del Museo Sorolla, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 105 x 166 cm.

Cuadro pintado durante la estancia de Sorolla en La Granja de San Ildefonso en el verano de 1907. Recoge en primer término a su hija pequeña Elena saltando a la comba junto a otras niñas, alrededor de una fuente de uno de los jardines de La Granja. Los jardines de La Granja servirán como fondo de muchas escenas familiares y retratos realizados aquel verano, en que retrata a su mujer y a sus hijas así como a los reyes. Su interés por el tema del jardín en los cuadros queda patente ya desde el año anterior en que pinta pequeños rincones del jardín de su casa madrileña de la calle Miguel Ángel, y lo retoma aquí en su estancia en La Granja unas veces tomándolo como fondo de las composiciones y otras, siendo el protagonista de sus cuadros.

La obra entera destila instantaneidad, animada por el movimiento de todas las figuras que ha quedado detenido en un momento, como si de una toma fotográfica se tratara. A esa sensación contribuye la propia composición, impulsada por una espiral de energía cinética creada por las figuras que corren alrededor del estanque. El mayor alarde de instantaneidad es la figura de Elena en primer plano, captada en pleno salto, como indican la sombra proyectada en el suelo y la cuerda apenas visible con la que juega. La propia iluminación, con la luz solar filtrándose entre la vegetación, y la indefinición de rasgos acentúan nuestra impresión de visión fugaz.

El siguiente cuadro “María pintando en el Pardo”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1907, procede de un coleccionista particular, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 80 x 106 cm.

Este es el último retrato que Sorolla pintó sobre su hija María durante su estancia en el Pardo a causa de la convalecencia de tuberculosis. Sin embargo, en este cuadro, a diferencia del resto de la serie, María se muestra casi completamente recuperada. Ha abandonado la tarima en la que aparecía recostada, y el abrigo y la gorra, que le acompañaron en las otras representaciones, han sido sustituidos por un ligero vestido blanco y un sombrero sujetado por un pañuelo atado al cuello, indicándonos que los días invernales son cada vez más calurosos. Bajo una sombrilla, María aparece sentada sobre una silla de madera y en su regazo sostiene un estuche de colores, en una actitud de dibujar el paisaje que está contemplando.

El siguiente cuadro “El puente de San Martín, Toledo”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1906, procede de un coleccionista particular, realizado en óleo sobre lienzo.

Sorolla nos presenta la ciudad de Toledo donde describe con mucho detalle la proyección deslumbrante de la luz mediterránea, expresiva y vitalista, de la pintura de Sorolla sobre la aridez, tantas veces dura y adusta, de la Castilla profunda, en esta ocasión con ese Toledo como escenario de referencia al que el artista levantino visitó, emocionado y cautivo de su hermosura.

El siguiente cuadro “Sombra del puente de Alcántara”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1906, procede de un coleccionista particular, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 66 x 93.5 cm.

Sombra del Puente de Alcántara. Toledo, de 1906, es un magnífico ejemplo de la táctica con que Sorolla escoge sus encuadres para poner al espectador ante un espectáculo de pura pintura: eliminando el cielo y el horizonte, el lienzo se cubre de largas y rápidas pinceladas cargadas de color que nos hacen disfrutar con el placer mismo de la imagen casi abstracta de luces y reflejos, antes de permitirnos reconocer el motivo representado, la sombra del puente -que no está en la propia imagen-, proyectándose en el agua del río que fluye: el objeto representado por su sombra en un medio transparente y en movimiento es una vuelta de tuerca en el proceso que tanto apasionaba a Sorolla: el de convertir los objetos en efectos visuales.

El siguiente cuadro “María sobre la playa de Biarritz”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1906, procede de un coleccionista particular, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 63 x 92 cm.

La hija del pintor Sorolla, María viste de blanco, color de su sombrero y zapatos. La reverberación de las olas y la espuma del mar del fondo, ensombrece la figura de la muchacha.

Pintado durante el verano de 1906. Posiblemente la escena este tomada desde el paseo del faro. En ángulo superior derecho puede verse parte de la Roche Ronde ( La Roca Redonda ).

El siguiente cuadro “Silueta blanca, Biarritz”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1906, procede del Museo Sorolla de Madrid, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 63 x 92 cm.

Gracias a la enfermedad de María es por lo que el pintor establece una relación importante con el País Vasco. Durante el verano de 1906 la niña enferma. Aquejada de fiebre, malestar y cansancio, el padre decide que su hija sea vista por el doctor Madinaveitia. Desgraciadamente, el diagnóstico no deja duda y María es víctima de la tuberculosis, enfermedad que causa estragos en ese momento.

El siguiente cuadro “Instantánea, Biarritz”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1906, procede del Museo Sorolla de Madrid, realizado en óleo sobre lienzo.

En su finca de San Sebastián, Sorolla pasará numerosos veranos pintando distintos paisajes de la ciudad donostiarra ya que la casa del médico vasco se convierte para el pintor en una privilegiada atalaya desde donde se divisan el Monte Igueldo y el puerto de San Sebastián.

El siguiente cuadro “Paisaje asturiano”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1903, procede del Museo Sorolla de Madrid, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 63 x 95 cm.

En primer término, dos grandes almiares sobre un campo de hierba con cercas de piedra. Tras ellos, caserío blanco con tejados rojos y un hórreo situado a la derecha. Al fondo, cerros cubiertos de vegetación oscura y cielo azul rojizo con destellos dorados.

El siguiente cuadro “Triste herencia”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1899, procede de un coleccionista particular, realizado en óleo sobre lienzo.

Este cuadro es un estudio muy parecido a otro que muestra a un cura, en este caso solamente aparecen los niños bañándose y otros frente a la playa, están desnudos y muestran los que el pintor llamo “triste herencia” y no es otra que las secuelas de la terrible enfermedad de la poliomielitis.

El siguiente cuadro “Triste herencia”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1899, procede de un coleccionista particular, realizado en óleo sobre lienzo

Este cuadro es un estudio `previo del definitivo donde el cura es uno de los protagonistas de la escena, en este caso solamente aparecen los niños bañándose y otros frente a la playa, están desnudos y muestran los que el pintor llamo “Triste herencia” y no es otra que las secuelas de la terrible enfermedad de la poliomielitis.

Los siguientes cuadros “San Sebastián”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1917-1918, procede del Museo Sorolla, realizado en óleo sobre cartón.

Estos dos cuadros sobre cartón son dos estudios previos sobre la vida en la ciudad de San Sebastián.

Sorolla se esmeró muchísimo en pintar una geografía que representara la esencia de la región, y además, para encarnar el clima optó por la representación de nubarrones cargados de lluvia que se complementan con los troncos y las hojas verde oscuro de los plátanos medio escondidos que imprimen al cuadro un ambiente pesado.

El siguiente cuadro “Joaquín durmiendo”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1895, procede del Museo Sorolla de Madrid, realizado en óleo sobre tabla.

El cuadro es un pequeño boceto que no llegó a darle una forma definitiva. Representa a su único hijo varón dormido en una mecedora, a la edad de tres años. Viste de color rosa, calcetines blancos y zapatos negros.

El siguiente cuadro “Calle de las naranjas, Alcira”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1903, procede del Metropolitan Museo de Nueva York, realizado en óleo sobre lienzo.

Sorolla lleva el tema de la naranja extraído de sus paisajes de Alcira o Valencia. Cuando hace la composición de Valencia para la Hispanic Society representa un cortejo en el que portan racimos de naranjas, señala la influencia de la naranja en la literatura y su simbolismo erótico.

El siguiente cuadro “El niño curioso”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1916, procede de la Fundación Villar Mir, Madrid, realizado en óleo sobre lienzo.

La pintura de Sorolla cambia en las distintas etapas de su vida. Sin embargo, como rasgo general se puede ver que quita importancia al dibujo aunque siempre se apoya más en el color, cuya aplicación variaba: grandes pinceladas horizontales en el mar, pinceladas más difusas en el cielo y en las figuras.

El siguiente cuadro “Patio de la casa de Sorolla”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1917, procede Colección Carmen Thyssen, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 95,9 x 64,8 cm.

Patio de la Casa Sorolla forma parte de una serie de estudios que Sorolla pintó sobre el jardín y los patios de su casa de Madrid. Aunque en general no tienen fecha ni están firmados, sabemos que fueron realizados entre 1914 y 1920, en diferentes horas del día y en distintas estaciones, aunque el jardín sería captado la mayoría de los casos en primavera, cuando la floración luce con mayor esplendor.

El siguiente cuadro “Helena en la cala de San Vicente, Mallorca”, obra de Joaquín Sorolla, esta datado en 1919, procede del Museo de Sorolla de Madrid, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 81 x 105 cm.

Helena pasando, casi de espaldas, por las rocas de un acantilado. Recoge la falda de su vestido con la mano derecha, en la izquierda sostiene un sombrero de paja con adornos negros. Detrás, el mar de aguas serenas y parte del Caval Bernat, iluminado por el sol del atardecer.

El recorrido por la exposición de Sorolla termina con esta obra pero el Museo Giverny ha elegido una obra que conecte el impresionismo, si consideramos que Sorolla fue un verdadero impresionista, y la obra contemporánea.

La obra que cierra el recorrido “Sorolla un pintor español en París” y empieza un puente imaginario con la colección permanente del Museo de Giverny es una escena de un baño del artista suizo Kotcha Reist, se ha seleccionado en función de los numerosos lienzos de Sorolla que trataba el baño y se desarrollan a la orilla del mar. Este lienzo el autor lo titula “Die Warcheit”, en alemán “ La Verdad ”, donde el cromatismo está formado por el mar, el azul intenso del agua, cubre la superficie que rodea las dos figuras, dotando de una atmósfera irreal. Mientras en la obra de Sorolla se explora la luz y el color para revelar con mayor valor sus elementos, por el contrario, Reist utiliza la materia pictórica para disolver la información y dotar al cuadro de un aura de misterio, entre la anécdota y la alegoría.

El primer lienzo de la exposición permanente “Die Wahrheit”, obra de Kotscha Reist, estada datado en 2003, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de de 100 x 190 cm.

La obra Kotscha Reist se mueve entre la abstracción y la figuración. Los árboles, los animales, sino también la arquitectura son motivos recurrentes. Curiosamente, muchos de sus dibujos fueron realizados extraídos de una palabra, una frase leída en alguna parte. Es necesario un tono verbal para construir una imagen.

La siguiente obra “El estanque de Monet”, obra de Hiramatisu Reiji, pintado siguiendo la técnica japonesa del Nihonga, esta datada en 2011. Tiene unas medidas de 65,2 x 90,9 cm.

La exposición “Hiramatsu, la charca del lirio. Homenaje a Monet “demostrará que, de la misma manera que las impresiones japonesas eran una manera de introducir una nueva filosofía de espacio y la luz de los impresionistas, los lienzos de Monet eran una fuente de inspiración para Hiramatsu Reiji. Nacido en Tokio en 1941, este pintor japonés visitó París por primera vez en 1994 y descubre las enormes pinturas "Waterlilies" en la Orangerie. Y tomando la oportunidad de pasear en los pasos del maestro francés visitando el jardín en Giverny.

La siguiente obra “La mujer campesina y pajares, Giverny”, obra de Louis Paul Dessar (1867-1952), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1892.

Entre los años 1880 y 1890, miles de estudiantes estadounidenses invadían París y sus escuelas de arte. Llegaron atraídos por un plan de estudios más liberal que lo que estaba disponible en los Estados Unidos, y que aspiraba a competir en el ámbito internacional, el éxito de los artistas estadounidenses en la asimilación de la formación tradicional francesa se refleja en el número de entradas y premios que recibieron en los salones anuales de París.

La siguiente obra “El gran valle IX”, obra de Joan Mitchell (1925-1992), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1983-1984.

Joan Mitchell era una pintora americana de segunda generación, expresionista abstracta pintora y grabadora. Ella formaba parte del movimiento expresionista abstracto estadounidense, a pesar de que gran parte de su carrera tuvo lugar en Francia. Junto con Lee Krasner, Grace Hartigan, Helen Frankenthaler, Shirley Jaffe y Sonia Gechtoff, que era una de las pocas mujeres de su época pintoras que obtuvieron el éxito de crítica y público. Sus pinturas y grabados pueden verse en los principales museos y colecciones de todo Estados Unidos y Europa.

La siguiente obra “Nenúfares con ramas de sauces”, obra de Claude Monet (1840-1926), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1916-1919. Tiene unas medidas de 160 x 180 cm.

Claude Monet fue unos de los precursores del Impresionismo, influyó profundamente en la pintura paisajística. Conoció al núcleo de sus amigos impresionistas en París mientras asistía al estudio de Glenyre. Monet, que rompió con las técnicas pictóricas establecidas, supo captar los efímeros efectos de las horas del día, la atmósfera y las estaciones sobre el color y la luz. Su arte, al igual que un prisma, descomponía el color en elementos individuales y nunca utilizaba el negro o los tonos grisáceos. Pintaba con frecuencia los mismos lugares para representar los cambios de luz y las condiciones atmosféricas.

La siguiente obra “La draga de Rotterdam por la noche”, obra de Maximilien Luce (1858-1941), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1908.

Maximilien Luce fue artista muy prolífico francés neo-impresionista, conocido por sus pinturas, ilustraciones, grabados y artes gráficas, y también por su activismo anarquista. Comenzando como un grabador, que luego se concentró en la pintura, en primer lugar como un impresionista, a continuación, como un puntillista, y, finalmente, para volver al impresionismo.

La siguiente obra “Una calle en Louveciennes”, obra de Alfred Sisley (1839-1899), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1876.

La guerra franco-prusiana de 1870 arruinó a su familia y obligó a Sisley a marchar a Londres. Decide entonces ser pintor. En 1874 expuso en la primera exposición de los impresionistas y lo continuaría haciendo en 1876, 1877 y 1882.

Sisley fue eminentemente un pintor paisajista, que se distinguió de sus colegas impresionistas por la decisiva intervención en sus cuadros de los elementos más imponderables: el agua, la nieve, el cielo, la niebla, de tal forma que ha sido considerado, junto a Monet, como uno de los impresionistas más puros. Entre 1872 y 1880 realizó lo mejor de su producción: paisajes de gran espontaneidad de los alrededores de París, de Marly, Louveciennes, Bougival, Sèvres, Saint-Cloud o Meudon. Paisajes soleados que contrastan con sus célebres inundaciones de Marly, en las que no pierde igualmente su connotación intimista y poética.

La siguiente obra “Argenteuil”, obra de Claude Monet (1840-1926), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1872. Tiene unas medidas de 160 x 180 cm.

Habitualmente, Monet se reunía con otros pintores contemporáneos en Argenteuil, muy cerca de Versalles, y allí se dedicaban a pintar au plein air, o sea al aire libre, una disciplina artística

La siguiente obra “Naturaleza muerta, un faisán”, obra de Claude Monet (1840-1926), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1872.

Esta naturaleza muerta, pintada alrededor de 1861, es una de las obras más antiguas conservados de Claude Monet. En sus primeros años el joven artista se interesa especialmente este tipo de hechos que sigue estudiando posteriormente, pero están pagando un interés especial.

La siguiente obra es una escultura “Claude Monet”, obra de Paul Paulin (1852-1937), realizado en yeso, esta datado en 1911.

La siguiente obra “Altramuces y amapolas”, obra de Blache Hoschede-Monet (1865-1947), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1872.

Los temas que la gustaba pintar a Blanche eran de la naturaleza, cerca del río, los árboles. Su estilo, impresionista, a veces es difícil de distinguir con el de Monet, especialmente durante el tiempo que permanece en Giverny 1883-1897 y luego de 1926 a 1947. Pinta principalmente por diversión.

Además de su trabajo como pintora y discípulo de Monet, también juega un papel vital en la conservación de los jardines de Giverny del que constituía una fuente esencial de inspiración para su padrastro: de hecho, ella pone toda su atención en su conservación, a lo largo del período 1927-1947, especialmente durante la ocupación de Giverny por los alemanes durante la Segunda Guerra Mundial.

La siguiente obra “El desayuno en el jardín”, obra de Frederick Fieseke (1874-1939), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1911.

Frederick Carl Frieseke fue un impresionista estadounidense pintor que pasó la mayor parte de su vida como un expatriado en Francia. Un miembro influyente del grupo de arte Giverny, sus pinturas a menudo se concentró en diversos efectos de la luz del sol moteada. Es especialmente conocido por pintar sujetos femeninos, tanto en interiores como en exteriores.

La siguiente obra “Brovillard y el sol de la mañana”, obra de John Leslie Breck (1859-1899), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1892.

Claude Monet se trasladó a Giverny en 1883, el no puso una escuela, ni tampoco una academia de pintura en esta localidad retirada de París pero enseguida empezaron a llegar artistas a seguir la obra del maestro, el pueblo atrae rápidamente un círculo de pintores los estadounidenses ávidos de conocer los principios impresionistas.

La siguiente obra “El cortejo nupcial”, obra de Theodore Robinson (1852-1896), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1892. Tiene unas medidas de 56,7 x 67,3 cm.

Robinson es uno de los artistas americanas que llegan a Francia para estudiar el movimiento impresionista. Entre 1884 y 1892 Robinson pasan al menos la mitad de cada año en Francia. Visita Giverny la primera vez en 1885. Hasta 1892 era el pueblo que va a pasar la mayor parte de sus estancias en Francia. Robinson se convierte en un amigo de Monet y se interesó en el impresionismo.

Robinson nunca negó la formación académica, pero vemos en este cuadro, una de las últimas obras pintadas antes de su regreso definitivo a los Estados Unidos, el pleno cumplimiento de su estilo impresionista. Su paleta se está adelgazando. Los contornos desaparecen bajo la libertad de interpretación. La composición hace hincapié en el movimiento dinámico de la procesión, perceptible incluso en el velo de novia.

La siguiente obra “Árboles y flores en Giverny”, obra de Theodore Robinson (1852-1896), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1891-1892.

En diciembre de 1892, Robinson se trasladó a Nueva York y expuso sus pinturas que había pintado en Giverny, consigue atrae la atención de la crítica y obtiene diferentes recompensas. Tal vez siguiendo el consejo de Monet, Robinson, por tanto, es su propio país, empieza a pintar al aire libre en el campo y se traslada a costa de Nueva Inglaterra. Desgraciadamente desaparece prematuramente a la edad de 44 años, víctima de un ataque de asma, enfermedad que sufría desde su infancia.

La siguiente obra “Portal de cerezas en flor”, obra de Theodore Earl Butler (1861-1936), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1912.

Theodore Robinson fue un famoso pintor estadounidense por sus paisajes impresionistas. Fue uno de los primeros artistas americanos para adoptar el estilo Impresionista a finales de 1880 tuvo ocasión de conocer a Claude Monet en Giverny. Algunas de sus pinturas se consideran obras maestras del impresionismo americano.

Aquí damos por concluida la visita al Museo de los Impresionistas de Giverny, ahora nos vamos a dirigir a la casa y jardín de Monet, ya tenemos las entradas y no tenemos que hacer la cola. Nos han recomendado que accedamos por el lugar de las visitas concertadas.

Cuando Monet descubrió Giverny era una pequeña población rural situada a 80 Km. de París. Se halla en la ribera occidental del Río Sena en su confluencia con el río Epte. El pueblo continuó siendo una pequeña comunidad rural de escasa población, teniendo alrededor de 300 habitantes cuando llamó la atención de Claude Monet en 1883, quien trasladaría allí su lugar de residencia. En un principio, arrendó una casa y sus terrenos adyacentes a un terrateniente local. Más tarde, en 1890, una mejor situación económica le permitiría comprar la casa y construir los impresionantes jardines que deseaba pintar.

El jardín sería el escenario de muchas de sus obras más trascendentes, como los Nenúfares o el estanque de las ninfeas y el puente japonés. El maestro impresionista vivió en Giverny desde 1883 hasta su muerte en 1926. Tanto él como muchos de sus familiares están enterrados en el cementerio local. Su llegada transformó el lugar en un punto de referencia para los artistas de esta escuela: Cézanne, Renoir, Sisley, Pissarro, Matisse y John Singer Sargent lo visitaron, como también Georges Clemenceau, amigo de Monet.

En 1980, a raíz de la restauración de la casa y el jardín de Monet, y de su apertura al público, la ciudad viviría un boom turístico. Los visitantes llegan en la estación del año en la que las flores del jardín están floreciendo y su visita se hace mucho más bonita

Después de años difíciles en la vida artística de Monet su vida cambia cuando decide trasladarse a vivir a Giverny, 29 de Abril de 1883. El artista tenia cuarenta y tres años, estaba en su madurez y una nueva vida se abre para él. En ese momento, es el cuándo se hace famoso y su economía mejora.

Hasta este momento había vivido y pintado de espaldas al paisaje pero el jardín junto con la pintura en su segunda pasión convirtiéndose en el corazón de esta evolución, invirtiendo así el enfoque tradicional del pintor de paisajes.

Primero se dedicada a la creación del jardín, el artista pintó en torno su propiedad como lo demuestra la cantidad de obras que realizó después se aleja radicalmente del impresionismo de los tiempos heroicos y evolucionando hacia una nueva forma particular la libertad de expresión, independiente y revela que la tercera evolución.

En Giverny, Monet recibe a críticos, historiadores del arte especialistas en jardín, a menudo también a fotógrafos.

En Giverny, Monet, por primera vez, tiene la oportunidad crearse a sí mismo un jardín y que obedece a sus necesidades pictóricas. Los árboles que había en el huerto y en la calzada central se eliminan gradualmente aunque la estructura del jardín cerrado normado sigue siendo rectilínea, que desaparece bajo la profusión de la masa vegetal. Las flores también ganan alturas y van a enzarzarse en el aro del camino de acceso. En noviembre de 1890, compra la casa que había alquilado previamente. En aquella época, Octave Mirbeau, amigo del pintor y un apasionado del jardín, revoca con mortero de yeso de color rosa la fachada, lo que hace que todavía más deslumbrante flores, y se describen las variedades florales con precisión durante todas las estaciones de año. Monet manda construir invernaderos y en 1897 se crea un nuevo taller de jardinería en el que Felix y Breuil con un equipo de cinco jardineros son contratados.

En febrero 1893 artista adquiere un terreno por debajo de su propiedad, a lo largo de un brazo del río Epte para crear un segundo jardín. Después de haber obtenido las autorizaciones necesarias, un lago artificial con nenúfares flotantes. En el margen, los sauces, los cañaverales, y las plantas acuáticas rodean este fascinante jardín acuático se mezclan la naturaleza y su reflexión personal.

En 1901 compra una segunda parcela y consigue hacer más grande el espacio dedicado al jardín después de veinte años de la llegada en Giverny, hasta conseguir el aspecto final.

Consigue mezclar de diversas fuentes de inspiración para lograr lo mejor de los jardines: francés, inglés, Mediterráneo o japonés. Pero el resultado final es único: un jardín para un pintor, jamás nunca se había creado nada igual. Se convierte entonces el motivo favorito del artista.

Durante la planificación y el largo desarrollo del jardín, Monet no pintaba. Se dedica en hacer algunos estudios de flores, especialmente los que se dedican a la decoración de la sala de estar de su marchante Paul Durand-Ruel. Viaja también para encontrar nuevos patrones de desarrollo de su pintura, que son en algunas ocasiones parte de sus preocupaciones como jardinero, marcha hasta Holanda, donde admira los campos de tulipanes; en Bordighera (Italia) donde se centra especialmente los jardines de Villa Moreno famosos por su profusión vegetal. Donde traduce la luminosidad mediterránea y la fascinación del pintor por la naturaleza de esta región.

De regreso comenzó su primera serie de pinturas se basa en “Chopos” en 1891 y en “Matinées sur la Seine ” en 1896 que muestran un creciente interés con el tema de la vegetación y su reflejo en el agua, un tema que se convertirá en casi obsesivo cuando empieza a pintar sobre el lago “Estanque de Lirios”. También en la proximidad pintó sus últimos cuadros. En Noruega expresa una sensación misteriosa de inmersión en la naturaleza.

Monet, al igual que muchos artistas de su época, fue inspirado en gran medida por los pintores japoneses: participó en las famosas “cenas japonesas” donde se hablaba sobre la admiración del arte japonés, se citó a Tadamasa Hayashi, uno de los grandes pintores contemporáneos, y sus pinturas se pusieron de moda. Sólo hay que ver el retrato que hizo de su esposa, Camille vestida de japonés, pero en general le sirvió de inspiración de los artistas japoneses algunas combinaciones de colores, ciertos temas, el movimiento, y los marcos.

La influencia oriental se refleja muy bien en el jardín de Monet: en pocos años ha transformado su jardín, diseñado las calles, se plantan muchas especies exóticas de plantas, sustituyendo las manzanas por cerezas y albaricoques del Japón. China y Japón, se traen bambúes, lirios de agua y plantas raras.

Las plantas y las distintas especies y se disponen sin ningún plan preconcebido de forma asimétrica con una fuerte atracción por el Lejano Oriente.

Pero el vínculo más evidente entre el jardín de Claude Monet y los jardines japoneses obviamente es el puente, llamado el “puente japonés”, ya que tiene el mismo diseño que los de Japón, aunque aquí se pinta de verde mientras que los originales del Japón son de color rojo. Llamamos a estos puentes “puentes de luz de la luna”, porque el pasamanos permite dejar que los rayos de luz y el reflejo de la luna.

Inspirándose en la idea japonesa, Monet ha dado forma a un estanque con una parte estrecha donde la sombra de bambú no interfiere para que la luz pueda pasar bajo el puente para iluminar los lirios de agua situadas a la sombra de bambú.

Claude Monet en Giverny al igual que Joaquín Sorolla construyó su propio refugio en las afueras de Madrid, una bonita casa rodeada por un hermoso jardín que diseñó y cultivó él mismo, y que fue una constante inspiración en sus últimos cuadros. Hoy en día, la casa de Joaquín Sorolla es un museo que conserva su jardín, y numerosos cuadros, muchos sin terminar y todos aquellos objetos que fueron mudos testigos de la vida del pintor. Dicen que nunca falta un jarrón con flores frescas.

Monet se trasladó a la casa en Giverny en 1883. Se instaló allí con su gran familia mezclada. Tanto con sus hijos, de su primer matrimonio con Camille Doncieux, como con los de Alice Hoschedé, los seis hijos que ella tuvo con Ernest Hoschedé y sus dos hijos propios; su último hijo no llegará a conocer a su madre, muerta en el parto en 1879. Giverny se convertirá en un verdadero remanso de paz para Monet. Toda la familia tenía que seguir el ritmo de la vida del pintor, se llegó a decir que los niños tenían que salir de la escuela temprano para estar sentados en la mesa a las 11:30 para el almuerzo. Este es el trabajo que ha guiado la vida de Monet durante muchos años en su nueva casa. A veces se aisló varios días para pintar o salir de Giverny unas pocas semanas o meses para viajar por el Sur de Francia, Noruega o Inglaterra. El pintor, sin embargo, seguirá siendo muy unido a Giverny donde disfrutó de entretener a sus amigos en compañía de su entrañable amigo Georges Clemenceau y donde murió en 1926 a la edad de 86 años.

La casa tenía tres entradas (durante la vida de Monet dejó una entrada principal al centro y la puerta del lado derecho). Comenzamos el recorrido a través de la puerta principal y, después del pequeño salón azul y tiendas de comestibles, bajamos unas escaleras para entrar en el primer taller de Monet. En los muebles, cuadros del pintor dedicados a Alicia y a los niños, como en todas partes de la casa. En la pared, son reproducciones exactas de algunas obras que Monet que estaban colgadas en el mismo lugar. Los originales de estas pinturas ahora están dispersos en Francia y por todo el mundo. Monet utiliza este taller hasta 1899, año en la construcción de su segundo taller, más grande y más brillante.

El gran salón taller conservaba cincuenta y nueve de las mejores obras de Monet. Para su reconstrucción de los elementos y las pinturas que lo decoraban se estudiaron un profundo y minucioso histórico de las fotografías hechas en el salón durante el periodo de 1915 a 1920.

Volvemos por la habitación azul para coger las escaleras hasta la habitación de Monet, justo por encima de su taller y que tenía una vista sin obstáculos del jardín y la calle principal de Giverny. La habitación está decorada hoy siguiendo los escritos que se han podido salvar. Sabemos también que Monet había colgado los cuadros de sus amigos pintores como Cézanne, Berthe Morisot, Renoir y Caillebotte.

Cruzamos los baños sólo para encontrar la habitación de Alice donde se cuelgan los grabados japoneses que Monet le gustaban tanto y que coleccionaba como inspiración.

Al final del pasillo, la sala de Blanca Hoschedé, hija de su amante y esposa de su hijo Jean Monet en 1897. Blanca y Jean Monet heredaron la casa y vivieron allí casa casi hasta su muerte en 1947. El el piso de arriba, era un dormitorio donde dormían los niños en la familia, pero no se puede visitar.

El recorrido continúa, se desciende a la planta baja para descubrir el famoso comedor amarillo. Monet amaba el color amarillo y optó por ese tono en toda la decoración de la habitación.

El brillo en cualquier habitación de la casa es increíble, entendemos por qué Monet se sintió tan bien aquí.

Más adelante se encuentra la magnífica cocina decorada con azulejería de color azul. Destaca la enorme cocina de leña y carbón de la marca Briffault, era un clásico en las cocinas de la clase más pudiente de la época. Era un verdadero ingenio hecho de hierro fundido, tenía dos fuegos que se graduaban la entrada del aire para proporcionar más o menos calor. La puerta inferior es para la introducción de fuentes para el horno, lo que permitió mantener los platos de servir caliente.

La barra de latón de la cocina, llamada barra de seguridad, evitaba ser quemado por el metal de la cocina. También servía para secar las toallas en minutos.

Como siempre nos pasa nos tienen que echar de todos los sitios donde vamos, después de varios avisos salimos de la Casa de Monet para adentrarnos en el entorno de la vida en una población que aun se mantiene rural de Giverny.

El pueblo de Giverny gira en torno a la figura de Monet, toda su economía está dirigida al turismo: restaurantes, galerías de arte, hoteles, se concentran en una calle que ha sufrido pocos cambios y que seguramente ahora Monet lo reconocería.

El primer edificio que reconocemos en la ruta de Monet en Giverny se llama residencia Le Hameau era el lugar donde se alojaban muchos de los pintores americanos que venían a Giverny con la idea de estudiar la obra del maestro.

Más adelante está La Maison Rose es una de las mansiones que ha visto huéspedes importantes desde hace varias décadas, los pintores americanos, y muchos artistas a partir de 1909, cuando se convirtió en una posada. Bailarina Isadora Duncan fue una de sus ocupantes, también Blanca Hoschedé, la hijastra de Monet, a menudo llegó a pintar en el jardín.

La casa pertenece ahora a la Fundación Terra , que alberga la residencia de verano allí hacen cursos artistas e investigadores en la historia del arte.

El siguiente punto de la ruta es la “Maison de Butler”, perteneció a la hija del pintor americano Theodore E.Butler, Alice vivió aquí con su padre, la transformación de esta casa con encanto humilde de una granja del siglo XVII. En esta casa aparece en una famosa pintura de Monet 1891, la serie de Meules.

Seguimos por la calle hasta llegar a otro de los destinos era una casa de huéspedes y restaurante “Au Bon Maréchal”. Frecuentado en el momento de Claude Monet y otros artistas. Sirvió de estudio de un pintor estaba en el primer piso.

Nos queda el tiempo y el sosiego para pasear en el momento que ya el turismo ha huido con destino a sus hoteles en París. Nosotros marchamos hacia la izquierda siguiendo el trazado de la calle Rue Claude Monet y del último viaje de Monet pasando por su iglesia municipal y su última morada en el pequeño cementerio de la localidad.

La iglesia de Sainte Radegonde de Giverny, es una pequeña iglesia cuya construcción data de diferentes épocas, la parte más antigua del siglo XI es el ábside semicircular con sus modillones con motivos grotescos.

En el interior destaca el arco de coro construido con forma ojival con nervuras planas lo que denota que fue construido ya en estilo gótico tardío. Los arcos que sirven de armazón formados por nervuras fuertes que se ramifican y datan del siglo XV.

La decoración de la iglesia está constituida por numerosas estatuas de diferentes periodos. En el coro: se puede ver el altar. El altar tiene un pequeño retablo de madera pintado del siglo XVII. En el interior una pintura del mismo período, lo que representa la transfiguración de Jesús en el monte Tabor.

A la izquierda es una estatua de piedra que representa Santa Radegunda y derecha una estatua de San Roque, ambas del siglo XVII.

Sobre el altar de la nave sur hay una gran estatua de madera de San Juan Bautista, obra del siglo XVIII. En el altar del lado norte hay una pintura de la Anunciación del siglo XIX con, en un nicho, una estatua de piedra de la Virgen y el niño desde del siglo XIV.

En la pared del pasillo del sur es una estatua de piedra del siglo XVI que representa Saint Quentin torturado. Cerca de la entrada lateral, hay otra estatua de piedra policromada del siglo XIV que representa San Luis de Anjou.

Sobre el arco triunfal hay un Cristo de madera fechado en 1654 que fue originalmente rodeado por la Virgen y San Juan.

En los vitrales de la nave norte se representa la Virgen y el Niño con Santa Radegonde, mientras que una de las ventanas del pasillo sur se representan la figura de San Roque y su perro.

En la entrada a la iglesia se encuentra el coche funerario que traslado hasta el cementerio el cuerpo de Monet empujado por dos aldeanos. El féretro estaba cubierto con un paño de color negro, su amigo primer ministro de la tercera república Georges Clemenceau, lloro amargamente y grito “Non! non! pas de noir sur Monet. Le noir n'est pas une couleur.” (No! no el negro sobre Monet. No es un color). Su hija Blanca se traslado rápidamente a la casa donde cogió una cortina de colores para cubrir el féretro.

Nos acercamos a las espaldas de la iglesia donde se encuentra el cementerio, en un lugar destacado se halla la peculiar tumba de Monet. A decir verdad, no representa a uno de los grandes de la pintura, más bien, no destaca de la de sus vecinos no tan famosos. Tiene una cruz redonda, no tiene lápida, simplemente hay plantas y flores como su hermoso jardín en pequeño, a lo largo de su pequeño jardín hay pequeñas citas de las personas enterradas, son todos sus familiares más allegados, en el centro la suya: en una plancha de mármol partido dice: aquí reposa nuestro amado Claude Monet qué nació el 14 de noviembre de 1840; y murió el 5 de diciembre de 1926. Lamento todo.

Después de rendir nuestro sentido homenaje caminamos por las calles desérticas hasta nuestro parking, en este momento somos una docena de autocaravanas las que nos disponemos a pasar la tarde-noche. Aprovechamos el momento de tranquilidad para darnos una confortable ducha y sin mucho más, cenamos, vemos una peli y dormimos plácidamente.

He de citar que es un sitio perfecto si no quieres adentrarte en dormir en París, aquí tienes un sitio donde puedes pernoctar con seguridad, aunque carece de cualquier tipo de servicios para las autocaravanas.

Por la mañana temprano nos trasladamos hasta Paris para ver el museo Orsay directamente vamos hasta el Castillo de Vincennes,

Antes de entrar en la autopista de peaje ponemos en el buscador: “localizar una gasolinera Auchan” con la intención que podamos salir desde París con el depósito lleno de combustible y que nos permita llegar sin repostar casi hasta Burdeos. Localizamos una gasolinera a un precio de 1,059 € litro. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N48.98132 // E 1.68893.

Llegamos a París después de sortear el típico atasco de la circunvalación, hasta aparcar en las inmediaciones del Castillo de Vincennes, donde en una de sus calles tenemos un hueco. Las coordenadas GPS del lugar corresponde con: N 48.83988// E 2.43162 .

Desde el aparcamiento solamente tenemos que desplazarnos a la estación del metro de Vicennes y coger la línea de metro número 1, un trasbordo en la estación de Tuileries y coger la línea 12 para bajarnos en Solferino.

Soy conocedor de la noticia aparecida en la prensa española: “El Museo d'Orsay de París, que alberga una de las colecciones más importantes de los impresionistas del mundo, permitirá a sus visitantes hacer fotos después de que la ministra de Cultura colgara en las redes sociales una imagen tomada en el recinto”. El Orsay era uno de los pocos museos de la capital francesa que mantenían la prohibición de poder fotografiar los cuadros que cuelgan de sus paredes.

Todo esto ha dado un vuelco gracias a la ministra de Cultura de Francia, Fleure Pellerin, que durante una visita a la retrospectiva del postimpresionista Pierre Bonnard sacaba su teléfono móvil y fotografiaba una obra que estaba colgada en sus paredes para después subirla a la red social Instagram. La foto no pasó desapercibida para las Asociaciones Fotográficas que durante años vienen reclamando, en nombre de la difusión de la cultura, que se permita fotografiar las obras del museo de Orsay.

Tal fue el revuelo que finalmente, se acepto levantar el veto a esta práctica que en la época en que vivimos no tiene ningún sentido, aunque para preservar las obras seguirá prohibido el uso de flashes y de trípodes.

No se sabe si verdaderamente la foto de la Ministra fue un error de protocolo o simplemente trató de forzar al museo a aplicar una medida que ella anima a adoptar en todos los museos.

La dirección del Museo Orsay reconoce que la foto de la ministra les ha obligado en la decisión de levantar el veto, aunque dicen, que desde hace meses estaban estudiando hacerlo. La ministra, por su parte, afirmó en Twitter que con su foto lo único que hizo fue incentivar la campaña “Todos Fotógrafos”, creada en julio de 2014, con la que su departamento pretende que el público contribuya a la difusión de la cultura a través de la fotografía”.

Hemos decidido emplear la mañana en visitar el extraordinario museo porque desde esta primavera se ha levantado la veda para que pudieran hacer fotografías en el interior del museo, gracias a qué en mayo fue visitado por la ministra de cultura que tuvo a bien sacar su móvil y hacerse algunos selfies, luego las publico en las redes sociales, ante la prohibición que pesaba sobre el publico. Esto desencadeno unas enormes protestas de por qué los ministros podían fotografiar y el público que había pagado la entrada no, al día siguiente se levanto la prohibición para el público en general de fotografiar el precioso recinto y sus obras. Esto nos llevo a planificar la visita pensando que seriamos de los primeros en disfrutar de la libertad para fotografiar el museo.

Cuando llegamos no hay nadie esperando en la taquilla, algo esta funcionando mal en París con la bajada tan enorme del turismo, además es sábado. Bueno constato cual es la realidad de la ciudad sin querer ensañarme con los problemas de seguridad que atraviesa todo Francia y qué en España los hemos vivido mucho antes.

Nuestra intención para la visita a este enorme museo es hacerlo de una forma rápida y armoniosa para ver las 10 obras calificadas como imprescindibles y añadir todas las obras de Monet que tenemos frescas por nuestra anterior visita a Giverny.

El importe que pagamos es para dos adultos son 24 euros. El horario de visita es: de martes a domingo: de 9:30 a 18:00 horas (jueves hasta las 21:45 horas). Adultos: 12€. Menores de 18 años: entrada gratuita.

El Museo de Orsay tiene como pasado arquitectónico ser una estación de tren que debido a su poco uso pasó a convertirse el 9 de diciembre de 1986 en el museo que albergarse las obras de arte del mundo occidental dentro del periodo de 1848 a 1914, coincidió el día de la proclamación de la II República y el estallido de la Primera Guerra Mundial.

La construcción de la estación de tren fue una obra de la Compañía de Ferrocarriles de Orléans que saco a concurso la obra adjudicándose el día 21 de abril de 1898 al proyecto presentado por el arquitecto Victor Laloux. Concibe la obra con una fachada de piedra acompañado de un hotel de lujo con 370 habitaciones, diseñado con todos los detalles de la decoración, con un estilo ecléctico fastuoso que combina las épocas de Luis XIV, Luis XV y Louis XVI. Confía toda la decoración a los mejores artistas oficiales del momento: las pinturas del vestíbulo de salidas a Fernand Cormon, el restaurante a Gabriel Ferrer y Benjamin Constant, las del salón e fiestas a Pierre Fritel. Encarga tres grandes esculturas que simbolizan las ciudades de Toulouse a Laurent Marqueste, la ciudad de Burdeos a Jean Baptiste Hugues y la ciudad de Nantes a Jean-Antoine Injalbert . Queda inaugurada el día 1 de julio con todos los adelantos modernos, dejando atrás los vapores y el humo negro.

La Dirección de los Museos de Francia propone que se instale allí un museo destinado a exponer las mejores obras de arte desde finales del siglo XIX y principios del XX. La originalidad del proyecto es poder integrar en el mismo techo un espacio muy corto de tiempo, unos 75 años, pero con una fecundidad inusitada dentro del arte francés, es como la Edad de Oro de Francia.

El grueso de las obras que se exponen proviene del museo del Louvre, del museo Jeu de Paume y del Museo de Arte Moderno. Además, muchas otras obras se han ido incorporando gracias a la generosidad de numerosos donantes.

La escultura ocupa un lugar de privilegio en el Museo de Orsay, la planta principal que ocupaba la estación de tren es el lugar de reunión de obras de Rodin a Gaugin pasando por obras de Bourdelle y Maullot.

La escultura fue un signo de poder de la gente del arte para ensalzar los logros de la Tercera República. El museo alberga unas dos mil doscientas esculturas en todo tipo de formatos: yesos, barros, mármoles, bronces, bajorrelieves que representan diferentes estilos; clasicismo, romanticismo, eclecticismo, realismo, simbolismo, academicismo y por su puesto los llamados rodinismos. No podemos olvidar la escultura echa por pintores: Degas, Gaugin, Gérôme, Renoir.

El museo tiene una importante colección de pintura formada por más de 5000 obras imprescindibles para conocer la historia del arte. Comienza con los pintores de tradición académica y se mezclan con los movimientos de vanguardia: realista, impresionista, simbolista y las escuelas extranjeras.

Por último mencionar el apartado del museo para albergar una importante colección de Artes Decorativas donde se pueden ver muebles de diseño eclécticos, el periodo neogótico a las Art San Crafts, el modernismo, el movimiento internacional.

Bueno ahora paso a relatar el recorrido que nosotros hicimos muchas veces no obedece a la lógica simplemente al interés que nos despiertan ciertos autores o alguna de sus obras más importantes, es necesario conocer que es imposible poder abarcar este tipo de museos en una sola jornada es mucho mejor trazarse un recorrido que esté en nuestras manos para no salir con la mente embotada.

La primera impresión nada más entrar a la gran sala es estar en el interior de una estación de tren de primeros del siglo XX, nos parece algo parecido al Tate de Londres pero aquí se ve que tiene alma, no solo cuerpo como manifiesta el edificio londinense.

La primera obra que vemos es la escultura “Gérôme ejecutando gladiadores, Monumento a Gérôme”, obra de Jean-Léon Gérôme (1824-1904), Aimé Morot (1850-1913), realizado en bronce, esta datado entre 1878-1909. Tiene unas medidas de 360 x 182 x 170 cm. Expuesta en el nivel 0 del museo.

El conjunto desprende un sabor de la verdad real de la historia llevada al bronce donde se representa el increíble grupo de gladiadores. Esta primera escultura del pintor Gérôme, que se había creído durante mucho tiempo perdido, fue utilizada por su hijo, Aimé Morot, también pintor y escultor, para rendir homenaje al artista. El complejo fue construido en 1909 como un monumento en los jardines del Louvre.

La siguiente escultura “León de Assis”, obra del escultor Antoine-Louis Barye (1795-1875), realizada en bronce, esta datada en 1847. Tiene unas medidas de 200 x 85 cm x. 186 cm. Expuesta en el nivel 0 del museo.

El león ha sido siempre, desde la antigüedad, el símbolo el poder majestuoso. Aquí admiramos la estatura imponente, con una belleza real y de sencilla factura, magistral. Inusualmente, Barye la retrata este león con una quietud monumental. Se encontraba expuesto delante de la puerta del Louvre.

La siguiente escultura “Libertad que ilumina el mundo”, obra del escultor Frédéric-Auguste Bartholdi (1834-1904), realizada en bronce, esta datada en 1889. Tiene unas medidas de 2,87 x 1,05x 0,75 m. Expuesta en el nivel 0 del museo.

La escultura fue un regalo del pueblo francés al pueblo estadounidense para el centenario de la Independencia de los Estados Unidos en 1876, la colosal libertad iluminando el mundo se ha convertido en uno de los iconos de la escultura francesa del siglo XIX, convirtiéndose en la universalmente famosa estatua. Este monumento republicano que celebra la amistad franco-estadounidense nació del compromiso conjunto de Edouard Lefebvre de Laboulaye, un antiguo rival del Segundo Imperio.

La siguiente escultura “Mujer privada por una serpiente”, obra del escultor Auguste Clésinger (1814-1885), realizada en bronce, esta datada en 1847. Tiene unas medidas de 0.565 x 1.8 x. 0.7 m. Expuesta en el nivel 0 del museo.

La escultura representa la sugestiva imagen de una mujer desnuda retorciéndose bajo la picadura de una simbólica serpiente enroscada alrededor de su muñeca, Clésinger, como lo demuestran los muslos de celulitis que se han trascrito al mármol.

La obra presenta las generosas curvas cuyo realismo conmocionó a la Feria pública que representa a unos asociados mojigatos que utilizan una crítica más convencional: la cara idealizada es menos expresivas, la tribuna está cubierta de flores como un péndulo de bronce, haciendo que el dedo del pie de la mujer tomado por una serpiente es el ejemplo perfecto eclecticismo en la escultura.

La siguiente escultura “Penelope”, obra del escultor Pierre-Jules Cavaller (1814-1894), realizada en mármol, esta datada en 1849. Tiene unas medidas de 147 x 805 x 128 cm. Expuesta en el nivel 0 del museo.

La escultura representa una narrativa central de la Odisea de Homero, donde se representa a Penélope, a pesar de los numerosos pretendientes al trono de Itaca quien la presionó para elegir un nuevo cónyuge, de entre sus filas, se mantiene fiel a su marido.

La siguiente escultura “Tarsicio mártir cristiano”, obra del escultor Alexandre Falguiere (1831-1900), realizada en mármol, esta datada en 1868. Tiene unas medidas de 64,5 x 140,7 x 59,9 cm. Expuesta en el nivel 0 del museo.

Tarcisio es un joven mártir cristiano que habría vivido en el siglo III, en el Imperio Romano, y que hubiese muerto intentando proteger las hostias consagradas que transportaba. Falguière ha elegido ese momento, cuando tras proteger la hostia, el chico muere bajo los golpes de los paganos.

La siguiente escultura “La joven Tarentine”, obra del escultor Alexandre Schoenewerk (1820-1885), realizada en mármol, esta datada en 1871. Tiene unas medidas de 0,74 x 1,71 x 0,68 m. Expuesta en el nivel 0 del museo.

La escultura está inspirada en un poema de André Chénier. Los poemas cuentan la historia de una niña perdida en el mar antes de casarse, su marido Tetis la llora.

La primera pintura “La decadencia romana”, obra del pintor Thomas Couture (1815-1879), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1847. Tiene unas medidas de 472 x 772 cm. Expuesta en el nivel 0 del museo.

La decadencia de los romanos es una obra de grandes proporciones materiales y artísticas. El pintor da un nuevo impulso a la pintura francesa y para hacerlo se hace referencia, en lugar de forma convencional, a los maestros de la antigua Grecia, el Renacimiento y la escuela flamenca. La obra es una pintura de historia, considerado como el género más noble en el siglo XIX, por lo tanto, tenía que representar el comportamiento humano y transmitir un mensaje moral.

La siguiente escultura “Juana de Arco en Domrémy”, obra del escultor Henri Chapu (1833-1891), realizada en mármol, esta datada en 1872. Tiene unas medidas de 117 x 92 x 83 cm. Expuesta en el nivel 0 del museo.

Durante el siglo XIX en Francia estaba fascinada por la figura de Juana de Arco, como una heroína histórica, mitificada y que figuraba en el movimiento nacionalista fácilmente anti-británica en la segunda mitad del siglo XIX. Henri Chapu, un escultor clásico que exploró una forma sincera, elegante del naturalismo con gran finura, optó por representar no la doncella guerrera en un traje de armadura, aquí representa a una pastora de Lorena escuchando las voces pidiéndole ayuda al rey para liberar el reino.

La siguiente pintura “Escena de la inquisición en España”, obra del pintor Gabriel Joseph Marie Augustin Ferrier (1847-1814), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1879. Tiene unas medidas de 199 x 183 cm. Expuesta en el nivel 0 del museo.

Gabriel Ferrier nació en Nîmes, su padre era un farmacéutico. Ingresa en la Escuela de Bellas Artes de París, era estudiante de Ernest Hebert e Isidoro Pils. Expuso en el Salón de 1869. El ganador del primer Gran Premio de Roma en 1872 por una escena de inundaciones, se quedó en la Academia de Francia en Roma entre 1873 y 1876.

El siguiente cuadro es uno de los más famosos del museo se titula “El Origen del Mundo” y quizás es el cuadro que más ríos de tintas ha consumido entre su historia tan convulsa. El primer dueño fue lógicamente el que encargó el cuadro, se trata del diplomático turco-egipcio Khalil-Bey (1831-1879) era una figura brillante en el París de los años 1860, con este lienzo reúne una efímera pero deslumbrante colección, dedicada a ensalzar la figura del cuerpo femenino, el cuadro lo ocultaba detrás de una cortina y solamente era descubierta ante sus más íntimos amigos . El cuadro fue apostado en una timba de cartas, luego fue adquirido por el anticuario Antoine de la Narde en la subasta que se realizó en 1868. Sus andanzas posteriores son en cambio poco claras. Edmond de Goncourt lo vio por primera vez en 1889 en la tienda de un anticuario, oculto tras un panel en el que estaba pintado un castillo en medio de un paisaje nevado. Se trata de otro cuadro de Courbet, Le château de Blonay, pintado en 1874-77, de 50 cm por 60 cm. Actualmente en un museo de Budapest.

El conjunto reapareció en 1913 en la Galería Bernheim-Jeune de París, sin que se sepa cómo llegó allí. También exponía allí sus propios cuadros el barón húngaro Ferencz Hatvany, quien compró los de Courbet. Hatvany los llevó a Budapest, donde permanecieron hasta la Segunda Guerra Mundial, cuando el Heer se apoderó de ellos.

Terminaron sin embargo en manos del Ejército Rojo, quien se los devolvió a su legítimo dueño. Hatvany trasladó su residencia a París en 1947 y en 1955 Jacques Lacan adquirió de él L'origine du monde.

Lacan llevó el cuadro a su casa campestre La Prevoté en Guitrancourt, pero lo ocultó también, esta vez bajo una composición realizada ex profeso por André Masson, cuñado de la que sería su mujer, Silvia. También mantuvo oculta su condición de propietario del cuadro. Por último, tras la muerte de Lacan en 1981, L'origine du monde pasó a ser propiedad del Estado francés en pago de los impuestos sucesorios. Desde 1995 se expone en el Musée d'Orsay de París junto con otras obras de Courbet.

La importancia del cuadro fue desde primeros momentos el tratamiento de la imagen siguiendo los principios realistas que Coubert había adaptado a sus pinturas, el artista prescinde de cualquier iconografía para ir a recrear una parte del cuerpo femenino con toda su crudeza, eligiendo un composición en diagonal consiguiendo elegir una hermosa escala cromática, esto salva la obra de la calificación de pornográfica. Se ignora quién fue la modelo aunque se ha afirmado que pudiera tratarse Joanna Hiffernan, era pareja de James Abbott McNeill Whistler, y amante ocasional de Coubert y ya había posado anteriormente en el cuadro “Mujer con un loro” o en “Le Sommeil”o “Bella irlandesa” y que efectivamente se ve cierta similitud anatómica.

El misterio de la obra crece hasta que en el año 2010 un aficionado al arte compró un retrato de pequeño formato por 1400 euros. Se trataba de la cara de una mujer que presentaba su rostro ladeado hacia atrás y la boca entreabierta, con un gesto extasiado.

Al separar la tela del marco se pudo comprobar que había sido cortada y que parecía proceder de una tela mayor. Luego descubrió en el reverso un sello medio borrado que resultó ser el nombre de un marchante del siglo XIX. Lo siguiente fue intentar descubrir quién era la modelo. Poco después, el anónimo propietario da con una reproducción de otra obra de Courbet, “La femme au perroquet” (Mujer con loro), que se expone en el Metropolitan de Nueva York. Es un retrato de la irlandesa Joanna Hiffernan, amante del pintor James Whistler.

La historia de Joanna no fue fácil, provenía de una familia de baja condición social, huérfana de madre a temprana edad y con un padre ausente, ella y su hermana salen adelante y Joanna empieza a modelar para algunos amigos artistas. Whistler quería casarse con ella pero su familia se negó alegando la dudosa “profesión” de Joanna, las mujeres que posaban desnudas eran consideradas casi prostitutas. Al parecer la auténtica razón de la oposición familiar era la baja categoría social de la que provenía Joanna. El pintor Whistler por su parte amaba a Joanna e incluso llegó a discutir con su familia por ella pero nunca se unieron formalmente.

En el año 1866 James Whistler se marcha durante siete meses a Valparaiso y Joanna viaja a París donde posa para el cuadro de Courbet “El sueño”, Joanna se convierte en la amante de Courbet y al parecer posa como modelo para el cuadro “ El Origen del Mundo ”.

El comprador de este descubrimiento pictórico consulta con Jean-Jacques Fernier, del Instituto Gustave-Courbet, autor del catálogo razonado de la obra del pintor. Éste ordena hacer un análisis del cuadro al Centro de Análisis e Investigación en Arte y Arqueología de París: radiografías, rayos X, espectrometría de infrarrojos. Resultado: “Los pigmentos, la capa marrón de los contornos, la largura de las pinceladas, todo correspondía punto por punto a “El origen del mundo”. El experto inscribe el retrato en su catálogo y confirma su teoría de que “El origen del mundo” es una obra incompleta.

El realismo de la pintura en negrita se consideró una afrenta a la sensibilidad de la hipocresía burguesa, el cuadro desgraciadamente vio la luz en una época donde estaban siendo interrogados los valores morales. Gracias a la verdadera naturaleza de su erotismo gráfico tan realista, por lo que la obra maestra de Courbet no fue nunca expuesta al público hasta 1980 en que llegó a manos del Estado francés.

Los datos de esta obra de arte: “El origen del mundo”, obra del pintor Gustave Coubert (1819-1877), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1866. Tiene unas medidas de 46 x 55 cm. Se expone en la sala 20 del museo.

Courbet hace una nueva obra del desnudo femenino, a veces trata la obra como francamente libertina. Lo ejecuta con una atrevida y franqueza otorgando a la obra una absoluta fascinación. La descripción es casi anatómica de una mujer no es atenuada por ningún artificio histórico o literario. Gracias a la gran virtuosismo de Courbet, el refinamiento de una gama de colores ámbar, sin embargo, representa una imagen para la época que podría ser pornográfica. La franqueza y audacia de este nuevo lenguaje no descarta un vínculo con la tradición: por lo tanto, un amplio y sensual tacto y el uso del color recuerdan la pintura veneciana.

La siguiente pintura “Bañista en la fuente”, obra del pintor Gustave Coubert (1819-1877), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1868. Tiene unas medidas de 128 x 97 cm. Se expone en la sala 20 del museo.

Courbet fue un trasgresor de las normas tradicionales de la pintura mediante la subordinación de la descripción de la naturaleza de una experiencia eminentemente personal. Sus motivos eran principalmente los de su región natal, Franco Condado. El valle del Loue, cuevas y bosques fueron visitados tan incansablemente formando un equilibrio de su pintura. La armonía natural se celebró con un lirismo especial , como la fusión de las mujeres con la naturaleza. La Fuente ignora el academicismo alegórico generalmente reservado en parte a una serie de pinturas que Courbet había dedicado al tema noble y más inequívoco de la pintura del desnudo. Con la presentación de la verdad de un cuerpo marcado por el uso de la faja, y mediante su inclusión en el contexto de un panorama de la identidad, la pintura simboliza audazmente como el sabor de la realidad, hace volar la imaginación del pintor.

La siguiente pintura “Mujer desnuda con un perro”, obra del pintor Gustave Coubert (1819-1877), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1861-1862. Tiene unas medidas de 65 x 81 cm.

El cuadro fue pintado para la primera exposición del artista el posado corresponde a la modelo Leontine Renaude, que luego pasaría a ser la amante del pintor en aquel momento.

El registro erótico es evocado por el enlace directo entre la mujer y su perro. El afecto demostrado por el animal es una metáfora del amor sensual para el amante, cómplice testigo de la escena.

Courbet aquí es sensible a diversas influencias. La pose de la modelo, la caída y el paisaje del fondo, y la presencia de un perro pequeño, símbolo de la fidelidad, al que se refiere en las tablas de Tiziano. Pero la joven no era la clásica belleza de Danae, sus características son comunes. Sin embargo, el cuerpo casi perfecto redondeado, como su aterciopelada piel, sirve para mitigar hipótesis realistas.

La siguiente pintura “Bañistas”, obra del pintor Gustave Coubert (1819-1877), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1858. Tiene unas medidas de 115,4 x 155.5 cm.

El cuadro paso a ser propiedad del Ministro de Asuntos Exteriores del Tercer Reich, Ribbentrop. El Reich no puede dar cabida a ciertas pinturas en lo que denomino como “arte degenerado”, algunos fueron destruidos, otros se intercambiaron, otros se vendieron discretamente en Suiza. El gobierno francés recupero algunas de estas obras que eran privadas y fueron devueltas después de la II Guerra Mundial .

La siguiente pintura “Una ninfa jugando con Amor”, obra del pintor Camile Corot (1796-1875), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1857. Tiene unas medidas de 0.76 x 0.569 cm.

Corot ingresó en el estudio de Achille-Etna Michallon, era un reputado paisajista, de quien aprendió a «observar con exactitud y ser verdadero al reproducir la naturaleza». Pero su temprana muerte le condujo en 1822 al estudio de Jean-Victor Bertin, otro paisajista que le aportó destreza en los principios de composición clásicos que caracterizan los paisajes sosegados y bien estructurados que pintó en Italia entre 1825 y 1828.

La siguiente escultura “Pescador napolitano”, obra del escultor Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1875), realizada en yeso, esta datada en 1858. Tiene unas medidas de 0.76 x 0.569 cm.

Se conservaba en el Louvre, pero desde 1986 se asignó al Museo de Orsay. Se da cuenta de este trabajo, de paso, en la Villa Medici en Roma.

Una versión de mármol está especialmente conservada en la Galería Nacional de Arte en Washington, mientras que existen muchas otras versiones.

La estatua representa a un joven en cuclillas, desnudo y llevaba en sus manos una caracola . Se le describe como un pescador y es la representación de un hombre con una concha marina que se acerca a su oído.

La siguiente escultura “El oso blanco”, obra del escultor François Pompon (1855-1933), realizada en piedra, esta datada en 1925. Tiene unas medidas de 163 x 251 cm.

El oso polar es una estatua de piedra del escultor francés François Pompon, en este caso optó por la simplificación de las formas en sus esculturas a partir de 1905. Alisó las superficies sensibles para liberar sus representaciones de animales de todos los lujos. Cuando el modelo del oso apareció en el Salón de Otoño de 1922, el trabajo destacó por su modernismo en la escultura heredado del siglo XIX.

La siguiente pintura “Retrato Pierre-Joseph Proudhon”, obra del pintor Gustave Coubert (1819-1877), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1865. Tiene unas medidas de 0.72 x 0.55 cm.

Pierre-Joseph Proudhon (1809-1865), fue un filósofo político y revolucionario francés, y, junto con Bakunin, Kropotkin y Malatesta uno de los padres del pensamiento anarquista y de su primera tendencia económica, el mutualismo –propone una sociedad futura sin Estado donde la propiedad de los medios de producción pueda ser individual o colectiva siempre que el intercambio de bienes y servicios represente montos equivalentes de trabajo– que reflejó el intento del autor por llegar a un punto medio entre las ideas colectivistas y federalistas de la época .

La siguiente pintura “Entierro en Ornans”, obra del pintor Gustave Coubert (1819-1877), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1849. Tiene unas medidas de 315 x 668 cm. Se exponen en la sala denominada el Pabellón Amont del museo.

Courbet realizó el Entierro en Ornans en el año 1850, un período tan crucial en la historia de Francia como para la historia del arte moderno. Luis Felipe I de Francia fue depuesto en 1848 y pocos meses después Luis Napoleón Bonaparte, futuro Napoleón III, fue escogido presidente de la Segunda República Francesa.

En 1850, especialmente durante la Revolución Industrial, los impulsos espirituales de los románticos se quedan obsoletos delante el rápido desarrollo de las técnicas de producción y el surgimiento de una nueva sociedad. Se forman, entonces, dos clases sociales paralelas con aspiraciones contrarias: la burguesía se convierte en la clase dominante, y tiende a imponer su política y moral, mientras que la clase obrera trata de expresar sus peticiones. Los intelectuales empezaron a desarrollar los fundamentos de la doctrina socialista como Karl Marx y Pierre-Joseph Proudhon (que era amigo de Courbet y el retrato del mismo lo había pintado en 1865). En este contexto social, los artistas no están necesariamente junto a la clase trabajadora y su lucha (Courbet participará con la Comuna de París solamente en 1871), pero está en contra de la burguesía que rechaza las nuevas formas del arte. El artista verdaderamente innovador, tiende a aislarse y marginarse en sí mismo, después de la forma de vida bohemia y libre de los artistas románticos, a finales del siglo XIX aparece la imagen del artista maldito, que no está al servicio de las instituciones y de los poderosos como antes, y que sólo lo entiende una pequeña élite intelectual y artística.

En esta su obra maestra, Courbet transmite con el máximo realismo posible un funeral –posiblemente el de su propio abuelo materno –, un republicano convencido, constatándose la presencia de dos amigos jacobinos, aunque él mismo aparece en el extremo izquierdo como testigo, al que asiste toda la comunidad, desde los representantes del ayuntamiento hasta las plañideras oficiales –mujeres que se pagaban para llorar en los funerales–, pasando por los hidalgos y la familia del pintor. Incluso un perro perdiguero no quiere perderse el evento y se presenta en primer plano. Por comentarios del propio pintor sabemos que toda la población de Ornans, pequeña localidad cercana a Besançon y pueblo natal del pintor, quiso posar para el cuadro, resultando un conjunto de 46 personas a tamaño natural representados con enormes dosis de veracidad. Se puede decir que esta obra es un panfleto del nuevo estilo artístico defendido por Courbet considerado como un arte científico, naturalista, anticlásico, antirromántico, antiacadémico, progresista y social, cuya única fuente debía ser la observación directa del natural. Las figuras forman un grupo compacto y se recortan sobre las planas montañas de la localidad, representadas en diversas actitudes y posturas, siendo una de las mejores galerías de retratos de la historia del arte. La expresión de los rostros que no provocan ningún sentimiento de dolor entre los asistentes. La muerte no ha producido en estos hombres el dolor, la angustia, sino que la viven como un hecho cotidiano.

Toma como modelos a sus padres, hermanos y amigos, y a varios habitantes de aquella localidad, y los reúne en un retrato colectivo, justamente en el momento en que se va a realizar la colocación del féretro en el hoyo que aparece en el centro de la parte inferior del cuadro, invadiendo el espacio del espectador.

Es una composición abierta. La obra viene determinada por las figuras representadas de pie a tamaño natural que están dispuestas horizontalmente, a modo de friso, imitando los sarcófagos de la antigüedad romana. El friso que forman los personajes, mostrando una isocefalia –donde todos los personajes deben tener su cabeza a la misma altura, situadas en la misma línea–, sigue la misma ondulación rítmica que la montaña del Jura, que sirve de fondo y que era el paisaje auténtico de Ornans. Los personajes están puestos sin ningún tipo de jerarquía, pero las mujeres se mantienen separadas de los hombres a la derecha; entre ellas se encuentran las hermanas del pintor: Juliette llorando y Zoé ocultando el rostro en un pañuelo y Zélie pensativa. La horizontalidad de los dos precipicios del fondo y de las nubes se contrapone con la verticalidad de los personajes.

La perspectiva viene dada por el claroscuro, los diferentes planos en los que se distribuyen las figuras y su superposición y el fondo con los acantilados que se alza detrás de los personajes.

La línea del horizonte está por encima de las cabezas de los asistentes al entierro, a 1/7 partes del cuadro. No hay una simetría clara. La estructura compositiva de la tela tiene su centro en la acción que tiene lugar en la única obertura existente en la línea de los acantilados.

La luz es barroca, inspirada ligeramente en Caravaggio. Busca contrastes entre el primer plano, donde está el ataúd y los religiosos que hacen la ceremonia, y la franja de personajes vestidos de negro. La luz no se utiliza para acentuar el dramatismo de los personajes, sino para dar corporeidad y volumen a los cuerpos. En el cuadro domina una luz crepuscular que acentúa la soledad del paisaje.

Utiliza una gama cromática muy reducida para aumentar el dramatismo de la escena. En el cuadro predomina el color negro y el blanco, también hay rojos en las togas y los birretes de los maceros, en los que se ve la influencia de Velázquez y Zurbarán. El color blanco prevalece en las personas y en los objetos del primer plano, como la serie de pequeñas manchas blancas (de los pañuelos, las toquillas, los cuellos de las camisas y del perro) que se expanden por todo el cuadro. Junto a estos colores sobresale una serie de tonos ocres-terrosos y verduscos del paisaje que dan uniformidad al cuadro. Por lo tanto, estamos viendo que Courbert reacciona contra el romanticismo y el idealismo clásico.

La siguiente pintura “El estudio del artista”, obra del pintor Gustave Coubert (1819-1877), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1854-1855. Tiene unas medidas de 361 x 598 cm.

Este enorme taller es probablemente la más misteriosa composición Courbet. El cuadro trata de retratar toda la vida del artista, es decir, amigos, trabajadores, los aficionados al mundo del arte. A la izquierda, el otro mundo de la vida trivial, las personas de la miseria, la pobreza, la riqueza, los explotados, los explotadores, las personas que viven de la muerte.

Entre los primeros, en la parte derecha, en efecto, reconocemos el perfil con barba del patrón Alfred Bruyas y detrás de él desde la parte delantera, el filósofo Proudhon. El crítico Champfleury está sentado en un taburete mientras que Baudelaire está leyendo. La pareja en el primer plano personifican los amantes del arte y sólo, cerca de la ventana, dos amantes representan el amor libre.

En cuanto a la vida trivial, nos encontramos con un cura, un comerciante, un cazador podría tener los rasgos de Napoleón III, o un trabajador inactivo y un mendigo que simbolizan la pobreza. Tenga en cuenta también la guitarra, la daga y el sombrero con el colocador masculino estigmatizar el arte académico.

En esta vasta alegoría evidentemente contribuye, donde cada figura representa un valor distinto. En medio de todo esto, el propio Courbet, está acompañado por figuras benévolas: una musa femenina, desnuda como una verdad, a su lado un niño y un gato. En el centro del pintor se erige como mediador. Courbet se reafirma en la función social del artista en un extenso escenario, donde gracias a las dimensiones de la pintura se hace historia.

La siguiente pintura “Los ciervos de Hallali”, obra del pintor Gustave Coubert (1819-1877), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1869. Tiene unas medidas de 355 x 505 cm.

La escena representa un ciervo atacado por un grupo de perros de caza. Se dejó caer en el suelo cubierto de nieve. Dos personajes están a la derecha. El Breakers es Jules Cusenier, habitante de Ornans, mientras que el hombre a caballo es Felix Gaudy, de Vuillafans.

La siguiente pintura “Señora Louis Joachim Gaudibert”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1868. Tiene unas medidas de 216.5 x 138.5 cm.

En 1868, Louis Joachim Gaudibert, hombre de negocios de Havre, encargo a Claude Monet dos óleos sobre lienzo con el retrato de su esposa y uno suyo. El cuadro del barón se desconoce su paradero mientras que el otro, el retrato de la señora, se conserva desde 1986 en el Museo de Orsay, después de haber sido parte de las colecciones del Louvre 1951-86.

La siguiente pintura “Lectora”, obra del pintor Henri-Fatin Latour (1838-1904), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1861. Tiene unas medidas de 100 x 83 cm.

Esta joven está inmersa en la lectura y corresponde con una de las hermanas del pintor. En un primer momento, Fantin-Latour acostumbra a sacar sus modelos desde su círculo familiar. También se dedica en esos momentos a pintar autorretratos.

La lectora es el primer cuadro sobre un tema que a Fantin particularmente le aficionaba . El tema, tomado de arte holandés y Chardin, significa que puede representar un personaje absorto en una actividad que lo deja indiferente a la obra del artista y la mirada del espectador. Fantin-Latour, insiste en el recuerdo de la escena como cuando pintó mujeres jóvenes cosiendo o tejiendo. La inmovilidad del modelo, la naturaleza muerta formada de dos libros en el primer plano, tonos apagados, apenas calentado por el rojo del sofá, todo ello contribuye a una atmósfera de calma y silencio.

La siguiente pintura “Rama de peonías blancas y tijeras de podar”, obra del pintor Edouard Manet (1832-1883), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1864. Tiene unas medidas de 30 x 46.5 cm.

Manet se centra plenamente en su luz sobre dos flores, que parecen iluminar esta pequeña escena que es la mesa de su blancura. Es una de las virtudes de la luz en Manet: Los seres y objetos que no sólo las pinturas reflejan la luz que incide sobre ellos, sino que también emiten vibraciones.

La siguiente pintura “Almuerzo sobre la hierba”, obra del pintor Edouard Manet (1832-1883), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1863. Tiene unas medidas de 208 x 264.5 cm.

La obra está inspirada en los antiguos maestros sacadas de dos obras del Louvre. El concierto Pastoral de Tiziano, a continuación, atribuido a Giorgione, proporciona al sujeto, mientras que la disposición del grupo central se basa en un grabado de Rafael “Juicio de Paris“. Sin embargo, en el Almuerzo sobre la hierba, la presencia de una mujer desnuda rodeada de hombres vestidos no se justifica por ningún pretexto mitológico o alegórico. La modernidad de los personajes hace obscenas a los ojos de sus contemporáneos, esta escena es considerada casi irreal.

Manet abandonó las gradaciones habituales para entregar contrastes brutales entre la luz y la sombra. Los personajes no parecen perfectamente integrados en la decoración, la maleza parece más esbozada más que pintada, donde la perspectiva se ignora, además carece de profundidad. Con el almuerzo en la hierba, de Manet no respeta ninguna de las convenciones aceptadas, sino que impone una nueva libertad para los modos de sujetos tradicionales en la representación.

La siguiente pintura “Almuerzo sobre la hierba”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1865-1866. Tiene unas medidas de 412 x 600 cm.

En 1865, Claude Monet comenzó a pintar su propio Déjeuner sur l'herbe en respuesta al de Manet. No obstante, este inmenso cuadro (4,6 por más de 6 m) quedó incompleto. Representa una escena más socialmente aceptado de ocio burgués, pero puesto que se trata de una demostración del nuevo estilo impresionista, se pone más el acento en los efectos de luz que en el tema como tal. El juego sutil de sombra y luz demuestra las ventajas de la pintura con escenas al aire libre y contrasta con la falta de luz natural del taller de Manet. Después de que esta pintura monumental resultase dañada por la humedad, Monet la dividió en tres partes. Las secciones de izquierda y el centro están ahora al museo de Orsay, pero se perdió la tercera. Un estudio para el cuadro se encuentra en el museo Pushkin.

En 1961, cerca de un siglo después del Déjeuner de Manet, un Pablo Picasso que envejece elige atacar este gran monumento del arte moderno. En menos de dos años, hizo más de 27 pinturas, 6 grabados sobre linóleo y 140 dibujos siguiendo el cuadro de Manet.

La siguiente pintura “Naturaleza muerta con la caldera”, obra del pintor Paul Cezanne (1839-1906), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1865-1866. Tiene unas medidas de 64.5 x 81 cm.

Entre sus primeras obsesiones pictóricas involucradas en la búsqueda de los volúmenes, que están muertos, incluyendo las patatas cocidas para significar su nueva conquista pictórica del siglo XX de Cezanne. Para la vida todavía es un patrón como cualquier otro, lo que equivale a un cuerpo humano o una montaña, pero que se presta particularmente bien a la investigación de la zona, la geometría de los volúmenes, la relación entre los colores y las formas. Cuando el color se encuentra en su poder, el lienzo está en su plenitud.

La siguiente pintura “Naturaleza muerta con la caldera”, obra del pintor Adolphe Monticelli (1824-1886), realizada en óleo sobre madera, esta datada en 1878. Tiene unas medidas de 49 x 63 cm.

Vincent van Gogh se inspiró en Monticelli, aunque nunca llego a conocerle ya que este último murió en 1886 unos meses antes de que Van Gogh llegara a París. Pero una vez instalado en Arlés, Monticelli estudió la técnica de la pintura y experimentó con ciertas obras y en particular esta pintura es expresiva y de gran colorido. Monticelli varias veces pinto un ramo de flores para recoger el patrón en un cuadro con una gama completa de sus tonos más ricos y bien equilibrados, escribió Vincent a su hermano Theo en de marzo de 1888 .

La siguiente pintura “El pavimento de Chailly”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1865. Tiene unas medidas de 43,5 x 59,3 cm.

Estamos ante un paisaje de Fontainebleau donde Monet deja entrever en el cuadro un triángulo de cielo que se hunde entre los árboles. El follaje, tallos, hierba cubren con su maquillaje verde y marrón brillante, en contraste, del blanco y azul del cielo y las nubes.

La siguiente pintura “Mar gruesa en Etretat”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1868-1860. Tiene unas medidas de 66,2 x 130,5 cm. Se encuentra expuesto en la sala 29 del Museo.

El paisaje de Monet fue pintado el mismo lugar que Courbet, pero unos meses antes que él, donde se encuentra famoso Porte d'Aval en el momento que las furiosas olas rompen contra la costa. Cuando el maestro del realismo trata de dar un significado simbólico y poético mostrando delante de explosiones repentinas y salvajes de la vida orgánica en un cielo trágico, Monet se centra sólo en la impresión directa. En el cuadro se sugiere más de lo que se describe y da la escala mediante la introducción en el borde del mar, donde las siluetas de los pescadores están observando la furia de las olas.

La siguiente pintura “Tren en el Campo”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1870. Tiene unas medidas de 50 x 65 cm. Se encuentra expuesto en la sala 29 del Museo.

Cuando Monet realiza este cuadro la visión del ferrocarril es todavía muy tímida. Sólo la locomotora es visible, aunque esta parcialmente oculta detrás de los árboles dejando ver solo su penacho de humo. La máquina, que aún no ha ganado su estatus como un objeto estético, es en realidad vetada por árboles frondosos.

Técnicamente, el pintor realiza todavía múltiples toques de colores dispersos. Los matices, con tonos homogéneos y unos contrastes brillantes, se dividen en grandes áreas en una distribución simplificada de la luz y la sombra. El conjunto da finalmente, con respecto a los tonos, lo que hace bastante similar imitando a la de las primeras fotografías.

La siguiente pintura “Acantilados en Etretat”, obra del pintor Gustave Coubert (1819-1877), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1870. Tiene unas medidas de 133 x 162 cm. Se encuentra expuesto en la sala 29 del Museo.

Etretat atrae a pintores, seducidos por la pureza del aire y la calidad de la luz. Durante el verano de 1869, Courbet llega y se asienta en esta pequeña ciudad en Normandía. Se muda a una casa en la playa, que se encuentra apoyada directamente sobre el acantilado d'Aval desde donde realiza muchas pinturas.

La siguiente pintura “Idilio Pastoral”, obra del pintor Paul Cezanne (1839-1906), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1865-1866. Tiene unas medidas de 65 x 81,5 cm. Se encuentra expuesto en la sala 29 del Museo.

En el cuadro se puede ver un hombre vestido de negro, con aspecto soñador, está tumbado sobre la hierba, observa a las mujeres desnudas que le rodean, acompañado de otro joven también vestido a la moda de la época. En la esquina derecha del lienzo observamos a un barquero que enciende su pipa, recortando su figura ante la vela desplegada sobre la que resbalan las últimas luces del atardecer.

La siguiente pintura “Naturaleza muerta, trozo de carne”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1864. Tiene unas medidas de 24 x 33 cm. Se encuentra expuesto en la sala 30 del Museo.

Este año 1864 será ocupado por Monet que viaja hasta el bosque de Chailly, no lejos de Barbizon, donde se encuentran: Renoir, Sisley y Bazille durante las vacaciones de Semana Santa. Bajo la influencia de los pintores de Barbizon, todos se comprometen a observar la naturaleza y convivir con la misma. Sus primeras pinturas no tienen nada que ver con las impresionistas.

La siguiente pintura “Homenaje a Delacroix”, obra del pintor Henri Fantin-Latour (1836-1904), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1864. Tiene unas medidas de 160 x 250 cm. Se encuentra expuesto en la sala 30 del Museo.

El pintor muestra un homenaje particular donde presenta el respeto que el pintor tiene por los artistas que encarnan la modernidad en la segunda mitad del siglo XIX. Así Henri Fantin-Latour logra, un año después de la desaparición de Delacroix, este retrato colectivo destinado a hacer de él un homenaje que no había recibido en toda su vida.

Alrededor de un retrato de Delacroix, y a partir de una fotografía tomada hace diez años, la escena juntos escritores y artistas. Especialmente podemos reconocer a sí mismo Fantin-Latour, con la camisa blanca y la paleta en la mano, James Whistler se coloca en el primer plano, Edouard Manet, con las manos en los bolsillos, y por supuesto Baudelaire, sentado a la derecha, con el rostro desencajado.

La siguiente pintura “Berthe Morisot con un abanico”, obra del pintor Edouard Manet (1832-1883), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1872. Tiene unas medidas de 60,4 x 45.2 cm. Se encuentra expuesto en la sala 30 del Museo.

Vestido de negro con mangas de tul y las piernas cruzadas, manifiesta una ironía impregnada con una ternura lúdica, Berthe elegantemente vestida con un vestido negro y largo con unos zapatos blancos, juega con el pintor mediante el despliegue de un abanico en frente de su cara, evitando convertirse en un retrato real. Sus ojos brillantes son visibles entre las varillas del abanico. La figura de Berthe envuelta en un paño negro destaca contra la pared de fondo monocromo. Berthe se sentó en diagonal para que destaque todo su cuerpo. Manet dejó un espacio vacío a la derecha de su amiga

La siguiente pintura “Rubia de los senos desnudos”, obra del pintor Edouard Manet (1832-1883), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1878. Tiene unas medidas de 62.5 x 52 cm. Se encuentra expuesto en la sala 30 del Museo.

El lienzo muestra una mujer con los senos descubiertos es uno de los arquetipos de la sensualidad, y que fue muy utilizados en la pintura veneciana. Tal vez “La mujer que descubre que su seno” de Tintoretto le ha podido servir de inspiración directa. Es cierto que las mujeres han mostrados sus pechos a los artistas durante miles de años, Manet no dejó de hacer su visión más fresca y más ingenua.

El pecho opulento, que descubre una camisa abierta, es como el ramo de una floristería, sirve para el virtuosismo de un impresionista, superando Renoir en su propio terreno.

La siguiente escultura “Joven danzarina”, obra del escultor Edgar Degas (1834-1917), realizada en bronce con una patina de varios colores, esta datada en 1881. Tiene unas medidas de 98 x 35.2 x 24.5 cm. Se encuentra expuesta en la sala 31 del museo.

Al bronce base de la escultura se ha equipado con el pelo real, llevaba un tutú y zapatillas de baile reales, refleja una hiper-realismo, un realismo llevado hasta los extremos. Presentado en una caja de cristal en la forma de un espécimen de museo, revela un antropólogo casi naturalista. Los críticos no se equivocan: la obra fue acusada violentamente de representar a la niña de una manera bestial; se comparó con un mono o un azteca.

La edición de bronce hecha después de su muerte, la estatua del museo de Orsay es una copia, que trató de conservar mejor las características de la cera. La jaula de vidrio es el único elemento buscado por el propio Degas, afirmando la representación real de la bailarina.

La siguiente pintura “La casa del ahorcado, Auvers-sur-Oise”, obra del pintor Paul Cézanne (1839-1906), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1873. Tiene unas medidas de 55 x 66 cm. Se encuentra expuesto en la sala 31 del Museo.

Cézanne adoptó los colores brillantes y el toque fragmentado de los impresionistas. También abandonó los temas dramáticos o literarios de un solo tema, incluso una representación banal. Pero si se trata de una obra maestra impresionista, la casa del ahorcado revela un impresionismo muy personal, revisado por Cézanne.

La composición de esta pintura es compleja. Cabe señalar varios temas clave desde un punto central: un camino a la izquierda; otro que desciende hacia el centro de la casa; una pendiente que forma una curva que escapa a la derecha; las ramas de los árboles crecientes oblicuamente hacia arriba. Los planos están vinculados muy estrechamente.

La siguiente pintura “Los Pavos”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1877. Tiene unas medidas de 24 x 33 cm. Se encuentra expuesto en la sala 31 del Museo.

El lienzo es parte de un conjunto de pinturas de Monet pintó en 1877 durante su estancia en Montgeron, en Ernest Hoschede.

El cuadro está pintado desde el fondo del Parque del Castillo Rottembourg, propiedad Ernest Hoschede. Se puede ver el gran césped del parque, protagonizado por unos cuantos pavos, uno de ellos se le cortó el cuello al enmarcarlo. La composición está cerrada por el bosque que bordean el césped, y en la parte inferior de la fachada trasera del Castillo.

La siguiente pintura “El Almuerzo”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1873. Tiene unas medidas de 24 x 33 cm. Se encuentra expuesto en la sala 31 del Museo.

El encanto del lienzo en su mayoría proviene impresión de la instantaneidad, el cuadro menciona una familia de la que sólo unos pocos datos. El lienzo representa el final de una comida. Aparece un sombrero colgando de una rama de un árbol, un bolso y un paraguas descansando en el banco parece haber sido olvidado allí. Bajo la fresca sombra del follaje, el pequeño Jean Monet juega tranquilamente con unos tablones de madera.

La siguiente pintura “Nieve en Louveciennes”, obra del pintor Alfred Sistey (1839-1899), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1878. Tiene unas medidas de 60 x 50.5 cm. Se encuentra expuesto en la sala 31 del Museo.

La campaña de invierno llama especialmente a Sisley que pinta los cuadros donde sobresalen la tristeza y el carácter lamentable de la naturaleza. Su temperamento reservado y solitario se adapta mejor al misterio y el silencio en el resplandor de los paisajes mediterráneos soleados de por ejemplo la pintura de Renoir.

Al igual que Monet, Sisley sigue el ejemplo de Courbet pintando paisajes nevados. Este tema atrajo a los impresionistas, es porque les permite estudiar las variaciones de la luz y el juego de diferentes tonos en su paleta. A través de toques de color que están en el lienzo, el suelo no es uniforme blanco, tirando a un iridiscente azulado.

La siguiente pintura “Las barcas, regatas en Argenteuil”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1874. Tiene unas medidas de 60,5 x 105 cm. Se encuentra expuesto en la sala 31 del Museo.

Claude Monet vivió y trabajó en Argenteuil a partir de diciembre de 1871 a 1878 y la mitad de los 170 lienzos fueron pintados durante esta etapa a lo largo del Sena. Este período es un momento impresionista, único en la historia de la pintura, donde la luz es el principal objeto de atención de los pintores.

La siguiente pintura “La cuenca de Argenteuil”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1872. Tiene unas medidas de 60 x 80,5 cm. Se encuentra expuesto en la sala 31 del Museo.

En el lado izquierdo de la composición está ocupado por el paseo por Argenteuil, marcada por las sombras de los árboles que se levanta a lo largo del paseo. En el fondo está el puente sobre la carretera con en cada uno de sus dos extremos, un pabellón de peaje. A la derecha, en primer plano aparece el pontón de una casa de baños y un lavadero. Una parte destacada del cuadro se da al cielo azul surcado por nubes. El puente lo pinta Monet con cinco arcos aunque en realidad tenía siete.

La siguiente pintura “Regatas en Argenteuil”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1872. Tiene unas medidas de 48 x 75 cm. Se encuentra expuesto en la sala 31 del Museo.

El cuadro destaca por la calidad de la luz, el pintor ha observado, que está tratando de transmitir al espectador una serie de relaciones de valores y colores, hace que aumente el interés sobre el lienzo. Está pintado en un período impresionista, único en la historia de la pintura, donde la luz es el principal objeto de atención de los pintores, además los cambios sutiles en el color y la intensidad de la luz que tanto buscaron los impresionistas.

La siguiente pintura “Zaandam”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1871. Tiene unas medidas de 47,8 x 73 cm. Se encuentra expuesto en la sala 30 del Museo.

Monet se quedaría en Zaandam más de cuatro meses y produjo unos veinticinco cuadros. Pintó sobre todo el río se enfrenta al Zaan, a menudo con molinos o pequeños barcos de vela, algunas vistas al puerto y un retrato de la señorita Guurtje de la ciudad. También visitó un par de veces Ámsterdam, donde entre sus clientes se incluyen el Museo Nacional.

La siguiente pintura “Lilas, tiempo gris”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1872-1873. Tiene unas medidas de 50,2 x 65,2 cm. Se encuentra expuesto en la sala 30 del Museo.

Monet inserta al hombre en este colorido paisaje en el jardín de Giverny, lo que demuestra que la naturaleza tiene la ventaja sobre la figura humana. Los tres personajes están sentados a la sombra del color lilas y apenas se adivina; el pintor uso los colores oscuros (marrón, gris) para representarlos, que se fusionaría por completo en el fondo, solamente destaca el vestido blanco de la mujer no se siente atraído por el ojo del grupo pequeño en el centro de la parte inferior de la tabla.

La siguiente pintura “El puente de ferrocarril en Argenteuil”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1873-1874. Tiene unas medidas de 54 x 71 cm. Se encuentra expuesto en la sala 30 del Museo.

La tabla representa las orillas del Sena, al pie del puente de la carretera en Argenteuil, que une Gennevilliers en Argenteuil, en el lienzo se ve el río y sobre el puente se adivina la máquina de tren por el vapor en el cielo.

La siguiente pintura “Cazando mariposas”, obra de la pintora Berthe Morisot (1841-1895), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1874. Tiene unas medidas de 46 x 56 cm. Se encuentra expuesto en la sala 30 del Museo.

En París, el Impresionismo estaba en su pleno apogeo, cuando cuatro pintoras alcanzan alturas de la excelencia artística. Se trata de Berthe Morisot, Mary Cassatt, Eva González y Marie Bracquemond. Teniendo en cuenta los prejuicios que eran sometidas las mujeres en el siglo XIX, se puede entender la fuerza de la convicción de que tenían que hacer valer dentro del grupo impresionista y serán aceptadas por los críticos, momento en que mujeres no podían ser admitidas en la Escuela de Bellas Artes.

La siguiente pintura “Vista de Saint Denis”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1872. Tiene unas medidas de 61 x 81 cm. Se encuentra expuesto en la sala 30 del Museo.

Este cuadro es un verdadero trabajo todavía discutido y abandonado a mitad de camino casi una obra sin terminar. Monet es sin duda el hombre que más contribuyó a persuadir al público de que la palabra “Impresionismo” exclusivamente significaba una pintura permanece en el estado de rudimento confuso, de un vago contorno.

La siguiente pintura “Barco anclado”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada entre 1871 y 1872. Tiene unas medidas de 48 x 75 cm. Se encuentra expuesto en la sala 30 del Museo.

El barco que Monet retrato es una gran chalupa del siglo XVIII en la región de Normandía, hacia el trayecto entre Burdeos y Nantes. Era un gran velero dedicado a la carga sobre todo al transporte de pescado entre diferentes puertos de Francia.

La siguiente pintura “Amapolas”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1873. Tiene unas medidas de 50 x 65 cm. Se encuentra expuesto en la sala 30 del Museo.

En este lienzo Monet diluye los contornos y contribuyó a crear un ritmo de color por medio de un paisaje de amapolas, en el primer plano, pone manchas rojas para crear una primacía visual. Así construye un primer paso hacia la abstracción que luego formaría parte de un estilo pictórico.

En este paisaje, la madre y el niño describen el primer y segundo plano son más que un pretexto para el establecimiento de una estructura oblicua. Dos áreas separadas desde la perspectiva creando una gama de colores que definen el cuadro, mayoritariamente está dominada por el color rojo, el otro por un color verde azulado. La mujer joven con un parasol y el niño en el primer plano son, probablemente, Camila, la esposa del artista, y su hijo Jean.

La siguiente pintura “Acuchilladores de parquet”, obra del pintor Gustave Caillebotte (1848-1894), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1875. Tiene unas medidas de 102 x 146,5 cm. Se encuentra expuesto en la sala 30 del Museo.

La composición es similar al de la obra fotográfica (líneas fluidas, encuadre, iluminación desequilibrada en contra la luz, perspectiva inusual a pesar de su exactitud, dando la impresión de que el suelo está inclinado y los raspadores brazos se alargan) es una de principales razones de su éxito temprano.

La siguiente pintura “Planchadoras”, obra de Edgar Degas (1834-1917), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1884 y 1886. Tiene unas medidas de 76 x 81,5 cm. Se exhibe en la Sala nº 30.

La elección de este tema se hace eco del naturalismo y las preocupaciones sociales de algunos artistas contemporáneos en la pintura, y también se produce en la literatura. Donde se puede ver la miseria de la gente de París. En las convulsiones de trabajo, superando la fatiga, estas planchadoras donde Degas refleja la mirada dura pero no sin ternura que el artista parecía estar dentro del grupo alineado con la clase obrera.

La siguiente pintura “La Place des Pirámides”, obra de Giuseppe de Nittis (1846-1884), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1875. Tiene unas medidas de 92,3 x 75 cm. Se exhibe en la Sala nº 30.

Giuseppe de Nittis se marcha al extranjero para hacerse famoso como un gran pintor vuelve a la ciudad de París y se instala en al avenue du Bois (hoy avenida Foch), nada más llegar anunció su ruptura con la pintura oficial. A partir de ese momento se dedica a pintar el paisaje de las calles de París y de otras grandes ciudades.

La siguiente pintura “Los descargadores de carbón”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1875. Tiene unas medidas de 54 x 66 cm. Se encuentra expuesto en la sala 30 del Museo.

El cuadro no se puede considerar como una crítica social, el punto de vista es una expresión del paisaje urbano para dejar patente un espectáculo banal y de la vida cotidiana. Pero los tonos apagados de gris a verde, dan a la escena un ambiente apagado. Las siluetas contra la luz, despersonalizada, dispuestas en líneas paralelas al ritmo mecánico de las puertas, son también una imagen de la tristeza de las condiciones de trabajo de una parte de la sociedad de la época.

La siguiente pintura “La calle Montorgueil, en París el día 30 de junio de 1878”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre tabla, esta datada en 1878. Tiene unas medidas de 81 x 50 cm. Se encuentra expuesto en la sala 30 del Museo.

El cuadro ofrece la visión distante de un paisaje urbano, por un pintor que no se mezcla con la muchedumbre, sino que observa la escena desde la ventana. Los tres colores que Monet hace vibrar son los de la Francia moderna.

La técnica impresionista con sus múltiples pinceladas de colores sugiere la animación de la muchedumbre y las banderas flotando al viento.

La siguiente pintura “La estación Saint-Lazare”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1877. Tiene unas medidas de 75 x 104 cm. Se encuentra expuesto en la sala 30 del Museo. Es considerada entre las diez obras maestras del museo.

La estación Saint-Lazare es una serie de doce telas de la estación parisina de Saint-Lazare, realizadas por Claude Monet, cuando se interesó por la vida moderna de su tiempo tras haberse dedicado a la pintura de los paisajes rurales.

Monet hizo doce pinturas de la estación en diversas condiciones atmosféricas y desde diferentes puntos de vista. Él comento: “Pensé que no sería banal estudiar en diferentes horas del día el mismo motivo y notar los efectos de luz que modificaban de una manera tan perceptible, de hora en hora, la apariencia y los colores del edificio”.

La siguiente pintura “Las Tullerias”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1876. Tiene unas medidas de 75,5 x 68,5 cm. Se encuentra expuesto en la sala 30 del Museo.

Monet nos presenta una panorámica perfectamente difuminada del Jardín de las Tullerias en París. Fueron muchos artistas de la época que se fijaron en este rincón de la capital para dar forma sus lienzos, quizás atraídos por los restos de un convulso pasado político.

La siguiente pintura “Victoria Dubourg”, obra del pintor Henri Fatin-Latour (1836-1904), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1873. Tiene unas medidas de 92.5 x 76 cm. Se encuentra expuesto en la sala 32 del Museo.

Victoria Dabourg conoció a Manet en 1860, con el que se hizo amigo e inspiró sus primeros trabajos. En 1866, mientras se estaba copiando las obras maestras del Louvre, conoció a Henri Fantin-Latour, con quien se casó 15 de de noviembre de, 1876. Esta sirvió de modelo al pintor en algunas de sus mejores obras pictóricas.

La siguiente pintura “Henri Cordier”, obra del pintor Gustave Caillebotte (1848-1894), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1873. Tiene unas medidas de 65 x 82 cm. Se encuentra expuesto en la sala 32 del Museo.

Uno de los aspectos más agradables de la obra de Caillebotte es la serie de retratos de personalidades de su rico entorno. La identidad de muchos de éstos se ha perdido hoy, pero no el de Henri Cordier (1849-1925), un especialista en asuntos chinos, y como profesor de la historia, la geografía y la legislación de los países del Lejano Oriente en la Escuela de Oriental idiomas en París.

Cordier vivía en China de 1869 a 1876. Ha sido editada una bibliografía de obras sobre el Imperio Chino, su Biblioteca Sínica, publicada entre 1878 y 1895, y fue uno de los fundadores, en 1882, de la Revue d'Extreme Orient. La Gran Enciclopedia también nos dice que fue galardonado con un tercer grado de la clase de chino mandarín.

No sabemos cómo Caillebotte y Cordier se conocieron, pero sin duda eran amigos, aunque el artista nunca aceptó encargos de retratos, ya que no tenía necesidad de vender sus pinturas para vivir. Aquí, Caillebotte opta por centrarse en el lado intelectual de Cordier. Está representado en la concentración profunda, rodeado de libros, con la escritura ocupada en una posición mal definida.

La siguiente pintura “Un rincón del apartamento”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1875. Tiene unas medidas de 81.5 x 60.5 cm. Se encuentra expuesto en la sala 32 del Museo.

En 1878 Monet reside en Argenteuil, una ciudad cerca de París. Durante este período pinta diferentes cuadros de su esposa Camilla, acompañado por su hijo mayor Jean nació en 1867. Aquí aparece dentro de la segunda casa que tuvo Monet en Argenteuil, con el fondo se ve en la oscuridad, probablemente la figura de Camille sentada sobre una mesa redonda.

La siguiente pintura “Stephane Mallermé”, obra del pintor Edouard Manet (1832-1893), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1876. Tiene unas medidas de 27.5 x 36 cm. Se encuentra expuesto en la sala 32 del Museo.

Este retrato, pintado en 1876 data de la publicación de La Siesta de un Fauno de Mallarmé, un largo poema ilustrado con grabados de Manet. El año anterior, el pintor y el escritor ya habían estrechado lazos para la publicación de una traducción ilustrada del Cuervo de Edgar Allan Poe.

Su amistad procede de 1873 y durante casi 10 años, ambos hombres se ven a diario, para hablar de pintura, literatura, nueva estética, pero también de gatos y de moda femenina. Como lo hizo antes con Zola en 1866, Manet emprende este retrato para agradecerle la publicación de un artículo, impreso en una revista inglesa. Mallarmé era docente de inglés en el Liceo Condorcet. En este artículo había elogiado la pintura de Manet y situado al pintor en cabeza del movimiento impresionista.

La siguiente pintura “ La Señora Jeantaud delante del espejo”, obra de Edgar Degas (1834-1917), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1875. Tiene unas medidas de 76 x 85.5 cm. Se exhibe en la Sala nº 32.

El cuadro representa el realismo familiar y cómodo de esta pintura es característico de los retratos de la década de 1870, pero la composición es del todo original. De hecho, la mujer es presentada de perfil y casi perdida , el modelo aparece tres cuartas partes del cuerpo, y parece que echar un vistazo en el espejo antes de salir. Por consiguiente, su reflexión se enfrenta al espectador y parece mirarlo.

La siguiente pintura “Charlotte Dubourg”, obra del pintor Henri Fatin-Latour (1836-1904), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1873. Tiene unas medidas de 118 x 92.5 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXII del Museo.

Esta tabla es sin duda el retrato más ambicioso que Fantin-Latour que había hecho a su hermanastra, tanto por su tamaño como por cuidado de la escena. La pose de la mujer joven en el sofá rojo acompañada por un pequeño perro negro. Su atención parece dibujada por algún evento de alto nivel para inmovilizar el momento.

El siguiente cuadro “Moret, al borde del río Loing”, obra de Alfred Sisley (1839-1899), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1892. Tiene unas medidas de 60.5 x 73.5cm. Se exhibe en la Sala XXXII del museo.

En 1880 se produce una gran oportunidad en la vida de Sisley y en su obra. El pintor abandona la Seine-et -Oise, donde vivió y trabajó desde 1871 para instalarse en Seine-et-Marne, donde eligió para vivir hasta su muerte en 1899. Se instaló permanentemente en Moret-sur-Loing en septiembre de 1882, probablemente atraídos por la singularidad de esta ciudad y su ubicación privilegiada a orillas del Loing.

El siguiente cuadro “ La Mezquita”, obra de Auguste Renoir (1841-1919), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1881. Tiene unas medidas de 73.5 x 92 cm. Se exhibe en la Sala XXXIV del museo.

Parece que el cuadro fue realizado en Argel, en el escenario de antiguas murallas turcas destruidas durante varias décadas antes por el ejército francés. La escena está llena de personajes, la alegre multitud que se congregaba alrededor de cinco músicos. A lo lejos las cúpulas y minaretes de la Kasbah aparecen, con vistas a las aguas azules del Mediterráneo.

El siguiente cuadro “Un rincón en el bosque de Sablons”, obra de Alfred Sisley (1839-1899), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1883. Tiene unas medidas de 60.5 x 73.5cm. Se exhibe en la Sala XXXIV del museo.

Hasta 1870, Sisley pintó en su estudio de París, en su taller dibujo sujetos en la capital y sus alrededores. La invasión de Prusia le obliga a marcharse de París hasta huir e hizo su primera visita a Louveciennes donde consigue retratar una serie de paisajes donde los efectos de la guerra no estuvieran presentes.

El siguiente cuadro “ La Pastora ”, obra de Camille Pissarro (1830-1903), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1881. Tiene unas medidas de 81 x 64.8. Se exhibe en la Sala XXXIV del museo.

Jacob Abraham Camille Pissarro nació en St. Thomas (Islas Vírgenes) el 10 de julio de 1830 y murió en París el 13 de de noviembre de 1903. Es un pintor impresionista y neo-impresionista francés original, Dinamarca.

Conocido como uno de los mejores pintores del Impresionismo, pintó la vida rural francesa, particularmente paisajes y escenas de campesinos que trabajan en los campos, pero también es famoso por sus escenas de Montmartre, y escenas de todo el Louvre y las Tullerías.

La siguiente pintura “El efecto nieve en Vetheuil”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1878-1879. Tiene unas medidas de 52.2 x 71 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXIV del Museo.

Esta obra pertenece a una serie que pintó Claude Monet sobre el momento de la nevada en Vetheuil, que sufrió tras las grandes heladas del invierno de 1879. El pintor, que siempre manifestó un vivo interés por la representación efímera y cambiante, se proponía captar el momento en que el hielo se quebraba en pedazos y la corriente lo arrastraba río abajo.

El siguiente cuadro “Corral de Saint-Mammes”, obra de Alfred Sisley (1839-1899), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1884. Tiene unas medidas de 73.9 x 92.9 cm. Se exhibe en la Sala XXXIV del museo.

Entre 1880 y 1894, Sisley frecuento los muelles y el borde de la ciudad de Saint-Mammes. Allí pintó más de doscientos de sus pinturas representan alguna parte de Saint-Mammès o de su municipio. En el cuadro se representa el corral de una antigua posada situada cerca del muelle.

El siguiente cuadro “Joven campesino hace fuego”, obra de Camille Pissarro (1830-1903), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1888. Tiene unas medidas de 92.8 x 92.5 cm. Se exhibe en la Sala XXXIV del museo.

Cuando pintó este cuadro, Pissarro sigue siendo un importante representante del movimiento impresionista de la que es uno de los fundadores. Sin embargo, a partir de 1886, estaba más interesado en la investigación de los jóvenes artistas.

La siguiente pintura “Mujer con un paraguas hacia la izquierda”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1886. Tiene unas medidas de 131 x 88.7 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXIV del Museo.

Cuando decide pintar un modelo, Monet no se puede disociar el paisaje circundante. Este retrato etéreo es un testimonio de amor, tanto por la naturaleza como por Suzanne, su hija favorita.

La siguiente pintura “Mujer con un paraguas hacia la derecha”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1886. Tiene unas medidas de 131 x 88.7 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXIV del Museo.

El cuadro está pintado en Giverny, al regresar de un paseo, Monet vio a su hijastra, Suzanne Hoschedé, en lo alto de una ladera rodeada de ortigas.

Suzanne Hoschedé, que entonces tenía dieciocho años, será el último modelo de Monet, que, desde hace muchos años, se estaba dedicando principalmente al estudio de la luz en los paisajes.

La siguiente pintura “Una Olimpia moderna”, obra del pintor Paul Cézanne (1839-1906), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1873-1874. Tiene unas medidas de 46 x 55 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXIV del Museo.

Las primeras obras de Cézanne, fueron ejecutadas en colores oscuros, fuertemente inspiradas por los antiguos maestros y en las composiciones de Delacroix, Daumier y Courbet. Característico de este período, era una pintura de 1870 donde ya mostraba Olympia moderna. En respuesta a la gran lienzo de Manet que causó un escándalo en el Salón de 1865.

El siguiente cuadro “Vista del canal Saint-Martin”, obra de Alfred Sisley (1839-1899), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1870. Tiene unas medidas de 50 x 65 cm. Se exhibe en la Sala XXXV del museo.

Sisley dedica su pintura en la ciudad de París y alguna de sus obras en el canal Saint-Martin, es un canal de 4,55 Km. de longitud (2 de ellos subterráneos) situado en París. Recorre los distritos X y XI. Fue creado en sus orígenes para traer agua potable a la capital. Su inauguración se produjo en 1825. Está compuesto de nueve esclusas y dos puentes giratorios, su desnivel total es de 25 metros.

La siguiente pintura “Crisantemos”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1878. Tiene unas medidas de 54.3 x 65.2 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXV del Museo.

En este caso Monet pinta una naturaleza muerta con un jarrón y un gran ramo de crisantemos donde se destaca el color más que la forma, está realizada en exterior siguiendo en énfasis del pleinerismo, pintura realizada al aire libre.

La siguiente pintura “Joven maquillándose”, obra del pintor Berthe Morisot (1841-1895), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1877. Tiene unas medidas de 46 x 39 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXV del Museo.

El cuadro representa una escena de la vida cotidiana dentro de la clase burguesa. Esta mujer lleva joyas que muestra que lleva una vida fácil. El lugar donde está ubicado es un lugar íntimo, por ejemplo, su habitación. Tenemos problemas para distinguir el fondo, esto es debido al efecto del impresionismo, las líneas no están claras. Los colores cálidos dominan con naranja, oro, marrón, y distintas variantes del color blanco, lo que representa la pureza y la belleza de las mujeres. Es una pintura luminosa donde la luz se dirige hacia el personaje.

La siguiente pintura “Joven en el jardín”, obra del pintor Mary Cassatt (1844-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada entre 1880-1882. Tiene unas medidas de 92 x 65 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXV del Museo.

Una paleta brillante claro no habla del buen trabajo de Mary Cassatt, pintor estadounidense que introdujo el impresionismo a los aficionados y coleccionistas al otro lado del Atlántico. Gran amigo de Degas, participó en las exposiciones impresionistas a partir de 1879.

Se puede considerar un retrato, la mayoría son de mujeres y niños inmortalizados en la intimidad de su vida cotidiana, son frecuentes en su obra. La muchacha en el jardín, también llamada: Costura de la mujer, representa con la originalidad: la figura de una joven al aire libre.

La siguiente pintura “Playa de Etretat”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1883. Tiene unas medidas de 66 x 81.2 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXV del Museo.

La región de Etretat costa retiene la atención de Monet desde el invierno 1868-1869. Entonces, el artista regresa cada año desde 1883 a 1886. Al igual que muchos artistas, como Gustave Courbet, Monet fue cautivado por el aspecto pintoresco del lugar. También en este lugar se inspira unas cincuenta pinturas.

La siguiente pintura “El puente de Argenteuil”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1874. Tiene unas medidas de 60.3 x 80 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXV del Museo.

En 1874, es la fecha de la primera exposición impresionista, donde aparece el puente de Argenteuil, fue pintado siete veces desde diferentes puntos por Claude Monet. El puente con la vía férrea se extiende por el Sena aguas arriba del pueblo, y este tramo fue pintado cuatro veces. Esto significa que el artista está jugando en contrapunto a la fluidez de ríos con la masa geométrica del puente y sus pilares en el que encuentra múltiples reflexiones.

Aquí el primer plano está ocupado por yates amarrados. Los efectos de la luz en los mástiles, sino también en los tejados de los edificios visibles en la orilla en el fondo, permiten juegos de colores complementarios (naranja y azul) que aumentan la intensidad de la luz.

El siguiente cuadro “Mañana soleada, otoño”, obra de Camille Pissarro (1830-1903), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1897. Tiene unas medidas de 54.5 x 65 cm. Se exhibe en la Sala XXXV del museo.

Camille Pissarro introduce en el arte de los elementos innovadores que han hecho posible la conquista escénica de algunos fenómenos atmosféricos hasta ahora no han sido expresados, una penetración más íntima y profunda de la naturaleza. Por lo tanto, se ha ampliado el campo de los sueños, después de haber sido uno de los primeros –la primera quizá– para comprender e innovar el gran hecho de la pintura contemporánea, donde la mayoría de los pintores intentan representar la luz.

La siguiente pintura “El Arroyo de Robec”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1872. Tiene unas medidas de 50 x 65 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXV del Museo.

El Robec es un pequeño río del Sena Marítimo, un afluente del Sena, cerca de la Aubette sur y Cailly noroeste.

El cuadro representaba una zona todavía rural donde al fondo Monet pinta las chimeneas de las nuevas instalaciones industriales, a la derecha se encontraban las antiguas casas del pueblo y a la izquierda los edificios levantados que correspondían con los antiguos molinos de agua.

La siguiente pintura “Bailarinas azules”, obra de Edgar Degas (1834-1917), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1893. Tiene unas medidas de 85.3 x 75.3 cm. Se exhibe en la Sala XXXVI.

Degas se encuentra muy influenciado por el mundo de la danza, creó su primera obra dedicada a su nueva pasión en 1872: “La antesala de la Danse ”. Produjo una serie de pinturas dedicadas al ballet, la danza y bailarines.

Además de la fantasía que le ofrece este entorno, se ve un campo de estudio de acuerdo con su concepción de la pintura: el movimiento, composición general, el ritmo. Se interesa por todo lo que representa: las sesiones de ejercicio, ensayos, la atmósfera entre bastidores y espectáculos.

La siguiente pintura “Granjero sentado”, obra del pintor Paul Cézanne (1900-1904), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1900-1904. Tiene unas medidas de 73.3 x 60.3 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVI del Museo.

Paul Cezanne en su búsqueda de escenarios hace una viaje a las raíces retratando gentes del mundo rural, en este caso es un granjero que se muestra en su entorno con un único apero de su garrota en primer plano, sus manos son firmes, trabajadas y alargadas.

La siguiente pintura “Golfo de Marsella desde el estanque”, obra del pintor Paul Cézanne (1900-1904), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1878-1879. Tiene unas medidas de 58 x 72 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVI del Museo.

Cézanne emplea un encuadre panorámico, utilizando un punto de vista elevado como si estuviera asomado a una terraza o desde una ventana. La vista panorámica desde el entorno del lago al fondo las montañas, estructurando todas ellas a través del color, quien se convierte en el vehículo unificador y constructor de la obra de Cézanne.

La siguiente pintura “Puente de Maincy”, obra del pintor Paul Cezanne (1900-1904), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1879. Tiene unas medidas de 58.5 x 72.5 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVI del Museo.

Cuando la influencia del pintor sale del mundo de los impresionistas, realiza pequeños cuadros que están salpicados de brillo. Hace sentir el flujo de aire a través del espacio y juegos de agua creando reflexiones múltiples. Sin embargo, las claves largas y rectas que teje en la composición sensual de los trabajos posteriores.

La siguiente pintura “Manzanas y naranjas”, obra del pintor Paul Cézanne (1900-1904), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1899. Tiene unas medidas de 74 x 93 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVI del Museo.

La composición es un ejercicio de investigación esencial para Cézanne; en esta tabla, es evidente que la vista contiene una intención estética diferente; Se traza una línea diagonal desde la parte inferior de la mesa, pero no alcanza el borde derecho, deteniéndose antes de llegar a ella, esta es la línea de la superficie de una mesa de madera. Cézanne parece exagerar sus puntos de vista, pero su intención no es estética, es por ello muestra una sensación: la de la altura y de elevación, pero esto a través de un tema que es de las cosas de pequeño tamaño.

La siguiente pintura “Naturaleza muerta con cebollas”, obra del pintor Paul Cézanne (1900-1904), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1896-1898. Tiene unas medidas de 66 x 82 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVI del Museo.

El cuadro es una naturaleza muerta que además de las cebollas, cuya forma esférica se presta a la investigación sobre el volumen, Cézanne representa algunos objetos simples. Además del cuchillo, hay una botella, un vaso y un plato. El uso repetido de tales accesorios en sus naturalezas muertas revela el pintor centra su interés en el diseño de objetos, el tratamiento del espacio y examina el impacto de la luz sobre las formas.

La siguiente pintura “Los Jugadores de cartas”, obra del pintor Paul Cézanne (1900-1904), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1890-1895. Tiene unas medidas de 66 x 82 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVII del Museo.

El cuadro tiene todos los volúmenes definidos de manera geométrica, lo que confiere a los dos personajes una dignidad clásica. En las versiones iniciales son tres jugadores contemplados por otros personajes, composición que va simplificando hasta reducirla a dos campesinos que juegan a las cartas, con una botella de vino en medio, en la que se refleja la luz. Distorsionando la visión perspectiva, Cézanne logra obtener el máximo grado de centralidad, que resulta increíble en una escena de vida. Toda la tela está construida con tonos de los colores azul, amarillo y rojo. Esta restricción cromática «intensifica la sensación de austeridad formal». Las pinceladas se presentan solitarias y sintéticas, como el reflejo sobre la botella o el simple trazo que describe el ojo del jugador de la derecha.

La siguiente pintura “Montaña Sainte Victoire”, obra del pintor Paul Cézanne (1900-1904), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1890. Tiene unas medidas de 73 x 92 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVII del Museo.

Pertenece al género del paisaje. El tema de la pintura es la montaña Sainte-Victoire en Provenza en el sur de Francia. Cézanne pasó mucho tiempo en Aix-en-Provence en aquella época, y desarrolló una relación especial con el paisaje. Esta montaña en particular, que destacaba en el paisaje que lo rodeaba, la podía ver desde su casa, y la pintó en numerosas ocasiones.

La siguiente pintura “Gustave Geffroy”, obra del pintor Paul Cézanne (1900-1904), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1895-1896. Tiene unas medidas de 110 x 89 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVII del Museo.

Gustave Geffroy escribió varios artículos alabando la pintura de Cézanne, en este cuadro se representa formando un fuerte triángulo en el centro de la mesa. La decoración está formada por libros, tinta, rosa, una estatuilla de Rodin, gracias a esta información se identifica las actividades y los gustos del personaje, sin hacer referencia a la existencia de una colisión.

Además, la agradecida simpatía de Cézanne fue dando paso a la irritación por lo que su modelo demasiado ecléctico en sus gustos artísticos y demasiado poco respetuoso con la religión.

La siguiente pintura “La mujer y la cafetera”, obra del pintor Paul Cézanne (1900-1904), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1890-1895. Tiene unas medidas de 97 x 31 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVII del Museo.

Cézanne en este lienzo no hace una reproducción exacta, siguiendo el modelo fotográfico. El pintor ha querido experimentar las leyes de su pintura, para construir la verdad con sus propios medios artísticos, a la altura de su período de “constructivo” (los componentes estrictamente verticales de los objetos adecuados se oponen a los poco verticales reclinados a la izquierda situados de parte posterior).

La siguiente pintura “La mesa de cocina”, obra del pintor Paul Cézanne (1900-1904), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1888-1890. Tiene unas medidas de 65 x 81.5 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVII del Museo.

Cézanne concede una inusual importancia dada por Cézanne a esta naturaleza muerta fue pintada en el taller del pintor y para descubrir algunos de sus objetos familiares: una gama de colores y tinta colocados en la parte superior del cuadro en el lado izquierdo; una cortina, una silla y, a la derecha, el pie de otra silla. Sobre la mesa, en el centro de la obra, la composición obedece a la forma triangular. Se puede ver manzanas, peras, una cesta y algunos botes que se encuentran en muchas de sus naturalezas muertas, un gran mantel blanco y un misterioso limón.

La siguiente pintura “La rueda”, obra del pintor Edouard Vuillard (1900-1904), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1907-1908. Tiene unas medidas de 235 x 165 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVII del Museo.

Este cuadro revela una nueva atención del pintor por la naturaleza que es una reminiscencia de la pintura impresionista. Antes de este pajar animado por el juego de luces, uno piensa que, puede ser una inspiración de la serie de Meules expuestos por Monet en 1891. En comparación con sus primeras pinturas murales (como los jardines públicos, 1894), el espacio se ensanchó y la luz brilla a través de la superficie de la tela que parece abrirse como una ventana. Aunque fiel a la técnica de la pintura al temple, por lo general de manera amortiguada, Vuillard logró adaptarse a sus nuevas aspiraciones, es el modo que resulta más adecuado para dar cuenta de todas las vibraciones de color de un día soleado.

La siguiente pintura “ La Musa inspira al poeta”, obra del pintor Henri Rousseau (1844-1910), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1908-1909. Tiene unas medidas de 146 x 97 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVII del Museo.

En el cuadro están retratados como una caricatura Guillaume Apollinaire, y su amante, Marie Laurencin. Este gran lienzo muestra el poeta y su amante, la “musa” que le inspira, detrás de un banco de hierba en el borde de un bosque se vuelve cada vez más denso hacia la parte inferior de la tabla. La Poesía y pintura sirven como intermediarios entre nosotros y la naturaleza misteriosa. La disposición simétrica de caracteres rodeada de árboles también se conecta con esta tabla, más allá de los límites del género, con obras como la boda y bromistas alegres.

La siguiente pintura “El estanque de los nenúfares, Armonía verde”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1899. Tiene unas medidas de 92.5 x 89.5 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVII del Museo.

El tema principal de la pintura es el puente de madera que atraviesa el extremo del lago de Giverny. La forma arqueada de la madera está pintada de verde y por la forma de las barandas le valió el nombre de “Puente japonés” Monet abordar este tema en 1895 (probablemente inspirado en una de las estampas japonesas en su colección), dos años después de su construcción. La exuberancia de la vegetación se refiere más a los jardines mediterráneos. El artista pone de relieve una armonía general equilibrando la composición, eligiendo un formato casi cuadrado donde predominan los tonos verde y azul, estos colores verdes de las plantas acuáticas desde el pequeño estanque de cañas, el bambú y el iris en los bancos y en los árboles del fondo con un sauce llorón.

La siguiente pintura “El Jardín del artista en Giverny”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1900. Tiene unas medidas de 81.6 x 92.6 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVII del Museo.

Monet cuando realizó está pintura ya tenía 60 años de edad el año en que terminó la pintura y ya había logrado una serie de obras importantes. Había tenido un éxito extraordinario y ya era considerado una celebridad.

En 1900, el año de esta pintura, se vio involucrado en dos proyectos principales: una serie de pinturas del río Támesis en Londres y otra serie de su jardín de agua en Giverny, incluyendo algunos de sus famosas pinturas lirios de agua, tales como nenúfares.

La siguiente pintura “El estanque de los nenúfares, Armonía rosa”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1899. Tiene unas medidas de 90 x 100.5 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVII del Museo.

Monet cito al pintar esta serie “Me dan las pinturas, una tras otra. En la atmósfera, el color vuelve a aparecer ayer me encontré y esbozado en una de estas pinturas. Rápidamente me pase esta imagen y trato en lo posible de solucionar sin duda esta visión. Pero, por lo general, desaparece tan pronto que me levantó para dar paso a otro color ya visto otro día antes... Y así todo el día. “.

La siguiente pintura “Nenúfares azules”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1916-1919. Tiene unas medidas de 200 x 200 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVII del Museo. Este cuadro es calificado como una de las diez mejores obras de arte del Museo.

En el cuadro carece de horizonte y el cielo, Monet se centra la vista en una pequeña área de la laguna, visto como un pedazo de naturaleza cercana. No hay puntos que mantenga la atención más que de otros, y la impresión dominante es de informar de la superficie. El formato cuadrado refuerza la neutralidad de la composición. Esta falta de referencia da al fragmento las cualidades del infinito ilimitado.

La siguiente pintura “Catedral de Rouen”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1882-1893. Tiene unas medidas de 200 x 200 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVII del Museo.

La serie Rouen catedrales es una colección de 30 pinturas de Claude Monet que representa principalmente vistas de portal del oeste de Notre-Dame de Rouen (otras dos tablas representan el tribunal de Albano), son diferentes vistas pintadas y ángulos en especiales momentos del día.

La siguiente pintura “Montañas de heno, el fin del verano”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1890. Tiene unas medidas de 60.5 x 100.8 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVII del Museo.

Corresponde con una serie de pinturas que Monet comenzó después de la cosecha de fines del verano de 1890 y continuaron hasta a principios de 1891. El tema principal de la serie eran las torres de trigo montadas sobre ruedas que fueron encontrados en un campo cerca de la casa del artista en Giverny, Normandía.

La siguiente pintura “Efectos del viento, serie del álamo”, obra del pintor Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1891. Tiene unas medidas de 74 x 125.7 cm. Se encuentra expuesto en la sala XXXVII del Museo.

Esta serie de obras incluye más de veinte pinturas de los árboles plantados en el pantano Limetz, en la orilla izquierda del río Epte, a unos dos kilómetros aguas arriba de Giverny. La naturaleza instantánea de estas pinturas es traducir la fuerza y la brevedad de la impresión sentían ante la naturaleza, los cambios de luz, el clima y las estaciones que llevan a cabo la atención del pintor en la serie.

En esta tabla, la composición del conjunto de curvas seguidas por los árboles, es particularmente exitosa, Monet mantuvo sólo tres árboles en primer plano acentuando la diagonal de la segunda.

La siguiente pintura “La bella Ángela”, obra del pintor Paul Gauguin (1848-1903), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1889. Tiene unas medidas de 93 x 73 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXII del Museo.

Marie-Angélique Satre, hotel en Pont-Aven, fue considerada como una de las mujeres más bellas del país. En el cuadro tiene una pose rígida, el vestido ceremonial de la joven y la inscripción en el cuadro “Belleza Angele” para reforzar la solemnidad de esta representación. A la izquierda, Gauguin presentó una cerámica antropomórficas, inspiración peruana, lo que refuerza el carácter simbólico de la composición y aparece como una versión exótica del ídolo Bretón.

La siguiente pintura “El Aguacero”, obra del pintor Paul Serusier (1864-1927), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1893. Tiene unas medidas de 73.5 x 60 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXII del Museo.

Al igual que en los grabados, se da prioridad a la línea en el color. Para Sérusier, son demasiados colores en la noche, emplea tres o cuatro colores bien elegidos, eso es suficiente, y esto es expresivo; los otros colores solamente debilitan el efecto.

Aquí, los colores son reducidos a unos pocos tonos apagados y terrosos que evocan las de los frescos italianos. El aguacero también toma prestada una visión primitiva y atemporal monumental de la materia.

La siguiente pintura “La valla florida, Le Pouldu”, obra del pintor Paul Serusier (1864-1927), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1889. Tiene unas medidas de 73 x 60,5 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXII del Museo.

Serusier elaboró un corto tratado en el que se desarrolla una teoría de curvas y formas simples, una teoría de los colores y un método de búsqueda de colores apagados. Es el recuerdo de toda su investigación estética.

La siguiente pintura “Bretones con paraguas”, obra del pintor Emile Bernard (1868-1941), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1892. Tiene unas medidas de 85 x 105 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXII del Museo.

El artista excluye intencionalmente todo el realismo en su composición. El corte de escena aparece como un vitral con estas líneas entrelazadas que delimitan colores planos. Bernard crea correspondencias formales entre las sombrillas redondeadas y las colinas de la parte inferior, entre la vertical y las siluetas de los árboles derecho de las mujeres. El conjunto, personajes y paisajes, mantiene un mensaje hermético que permite que el artista se mantenga alejado de la realidad anecdótica.

La siguiente pintura “Lavandera de Laita”, obra del pintor Paul Serusier (1864-1927), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1892. Tiene unas medidas de 73,2 x 92.2 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXII del Museo.

Paul Serusier buscaban en la pintura sobre todo para liberarse del realismo y el impresionismo. Valora la interioridad en el arte como un medio de comunicación entre las almas. Utiliza en sus cuadros planos con colores puros y abandonando totalmente la perspectiva. En sus paisajes, el horizonte se encuentra muy alto, dejando casi toda la superficie de la pintura disponible para la vegetación, edificios y personajes.

La siguiente pintura “Montañas de heno amarillo”, obra del pintor Paul Gauguin (1848-1903), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1889. Tiene unas medidas de 73 x 92.5 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXII del Museo.

Gauguin fue una figura importante del simbolismo, participando como pintor, escritor y escultor de grabados y cerámica. Su experimentación audaz con el color fue lo que colocó los cimientos para el estilo sintetista –es un término utilizado por artistas postimpresionistas– del arte moderno, mientras que su expresión del significado inherente de los temas en sus pinturas, bajo la influencia del cloisonismo, fue lo que pavimentó el camino al primitivismo y el regreso al estilo pastoral.

La siguiente pintura “Retrato Eugene Boch”, obra del pintor Vincent van Gogh (1853-1890), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1888. Tiene unas medidas de 60 X 45 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXII del Museo.

Van Gogh conoce al pintor belga Eugène Boch (1855-1941) hacia la mitad de junio de 1888, cuando éste realiza una estancia de unas cuantas semanas en un municipio de las cercanías de Arlés Hacia el 8 de julio, Vincent evoca a Boch en una carta a su hermano Theo: “Es un chico cuyo exterior me gusta mucho, rostro afilado, ojos verdes con algo de distinción”.

La siguiente pintura “L'Arlesienne”, obra del pintor Vincent van Gogh (1853-1890), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1888. Tiene unas medidas de 92.5 x 73.5 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXII del Museo.

El cuadro L'Arlésienne es también conocido como Señora Ginoux, o Retrato de señora Ginoux es el título dado a un grupo de seis pinturas similares de Vincent van Gogh, fueron pintados en la ciudad de Arlés, en noviembre de 1888 (o posterior), y en Saint de febrero 1890. L'Arlésienne se pronuncia “lar sentar zyen”; que significa literalmente “la mujer de Arlés”.

La siguiente pintura “ La Habitación de van Gogh en Arlés”, obra del pintor Vincent van Gogh (1853-1890), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1889. Tiene unas medidas de 57,5 x 74 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXII del Museo.

El dormitorio en Arlés es un cuadro de Vincent van Gogh que representa el dormitorio del pintor durante su estancia en la ciudad francesa de Arlés, un motivo sobre el que pintó tres cuadros casi idénticos. El primero, conservado en el Museo Van Gogh de Ámsterdam, fue ejecutado en octubre de 1888 y se deterioró en una inundación ocurrida durante la hospitalización del pintor. Cerca de un año después, emprendió la realización de dos copias: una, de mismas dimensiones, se conserva hoy en el Art Institute de Chicago; la otra, la del Museo de Orsay, realizada para su familia en Holanda, es de tamaño más reducido.

En una carta dirigida a su hermano Théo, Vincent explica lo que le incita a pintar una obra semejante: quiere expresar la tranquilidad y resaltar la sencillez de su dormitorio mediante el simbolismo de los colores. Para ello, describe: «los muros lila pálido, el suelo de un rojo gastado y apagado, las sillas y la cama amarillo de cromo, las almohadas y la sábana verde limón muy pálido, la manta roja sangre, la mesa de aseo anaranjada, la palangana azul, la ventana verde, afirmando: Había querido expresar un reposo absoluto mediante todos estos tonos diversos». Mediante estos diferentes tonos, Van Gogh hace referencia a Japón, a sus crespones y a sus estampas. Se justifica de este modo: «Los Japoneses han vivido en interiores muy sencillos y que grandes artistas han vivido en este país». Pese a que, para los japoneses, una habitación decorada con cuadros y muebles no parezca realmente sencilla, para Vincent es «un dormitorio vacío con una cama de madera y dos sillas». Alcanza, a pesar de todo, una cierta austeridad, por su composición constituida casi únicamente de líneas rectas y por la combinación rigurosa de superficies de color que compensan la inestabilidad de la perspectiva.

Cuando Van Gogh, finalmente, en el verano de 1889, decidió rehacer algunas de sus «mejores» composiciones en un tamaño menor (el término que usó fue réductions) para su madre y su hermana Wil, El dormitorio se encontraba entre los que escogió. Estas réductions, acabadas a finales de septiembre de 1889, no son copias exactas.

En el dormitorio el retrato en miniatura de la izquierda recuerda al autorretrato de Van Gogh Campesino de Zundert. El de la derecha no puede ser asociado de manera convincente a ninguna pintura existente de Van Gogh, aunque el de la derecha podría ser su amigo Paúl Gaugin o su padre, o aunque lo puso tal vez para adornar el cuadro.

Esta tercera versión, previamente en poder de la hermana de Van Gogh, Willemien y más tarde adquirida por el Príncipe Matsukata, entró en las colecciones nacionales francesas en 1959, después del acuerdo de paz franco-japonés.

La siguiente pintura “Los Alsacianos”, obra del pintor Paul Gauguin (1848-1903), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1888. Tiene unas medidas de 91.5 x 72.5 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXII del Museo.

Esta pintura con sus colores otoñales de fuego es probablemente una de las primeras telas Gauguin en Arlés Esto demuestra la necrópolis romana de Arlés que fue consagrada en el siglo III por San Trófimo, el primer obispo de Arlés, como cementerio para los cristianos. En el siglo XIX no quedaba nada del sitio, pero las avenidas de cipreses y algunos sarcófagos vacíos, que le daba un aire profundamente melancólico.

La siguiente pintura “La noche estrellada”, obra del pintor Vincent van Gogh (1853-1890), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1888. Tiene unas medidas de 72.5 x 92 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXII del Museo.

La primera vez que pintó la esquina cielo de la noche en la terraza de un café en la plaza Forum en Arlés (Otterlo, Rijksmuseum Kröller-Müller). Y este punto de vista del Ródano, donde se transcribe magníficamente los colores que ve en la oscuridad. Domina la escena el color azul: el azul de Prusia, azul ultramarino o cobalto. Las luces de gas de la ciudad brillan un naranja intenso que se reflejan en el agua. Las estrellas brillan como piedras preciosas.

La siguiente pintura “Naturaleza muerta”, obra del pintor Paul Gauguin (1848-1903), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1889. Tiene unas medidas de 50.5 x 61.5 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXII del Museo.

El cuadro de esta naturaleza muerta esta realizado mostrando una mesa donde están dispuestos varias frutas, algunos objetos. La nitidez y precisión de los contornos, el juego de sombras, la yuxtaposición de los sólidos y los volúmenes geométricos que podrían ajustarse a una en la otra.

La siguiente pintura “Macetas de gres y manzanas”, obra del pintor Emile Bernard (1868-1941), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1887. Tiene unas medidas de 46 x 54.5 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXII del Museo.

La composición, la elección de las frutas y los objetos representados, Bernard evidentemente representa una admiración por Cézanne que ve las obras en la tienda de Tanguy. Sin embargo, las manzanas y las ollas de piedra de arenisca también se da cuenta de la investigación del artista para simplificar y estrictamente partir los planos de color que identifica una línea de negro. La profundidad es sugerida por las sombras y la sucesión de tres franjas horizontales de colores, el centro donde se destacan las frutas y las ollas en forma por el color y el material.

La siguiente pintura “La familia Schuffenecker”, obra del pintor Paul Gauguin (1848-1903), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1889. Tiene unas medidas de 72.7 x 92 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXII del Museo.

Gauguin empezó esta pintura en enero de 1889 y finalizará en la primavera siguiente. Esto explica el contraste entre las pesadas ropas de Louise, la señora Schuffeneckers, la estufa y resplandeciente del fondo.

La influencia de Van Gogh se ve en los colores primarios opuestos, amarillos y azules. Los personajes son tratados de forma plana, como en los grabados japoneses colocados en la pared. Los dos niños en sus delantales rojos se describen con cariño. Se puede decir de los padres. Louise, Gauguin ofrece la imagen de una criatura hosca o el mal. Tal vez él quiere que no le den la bienvenida con entusiasmo cuando se trasladó en Schuffeneckers con un cierto descuido.

La siguiente pintura “ La Siesta ”, obra del pintor Vincent van Gogh (1853-1890), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1890. Tiene unas medidas de 73 x 91 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXI del Museo.

El meridiano o la siesta fueron pintados durante la estancia de Van Gogh en Saint-Rémy de Provence. La composición se toma de un dibujo de Millet durante la parte de la tarde. Vicente justificó su acercamiento a su hermano Theo: Más bien se traduce en otro idioma, el lenguaje de los colores, impresiones del claroscuro en blanco y negro. Van Gogh había copiado muchas veces las obras de Millet que consideraba un pintor más moderno que Manet. Fiel a la composición original en los detalles de la vida todavía en el primer plano, Van Gogh se aprueba plenamente esta etapa de descanso que simboliza la vida en la Francia rural de la década de 1860. Esta representación personal es esencialmente una construcción cromática basada en el contraste de los colores complementarios azul-violeta y amarillo-naranja. A pesar del carácter pacífico de la materia nos encontramos con la intensidad única del arte de Van Gogh.

La siguiente pintura “Cabañas cubiertas con paja en Cordeville, Auvers-sur-Oise”, obra del pintor Vincent van Gogh (1853-1890), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1890. Tiene unas medidas de 73 x 92 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXI del Museo.

Esta es una verdadera transmutación impulsada por las fuerzas psíquicas que el pintor quiso reflejar en el paisaje de esta obra. Las casas tranquilas con techos de paja que todavía se pueden ver en las fotografías antiguas parecen creadas por una poderosa fuerza telúrica que ensancha los volúmenes. El dibujo desaliñado, girando agita el techo, espirales de ramas de árboles, nubes se transforman en arabescos.

La siguiente pintura “La iglesia en el Auvers-sur-Oise, desde el lado de la cama”, obra del pintor Vincent van Gogh (1853-1890), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1890. Tiene unas medidas de 94 x 74 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXI del Museo.

Después de su estancia en el sur de Francia, en Arlés y en el hospital psiquiátrico de Saint-Remy de Provence, Vincent van Gogh se trasladó a Auvers-sur-Oise, un pueblo cerca de París. Su hermano Theo, preocupado por su salud, le llevó a conocer al Dr. Gachet, el propio pintor, que se compromete a cuidar de él. Durante los dos meses que transcurrieron entre su llegada a Auvers 21 de de mayo de, 1890 y murió el 29 de julio, el artista hace unos setenta pinturas, más de uno al día, y muchos dibujos.

La siguiente pintura “El Jardín del doctor Paul Gachet”, obra del pintor Vincent van Gogh (1853-1890), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1890. Tiene unas medidas de 73 x 52 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXI del Museo.

Gachet es un gran aficionado al arte y un apasionado por el impresionismo, se hizo amigo de Monet, Manet, Renoir, Pissarro. Los invitó a Auvers, donde construyó un estudio en el ático de su casa. Cézanne incluso agregó una ventana. Es un especialista en enfermedades mentales y durante su estancia en la localidad trata a Vincent van Gogh y le aconseja pintar y pintar.

La siguiente pintura “El doctor Paul Gachet”, obra del pintor Vincent van Gogh (1853-1890), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1890. Tiene unas medidas de 68 x 57 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXI del Museo.

Después de que le dieran el alta a Van Gogh en el Hospital de Saint-Rémy, acudió a Auvers-sur-Oise, donde el doctor Gachet estaba dispuesto a atenderlo. El pintor acudía con frecuencia a casa del médico y éste aceptó posar para Vincent, que desde hacía tiempo buscaba un modelo para retratar al natural.

La siguiente pintura “Dos Niños”, obra del pintor Vincent van Gogh (1853-1890), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1890. Tiene unas medidas de 68 x 57 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXII del Museo.

Van Gogh en este caso se sintió atraído por el retrato de gemelos, dos personas iguales era algo que necesitaba una investigación de una mente que por entonces estaba enferma y necesitaba ordenar muchos de los conceptos.

La siguiente pintura “Retrato del artista”, obra del pintor Vincent van Gogh (1853-1890), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1889. Tiene unas medidas de 65 x 54,5 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXI del Museo.

Vincent van Gogh es uno de los artistas que más se ha retratada asimismo con más de 43 autorretratos, pintados o dibujados en una docena de años de trabajo. En la misma medida que estos maestros del pasado, se observan en el espejo sin complacencia. Para pintar a uno mismo no es un asunto trivial: es una pregunta que a menudo conduce a la identidad del espíritu.

La siguiente pintura “Rosas y Anémonas”, obra del pintor Vincent van Gogh (1853-1890), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1890. Tiene unas medidas de 51.7 x 52 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXI del Museo.

Vicent Van Gogh hace un ejercicio de color para representar un florero japonés lleno de flores. Los colores que estallan en sus naturalezas muertas, donde se puede ver un jarrón de porcelana de color verde oscuro, un ramo de flores sobre fondo azul turquesa espumoso.

La siguiente pintura “La señorita Gachet en su jardín en el Auvers-sur-Oise”, obra del pintor Vincent van Gogh (1853-1890), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1890. Tiene unas medidas de 46 X 55.5 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXI del Museo.

Se representa a la mujer del doctor Gachet, Marguerite cuando tenía 20 años y era una joven dulce. Aquí aparece entre las flores del jardín, destacando la sintonía de su vestido blanco con las rosas que la rodean al igual que el sombrero y el cabello dorado. El color rojo se aprecia al fondo correspondiendo a los tejados de las casas vecinas. El resto de la composición está dominado por el verde en sus diferentes tonos así como el malva del cielo. El color es aplicado con la soltura que caracteriza a Van Gogh, suprimiendo las formas al igual que hacía Monet. La pincelada intenta crear dichas formas para no caer en la abstracción.

La siguiente pintura “Naturaleza muerta con mandolina”, obra del pintor Paul Gauguin (1848-1903), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1888. Tiene unas medidas de 61.7 x 51.3 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXI del Museo.

El cuadro muestra una armonía de los colores suaves y formas redondeados con la mandolina que responde al centro de la composición, las peonías despeinadas que se oponen a la rectitud de la esquina del marco, el material por debajo de florero, donde aparece el mimbre, todo está vivo y tranquilo en este lienzo.

La siguiente pintura “Vairumati”, obra del pintor Paul Gauguin (1848-1903), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1897. Tiene unas medidas de 73 x 94 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXI del Museo.

El cuadro representa una joven polinesia sentada a la cabecera de una cama y apoyada sobre su brazo derecho. Tiene el torso desnudo y una prenda enrollada a la cintura. Cerca de ella, a su espalda, una alegórica ave blanca apresa entre sus garras a un lagarto negro. Al fondo, en la esquina superior derecha del cuadro, se distinguen dos mujeres tahitianas sentadas en el suelo. No es posible determinar con exactitud lo que están haciendo, aunque su postura evoca una actitud ritual, que recuerda a los bajorrelieves de Borobudur. La muchacha tahitiana que constituye el motivo central del cuadro se reclina ausente sobre un lecho florido, cuyo cabecero dorado destaca sobre la tierra rojiza. El fondo está poblado de vegetación con tonos verdes y amarillos. A la manera de un encuadre fotográfico, los elementos en primer término, la muchacha y el lecho, aparecen con mayor nitidez que las mujeres y la vegetación del fondo, provocando una sensación de perspectiva. La luz incide desde el ángulo izquierdo de la imagen, proyectando las sombras hacia el lado opuesto, si bien de manera caprichosa. La luminosidad del pájaro blanco y del cabecero bruñido contrasta con el espacio umbrío que se abre a la derecha del cuadro.

La siguiente pintura “Retrato del artista”, obra del pintor Paul Gauguin (1848-1903), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1896. Tiene unas medidas de 73 x 94 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXI del Museo.

Paul Gauguin fue un pintor que cultivo sus propios autorretratos, en total están contados 16 retratos durante su vida de pintor, muchos de ellos son realizados ante la falta de un modelo y en otras por el cultivo de su propia vanidad.

La siguiente pintura “Retrato del artista y la cruz de Cristo”, obra del pintor Paul Gauguin (1848-1903), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1890-1891. Tiene unas medidas de 30 x 46 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXI del Museo.

En la figura central, mirando Gauguin se dirigen al espectador donde se expresa el peso sus dificultades, sino también su determinación de proseguir en su lucha artística. Está detrás de otros dos de sus obras, realizadas el año anterior, que se enfrenta un punto de vista estético y simbólico.

A la izquierda está El Cristo amarillo, imagen del sufrimiento sublimado, Gauguin, que presta sus propios rasgos. Pero el brazo extendido por Cristo sobre la cabeza del pintor también sugiere un gesto protector. El amarillo de la tabla, representa el color de la suerte del artista.

La siguiente pintura “La comida”, obra del pintor Paul Gauguin (1848-1903), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1891. Tiene unas medidas de 73 x 92 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXI del Museo.

En la naturaleza muerta se puede ver el racimo de plátanos para cocinar, llamada “fei” en tahitiano, ocupa casi una cuarta parte de la composición de la fruta con su enorme forma y el color tirando al bermellón y violeta, con una sombra proyectada sobre el mantel. Tenga en cuenta también el gran tamaño tallado del envase de madera que contiene la leche de coco, pero que se ha utilizado tradicionalmente para dar cabida a los peces. Para complementar su composición y añadir toques de color, Gauguin incluyó un cuenco de barro occidental, una calabaza se utiliza para transferir el líquido, de fruta se aprecia: la guayaba y parcialmente naranjas. Un cuchillo colocado oblicuamente indica la profundidad del espacio. El mantel blanco, con sus pliegues bien marcados, también es una reminiscencia de las composiciones de Cézanne o Manet.

La siguiente pintura “Arearea”, obra del pintor Paul Gauguin (1848-1903), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1892. Tiene unas medidas de 75 x 94 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXI del Museo.

La palabra arearea es tahitiana (en tahitiano normalizado arearea) y quiere decir pasatiempo, diversión o entretenimiento alegre y gozoso. En el cuadro se observa en primer plano un perro y una pareja de mujeres, una tocando una especie de flauta y otra escuchando.

La corriente artística al que representa es el expresionismo. La obra recupera el concepto de la sinestesia, un recurso que intenta fusionar pintura y música. Además de la función decorativa se trata de activar los sentidos equiparando el ritmo de formas y colores con el sonido o el movimiento. La mujer que toca la flauta y las figuras del fondo que danzan refuerzan la asociación con la música.

La siguiente pintura “El caballo blanco”, obra del pintor Paul Gauguin (1848-1903), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1898. Tiene unas medidas de 140 x 91.5 cm. Se encuentra expuesto en la sala LXXI del Museo.

En este caso, el trabajo no se reproduce con una escena real, sino con una visión imaginaria sintética de un paisaje de Tahití. Las ramas con giros complicados de un árbol nativo llamado bourao, una especie de hibisco y lirios y flores imaginarias en el primer plano de un marco decorativo alrededor del motivo principal. El cielo y el horizonte están ausentes de esta área cerrada.

La siguiente escultura “San Juan Bautista”, obra del escultor Auguste Rodin (1840-1917), realizada en bronce, esta datada entre 1878-1881. Tiene unas medidas de 204 x 63 cm.

Para demostrar su genio y silenciar a los críticos de su obra en 1878, Rodin creó la escultura de Juan el Bautista, la figura más jamás hubiera pensado realizar .

Por lo tanto, demuestra que no utiliza un molde. Revolucionó la escultura, por la expresividad de las formas, expresiones, emociones, sentimientos y sensualidad, caras de la perfección, y partes tan complejas como en las manos, los pies, etc. Él inventó su propio estilo “estilo de Rodin” con las nuevas técnicas de la escultura como el ensamblaje, el engranaje o la fragmentación, en total contradicción con el academicismo de la época.

La siguiente pintura “El Circo”, obra del pintor Georges Seurat (1859-1891), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1891. Tiene unas medidas de 180 x 148 cm. Se encuentra expuesto en la sala IX del Museo.

Es la última obra de Seurat, fue empieza un año antes de morir de difteria. Realizó numerosos bocetos para esta obra y la dejó incompleta. Fue adquirido por Paul Signac que luego la revendió al coleccionista estadounidense John Quinn, con la promesa de dejarlo al Museo del Louvre.

Este cuadro trata el tema del circo, frecuentado en esos mismos años de 1880 por otros autores como Renoir, Degas y Toulouse-Lautrec. Seurat lo trata con la técnica puntillista, en un cuadro en el que predomina el color amarillo. Seurat redujo su paleta a cuatro colores principales, con sus tonos intermedios, en estado puro; predominan el amarillo y el violeta, complementarios. Usaba esos colores en estado puro, mediante pequeños toques yuxtapuestos que se fundían en la retina del espectador.

La siguiente pintura “Modelo de espaldas”, obra del pintor Georges Seurat (1859-1891), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1887. Tiene unas medidas de 24.3 x 15.3 cm. Se encuentra expuesto en la sala IX del Museo.

Durante el invierno 1886-1887, Georges Seurat emprende una nueva gran composición: Las Modelos. El cuadro se encuentra hoy en la Fundación Barnes , en Merion, Estados Unidos. Representa tres modelos mostrando una pose de desnudos en el taller del pintor. El artista ha reproducido en su propio muro Una tarde en la Grande Jatte , el cuadro manifiesta la nueva corriente pictórica de la que Seurat se convierte en el jefe de dicha tendencia y que el crítico Félix Fénéon bautiza neo-impresionismo.

Seurat ha realizado numerosos dibujos y bocetos previos a las Modelos, Con los que podemos vincular los tres estudios del museo de Orsay: Modelo de espaldas, Modelo de frente y Modelo de perfil.

En el Modelo de espaldas, el pintor representa su modelo desnuda, de espaldas, sentada encima de una sábana blanca. Recuerda una obra famosa que dio mucho que hablar cuando llego al Museo del Louvre en 1879.

La siguiente pintura “Señora Hector France”, obra del pintor Henri-Edmond Cross (1856-1910), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1891. Tiene unas medidas de 208,5 x 149,5 cm. Se encuentra expuesto en la sala IX del Museo.

El cuadro muestra el gran retrato de Irma Clare, que entonces estaba casada con el escritor Héctor Francia, y la futura esposa del pintor, Cross tiene una gran influencia Neo-Impresionista. Poco a poco se incorpora con las teorías del grupo, a través del contacto con Signac, Angrand y Van Rysselberghe. De sus conversaciones con Seurat, ha recordado que “los colores de los objetos cambian su diseño”. La técnica de pinceladas separadas está aquí combinada, además, con un buen ojo para los arreglos decorativos.

El modelo es parte de una composición geométrica con la luz equilibrada y zonas de sombra. La luz de una noche de verano es invocada mediante el parpadeo de las lámparas. Un rododendro en el primer plano acentúa aún más el efecto de profundidad, ya se ha destacado por la silla colocada en un ángulo. Este elemento floral, decorativo se toma de la estampa japonesa, muy apreciada por los artistas postimpresionistas. Las formas geométricas en el suelo crean un espacio en la terraza.

La siguiente pintura “Cabello”, obra del pintor Henri-Edmond Cross (1856-1910), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1892. Tiene unas medidas de 61.5 x 46 cm. Se encuentra expuesto en la sala IX del Museo.

En este trabajo el pintor representa a su futura esposa Irma como modelo cuando todavía era la señora de Hector Francia. La cara desaparece detrás de una espesa cortina de pelo, que se convierte en el único tema de la pintura.

El encuadre apretado alrededor del busto de la mujer se ve en una vista de tres cuartos da la figura un aspecto monumental, pero también refuerza la importancia del pelo, que es arbitrariamente recortada por el borde del lienzo. Este cultivo deliberado no es diferente al enfoque utilizado por los grabados japoneses que Cross tanto admiraba.

También ha utilizado una gran economía de medios, tanto en la composición, con el tema simplemente en contraste con un fondo neutro, y en su paleta, que es restringida a una armonía de marrones y malvas.

La siguiente pintura “Las islas D'Or”, obra del pintor Henri-Edmond Cross (1856-1910), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada entre 1891-1892. Tiene unas medidas de 59.5 x 54 cm. Se encuentra expuesto en la sala IX del Museo.

El tema es un paisaje sobre las islas D'Or se han eliminado todos los elementos pintorescos y el pintor se concentró en los efectos de la luz sobre el color. Los diversos elementos en el paisaje se convierten en tres grandes bandas de color: la arena, el mar y el cielo.

La siguiente escultura “Bañista”, obra del escultor Aristide Maillol (1861-1944), realizada en yeso, esta datada en 1902. Tiene unas medidas de 93 x 103 x 25 cm.

Aristide Maillol fue uno de los más famosos escultores de su tiempo. Su trabajo, en silencio, con base en formas completas desarrollado a partir del estudio del desnudo femenino, y simplifica el modelo, representa una revolución artística, anticipándose a la abstracción. Su creación marcó el punto de inflexión entre el siglo XIX y el XX. También ha inspirado a muchos grandes artistas, entre ellos Henry Moore, Arp y Laurens y encontró una resonancia entre Picasso, Brancusi y Matisse.

La siguiente escultura “Desire”, obra del escultor Aristide Maillol (1861-1944), realizada en plomo, esta datada en 1907. Tiene unas medidas de 120 x115 x 25 cm.

Es un alto relieve realizado en plomo. Esta escultura es parte de las obras robadas por los nazís, que se expone en el museo pendiente de la restitución posible a su dueño.

La siguiente pintura “El Pífano”, obra del pintor Eduard Manet (1832-1883), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1886. Tiene unas medidas de 160 x 97 cm. Se exponen en la sala XXIX del museo.

Manet pintó El pífano influido por la manera de los retratos de Velázquez que había admirado en el Museo del Prado de Madrid. En particular, le impresionó Pablo de Valladolid, un retrato de un bufón de la época de aspecto declamatorio y tenido por actor, en que desaparecen el fondo o cualquier objeto que sirva de referencia, excepto la propia sombra del personaje.

Como en el cuadro del pintor español, Manet concibe un fondo sin profundidad, en que los planos vertical y horizontal son apenas distinguibles. El pífano muestra la atracción de Manet por «el efecto decorativo de unas figuras individuales de gran tamaño, con contornos enfáticos y colocadas ante una superficie de fondo». Frente al fondo monocromo, resalta la figura enérgicamente coloreada sobre la base de una paleta reducida pero de colores vivos, en la que predomina la técnica del empaste: el negro muy nítido de la guerrera y los zapatos, el rojo de los pantalones, el blanco de la bandolera, etc. Como resultado, la figura destaca «firme, armoniosa y viva».

La siguiente pintura “El Baño”, obra del pintor Alfred Stevens (1823-1906), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1887. Tiene unas medidas de 73.5 x 92.8 cm. Se exponen en la sala XI del museo.

El baño de calor originalmente tenía una purificación y regeneración como una virtud. El bautismo cristiano retoma esta idea, aunque condena el baño porque eran contrarios a la castidad. Los baños calientes, en particular. En otros balnearios tendían a excesiva sensualidad.

Sin embargo se empleaba la inmersión en agua fría como verdadera una mortificación. Aunque históricamente la Iglesia autorizó la bañera sólo por razones médicas.

El impresionismo y su afán de transformación, no supuso, sin embargo, una ruptura radical con el arte tradicional y académico, tal como se suele indicar de manera un poco simplista. El entusiasmo por la modernidad es una de las señas de identidad de la época, y contamina del mismo modo a realistas, impresionistas y académicos.

La siguiente pintura “Retratos del marqués y de la marquesa de Miramon y sus hijos”, obra del pintor James Tissot (1836-1902), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1865. Tiene unas medidas de 177 x 217 cm. Se exponen en la sala XI del museo.

El cuadro esta realizado en la terraza del castillo familiar, donde el Marqués de Miramón posa con su esposa Teresa y con sus primeros dos hijos. Tissot domina aquí con elegancia las reglas del retrato de la sociedad y la composición aparece como la más compleja que ha diseñado previamente. La elección de un producto natural, poco común en la historia del retrato francés, se refiere a la tradición inglesa del retrato aristocrático situado en el campo. La relajación de la colocación del Marqués, una rodilla y apartar la mirada del niño. El perro elegante o incongruente anima la escena.

En 1859, Tissot había decidido afirmar su anglofobia adoptando el nombre de James . El cuadro está en perfecta sintonía con el gusto de sus modelos, es una de las primeras expresiones artísticas de esta pasión. Además, la bella nota otoñal de la obra es muy británica.

El retrato del marqués y la marquesa de Miramon y de sus hijos por lo tanto, un buen ejemplo de la técnica brillante, que tenia Tissot en la década de 1860.

La siguiente pintura “La cosecha en Borgoña”, obra del pintor Charles-Francois Daubigny (1818-1878), realizada en óleo sobre lienzo, esta datada en 1863. Tiene unas medidas de 172 x 294 cm. Se exponen en la sala XI del museo.

El teórico del naturalismo en la pintura, se describe en detalle este lienzo. El artista elige un momento del día – cuando los recolectores están en los viñedos, bueyes de descanso–- y todas las etapas del cultivo. Algunas mujeres recogen las uvas y las ponen en cestas que luego se vacían por los hombres. Estos serán encargados de depositarlos en el carro. El picnic –una jarra y una cesta cubierta con un paño–- está en el primer plano, listo para servirse en el momento de descanso.

La siguiente escultura “Las cuatro partes del mundo que apoyan la esfera celeste”, obra del escultor Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1875), realizada en yeso, esta datada en 1872. Tiene unas medidas de 280 x 177 x 145 cm. Se expone en el pasillo central del museo.

El barón Haussmann, era el prefecto de París que dio a la ciudad el rostro que vemos en la actualidad, encargó a Carpeaux en 1867, una fuente para el jardín del Observatoire. El escultor eligió representar las cuatro partes del mundo, girando en torno a la esfera celeste.

No sólo las cuatro alegorías bailan en un corro, pero además giran sobre ellas mismas. Europa a penas pisa la tierra con los pies, Asia, con su larga trenza, está casi de espaldas, África está de tres cuartos, América, peinada con plumas, tiene el cuerpo de perfil y el rostro de frente.

Este afán por el movimiento es una de las características del arte de Carpeaux. Su naturaleza apasionada era todo lo contrario de la calma neoclásica. Fue tan sólo en 1874, un año antes de la muerte de Carpeaux, que la fuente fue colocada, tras haberla fundido en bronce. El entrecruzado de las piernas desagradó mucho al público de la época.

Aquí damos por finalizado la corta visita a París, estamos un poco desmoralizados de ver la ciudad de París tan sola, parece como si hubiese sido abandonada en cualquiera de las películas de Mad Max.

Vamos directamente a la estación de Solferino donde cogemos el metro de regreso hasta la estación de Vicennes, donde en el entorno del castillo tenemos aparcada la autocaravana. Comemos rápidamente para no demorar mucho la salida y a las 15,00 horas salimos de París con destino a Burdeos, perdemos otros veinte minutos en la retención de la salida por las obras en la circunvalación, pero enseguida cogemos la autopista de peaje.

Antes de llegar a Burdeos nos vemos obligados a repostar en el peaje para no perder más tiempo echamos 20 euros para que nos permita llegar hasta nuestro destino.

Llegamos hasta el Centro Comercial de Le Lac en Burdeos (Francia) pero esta vez vamos a pernoctar en la zona del Leroy Merlin que me parece que ahora es más tranquila, además mañana es domingo y no abren el centro comercial. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 44.88319 // W 0.56439.

La verdad es que la noche en esta zona del centro comercial ha sido más tranquila, incluso se puede decir que algo más de lo habitual, quizás viene influido porque hoy domingo no abren y no hay afluencia de gente, los servicios de limpieza no han acudido y los primeros carros de los clientes no se han puesto en funcionamiento.

Antes de salir repostamos nuevamente en el mismo centro comercial gasolinera Auchan, el precio actual es de 1,044 € litro. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 44.88309 // W 0.565340.

Estamos ante el último tramo de las vacaciones, es uno de los más largos y más penoso porque supone la vuelta a casa y finalizar ese espíritu de aventura que nos renueva cuando salimos al extranjero.

Los primeros kilómetros los pasamos envueltos en un enorme atasco porque se juntan los franceses que quieren veranear en el sur de Burdeos y los europeos que quieren entrar en España.

Llegamos a Madrid bien entrada la tarde, mirando el cuenta kilómetros veo que hemos hecho un total de 7.150 Km.; el consumo medio ha sido de 10,7 litros; el tiempo de viaje conduciendo 123 horas 12 minutos. Todas estas cifras las doy por bien aprovechadas.

Ha sido nuestro segundo viaje por el Reino Unido y no hemos tenido ningún problema, he de decir que nuevamente hemos visitado el país sin acudir a ningún camping, esto no lo digo como una proeza autocaravanista, sino todo lo contrario más como una necesidad de sacar partido en las visitas hasta el último minuto del día. Es verdad que nada más que abandonas el territorio de Inglaterra y te adentras en Escocia las cosas se relajan un poco, aunque en algunos puntos se ven algunas limitaciones pero para las autocaravanas todo es mucho más fácil. Solamente encontramos problemas en el parking de Glasgow pero la verdad que lo solventamos de la mejor forma posible.

Es verdad que la vida en Inglaterra es muy estructurada y muy definida por la normas pero cumpliéndola no hay ningún problema para viajar en autocaravana, ya expuse en el viaje del año anterior que en todas las ciudades hay un lugar donde está permitido estacionar las autocaravanas y algún lugar de estos, donde la pernocta esta tolerada.

Mayoritariamente hemos viajado por Escocia donde hemos tenido oportunidad de dormir junto a los lagos o enhiestos sobre peñascales, muchas veces era acompañada de la zozobra del mar y otras con renquear del viento. Hemos viajo por una sucesión de prados, páramos y montes pelados. Nuestra imaginación ha volado al borde de la playa y se ha encendido con la compañía de los muertos en las praderas de los cementerios. Hemos saltado entre un mazo de lagos, marismas, radas, desembocaduras de ríos y muertes súbitas de arroyos sin nombre.

Escocia es todavía una tierra con unas señas de identidad que sin ser del todo inhóspita es salvaje, sin ser árida es agreste, y sin ser totalmente tacaña no se muestra exhibicionista en sus adornos naturales. En las islas están subyugadas por las campiñas con una vegetación baja en la que hay más musgo que hierba y más liques que roca viva. En el paisaje, los lagos son de aguas negras, en las playas de cantos rodados en las orillas invadidas de algas rojas, embarcaderos donde faenan los pescadores con sus protecciones de color vivo. Las costas son radiantes y frías pero la luz es espléndida, los días que te acompaña el sol. El mar choca contra las peñas creando una espuma gris que es trabada por el océano. Los animales viven en libertad, las gaviotas hacen sus ceremonias en la que suben y bajan, van y vienen, vuelan y se precipitan contra el mar. Los alcatraces gritan al unísono como una orquesta, mientras los frailecillos exhiben su vistoso plumaje de gala. Las flores salvajes se encienden de aroma cuando mayor es la espesura de la bruma del día hasta que cubre las lápidas de los hombres anónimos escoceses, el suelo se nutre de pétalos de lilas creando una alfombra mágica que guarda la esencia asombrosa de la Escocia que todos añoramos y que está encerrada en la bruma.

Había un tema que en principio nos preocupaba y era cual era la reacción del país ante la sombra del Brexit, en principio no hemos encontrado nada especial, no hemos tenido ningún problema en las fronteras, no hemos visto ninguna reacción hostil de la población hacia los extranjeros, tampoco hemos visto restos de la contienda política en las calles, ni una sola pintada, ni un solo cartel a lo largo del país hemos podido fotografiar. Si tuviéramos que destacar algo, sería positivo, gracias al Brexit hemos viajado un 30% más barato que el año pasado por el cambio de la libra a euro y esto si puedo asegurar que ha sido un capítulo muy importante en el computo total del viaje aunque la drástica caída de la libra despierta el fantasma de la inflación, pero será para el próximo viaje. En principio solamente puedo decir: ¡Bienvenido el Brexit”.

Viajar al Reino Unido es un ejercicio fascinante porque es un país absolutamente inabarcable turísticamente, se necesitarían décadas para descubrir todos los rincones de su geografía e historia. Nosotros mientras tanto ya hemos arrancado un pequeño trocito del país y conservamos en nuestras mentes y en nuestra propia memoria interna y externa.

Quizás el próximo año para viajar al Reino Unido tengamos que hacerlo enseñando el pasaporte y no el DNI porque el Reino Unido ya no sea uno de los estados pertenecientes al Tratado Schengen.

Otro de los cambios seguro será en el uso del teléfono el Roaming lamentablemente esto ya no será posible en el Reino Unido, una vez salga de la UE porque las compañías de teléfonos no estarán obligadas a ofertarnos las mismas tarifas.

Solamente nos quedan 365 días para descubrir si tenemos oportunidad de repetir en otra zona del país o bien elegimos otra parte de Europa para desencadenar nuestras pasiones, dicen que algunas personas tienen un gen propio para viajar, aunque lo más lógico es pensar que nacieron para viajar, estos últimos estamos más atentos a la fecha de validez de nuestro pasaporte que al saldo de la cuenta corriente.