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Día 23 de agosto (sábado)
Ruta: Nido de Las Águilas (Alemania)-Salzburgo (Austria) Km. 24; tiempo estimado 0h38'

La noche en el parking es perfecta no se escucha un ruido, a primera hora nos despierta los primeros coches que llegan al parking para hacer la excursión esto nos recuerda que hay que poner el ticket los antes posible para evitar problemas, el precio del parking para todo el día es de 4 euros.

La visita al Nido de las Águilas esta muy bien organizada, como todo lo que piensan los alemanes, hay que dirigirse hacia la estación de autobuses y sacar el ticket de la visita que incluye el servicio de ida y vuelta en autobús, no hay posibilidad de hacerlo por libre. El billete combinado familiar cuesta 33 euros (2 adultos y 2 niños); los horarios de los autobuses empiezan a subir a las 8,30 y el último lo hace a las 16,00 horas.

Una vez sacado el ticket nos montamos en un autobús semejante al de cualquier ciudad y pronto comprendemos porque no se puede subir por libre. Los autobuses forman caravanas de tres o cuatro y salen a la vez. La carretera enseguida se estrecha tanto que solamente cabe un solo vehículo, en mitad del camino hay una zona más ancha donde los autobuses hacen una parada y esperan la bajada del grupo de autobuses que esta haciendo el recorrido en sentido contrario, es muy semejante a la imagen de muchos de los teleféricos. Las imágenes que ofrece la subida es un verdadero espectáculo, el día ha empezado un poco húmedo y hay algunas nubes en la parte baja del valle, tenemos miedo de que el clima estropee la excursión.

Una vez en el parking de la cima tienes que dirigirte a la taquilla para indicar el horario de bajada, como no sabemos que decir pedimos recomendación y nos indican que es mejor hacerlo entre las 16,00 o las 16,30 pues en ese último horario reservamos nuestro sitio en el autobús y te dan un ticket que debes exhibir al conductor antes de tomar el bus de regreso.

La vista comienza por un largo túnel excavado en la roca por un momento viene a mi memoria quizás alguna parte de la Cruz de los Caídos en el Escorial, era la sensación de haber estado con anterioridad en ese sitio, quizás no hay nexo de unión salvo que están los dos lugares en la montaña y solamente se unen por su ideología fascista.

Como decía, una doble puerta de hierro nos da acceso a la entrada al túnel, este esta excavado en la roca y revestido de piedra caliza, esta suficientemente iluminado para no sentir una sensación de ahogo, en la entrada hay un escudo con la leyenda que dice “Erbaut 1938” , construido en 1938. El trayecto bajo el túnel ya nos salpica distintas sensaciones, como diría un granadino: “Esto tiene malafollá”, es muy difícil definir que significa tener malafollá , en otros sitios de la amplia España se define como por la mala sombra o mala baba .

Según voy andando y miro hacia la entrada me doy cuenta que los claros que había a la subida están desapareciendo y el paisaje se esta cubriendo de nubes tan finas y sutiles que no auguran un buen día y me hace exclamar este sitio tiene malafollá, si miro hacia el extremo interior del túnel veo que entramos en el refugio del mayor dictador que la historia haya engendrado y me hace exclamar nuevamente es este sitio tiene malafollá. Como los dos extremos son contrarios y distantes optamos por conocer como era uno de los pocos lugares que han quedado en pie del dictador.

En el interior del túnel se abre una puerta de un ascensor que nos sube hasta la cima del refugio, el indicador de los pisos del ascensor ha desaparecido y en su lugar indica los metros de diez en diez hasta la cima para totalizar los 124 metros que nos separa desde el túnel hasta la parte más alta. El ascensor es de madera muy propio de la belle epoque, esta revestido en algunos lugares de espejos y bronces dorados, en las paredes tiene un friso blando revestido de piel que le hace ser más intrigante, imaginamos como Eva Braun coqueteaba con el dictador antes de subir hasta el refugio.

Una puerta nos conduce a un impresionante mirador, las nubes todavía tiene suficientes claros que nos permite dominar todo el valle y las montañas, hace mucho aire y el día es frío y desapacible.

Abandonamos el refugio por un camino que nos conduce a la parte más alta de la montaña, las nubes poco a poco van ascendiendo y se van haciendo dueñas del azul claro del cielo. Una enorme cruz de madera con la inscripción 2003 indica el momento de su colocación esta decorada con una enorme flor edelweiss, la verdad es que no se a qué obedece poner esa flor ya en esta época porque también era un emblema para el nazismo. El nombre Edelweiss en alemán remite a la “pureza blanca” o “nobleza blanca”, lo que puede interpretarse como un símbolo del paradigma de la supremacía aria que pregonó y propició el nacionalsocialismo.

La montaña tiene algunos bancos de madera desde donde Hitler soñaba con volver a ser el Emperador del Sacro Imperio Romano y Germánico.

Nosotros solamente podemos ver como los cuervos nos acompañan porque ya la niebla ha invadido el paisaje, poco a poco todo va desapareciendo y en breves minutos es difícil permanecer en aquel lugar sin sufrir un percance.

El interior del refugio se ha convertido en un restaurante, no es muy caro y nos permitimos imitar al dictador: El salón conserva la enorme chimenea que en aquella época daba calor al refugio, esta construida en mármol rojo y fue un regalo del otro dictador italiano Mussolini, en su interior se puede ver que esta revestida con unas planchas de hierro decoradas con unos relieves, en el centro se repite la fecha fatídica de su construcción 1938, sobre ella todavía esta un cuadro con el paisaje alpino del Tirol.

Son cerca de la una de la mañana, es algo pronto para nosotros, pero cogemos la mesa central gracias a que somos los primeros en llegar, pedimos las socorridas salchichas tirolesas con patas y puré de patata. Enseguida se hace la hora de comer para los alemanes y el lugar se llena, desgraciadamente nuestra ventana nos muestra un paisaje en blanco o fuera de cobertura porque la niebla no deja ver ni tan siquiera los árboles y menos el parque natural de Bechtesgaden.

La sobremesa la hacemos larga, tenemos tiempo de tomar cafés e infusiones para hacer tiempo y que coincida con nuestro horario de salida.

Bajamos en el mismo ascensor de subida, hay poco público porque imagino que mucha gente al ver el día tan malo han dado media vuelta. Es media hora antes de nuestro horario marcado y pedimos al conductor que nos permita bajar, accede sin problemas porque el ambiente esta muy calmado.

La bajada la hacemos de la misma forma formando una caravana de bus, nos sentamos a al lado del conductor y apretamos las nalgas al asiento para afianzarnos en la bajada y en las pronunciadas curvas, en pocos minutos estamos de regreso al parking.

Para entender la visita al nido de las águilas hay que conocer un poco la historia porque si no te llevarás un poco distorsionado el haber llegado hasta aquí y no conocer que fue lo que paso en estas montañas durante la Segunda Guerra Mundial, que tuvo consecuencias tan dramáticas para el mundo como fue la muerte de más de 60 millones de personas, muchas de las decisiones que tomo Hitler fue en la zona.

Después de la visita al Nido de las Águilas o Kehlsteinhaus te puedes llevar la impresión que allí fue donde Hitler pudo pasar largos periodos, pues no, en realidad hasta esta cima no subió más que un par de veces, según se ha documentado, porque Hitler sentía malestar y miedo, pero si lo hizo en unos metros más abajo donde tenia su casa pero fue bombardeada y se ha hecho desaparecer de la historia.

Entonces tenemos que entender la historia como una zona mucho más amplia, el nido de las Águilas era tan solo una anécdota y en la vida de Hitler una verdadera inisificancia por eso se ha mantenido en pie.

Ya hemos citado que estamos en el municipio de Berchtesgaden (Alemania) y dentro de la zona se levanta un conjunto de montañas que se las llamo Obersalzberg. Hitler viajo a la zona en 1923 para visitar a Dietrich Eckart –era un político Alemán y uno de los impulsores ideológicos del Partido Nacional sindicalista–, tuvo la oportunidad de contemplar el pico Untersberg, según la leyenda, allí duerme el espíritu de Carlomagno que despierta una vez cada cien años y al ver como sobrevuelan los cuervos la montaña se vuelve a dormir otros cien años a la espera de su resurrección.

Seguramente todas estas historias tan grandes elocuentes tuvieron mella en la imaginación de Hitler para soñar con el imperio, el emperador, Carlomagno, ideales, vida eterna, etc. y decidió que ese lugar representaba la felicidad.

Cuando llegó al poder Hitler ya tenia idealizada la zona de Obersalzberg y mando construir tres residencias:

1. Berghof (Haus Wachenfeld), que se encuentra en la ruta hacia la cima de la montaña Kehlstein.

2. Kehlsteinhaus (El Nido del Águila), una casa de té construida a 1835 metros de altura, en la cima de la montaña Kehlstein.

3. Mooslahnerkopf, otra casa de té situada a un kilómetro de Berghof

La elección de estos espacios no fue casual, en primer lugar, se aseguraba un territorio propio de libertad con respecto a su vida cotidiana, dentro de un lugar que se podía considerar casi virgen. En aquellos años la zona era dedicada a los pastos y en menor medida a la labranza, había también pequeñas pensiones y algún sanatorio como balneario climatológico.

Berghof significa casa de montaña se le puso el nombre de Wachenfeld, esta casa ya existía antes de la llegada de Hitler, fue construida en Hans Wachenfeld, en sus visitas a la zona Hitler alquilo la casa en 1928, unos años después en 1933 la compro y con todo lo que había en su interior, sus detalles rústicos típicos alemanes, dicen que tenia canarios y cactus y hasta cinco orinales, pero todo aquello no era suficiente y la casa fue renovada, se encarga el proyecto al arquitecto Alois Degano siguiendo las propias indicaciones de Hitler que tenia como meta desde cualquier punto ver las montañas de Obersalzberg, palabra que significa “Sangre y suelo”. Es de todo conocido que Hitler no era un gran ostentoso, más bien todo lo contrario, vivía siempre bajo un signo de rigurosidad que rallaba la tacañería. Era un sentimiento intimo que la ostentación le llegaba a atemorizarle y llego a manifestar: “tengo miedo que mi grandeza fuera excesiva con el paisaje”.

La llegada de Hitler al lugar supuso un cambio notable en la zona, en lugar de balneario se convierte en una ciudad satélite principalmente para acomodar a la seguridad del Jefe del Estado y además acomodar a toda su corte.

Todos estos cambios se hacen de la mano de Martín Bormann, fue nombrado secretario personal de Hitler, hizo despoblar a los campesinos de la región alrededor de la casona de Wachenfeld, expropiando todos los terrenos y vallando toda la zona en anillos de seguridad. Bormann por orden de Hitler asignó algunos terrenos para la construcción de casonas alpinas de lujo alrededor del Berghof para albergar a su corte, entre estos pocos favorecidos estaban Albert Speer, Hermann Wilhelm Göring, Hans Heinrich Lammers y Himmler.

Borgman compro en nombre de Hitler 10 kilómetros cuadrados, aunque solamente Hitler era propietario de Berghof y los terrenos colindantes, el resto del suelo fueron propiedad de Partido Nacionalista Alemán.

Los métodos utilizados por Bormann para adquirir estros terrenos fueron distintos, primeramente se hace una gran presión mediática sobre la población con la idea de estar haciendo un bien social para el conjunto de los trabajadores del país, en los casos que no había respuesta la solución se particularizaba. Una de las propietarias la señora Bechstein dejo su casa que la tenía como hostal y pidió una casa en el lago Starnberger, Bormann la ofreció una casa judía que había quedado libre y resultaba más barata. El propietario de Scharitzkehlalm, Simón Hölzl se opuso a dejar su casa y la respuesta a su carta fue el internamiento en el campo de concentración de Dachau.

En 1937 la totalidad de los habitantes de Obersalzberg habían sido evacuados pero esto no significo que en la zona desapareciera la vida humana, todo lo contrario se construyo la “ciudad estatal”, se edifican multitud de casas para albergar la corte del partido, los cuarteles de la SS , una granja para alimentar de vegetales a Hitler, los asentamientos para los funcionarios y las zonas de diversión. Se calcula que durante muchos años hubo más de 3000 personas trabajando en la construcción de todo ese entramado.

Obersalzberg se convierte en una zona de peregrinaje para una gran parte del pueblo que acude allí para estar cerca de su ídolo. Los peregrinos se convierten en histéricos con llegadas masivas en grandes trenes para ver la zona de culto de Hitler, fue tal la devoción de aquellas gentes que las piedras por donde pasaba Hitler eran tomadas como un recuerdo.

La historia del antisemitismo con los judíos se puede originar en esta parte del país, era una zona de judíos y de propiedades judías, ellos venían de vacaciones a los Hoteles y hostales. Un artículo aparecido en la prensa local denuncio que en el lago Königssee había una diminuta playa propiedad de unos judíos y si el Führer quería bañarse debía de pagar al judío. Se abrió una playa cerca donde solamente podían bañarse alemanes de pura cepa.

La primera consecuencia fue que en 1935 mediante un decreto se prohíbe el baño a los judíos en las playas públicas, esta fue la primera medida discriminatoria para los judíos en Alemania.

Desde la parte baja de la montaña una de las miradas diarias de Hitler era hacia la cima, esto no era ajeno a su secretario Bormann que quiso ofrecer algo distinto a su señor y pensó en hacer una casa en la parte más alta de la montaña justo hacia donde Hitler dirigía sus miradas.

En 1936 Bormann por su cuenta y riesgo comenzó la construcción de una carretera para poder subir hasta el pico llamado Kehlstein situado a 1834 metros y que forma parte de la montaña Hoher Göll que alcanza una altitud de 2522 metros .

Cuando se inician los trabajos se produce un cambio más ambicioso y es la construcción de una casa en aquella montaña como idea cumbre de la megalomanía del secretario del Fürer y que seria el regalo del Partido de los Trabajadores Alemanes a Hitler por su 50 cumpleaños.

Bormann pensaba que para los alemanes no había nada imposible, se designo a un aparejador Hans Haupper para dirigir el proyecto y así comenzaron las obras, fueron seleccionadas dos empresas de construcción para disponer de la maquinaria necesaria: Polensky y Zöllner, –empresa que ha funcionado hasta su quiebra en 1987– y Sager & Woerner –empresa que ha funcionado hasta 1980 en que fue fusionada– y de toda su tecnología. Para realizar el proyecto se talaron árboles, se voló la montaña, se excavaron túneles, se construyó el funicular y se preparo el terreno para la construcción de la carretera.

La carretera estaba terminada en total han sido construidos los 6,5 Km . pero faltan 124 metros de altura para llegar al pico y esto era técnicamente insalvable por medio de una carretera, se propone hacer un gran túnel en horizontal y excavar como si se tratase de una mina y poner un ascensor para llegar a la cima.

En 1938 la casa estaba terminada, se sabe oficialmente que Hitler estuvo 2 veces aunque de forma no oficial no superaría la decena de veces las que subió hasta allí, pero si lo hacia Eva Braun que la gustaba tomar el sol, y de vez encunado celebraba un banquete. Allí se celebró la fiesta para anunciar el enlace de su hermana Grete Braun con el oficial del ejercito Hans Georg Otto Hermann Fegelein, a dicho enlace asistió el propio Bormann y Himmler.

La vida que Hitler hacia en la zona estaba centrada en la casa de Berghof, en 1936 llegó Eva Braun para sustituir a la hermanastra de Hitler Angela Raubal como la señora de la casa.

Eva Braun era joven y guapa, se dedico como modelo y fotógrafa a hacer la vida más fácil a Hitler que siempre la ocultaba en las visitas oficiales. La corte del dictador estaba formada por no menos de 2000 personas que se ponían en funcionamiento durante sus traslados.

La vida en la casa de la montaña estaba protagonizada por Hitler que aparecía a las 11 de la mañana, después de la comida hacia el recorrido hasta la casa de té. Un kilómetro acompañado de sus pastores alemanes. Durante el café o el té Hitler soltaba su discurso sobre cuestiones personales, se echaba la siesta y se levantaba a las 18,00 horas, todos volvían en coche hasta Berghof.

Por la noche cenaban y pasaban a una sala donde se proyectaba una película o bien se escuchaba alguna opereta de Wagner, nadie se movía del lugar hasta que Hitler bostezaba y decidía irse a la cama.

En 1943 los aliados empezaron a bombardear Alemania y la zona de Obersalzberg se encontraba en peligro, se empezaron la construcción de numerosos bunker como refugios de protección antiaérea.

Los últimos momentos en la vida de Hitler se pensó en trasladarse desde Berlín hasta la zona montañosa de Berchtesgaden pero al final decidió quedarse en la capital y la explicación que dio es que prefería morir luchando que un suicidio como un cobarde en las montañas. Sus palabras fueron elocuentes “Yo soy el Führer, el que dirige, y lo seguiré siendo mientras pueda seguir dirigiendo. Y no puedo dirigir si me coloco en una montaña. Yo no he venido al mundo para proteger mi Berghof…”

El día 25 de abril de 1945 dos oleadas de ataques de aviones de los aliados sobre Berghof dispararon 1232 toneladas de bombas y la montaña paso a convertirse en la montaña de los escombros, solamente quedo intacto Kehlsteinhaus porque sabían que allí nunca subía Hitler.

El día 4 de mayo de 1945 los aliados toman Obersalzberg y se produce la derrota de Alemania y la toma de todos los vestigios de la vida de Hitler.

En 1962 se hicieron estallar las ruinas de la casa de Hitler Berghof, hasta 1995 el hotel Platterhof fue utilizado por las tropas americanas como lugar de recreo, finalmente en el año 2000 fue totalmente derruido.

Aquí termina nuestra visita inesperada a esta parte tan cercana a la frontera con Austria y que no podíamos dejar de ver porque es una verdadera maravilla del hombre y una excursión a la historia del siglo XX.

El siguiente destino es Salzburgo, estamos muy cerca nos separa escasamente 24 Km ., antes de salir de Alemania vemos un Hiper Hofer donde anuncian el gasóleo a 1,28€ litro, paramos para llenar y hacer alguna compra en el hipermercado. Indico las coordenadas GPS porque es un buen lugar para comprar combustible barato, hacer la compra y si nos sorprende la noche poder pernoctar vigilados N47.73869//E13.05033 y gratuitamente.

Marchamos hacia Salzburgo tenemos algunas referencias de las pernoctas de anteriores compañeros en la ciudad pero nos parece mucho más acertado ir hasta el parking P+R+Bus como hemos hecho en Innsbruck.

El parking esta situado en el propio aeropuerto que ahora le han puesto el nombre rimbombante de Joannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus “Mozart-Flugplan”, ya veremos más adelante porque le ponen el nombre de Mozart, estos austriacos no dan puntada sin hilo. Les ha pasado algo semejante a nuestro Barajas que ha pasado a llamarse Adolfo Suárez-Barajas.

Como decía, el parking para autocaravanas en Salzburgo (Austria) se encuentra situado en el aeropuerto de Salzburgo denominado como P-3 y lleva el indicativo de P+R+Bus. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N47.78787//E12.99929.

El aparcamiento tiene un precio de 14 euros y lleva añadido un uso ilimitado en los transporte públicos por Salzburgo para 5 personas. El parking se encuentra situado a 4 Km . del casco antiguo y se tarde unos 15 minutos en llegar al centro. No dispone de ningún tipo de servicios para autocaravanas aunque tiene el aeropuerto muy cerca para poder utilizar el W.C. Es importante no confundirse de parking porque hay varios y los precios y los servicios son muy diferentes.

He de manifestar que para poder convertir el ticket de entrada en el parking en el uso de P+R+Bus hay que ir andando hasta una oficina situada en el aeropuerto, previo pago de los 14 euros te entregan una tarjeta que valida el proceso y para viajar en autobús 5 personas.

El parking es descubierto y tiene una capacidad para 400 vehículos. El billete combinado solamente se puede utilizar durante los meses de julio a septiembre. El transporte desde el parking se puede coger el autobús número 2 que enlaza con la estación de tren Mirabellplatz o si vas al centro de Salzburgo pues coger la línea nº 10 o también la 27.

Además, voy a indicar otras alternativas de parking P+R+ bus, todas están situadas en los extrarradios con fácil transporte publico hasta el centro de Salzburgo.

El siguiente es el Parking P+R+Bus, Messe Centro de Exhibiciones, tiene una capacidad para 3.300 vehículos descubiertos, el precio de 24 horas es de 15€, los billetes combinados de parking y autobús solamente se pueden utilizar en los meses de mayo a octubre y además también en el mes de diciembre, el precio durante este periodo es de 14€, en el precio incluye bus para 5 personas. El transporte al centro son los autobuses de las líneas 1 y 8. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N47.825091 // E 13.0259227 .

Otro de los parkings P+R+bus se llama Salzburgo Sur, Alpenstrasse, tiene una capacidad para 330 vehículos descubierto. El precio durante todo el año es de 24 horas 5€. El billete combinado con bus durante todo el año es de 14,00€, valido para 5 personas. El transporte al centro con los autobuses de las líneas 3, 7 y 8. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 47.768888// E 13.071111 .

Cogemos el tranvía numero 10 que nos traslada hasta el casco antiguo nos llama la atención que durante el trayecto hay que atravesar una montaña a la entrada a Salzburgo, el trole se encoge y se pone en marcha el motor y funciona como un autobús, y esto lo hace en escasos segundos.

La ciudad de Salzburgo tiene unos 140.000 habitantes es muy similar en población a las ciudades españolas de Badajoz, Huelva o Lérida, por su tamaño es muy fácil la visita. Es conocida con el apelativo de “Roma de los Alpes”, situada sobre un valle que es atravesado por el río Saalach, muy cerca de la frontera de Baviera (Alemania). Esta rodeado por dos montañas el Kaùzinerberg en la orilla oriental del río, el Mönchsber sobre el que se alza la fortaleza Hohensalzburg.

La primera visita que hacemos es a la vivienda de Mozart, allí mismo puedes sacar un billete conjunto que te permite además visitar la Residencia de Mozart que se encuentra un poco más alejada.

El nombre de la ciudad de Salzburgo es el equivalente a Mozart, cuando antes me he referido al cambio de nombre del aeropuerto de Salzburgo viene dado porque se ha registrado como marca todo lo referido al gran compositor, su firma, su cara, su peluca es una gran marca comercial que se encuentra entre las 50 mayores marcas del mundo, se estima que el precio de la imagen de marca de Mozart es de unos 5.000 millones de euros .

El día 26 de enero del 2006 se cumplía el 250 cumpleaños de la muerte del genial compositor, se aprovecho la fecha para celebrar el año de Mozart y todos los actos de las celebraciones se han registrado para convertirse en un fenómeno de la mercadotecnia, la mayoría de los souvenirs que se venden en Salzburgo giran con el nombre de Mozart, bombones, cervezas, yogures, salchichas, albóndigas, hoteles, ahora aeropuerto, llevan la etiqueta MOZART.

Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart es el nombre con que quedó inscrito en su partida de nacimiento luego él decidió cambiárselo por Wolfgang Amadeus Mozart ,

La casa natal de Mozart se encuentra en la calle Getreidegasse de la ciudad de Salzburgo. Se trata de una casa que actualmente cuenta con una gran cantidad de objetos de la época e instrumentos que pertenecieron a Mozart durante su niñez.

Fue su padre, Leopold Mozart, el primero en admirar las cualidades de su hijo, componía y daba clases de música. El año del nacimiento de Wolfgang publicó un exitoso tratado para la interpretación del violín titulado Versuch einer gründlichen Violinschule. Después del nacimiento de Wolfgang abandonó todo, salvo las tareas propias de su cargo, para dedicarse de manera exclusiva a la formación de su hijo. Fue exigente como padre y como profesor y en todo momento estuvo al tanto de la formación de Wolfgang, para guiarlo como hombre y como artista. Nunca acudió a ningún colegio, ya que su padre se ocupó de ofrecerle a él y a su hermana Nannerl (sólo dos de los siete hijos del matrimonio sobrevivieron a la infancia) una esmerada educación propia, impartida en su propia casa.

Nannerl y Wolfgang Amadeus mostraron desde muy pequeños facultades para la música. Nannerl comenzó a recibir clases de teclado con su padre cuando tenía siete años y su hermano, cuatro años y medio menor que ella, la miraba evidentemente fascinado, con sólo seis años Mozart ya había comenzado a realizar sus primeras composiciones musicales.

Cuando Wolfgang Amadeus tenía cuatro años tocaba el clavicordio y componía pequeñas obras de considerable dificultad; a los seis, tocaba con destreza el clavecín y el violín. Podía leer música a primera vista, tenía una memoria prodigiosa y una inagotable capacidad para improvisar frases musicales.

En enero de 1781, se estrenó en Munich la ópera Idomeneo, re di Creta (KV 366) de Mozart con un gran éxito y en marzo, el compositor fue llamado a la capital, donde su mentor el arzobispo Hieronymus von Colloredo acudió a las celebraciones del acceso al trono austriaco de José II de Habsburgo como emperador.

En 1782, el año en que contrajo matrimonio con Constance Weber, para celebrar la unión y para calmar a su padre, Mozart compuso la inconclusa Gran misa en do menor , consiguió su primer gran triunfo y aclamación, en la ópera en Viena, con el Rapto del Serallo . Después vendrían otras de sus obras más conocidas, como Las bodas de Fígaro y Don Giovanni .

El estreno de “La Flauta Mágica ” tuvo lugar el 30 de septiembre de 1791 bajo la dirección musical del propio Amadeus, donde se puede apreciar la influencia de Händel y Bach. Esta ópera, concebida a la manera de un cuento de hadas, fue uno de sus mayores éxitos.

El último año de vida de Mozart, 1791, fue, hasta su enfermedad final, un tiempo de una gran productividad y, en cierto sentido, un tiempo de recuperación personal. Realizó numerosas composiciones, incluyendo algunos de sus trabajos más admirados.

Estamos en la calle Getreidegasse nº 9 donde se encuentra una parte de lo que constituye el Museo Mozart. Se trata de la casa natal del compositor o la Mozarts Geburtshaus. El otro edificio del museo es la residencia del compositor que aquí se llama Mozart-Wohnhaus.

La visita a ambos monumentos se puede hacer dividido o bien sacar un ticket combinado, el precio para los dos edificios con la tarifa familiar es de 36 euros. Los horarios son de 9,00 a 17,30 horas, excepto de julio y agosto que el cierre se prolonga hasta las 20,00 horas.

La casa es de una persona acomodada originaria del siglo XVII en la que nació Mozart el día 27 de enero de 1756, era el lugar donde compuso la mayor parte de sus obras de la juventud.

Se comienza la visita desde la planta más alta, en esta parte es donde se encontraba la vivienda de la familia Mozart, en tres de sus salas se exponen cartas originales y autógrafas de su padre Leopold y de su hijo Wolfgang, además en las paredes cuelgan pinturas al óleo del músico y de sus familiares, algunos objetos de valor y otros que fueron utilizados por el gran compositor y varios instrumentos musicales: clavicordio, piano de cola, violín y viola.

La segunda planta se exponen todo lo relacionado con de obras de ópera de Mozart con maquetas y bocetos. Se pueden ver algunos modelos históricos y contemporáneos de la etapa de diseño, escenografías y vestuario, además se escuchan fragmentos de sus óperas famosas.

Entre los más valiosos objetos expuestos en esta planta son el retrato más famoso, sin terminar de Mozart, Joseph Lange, y clavicordio de Mozart en la que, y objetos relacionados con la opera la “ flauta mágica”.

La primera planta esta dedicada a mostrar como era la vida cotidiana dentro de aquel hogar. Se pueden ver números accesorios de viaje desde el siglo XVIII, los objetos cotidianos, documentos originales y pinturas hablan de acontecimientos de la familia Mozart en Salzburgo. La habitación está decorada con muebles originales de la época que nos hace imaginar como era la vida de Mozart en ese tiempo.

Desde aquí tenemos que ir andando hasta la Residencia de Mozart, se encuentra situada en la otra orilla del río Salzach, tenemos que atravesarlo por el puente Staatsbrücke. Llegamos a la plaza Marktplatz, en el número 8 se encuentra la Mozarts Wohnhaus , que completa la visita conjunta a los edificios en que vivió el celebre compositor en Salzburgo.

La casa fue habitada por la familia Mozart entre 1773 y 1787; fue bastante dañada durante la Segunda Guerra Mundial y posteriormente rehabilitada. Aquí se traslado la familia en una lujosa casa de 8 habitaciones.

Anteriormente, la casa fue adquirida 03 de agosto 1711 por Lorenz Speckner porque le habían concedido el permiso para impartir clases de baile a nobles. El maestro de la danza era una profesión respetada en ese momento. También además de danza y baile los nobles jóvenes se preparaban para la vida en la corte aprendiendo una la estricta etiqueta.

La espaciosa residencia era lo suficientemente grande para encuentros con amigos y músicos. Además, el actor y director de teatro Emanuel Schikaneder. Wolfgang Amadeus Mozart escribió en esta casa, entre otras sinfonías, divertimentos, serenatas, conciertos para piano y violín, misas y otras obras sacras. Compuso aquí el “Re pastore” K. 208, comenzó “ La Finta Giardiniera ” KV 196 e “Idomeneo” K. 366a

En su interior se puede contemplar la gran sala Tanzmeistersaal, ya en la época de Mozart esta habitación era un lugar central de la vida social en Salzburgo, además esta decorada con los instrumentos de Mozart y en especial el violín que utilizo durante sus actuaciones en Viena y cuadros que representa la familia de Mozart.

Desde aquí caminamos por el centro de la ciudad hasta bien entrada la noche en que regresamos en el tranvía 10 hasta el parking del aeropuerto.

Pensábamos que al estar tan cerca de las pistas de aterrizaje no íbamos a pegar ni ojo, durante la primera parte de la noche se notaba el movimiento pero siempre imaginas que es uno de los aeropuerto que cierran a una determinada hora, ¡así fue!, y la paz se apodero del lugar.

Día 24 de agosto (domingo)

Ruta: Salzburgo-Warfen Km 45; tiempo estimado 0,48'

El primer destino del día es visitar el palacio de Hellbrunn, se encuentra situado a las afueras de Salzburgo. Para poder visitarlo nos situamos en la calle Rudolfskai, enfrente del puente Mozartsteg, hay una parada de autobús donde confluyen varias líneas, cogemos el bus nº 25, en 15 minutos estamos en la parada Shloss Hellbronn Wasserspiele.

El palacio de Hellbrunn tiene un horario en verano de 9 a 18 horas, el precio para los adultos es de 10,5€ y los niños has 18 años de 5€. Incluye todo el recinto del palacio y sus jardines y fuentes.

La visita se realiza por libre al palacio principal y te dejan un margen de tiempo para poder ver las fuentes en visita guiada donde puedes elegir el idioma: en ingles o alemán. Este recorrido hay que hacerlo en riguroso orden aunque el idioma da un poco igual porque el funcionamiento de las fuentes vas viéndolo sobre la marcha. Después de la visita guiada puedes recorrer el resto del jardín central y subir hasta el pequeño palacete.

Nosotros acudimos a primera hora de la mañana y estábamos comiendo en el centro de Salzburgo a las 14,00 horas, sin detenernos mucho en recrearnos en el gran jardín central.

El palacio de Hellbrunn es una de las visitas más especiales que puedes hacer a Salzburgo, sobre todo en días soleados del verano y teniendo en cuenta que en la visita guiada por las diferentes fuentes del palacio hay un contacto con el agua, lo que requiere que haya buena temperatura para disfrutarlo en toda su intensidad.

Hellbrunn es difícil de entender antes los ojos de un español porque su construcción obedece a los delirios de grandeza del Príncipe-arzobispo Markus Sittikus von Hohenems en 1612. Es difícil entender que un arzobispo pudiera tener ciertos bienes económicos, más difícil entender que esos bienes le llevaran construir y disfrutar de Palacios que ni siquiera los reyes de la época pudieran atesorar pero menos entendible es poder pensar que uno de esos palacio era para el disfrute de la estación veraniega, y ya llevando las cosas al limite es el pensar que ese palacio pudiera disponer de un entramado de fuentes tan banales que servían para las bromas y el regocijo de su propietario ante sus visitantes.

El palacio y la concepción se realiza en un estilo de una arquitectura manierista, es un movimiento que se origina en Europa al final del renacimiento y termina a comienzos del barroco, es una mezcla de humanismo y clasicismo, teniendo unas bases que buscan describir uno de los cuatro requisitos de las artes: orden, medida, diseño y maniera , este último termino corresponde con la manera de entender y comprender a los grandes maestros del arte.

Las fechas de construcción del palacio 1612-1619 corresponden con el pleno auge del manierismo en la sociedad austriaca y con la forma de interpretar el arte.

El arzobispo Markus Sittikus elige Hellbrunn porque era una zona llena de robles, era un lugar un poco alejado de la corte del príncipe, donde podía evadirse de la monotonía cotidiana.

El atractivo que diferencia este palacio son sus fuentes y sus juegos del agua que colmaban las posibilidades de ocio de los arzobispos, para sus visitantes, ahora y antes, ofrecía sensaciones encontradas para unos era un lugar de esparcimiento y de buen gusto, y para otros era un lugar donde se hacían fiestas, se bebía cerveza, se hacían grandes comilonas, todo ello no muy propio de los miembros de la iglesia.

La gente de la corte acudía a Hellbrunn para divertirse acompañados de sus mujeres y las daban una lección, las internaban en las grutas abrían los chorros del agua y ellas empapadas huían pavorosas ante las risas de todos los hombres. Esto trascendió fuera de Salzburgo y se consideraba que la visita a Hellbrunn era una importante atracción turística y más exclusiva y divertida a cualquier palacio.

Durante el siglo XVII y la llegada de la ilustración el palacio corrió un enorme peligro de destrucción porque este tipo de manifestaciones eran consideradas como superfluas, las estatuas del jardín eran observadas como burdas, como unas piedras esculpidas sin espíritu ni buen gusto. Pero a la vez este periodo tenía un gran interés por la conservación museística e histórica, lo que dio al traste con la posibilidad de derribarlo.

Se dice que Hellnrunn era considerado en la antigüedad como un lugar sagrado porque de sus manantiales moraban los demonios acuáticos. La leyenda dice que en el lugar un cazador contemplaba una hermosa mujer bañándose desnuda, esté fue transformado y atacado por sus propio perros.

La denominación Hel-Brunn, viene de la diosa Hel que reside en una morada de ruinas Brunn. También puede corresponder con la palabra manantial Hel, o agua clara y limpia que obedece al termino Brunn.

El terreno donde se levanta el actual palacio con anterioridad a Markus ya era propiedad del arzobispado, era un lugar destinado a las cacerías de los príncipes-arzobispos y tenia una pequeña casa que servia de refugio para el guardabosque.

El estilo manierista consideraba la naturaleza como un tesoro lleno de sorpresas, signos y mensajes. Era como ver el espejo y el libro, mientras que el arte se encargaba de suministrar la objetividad para llevar a alcanzar el mito.

Gracias a esto un bosque sagrado lleno de historia con manantiales, árboles, praderas y tierras de cultivo se transformó en un mundo legible, ingenioso, para describir un cosmos lleno de sensaciones.

De la mano del Príncipe-arzobispo Markus Sittikus von Hohenems corresponde la sensibilidad de llevar a cabo esta transformación. Se dice que Markus era un Médici, se había educado en Italia donde había adquirido una formación notable, pero no se ha podido acreditar de donde proceden estas aficiones.

Aunque es conocido que Markus Sittikus no llevaba en su blasón ninguna referencia a los Médici como su pariente antecesor Wolf Dietrich, sino la cabra montes de los Hohenems. Aunque su abuela materna fue Marguerita Medici, su abuelo materno fue Gilberto Borromeo (cardenal arzobispo de Milán) que estuvo casado con Margherita de Medici, aunque su madre fue su hija Hortensia que la tuvo con su segunda esposa Taddea Dal Verme. Entonces la vinculación con los Médici le viene de sus hermanastros de la primera esposa de su abuelo.

Markus Sittikus von Hohenems nace en 1574, para su madre era un niño dulce en comparación con su hermano mayor Kaspar, perdió a su madre con solo cuatro años de edad y se hizo cargo de su educación el capellán mayor Bartolomeo Bedra. A los ocho años es enviado a Milán con su hermano para que ingresaren en el Colegio de los Nobles y permanece bajo la tutela del cardenal Carlos Borromeo, que había designado a su mentor al sacerdote Girolamo Mazza. Las vivencias con su tío le inclinan a dedicarse al oficio religioso debido a que su tío fue canonizado en 1610. Más adelante es trasladado a la casa de su otro tío en Roma Marco Sittico Altemps que lo ingresa en el colegio Germánico, después de un año y medio interrumpe sus estudios para regresar apresuradamente a Austria porque había quedado vacante el puesto de canónigo de la catedral de Constanza. Siguió sus estudios en la Universidad de los Jesuitas de Ingolstadt donde aprendió humanidades. Se traslada a España en 1593 y 1594 en la corte de Madrid pero se vio obligado abandonarla por los costes económicos de su estancia. Se hizo tesorero de honor del papa Clemente VIII y entablo amistad con su secretario Pietro Aldobrandini, vivió en su casa de Fascati era conocida por los juegos de agua de su jardín, aquí seguramente radica su interés por este tipo de juegos.

En 1612 es nombrado arzobispo de Salzburgo, cargo que ocupaba su primo pero este fue encarcelado por una pugna por una mina de sal con el Príncipe electo de Baviera. Markus era considerado medio italiano tenia los beneplácitos del papa y no ofrecía ninguna oposición política.

Markus inicio las obras de la catedral de Salzburgo trayendo al arquitecto Santino Solari, un italiano famoso. La primera piedra de la catedral se coloca en 1614, su construcción se hizo muy rápida y a la muerte de Markus en 1619 las naves y los ábsides estaban muy avanzados; en su tumba puedo poner el epitafio: «Apenas llegue al tejado tuve que irme a la tumba».

En el año 1613 y solapando las obras de la catedral comienzo la edificación del Palacio de Hellbrunn y en tan solo dos años estaban las estancias acabadas, pero no es hasta 1620 en que se dan por finalizadas las obras.

Parece ser que Santino Solari ejerció de arquitecto oficial, también participo en la decoración porque era escultor. El fraile Arsenio Mascagni fue el encargado de la decoración pictórica del palacio, mientras que el fraile Gioachino fue el constructor de las fuentes, además se conoce otros dos escultores Hieronymo Preosto y Bernardo Zanini pero no se conoce las obras concretas.

Es posible que durante los viajes de Markus por Tivoli y Frascati le quedara la imagen de los juegos de agua en su retina, al menos se sabe que la mesa mármol de la Villa Lante de Bagnaia coincide con el modelo de mesa principesca que se desarrolla en el Teatro Romano de Hellbrunn.

El diseño de los jardines de Hellbrunn coincide con las circunstancia topográficas que presentaba, donde hay una fuente es porque ya brotaba un manantial, los arroyos salen a la luz donde había riachuelos. Excepto las grutas y los nichos que obedecen a las ocurrencias del arquitecto.

El palacio de Hellbrunn fue interpretado siguiendo el modelo de Villa Suburbana para acoger a los amigos para escapar de las obligaciones de la vida en la ciudad. Es un lugar para el reposo, para la meditación pero también para el esparcimiento y una lucha contra la melancolía que se extendía en aquellos momentos por toda la ciudad como una verdadera enfermedad. Para combatirla había dos formas la música y el aqua viva. Markus le gustaba la segunda opción porque decía que el agua reavivaba su alma.

El jardín y sus estatuas no se consideraron inmorales, aunque algunas estatuas fueron colocadas después de Markus, pero si alguna estatua tenia alguna duda se la colocaba sola y aislada para dar a entender que estaba puesta allí al servicio de la visión cristiana del mundo, pero además se le añadían unos grilletes para encadenar estas figuras paganas.

Las obras de las figuras de los jardines de Hellbrunn son copias de jardines romanos antiguos y sobre todo de restos arqueológicos. Una de las fuentes más destacadas es Altemps o Sternweiher presidida por la estatua de Perseo.

Perseo era hijo de Júpiter y Danae, fue engendrado gracias a una lluvia divina. Desde el punto de vista moral, Perseo representa al sabio, que se vuelve virtuoso una vez muerto el pecado. Por similitud se puede equiparar a Cristo triunfando a pesar de los príncipes de este mundo y ascendiendo hacia su padre.

El Palacio se construye alrededor de varios edificios que lo rodean constituyendo una gran plaza. Los edificios de la derecha servían de establos para las caballerizas, enfrente de las cuales si situaban los caballos de tiro, a mano izquierda estaba el pajar y los comederos, la cuadra donde se alojaban los caballos favoritos del arzobispo, las estancias del capellán mayor y de los oficiales, y un cuarto para almacenar cítricos. En el actual aparcamiento se levantaba la casa de exhibición de fieras, en la que se podía admirar hasta 1804 en jaulas de ladrillo, lobos, linces, osos, águilas, grullas y cigüeñas. La capilla del palacio fue construida en honor de su tío Carlos Borromeo, la fachada encajaba con la antigua taberna de los oficiales.

En el lado derecho del patio de honor había una serie de estancias para chambelanes y una pequeña posada.

La fachada del exterior del palacio se aprecia once ejes de ventana y dos salidizos de la torre retirados lateralmente que dividen la fachada. Una escalera de dos cañones lleva al portal de la entrada, debajo hay una gruta en la que se plasma el tema general de Hellbrunn: un sátiro, coronado con hojas de la vida y morador de los bosques sostiene dos íbices, corresponden con las bestias heráldicas del arzobispo, vierten hilos de agua sobre una pila. Una inscripción encima del portal indica el día que Markus comenzó la construcción y el momento de su terminación.

Atravesando el vestíbulo y subiendo una escalera se ven colgados una serie de cuadros como el de Un precioso Reno con el que el rey Carlos X de Suecia había obsequiado a Guidobald Thun, cardenal arzobispo de Salzburgo en el 1662, en el margen derecho tiene una cita que dice: «Este reno honra a todos, estuvo viviendo en cautividad hasta que se le dio muerte en 1668».

En otra de las paredes destaca el cuadro de un equino octópodo, tiene una herradura de oro en cada una de sus patas, esta conducido por un instructor y tiene la inscripción: «Este caballo pintado aquí estuvo en la residencia real de Salzburgo en 1673».

Otro de los lienzos reúne a 10 especies de animales habituales en la zona de Hellbrunn, todos ellos estaban dedicados a la caza; es una obra anónima de un pintor de Salzburgo y esta fechado en 1694.

En el comedor los objetos expuestos nos muestran como era la vida en el Palacio de Hellbrunn, una bonita colección de miniaturas nos muestra como era el cortejo del príncipe arzobispo a la llegada a Hellbrunn. En sus paredes un cuadro identifica el palacio y su entorno a las afueras de Salzburgo.

Otro de los lienzos nos muestra de pie el retrato de Markus Sittikus, sobre su espalda un paisaje que rodeaba Hohenems con su castillo y el nuevo palacio en la llanura. El protagonista lleva puesto el habito de arzobispo de color púrpura, sobre este un sobrepelliz blanco, con su mano izquierda sujeta el cuadro de las obras de la catedral de Salzburgo, su mano derecha tiene el dedo índice que nos indica que dirijamos la mirada a ese cuadro, el lienzo esta apoyado sobre una mesa con un mantel de damasquinados donde se representan leones, hace juego con el color del traje de Markus, esta fechado entre 1612 y 1619.

En el interior de una hornacina del salón se encuentra una estufa de cerámica, fabricada por Fiedrich Strobl, era unos de los mejores estufistas de Salzburgo, esta datada en 1608, en la decoración se representan con escenas de caza, además de un blasón de Markus Sittikus.

En la pared hay colgado un escudo heráldico de Markus Sittikus en la corona esta colocado un angelote y una cruz, sobre el escudo o blasón esta presidido por un gran macho cabrio, sobre este, uno más pequeño donde se representa un león. En la parte baja donde se sitúa el lema o divisa se repite nuevamente con la cabeza y los cuernos de un macho cabrio.

El cuarto de los pájaros, recibe el nombre porque en las paredes cuelgan lienzos de algunas aves muy curiosas. Una cacatúa blanca con una inmensa cresta en la cabeza, era una especie muy rara porque solamente podría comprarse en las pajarerías principescas del siglo XVII y que como dice el rotulo del cuadro, estuvo ocho años en cautividad: «Esta cacatúa, traída de Salzburgo en el año 1661 murió en 1669».

Además, en la misma sala podemos encontrar varios cuadros: un enorme pelicano, un buitre leonado, una garza y un cisne, etc, en todos casos se trata de lienzos pintados durante el siglo XVII.

La siguiente sala era conocida como “Cuarto de los Peces” en las paredes hay una pequeña exposición de pinturas que nos muestran peces muy peculiares. El príncipe arzobispo había pedido a los pescadores de Salzburgo que en el caso de pescar bestias extrañas se las enviasen, preferentemente vivas.

Uno de los cuadros nos muestra un gran ejemplar de cazón, la inscripción en el cuadro indica: tenia 133 Kg . de peso, además hace hincapié que fue capturado: el 6 de febrero de 1617, en el río Salzach, en un lugar muy próximo a la ciudad de Titmoning, en la archidiócesis de Salzburgo. Una vez capturado fue llevado a la ilustre casa de Markus Sittikus, arzobispo de Salzburgo, legado de la Santa Sede , Pesaba 238 libras .

Este tipo de habitaciones nos muestra el interés del propietario sobre la vida en la naturaleza y sobretodo por mostrar al mundo ese tipo de rarezas que se sabían que existían y se trasmitían de boca en boca pero Markus quería disfrutarlas y dejar sobre un lienzo la evidencia de que era cierto.

La sala contigua es llamada “Cuarto del Girasol”, hace referencia al cuadro pintado por ambas caras con la figura de la flor de un girasol, con la inscripción: «Una flor con este tamaño y esta forma germinó en el nuevo jardín de recreo del príncipe de Salzburgo en Hellbrunn. 1618». Actualmente no hay mucho atractivo hacia este tipo de flores, pero a principio del siglo XVII solamente se cultivaba el girasol en los jardines reales. Hay que recordar que el girasol llega de América procedente de Perú en 1510 en que llegó a Madrid, enseguida se exporto a Francia, para seguir hacia Padua donde llegó en 1568. Es posible que los Gonzaga, duques de Mantua, cultivaran algunas semillas en sus jardines y Markus Sittikus obtuviera allí algunas semillas.

En la pared opuesta se representa a una especie de paloma sobre una rama, es pintona y muy llamativa, a su lado numerosas flores llenan el cuadro, obra anónima del siglo XVII.

El otro cuadro que se encuentra a su lado es un lienzo donde aparecen de menor a mayor, numerosas frutas y semillas autóctonas. En el cuadro se representa la fruta y a su lado la misma fruta abierta donde se aprecia la semilla, muchas de estas están atacadas por gusanos.

En el centro de la pared una chimenea con el marco de mármol, a su lado dos taburetes de época. Sobre la pared en la parte más alta esta la figura en madera de un unicornio, fue tallada en 1926 es obra de Jakob Adlhart.

La sala más importante del palacio es el “Salón de Fiestas” fue pintado por el fraile Arsenio Mascagnis siguiendo la técnica novedosa de pintar al óleo con revocó de cal. Es una técnica ilusoria donde se pretende pintar lo que no es, las esculturas, las columnas, los cielos, las decoraciones, etc. son solamente pintura. Es un espacio dominado por la arquitectura y que utiliza la naturaleza como un recurso. En la sala hay pintadas doce estatuas doradas donde se representan sobre unos pedestales a sendos emperadores romanos; en el techo y sobre las cuatro esquinas de las cornisas hay dos atlantes que se tiran de los pelos y están unidos por una larga melena, están sentados sobre una cornisa donde aparece la cabra que representa la casa de Markus Sittikus. En la balaustrada pintada en el techo hay otros personajes que se asoman y nos miran a nosotros, uno es el Coloso de Rodas con su mano levantada, a su lado un macaco tiene una fruta en la mano, en el otro extremo un pavo real, sobre el cielo sobrevuelan numerosas aves.

Si seguimos la representación de la bóveda podemos ver un loro rojo con un bonito plumaje, a su lado dos querubines debajo de una mesa llena de frutas, a su lado dos santas una lleva una espada en la mano y la otra palomas blancas en sus manos, más a la izquierda otras dos representaciones de la vida de santas y personajes de la nobleza que se asoman a las balaustradas y recuerdan que Markus Sittikus sentía una gran debilidad por las mujeres bellas.

En el frente de la sala, la pintura más importante se ve a Marjus Sittikus como lleva en su mano derecha un clavel rojo, esta vestido de príncipe, en su mano izquierda se ha quitado el sombrero, en su frente una elegante señora con un bonito traje largo, representa el símbolo de su amor.

En el frente hay representadas alegorías de la mitología, como a Eros con la manzana y a la cabeza, las tres virtudes divinas comenzando por Caritas, el “amor”, con dos niños, Spes, la “esperanza”, mira hacia arriba y por último la figura de Fides, la fe, con el cáliz. En la derecha se puede ver a Vigilantia, como su nombre indica evoca la “vigilancia”, tiene una lámpara encendida y un gallo; a la izquierda, se halla Temperantia, la “templaza” con un filete como una virtud principesca.

Sobre las puertas que comunica con el pasillo se personifican algunas virtudes regías: a la izquierda se sitúa Justitia, la “justicia” donde se representa al soberano con la espada y la balanza. La mujer con el pelícano y su hijo en brazos simboliza el amor altruista que el príncipe procesa a sus súbditos. La tercera figura de la izquierda corresponde a Fortitudo, la “fuerza” vestido de militar, a continuación vemos Aequitas, representa la “equidad”, tiene una varilla de medir. Y por último Prudentia, la “prudencia”, que mira en el espejo y en la lanza lleva enroscada una serpiente.

La sala del palacio dedicada a las fiestas carece de un programa icnográfico centralizada, mas bien, por el contrario, obedece a detalles de varias ideas referidas por el príncipe gobernante.

El príncipe trata de identificar dos ideas una referida a lo celestial y otra a lo terrenal, las alusiones terrenales podemos encontrar a las muchachas virtuosas que no advierten en voz baja. La otra parte nos habla del poder divino donde vemos a Markus abrazar un león negro.

El palacio de Hellbrunn siguió siendo un bien a cargo del arzobispado hasta 1803. Con la anexión a Austria por la corte de Viena se secularizó y el palacio se trato de reconvertir en lo que fueron en sus comienzos, colocando las figuras donde debían de haber estado siendo propiedad del palacio la dinastía de los Habsburgo.

El día 30 de enero de 1919 la ciudad de Salzburgo adquiere el palacio como consecuencia de la liquidación de la Primera Guerra Mundial.

Antes de abandonar el palacio, desde el vestíbulo donde se encuentra la antecámara se denomina Cuarto Chino, esta decorada sus paredes con tapices pintados a mano procedentes de Japón. Anteriormente estuvo decorada con tapices dorados de cuero, pero hubo una moda en toda Europa para la decoración de una sala de los palacios con el arte oriental.

Los tapices están decorados con flores de distintos colores y tamaños que crecen entre finos árboles donde en sus ramas se posan algunas especies de aves: podemos ver a grullas y peonías creando un lugar perfecto y armonioso.

En el exterior del palacio nos disponemos a ver los Juegos de Agua es la visita especial de la residencia, todo esta dispuesto en los jardines como a Markus le gustaba sorprender a sus invitados para muchas veces reírse juntos de las numerosas bromas. A partir de este momento el visitante queda expuesto a otros sentimientos, como la emoción, la sorpresa, en un entorno de luces y sombras al entrar y salir de las cuevas. Tampoco el exterior nos da una tregua porque inesperadamente puedes meterte en una ducha y tener que salir huyendo.

La historia recomienda no dormirse al lado de una fuente o en las entradas a las cuevas porque se tenía la creencia que había duendes o demonios que nos podían dar una sorpresa.

El recorrido comienza lleno de armonía, el color amarillo del revoco del palacio contrasta con el verde de los jardines, en medio se encuentra el gran estanque con sus personajes que salen del agua soplando una caracola para extraer el agua de su interior.

Al fondo la mirada nos lleva hacia el Teatro Romano, es una especie de anfiteatro elevado donde en sus hornacinas se han colocado figuras clásicas romanas, en el centro hay una mesa, donde Markus gustaba invitar a comer a sus visitantes. Tiene un tablero de mármol con una pila de agua dentro para enfriar el vino. Del mismo material son los cuatro taburetes a cada lado y uno más en cada extremo, en total la mesa servia para comer diez personas. En un momento de la comida o de la cena y, teniendo como testigo de fondo el palacio, el juego del agua se ponía en funcionamiento, los minúsculos chorros salen desde los taburetes desde la mesa, desde el suelo, consiguiendo una fina capa de agua que dejaría empapados a todos los comensales, bajo su sorpresa y las risas de Markus.

En una ladera de la montaña junto al estanque dorado podemos ver las esculturas de un grupo de ballesteros como apuntan hacia tres figuras que les hacen burla. Se trata de locos, era frecuente representar en los jardines italianos este submundo que representa la fealdad o lo negativo y equilibra el jardín en contraposición del positivismo de los dioses clásicos que hemos visto anteriormente.

La primera de las cuevas convertida en Juego de Agua se llama “ La Gruta de Orfeo”, se representa al personaje de la mitología griega tocando el violín, era una adaptación de la época porque en realidad Orfeo tocaba la lira, a sus pies se encuentra medio dormida la bella Eurice acompañada por un león y un gran ejemplar de cabra salvaje.

Eurice lleva en su pecho un camafeo con el retrato de Markus Sittikus, lo que representa el amor sobre un personaje del clero. Desde las grutas de la cueva se pueden ver como se asoman otros animales salvajes, como el lobo, el oso, gacela, etc. Delante, una cabra salvaje que echa agua por la boca en una pila.

Según la representación de la escena que el propio Markus daba a sus invitados era que Orfeo (hijo del sol) representa la figura de Cristo, hijo del Dios Padre, que se había esposado con Eurídice, pero una serpiente que representa a Satanás, la mordió mientras recogía flores y codició la manzana prohibida y la mando al infierno. Esta era una explicación benevolente que el arzobispo daba para justificar la escena dentro de unos criterios religiosos, pero nadie daba explicaciones de la cara del arzobispo del pecho de Eurídice.

Sobre una hermosa colina está la “Fuente Altemps” o Sternweiher, esta construida sobre un semicírculo donde en cima de la balaustrada vemos presidida por la estatua de Perseo, en su mano izquierda sujeta la cabeza degollada de Medusa, en su mano derecha lleva la espada. El jardín esta rodeado de naranjos y limoneros que dotaban a la fuente de otros sentidos: el olfato con el olor de sus frutos y el de la vista por el color verde especial de sus hojas.

En los muros de la fuente se decoran con estatuas de las cuatro estaciones que simbolizan el transcurso del año y aluden a las diferentes etapas de la vida. La fuente se le puso el nombre del tío de Markus que fue arzobispo de Roma, el cardenal Marco Sittico Altemps, siendo este último apellido el nombre italianizado del apellido familiar Hohenems.

Los siguientes juegos de agua se ejecutan en el interior de las grutas del palacio. Atravesamos un portal de piedra de arquitectura manierista, esta construido en piedra y decorado con sendas columnas con las cabezas y los pies de un hombre y una mujer.

La primera de las salas recibe el nombre de Gruta de Neptuno o de la Lluvia , entre las piedras de la gruta emerge la figura de Neptuno queriendo lanzar el tridente, se encuentra acompañado de dos caballos del mar que echan agua por su boca, en el centro esta la figura de Germaul, es la cabeza de un personaje especial que tiene movimiento, mientras escupe el agua por la boca, saca una enorme lengua y sus ojos se quedan privados sacando el iris de la órbita.

En este punto de la visita la sorpresa del juego del agua es más evidente, el agua de la gruta puede proyectarse desde cualquier punto sirviendo como diana a cualquiera de sus visitantes, en algunas de las ocasiones es más seguro quedarse quieto que intentar salir despavorido porque en el pasillo de entrada también salen chorros de agua a modo de ducha.

Si no abandonamos la gruta, a mano derecha encontramos La Gruta del Espejo, esta decorada con unos pequeños espejos convexos colocados sobre el estucado. La pared tiene cientos de cavidades en las que te ves reflejado por los espejos que consiguen deformar tu cuerpo, cortándote las piernas o transformándote en piernas largas y delgadas. En la siguiente cueva se llama Gruta del Canto del Pájaro, se puede oír como el agua gorgotea imitando el canto de un pájaro, esto se consigue con un sistema de fuelle y cilindro que se acciona gracias al paso del agua.

En la puerta de la izquierda se llega a la gruta de la Concha y más adelante Gruta de las Ruinas. La primera esta decorada con piedras que imitan a conchas del mar creando en las bóvedas, paredes y arcos un aspecto marino. La otro gruta tiene un aspecto de ruina te da la sensación que no saldrás vivo porque ante todo se va a desmoronar sobre tu cabeza, en definitiva, lo que trata es de crear un espacio de miedo y de terror.

A la salida comenzamos un recorrido por el jardín que se llamo “Camino del Príncipe” donde se atraviesan pequeñas grutas, pequeñas fuentes, que en algunos casos son pequeñas maquetas que adquieren el movimiento al paso del agua.

La primera es la Gruta de Venus llamada así por la escultura de la diosa Venus, obra del escultor de Salzburgo, Hans Waldburger. Enfrente hay cinco maquetas con distribuidores automáticos de agua donde se representan diferentes escenas, unas mitológicas y otras de la vida cotidiana: el afilador, las figuras de Apolo y Marsias, las figuras que representan a Perseo y Andromeda, un molinero y una alfarería.

Más adelante hay otro distribuidor de agua más grande con cientos de figuras en movimiento donde se simboliza un instante de la vida en la ciudad de Salzburgo. Fue realizado en el mitad siglo XVIII por el príncipe-arzobispo Andreas Jakob Dietrichstein. Es un teatro de tres pisos donde se muestra un palacio, los miembros de los tribunales, los trabajadores y los típicos comerciantes de la época. La fuerza del agua hace que la escena cobre vida con las pequeñas 200 figuras en movimiento para realizar sus tareas diarias. Este mecano fue construido por un minero de Dürrenberg, Lorenz Rosenegger, y se terminó en 1752. Mientras se representa el movimiento del teatro mecánico también un órgano automático se pone en funcionamiento para tocar la canción dedicada a los artesanos de la ópera “Maurer und Schlosser” (Albañil y Cerrajero) de Daniel Francois AUber.

El príncipe Markus tenía verdadera fascinación por este tipo de figuras que conseguían el movimiento por medio de medios mecánicos propulsados por el paso de agua a presión. Era un arte de crear vida donde no lo había, era una muestra de ingenio y poder dentro de la ingeniería de la época y esto despertaba la admiración de sus visitantes en unas mentes del siglo XVII.

Siguiendo por el camino podemos ver una fuente con la figura de Cynthia, también es obra del escultor Hans Waldburger. Más adelante hay un grupo de esculturas que forman la fuente Jabalí con dos niños lactantes, este grupo fue copiado de un jardín italiano.

La siguiente gruta esta dedicada a Diana, la diosa lleva una lanza y la acompaña un perro, esta colocada dentro de una hornacina, esta situada en un lugar apartado para conseguir el efecto intimista.

Siguiendo el Camino del Príncipe se llega a la Gruta de la Corona , en la entrada se encuentra presidida por el estatua de Minerva, destaca por su aspecto guerrero, lleva en su mano derecha una espada y en su mano izquierda un escudo con la cabeza de medusa. En el interior de la gruta hay una fuente decorada con babosas, serpientes, tortugas. Un chorro de agua eleva la corona suspendida que da un aspecto del despegue de un cohete. En el hueco de la hornacina se encuentra las estatuas de mármol que representan a Apolo y Marsias.

La siguiente fuente esta dedicada a Mercurio. En el centro del lago se encuentran las esculturas de plomo que representa a Acteón y sus perros; a través de los cuernos de los ciervos y la boca de los perros salen hilos de agua. La fuente esta presidida por la figura de Mercurio sobre un pedestal, es el mensajero de los dioses porque tiene los zapatos alados.

Otra de las grandes fuentes del palacio esta dedicada y presidida por Eurídice, en las esquinas hay dos leones que sujetan los blasones, dentro de la hornacina central de color rosa se encuentra sobre un pedestal la figura de Eurídice.

La siguiente gruta es un tanto extraña se denomina “Demonio del bosque”, fue colocada por el arzobispo Ernst a finales del siglo XVII, representa a un monstruo con cara de hombre mayor, tiene una cresta de gallo en la cabeza, las posición y la semejanza de las patas delanteras es de un felino, las traseras tienen garras, presenta un pequeña cola. La inscripción en el pedestal indica que el monstruo existió en la realidad, fue capturado bajo el obispado de Matthäus Lang mientras cazaban en Haunsberg. Parece ser, que la leyenda habla de un niño que nació con graves deformaciones, fue abandonado en el bosque y sobrevivió volviéndose salvaje.

Al final del camino se encuentra la Fuente de Neptuno, es una imponente escultura donde se representa al dios Neptuno montado sobre un delfín, lleva un tridente en la mano derecha, es una de las figuras de más calidad el jardín, obra del escultor de Constanza Conrad Asper, fue encargada personalmente por Markus Sittikus.

Salimos del camino hacia los jardines donde en el patio de honor se halla el Jardín de la corte, tiene unos enormes estanques decorados con unicornios, obeliscos, posee una rosaleda y una orangerie.

En la parte más alta del promontorio que domina todo el jardín hay un pequeño palacio, se llama “Palacete Monatsschlössll” o Waldems o también es conocido con el nombre popular de «Palacio del Mes», se llamo así porque se dice que fue construido en un solo mes. La leyenda cuenta que el archiduque Maximiliano de Austria se desplaza al Tirol y al pasar por Salzburgo visito el palacio, continuo su camino y a su regreso a Salzburgo, un mes después, el nuevo palacio estaba construido. Durante el mes que duro una visita y otra, el arzobispo convoco a albañiles y artesanos de toda su diócesis para dar esa sorpresa al archiduque.

En la actualidad el pequeño palacio esta dedicado como Museo Carolino. Donde se expone una colección fundada en 1904, ofrece una visión de la cultura popular de Salzburgo con piezas de exhibición de las tradiciones, la religiosidad popular, la viva cultura y la medicina popular.

El museo tiene la entrada gratuita con el ticket de acceso al palacio. En su interior encontramos una selección de diferentes objetos: religiosos y civiles. Entre los más curiosos:

Una caja de madera labrada con un relicario de utilización personal, esta datada en el siglo XVIII. Entre las piezas que podemos ver es un cristo de marfil, y varias reliquias dispuestas con sus respectivos carteles a lo largo de la caja, procede de la iglesia de Wachs de Salzburgo.

Entre el mobiliario hay un estupendo armario y cama del siglo XVIII, procede la región de Pinzgau (Salzburgo), tiene un diseño suizo en estilo rococó, sobresale la decoración marcadamente religiosa.

Una buena colección de tocados, era un signo de distinción de la mujer austriaca de clase alta, no salían a la calle sin ponerse el tocado en la cabeza, los había para salir a la opera, para casarse, para morirse o simplemente para salir a la calle.

La mascara es otra de las tradiciones de la sociedad austriaca, generalmente se empleaba en las fiestas de carnaval o en las de difuntos. Los hombres llevaban en sus cabezas enormes tocados con plumas, con animales, con mascaras para presidir las fiestas locales.

Entres los lienzos más impactantes que muestra el museo hay uno donde se ve representado la figura de Jesucristo con tres caras superpuestas, destaca la atenta mirada de sus cinco ojos y la definición de su boca y barba.

Aquí damos por finalizado nuestra visita al Palacio de Hellbrunn, nos ha dado la oportunidad de ver otra forma de entender la vida de algunos representantes religiosos en la Europa del Este. Regresamos en el autobús nº 25 hasta el mismo puente Mozartsteg, punto de encuentro para la visita al centro monumental de Salzburgo.

Son las 14,30 horas y para nosotros es la hora de la comida, imagino que para los austriacos es la hora del reposo, pero afortunadamente Salzburgo no se nota el horario de las comidas porque tiene un abanico muy grande en los servicios turísticos.

Marchamos hasta la calle Getreidegasse 11 donde se encuentra uno de los restaurantes de comida rápida que más nos gustan, se trata del Restaurante Nordsee. Tiene la peculiaridad que los platos están preparados recientemente, eliges el más apetitoso, pagas y lo degustas. La comida esta basada en productos del mar, patatas y ensaladas.

Desde aquí marchamos caminando hacia el centro de la ciudad vieja donde se encuentra la Catedral de Salzburgo. Es un edificio de estilo barroco construido en el siglo XVIII y dedicado a la veneración de san Ruperto, patrón de la ciudad y san Virgilio.

Del antiguo edificio bizantino no ha llegado nada a nuestros días porque en el siglo XVI el Príncipe-Arzobispo Wolf Dietrich von Raitenau ordeno la demolición total de la antigua catedral.

Pero no fue hasta la llegada de su sucesor el Príncipe-arzobispo Markus Sittikus von Hohenems que contrató al arquitecto italiano Santino Solari y que realizó el proyecto definitivo basado en los planos del arquitecto Vincenzo Scamozzi que había sido contratado por Wolf Dietrich para la edificación de la nueva catedral barroca de Salzburgo. Los 5200 metros cuadros de su interior constituye la catedral más grande del Sacro Imperio Romano.

Los muros de la iglesia están construidos con sillares de piedras de color gris oscuro. La fachada exterior esta construida sobre tres enormes arcos de entrada que se abren a la plaza llamada Domplatz que tiene la característica de tener una columna con la imagen de María Inmaculada. Los arcos están enmarcados entre dos enormes torres. La portada se divide en tres con sendas puertas en bronce que representan las tres virtudes divinas: fe, esperanza y el amor. En el centro de las arcadas hay cuatro figuras esculpidas sobre pedestales que representan: San Ruperto sujetando un barril de sal; san Virgilio sujetando una copia de la iglesia; san Pedro con las llaves en la mano; san Pablo con la espada.

El interior destaca por su grandiosidad, tiene tres naves que desembocan en el transepto con una enorme cúpula en el crucero flanqueado por cuatro capillas. La decoración de la nave y ábside están decorados con estucos, obra de G. Bessarino. La cúpula quedo totalmente destruida durante la Segunda Guerra Mundial y se realizaron copias exactas en 1955. Sobre la capilla lateral de la izquierda se coloco la fuente bautismal de estilo gótico realizada en 1321, que procedía de la antigua catedral. En ella fue bautizado el día 28 de enero de 1756 Joannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart.

El altar mayor esta presidido por el retablo que representa la Resurrección , obra Donato Masgani y el cuadro de san Francisco, se encuentra situado en el brazo izquierdo del transepto. En el lado derecho se encuentra el retablo la Virgen de las Nieves, obra de Ignazio Solari. En cuatro de los pilares del crucero se colocaron en 1991 sendos órganos para tocar la música sacra tradicional de Salzburgo.

A la cripta se desciende desde el crucero donde se encuentran algunas de las tumbas de los príncipes-arzobispos y también se aprecian los restos de la antigua cimentación.

Salimos hacia el lateral de la catedral donde se halla la plaza Kapitelplatz, lo más destacado es la nueva escultura moderna llamada “Sphaera”, es una enorme esfera dorada, obra del escultor Stephan Balkenhol, esta colocada sobre unos soportes metálicos que pesan 3,5 toneladas, la bola tiene cinco metros de diámetro y pesa dos toneladas, sobre esta se levanta la figura de un hombre que pesa 150 Kg . vestido con un pantalón negro y una camisa blanca. La instalación de esta escultura obedece a un amplio programa del ayuntamiento de Salzburgo para dotar a la ciudad de notables esculturas que representen la devoción de la ciudad por la cultura.

Al fondo de la plaza se encuentra el funicular para visitar la fortaleza de Hohensalzburg, se encuentra situada en la cima de la montaña Mönchsberg. Es una de las primeras imágenes que desprende Salzburgo la posibilidad de podrá tener una panorámica sobre todos los tejados barrocos.

El precio del billete combinado para visitar Hohensalzburg con tarjeta familiar es de 26.20€, incluye audio guía en nueve idiomas (incluye español), visita a las habitaciones del Príncipe, Museo de la Fortaleza , Museo del Regimiento Rainer, Museo de las Marionetas, exposición fotográfica, capilla románica inferior, ascenso y el descenso en el funicular. El horario de mayo a septiembre es de 9,00 a 19,00, el resto del año se cierra dos horas antes.

El funicular te deja en el bastión llamado Hasengraben-Bastei y una gran terraza desde donde se aprecia una imponente panorámica de la ciudad y de los Alpes Bávaros.

Entrando al recinto por la torre campanario al interior se llega al bastión Inneren que nace en la segunda muralla defensiva del castillo. Entre ambas murallas se instalaban los distintos espacios dedicados al servicio, el almacén de sal llamada Salzmagazin, a su lado se encuentra el edificio de la cuadra, el comedor y la casa de trabajo utilizada por los presos del castillo, la antesala y el granero. En la muralla interior se halla Scheibelter Turn. El patio principal se llama Burghof tiene un tilo milenario y en el centro hay una cisterna, a la izquierda se encuentra la iglesia GeorgsKirche, fue construida en 1501, tiene una portada con arcos apuntados y cruzados del estilo gótico tardío, sobre esta hay un relieve de san Cristóbal que lleva un niño sobre su cabeza, en la misma fachada también podemos ver un arcosolio con la tumba del arzobispo Leonhard von Keutschach, fue realizada en 1515 por H Valkenauer. En la fachada tiene una pequeña torre con un campanario puntiagudo.

El interior, la planta es de una sola nave con bóveda de crucería gótica, en los laterales hay 13 relieves de mármol marrones donde se representan a Cristo y cada uno de los doce apóstoles, dos ventanas ojivales dotan de luz a la iglesia.

La decoración es una mezcla de barroco y gótico. El altar mayor es de mármol del siglo XVIII. El retablo mayor es una obra de Frans de Neve en 1672 muestra San Jorge matando al dragón. Está flanqueada por dos columnas y un frontón en el centro donde se encuentra la imagen de la Virgen María. Sobre dos pedestales podemos las esculturas que representan a San Ruperto y San Virgilio.

En la Iglesia de San Jorge, tiene dos altares laterales del siglo XVII. El altar sur esta dedicado a San Sebastián y San Florián. Lleva una imagen superior de San Nepomuk.

El altar norte está dedicado a la Anunciación , con la imagen de la parte superior de Santa Anna. Ambos altares tienen una estructura de mármol con pilastras laterales.

La visita al interior del castillo se realiza a través de la parte del castillo conocida como Salzmagazin, donde se encuentra la Galerie , en sus paredes cuelgan los retratos de los príncipes arzobispos de Salzburgo que construyeron la fortaleza.

En la tercera planta de la fortaleza se hallan las estancias de los príncipes Fürstenzimmer, entre las que destaca el Goldene Stube o saloncito de oro, es de estilo gótico tardío, esta completamente revestido de madera policromada con dos portadas decoradas con motivos florales y una bonita estufa de cerámica policromada con relieves de escenas religiosas.

El Salón Dorado, se muestra orgulloso de su chimenea de cerámica de 1501; y sus cuatro columnas de influencia turca que sujetan el delicado artesonado del techo; para culminar la visita no que dejar de admirar la puerta que da nombre a esta sala.

El recorrido finaliza en el Burgmuseum, se halla instalado en cuatro habitaciones que conservan algunas partes constructivas originales donde se exponen una colección de objetos relacionados con el ejército: armaduras lanzas, cuchillos, pertenecientes a los siglos XVI y XVII.

Bajamos por el funicular hasta el Altstadt donde se encuentra Mönchsberg y delimitada por vallas de hierro forjado elegantes, se encuentra el antiguo cementerio se compone principalmente de capillas barrocas entre pórticos de las viejas familias ricas de Salzburgo. Muchas de las familias aristocráticas de Salzburgo se encuentran enterradas aquí, junto con muchas otras figuras notables.

Paseamos sin rumbo fijo por la calles del centro urbano hasta desembocar en la Residenplatz. Los edificios de la plaza son “Alte Residenz “al oeste, la “Neue Residenz” al este, la Catedral de Salzburgo (Dom) al sur y casas privadas históricas (Bürgerhäuser) al norte.

En el centro de la plaza se levanta la fuente Residenzbrunnen, fue ejecutada por Tomasso di Garona entre 1656 a 1661. Está hecha de mármol, y es considerada la más grande fuente barroca de Europa Oriental.

Aquí damos por finalizada la visita a Salzburgo cogemos el tranvía número 10 hasta el parking P+R del aeropuerto. Pagamos la estancia en la caja de la terminal de pasajeros y nos marchamos.

El siguiente punto del viaje es la ciudad de Warfen, se encuentra al sur de Salzburgo a 45 Km . y llegamos en poco más de media hora. Directamente marchamos al parking que tenemos anotado, cuando llegamos esta ocupado por 2 autocaravanas que pasaran la noche con nosotros.

El parking de autocaravanas en la ciudad de Werfen (Austria) es un enorme espacio habilitado para visitar la ciudad. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N47.47602//E13.19376.

El aparcamiento se encuentra como a unos 500 metros del centro de Werfen sobre uno de los márgenes del río Salzach, es llano, está bien iluminado por la noche, es un sitio seguro y es un buen punto de partida para hacer las excursiones del día siguiente.

Día 25 de agosto (lunes)

Ruta: Werfen- Hallstatt Km 67; tiempo estimado 1h01'

Llegar hasta Warfen es para ver dos de sus mejores atractivos, uno, es la Cueva de Hielo, la más grande del mundo, y el segundo, es el Castillo fortaleza Hohenwerfen situado sobre un promontorio que domina todo el valle de Salzach.

Ayer cuando llegamos teníamos como alternativa subir hasta el parking situado en la montaña a los pies de la Cueva de Hielo, pero una advertencia en este sitio indica que es mucho mejor dejar el coche en este parking y subir tranquilamente en un autobús de línea directa porque la carretera es estrecha y hay desniveles que superan el 21% con lo consiguientes problemas para los frenos: Una señal de trafico en la carretera indica que esta prohibido subir con caravanas remolcadas y en vehículos con un tamaño de más de 14 metros de largo, por su puesto nos parece una perfecta excusa y recomendación para dejar nuestra autocaravana en este sitio, además el parking es gratuito.

Aunque por si acaso alguno no le importa subir con su autocaravana cito los datos para llegar hasta el lugar más cercano a la Cueva de Hielo de Warfen, no hay ningún inconveniente en hacerlo, aunque si subes a primera hora de la mañana es posible que el espacio disponible ya este ocupado.

La carretera es de montaña con verdaderos desniveles muy importantes, hay dos parkings habilitados con gran pendiente, uno para coches, más próximo a la taquilla y otro a unos 300 metros . Las coordenadas del parking de autocaravanas para visitar la Cueva de Hielo de Warfen (Austria) se encuentra situado en N 47º29'48.82 // E 13º11'38.30 .

A las nueve de la mañana nos ponemos en marcha tomamos el primer autobús lanzadera entre el parking y el parking para autobuses más cercano a la cueva de Hielo, sale cada 15 minutos y su precio ida y vuelta ticket familiar es de 17 euros, no hay color.

Subimos rápidamente porque escasamente debe de haber unos 6 kilómetros y nos deja en el parking más alejado porque el siguiente no hay espacio para que los autobuses puedan dar la vuelta.

Antes de ponerse en marcha y tratar de visitar la Cueva de Hielo es necesario leer detenidamente cuales son la dificultad para poder visitarla, no es nada del otro mundo pero si debemos de conocerlo ante nuestras propias limitaciones físicas.

Desde el parking donde te deja el autobús hay unos 1000 metros de fuerte pendiente hasta la taquilla de la Cueva de Hielo o Eisriesenwelt.

Después de sacar el ticket, donde hay cafetería y baños, se sigue por un camino de piedra con fuerte pendiente que a bien paso se puede hacer en 20 minutos andando hasta llegar al teleférico. En este punto se puede hacer de dos formas, o bien andando con un camino de fuertes pendientes haciendo buen paso unos 90 minutos o bien coger el funicular que nos sube una parte importante del camino en tres minutos, en ese punto hay la posibilidad de baño y un restaurante.

Desde la parada del funicular, que esta a 1075 metros de altitud, hay otra caminata por un amplio camino con fuerte pendiente para salvar hasta los 1575 metros que esta la entrada a la cueva, a buen paso se puede tardar unos 20 minutos hasta la misma puerta de la cueva.

La visita a la cueva se realiza mediante un guía que no nos abandonara en todo el recorrido, dura sobre una hora y cuarto. Se necesitan zapatos resistentes y ropa de abrigo lo más apropiadas para la visita a una cueva helada, ya que la temperatura es en verano por lo general está por debajo de cero grados.

En todo momento uno de cada cuatro personas del grupo porta una lámpara de carburo, del tipo empleado en las minas y el guía lleva bengalas de magnesio que va quemando al paso de los grandes bloques de hielo.

No es necesaria una gran forma física pero si conocer que tiene sobre unos 750 escalones que salvan los distintos desniveles, nadie se puede quedar a tras y en todo momento estas vigilado por el guía responsable. También hay que citar es que la visita guiada es en idioma alemán o ingles, debiendo de apuntarse al grupo que mejor nos convenga, aunque las explicaciones de seguridad ya las conocemos y las explicaciones de lo que vemos pues no necesita mucha lectura.

No hay impedimento en que puedan entrar los animales aunque recomienda no hacerlo por la cantidad de escaleras, frío y las condiciones el interior de la cueva.

No dejan hacer fotografías porque dicen que se pierde mucho tiempo y el recorrido de los grupos se haría eterno, aunque nosotros lo intentamos en una ocasión nos obligaron a poner la tapa al objetivo. Aunque es verdad que en algún momento del recorrido se nos escapo el disparador involuntariamente, pero me queda el consuelo que no entorpecimos para nada al grupo.

Los horarios de la cueva es de 8,00 a 15,00 horas y los meses de julio y agosto se prolonga hasta las 16,00 horas, el último funicular de subida es a las 16,20 horas. Y el último tour se realiza a las 16,45 horas. El precio de la tarifa familiar para dos adultos y dos niños es de 62€, también existe una tarifa sin entrada a la cueva con la subida al funicular.

La visita comienza con las explicaciones del guía sobre las recomendaciones para visitarlas y las distintas explicaciones de por donde vamos a pasar.

La primera gran sala se llama Eispalast o Palacio de Hielo sobre las paredes aparecen distintas placas de hielo pero predomina placas de roca fracturadas. Desde aquí parte una galería empinada con escaleras de madera hacía el túnel subterráneo (U-Tunnel), a continuación del cual se encuentra el Midgards. Este pasadizo es el más grande de la cueva, con una anchura de entre 8 y 30 metros . Después la galería se ramifica. El final de la cueva esta la sala Neue Welt o Nuevo Mundo situada sobre una altitud de 1595 m . La urna de Alexander von Mörk, investigador que intervino en parte de la exploración de la cueva y que murió en la Primera Guerra Mundial, está encima de una de las entradas en el interior de la cueva.

Nos llama la atención la formación de hielo en la cueva que año a año varia y es gracias a la renovación del aire de las montañas que pasa por la cueva haciendo como una especie de chimenea. Durante el invierno las masas de aire frío se internan aprox. 1 Km . en la cueva. La roca almacena el frío hasta la estación de la primavera y cuando ya hace más calor fuera y comienza el deshielo, el agua helada se filtra entre las grietas de las piedras de la cueva y como en su interior esta a menos de cero grados se congela. En el verano el interior de la cueva también aumenta de temperatura. Todos los años en la época estival entre 5 y 10 cm de la capa de hielo situada sobre el suelo se derriten. Durante la siguiente primavera el hielo vuelve a renovarse. En total, la cantidad de hielo entre una estación y otra, cada año, siempre es similar.

Una vez hecho el recorrido miramos el reloj y son casi las 12,00 horas, todavía nos queda el trayecto hasta el funicular, hemos pensado en quedarnos a comer en el restaurante.

El restaurante situado en el funicular tiene unos magníficos precios, casi Low Cost, por lo que no dudamos en aprovechar el día soleado que hace y comer en las mesas del exterior con un precioso paisaje, hay distintos menús desde 12 euros, también hay platos individuales de salchichas con patatas y platos típicos de la región.

Ya conocemos la historia de Carlomagno en las montañas y la imposibilidad que tiene de volver al mundo de los vivos por culpa de los cuervos, en este lugar esta lleno de estos pájaros que aprovechan las sobras de los turistas, de este modo se reproducen más e impiden que cada 100 años que Carlomagno quiere regresar no pueda hacerlo porque la condición es que el espíritu del emperador no vea cuervos. Nosotros para que esto no suceda les damos de comer como si fueran animales de compañía.

La bajada es casi mas complicada que la subida porque esta mucho más cansado pero con paciencia y disfrutando del paisaje llegamos hasta el parking de autobuses que nos pone en pocos minutos en el parking de la ciudad de Werfen.

Desde el parking marchamos al otro extremo de la ciudad para ver la fortaleza del Castillo Honenwerfen.

El parking de autocaravanas en la ciudad de Werfen (Austria) para visitar el castillo Honenwerfen, es un buen sitio para pernoctar. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N47.48406//E13.18632.

El parking de Honenwerfen se encuentra situado en la parte baja de la montaña, es necesario subir mediante un funicular que se paga combinado con la entrada a la fortaleza, aunque también puedes subir andando son 20 minutos por un gran desnivel.

El precio de entrada al castillo con el ticket de familia para 2 adultos y 2 niños es de 33 euros. Incluye la visita guiada a la parte de las habitaciones y la iglesia. Es necesario ver los horarios de las visitas guiadas porque están divididas por idiomas. Aunque no penséis que se hacen en español, a los que dominamos la lengua de Cervantes nos dan un audio guía que traduce las explicaciones del guía. El horario de verano es de 9,00 a 18,00 horas.

Cuando llegamos ya han finalizado las exhibiciones de cetrería, es una de las especialidades del castillo, es complicado visitar la Cueva de Hielo y el castillo a la vez porque te quedas sin ver los halcones.

La fortificación se remonta al siglo XI gracias a la orden de construcción que da el arzobispo Gebhard de Salzburgo, señala este lugar como un estratégico bastión situado encima del valle de Salch, ideal para la defensa de toda la zona. Gebhard, era un aliado del Papa Gregorio VII y contrario a Rodolfo de Rheinfelden, tenía tres castillos principales extendidos para asegurar la defensa del arzobispado de Salzburgo contra las fuerzas del rey Enrique IV: Hohenwerfen, Hohensalzburg y Castillo de Petersberg. Sin embargo Gebhard fue expulsado en 1077 y no pudo regresar a Salzburgo hasta el año 1086 en que volvió a morir en la fortaleza Hohenwerfen, dos años más tarde.

En los siglos siguientes Hohenwerfen sirvió a los príncipes arzobispos de Salzburgo, no sólo como una defensa base militar, sino también como lugar de residencia y como refugio de caza.

A las 18,00 horas comienza la visita guiada a las distintas dependencias del castillo. Comenzamos por la Burgokapelle dedicada a la veneración de San Segismundo.

En el siglo XII la planta tenia tres naves aunque en la actualidad tiene una sola nave, en el pasaje norte se han encontrado restos de fresco románicos, de esa época son sus dos columnas con capiteles labrados también románicos describen una temática vegetal, así como la reja de forja que rodea la nave central, el resto de la iglesia fue totalmente renovada en el siglo XVI.

El altar mayor fue construido en 1650 obra del maestro carpintero de Werfen, Konrad Schwarz. En el altar mayor y en la hornacina central hay una estatua del siglo XVIII con la resurrección de Cristo y de Dominikus Plasisganig. Los dos altares laterales fueron añadidos en la misma fase que la parte central, en el lado del evangelio se encuentra la imagen de Cristo en el Monte de los Olivos y en el lado de la epístola esta la imagen de san Benón de Meissen –en latín conocido como Benno, fue un monje alemán, obispo de Meissen– muy venerado en esta zona y que llegó a ser considerado Santo. El púlpito tiene forma octogonal fue construido durante 1663 destaca en su cima por asomar una mano y un crucifijo.

Los frescos románicos se pueden ver en el marco de la puerta a un caballero a tamaño real tiene una espada, lleva una armadura habitual del siglo XII, en su cabeza una armadura con una malla metálica en la otra mano lleva un escudo con forma de almendra con una cinta donde se leen las palabras: VENIAT.MUND.NULL.TRANSIBIT.INULTUS (Aquí nadie se distancia más). En una segunda puerta tapiada en el lado norte está muy dañada con un fresco de un hombre. Los frescos de la capilla son los más antiguos que los del pasillo probablemente representan a los 12 apóstoles. Sobre un arcosolio se pueden ver los restos de las patas de un caballo este fresco habla de la Puta de Babilonia, era una alegoría bíblica muy tratada en época del románico y habla del pecado de las remeras y se la da a esta señora el origen de la madre de todos los pecados; el otro fresco habla del mismo tema y se muestra la silla donde viajaba esta señora principalmente se mostraban esta imágenes para meter miedo a los fieles y renunciasen a la idolatría del cuerpo.

Salimos de la sala y subimos a otras dependencias del castillo, comenzamos por la cámara de la tortura y las cárceles, en el lugar se exhiben una importante cantidad de objetos que nos demuestra como se administraba la tortura en la Edad Media. Eran siglos donde la justicia se convertía en algo irracional, lleno de violencia y de sin razón. Fueron mil años en un periodo que abarca desde el siglo V hasta el siglo XV en el que el ser humano solamente podía girar en el campo de la divino.

La Edad Media fue muy innovadora porque el hombre inventa máquinas para la tortura que fueran capaces de administrar odio y maldad. Entre los objetos que muestra la exposición hay una enorme hacha sobre un taco de madera que servia para amputar algún miembro, sobre todo se empleaba a los ladrones para cortar los dedos y las manos. La horquilla era otro método de tortura se colgaba en la pared al acusado y sobre su cuello se pasaba una horquilla que lleva un hierro puntiagudo sobre la barbilla y termina en otro en el esternón, la horquilla impedía el movimiento de la cabeza, pero permitía que la víctima pudiese medio hablar pero si confesar con susurros sus delitos. En las paredes podemos ver grandes ganchos y esposas con cadenas para colgar a los condenados para que confesasen. Deferentes mascaras con hierros para aplicar dolor sobre la cabeza. Un cepo de madera era empleado para meter al reo la cabeza y las manos y poder suministrar los azotes en el cuerpo desnudo. Hay una especie de escalera con un rodillo esto era para practicar el arañazo, a la víctima se la colgaba del rodillo y se le ataba a la escalera, se tiraba del rodillo para que el cuerpo se estirara si era poco el dolor sobre las articulaciones en cuerpo desnudo se le aplicaba una araña de hierro que desgarraba la piel de la espalda. El aplastar pulgares era uno de los objetos más utilizados, formado por un simple tornillo donde se introducen los pulgares, se gira una palanca hasta que se hace fuerza sobre las uñas que saltan rotas y se produce el desangrado. A su lado unas botas siguen los mismos principios que el objeto de tortura anterior pero la presión se hace sobre los pies. También podemos ver un pozo donde se tortura por inmersión introduciendo al reo en agua fría hasta provocar la muerte o la asunción del delito, también era muy útil para la limpieza de la sangre de la habitación.

El recorrido continúa por las galerías defensivas del castillo donde en este momento se han colocado grandes cañones del siglo XIX. Llegamos a la torre del castillo donde se puede ver la maquinaria metálica del reloj y del movimiento de la campana. En la parte alta de la torre hay una imponente vista con el paisaje sobre el río Salzach.

La parte de las habitaciones del castillo dedicada a los arzobispos-príncipes han sido rehabilitadas en madera y con un artesonado en los techos siguiendo las indicaciones de algunos de los cuadros de época.

Después de ver la fortaleza nos marchamos hasta nuestro siguiente destino y es la ciudad de Hallstat, se encuentra a 67 Km . de Werfen y es un camino de media montaña y tardamos un poco más de una hora.

Cuando llegamos a Hallstatt vemos numerosos parking la mayoría indica que solamente son para turismo y únicamente uno de ellos situado en el otro extremo de la ciudad es posible utilizarlo para autocaravanas, un poco antes de llegar vemos una señal equivocada de área de autocaravanas, aunque en realidad es un camping simulado.

Entramos y nos atiende una señora, parece según nos indica que tiene una pequeño parking para autocaravanas pero en estos momentos esta completo o inutilizado porque ha llovido y el firme esta en mal estado.

Nos ofrece la posibilidad de quedarnos en el camping, la verdad es tentadora la oferta porque esta situado a unos 800 metros del centro de la ciudad y nos quitamos de seguir buscando. Nos indica que debemos de elegir alguna de las parcelas del camping porque muchas de ellas están también con el firme en mal estado. Hacemos un recorrido y elegimos la que mejor nos parece para qué mañana no nos quedaremos embarrados, dejamos la rueda delantera sobre el camino asfaltado para que mañana tengamos tracción. Pagamos la cuenta por adelantado y saliendo a las 14,00 horas nos piden 36,40€ no esta mal por pasar una noche sobre un charco de barro, pero lamentablemente no hay donde elegir. Dejo el nombre Campinplatz Klausner-Höll.

El parking de autocaravanas en el camping de la ciudad de Hallstatt (Austria) para visitar la ciudad. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N47.55269//E13.64610.

El resto de la tarde-noche lo dedicamos para vaciar llenar y hacer una barbacoa con una gran variedad de salchichas y quesos que habíamos comprado unos días antes.

Día 26 de agosto (martes)

Ruta: Hallstatt-Viena Km 300; tiempo estimado 3h36'

Por la mañana temprano marchamos para ver que ofrece este pequeño pueblo, enseguida nos damos cuenta que es considerado como uno de los 10 más bonitos de Europa.

Cerca hay una parada de autobús donde bajan cientos de japoneses, normalmente son grupos tumultuosos pero muy respetuosos y dóciles. El guía se desgallita con la bandera en la mano para empezar el recorrido mientras ellos fotografían hasta la saciedad la imagen de la ciudad sobre el lago. Antes era mucho más complicado porque se hacían fotografías unos a otros, ahora todos llevan sus buenos móviles con un palo largo inalámbrico recargables y Bluetooth que les permite hacerse autoselfies que estoy seguro suben automáticamente a Instagran.

Efectivamente he podido comprobar que muchas de las fotografías con selfies en Hallstat están subidas por japonés, imagino les hace recordar algunos de los paisajes más bonitos de Japón, sobretodo cuando el paisaje esta nevado.

Nosotros como no tenemos Monopod Con, así es como ellos llaman a lo que nosotros lo hemos bautizado con el nombre de “Palo”, los más tecnológicos lo llaman “brazo extensible”, nosotros pues lo hacemos de aquella manera es pedir permiso para que nos hagan una foto en grupo.

El éxito de este Monopod Con esta asegurado por la cantidad de gente single que cada vez viaja sola. Seguramente el palo y el selfie es la historia del siglo XXI donde la individualidad esta por encima de todo y este es el reto de la individualidad ante un viaje, hay otra pata de la silla que completaría el ciclo de la individualidad pero no es objeto de este blog.

Yo de momento me niego a llevar este objeto, además de su peso y volumen es que no tengo móvil con la suficiente calidad que me permita mostrar al mundo mis selfies

La mejor publicidad de Hallstat la da el propio paisaje que ha viajado por el mundo, a velocidad de la luz gracias a internet, su imagen parece una auténtica maqueta casi perfecta, es el lugar donde todos nos gustaría vivir, las casas con entramados de madera, los tejados negros de pizarra, las ventanas llenas de flores, el lago con sus embarcaderos, las iglesias góticas con su torres de aguja, todo en el pueblo tiene un cierto sabor a dignidad.

Paseamos por sus calles principales, la económica del pueblo esta dirigido al sector del turismo, las tiendas tiene un aspecto diferente. Abre la entrada a la localidad el memorial a los caídos para inmortalizar las dos Guerras Mundiales 1914-1948 y 1939-1945.

Una señal de trafico nos advierte que la calle tiene un gran numero de restaurantes y nos podemos encontrar con un camarero cruzando la calle, todas las casas de madera se han convertido al negocio de la restauración, desde cualquiera de sus salones se tiene una bonita perspectiva del lago Hallstätter See.

Durante el recorrido vemos numerosas fuentes y abrevaderos del agua que cae desde la montañas, además de cascadas y acequias, todas tienen el cartel que indica: trinkwasser, quiere decir que es agua potable.

La religiosidad esta en todas las esquinas del pueblo, a la entrada ya se pueden ver numerosos pequeños edificios a modo de calvarios con distintas estaciones del vía crucis, y en hornacinas en las calles imágenes de cristos y santos. Las fuentes son un sitio ideal para reafirmar la religiosidad de todo un pueblo instalando sus propios santos.

Antiguamente le vida en Hallstat no era como la vemos ahora, era una localidad prácticamente aislada y donde no había más comunicación que por el lago o por senderos estrechos cruzando la montaña. Estaba dedicada complemente a la extracción de la sal en la mina, y la vida en la mina todos conocíamos lo duro que era. El propio nombre del pueblo Hall proviene del celta que significa “Sal” cuyos vestigios datan de 5.000 años a.C. y se dice que es la mina de sal más antigua conocida.

El terreno del pueblo era tan escaso que el cementerio era temporal solamente se podía enterrar 10 años, pasado ese tiempo se sacaban los huesos y se trasladaban al osario común en la montaña.

Llegamos a la plaza mayor o Markplatz, tiene forma de triángulo con un vértice hacia la montaña destaca por su fuente central Dreifaltigkeitssäule , donde en la columna central se encuentra la Santísima Trinidad , fue construida en 1744 en estilo barroco, además, la plaza destaca por los entramados de madera de las casas cubiertas de enredaderas y flores.

En la parte baja de la ciudad se encuentra iglesia protestante, su fachada es de piedra con una puntiaguda torre campanario, el estilo es neogótico fue construida en 1863. Las enseñanzas protestantes llegaron a ser populares especialmente entre mineros, en el siglo XVI dio lugar a una lucha de religiones dentro de esta comunidad tan pequeña y apartada. Fue una época de disputa y agitación durante este período de la reforma religiosa. A primeros de 1601, todos los puentes fueron destruidos y el transporte de la madera se hacia imposible. Predicadores evangélicos se levantaron contra la iglesia católica. Con todo, el arzobispo de Salzburgo suprimió esta rebelión, y condenó a muerte a los opositores y quemados sus hogares. En 1734, 300 protestantes eran expulsados de sus hogares en Hallstatt, Ischl y Goisern. Hasta el siglo XVIII que con la llegada del emperador José II demostró una cierta tolerancia religiosa y permitió que los protestantes practicaran su fe con ciertas restricciones. En este tiempo, había 500 habitantes protestantes de Hallstatt, y apenas tres años más tarde habían construido su primer sitio de rezo así como una escuela privada. Con la toma de posesión del emperador Francisco José I en 1861 declaró que la fe católica y protestante debía de ser toleradas por igual.

El interior carece de decoración como todas las iglesias protestantes, tan solo hay un pequeño retablo de madera con la imagen de Jesucristo practicando las enseñanzas, a la derecha el púlpito para la palabra, en el centro un baptisterio de mármol y a la derecha una imagen de Cristo crucificado, sobre las tres naves enormes bancos corridos de madera, llama la atención que los sitios están reservados con una placa, yo estuve sentado en el sitio de Frieda Rastl como atestiguaba su placa.

Caminamos siguiendo la senda de la torre por una empinada calle hasta la iglesia católica o Pfarrkirche Mariae Himmelfahart, el actual edificio data de 1505 en estilo gótico tardío.

La portada principal se encuentra en el lado sur es de piedra con arcos de piedra ligeramente apuntados. Encima hay dos frescos de un maestro desconocido de la escuela de Danubio.

El interior esta formado por la nave central y un doble coro embutido en unos ábsides. La pared del fondo occidental pertenece a la antigua iglesia románica tardía.

En el coro de la derecha se encuentra uno de los altares un político de los más importantes de Austria, fue donado por el gremio de la sal. El altar, esta dedicado a la veneración de la Virgen María , fue construido entre 1510 a 1520 en el taller de Leonhard Astl y es uno de los altares de estilo gótico tardío más bellos que se puedan contemplar.

El retablo tiene unas medidas de 10,44 metros de altura y 4,94 metros de ancho estando las alas abiertas. Las esculturas, relieves y adornos están tallados en madera de tilo, excepto algunas partes en madera de pino. El altar en los extremos tiene dos alas móviles, por lo que de acuerdo con el curso del año litúrgico, se puede ver de tres formas distintas.

El periodo de cuaresma las alas exteriores se cierran y se puede apreciar las pinturas de su reverso y las esculturas que lo acompañan, de estas dos imágenes podemos ver a la izquierda a san Jorge y a la derecha san Florián. En el centro cuatro pinturas que hacen referencia a: en la parte izquierda superior, Doce años de edad, Jesús en el Templo; en la parte izquierda inferior, la madre de Jesús; en la parte superior derecha, las bodas de Canaá; y en la parte inferior derecha, Resurrección de Jesús.

Si pudieramos ver el retablo con las primeras alas abiertas y el frente cerrado por las alas exteriores, nos muestran dos temas: la vida inicial de María y los primeros momentos de Jesús. En total podemos ver ocho relieves, en la parte del ala de la izquierda, podemos ver en el superior, el templo de María; y en el inferior el sueño de San José. En el ala abierta a la izquierda sobre la parte central del retablo podemos ver, en la parte superior Joaquín y Ana; en la parte inferior, Circuncisión de Jesús. En el ala abierta a la derecha sobre la parte central del retablo, nos muestra, en la parte superior, la Visitación ; y en la inferior la Adoración de los Reyes Magos. Sobre el ala situado a la derecha del extremo del retablo, en la parte superior, el Matrimonio de la Virgen ; y en la inferior, la Huida a Egipto.

La tercera posibilidad del retablo es abierto con las alas interiores abiertas es la más monumental y solamente se abría en los días festivos y en los días reservados a las fiestas de la Virgen. En total hay siete relieves de una gran belleza. En el ala izquierda, en la parte superior esta dedicado a la natividad de María; en el inferior, la Presentación en el Templo. La parte central del retablo, están los relieves con las figuras más grandes, de izquierda a derecha: Santa Catalina, la Virgen con el niño y Santa Bárbara.

En las alas de la derecha, en la parte superior el relieve de la Anunciación del Señor; y en la parte inferior, la muerte de la Virgen.

En la predala del retablo se han perdido los relieves originales y en su sustitución se pusieron las imágenes de san Vicente, Natividad, san Lorenzo.

En la parte alta, hace referencia a los pináculos góticos de la catedral de Señor se representan deferentes santos y apóstoles del evangelio.

En la parte posterior del altar esta pintado y su tema central es el juicio final, se puede ver a Cristo Juez, la resurrección de los muertos, san Juan Bautista, entre otros.

En el coro de la izquierda hay un tríptico de estilo neogótico fue construido en el siglo XIX por Holzfachschule Hallstatt, en el panel central esta dedicado a la Crucifixión de Cristo. Los paneles laterales representan cuatro escenas de la vida de Jesús.

Entre los otros tesoros góticos que se pueden contemplar en el interior de iglesia destaca un crucifijo a tamaño natural, fue tallado por manos de alguno de los maestros Astl, está situado en la entrada principal y fue tallado probablemente alrededor de 1515 a 1520. El Crucificado muestra las mandíbulas con un rigor ascético entre sus características, tiene las mejillas hundidas.

La iglesia tiene un pequeño tríptico, que ahora está instalado en la entrada norte de la iglesia. Fue construido alrededor de 1450 y es el trabajo de un minero local desconocido. El centro se representa una escena de la crucifixión de Cristo, las alas laterales se puede apreciar que son una copia, las originales fueron arrancadas y robadas en 1987 que desde entonces no se han recuperado y se mando sustituir por unos dibujos de los originales para poder contemplar el sentido del mensaje.

En el exterior de la iglesia se levanta un pequeño cementerio destaca porque todas las tumbas tienen un pequeño tejadillo de madera para proteger las inscripciones y la cruz, como si se tratase de una segunda morada.

En la parte más alta se encuentra una pequeña capilla, en su interior se halla el osario de Hallstatt. Ya hemos comentado donde se encuentra situada la ciudad, es como una isla porque esta limitada por el lago y por la montaña. La localidad estaba aislada y con un terreno muy limitado, el suelo era necesario para el crecimiento por lo que el cementerio no podía crecer.

Para solucionar el problema de espacio en el cementerio se aprueba en el siglo XVIII que las tumbas deben desalojarse pasado entre 10-15 años, cuando el sepulturero considera que solamente quedan los huesos mayores. En 1720 fueron exhumados los huesos más antiguos y se crea el osario donde fueron depositados ordenadamente y bien identificados para que sus familiares pudieran visitarlos. Para poder identificarles se ponen los nombres y apellidos en los cráneos, algunos familiares empiezan a pintarlos y comienza la tradición de la pintura de las osamentas de Hallstatt.

El horario de entrada al Osario de Hallstattes de 10 a 18 horas y el precio de entrada para los adultos 1.50 euros y los niños 0.50 euros

El osario en Hallstatt contiene unos 610 cráneos pintados. La mayoría corresponden a la exhumaciones del siglo XVIII y la otra parte son del siglo XIX. La traición de la pintura del cráneo se realiza principalmente durante el siglo XIX y pertenece a una cultura que estaba muy extendida.

El traslado al osario desde la tumba se celebraba un nuevo funeral por el difunto, recogiendo el cráneo y los huesos y era una forma de tener una especie de segundo entierro. La pintura y las letras dan al cráneo su particular forma de identidad para que sea reconocido por los miembros de la familia, por su nombre, su iniciales o simplemente por un dibujo o una marca.

Entre los numerosos dibujos que adornan los cráneos la mayoría se tratan temáticas vegetales , con hojas, rosas, cruces; podemos encontrar varios cráneos de la familia Kogler, a Theresia Wesencauer, a Josefa y Wolfgrang Pilz 1875-1855; a Josefa Köfsler, entre otros muchos.

El osario se levante en la capilla de San Miguel del cementerio, la planta baja o cripta es del siglo XII y esta dedicada al osario. El espacio de la capilla gótica contiene una pintura también gótica donde se puede a san Miguel con la balanza para pesar las almas. En la parte frontal del Este está el altar barroco de san Miguel fue donado 1612 de Salzfertitger Eysl. El púlpito barroco en la pared Norte procede desde el año 1905 en el que fue retirado de su lugar original en la iglesia parroquial.

Aquí damos por finalizada nuestra visita a Hallstatt, la verdad es que no hemos tenido mucha suerte con el tiempo y no ha dejado de llover, lo que seguramente influirá en el resultado final del reportaje fotográfico.

Nuestro siguiente destino es la capital Viena, nos separan unos 300 Km . y el tiempo estimado en llegar sobre las 3 horas y 36 minutos.

Enseguida se nos echa encima la hora de la comida, decidimos parar en la población de Bad Mitterndorf y aprovechamos porque hemos visto un pequeño centro comercial con un Supermercado Spar, mientras preparamos la comida tenemos oportunidad de comprar algunos productos que nos hace falta y pan del día.

El resto de la tarde lo emplearemos en hacer el recorrido hasta Viena. Habíamos pensado estar dos días en la capital y luego trasladarnos hasta Venecia para estar un día más, pero hemos decidido invertir las fechas y estaremos un día en Viena y dos días en Venecia.

El área de autocaravanas en la ciudad de Viena (Austria) se llama Reisemobil Stellplatz Wien. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N48.13675//E16.315598 .

El área se encuentra situada a las afueras de la ciudad de Viena pero dentro del anillo central con transporte directo en metro a la ciudad, tiene 167 plazas de aparcamiento con todos los servicios: dos vías de vaciado y llenado de agua potable, luz, wifi, restaurante. Esta área de autocaravanas ofrece de las mejores imágenes que puede tener una ciudad para que el autocaravanismo se convierta en una realidad y sea un nuevo motor para la economía.

Día 27 de agosto (miércoles)

Ruta: Viena- Wolfsberg

A primera hora de la mañana marchamos a visitar la ciudad de Viena. Cuando llegas a una ciudad media y además una de las capitales europeas y quieres hacer una visita relámpago es muy importante conocer los medios de transporte para no perderse en la vorágine de las ciudades.

El área de autocaravanas ha sido instalada en un lugar excepcional situado a las afueras de la ciudad, entre sus sinergias es que cuenta con una parada de metro a 50 metros y se halla situada dentro de la almendra central.

Salimos a la izquierda del área y enseguida vemos las vías del metro como cruzan por un puente aéreo toda la calle, en la memoria nos parece algunas de las estaciones del metro de la ciudad de París. La estación de metro se llama Perfektastrabe, es la penúltima de la línea U-6. El precio del transporte es de 2,20 euros por persona, se saca en expendedores automáticos, deben de ser validados a la entrada y sirve durante una hora para el metro y autobús.

La línea U-6 ((U-Bahn) comunica el norte con el sur de la ciudad y permite el acercamiento hasta el centro urbano. Tomamos el vagón en dirección a la estación Floridsdorf, en diez paradas estamos en la estación Westbahnhof, línea U-3, cambiamos de línea en dirección Simmering, en seis paradas nos bajamos en la estación Stephansplatz City, allí cambiamos de línea en la U-2 en dirección a Reumannplatz, una parada llegamos a nuestro destino Karlsplatz.

Nuestro primer destino es la Academia de Bellas Artes de Viena, se encuentra situada en la calle Schillerplatz 3, el horario es de 10 a 18 horas, el precio es de 8 euros y la entrada reducida 5 euros. Pagamos 5 euros por los derechos a utilizar la cámara fotográfica sin flash.

La primera impresión que tenemos es que no hay nadie esperando en la entrada lo que denota que no esta suficientemente publicitado el museo y quizás esta fuera del circuito turístico de Viena. Aunque en sus paredes se cuelgan las esencias de la pintura europea desde la Edad Media hasta el siglo XIX, con obras imprescindibles de los mejores pintores que ha dado el mundo. No se si tendrá relación pero el Museo no tiene una guía en castellano, la audio guía tampoco contempla nuestra lengua solamente se puede escuchar en alemán o ingles, la disposición de la muestra tampoco obedece a un recorrido pictórico muy bien diseñado porque se comienza por el siglo XIX para ir viendo obras hasta llegar a las más antiguas y el regreso se hace por otro de los pasillos que nos devuelve al siglo XIX, la iluminación no es la adecuada para este tiempo de obras, en definitiva es como penetrar en un museo a través del túnel del tiempo, tiene su importancia y su valor pero seguramente una parte de la población necesita otros atractivos. La visita la hacemos como ya he dicho prácticamente solos y esto hace mucho más atractiva la visita porque podemos ver cada una de las obras como a nosotros nos gustaría de ver los museos, ver el tríptico del Bosco para nosotros solos es un lujo que estamos dispuestos aprovechar.

La Academia de Bellas Artes de Viena fue una institución fundada en 1692 por el pintor de la corte Peter Strudel que fue acumulando algunas de las obras de su tiempo, a su muerte en 1714 la academia se cerró.

La elección del nuevo emperador Carlos V en 1725 se volvió abrir la academia y se nombro director Jacob van Schuppen. Como curiosidad mencionar que en 1908, el joven Adolf Hitler intentó dos veces inscribirse en la Academia de Bellas Artes de Viena.

La primera de las obras que podemos contemplar se titula “Autorretrato” obra del pintor Heinrich Friedrich Fuger, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1807; tiene unas medidas de 71 x 57 cm .

Heinrich Friedrich era un pintor alemán de la corte, profesor y subdirector de la academia, era un pintor clásico que había consolidado su técnica porque se traslado a Italia donde aprende a pintar grandes frescos.

El siguiente cuadro se titula “Retrato del hijo del pintor a la edad de cuatro años”, obra de Heinrich Friedrich Fuger, esta datado en 1795, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 110 x 89 cm .

El pintor nos muestra a su hijo con un pincel a la derecha y la paleta a la izquierda, lo que nos deja claro que se trata de un retrato personal de su entorno más íntimo.

Otro de los cuadros del maestro “La muerte de Germánico”, obra Heinrich Friedrich Fuger, esta dato en 1789, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 155 x 235.5 cm .

La obra nos muestra un tema clásico como fue la muerte del general romano Tiberio Druso Nerón, se le conocía con el nombre de Germánico por sus victorias en las batallas de Alemania. Su popularidad fue muy grande y por envidias en la corte el emperador romano le envía a Siria, allí sufre el envenenamiento, al encontrarse mal se retira a Antioquia gravemente enfermo, para morir rodeado de sus amigos y su familia.

El siguiente cuadro es del mismo pintor “Alcestis se sacrifica por Admeto”, obra de obra Heinrich Friedrich Fuger, esta datado en 1805, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 194 x 139 cm.

El cuadro nos presenta la leyenda griega de Alcestis donde la protagonista llega a ofrecer su vida para salvar la de su esposo, este acto nos ha llegado a nuestros días como un símbolo del autosacrificio en el matrimonio. Este mito de la antigüedad nos muestra un cuadro de un amor que es capaz de poner al ser amado en primer término, y no porque se tengan esperanzas secretas de recompensa futura, sino porque no existe otra elección posible para el corazón.

El siguiente cuadro es “Retrato del escultor Franz Zauner” obra de Johann Peter Krafft, esta datado en 1813, realizado en óleo sobre lienzo.

La obra nos muestra a Franz Zauner era un gran escultor clásico austriaco, llegó a ser profesor y consejero director de pintura y de escultura de la academia de Viena, fue un escultor que realizo sus grandes obras principalmente para la corte.

Uno de los cuadros más interesantes “Sala de pintura de la Academia de Viena en el edificio de Santa Ana”, obra de Martin Ferdinnand Quadal, obra realizada en 1787 en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 144 x 207 cm .

El cuadro nos presenta un instante de una escena de las clases de pintura y escultura en la Academia de Pintura de Viena. Un figurante desnudo posa para distintos artista, mientras sus profesores intentan hacer algunas indicaciones.

El siguiente lienzo representa “Retrato de la emperatriz María Teresa, reina de Hungría y Bohemia” obra de Martin van Meytens, esta datado en 1759, realizado en óleo sobre lienzo.

Este cuadro tuvo numerosas variantes pero todas más o menos ofrecían la misma forma de presentar por lo que hay que pensar que era una pintura institucional. En ella aparece la emperatriz vestida con un bonito vestido de seda y encajes azules, lleva cubierta una capa roja, esta sentada sobre el trono real, en su mano derecha porta el cetro y sobre la otra esta la corona imperial.

Pasamos a la zona del museo donde se exponen una colección de cuadros italianos.

De la pintura veneciana “El puente del canal de Cannaregio en Venecia” obra de Michele Marieschi, realizado en óleo sobre lienzo,

Michele Marieschi es uno de los representantes de la escuela vedutista veneciana –termino que se emplea para indicar los pintores que utilizan las perspectivas urbanas para pintar un paisaje– la imagen representa la vida alrededor del Ponte delle Guglie da nord sobre el canal de Cannaregio de Venecia.

El siguiente cuadro “Alegoría de un día: Featón y Apolo”, obra de Giovanni Battista Tiepolo, esta datado en 1730, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 68x53 cm.

El cuadro representa la leyenda entre Featón y su padre Apolo, este era el dios del Sol. Su hijo quiere que le deje por un día conducir la carroza del Sol, en ese momento perdió el control de los caballos y se precipitaron sobre la Tierra produciendo un enorme incendio. Los gritos despertaron a Zeus, el rey de los dioses, lanzó un rayo a la carroza, Featón murió y los caballos cayeron al mar. Se hizo una enorme ola que apago el fuego de la tierra,

Volviendo a la pintura veneciana “Vista del gran Canal con la iglesia de Santa Lucia y Santa María de Nazaré”, obra de Francesco Guardí, esta datado 1780, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 63x89 cm.

Francesco Guardí fue un pintor veneciano que heredo el taller de su padre, se casó con la hija del pintor Matteo Pagani también había emparentado por medio de su hermana con Tiepolo, por lo que su vida se desarrollo dentro del arte. Su primeras vedutas están influenciadas por Canaleto, aunque Guardi ponía en sus lienzos además de arquitectura un poco de su alma.

Del mismo autor el cuadro “Gran Canal con San Simeone Piccolo”, obra de Francesco Guardí, esta datado en 1780, realizado en óleo sobre lienzo.

El cuadro reproduce un tramo del Gran Canal de Venecia, es una perspectiva dominada por el agua y las barcazas, a ambos lados se levantan los edificios del canal, en primer termino domina la figura reconocible de la iglesia San Simeone Piccolo y su enorme cúpula con su escalinata a la entrada inspirada en el Panteón de Roma.

Del mismo autor y siguiendo con la pintura veneciana “La placeta y la Biblioteca Marciana”, obra Francesco Guardí, esta datado entre 1770 y 1775, realizado en óleo sobre lienzo.

En esta ocasión Guardí nos ofrece una instantánea costumbrista en esa zona de la plaza de San Marcos de Venecia. La composición esta dominada por la Biblioteca Marciana , era el lugar donde se guardaron una importante colección de códices y libros, manuscritos e incunables. Al fondo se ven las columnas de san marcos y san Teodoro. El pintor trata de inmortalizar este lugar tan concurrido de Venecia con importantes actividades públicas.

Siguiendo con el mismo tema “Plaza del mercado Venecia con la torre del Reloj” obra Francesco Guardí, esta datado entre 17701 y 1775, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas dimensiones de 62,5 x 89,5 cm .

La veduta nos presenta la zona más reconocible de Venecia, se trata de la plaza de San Marcos, en su imagen costumbrista el pintor nos muestra los puestos callejeros con sus lonas zarandeadas por el viento.

El siguiente cuadro es el fruto de la colaboración de los dos hermanos “Los cuatro Evangelistas y la Santa Trinidad” obra de los hermanos Francesco y Gianantonio Guardi, pintado en la ciudad de Venecia, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1740 y 1745.

El cuadro se desarrolla en dos mundos distantes: en uno aparecen los cuatro evangelistas pintados con sus atributos, están divididos por un espacio de separación que corresponde al cielo, en la parte superior aparece la figura de la Santa Trinidad donde aparece Jesucristo con dos naturalezas distintas: la de Dios y la de hombre.

El siguiente cuadro es otro de los lienzos de la colaboración de los dos hermanos “Los cuatro Padres de la Iglesia y la Virgen Dolorosa con sus siete dolores” obra de Francesco de Gianantonio Guardi, pintado en la ciudad de Venecia, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1740 y 1745.

El cuadro sigue el modelo anterior mostrando dos escenas diferentes unidas por el cielo: en la de abajo se muestra lo cuatro padres de la Iglesia , obispos en su mayoría, de los primeros siglos del cristianismo, cuyo conjunto doctrinal es considerado fundamento de la fe y de la ortodoxia en la iglesia católica: San Agustín de Hipona, San Gregorio Magno, San Ambrosio de Milán y San Jerónimo de Estridó; en la parte superior se representa una escena con la virgen de los Dolores atravesada por los siete dolores.

Otra de las pinturas típicamente veneciana “La iglesia de Santa María de la Salute en Venecia” obra de Francesco Guardí, realizada en Venecia, esta datada entre 1760 y 1765, realizada en óleo sobre lienzo.

La obra nos representa en el centro del canal y en el último plano la iglesia de Santa María de la Salute , en el centro se halla el canal atravesado por sus barcazas y en el primer plano hay unas escenas cotidianas de la vida en Venecia.

Más adelante otra de las obras venecianas “Los bancos en la orilla del piezzetta de Venecia”, obra de Francesco Guardí, realizada en Venecia, esta datada entre 1760 y 1765, realizada en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 72,5 x 80,5 cm .

Otra de las obras costumbristas venecianas del pintor Francesco Guardi, donde en el primer plano nos muestra diferentes gentes en su vida cotidiana, en el centro una mariana; y en el fondo los monumentos situados enfrente de la Piazzetta de Venecia.

Pasamos por la zona del museo dedicada a la pintura holandesa en su sección que da titulo “la burguesía holandesa del siglo XVII en la pintura”. La cultura uniforme de las provincias unidas de los Países Bajos, esta dominado por la influencia de la iglesia reformista. Esta burguesía se hace más importante al proclamarse la paz después de la Guerra de los Treinta Años, geográficamente esta limitado por la región de Bélgica dominada por los Habsburgo de España y su correspondiente contra-reforma. Las provincias del norte se emanciparon definitivamente de la corona española después de una guerra que duro veinticuatro años. Los Países Bajos no están dirigidos por un rey absolutista, mientras que el poder político recae en una Junta General de los siete representantes de las provincias del Norte con sede en La Haya. La iglesia reformista constituye la asamblea de Iglesias protestantes, dando lugar a una liturgia de la iglesia calvinista donde se destierra toda referencia religiosa en la pintura.

De esta forma el arte hace un giro y sale de las iglesias para llegar a la recién acomodada burguesía para convertirse en sus mecenas, bien dotada y con muchos conocimientos, quieren decorar los salones de sus casas con este nuevo estilo de pintura. La burguesía quiere inscribirse dentro del arte por medio de la imagen donde se pinta el renacimiento de un nuevo modelo social que pone de manifiesto su modo de vida y de su país.

La pintura holandesa constituyo el Siglo de Oro, nombre que recibió de los propios holandeses, se caracteriza por una manifestación extraordinaria ante los ojos, una forma diferente de representar la superficialidad de las cosas: el realismo de toda referencia a lo material es la base principal de la pintura holandesa.

Se produce una especial atención sobre la pintura de las naturalezas muertas, como también, la profusión de imágenes donde se reproducen la vida cotidiana de los holandeses por medio de la pintura, se hace creer, por medio del realismo aparentemente sin mucha profundidad, todo se representa mediante los nuevos valores morales del calvinismo, que recuerda la vanidad de la vida en la tierra.

La academia de Viena a logrado colgar en sus salas una vasta colección de lienzos que corresponden con este periodo de la Edad de Oro de la pintura holandesa.

Uno de los cuadros más impactantes “Naturaleza muerta”, obra de Jan Davidsz de Heem, esta datado en 1655, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 111,5 x 170 cm .

Este pintor flamenco fue uno de los más destacados del genero del bodegón combinando una gran armonía de los colores con una exacta representación de los objetos, en este caso, emplea como centro del cuadro un loro que trata de picar una bandeja, a su lado una pata de jamón cocida de cerdo, los racimos de uvas cuelgan desde distintas partes del cuadro, una bandeja con ostras abiertas, pan, frutas y distintos ornamentos completan el cuadro.

Del mismo genero de bodegones “Bodegón de frutas“, obra de Willem van Aeslt, realizada en óleo sobre lienzo, esta datado en 1671.

Willem van Aeslt se desplaza a Francia para pintar y después a Italia donde adquiere la madurez, su carrera hay cuatro tipos de naturalezas muertas: bodegones de flores, de frutas, piezas de desayuno y bodegones de aves, con o sin atributos de caza. Sus naturalezas muertas acusan los influjos de Jan Davidsz. De Heem. En este caso utiliza los claro oscuros para aumentar el dramatismo de la obra.

De las obras costumbristas holandesas “Personajes y Música” obra de Jan van Bijlert, realizado en óleo sobre lienzo; esta datado en 1629; tiene unas medidas de 40 x 69 cm .

En el cuadro se muestra varios artistas tocando sus instrumentos en una taberna mientras las mujeres sirven el vino.

Otro de los artistas holandeses pinta el cuadro “Feliz compañía” obra de Pieter Codde, realizado en óleo sobre madera de roble, esta datado en 1633; tiene unas medidas 49 x 76,5 cm .

El cuadro muestra dos tipos de amor, en un lado vestidos de negro el amor de la familia, en el otro de vivos colores se representa el amor por el placer donde aparecen: músicos, cantantes y bailarines.

Uno de los cuadros más representativos de este periodo “Retrato de una familia de Delft”. Obra de Pieter de Hooch, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1658; tiene unas medidas de 114 x 97 cm .

El pintor encarna uno de los artistas más clásicos de su genero con una clara influencia de Rembrandt su estilo se caracteriza por el refinamiento lírico de la composición pictórica y por una gran maestría en cuanto a la profundidad espacial.

Uno de los cuadros más especiales “Grupo de caballeros reposan delante de una taberna” obra de dos pintores Pieter de Molyn y de Gerard Ter Boch, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1634

Este es uno de los cuadros que se pintaban entre dos pintores, era una forma de trabajar, hay que pensar que la pintura constituía casi un arte industrializado y era normal la colaboración entre dos pintores. En este caso Pieter Molyn pinta los paisajes y sus electos como la cabaña y el albergue, mientras Gerard Ter Boche se dedica a los personajes, la silla de montar y los caballos.

Se puede analizar en el cuadro los dos distintos estilos de pintura, los dos autores firman sin ningún rubor la autoría de la tabla lo que confirma las dos manos que trabajaron en el lienzo desde la preparación hasta la ejecución de la pintura.

Este cuadro es una rareza dentro de la exitosa pintura holandesa del siglo XVII, se puede ver a varios viajeros que reposan delante de un albergue en una ciudad. Es una forma general de mostrar las vestimentas urbanas de unos viajeros en un paisaje rural.

Otro de los cuadros holandeses “Autorretrato en traje de pastor” obra de Barent Fabritius, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1654-1656; tiene unas medidas 79 x 64 cm .

El cuadro puede tratarse del retrato de su hermano Carel o bien de su propio autorretrato porque tiene una cualidad y es que mira directamente al espectador. En la cabeza lleva una gorra negra con una pluma, debajo cae su pelo castaño ondulado que tapa una parte de la cara hasta ocultar parte de los hombros. Su pecho se envuelve alrededor de un collar de hojas y destaca el pañuelo blanco que sale de su cuello. La mano izquierda se apoya en un palo que termina de una punta de lanza.

La vigencia de esta pintura es por la forma de inmortalizar un instante en la vida con una gran nitidez y constituye uno de los ejemplos del arte holandés.

Otro de los ejemplos más notables “Naturaleza muerta en falsa pintura”, obra de Samuel van Hoogstraten, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1655.

Samuel van Hoogstraten fue el primer alumno de su padre que también se dedicaba a la pintura, marcho a Ámsterdam donde entro en la escuela de Rembrant. Durante su vida de artista se convierte en un pintor diferente y se distingue su obra como un teórico del arte y se dedica a escribir un tratado de teoría del arte.

El cuadro es una puerta pintada hiperrealista para crear una ilusión óptica de que se puede tocar. El paño con sus pliegues esta tan bien hecho que quiere cogerlo, la luz juega un papel importante en este tipo de pinturas.

En otro apartado de pintura “Lugar tranquilo”, obra de Wigerus Vitringa, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1690.

Wigerus Vitringa fue un artista que vivió poco tiempo y no han quedado muchas de sus obras, estudio arte y principalmente hizo grabados hasta que se quedo ciego

Una de las obras más importantes del museo “Retrato de una mujer joven”, obra de Rembrandt Harmensz Van Rijn, esta datado en 1632, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 92x71 cm.

La imagen representa la cima de la pintura del retrato conocida con el nombre de Edad de Oro del siglo XVII, donde se caracteriza por una forma de arte minimalista, puro y sin embargo, con una propia expresión llena de vida.

Rembrandt pinta el retrato sobre un fondo negro para hacer más evidentes las características faciales y el vestuario de la persona retratada. Ya de antemano podemos ver que su vestimenta esta influenciada por sus convicciones religiosas calvinistas. Ella habla al espectador a través de sus expresiones faciales, sus gestos sutiles. Lleva un vestido marrón oscuro, casi negro, destacan las puntillas blancas de sus manos, el tocado blanco y el cuello de la época, esto nos indica que la religión esta por encima de su pompa exterior y que las puntillas son un mero apunte de su vanidad exterior.

El encaje se mantiene unido por medio de un cordón de joyería y oscurece el cabello gracias al peinado hacia atrás de la joven. En sus manos se puede leer y ver las huellas que significa que estaba familiarizada con el trabajo físico y también que era una mujer enérgica por la forma que se ha sentado utilizando el reposabrazos de la silla y la forma de expresión de la mano.

La pintura holandesa no se aparta en algunos momentos de los temas religiosos “Erección de la Cruz”, obra de Leonard Bramer, realizado en óleo sobre madera, esta datado en 1630; tiene unas medidas de 79 x 59 cm .

Leonard Bramer era un pintor un poco ajeno a la moda de la época y pintaba temas religiosos y de historia, quizás por su formación se inclino por una obra pictórica más parecida a la italiana que a la holandesa. Su estilo es nervioso, pero su técnica, la pintura de la reflexión de la luz, es muy buena.

La obra de la Erección de la cruz es una de las tablas que constituyen el ciclo de la Pasión de las trece partes en que dividió la obra el autor en 1637. Lleno de dramatismo se ve la escena de la erección de la cruz, donde Bramer utiliza todos los resortes de un estilo pictórico expresivo: para mostrar los cuerpos en torsión y mostrando el movimiento dentro de una escena fantasmagórica donde destacan los colores del cielo para utilizarlo como soporte para conferir una atmósfera de opresión intemporal.

Otra de las obras que mantienen la llama religiosa “Adoración de los pastores”, obra de Benjamin Gerritsz Cuyp, realizado en óleo sobre madera, tiene unas dimensiones de 38,5 x 55,5 cm .

La luz procedente del cielo domina la escena de esta Adoración de los pastores, donde el primero que se sitúa en la escena se queda impresionado en su cara, el niño no sale muy favorecido y tanto María y José han quedado bajo la atenta mirada del cielo.

Uno de los cuadros más famosos del museo es “Retrato de un niño joven Adonis”, obra de Nicolaes Maes, obra en óleo sobre lienzo, esta datado en 1670; tiene unas medidas de 72,8x 63 cm .

Esta obra corresponde con los gustos de la segunda generación de burgueses holandeses donde se representa la vida de otra forma distinta a la que había dado lugar durante la primera parte del siglo XVII. La primera generación de ricos burgueses del siglo daban más énfasis en la persona, sin pretender ostentación pero sin reprimir que verdaderamente son burgueses; en esta parte del siglo la siguiente generación hace mucho más énfasis en la vestimenta que en la propia piel. Después de las guerras con Francia, se ven salpicados de las vestimentas procedentes de las monarquías francesas.

Nicolaes Mes fue un aprendiz dentro del taller de Rembrandt, su pintura esta profundamente influenciada por la fortaleza de su anciano maestro: los colores y las sombras, la pesada materia, las composiciones y los sujetos pictóricos, todo rememora la obra de Rembrandt, en particular los retratos.

Pero de repente en 1660 llegan unas nuevas tendencias que empujan a la aristocracia y de esta forma se consagra más y más el retrato mundano.

Dentro de los retratos de los niños más notables de la sociedad, se inspiran en la mitología griega para tomarse el rol de los sujetos: el pequeño niño suntuoso quiere parecerse a una coraza romana y emplea una metamorfosis de un Adonis en miniatura dentro de los bosques de Diana.

El siguiente apartado esta dedicado a la pintura flamenca del siglo XVII y la influencia de Pierre-Paul Rubens. Es un estilo completamente identificado con el barroco y de grandes formatos, aunque la colección que ha logrado atesorar la Academia de Viena es de pequeño formato de grandes maestros. Son principalmente modelos y bocetos de trabajos para la elaboración de importantes retablos, también destinadas para la glorificación de una dinastía y grandes obras para decorar los frescos de los techos de algunos palacios.

La mayoría de la obra expuesta perteneció a la colección privada del conde Lamberg que fue adquirida para la decoración de sus apartamentos y para coleccionar preciosas obras de arte, por lo que solamente podía pagar pequeños formatos de obras de arte de los virtuosos de la pintura. El conde probablemente decidiera tener en sus paredes después de apreciar las calidades estéticas de los óleos de Rubens, en una época de clasicismo de la academia de Viena.

El inventario del conde Lamber es de veintiocho obras de Pierre-Paul Rubens, donde dieciséis pinturas son identificadas como de la mano del artista después de las últimas investigaciones de los historiadores de arte.

El primer cuadro que nos muestran “Naturaleza muerta, globo y cacatúas”, obra de Pieter Boel, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1658; tiene unas medidas de 129x168 cm.

Pieter Boel fue un importante pintor barroco holandés, dedico sus esfuerzos para la decoración de la clase más pudiente por lo que en sus bodegones debían de aparecer los objetos más raros y bonitos, su obra ha terminado en los mejores museos del mundo.

Esta naturaleza muerta es un ejemplo de una reunión de objetos que nos muestran como era la vida decorativa en los Países Bajos en el siglo XVII. Nos muestra una amplia variedad y ricas piezas de la época.

Se aprecia una fastuosa orfebrería acompañado de bellos objetos exóticos: un globo terráqueo donde se ve con detalle el mapa del mudo, libros de música, varios instrumentos musicales, un tapiz fabricado en royale des Gobelins, dos preciosas piezas de porcelana China, una cacatúa revolotea por el interior del cuadro y un perro mira su presencia.

La obra más importante de este periodo “Bacanal: Sileno soñando” obra de Pierre-Paul Rubens, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1610; tiene unas dimensiones de 158x217 cm.

Rubens pinto a Sileno soñando después de regresar de su periodo por Italia entre 1610-1612 y es una de las obras más notables del pintor donde muestra una madurez absoluta de sus trazos.

El lienzo muestra una aparente desequilibrio en la composición: el grupo de figuras formado por Sileno borracho, esta acompañado de Baco y Ménades, forman un contra punto con la opulencia de garrones, vasijas, copas etc; todo realizado en oro, plata y cerámica. Rubens es un pintor que cuenta una historia en sus retratos en esta ocasión lo utiliza para dominar el cuadro con un sentido material consiguiendo una mezcla de un verdadero bodegón.

Los seis siguientes cuadros “Bocetos con el diseño para los frescos de Amberes”, Pierre-Paul Rubens, están datados en 1620; tiene distintas dimensiones.

El conde Lamber atesoraba muchos de los diseños de Rubens porque le gustaba el coleccionismo y no podía comprar los inmensos cuadros que había pintado Rubens para las cortes occidentales, se conformaba con reunir los bocetos del pintor.

Otro de los bocetos importantes “ La Madonna della Vallicella adorada por los Serafines y Querubines” obra Pierre-Paul Rubens, esta datado en 1608, realizado en óleo sobre madera.

En este caso el boceto reproduce la obra que Rubens realizo en su viaje por Italia, fue un encargo para la iglesia de la Vallicella de Roma, también conocida como iglesia Nueva.

En el interior de un cuadro se puede ver la imagen de la virgen con su hijo bendiciendo, alrededor de círculos concéntricos esta acompañada de ángeles y querubines.

El siguiente boceto es “La glorificación del rey Jacobo Carlos Estuardo de Inglaterra”, obra Pierre-Paul Rubens, esta datado entre 1631 y 1633, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 64,5 x 47,5 cm .

Boceto de Rubens realizado en Londres por encargo para la decoración de la bóveda del Palacio Whitehall de Londres, residencia oficial de los reyes de Inglaterra.

El arquitecto Inigo Jones diseño la decoración de la sala de Banquetes del palacio donde se ve a Jacobo I en un movimiento de torsión contranatural, esta viendo a dos mujeres la Paz y la Abundancia , abrazadas. Al lado de ellas, sobre las escaleras que conducen al trono, se encuentra la Sabiduría con el disfraz de la diosa Minerva, abajo luchando, aparece Marte el dios de la guerra, luchando duramente contra la Discordia. Debajo de la Paz y la Abundancia se encuentra Mercurio dios del comercio, asiste mirando la disputa de Marte. El mensaje alegórico de la escena: en tiempos de paz, “solamente el rey Jacobo I, florece el comercio”.

El siguiente cuadro es “ La Ascensión de María”, obra Anthonis van Dyck, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1630; tiene unas dimensiones de 59,5x42 cm.

Estamos ante un nuevo boceto este es de van Dyck al que se ha encuadrado dentro del círculo de Rubens porque se trata de un pintor barroco que representa una iconografía religiosa y que fue adquirida para la colección del conde Lamberg.

Siguiendo con la misma temática corresponde con el cuadro “ La Circuncisión ” obra de Pierre-Paul Rubens, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1605; tiene unas medidas de 105x74 cm.

Este nuevo trabajo para la orden de los Jesuitas debía de servir para la decoración de la iglesia de Anvers y además coincide con el viaje a Italia entre los años de 1600 a 1608.

En el año 1604 y después del regreso del viaje a España, Rubens se pone en contacto con las grandes familias de Génova, donde hace escala, y conoce a Nicolo Pallavicino un floreciente banquero de la familia Gozague, quien se hizo cargo de los gastos del viaje del artista.

Para los jesuitas la representación de la Circuncisión es un tema complejo porque se trata de una pintura histórica sujeta a una interpretación religiosa, supuestamente podría crear en los creyentes un sentimiento de compasión. Esta empatía con el hijo de Dios debe de contribuir a acrecentar la fe siguiendo los términos específicos promulgados para la iconografía de la Contra Reforma.

Otro de los cuadros más importantes de la Academia de Viena “Bóreas rapta a Oritia” obra de Pierre-Paul Rubens, realizada en óleo sobre soporte de madera, esta datado en 1615.

Bóreas es el dios del frío y del viento, se puede considerar el dios de invierno, se representa muy fuerte y con un carácter violento. A menudo era simbolizado como un anciano alado con barbas y cabellos desgreñados, llevando una caracola y vistiendo una túnica de nubes. En la escena esta secuestrando a la princesa ateniense Oritía. Bóreas se había encaprichado de Oritía e inicialmente había suplicado sus favores con la esperanza de persuadirla. Cuando esto falló, volvió a su temperamento fuerte y la raptó cuando bailaba en la ribera del río Iliso. Bóreas la recogió en una nube de viento y la llevó hasta Tracia, con ella tuvo dos hijos barones los mellizos Boréadas: Zetes y Calais, y tuvo dos hijas, Quíone y Cleopatra.

Otro de los autores del circulo de Rubens es el cuadro “La violación de las Sabinas”, obra de Frans Francken II, realizado en óleo sobre madera de roble, esta datado en 1620.

El autor corresponde con una familia de artistas dedicados a la pintura su padre se le conocía con el nombre de Frans Francken el viejo. Es un pintor barroco aunque cultivó varios géneros. Muchas de sus obras son pequeñas pinturas de gabinete del tipo históricas, pero también hizo alegóricas y religiosas, cuyo centro de atención son las figuras. En un momento posterior de su vida pintó también grandes cuadros para iglesias.

Dentro de las obras alegóricas “Odiseo visita a la ninfa Calypso” obra de Hendrick van Balen, realizada en óleo sobre madera de roble, esta datado en 1616; tiene unas medidas de 79.5 x 115.5 cm .

Hendrick van Balen fue pintor de gabinete y, en una fase avanzada de su producción, después de 1615, también de grandes composiciones religiosas para las iglesias de la ciudad de Amberes.

Durante su etapa como pintor tiene una influencia manierista, y veneciana, destacando un interés por las contorsiones de los desnudos femeninos de las composiciones mitológicas, en las que no se advierte más cambio con el paso de los años que el abandono de las rígidas composiciones iniciales por unas más dinámicas y mejor integradas en el paisaje.

Este cuadro como otros muchos paisajes es el fruto de la colaboración con el pintor Jan Brueghel que les ha llevado al mayor reconocimiento en los principales museos del mundo.

Otra de las obras de gran interés “El juicio de París”, obra de Pierre-Paul Rubens, realizada en óleo sobre lamina de cobre, esta datado entre 1605 y 1608; tiene unas medidas de 34 x 45 cm .

Esta obra de Rubens es considerada como la obra más poética del pintor, estuvo expuesta en Viena, uno de los últimos trabajos. Es una representación idealizada de la belleza femenina, donde se representan las diosas Venus, Minerva y Juno por un lado, y París acompañados por Mercurio en el otro.

La pintura ilustra el episodio en el que las diosa Paris toma la manzana de oro que le ofrece Mercurio para que le entregue a la diosa más bella, después las diosas fueron condenadas por Mercurio a desnudarse . Este cuadro tiene una curiosidad: porque la segunda esposa de Rubens, Helena Fourment, fue una inspiración para el artista y esta representada en esta pintura bajo la apariencia de Minerva.

La siguiente obra pertenece a otro de los pintores flamencos “Paisaje con un parque y castillo de agua” Obra de Jan Wildens, esta datada en 1622, realizada en óleo sobre lienzo.

Jan Wildens es un pintor de estilo barroco perteneciente a la Edad de Oro de la pintura flamenca, fue maestro de pintura del Gremio de San Lucas de Amberes, marcho a Italia donde recibió muchas influencias en su pintura y a su regreso se convirtió en un colaborador del taller de Pierre-Paul Rubens, encargándose de la realización de numerosos paisajes y fondos de los cuadros de pasajes históricos, también llegaron a emparentar al casarse Rubens con su musa que era Helena Fourment, sobrina de Wildens.

Otro de los artistas del circulo de Rubens se expone “La sociedad juega al aire libre”, obra de David Vinckboons, realizado en óleo sobre tabla de madera, esta datado en 1610; tiene unas dimensiones de 41 x 68 cm .

David Vinckboons es uno de los pintores más importantes de norte de Holanda por la cantidad y calidad de su obra, se especializa y recibe un reconocimiento por su determinación en hacer una pintura donde destacan las elegantes figuras entre paisajes.

Un buen ejemplo de una pintura desconcertante “Bodegón de frutas con un mono”, obra de Jan Fyt, realizado en óleo sobre lienzo; esta datado en 1653; tiene unas medidas 101 x 121 cm .

Jan Fyt fue un pintor y grabador flamenco. Se especializó en la pintura de bodegón y animales, formó parte como maestro del gremio de pintores de San Lucas. Viajo a Venecia y Roma para impregnarse de los maestros italianos.

Este cuadro demuestra sus habilidades en la pintura que se caracteriza por la interpretación de la vida animal en sus más variadas formas. Se le considera muy habilidoso y más cercano en la reproducción del pelaje de venados, perros, galgos, liebres y monos, mientras que en realizar el plumaje de las aves no era tan diestro. Es considerado también el artista de la escuela flamenca más efectivo agregando accesorios a su composición.

El siguiente cuadro es “Retrato de una mujer joven”, obra de Jacob Jordaens, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1637 y 1638.

Jacob Jordaens esta considerado como el último pintor maestro flamenco de la Edad de Oro después de la muerte de Rubens y Van Dick. A diferencia de los pintores de su época no viajo a Italia para estudiar la pintura clásica. Fue uno de los maestro que se dedico a pintar escenas para la elaboración de tapices con una ambientación alegórica y de mitología, aunque ha trascendido mucho más las obras basadas en escenas costumbristas.

Uno de los cuadros es considerado como uno de los iconos del museo y se emplea en su publicidad “Autorretrato a la edad de quince años”, obra de Anthonis van Dyck, esta datado en 1614, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 43 x 32,5 cm .

Anthonis van Dyck es un pintor que comenzó antes el dominio de la pintura, uno de los testimonios más notables es este autorretrato pintado a la edad de 14 o 15 años, más adelante entra como ayudante en el taller de Rubens, después de esta tapa el pintor sufre una dualidad en su pintura, por una parte hace una obra siguiendo las pautas de su maestro, y a la vez hace otro tipo de obras, otorgando a sus figuras un carácter naturalista muy alejado del concepto de Rubens.

Contemplar este autorretratro pintado a tan temprana edad da un significado de que siguiendo su progresión como pintor llegó a ser uno de los pintores con una obra más extraordinaria de todos los maestros flamencos del siglo XVII.

Otra de las mejores perlas del museo es “Retrato de una dama elegante”, obra de Gaspard de Crayer, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1620; tiene unas medidas de 82,5 x 65 cm .

Gaspard de Crayer fue uno de los pintores perteneciente a la escuela flamenca tardía y se inspiro en sus maestros Rubens y Van Dyck, se matriculo en el gremio de pintores de San Lucas de la ciudad de Brabante.

Para terminar con una selección de obras flamencas de los pintores del círculo de Rubens “Las tres gracias”, obra del propio Peter Paul Rubens, esta datado entre 1622 y 1624, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 119 x 99 cm .

El tema de las tres gracias fue tocada varias veces por Rubens, aunque el cuadro más famoso es el que compro el rey Felipe IV después de la muerte del pintor a sus herederos y se encuentra en el museo del Prado de Madrid.

En el caso del cuadro del Prado, además de la monumentalidad del tamaño, el pintor pinta una mujer menos idealizada que en el cuadro de Viena, pero además es que el cuadro es tan cercano porque dos de las mujeres que aparecen corresponden con las dos esposas que tuvo en su vida.

Este cuadro es mucho anterior al del Prado y en el se muestra la belleza tal como todos la buscamos, en su máximo exponente. Rubens pinta a tres mujeres jóvenes con la piel tersa, con el pelo largo y rubio, elevando una bandeja de flores mientras las rosas decoran los espacios libres del cuadro.

La siguiente sección del museo esta dedicada a la pintura italiana y española del siglo XVII.

Este periodo de tiempo es considerado para la pintura española como el siglo de Oro. El conde Lamberg estuvo muy interesado en la adquisición de las obras que hemos visto anteriormente de los artistas flamenco, sobre todo en las de pequeño formato, el también pudo reunir una buena colección de obras de artistas italiano y españoles.

Los pintores barrocos italianos fueron muy importantes se distingue un grupo de maestros napolitanos porque sus obras de arte eran en gran formato, entre los que destacamos Luca Giordano, Pierre de Mattia Preti, Nicolà Malinconico o Giuseppe Recco.

La academia no cuenta con grandes obras de la escuela española quizás porque la obra no se internacionalizaba tanto pero algunos de los maestros exportaban sus obras al exterior, se puede ver obras de Carreño y de Murillo.

En contraposición de las obras flamencas que hemos visto anteriormente, la obra italiana y española no abandona completamente el nexo de unión con la iglesia católica, es sabido que es el primer cliente de los pintores para llenar las paredes de las iglesias. Los paisajes sigue la misma evolución pero siempre un cierto matiz religioso, para diseñar las pinturas con alegoría o la pintura mitológica no se expresan con la libertad de los artistas flamencos, también toca historias del tipo costumbristas que consigue realzar lo más profundo de la vida contemporánea, mientras que los artistas flamencos pintan una vida más idealizada porque el destinatario de las pinturas eran burgueses y querían ver en sus paredes la grandeza de sus semejantes y no las miserias de las calles.

La primera serie de pequeños cuadros “Escenas mitológicas” obra de Filippo Lauri, esta datado en 1650, realizado en óleo sobre plancha de cobre.

Filippo Lauri estudio pintura en Roma y llegó a ser el director de la academia de pintura. Fue uno de los pintores que mejor supo interpretar los paisajes italianizantes, gustando de realizar unas buenas perspectivas arquitectónicas pero además pintó bodegones.

Los bocetos que se exponen llegaron a manos del conde Lambert y corresponden con escenas para la consecución de algún encargo para la elaboración de frescos.

Unos de los ejemplos de la temática religiosa “ La Trinidad ante san Blas, san Raimundo y san Antonio”, obra de Beltrano Agostino, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1650 y 1654; tiene unas medidas de 76 x 55 cm..

Este cuadro fue pintado para el altar de san Blas de la iglesia de santa María Della Sanita de Nápoles.

El programa icnográfico de la capilla de la iglesia de santa María estaba dedicado a la veneración del obispo san Blas, se encuentra en el centro de la composición con la mano derecha en el acto de bendición a una niña mientras un niño más pequeño pide sus suplicas, según la tradición con dolor de garganta por eso le consideran uno de los patrones de los médicos. A su lado esta flanqueado de dos santos con traje de dominicos, a la izquierda, Raimundo de Pennaforte, con sus atributos: el manuscrito en la mano; a la derecha, san Antonio Pierozzi con sus atributos: el bolso en la mano. Por encima de sus cabezas la santa Trinidad rodeado de ángeles y músicos.

Dentro del apartado mitológico de las obras italianas “Marte y Venus prisioneros de Vulcano”, obra de Luca Giordano, esta realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1670; tiene unas medidas de 232 x 182 cm .

Esta es una escena de la mitología griega clásica, nos habla del triángulo amoroso del dios Vulcano, descrito con unos atributos de fealdad, se casa con la diosa Venus (diosa del amor) pero esta se enamora y comete adulterio con el dios Marte. Vulcano los sorprende y quedo en ridículo ante todos los dioses del olimpo.

De pinceles españoles esta el lienzo “La fundación de la orden de los trinitarios con la primera misa de su fundador Juan de Matha”, obra de Juan Carreño Miranda, esta datado en 1660; tiene unas medidas de 106 x 86 cm .

Esta obra fue realizada por Juan Carreño para la iglesia de los Trinitarios de Pamplona, cuando llegó a la iglesia la orden no les gusto y no firmaron el recibí por qué alteraba la visión del cuadro algunas de las formas de la orden.

El cuadro nos muestra como Juan de Matha durante la celebración de la misa levanta la sagrada forma, le acompaña un grupo de sacerdotes con casullas de oro y plata, en la parte superior aparece un ángel anunciador que apoya sus manos sobre unos prisioneros, uno es cristiano y el otro es musulmán. Juan desde ese momento sabía que tenía que fundar la orden para ayudar a los numerosos prisioneros cristianos. Un poco más arriba esta presidida por la Trinidad acompañado de un coro de ángeles músicos.

Otro de los cuadros de temas religiosos “El sacrificio de Isaac”, obra de Gregorio di Ferrari, esta datado en 1700, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 79,5 x 98 cm .

Esta pequeña pintura llega a la Academia de Viena atribuido al pintor veneciano Sabastian Ricci, con el paso del tiempo se ha podido demostrar que el verdadero autor es Gregori di Ferrari.

La escena es considerada como una prefiguración de la pasión de Cristo en la cruz, ilustrada en el instante de un pasaje de la Biblia donde Abraham se prepara a obedecer a Dios que le ha ordenado el sacrificio de tu hijo Isaac, de esta forma: “Toma ahora tu hijo, tu único, Isaac, a quien amas, y vete a tierra de Moriah, y ofrécelo allí en holocausto sobre uno de los montes que yo te diré”.

Quizás uno de los cuadros del museo al que prestamos mayor atención “Jugadores de dados”, obra de Bartolomé Esteban Murillo, esta datado entre 1670 y 1675, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 148x114 cm.

El pintor español se consagro principalmente al arte religioso, aunque a mitad de su carrera como pintor empezó a realizar una pintura más personal y le llamaba la atención los motivos costumbristas.

Este tipo de escenas Murillo las resolvió con numerosas variantes, en este caso, están dos niños solos mirándose cara a cara, mientras los dados están sobre un tapete, uno de ellas pone la mano para recibir el dinero de la apuesta, mientras el otro con la mano oculta trata de proteger las cuatro monedas que aún le quedan. Están descalzados con los pies ennegrecidos lo que indica que son fruto de las calles y de las malas artes.

Otro de los cuadros de la mitología de artistas italianos “La despedida de Ceres de Júpiter” obra de Domenico Maria Viani, esta datado en 1700, realizado en óleo sobre lienzo.

En el cuadro se pude ver como la diosa Ceres se despide de su esposo el dios Júpiter, este lleva sobre su brazo derecho un águila que revolotea ante la presencia de un angelote, los dos tuvieron una hija que se llamo Proserpina.

Otro de los lienzos donde se toca el tema de la mitología “El Juicio de París”, obra de Francesco de Rosa conocido como Pacecco de Rosa, esta datado en 1645, realizado en óleo sobre plancha de cobre.

Francesco de Rosa fue un pintor barroco napolitano que estuvo el círculo del artista español José de Ribera.

El Juicio de Paris es una historia de la mitología griega en la cual se encuentra el origen mítico de la Guerra de Troya. El protagonista es Paris, es el príncipe troyano que raptó a Helena.

La siguiente sección lleva una cronología inversa y esta dedicada a la pintura italiana que abarca los periodos desde el siglo XIV al siglo XVI. Es un periodo de la pintura que no llego a la mano del conde Lambert, tampoco a los Habsburgo, el museo se nutre principalmente de una serie de donaciones y legados producidos entre el siglo XIX y el XX.

Los principales estilos abarcan desde el estilo gótico pasando por el renacentista hasta llegar al barroco que hemos visto en el apartado anterior, principalmente están representados, Paolo di Grazia, Botticelli, Miguel Ángel, Tiziano, etc.

La primera obra que podemos contemplar “Amor”, obra de Tiziano Vicellio, realizado en 1530, realizado en óleo sobre lienzo.

Es una pintura simplista y un tanto arcaica donde sobre una barandilla se encuentra la figura de cupido, entre sus manos deja entrever un arco y a sus espaldas un capacho con flechas, a sus espaldas un paisaje de una población italiana.

Del mismo autor se presenta “Tarquino y Lucrecia”, obra de Tiziano Vicellio, esta datado entre 1572 y 1576; realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 114 x 100 cm .

El cuadro representa la historia de la antigua Roma donde aparece Tarquino el soberbio, último rey, personaje no muy querido por el pueblo que se vio obligado a marcharse y dar paso a la República por culpa de su hijo que había violado a la joven Lucrecia.

El siguiente cuadro esta atribuido “Sacra Conversación”, obra del Maestro Pintor Italiano, esta datado entre 1540 y 1550, realizado en óleo sobre lienzo.

El cuadro esta presidido por la imagen de la Virgen con el niño en sus brazos, un obispo en el primer plano con su casulla pide interceder, a su lado, en último termino, otro clérigo le acompaña, a la izquierda se encuentra la imagen de San Sebastián mártir con las fechas en su torso.

La siguiente obra no esta muy clara su autoría“Virgen con el niño y el pequeño san Juan”, obra del Maestro pintor de Ferrare, atribuido a Miguel Ángel, esta datado sobre 1500, realizado en temple sobre madera, tiene unas dimensiones de 66 cm de diámetro.

Lo primero que destacar es que la pintura esta en formato circular o tondo, forma que fue muy utilizada por los pintores renacentistas italianos que se inspiraban en obras griegas con forma de disco.

Este cuadro se ha atribuido a Miguel Ángel en sus primeros comienzos, entre otros aspectos son muy semejantes el lenguaje que empleaba en las formas del joven escultor.

El siguiente cuadro es un retrato “El joven Mannes”, obra de Marco Palmezzano, esta datado en el siglo XV, realizado en temple sobre madera, tiene unas medidas de 46 x 40 cm .

Marco Palmezzano fue un pintor y arquitecto perteneciente a la escuela de pintura de Forli de estilo renacentista, se especializó en pintura religiosa aunque hizo algunos encargos civiles como este retrato.

El siguiente cuadro “ La Virgen entronizada con el niño y el ángel”, obra de Francesco d' Antonio, realizado en óleo sobre madera, esta datado entre 1425 y 1430.

La virgen se presenta sobre un gran trono sigue la infografía gótica con su capa verde oscuro con el reverso dorado, su vestido rojo, destaca el cuerpo y los gestos del niño Jesús.

Otras de las obras que se repiten en su formato “ La Virgen entronizada con san Andrés y san Antonio Abad”, obra de Florentiner Maler, esta datada en el siglo XV, realizada en óleo sobre madera.

La virgen esta entronizada, lleva su capa verde oscura en la cabeza la corona, el niño en sus brazos hace el signo de bendición esta acompañada, a cada lado, san Andrés y san Antonio Abad.

Otros de los cuadros más interesantes “ La Trinidad con cuatro santos”, obra de Simone de Bologna, esta datado entre 1360 y 1370, realizado en temple sobre madera, tiene unas medidas de 42 x 55 cm .

La figura central del cuadro representa a Dios padre como sujeta la cruz, simboliza a Cristo muerto, podemos ver en sus extremos cuatro oferentes. El asiento de la misericordia se considera la creación de la imagen medieval más importante para el tema de la Trinidad.

La forma de presentación debe ayudar a ser capaz de imaginar el misterio de la Trinidad mejor: Dios presentó a Cristo a la gente como el que murió por sus pecados en la cruz. El Espíritu Santo, que se interpone entre Dios y Cristo, mediador entre los dos.

Uno de los cuadros más interesantes de le época medieval “Coronación de la Virgen ”, obra de Antonio de Fabriano, esta datado en 1452, realizado en temple sobre madera; tiene unas medidas de 89 x 64 cm .

Originalmente este panel era la parte delantera de un estandarte ejecutado a doble cara y que se llevaba en procesión. El reverso del cuadro representa la estigmatización de San Francisco. Cabe destacar por su rica ornamentación.

La tabla esta data en 1452, es una copia de otra que Gentile da Fabriano había pintado para la iglesia franciscana en Fabriano alrededor de 1420.

El siguiente cuadro “El milagro de San Nicolás de Tolentino”, obra de Giovanni Di Paolo Di Grazia, esta datado en 1456, realizado en temple sobre madera; tiene unas medidas de 50 x 42,5 cm .

El panel cuenta el milagro de San Nicolás de Tolentino, fue beatificado en 1325 y canonizado en 1446. Posiblemente la tabla correspondía con una parte de un tríptico que explicaba la vida del santo, todavía se guarda una parte en la iglesia de San Agustín de Montepulciano.

El siguiente cuadro destaca por su colorido “ La Virgen y el Niño con dos Ángeles” Obra de Alessandro di Mariano Filipepi dit Botticelli, realizado en temple sobre madera, esta datado en 1490; tiene unas medidas de 115 cm .

Botticelli no tuvo gran interés por las posibilidades que ofrece la composición en forma circular o tondo, aunque estuvieron muy de moda en el siglo XV en los paneles de devoción, inspirados en los ornamentos de las sepulturas romanas.

En este caso la composición de la Virgen la adapta perfectamente a la forma circular inclinando la cabeza hacia la derecha mientras que los ángeles la inclinan hacia la izquierda, de esta forma consigue una composición asimétrica. Acentuando las líneas horizontales y verticales por medio de los ventanales del fondo.

El siguiente cuadro medieval “Bautismo de Cristo” obra de Francesco Ubertini conocido como Bachiacca, esta datado en 1520, realizado en temple sobre madera.

Francesco Ubertini fue un gran pintor florentino del renacimiento, se especializo en obras de pequeño formato para el consumo privado; fue contratado por el duque de Medici para la decoración de sus estancias privadas con motivos florales y animales.

Llegamos a otra de las salas del museo donde se exponen la pintura holandesa primitiva desde el siglo XV hasta el siglo XVI.

El museo posee una serie destacada de cuadros de este periodo tan importante de la pintura holandesa, se trata de los maestros que pusieron las bases del conocimiento para su posterior desarrollo por parte de los maestros de la Edad de Oro de la Pintura. El cuadro central de este periodo y quizás del museo es el Juicio Final de Hieronymus Bosch, además de otro de los grandes como La Coronación de la Virgen de Dierick Bouts.

El cuadro central del Museo de la Academia de Bildenden Künste en Viena “Tríptico el Juicio final” obra de Hieronymus Bosch van Akem; el panel de la izquierda esta dedicado: la llegada de los ángeles, la creación de Eva, el pecado original y la expulsión; el panel de la derecha: el infierno y el príncipe de los demonios: El cuadro esta datado entre 1504 y 1508, la elaboración del cuadro se emplea técnica mixta sobre madera; las dimensiones: el panel central, 163x127,5; los paneles de las alas: 167 x 60 cm .

El exterior de los cuadros o persianas son grisalla sobre tabla, mientras que las persianas de interior y el centro son óleo sobre tabla. Este tríptico de Hieronymus Bosch tiene muchas similitudes con el tríptico de Haywain del Museo del Prado de Madrid: El panel de la izquierda muestra el Jardín del Edén, en el Dios superior se muestra sentado en el cielo, mientras que los ángeles rebeldes son expulsados fuera del Cielo se transfiguran en insectos. En el fondo, Dios creó a Eva de la costilla de Adán, mientras que Eva es tentada por la serpiente, y finalmente están perseguidos por el ángel en el oscuro bosque y la oscura humanidad pecadora; sobre el panel central donde Jesús juzga las almas mientras se encuentra rodeado de los santos, más abajo se muestra la quema de la tierra y termina con que los demonios se apoderan de las almas; y en el panel de la derecha es se muestra con toda su crudeza el Infierno, donde se castiga a las almas malvadas.

La obra de El Bosco es el fruto de una mente desinhibida que no tuvo freno en plasmar lo que por su imaginación ideaba, ningún otro pintor de la época podía ser transgresor y además una cosa importante es que se lo permitirán, era capaz de plasmar en una mañana los horrores y las perversiones que durante el sueño le había atormentado.

Jeroen Anthoniszoon van Aeken , nace en Bolduque, ciudad de los Países Bajos hacia el año 1450, fue hijo de artistas de origen alemán, sus padres tenían un taller dedicados a dorar imágenes religiosas y pinturas al fresco. Se casó con Aleyt van Marvenne y fue miembro de la Hermandad de Nuestra Señora y siempre fue considerado como un gran devoto católico, esto quizás le alejo de la mirada de la Santa Inquisición.

Su obra conocida comenzó en el diseño los vitrales de la catedral de Hertogenbosch , su pintura trata diferentes temáticas En sus pinturas mezcla motivos astrológicos , de folclore , brujería y alquimia , así como el tema del anticristo y episodios de las vidas de santos ejemplares. En sus obras de madurez como gran pintor desarrolló un lenguaje de simbolismo visual . La pintura de El Bosco comienza con el gótico tardío y finaliza durante el renacimiento.

La iconografía de El Bosco ha sido muy estudiada durante los últimos cuatro siglos, en la actualidad, permite decir que el pintor realiza en sus cuadros su propio mundo de sueños, mas veces son pesadillas llenas de imágenes fantasmagóricas que nos llevan a un mundo lleno de angustias y alucinaciones.

Es cierto que el artista no solo pinto monstruos y diablos cuando le exigía el tema de su lienzo, sin embargo en otras de sus obras describe una temática mas ortodoxa, aunque en todas sus obras aparecen toques fantásticos.

Algunos de los historiadores de su obra citan que El Bosco practicaba herejías religiosas muy comunes durante la Edad Media , se dice que fue miembro de la «Hermandad del Espíritu Libre» eran considerados con una tendencia netamente anarquista porque niegan la jerarquía, se opusieron a todo orden establecido, esta comunidad fue acusada de promover el libertinaje, por sus prácticas de amor libre, nudismo y otras actitudes calificadas como “desviaciones”.

Esta comunidad recibió el nombre de “adamitas” practicaban la promiscuidad sexual porque consideraban que la represión del pecado (predestinado a producirse) era peor que el mismo pecado. El acto sexual era un placer paradisíaco. La unión del placer y el amor, sensual y espiritual, era el mejor de los medios para restablecer la inocencia perdida del Edén.

El Bosco vivía en Hertogenbosch y se dice que el cuadro «El jardín de las delicias» fue pintado para este grupo de anamitas y que la tabla central en lugar de ser una condena de la sensualidad desenfrenada, sino todo lo contrario, era un elogio a las prácticas religiosas de esta secta.

En la actualidad es admitido que se desconoce estos términos porque no hay ninguna evidencia histórica que permita decir que El Bosco fuera adamita o que pintara sus teorías. Lo que si esta comprobado es que El Bosco fue un cristiano ortodoxo porque su padre, él y sus hermanos eran miembros de la Hermandad de Nuestra Señora, una cofradía religiosa de clérigos laicos dedicados al culto de la Virgen , que se encontraba en la iglesia de San Juan de Hertogenbosch.

La ciudad de Hertogenbosch era una de las cuatro mayores ciudades de Brabante y representaba un floreciente centro comercial, una de las mayores actividades constituía la fabricación de cuchillos, si analizamos con detalle el ala dedicada al infierno del cuadro «El jardín de las delicias», en la parte superior izquierda y sobre el filo de un gigantesco cuchillo, entre el par de orejas, podemos ver la letra “M” y corresponde con la marca de un maestro fabricante de cuchillos, lo que pudiera indicar que el cuadro fue pintado para este ordenante.

La vida económica y social en la ciudad estaba vinculada a las órdenes religiosas, en la iglesia de San Juan aparecen esculpidas en su decoración una cantidad de figuras fantásticas, en las que aparecen monstruos y peones sentados a horcajadas sobre los arbotantes, en estas tallas se ha podido ver la fuente de inspiración para las criaturas de El Bosco.

El rey español Felipe II se enamora de su pintura, interpretándolo en clave devota, afirmando que si todos pintaban a los hombres como querían ser, él los pintaba como eran. Por ello la más importante colección de obras suyas se conserva en España, singularmente en el Museo del Prado.

La unión entre Felipe II y El Bosco fue una simbiosis que llegó afectar a la vida del monarca convirtiéndose en alquimista, llegando a tener una obsesión constante relacionada con la muerte. Todas las noches se despertaba con la imagen de un perro negro que la anunciaba la muerte, esto contagio a todo el Palacio buscando el dichoso perro que una vez encontrado fue sacrificado pero no sirvió de nada porque el monarca seguía sufriendo. Según relataba el rey la noche anterior a la muerte de su padre vio el perro negro, el día que murió su tercera esposa vio el perro negro y el día que murió su hermano también vio el perro negro.

Se creo un departamento en El Escorial que estudiase la alquimia y ayudase al rey para tener un remedio a sus males, se llamo la Torre de la Botica. Fue tal la superstición del monarca que se pusieron a comprar reliquias que procedían de todo el mundo, entre tantas que llegaron se pusieron a contar y había hasta 24 dedos que decían que eran de San Judas.

Felipe II conoce la obra de El Bosco y se crea tal relación que compra muchas de sus obras, no para exponerles en las galerías del palacio del Escorial, sino para colgarlas en las paredes de su habitación.

El día 13 de septiembre de 1598 era un sábado y el rey daba sus últimas palabras que pronunció y con que partió de este mundo fue decir, como pudo, que moría como católico en la Fe y obediencia de la santa Iglesia Romana; y besando mil veces el crucifijo, se fue acabando poco a poco y salió aquella santa alma y se fue.

Felipe II murió frente al cuadro de El Bosco “El jardín de las delicias” y el fraile José de Sigüenza que estaba en la habitación lo detalla: “Dio tres o cuatro aullidos temerosos, el silencio, la hora de la noche, la bóveda de los nichos donde se había metido, donde retumbaba el sonido, todo hacía de él miedo, horror y espanto.”

El Bosco durante su juventud sufrió de esquizofrenia a juzgar por su violencia esta enfermedad fue calmándose durante su madurez. La primera parte de su obra nos muestra un pintor relativamente oficialista como lo hace en la Adoración de los Reyes Magos, aunque tiene una ligera tendencia hacia la melancolía.

La tendencia hacia la expresividad comienza con la pintura “La barca de los locos” (museo del Louvre) donde aparecen una serie de personajes propios de El Bosco como el borracho, el novicio tocando el laúd, el mástil de la barca es un árbol con hojas del que prende un cráneo.

El Tríptico del Juicio Final” de Viena es una de sus pinturas que realizó en plena madurez de su obra. Es considerada entre los especialistas como la última parte de una trilogía formada en orden cronológico: “El Jardín de las Delicias” (Museo del Prado de Madrid) representa el dominio de la lujuria en el mundo, descrita a través de todo tipo de relaciones; después “El Carro de Heno” (Museo del Prado de Madrid) el autor criticar a la sociedad de la época, quiere advertir a sus contemporáneos sobre lo que les pasará si siguen pecando; y para finalizar “El Juicio Final” (Academia de Bellas Artes de Viena), que pasamos a comentar.

La escena del Juicio Final a sus pies se desarrolla en el Valle de Josafat, según se narra en el Antiguo Testamento, y con la ciudad terrenal de Jerusalén en llamas al fondo. Como el resto de cuadros del Bosco. Se observa la misma intensidad cromática donde predominan los verdes y marrones. En el panel central vemos la escena perteneciente al Juicio Final según la visión que nos ha llegado del Apocalipsis de san Juan.

La paleta, basada en marrones con contrastes de verdes, rojos y azules, se va oscureciendo de arriba a bajo, iluminado por las llamas, que continúan oscureciendo en el infierno, representado en el panel de la derecha. En todos, hay una gran similitud de tonos y escenas entre ambos postigos, ya que, en la visión que tiene el Bosco en esta obra, “el Infierno” no es más que una representación del Juicio Universal: el príncipe de las tinieblas, al cual rinden homenaje seguidores y acólitos, mientras que las ánimas humanas condenadas, a las que se muestra en el cuadro con toda su desnudez, son expuestas a los más increíbles sacrificios y aberraciones.

Si tuviéramos la suerte de ver el tríptico cuando está cerrado, podríamos ver las grisallas que representan a dos santos: a la izquierda, Santiago el Mayor, San Bavón.

Las figuras están ejecutadas con firmeza, ajena a la vibrante pincelada de las grisallas del Bosco, por lo que se cree que las ejecutó un ayudante sobre los mismos dibujos del pintor.

Santiago está representado como un peregrino o caminante, lleva un palo de donde cuelga todos sus enseres, un morral le sirve para llevar la comida, en su cintura una funda de un cuchillo, en su espalda el gorro de peregrino con su concha. Camina por un mundo lleno de maldad, expresado con varias escenas como: un mendigo degollado o un cojo apaleado, o los simples árboles pintados sin hojas.

En el panel exterior derecho del tríptico esta representado San Bavón, es el protector de Flandes, famoso por sus obras de misericordia: es por ello que se le representa con un recipiente donde lleva las monedas, está rodeado de seres marginales, mendigos y tullidos, de quienes se considera protector, sobre una tela se pinta un pie cortado.

Postigo izquierdo: El Pecado original

En la parte superior se encuentra Dios creador envuelto en unas nubes que preside toda la escena, en la parte baja Dios hecho hombre se encuentra presenciando la creación de Eva en el momento que se desprende de su costado, si subimos la mirada por el cuadro llegamos a la escena donde se representa la tentación, donde se encuentra Adán y Eva cogiendo el fruto que le ofrece el demonio escondido en un manzano. Más arriba se observa la expulsión del Paraíso, Adán y Eva se esconden en un bosque mientras que son perseguidos por un ángel con una espada en su mano. En el postigo predominan los tonos verdes intensos del paisaje, formado por pocos árboles, matojos, algunas rocas y varios animales: un perro, algunas aves y una charca con un pato.

Tabla central: El Juicio Final

La fuente para esta representación del Juicio Final es el Apocalipsis de san Juan. En la parte central, en lo alto, casi separado del resto de la composición, aparece Jesucristo juez, que está apoyado sobre un arco iris mientras a los lados, sobre nubes, están la Virgen María y san Juan Bautista con algunos santos; en el resto de la composición se ha representado el mundo del pecado y las penas impuestas a los pecadores, cada uno de ellos torturado por diablos-grillos y figuras monstruosas, debido a sus propios vicios: abrasados, asados, ensartados, empalados, colgados de ganchos de carniceros, obligados a beber, insertados en extrañas máquinas, etc.

A diferencia de otras representaciones del Juicio Final, en que justos y pecadores están más igualados, aquí predomina el número de los condenados, que sufren diversos castigos, sin dejar casi espacio para los bienaventurados.

Predominan los tonos marrones, que se van oscureciendo según se acercan al horizonte, donde se ven construcciones en llamas. Los colores varían solamente cuando alzamos la vista hasta llegar al color azul intenso del cielo.

Postigo derecho: El Infierno

Se repiten aquí los incendios de estructuras, tan típicos de la obra del Bosco. Son edificios incendiados en los que se ve que el fuego viene desde abajo, como inspirándose en las entonces modernas armas de pólvora o explosiones, con lo que los infiernos que pinta el Bosco acaban pareciendo lugares de confrontación militar. 
Este postigo presenta perfecta continuidad con el panel central, tanto en cromatismo como en contenido.

El siguiente cuadro “ La Sagrada Familia ” obra de Joos van Cleve, esta datado en 1520 realizado en temple sobre madera; tiene unas medidas de 53 x 40 cm .

Es una pintura de pequeño formato para satisfacer a una clientela la burguesa en su devoción particular. Ya en aquellos tiempos en Holanda se estaba poniendo de moda que ciertos objetos de arte podían significar un estatus social elevado y su demanda creció.

En esta ocasión Joos van Cleve nos muestra un fragmento de la escena de la Sagrada Familia donde la imagen de la madre de Dios nos muestra un momento particular de intimidad. María consagra por su aspecto un momento de amor a su hijo, mientras José esta inmerso, fuera de la ventana, en una lectura apasionada. Mientras, el niño Jesús sujeta el pecho de María. Joos, representa una forma especial del tema de María lactante, muy en boga en plana Edad Media, aunque ya en época bizantina se trata el mismo tema. El cuadro esta acompañado de múltiples objetos banales que tienen significado religioso: la redención, el vino que simboliza la pasión de Cristo, la navaja, la naranja.

La siguiente sección del museo esta dedicado a las obras del renacimiento alemán del siglo XVI. Aquí esta representado en mayor medida algunas de las obras de Lucas Cranach el Anciano, cuadros que el conde Lamberg logro reunir en su colección.

El primero de los cuadros “Santa Dorotea”, obra de Lucas Cranach el Anciano, esta datado en 1530, realizado en óleo sobre madera.

Lucas Cranach nos pinta a Santa Dorotea mártir con sus atributos, es una imagen de una mujer idealizada con el pelo largo y cobrizo que inundan todo su cuerpo, su mirada hacia el ramo de rosas blancas del interior de una cesta, esta pintada con un vestido de terciopelo verde, un pecho y puños de damasquinados.

Del mismo pintor “Lucrecia” obras de Lucas Cranach, esta datado en 1532, realizado en temple sobre madera; tiene unas dimensiones de 37.5 x 24,5 cm .

La figura representa la mujer idealizada de Lucrecia, según la leyenda romana era la esposa de Lucius Tarquinius Collatinus, fue deshonrada por el príncipe etrusco Sextus Tarquinius, era el hijo más joven del rey de Roma Tarquino el Soberbio. Su violación supuso el evento principal para el derrocamiento de la monarquía y el establecimiento de la república romana.

Otro de los cuadros del mismo autor “El santo parentesco”, obra de Lucas Cranach, el viejo, esta datado entre 1510-1512, realizado en temple sobre madera; tiene unas medidas de 89x71 cm.

Después de la Edad Media , las representaciones de esta escena son muy recreadas en la pintura. Normalmente, aparecen las figuras de diecisiete miembros de la familia de Jesús, como lo realiza Cranach en esta tabla. Hay un pequeño grupo formado por María, Jesús y Ana, que en este caso le esta ofreciendo un racimo de uvas y forman el centro del cuadro.

Dentro de la pintura de Cranach, el marido de Ana y José son relegados a un segundo plano del cuadro, el artista reserva el primer plano a todos sus descendientes, todos están vestidos con un vestuario propio del renacimiento a fin de crear un enlace con su tiempo.

Seguimos con el mismo autor “La extraña pareja”, obra de Lucas Cranach, el viejo, realizado en temple sobre madera, esta datado en 1531; tiene unas medidas de 51x 36 cm .

Lucas Cranach pinto muchos cuadros de este tipo donde se ve a una pareja de esposos, simbolizan la sociedad burguesa alemana que querían inmortalizar a su paso por la tierra. En esta ocasión es un hombre mayor con barba a su lado la esposa lo abraza mientras ella se lleva la mano al zurrón del dinero, imaginamos que es un cuadro moralizante para expresar que el matrimonio contribuye a la economía familiar.

El siguiente cuadro “San Valentín con un donante arrodillado”, obra de Lucas Cranach, el viejo, realizado en temple sobre madera, esta datado en 1502.

Lucas Cranach nos muestra al obispo San Valentín con su túnica roja apoyando al orante mientras reza, al fondo se puede ver un paisaje de un castillo, por lo que nos podemos imaginar que el orante era algún noble o príncipe.

Seguimos durante el mismo periodo “Estigmación de san Francisco de Asís”, obra de Lucas Cranach, el viejo, realizado en temple sobre madera, esta datado en 1502.

Debajo de un árbol se encuentra San Francisco de Asís con su habito de la orden, lleva desgarrado una parte del pecho donde se aprecian los estigmas, son semejantes a los que sufrió Jesús en la cruz, a su lado se encuentra un hermano de la orden que presencia los hechos y en la parte superior a Jesucristo en la Cruz.

El siguiente cuadro “La sagrada familia en el campo”, obra de Hans Baldung, conocido como Grien, esta datado en 1512, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 48 x 37,5cm.

Hans Baldung era uno de los discípulos, también trabajo como grabador, ilustrador y diseñador de vidrieras. Su obra pictórica esta basada en obras religiosas siguiendo el estilo más tradicional.

En este cuadro se representa a José y María en su huida a Egipto, en esta ocasión el pintor trata de hacer un tema más profano quitando el dramatismo. María se ocupa de los cuidados de Jesús, mientras que José esta observando un lugar para refrescarse en un manantial.

El siguiente cuadro del periodo alemán “La muerte de María”, obra de Ambrosius Holbein, esta datado entre 1518 y 1519, realizado en temple sobre plancha de madera.

La escena se desarrolla en el interior de una iglesia, María esta sentada en una silla mientras es consolada por toda la comunidad, al fondo esta la cama que serviría para los últimos momentos antes de la muerte.

Más adelante podemos ver “ La Sagrada Familia con Joaquín y Ana en el campo” obra de un autor que se le llamo: Monograma H.P., está datado en 1514, realizado en temple sobre madera.

Esta pequeña tabla se representa a la Sagrada Familia entre una densa vegetación, podemos ver a José a la derecha a María vestida de azul acompañados de Santa Ana y Joaquín que juega con Jesús. En el ángulo inferior derecho aparece algo disimulada la figura del donante del cuadro, conforme a la regla en vigor en la Edad Media , que decía que debía de aparecer en reducidas dimensiones.

El siguiente cuadro “Nacimiento de Cristo”, obra de Cornelis va Dalem, esta datado en 15736 y 1576, realizado en óleo sobre madera.

Cornelis va Dalem es un pintor flamenco que se especializó en los pequeños paisajes, en esta ocasión se puede ver la galería abierta de una casa de campo holandesa donde se sitúa la figura de la virgen y el niño, en el patio hay un pozo donde en estos momentos José esta sacando un cubo.

El siguiente cuadro es una copia de la famosa “El maravilloso mar”, obra de Albert Durer, esta datado en el siglo XVI, realizado en temple sobre plancha de madera.

Es un cuadro cargado de simbolismo donde se muestra el cuerpo desnudo de una mujer que es secuestrada en el mar por un hombre barbudo que sale del fondo, lleva en su mano izquierda un caparazón de una tortuga, mientras desde la orilla la gente grita y se desespera viendo la escena.

Más adelante podemos ver “Las profecías del Emperador Augusto”, obra del llamado Maestro de Amberes, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1515 y 1520.

El Maestro de Amberes se le denomino así al no conocer su verdadero nombre, fue un gran pintor renacentista con ciertas influencias manieristas convirtiéndose en un maestro del gótico dentro del renacimiento.

El siguiente cuadro “Paisaje con Cristo llevando la Cruz ”, obra de Henrri met de Bles, conocido como Civetta, esta datado entre 1525 y 1550, realizado en óleo con temple sobre madera; tiene unas medidas de 57 x 725 cm .

El cuadro donde Henrri met de Bles no se enfrenta con un paisaje singular dominado por el macizo montañoso que representa la gólgota de Jerusalén. La pintura tiene una configuración del paisaje en detrimento del programa icnográfico.

Más adelante el cuadro llamado “El entierro de Cristo”, obra de Jan de Beer, realizado en temple sobre madera, esta datado entre 1500 y 1510.

Jan de Beer es un pintor flamenco que se inscribe en el gremio de San Lucas donde se inscribe como aprendiz, su firma solamente aparece en un cuadro como: Jan Henneken de Bee, en otras más de veinte obras que le son atribuidas. Su obra se caracteriza por el detallismo, la pervivencia de las tradiciones estilísticas y la convivencia en lo decorativo de elementos góticos y renacentistas.

El siguiente tríptico “Lamentación de Cristo”, obra del llamado Maestro de la Adoración de Van Groote, esta datado entre 1510 y 1515, realizado en temple sobre madera; tiene unas medidas de 90 x 68.5 cm .

La tabla central es obra del Maestro de la Adoración de Van Groote luego fue utilizada para confeccionar un tríptico donde aparece la figura del donante, estas dos partes fueron ejecutadas posteriormente por otro pintor.

La tabla central tiene una clara influencia manierista, el cuadro se desarrolla en el primer plano donde Cristo aparece atendido por numerosos personajes, en segundo plano esta la cruz y la escalera vacía, a la izquierda de la cruz esta la gruta y la tumba donde será sepultado, al fondo a la derecha esta la ciudad de Jerusalén.

La parte de la izquierda del tríptico esta representada la familia masculina de la donante acompañada de san Juan Bautista. En la parte derecha, la parte de la familia del donante femenina acompañada de san Cornelio. El blasón que aparece pertenece a una familia anglo-holandesa.

El siguiente cuadro titulado “San Jerónimo en el desierto”, obra del pintor llamado como Maestro de Amberes, esta datado en 1520, realizado en temple sobre madera.

San Jerónimo es uno de los cuatro "Padres de la Iglesia ", nació en el año 347 en Dalmacio y murió en Belén en el año 420. El cuadro nos presenta todos sus atributos: las sagradas escrituras sobre una piedra, el león le acompaña a su izquierda, en su mano tiene una piedra con el pecho descubierto para golpearse. A su lado un crucifijo y la calavera, esta en su retiro en Calcis y se convierte en un penitente.

Más adelante podemos ver “Crucifixión de Cristo”, obra atribuida al que se llamo como Maestro de la Leyenda de Catalina, esta datado entre el periodo de 1470 y 1500, realizado en temple sobre madera.

El cuadro nos representa una escena de la crucifixión, los personajes llevan vestimentas holandesas, los paisajes parecen de los Países Bajos. El centro de la atención es sobre los tres crucificados, Jesús esta en el centro despojado de su ropa y clavado en la cruz, a sus pies la Virgen María , a su lado las santas mujeres lloran desconsoladamente. A su lado los fariseos les insultan. La custodia estaba bajo el mando de Abenadar, árabe de nacimiento, bautizado después con el nombre de Ctesifón; el segundo jefe se llamaba Casio, y recibió después el nombre de Longinos.

Otra de las obras maestras del museo “Coronación de la Virgen” obra de Dierick Bouts, esta datado en 1450, realizado en temple sobre madera; tiene unas medidas de 83 x 85.5 cm .

Estamos ante una de las obra mayores de la pintura flamenca del siglo XV de estilo gótico, muestra en este cuadro el manejo de la luz que le hace utilizar colores brillantes y una dominación de la perspectiva lineal. Sus personajes son estilizados y sus rostros ovalados, llenos de sentimiento. Fue uno de los alumnos del pintor Rogier Van der Weyden.

El pintor nos muestra una escena en el momento de la ceremonia de la coronación de la Virgen dentro de una iglesia gótica. Juega con la transposición de la escena dentro de la actual vida y una representación del mundo real, Es una escena religiosa insertada dentro de la vida de devoción.

La coronación de la Virgen se produce por la Santa Trinidad con la paloma que revolotea sobre su cabeza, la colocación es la habitual María en el centro, Cristo a la izquierda, Dios Padre a la derecha. La escena se enmarca dentro de un dosel de madera gótico, en ambos extremos los ángeles cantan sus partituras.

Siguiendo con la misma temática religiosa “Crucifixión de Cristo”, obra atribuida al Maestro Austriaco de Vorlande, realizado en temple sobre madera, está datado en 1460; tiene unas medidas de 94.5 x 65,5 cm .

La escena medieval se representa una parte de la Crucifixión de Cristo donde solamente se ve a Cristo en la Cruz , a sus pies la Virgen acompañada de una parte de los guardias, a la izquierda esta la gruta donde enterraran a Cristo y al fondo una imagen de Jerusalén.

El siguiente cuadro “Retrato de Johann von Schwabbach", obra de Hans Mielich, esta datado en 1559, realizado en óleo sobre madera.

Hans Mielich es un pintor alemán de finales del renacimiento, se especializo en retratos, miniaturas e ilustraciones de libros.

El retrato esta cargado de la fuerza gracias a la luz que ilumina la lustrosa barba blanca como un sol, lleva un imponen abrigo negro sobre sus hombros un cuello de pieles de visón.

Más adelante podemos ver el cuadro “Retrato de un hombre de 34 años”, obra del maestro llamado Monograma H.F., esta datado en 1524, realizado en temple sobre madera; tiene unas dimensiones de 39x24 cm.

El retrato es de un hombre joven cuya identidad se ignora. El cuadro nos presenta en el ángulo superior derecha, una cartela donde indica: el hombre tiene treinta y cuatro años en 1524. Podemos adivinar que se trata de un hombre de la capa social alta por sus atuendos y que trata de retratar su alto estatus social.

El cuadro esta firmado con el monograma H.F y hay tres nombres de pintores que pudieran ser sus autores: Hans Vries, Hans Funk o Hans Franck.

El siguiente cuadro “Retrato de Moritz Welzer von Eberstein”, obra de Hans Maler, esta datado en 1524, realizado en temple sobre madera; tiene unas medidas de 36 x 30 cm .

El cuadro es un retrato de medio cuerpo donde aparece de perfil Moritz Welzer von Eberstein sobre un fondo azulado degradado, fue retratado a la edad de 24 años, fue realizado para el enlace con María Tänzel von Tratzberg, era hija de un gran empresario.

El siguiente cuadro completa el duo “Retrato de Maria Welzer” obra de Hans Maler, esta datado en 1524, fue realizado en temple sobre madera; tiene unas medidas de 36 x 30 cm .

El retrato esta realizado en perfil contrario mirando a su marido y lógicamente formaba una especie de díptico los dos retratos que se hicieron para conmemorar su enlace. La mujer viste un traje del Tirol de la ciudad de Schwaz su familia eran unos grandes potentados.

El siguiente cuadro “Retrato póstumo de Heinrich Schilther”, obra de Seeschwabischer Maler, esta datado en 1500, realizado en óleo y temple sobre madera.

El retrato pertenece a Heinrich Schilther se indica que es una obra póstuma porque en la esquina derecha aparece la fecha de 1398 que pertenece a su fallecimiento. Se trata de un concejal de una corporación local.

El siguiente cuadro “Retrato de Alteren Mannes”, obra de Jan Cornelisz Vermeyen, esta datado entre 1528 y 1529, realizado en óleo y temple sobre madera.

Jan Cornelis Vermeyen, se traslado a España y recibió el nombre de Juan de Mayo de España, es uno de los más importantes pintores y grabadores del renacimiento flamenco. Fue pintor de la corte de Cambrai y de Malinas con Margarita de Austria y en Ausburgo e Innsbruck con María de Hungría. Llegó a la corte española para trabajar al servicio de Carlos V.

Más adelante podemos ver “Retrato del Joven Vierjahrigen Knaben”, obra de Conelis de Vos, esta datado en 1627, realizado en óleo sobre madera.

Conelis de Vos es un pintor flamenco del barroco, su pintura se centro en escenas mitológicas, bíblicas y de historia, así como los bodegones.

Sin embargo, su pintura por sus retratos individuales y de grupo, retrata principalmente a la burguesía de la ciudad de Amberes con una elegancia particular y demostrando una gran capacidad de observación. En particular, se especializa en la pintura de los niños, «por su frescura y espontaneidad, por la expresión despierta de los rostros y la atrayente coloración».

Más adelante podemos ver el cuadro “Un solo”, obra de Dirk Hals, esta datado en 1633, realizado en óleo sobre madera.

Dirk Hals, fue un pintor holandés que se especializo en escenas festivas y de bailes, pintando escenas de género donde se ve a las familias burguesas de los ambientes sociales nobles o de la gente que rodeaba a la corte. En su obra trata reflejar sus fiestas, bailes, lo que comen y lo que beben; presta gran atención al detalle a la vestimenta de sus personajes, muchas veces son magníficos ropajes, y además, a la expresividad de sus rostros.

El siguiente cuadro holandés “El dúo” obra de Cornelis Saftleven, esta datado en 1635, realizado en óleo sobre madera.

Cornelis Saftleven pintor barroco especializado en los paisajes y la pintura de género con escenas campesinas y pequeñas figuras.

Aunque la mayor parte de sus pinturas fueron los paisajes con figuras y las pinturas de género, con escenas campesinas y de taberna, también pinto cuadros historiados con motivos religiosos y mitológicos y algún retrato junto con un elevado número de estudios de animales utilizados en sus pinturas de establos e interiores con campesinos.

El siguiente cuadro “Retrato de una Joven Dama”, obra Paulus Moreelse, esta datado en 1626, realizado en óleo sobre madera.

Paulus Moreelse pintor de comienzos del barroco en Holanda, además de pintor se dedico a la arquitectura y el dibujo. Fue uno de los miembros fundadores del gremio de pintores de San Lucas. Su obra más famosa Compañía militar del Rijksmuseum de Ámsterdam.

El retrato dibuja una luz muy controlada que se refleja en el centro del rostro, además sobre los brocados del cuello, se trata de una mujer burguesa, destaca porque se abandonan las viejas formas de austeridad y contención como forma de vida resultan ahora casi anticuadas .

Más adelante “Retrato de Dirck Schey”, obra de Jan Weenix, estada datado en 1692, realizado en óleo sobre lienzo.

El cuadro representa a un oficial de la marina que lucho en los mares bajo la bandera holandesa. El cuadro representa su forma de vida donde tenia aprecio por la caza y por la aventura.

Otro de los cuadros del mismo autor “Retrato de una dama” Obra de Jan Weenix, esta datado en el siglo XVII, obra barroca, realizada en óleo sobre lienzo.

Jan Baptist Weenix es un gran pintor barroco holandés. Sus temas favoritos fueron paisajes italianizados con figuras entre ruinas, vistas de la costa y, más adelante, grandes bodegones de caza muerta o perros. Fue el responsable principal de introducir la escena de bahía italiana en el arte holandés en cuadros de mediano tamaño con un grupo de figuras en primer plano.

Más adelante el pequeño cuadro “Retrato de un joven” obra de Jan de Bray, esta datado entre 1660 y 1665, realizado en óleo sobre lienzo.

Jan de Bray es un pintor holandés barroco, fue decano del gremio de pintores de San Lucas. Las obras pictóricas son principalmente retratos, a menudo trata de plasmarlos en grupos de personas. Se especializó en alegorías históricas.

El cuadro titulado “Retrato de un matrimonio”, obra de Barent Graat, esta datado en 1660, realizado en óleo sobre lienzo.

Barent Graat esta considerado como uno de los pintores de la Edad de Oro dedicado al retrato, aunque cultivo los paisajes y los temas históricos

El siguiente cuadro “Vista del río Tiber en Trastevere con la isla Tiberina”, obra de Jan Van der Heyden, esta datado entre 1660 y 1670, realizado en óleo sobre lienzo.

Jan Van der Heyden pintor barroco holandés, era un pintor que manejaba con soltura las perspectivas y pintaba por lo general casas de campo. Como no era muy bueno en pintar figuras los trabajos los realizó en colaboración del pintor Eglón van der Neer.

Más adelante esta el cuadro “Sin Ceres y Baco, Venus está fría”, obra de Cornelis van Poolenburgh, esta datado en 1630, realizado en óleo sobre madera.

El cuadro nos presenta una alegoría griega “Sine Bacchot et Cerere, Venus friget ” que quiere decir: los placeres del amor suelen ir unidos a los de la bebida y la mesa.

El siguiente cuadro con influencia italianizante “Paisaje italiano con un torre en ruinas”, obra de Jan Both, esta datado entre 1638 y 1641, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas dimensiones de 75 x 98 cm .

Jan Both es un pintor holandés especializado en el tema de paisajes, se traslada a Roma (Italia) con su hermano para estudiar pintura italiana, es contratado en España para decorar el Palacio del Buen Retiro, alguna de sus obras se conservan en el Museo del Prado.

Más adelante podemos ver el cuadro “El redil en el campo”, obra de Claude Gelée, esta datado en 1656, realizado en óleo sobre lienzo.

Claude Gelée o Claudio de Lorena, más conocido Le Lorrain es un pintor francés que se estableció en Italia, de estilo barroco y dentro del clasicismo, fue un gran innovador dentro del género paisajístico, se le ha calificado como el primer paisajista puro.

Siguiendo dentro del genero paisajístico “Sublime paisaje con ruina”, obra de Herman Saftleven, esta datado en 1634, realizado en óleo sobre madera.

Herman Saftleven es un pintor holandés se especializo en escenas campesinas de paisajes, aunque luego comenzó su influencia italiana pintando paisajes religiosos.

El siguiente cuadro “Ruinas con escena de caza”, obra de Jan Asselinj, esta datado en 1646, realizado en óleo sobre lienzo.

Jan Asselinj pintor barroco holandés de la Edad de Oro que se especializa en la pintura de paisajes y de animales. Fue uno de los primeros pintores holandeses que introdujo un estilo fresco y claro de pintar paisajes muy parecida a la pintura de Lorrain.

Del mismo autor y tema “Camino bloqueado” obra de Jan Asselinj, esta datado entre 1651 y 1652, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 70 x 94,5 cm .

El pintor nos presenta un paisaje al atardecer en lo que parece ser un control de caminos, son obras sencillas que acercan la pintura a sectores de público más populares, ya no están solamente en las clases más burguesas, los grandes industriales o comerciantes se hacen con este tipo de trabajos.

Siguiendo con la misma temática “Paisaje en Herdenzug”, obra de Jan Asselinj, esta datado entre 1648 y 1650, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 43 x 67 cm .

El paisaje holandés fue un gran genero de la etapa de la Edad de Oro, es mucho más realista que en etapas anteriores, las vistas se hacen desde el nivel del suelo y tratando de que los horizontes sean muy bajos para enfatizar la formación de nubes, una de las características de la región.

Más adelante el paisaje “Viejo Castillo”, obra de Jan Asselinj, esta datado en 1667, realizado en óleo sobre madera.

Jan Asselinj se traslada a Roma a partir de ese momento en sus cuadros de paisajes tiene una tendencia a italianizarlos inspirándose en los paisajes de los campos con sus ruinas y castillos

El siguiente cuadro es del mismo autor “Un jinete” obra de Jan Asselinj, esta datado en 1634, realizado en óleo sobre tabla de madera.

Se trata de una tabla de pequeño formato donde se aprecia un caballero cabalgando un caballo blanco, de esta misma temática el pintor hizo varios cuadros muy similares, donde se variaba el caballo y al caballero.

Más adelante podemos ver la tabla “Dos jinetes” obra de Pieter van Laer, pintor holandés, esta datado entre 1628 y 1630, realizado en óleo sobre madera.

Pieter van Laer es un pintor que se dedico a plasmar escenas cotidianas, era considerado como un pintor de pincel fácil, sin muchas pretensiones, y se le apodo “el fantoche”.

Se traslada a Italia y conoce la obra costumbrista de Caravaggio que le causa una gran inspiración para realizar sus genero propio que fue bautizado como bambochadas, se pusieron tan de moda que le salieron multitud de imitadores.

Del mismo autor podemos ver el cuadro “Paisaje con pastores de ganado descansando”, obra de Pieter van Laer, esta datado entre 1639 y 1642, realizado en óleo sobre madera.

En esta ocasión Pieter van Laer pinta una buena perspectiva donde los personajes están descansando, utiliza una gama de colores muy cálida y uniforme, donde dominan los colores ocres, un poco oscuros y muy contrastados.

El siguiente cuadro tiene la misma temática “Pastores al Sur”, obra de Nicolaes Pietersz Berchem, pintor holandés, esta datado en 1659, realizado en óleo sobre madera.

Nicolaes Pietersz Berchem parece que también este pintor viajo a Italia para mejorar su pintura y se identifico con los paisajes italianos, donde el color estaba basado en los marrones y amarillos creando unas tonalidades muy cálidas.

Más adelante podemos ver “Paisaje de bosque” obra de Jacob van Ruisdael, pintor holandés, el cuadro esta datado entre 1670 y 1682, realizado en óleo sobre lienzo.

Jacob Isaacksz van Ruisdael fue uno de los pintores de la Edad de Oro de la pintura holandesa especializado en paisajes, se le conoce como el pintor de los árboles y por la minuciosidad en el follaje. Era un gran viajero y muchas de sus escenas de paisajes parecen auténticos grabados.

Del mismo autor es “Paisaje montañoso”, obra de Jacob Isaacksz van Ruisdael, el cuadro esta datado en 1650, realizado en óleo sobre lienzo.

El fondo de una montaña llena de árboles se producen varias escenas de campo: un jinete y su perro van de caza, le sigue a pie un trabajador del campo con su perro, al pie de la montaña un pozo con una mujer sacando agua, mientras varias personas van andando por el camino para atravesar la montaña.

El siguiente cuadro es del mismo autor “Paisaje ancho en Overveen”, obra de Jacob Isaacksz van Ruisdael, el cuadro esta datado entre 1620 y 1630, realizado en óleo sobre lienzo.

En esta ocasión el paisaje es muy simple, esta cortado por la línea del horizonte para destacar los cielos nubosos de la zona de Overveen.

Otro de los cuadros del mismo autor pero con diferentes matices “Paisaje de invierno con puente”, obra de Jacob Isaacksz van Ruisdael, el cuadro esta datado en 1635, realizado en óleo sobre lienzo.

En esta ocasión la obra parece estar sacada de un frigorífico es una escena poética del frío, con una ligera tendencia a tonalidades más oscuras para aumentar el dramatismo de la imagen.

Pasamos a la zona de pintores franceses del siglo XVIII con el cuadro “Ruinas romanas del Capriccio” obra de Hubert Robert, el cuadro esta datado en 1786, realizado en óleo sobre lienzo.

Hubert Robert viajo a Roma para estudiar la pintura de los clásicos y durante ese periodo reproduce los monumentos del país, es un momento en la historia en que a los pintores les gusta pintar los paisajes en ruinas.

Más adelante podemos ver uno de los mejores pintores franceses de la época “Estudio sobre la misa de San Basilio”, obra de Pierre Subleyras, esta datado entre 1743 y 1749; tiene unas medidas de 81.5 x 64.5 cm .

Pierre Subleyras es un pintor que empieza a pintar cuando esta finalizando el estilo barroco y da comienzo el estilo neoclásico, Es un artista francés que obtiene una beca para estudiar pintura en Roma, fue un gran retratista pero también abordo los temas religiosos.

El siguiente cuadro “La misa de San Basilio”, obra de Pierre Subleyras, esta datado entre 1743 y 1749, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 79,5 cm .

Esta pintura es un modelo o boceto de gran tamaño para el retablo ejecutado en la Basílica de San Pedro. Este cuadro es la obra maestra del artista.

El siguiente cuadro es de un artista inglés de origen francés “Naufragio”, obra de Jacques Philipe de Loutherbourg, esta datado en 1767, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 58 x 61 cm .

Los paisajes de Jacques Philipe de Loutherbourg eran los propios de la época en Inglaterra vinculados con el mar con detalles de tormentas y batallas.

El siguiente cuadro “Retrato de Virginia Parker Hunt” Obra de Pierre Subleyras, esta datado en 1746, realizado óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 40 x 31.5 cm .

Pierre Subleyras era un retratista muy incisivo, se recreaba en los detalles de la vestimenta, en esta ocasión pinta a una dama de la burguesía con sus mejores galas del domingo.

Uno de los cuadros más importantes del museo “Autorretrato, dentro taller de pintura de Pierre Subleyras”, obra Pierre Subleyras, el cuadro esta datado entre 1748 y 1749, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 126,5 x 99 cm .

Pierre Subleyras realiza esta pintura como un legado o como un testamento pictórico para la posterioridad. El cuadro muestra el taller del artista en Trinitá dei Monti, se encuentra sentado de espaldas entre la multitud de cuadros que tiene comenzados. Por la fecha de su realización se sabe que desde 1746 estaba aquejado de una tuberculosis y para tratarse se quería trasladar a la ciudad de Nápoles.

El taller que nos muestra tiene pinturas en cada pared y en cada esquina, al estar enfermo lo que nos muestra es un retrato de juventud. El pintor esta de espaldas a la acción viste un traje a la moda italiana del momento.

El pintor al pintar un cuadro dentro de otro cuadro donde el artista reúne los mejores trabajos de toda su carrera como pintor como un testamento artístico. Muestra tanto obras religiosas como obras profanas con la intención de detener el tiempo frente a su propia vanidad.

A la salida del recorrido por el museo nos recreamos en la última de las salas donde se muestran las obras de la Academia del siglo XVIII y que no habíamos visto a la entrada,

Uno de los cuadros de esa época es “Autorretrato”, obra de Martin van Meytens, esta datado en 1745, realizado en óleo sobre lienzo.

Martin van Meytens es un pintor que hemos tratado al comienzo, en esta ocasión se pinta así mismo en un autorretrato. Era un cortesano del emperador Francisco I y se dedico principalmente al retrato en la ciudad de Viena.

Otro de los cuadros “Retrato de Anton Grae Lamberg” obra de Christian Kollonitsch, esta datado en 1770, realizado en óleo sobre lienzo.

Christian Kollonitsch pinta el retrato de un coleccionista de arte que ejercicio gracias a su oficio como diplomático. Durante su estancia en Nápoles logro reunir una gran cantidad de jarrones del periodo griego y durante su vida logro reunir más de 740 de las obras maestras de la pintura, se convirtió director de la Academia de Bellas Artes de Viena y después legó toda su obra.

Aquí damos por terminada la visita a uno de los museos más esperados de nuestro recorrido por la Akademie der bildenden Künste Wien. Son las 14 horas, hemos pasado toda la mañana en este museo y es la hora de reponer fuerzas.

Marchamos en dirección contraria por donde hemos venido esta mañana la plaza de Karlsplatz, pasamos por la amplia avenida de Wiener Strabe donde vemos una sucursal del restaurante Nordsee, ya he explicado que es un lugar de comida rápida con bases de pescado que no es muy caro y es una muy buena opción para alimentarse mejor que un cualquier hamburguesería. Pedimos un plato de pescado con unos entrantes y postre por un precio muy bueno.

Sin conocer Viena decidimos caminar hacia la catedral, pasamos por el palacio de la Opera de Viena en la calle Philharmoniker straße , donde en las puertas se ofrecen entradas para asistir a los conciertos de la tarde, lamentablemente tenemos que decir que no por falta de tiempo.

Un poco más adelante llegamos a la calle Agustinerstrabe, donde se encuentra el famoso Museo Albertina es el lugar donde se puede ver la mayor colección de dibujos y grabados del mundo y sobretodo tienes la posibilidad poder presenciar la obras de Durero, también lamentablemente no tenemos tiempo para verlo.

Seguimos por la misma calle hasta la plaza de Josefs Platz donde se encuentra en un lateral la Augustiner Kirche y en el centro la estatua ecuestre de Josefz. Al lado del palacio de invierno.

La iglesia Agustiniana es completamente barroca con un blanco inmaculado, fue la iglesia imperial de la dinastía de los Habsburgo, en la actualidad ocupa una parte del monasterio todavía asistido por seis monjes que atienden las necesidades de la parroquia.

El interior de la iglesia esta construido con tres naves siendo la central mucho más ancha, las colaterales son muy estrechas y han quedado embutidas dentro de las columnas centrales. En la actualidad ofrece un aspecto neogótico después de la restauración que se hizo en el siglo XVIII pero se mezcla con un ambiente decorativo barroco.

Nada más entrar en la iglesia, a la derecha, se ve el Cenotafio en honor de la archiduquesa María Cristina, fue mandado tallar por su esposo al escultor Antonio Canova, en 1805. Esta realizado en mármol blanco y gris, trata de imitar la tumba de Cristo, esta realizado con forma de pirámide donde en el exterior esta un medallón con la imagen de María Cristina portada por la felicidad y a la izquierda un querubín. A la entrada, a la derecha, un ángel se apoya en un león soñoliento que indica una de las virtudes de la difunta “la fortaleza”; a la izquierda, una comitiva con la cabeza baja y la expresión triste lleva una urna con las cenizas, caminan hacia la oscura abertura. Sobre el frente de la puerta esta el lema en letras doradas: UXORI OPTIMAE ALBERTUS (“Alberto a su excelente esposa”).

El altar mayor esta dentro del ábside gótico de la cabecera, es de estilo gótico y en el centro esta presidido por la imagen de Jesucristo bendiciendo con la mano derecha y con la bola del mundo y la cruz en la mano izquierda.

En las paredes de la iglesia perfectamente revocadas y encaladas en blanco se han descubierto recientemente los restos de la primera decoración primitiva compuesta de frescos de los cuales se pueden ver a lo largo de las naves algunos de los restos.

A la salida vemos los restos exteriores del ábside del Hofburgkapelle, no podemos entrar porque esta cerrado, pero ocupa una parte importante del palacio de invierno y esta dedicada como palacio de la música sacra con conciertos de los Niños Cantores de Viena.

Un arco nos lleva hasta la plaza presidida por el Kaise Franz I, estamos en una de las plazas del Palacio de Hafburg, caminamos por otro de los arcos que nos lleva al oeste a la facha principal del palacio de invierno.

Estamos en Heldenplatz, en estos momentos hay un ambientazo tremendo, se celebra una fiestas de las regiones de Austria, esta abarrotado de gente que degusta y recoge información de las mejores reclamos turísticos donde se muestran las tradiciones de Austria.

La plaza esta tomada con enormes carpas donde en cada una hay una cocina y numerosos bancos para degustar: la mejor cerveza, los mejores vinos, los mejores dulces o los mejores platos de la zona. Es una pena descubrirlo tan tarde porque hubiera sido una oportunidad única de probar tantas cosas ricas a la hora de la comida, nos imaginamos que los austriacos a las 16,00 horas lo que están haciendo es cenando.

Estamos en la gran plaza de Austria, tiramos en dirección al ayuntamiento pero atravesamos el jardín del palacio, donde en el centro esta el edificio Theseus Tempel Rathaus, fue construido en 1823, por Peter von Nobile como una replica del “Theseion” de Atenas, el original albergaba a los dioses Eifastos y Atenea.

Originalmente, el edificio conservaba el original de la heroica escultura de Teseo, de Antonio Canova que en la actualidad se puede admirar en el Museo de Bellas Artes. El edificio fue pensado para albergar una colección de obras de arte antiguas, pero en la actualidad se emplea para exponer obras de escultura y pintura de artistas contemporáneos.

En estos momentos en el interior del templo se esta exponiendo la obra de Edmund de Waal, es un artista ceramista inglés que hace botellas blancas dentro de unas vitrinas, la verdad es que no logramos entender su obra porque imagino que con estos recipientes compone notas musicales.

El jardín Volksgarden esta estupendamente cuidado con unas magnificas rosaledas que parecen estar brotando en plena primavera cuando allí en Austria lo hacen en pleno verano.

Atraídos por la sombra del gran edificio de Rathaus llegamos hasta sus proximidades. Fue construido entre 1868 y 1873 en la confluencia de la zona universitaria y el parlamento. El ganador del concurso público para edificar el nuevo ayuntamiento fue Friedrich von Schmidt, el estilo empleado es una efervescencia del arte neogótico, con su galería de arcadas abiertas, logias, balcones, sus ventanales y su decoración de estatuas por toda la fachada. En el frontal se levante una enorme torre de 98 metros de altura coronada con la figura de Rathausmann, se trata de una figura renacentista que porta una bandera y se convierte en el icono de la ciudad, su modelo fue la figura del emperador Maximiliano. En estos momentos no se puede visitar.

Seguimos nuestro camino por la calle Reichsratsstrabe. Pensando que estamos, por las dimensiones, ante la Catedral de Viena llegamos a la iglesia Votivkirche. Se trata de la iglesia neogótica más grande de Viena. Fue construida por orden de Francisco José cuando escapo con vida del intento de asesinato el 18 de febrero de 1853, mientras caminaba por las murallas un sastre húngaro le ataco con un cuchillo en la mano, dicen que se salvo de la agresión gracias a los botones metálicos que llevaba en el cuello.

Se hizo un concurso público para edificar la ofrenda votiva, con la única salvedad es que tenía que responder al estilo gótico, la construcción fue adjudicada al arquitecto Heinrich Ferstel.

Los trabajos se demoran hasta 1879 porque el arquitecto siguió una técnica artesanal en la construcción de las iglesias católicas, tomando como modelos las mejores catedrales de Francia y Alemania, ofreciendo un campanario típicamente vienés con dos torres gemelas.

La iglesia contiene la tumba renacentista de 1533 del conde Salm, fue comandante de la guarnición de Viena durante el asedio turco de 1529, porque la idea original era dedicar el interior de la iglesia para albergar los cuerpos de los hombres ilustres de Austria, pero tal proyecto no llegaría a materializarse.

El interior, consta de tres naves, la central mucho más ancha que las colaterales que desembocan en un transepto, todas ellas desembocan en un ábside central, en su interior esta el altar Mayor con un retablo dorado cubierto por un baldaquino con forma de catedral, inspirado en el gótico italiano.

El retablo dorado se encuentra en la parte superior del altar. A continuación, en ambos lados del tabernáculo, que representando con esmaltes escenas del Antiguo Testamento: el sacrificio de Abraham y el sueño de José. Por encima del tabernáculo hay un nicho con un crucifijo. Los nichos laterales exteriores contienen en el lado izquierdo: estatuas de la patrones de la iglesia: el cardenal Carlos Borromeo, y el fundador, obispo Maximiliano de Lorch; en el lado derecho: obispo Hilario de Poitiers y Bernardo de Claraval.

El baldaquino esta apoyado por cuatro enormes columnas de granito rojo. Abre en cuatro arcos de medio punto, coronado con frontones y flanqueadas por pináculos con estatuas de varios santos en sus nichos. La bóveda es de crucería y está pintada con representaciones alegóricas que hacen referencia a las cuatro virtudes cardinales, se representa al Espíritu Santo, con su tradicional forma de una paloma, en el frente puede ver un mosaico de María pisoteando a la serpiente. Este fue un regalo del Papa Pío IX. En la torre, en la parte superior del baldaquino, se encuentra Cristo, rodeado por cuatro ángeles.

Volviendo al crucero, dispone de cuatro capillas laterales, en la parte del crucero son tan altas y anchas como los pasillos y se llaman: la Capilla del Rosario, la Capilla de la Cruz , la capilla de los Obispos y el baptisterio. Cada una de estas cuatro capillas del transepto muestran en sus pilares de pared cuatro estatuas de santos. La capilla del Rosario muestra una policromía del estilo de Amberes con un altar de estilo gótico tardío (ca. 1530) fue en la capilla del Rosario hasta 1986, pero ahora se encuentra en el Museo. El sarcófago renacentista de Nicholas Graf von Salm (defensor de Viena durante el asedio turco en 1529) se encuentra en el baptisterio. Se construyó como una muestra de gratitud por el emperador Fernando I.

El púlpito de la iglesia tiene forma hexagonal y un estilo neogótico, se encuentra apoyado sobre seis columnas de mármol. Los paneles frontales nos muestran en el centro un Cristo predicando, flanqueado a ambos lados por los Padres de la Iglesia : San Agustín, San Gregorio, San Jerónimo y San Ambrosio. Estas figuras están enmarcadas dentro de relieves hundidos de medallones con un fondo del mosaico dorado. Cuatro pilares sostienen la caja de resonancia de madera y en la parte superior de la torre se encuentra la estatua de Juan el Bautista.

Una parte muy destacada de la iglesia son sus vidrieras, en total había 78 vitrales, de los cuales diecinueve fueron ejecutados de acuerdo a los diseños del pintor José Matthias von Trenkwald (1824-1897), además participaron como diseñadores: José de Fiihrich, Edward von Steinle, Fernando Laufberger, para ejecución de los diseños se encargaron las ventanas en 1841 al maestro vidriero Carl Geyling de las que ejecuto en total 62 piezas, desgraciadamente todas fueron destruidas durante la Segunda Guerra Mundial. Carl Geyling (1814-1880) comenzó su trabajo como vidriero en Laxenburg (pequeña población cerca de Viena), más tarde se encargó de obras en muchos edificios importantes (Catedral de San Esteban, de Viena, St. Epvre, Nancy; Stift Klosterneuburg, etc.), el taller que construyó todavía existe en la actualidad.

Una vez fuera atravesamos la calle de la Universidad por lo que ellos llaman Schottentor, corresponde con la parte antigua de la muralla que rodeaba Viena, ahora, es un nudo de comunicaciones de dos pisos, uno de ellos subterráneos donde esta repletos de chiringuitos de comida rápida, aprovechamos para hacer un cata en un asiático y tomarnos un tentempié con uno de sus cucuruchos.

En la actualidad este es el nudo más grande de comunicaciones interiores de Viena, edificado en dos niveles con una rapa donde bajan diez líneas de tranvías: D, 1, 37, 38, 40, 41, 42, 43, 44, 71, descargan y vuelven a cargar pasajeros. Este flujo a través del pase peatonal subterráneo donde se puede ver la gente como se mueve dentro de un magnifico fondo compuesto por las torres de la iglesia Votivkirche; siendo un lugar ideal de Viena para unas buenas fotografías.

Las personas se distribuyen como hormigas, llegan los pesados tranvías de principio del siglo XX y recogen todas las personas de la sala, en breves segundos, otra vez están llenos y así sucesivamente, nadie parece mirar al de enfrente, hay una persona que hace tai-chi para calmar su tiempo mientras espera la llegada de su tranvía y nadie parece darse cuenta del hecho.

Nosotros como no tenemos que transportarnos seguimos andando y enseguida nos llama la atención el monumento a Johann Andreas Liebenberg, la verdad es que no sabíamos nada de este personaje pero por lo bonito debe de ser muy importante.

El monumento Johann Andreas Liebenberg fue levantado para conmemorar al alcalde de Viena desde 1680 hasta su muerte en 1683. La construcción del monumento se hizo a partir de 1887 hasta 1890. El arquitecto fue Franz Neumann y la escultura: Juan Silbert.

Johann Andreas Liebenberg fue jefe de la oficina municipal de 1653, el juez de la ciudad desde 1678 hasta 1680 y desde 1680 hasta su muerte, el alcalde de Viena. En el segundo asedio turco de Viena, ha supervisado la preparación de la defensa y los atrincheramientos y milicia organizada.

Regresamos hasta la zona del Palacio de Hofburg para hacer una visita, son las 16,00 horas y no nos da tiempo para poder ver esta inmensa colección artística que suponen todas las dependencias del palacio; por lo que nos centramos en visitar el Kunstchistorisches Museum de Viena dedicado al tesoro imperial y eclesiástico.

Se encuentra situado en la parte más antigua del palacio imperial Hofburg, en el Patio Schweizerhof, en sus vitrinas se exhiben los extraordinarios tesoros de la casa de los Habsburgo, como son la corona imperial austriaca y el tesoro de la Corona del Sacro Imperio Romano, con la corona imperial. Otros de los objetos mas reconocidos son el tesoro de la Orden del Toisón de Oro y las piezas conservadas del enormemente rico tesoro borgoñés del siglo XV. Además de las magníficas joyas de las emperatrices y princesas de los Habsburgo, y piezas originales de la colección de alhajas de la emperatriz Elisabeth (Sisi). Aquí también se puede contemplar legendarios objetos de gran valor perteneciente al arte sacro, como la Santa Lanza del Siglo VIII, la esmeralda tallada más grande del mundo o el cuerno del fabuloso unicornio.

Las primeras de las vitrinas que vemos es lo que denominan el “tesoro secular” donde se pueden conocer los objetos que sirvieron para la Ceremonia de Homenaje a los soberanos de Austria.

Sobre un cojín dorado descansa la corona dorada del Rey de Bohemia hasta principios del siglo XVII, fue realizada para el archiducado, en concreto para la coronación de José II en Frankfurt como rey en 1764. Esta realizada en plata dorada, lleva diamantes en la cruz.

En la misma estantería se exhibe un collar de perros, dos capirotes de halcón, una bolsa decorada, un escudo para el pecho con decoraciones de cinco águilas doradas, y bastones de mando.

Uno de los lienzos muestra además de la corona representada por, un orbe y un cetro, fueron realizadas en plata dorada: La orbe tiene 16 cm de altura y el cetro 79,6 cm de longitud. Estos elementos se lucen en uno de los retratos que del emperador Matías como rey de Bohemia.

El imperio austriaco se estable el 11 de agosto de 1804 se proclamo como una fuerza de equilibrio ante la autoproclamación de Napoleón como emperador de los franceses y la disolución del Sacro Imperio Romano. El nuevo imperio austriaco comprendía todas las tierras que poseían los Habsburgos, en esos momentos, toda Austria, Hungría y Bohemia (actual Praga), parte de Ucrania, Croacia, Eslovenia, Bosnia y Hercegovina. Con la caída de Napoleón se crea un nuevo orden mundial y se une al imperio el reino de Lombardía-Venecia: El primer emperador fue Francisco I de Austria: Franz Joseph Karl von Habsburg-Lothringen que vivió hasta 1835 en que le sucede Leopoldo II.

La primera estantería de este periodo se encuentra la Corona del Emperador del Sacro Imperio Germánico Rodolfo II, fue realizada por el maestro orfebre Jan Vermeyen en 1602 en la ciudad de Praga, tiene 28,3 cm de altura y entre los elementos que la componentes: oro, esmalte, diamantes, rubíes, zafiro, perlas y el interior esta recubierto de terciopelo rojo.

La Corona Imperial Austríaca consta de tres partes: el aro del círculo se llama Kronreif , la mitra y las diademas centrales que reciben el nombre de Kronbügel . Se ajusta al modelo más frecuente que poseen las coronas imperiales según la heráldica y su diseño deriva de las mitras episcopales.

Jan Vermeyen unión todos los elementos en una armonía para dotarlos de un significado particular. El aro de oro tiene unos diamantes que simbolizan a Cristo, como garante absoluto de la soberanía del rey. El numero ocho representa al Emperador, en quien se unen el cielo y la tierra. Los rubíes de la flor de lis, tiene un color rojo intenso, hace referencia al espíritu santo para que dote de sabiduría al emperador. La corona esta terminada en un zafiro azul colocado sobre la cruz simboliza el cielo, meta de todo buen rey y de todos los cristianos. Las perlas se alinean sobre los filos de la corona y sirve para acentuar las formas y dotarla de pequeñas luces blancas.

Sobre los costados en la mitra se estructura con cuatro paneles de oro donde aparecen grabados en forma alegórica los cuatro títulos principales del Rodolfo, que aparecen inscritos en el interior del aro de la corona: “IMPERATOR” (Emperador), “AVGVSTVS” (Augusto), “REX HVNGARIAE” (Rey de Hungría), “ET BOHEMIAE” (y Bohemia). En el primer panal se puede ver al emperador como conquistador y príncipe de la paz. En le segundo se representa durante la coronación como Rey Romano en Regensburg (1 de noviembre de 1975), en el que fue nombrado Emperador. En el tercer panel se representa como rey de Hungría (coronado el 26 de septiembre de 1572). El cuarto panel simboliza como rey de Bohemia (fue coronado el 22 de enero de 1575).

Los esmaltes que recorren la corona a lo alto se representa figuras extraídas de la propia naturaleza: libélulas, mariposas, aves, hojas de plantas, frutos, es una manifestación de la vocación del Emperador por lo terrenal.

En la misma estantería se encuentra el «El cetro austríaco» obra del orfebre Andreas Osenbruck, fue realizado en Praga en 1615. La base del cetro esta confeccionada con el cuerno de un narval –un cetáceo que tiene un cuerno de dos metros– revestido de oro, esmaltado, además se decoró con piedras preciosas: diamantes, rubíes, zafiros y perlas; en total tiene una longitud de 75,5 cm .

En la parte superior esta la firma y la fecha del orfebre que la confeccionó, en el exterior de la cápsula se distingue el monograma del Emperador Matías y el año en que se inicio su reinado 1612.

El cetro representa el cuerno del unicornio que no podía ser capturado por el cazador, posa manso su cabeza sobre el cuerpo de la doncella. Esto se interpreta como la encarnación de Cristo. La doncella es la Virgen mientras que el cuerno se convirtió en el símbolo de Cristo.

La tercera joya del emperador es “el orbe austriaco”, obra de Andreas Osenbruck, tallado en la ciudad de Praga en 1610. Realizado en oro, esta esmaltado con decoraciones muy similares a la corona, además esta decorado con piedras preciosas: diamantes, rubíes, zafiros y perlas; tiene una altura de 26,9 cm .

Esta obra fue añadida por el Emperador Matías junto con el cetro a la corona elaborada por Rodolfo, la decoración y las piedras para ser utilizas en la ceremonia de coronación debían de acompañar por el estilo a la corona.

La utilización de la orbe viene de la tradición de imperio bizantino cuando la época de Carlomagno. Es una joya que representa el globo terráqueo rematado con la cruz, simboliza el dominio de Jesús en la cruz sobre el mundo o sobre todo lo terrenal. Este mismo orbe cuando lo sujeta Cristo esta representando al Salvador del Mundo.

En la sala hay varios lienzos y esculturas. El Emperador Francisco I de Austria se representa sentado sobre el trono con los ropajes imperiales de Austria, obra de Friedrich von Amerling, realizado en Viena en 1832, en óleo sobre lienzo, tiene unas medidas de 260x164 cm.

El semblante del emperador es sereno, parece una instantánea, sus ojos son penetrantes. Sobre su cabeza la corona del imperio de Rodolfo II, el cetro recto sobre su mano derecha. Lleva los collares de las cuatro órdenes de la Casa de Austria, de las que el emperador era el Gran Maestro: el Toisón dorado, la Orden de san Esteban, la orden de san Leopoldo y la corona de Hierro. El pie derecho lo apoya sobre un cojín y el izquierdo sobre la alfombra verde. Aparte, y sobre un taburete se sitúa el orbe del emperador apoyado en un cojín de terciopelo rojo.

En la misma sala se encuentra el busto del Emperador Rodolfo II, obra de Adiaen de Vries, realizado en la ciudad de Praga en 1607, tallado en bronce con una patina de color marrón rojizo; tiene una altura de 54,5 cm .

El busto del emperador se le representa con un semblante serio, lleva barba, cuello de camisa alto donde tiene abrochado el Toisón de Oro con una cinta. En las hombreras de su chaqueta tiene el relieve con figuras alegórica de la Victoria y la Fama. Esta fechado y firmado en la parte trasera del pedestal.

En otra de las vitrinas se exponen el manto del Emperador de Austria, fue diseñado por Philipp von Stubenrauch y ejecutado por Johann Fritz, gran maestro bordador de oro. Fue realizado por encargo en la ciudad de Viena en 1830. Confeccionado con terciopelo rojo y blanco, lleva una decoración de temas vegetales bordados a lo largo de todo el manto, además, se añadieron: lentejuelas, armiño y seda blanca.

El diseño de la tela esta formado por águilas bicéfalas cuyo lema significa: “ Basileus Basileon, Basileuon Basileuonton” « Rey de reyes, que reina sobre los que reinan », están adornado con armas austriacas ubicadas sobre el blasón y rodeadas de hojas de roble y laurel.

Un poco más adelante destaca otra de las vestiduras, pertenece a la coronación del reino de Lombardia-Venecia, esta diseñada por Phillipp von Stubenrauch, ejecutado por Johann Fritz, maestro bordador de oro, fue realizado en Viena en 1838. Está realizado en terciopelo azul y naranja, tela de moaré blanca, bordados en hilo de oro y plata, armiño y encaje; tiene una longitud de 269 cm .

El reino Lombardo-Véneto fue adjudicado a Austria después de la derrota de Napoleón en el acuerdo de las disposiciones de Viena el 9 de junio de 1815. El Emperador Fernando I fue coronado Rey en Milán el 6 de septiembre de 1838. Para la ocasión fueron confeccionadas estas vestiduras, en su pálido borde se muestra la corona de Hierro.

El museo hace una especial mención al tesoro de la Casa de los Habsburgo de Lorena, corresponde con los bienes de la familia de la casa de Austria y una parte importante del tesoro secular. Corresponde con una buena parte del fideicomiso de las colecciones de arte imperiales a la primogenitura de la familia.

La sala esta presidida por los cuadros de “El Emperador Napoleón” y la “Emperatriz María Luisa” son obra de Jean Baptiste Isabey, realizado en París, están datados en 1810, realizados en témpera sobre marfil; el marco es de bronce dorado, las medidas unitarios es de 24,8 x 16.5.

En los cuadros se manifiestan los emperadores Napoleón y María Luisa con las vestimentas que llevaron a su boda el día 2 de abril de 1810.

María Luisa de Habsburgo-Lorena se convierte en 1810 en la segunda esposa del Emperador Napoleón I, ya que su primera esposa Josefina de Beauharnais no le podía dar un hijo, el heredero al trono. Además, Napoleón I estaba interesado en emparentarse con una de las casas reales más antiguas de Europa, como era la de los Habsburgo, para que así su heredero tuviera menos dificultades de aceptación entre los demás monarquías europeas.

Uno de los objetos curiosos de la sala es “el trono cuna del rey de Roma”, fue diseñado por Pierre Paul Prud'hon, el molde para la pieza fundida fue realizado por Henri-Víctor Rouguier; fue ejecutado por Jean-Baptiste-Claude Odiot y Pierre-Felipe Thomire, realizado en París, esta datado en 1811. Elaborado en plata dorada, madreperla, revestido de terciopelo, seda, tul; tiene unas dimensiones de 216 cm .

El día 20 de marzo de 1811 nace el primer hijo y descendiente al trono del emperador Napoleón II, se le pusieron los nombres de Napoleón-Francisco-Carlos. Para celebrar el acontecimiento la ciudad de París regalo esta obra de arte de la orfebrería. Para su confección se utilizaron 280 Kg . de plata. El heredero al nacer recibió el título de Rey de Roma, y tras la muerte de su padre, el título de Duque de Reichstadt.

En una de las vitrinas se exponen el “Mantel de bautismo, con dos trajes de bautismo” fueron realizados en Viena en el siglo XVIII. Confeccionados con Moaré de plata con adornos en raso, encaje de oro, batista, bordado de oro, encaje de cojín, raso rosa, encaje de tul,

El traje rosa se utilizó para el bautismo del Emperador de Austria Francisco José en 1830 y de sus hermanos y hermanas, Maximiliano de Méjico u el archiduque Carlos Luis, la archiduquesa María Ana y el archiduque Luis Víctor.

En otra de las vitrinas destaca “Jarra y jofaina bautismal”, realizada en España de la mano de un maestro orfebre desconocido, esta datado en 1571, realizado en oro y esmaltes.

Para realizar este juego se utilizaron 10,5 Kg . de oro fue un regalo de bodas que los estados carintios dieron al archiduque Carlos de Austria y María de Baviera en 1571.

Una de las vitrinas más destacadas “Corona de Stefan Bocskai”, es de origen turco, esta datado sobre 1605, elaborada en oro, rubíes, espinelas, esmeraldas, turquesas, perlas, seda; tiene unas dimensiones de 23.2 cm .

La corona procede de Stefan Bocskai, fue un noble calvinista que se revelo contra Rodolfo II por cuestiones religiosas y después de sus éxitos militares se nombró a sí mismo Príncipe de Siebenbürgen y Hungría. El Sultán turco Ahmed le dio enseguida su reconocimiento y que el gran visir Lal Mehmed le coronase con esta corona.

Un mueble muy curioso “Armario para la custodia de las llaves de los féretros de la casa de los Habsburgos”, fue tallado por el maestro Alexander Albert, era un ebanista de la corte de Viena, esta datado en 1895, realizado principalmente con madera de Nogal y otras maderas incrustadas, tiene unas dimensiones de 243 de altura x 149 cm de ancho x 64 cm de fondo.

El mueble lleva en el centro una cruz, se abre totalmente y en su interior a modo de bargueño hay distintos cajones donde se guardan las 139 llaves de los féretros de la casa de los Habsburgos, que se encuentran en la cripta Capuchina en Viena, en Seckaum Bozen, Gmünd, Linz, Neuberg y Mantua. La parte central la que ocupa el crucifijo donde se hallan las llaves de los emperadores y sus familiares directos. Los compartimentos laterales son de los féretros de otros miembros destacados de la casa de los Austria.

Entre los objetos de decoración encontramos “Rosa de oro”, fue elaborada por Giuseppe Spagna y Petro Paolo Spagna, fue realizado en la ciudad de Roma, esta datado en 1818, realzado en oro, la base de verde antico; tiene unos 60 cm de altura.

Este objeto era donado por el Papa el cuarto domingo de Cuaresma a una persona o institución que lo mereciese. En 1819 el Papa Pío VII dedico esta rosa a Carolina Augusta, la cuarta esposa del emperador Francisco I de Austria.

Las doce rosas simbolizan las figuras de los doce apóstoles, la decimotercera situada en la parte superior, en su interior, contiene almizcle y bálsamo, representa la figura de Cristo.

El museo tiene un gran apartado con referencias históricas al periodo del Sacro Imperio Romano. La historia comienza con la coronación de Carlomagno el día 24 de diciembre del año 800 y duro hasta 1806, cuando el Emperador Francisco II disolvió el imperio bajo la presión de las fuerzas superiores de Napoleón.

Carlomagno se considero el sucesor del Imperium Romanum, bajo el gobierno de Cristo. Esto explica que todas las obras de arte contienen una mezcla de significados eclesiásticos y teológicos.

Las vitrinas nos presentan dos de las reliquias más importantes de la cristiandad, un trozo de la Cruz y la Santa Lanza , a la que según la tradición se la había incorporado un clavo de la cruz de Cristo. Esta ultima pudo ser un regalo del Papa Adriano a Carlomagno en el año 774. El regalo fue como un depósito para la custodia de las esencias del cristianismo.

Los siguientes Emperadores pronunciaban su juramento durante la Coronación delante del Evangelio Carolingio Imperial, escrito a mano con letras de oro sobre carmesí. La bolsa de San Esteban, un relicario del siglo IX realizado en Rheims y que contenida tierra empapada con la sangre del primer mártir, San Esteban, esta se colocaba dentro del asiento del trono. En la coronación el Emperador portaba el sable de Carlomagno, realizado en Europa del Este en el siglo X.

El principal objeto que distinguía al Emperador en la ceremonia de coronación era sin lugar a dudas la corona. Realizada para el Emperador Otón el Grande o par su hijo Oton II, en la segunda mitad del siglo X.

En las paredes podemos ver una copia del famoso cuadro “El Emperador Carlomagno” realizada por Alberto Durero de Nuremberg, fechada en 1600, realizado en óleo sobre lienzo, tiene unas medidas de 209 x 119,5 cm .

De Carlomagno se desconoce su aspecto físico aunque algunos historiadores le definen como: cuerpo ancho y robusto, de estatura eminente, sin exceder la justa medida, pues alcanzaba siete pies suyos; de cabeza redonda en la parte superior, ojos muy grandes y brillantes, nariz poco más que mediana, cabellera blanca y hermosa, rostro alegre y regocijado; de suerte que estando de pie como sentado realzaba su figura con gran autoridad y dignidad. Y aunque la cerviz era obesa y breve y el vientre algún tanto prominente, desaparecía todo ello ante la armonía y proporción de los demás miembros. Su andar era firme, y toda la actitud de su cuerpo, varonil; su voz tan clara, que no respondía a la figura corporal.

Para pintar a Carlomagno Durero estudia todos los relatos que hablan sobre el Emperador y sobre las insignias y vestiduras reales para realizar este cuadro, aunque erróneamente, ubico muchas de ellas en la época de vida de Carlomagno. Por ejemplo la corona sobre su cabeza que veremos más adelante como fue elaborada en el siglo XI, trescientos años después de la muerte de Carlomagno o el manto de la coronación que lleva a la espalda que perteneció al siglo XII.

La primera vitrina nos muestra “El manto de la coronación” fue elaborado en el taller de la Corte Real , en la ciudad de Palermo, esta confeccionado en: Seda, bordados de oro, perlas, esmalte cloisonné, rubíes, espineles, zafiros, granates, vidrio; tiene unas medidas de 345 cm x 146 cm .

La inscripción indica que el manto fue confeccionado en la corte del Rey Roger II en año 528 de la era musulmana, estos es, en 1133. Al indicar el año musulmán ya nos informa que fue elaborado por maestros artesanos musulmanes o mudéjares. Utilizaron la seda roja para bordar los antiguos símbolos del poder, bordeados por dobles filas de de perlas que realzan los dibujos.

La representación de la simbología en el centro aparece el árbol de la vida, a los lados dos leones cogen con sus garras a dos camellos. En la parte superior cenefa y 30 pequeñas compartimentos de esmalte cloisonné y bordados de perlas. En la cabeza de cada león hay una placa redonda de esmalte cloisonné.

El manto sobre las vestimentas de los soberanos indicaría que representaría el mundo celestial. El manto era una tradición en los reyes Normandos, hasta la coronación en Roma, en el año 1220, el Rey Federico II añadió este manto a la vestiduras del tesoro del estado.

Una de las vitrinas donde es necesario pararse con mayor detenimiento porque tiene tres ejemplares únicos del tesoro imperial, en el centro se expone “ La Cruz Imperial ”, fue elaborada la parte central en Alemania Occidental, esta fechada entre 1024 y 1025 se utiliza en la armadura madera de roble, cubierta en tela roja, recubierta de oro, piedras preciosas, perlas y plata; el pie de la cruz fue añadida en la ciudad de Praga en 1352 elaborada con plata dorada y esmalte; las dimensiones son 95,2 x 70,8 cm .

La Cruz Imperial fue construida como un relicario para albergar las reliquias imperiales. La estructura de madera tenía huecos, en el brazo horizontal se alojaban la Santa Lanza , en el brazo vertical se alojaba la Partícula de la Cruz de Cristo.

Posteriormente se decoró con piedras preciosas, es un símbolo del triunfo y la victoria. Una inscripción en los lados explica su significado: “Que ante esta cruz del Señor hayan los seguidores del malvado enemigo; y por ello, se batan también en retirada ante ti. Conrad I 1024- 1039” .

Las piedras preciosas para realzarlas se rodea de perlas y están biseladas en forma de pequeñas cápsulas.

Una vez separada “ La Santa Lanza ” del relicario, ahora se expone en la parte izquierda, es de la época Carolingia, datada en el siglo VIII, elaborada con acero, hierro, bronce, plata, oro, cuero; tiene unas medidas de 50,7 cm .

La lanza fue elaborada para albergar una barra de hierro con tres nódulos sobre la que hay cruces de bronce. Los nódulos se atribuyen a partículas de un clavo de la cruz de Cristo que fueron fundidas en hierro. En el siglo XI se creía que la barra de hierro era un clavo de la Cruz de Cristo. También se creía que la lanza había pertenecido a San Mauricio (patrón del imperio). Durante el siglo XIII se llegó a la conclusión que era la Santa Lanza con la que Longinus atravesó el costado de Cristo.

Durante el reinado de Carlos IV, en el siglo XIV fue revestida de oro para cubrir una rotura en la hoja de la laza. La inscripción indica: “Lanza y Clavo del Señor”. La historia indica que pudo ser un regalo del Papa Adriano I a Carlomagno. Se consideraba la insignia más importante por encima de la Corona Imperial. También se creía en su gran poder y el principal motivo por lo que Otón I venció a los húngaros y los eslavos en el año 955.

A la derecha de la vitrina se encuentra “El Relicario con Partícula de la Cruz ” esta es otra de las obras considerada como sagrada ya que se creía que la madera tenia un clavo con sangre de Cristo. Era considerada por los reyes como una reliquia de protección. También se guardaba en la Cruz Imperial hasta que Carlos IV hizo fabricar las monturas de oro en forma de cruz procesional con los brazos pintados de negro.

La siguiente vitrina contiene varias espadas y a la izquierda “El orbe imperial”, fue elaborado en la ciudad de Colonia, esta datado en el año 1200, fue realizado en oro, y se realzo con piedras preciosas y además se intercalaron perlas.

El orbe de la dinastía Hohenstaufen del Sacro Imperio Germánico, monarcas de Alemania y Sicilia, siglo XII y XIII. Entre los más destacado esta Federico I Barbarroja.

La bola representa a la tierra y el gobierno del mundo. Desde la victoria de la cristiandad, la cruz hace referencia a Cristo y por eso se coloca en la parte superior como el gran soberano del cielo. Por delegación el emperador reina en la tierra como representante de Dios.

En la pared de la vitrina podemos ver “La Espada Imperial ” también conocida como la espada de Mauritius, se exhibe con su funda. La espada fue templada en Alemania, entre 1198 y 1218, tiene una hoja de acero con pomo y empuñadura ligeramente dorados, el puño decorado con alambre de plata; tiene unas dimensiones de 110 cm . La funda fue elaborada en Alemania en la segunda mitad del siglo XI, tiene un esmalte bizantino, madera de olivo y recubierto de oro, esmalte y granates.

La decoración del pomo aparece el águila imperial y el escudo de armas del Rey Otón IV. Tiene una inscripción que dice:

“BENEDICTUS DO (MINU) S DE (U)S QUI DOCET MANUS” QUE TRADUCIDO INDICA: Bendito dios Nuestro Señor que instruye la mano que nos guía. También tiene una inscripción en la empuñadura de la mano que dice: “CHRISTUS VINCIT CHRISTUS REGNAT CHRIST (US) INPERAT. Traducido: Cristo conquistador, Cristo Rey, Cristo Soberano.

La funda esta dividida en siete partes por cada cara donde aparecen otras tantas figuras de soberanos, cada uno de ellos lleva un orbe y un cetro. Las figuras se representan de pie y contrarias a la embocadura de la espada, simbolizan los 14 reyes y emperadores que reinaron desde Carlomagno hasta Enrique III, incluye a este último que fue quien mando confeccionar la espada.

En una vitrina aparte se expone “ La Corona Imperial ” fue confeccionada en Alemania o Milán en la segunda mitad del siglo X, luego fue añadida la cruz en el siglo XI y el arco superior en la época de Conrad II siglo XI, en el siglo XVIII fue añadido el casquete de terciopelo. Esta realizado en oro, con esmalte de cloisonné, piedras preciosas y perlas.

Tiene forma octogonal simboliza el número que representa al emperador, por ejemplo la Capilla central palatina de Aquisgran tiene 8 lados. Los cuatro lados principales tienen incrustadas numerosas piedras preciosas. La placa central, más grande, tiene doce piedras preciosas que simbolizan a los doce apóstoles de la Nueva Alianza. Mientras que las doce piedras de la placa contraria representan las doce tribus de Israel o la Antigua Alianza. Los reyes de la dinastía otoniana se veían como sucesores directos de los apóstoles y de los grandes sacerdotes. Las placas más pequeñas tienen esmaltes que muestran a Cristo con dos serafines, a los reyes David, Salomón y Ezequías con el profeta Isaías. Las inscripciones sobre los esmaltes indican la conexión con el Rey, por ejemplo, la gracia, la justicia, la sabiduría y la larga vida. El arco superior imperial realizado por Conrad II, esta inscrito en perlas, se piensa que fue utilizada durante la coronación de Otón el Grande en el año 962 o de su hijo Otón II como co-emperador en el año 967.

En la pared podemos ver el cuadro con el retrato “Segismundo I” emperador del Sacro Imperio Germánico, es una copia de Alberto Durero, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas dimensiones de 189x90 cm.

Durero pinto al emperador con las referencias documentales sobre su persona, lo muestra con el orbe en la mano izquierda y el cetro apoyado sobre el hombro derecho. Sobre su cabeza pinta los cinco elementos del escudo de armas del emperador.

Segismundo era hijo de Carlos IV, fue enviado a Hungría para casarse con la princesa de casa real pero primero lo que hizo fue coronarse como rey. En 1410 llegó a coronarse como emperador del Sacro Imperio Romano Germánico.

Otro de los lienzos de la sala “El cortejo de la coronación de José II junto al Römerberg en Frankfurt 1764” , fue realizado por el taller de Martin van Meytens el Joven, en la ciudad de Viena, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 358 x 412 cm .

El cuadro fue encargado dentro de una serie de 6 cuadros de gran tamaño para decorar las paredes del Castillo de Schömbrunn. Ofrece una referencia histórica con multitud de detalles. La parte central muestra a los dos soberanos a caballo bajo un palio sujetado por los consejeros de Frankfurt. El emperador Francisco I de Lorena cabalga el primero, monta un caballo blanco con patas negras, va vestido con las antiguas vestimentas archiducales y su propia coronación, fue realizada específicamente para esta ocasión.

En otra de la vitrina podemos ver los dos siguientes objetos “Bolsa de San Esteban” de estilo carolingio, fue elaborada en el primer tercio del siglo IX, el cierre fue añadido en el siglo XV y la parte posterior en 1827. Esta confeccionada con una base de madera recubierta de oro, piedras preciosas, perlas y vidrio. La parte posterior es de plata dorada; tiene unas dimensiones de 32 cm . de altura.

La figura de San Esteban representa en el siglo I para la iglesia católica la separación como secta judaica hasta convertirse en religión universal. El santo es acusado por blasfemia contra Moisés y se le condena a la lapidación a las afueras de Jerusalén, en la oración por sus verdugos pronuncia la frase: “Señor, no les tomes en cuenta este pecado”.

La bolsa tiene la misma forma que utilizaban los peregrinos y contenía la tierra empapada en sangre recogida en Jerusalén en el momento del apedreamiento durante el martirio de San Esteban.

El otro de los objetos de la vitrina “El Evangelio Imperial” era empleado durante la ceremonia de la coronación, es un códice elaborado en la corte de Carlomagno, unos años antes del 800, tiene 236 páginas de pergamino teñidas de carmín, con tinta de oro y plata y pintura; tiene unas medidas de 32,4 x 24,9 cm . La cubierta fue ejecutada por Hans von Reutlingen, alrededor de 1500, realizada en plata dorada con incrustaciones de piedras preciosas.

Entre todos los manuscritos y libros que se produjeron en la corte imperial de Carlomagno este es el más importante. Fue empleado durante la coronación de Carlomagno para tomarle juramento sobre este Evangelio de San Juan. La cubierta esta labrada y lleva en el centro la representación de Dios Padre sentado en su trono. Esta flaqueado de la Virgen María y un Ángel, en los extremos, en las esquinas hay cuatro medallones que simbolizan los cuatro evangelistas.

Las siguientes salas están dedicadas a la herencia de Borgoña y la constitución de la Orden del Toisón de Oro.

El Archiduque Maximiliano I se casó en 1477 con la Duquesa María de Borgoña y sirvió para que la casa de los Habsburgo tomara una de las regiones más ricas de Europa. Las tierras que heredó pertenecen una parte a Francia y otra al Sacro Imperio Romano. En el legado se incluyó los Países Bajos que estaban en plena revolución económica y cultural. En la siguiente generación se añadió el imperio de España y más tarde Hungría y Bohemia.

Tanto Maximiliano I como su hijo el hermoso heredaron una rica colección de tesoros, entre los que se encontraba la Orden del Toisón de Oro. Esta Orden había sido fundada por el duque Felipe el Bueno de Borgoña en 1430, con ocasión de su boda con Isabel de Portugal. La concesión de la orden suponía atraer a importantes nobles y acercarlos a la iglesia. Los caballeros de la orden debían defender la fe cristiana. El emblema, el Toisón de oro, estaba basado en la historia del mito griego Jasón. La importancia de la posición de la orden fue tan grande que ha llegado a nuestros días. Los Borbones en España mantuvieron el Toisón de Oro pero no seguían los antiguos estatutos de la Orden de los Habsburgo.

En las paredes se exhiben dos retratos uno “el Emperador Maximiliano I”, obra de Bernhard Strigel, esta datado en 1500, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 6055 x 41 cm .

El retrato representa al Emperador con el cetro sobre el hombro en la mano derecha, la mano izquierda sujeta la espada, en su cabeza lleva la corona real, tiene una mirada dubitativa ante una ventana que atisba un paisaje.

El otro de los retratos es de la mujer del Emperador “María de Borgoña”, el cuadro esta atribuido a Nicholas Reiser, realizado en Schwaz en el Tirol, datado sobre 1500, realizado en óleo sobre madera; tiene una medidas 79x46 cm.

El retrato de la Duquesa María Herzogin von Burgund tiene las manos gesticulantes, el vestido es de terciopelo verde, en la cabeza lleva un gorro negro. María fue la primera mujer del Emperador y única heredera del ducado de Borgoña.

Una de las vitrinas tiene una extensa colección de “Tabardos decorados con los escudos heráldicos de los duques de Brabante y Borgoña y del País de Flandes” fueron confeccionados en Bruselas, están datados en 1715 y en Borgoña en el siglo XVII, con terciopelo, lame de oro y de plata; tienen una dimensiones sobre 83 x 130 cm .

Entre las joyas del ducado de Borgoña podemos ver “Broche” esta datado entre 1430 y 1440, realizado en oro con esmaltes, diamantes, rubís y cinco perlas, tiene unas medidas de 5 cm .

El broche muestra a una pareja joven, esta vestida a modo de la época, representa el jardín del amor. Le falta la copa del árbol que se elevaba sobre sus cabezas. Las figuras de oro están esmaltadas en base a la técnica descubierta a principios del siglo XV por artistas de la corte de Francia y se la llamó: émail en ronde basse –es un técnica se empleaba en el gótico y el renacimiento para pequeños adornos y esculturas colgantes– a las que se aplican en formas redondas e irregulares.

En otra de las vitrinas destaca “La Espada del Unicornio” también conocida con el nombre de “Ainkhürn”, realizada en ducado de Borgoña en los Países Bajos, esta datada en la segunda mitad del siglo XV, realizada en acero con un cuerno de narval, revestida de oro y esmalte. La funda es de plata dorada, rubís y perlas.

La espada fue templada con cuatro filos, era un signo de poder y virilidad porque estaba confeccionada con el cuerno legendario del unicornio. Se puede saber por la historia que perteneció al Duque Felipe el Bueno de Borgoña y llegó al Sacro Imperio Romano al contraer matrimonio María de Borgoña.

Más adelante, en un vitrina podemos contemplar “El collar de la Orden del Toisón de Oro”, tiene un origen flamenco, fue elaborado en el siglo XV en oro; tiene un peso de 507,96 gr.

El collar data desde la fundación de la Orden , un ejemplar único al estar formado por 16 unidades independientes labrada, y posteriormente unidas entre si. Esto representaba la unión de todos los miembros de la Orden.

Los lemas de la Orden son: Pretium laborum non vile («No es mala recompensa por el trabajo»); Ante ferit quam flamma micet («Hiere antes de que se vea la llama»).

El símbolo principal es el carnero hace referencia a la ciudad de Brujas, que contaba con una importante industria lanar. Con la elección del vellocino de oro, el Duque de Borgoña hacía referencia a la leyenda de Jasón en la nave Argo. Esto hacia hincapié también a la nueva vocación marinera del Ducado de los Borgoña gracias a sus puertos en los Países Bajos.

En otra de las vitrinas se expone “La cruz del Juramento de la Orden del Toisón de Oro”, elaborado en Francia en 1400, el pie y la base se montó posteriormente en Flandes, datado entre 1453 y 1467. Esta construida utilizando: oro, zafiros, rubíes, perlas; tiene unas medidas de 36 cm . de altura.

La cruz proviene de la posesiones de Jean de France, el Duque de Berry. Era un relicario donde se guardaba una partícula de la cruz de Cristo. Felipe el Bueno hizo renovar la base de la cruz. Lleva su escudo de armas y sus emblemas. Los caballeros oficiales de la Orden recientemente nombrados prestaban juramento sobre esta cruz desde los tiempos de su fundación, al igual que lo hacen hoy en día.

En un lugar destacado de la sala se encuentra el collar ceremonial llamado “La Potence ” para el Heraldo de la Orden del Toisón de Oro, fue construido en los Países Bajos, esta datado 1517, realizado en oro y esmalte. Tiene una medidas del circulo exterior de 143 cm y del circulo interior 98.8 cm .

La Potence está formado por un collar en el exterior de la Orden y en el interior engarzadas 26 placas de oro, cada una de las cuales representa dos escudos de armas de los miembros de la Orden.

El collar lo llevaba el soberano en las reuniones de la Orden y en el juramento de los nuevos candidatos, Carlos V había fijado en 51 el número de caballeros de la Orden.

Entre las vestimentas más destacadas empleadas por la orden del Toisón de Oro son sus paños litúrgicos “Pluvial” corresponde con el manto de Nuestra Señora. Fue elaborado en Borgoña, esta datado entre 1425 y 1440, sobre una tela de lino fuerte con un reborde de terciopelo rojo y pasamanería en oro, hilo de oro y plata, sedas y perlas; tiene unas medidas de: 330 cm de ancho y 164 cm de largo.

Preside el manto en el centro la figura de María con un vestido de seda azul; en la banda: apóstoles y profetas; en el primer semicírculo: el Arcángel Gabriel con ángeles: el segundo y tercer semicírculo: vírgenes, mujeres y viudas.

En total se hicieron tres juegos como este para las Vísperas Pontificales. Las capuchas formaban una imagen de grupo, con Cristo Dios Padre, en el centro y el de María (este) y Juan Bautista a cada lado. Los diseños han sido atribuidos al Maestro de Flémalle.

El paño litúrgico de la Orden del Toisón de Oro “Frontal”, esta presidido por la figura de la Santa Trinidad , fue tejido en Borgoña, esta datado entre 1425 y 1440: elaborado sobre una tela de lino, se añadió una pasamanería de oro, esta bordado de hilo de oro, plata y seda, y se añadieron perlas y axinitas; tiene unas medidas de 330 cm x 119 cm .

El bordado central representa a la Sagrada Trinidad , rodeado de 6 profetas a cada lado. La forma en que la Trinidad esta representada guardando relación con la Eucaristía. Donde se ve a Dios Padre sentado sobre su trono, muestra a su hijo como hombre de los Dolores, mientras en el hombro, con forma de paloma, se apoya el Espíritu Santo.

Otro de los paños litúrgicos de la Orden del Toisón de Oro “Sagrada Familia” es similar al anterior, esta presidido por la figura de la Sagrada Familia acompañado de Santa Ana, la figura de Jesús niño se dirige a la santa. Esta acompañado por la figura de seis santos a cada lado.

Las salas que corresponden al tesoro eclesiástico esta compuesto por vitrinas que contienen objetos litúrgicos, vestimentas, ornamentos y numerosos relicarios que se usaban en diferentes iglesias y capillas de la corte imperial de Viena, Schönbrunn, Laxenburg y Baden. Los más importantes corresponden a la capilla Hofburg de Viena, por su condición de capellán real tenia el rango de obispo, sus ornamentos correspondían con la dignidad del rey, y son especialmente valiosos.

Los relicarios del museo son muy numerosos y ricamente ornamentados, principalmente fueron creados para el Emperador Rodolfo II en Praga, aunque la tradición de la colección comienza con la Emperatriz Ana , casada con el Emperador Matías.

Uno de los objetos más bellos es la “Reproducción de la Columna de María en la plaza Am Hof de Viena”, diseñada por Felipe Küsel, en Augsburgo, esta datada entre 1670 y 1680, elaborada con una base de hierro, plata dorada, esmalte, pintura esmaltada, piedras preciosas, perlas, cuentas de vidrio.; tiene una altura de 129 cm .

Esta presidida por la figura de María Inmaculada, se levanta sobre un pedestal de base cuadrangular en cuyo entrepiso se hallan otras figuras con cuatro angelotes armados con espadas y escudos los cuales pelean contra un dragón que representa el hambre, un león (la guerra), una serpiente (la falta de fe) y un basilisco.

El ornamento de las figuras es excepcional con incrustaciones de miles de joyas, 324 esmeraldas, 68 rubíes y 451 amatistas, fue un encargo de Leopoldo I.

En otra de las vitrinas se presentan varios cálices el más importante, en el centro: “Cáliz de Misa”, fue elaborado en Hungría, esta datado en 1500, realizado en plata dorada, gemas, axinitas; tiene unas dimensiones de 23.3 cm .

El cáliz se uso en la capilla de Hofburg hasta el año 1854, de este mismo modelo se realizaron otras copias en numerosas iglesias de Eslovaquia y Transilvania.

En la siguiente vitrina hay uno de los relicarios más importantes del museo “Templete con las reliquias de Cristo”, fue elaborado en Mantua, esta fechado en el siglo XVI, realizado en maderas nobles y recubierto con madera de ébano, tiene incrustaciones de oro esmaltado, plata, diamantes, granates, perlas y cristal de roca; tiene una altura de 49 cm .

Se trata de un templete con un barril de cristal suspendido que contiene gotas de sangre de Cristo. Sobre el techo del templete se guardan otras reliquias de la Pasión. En la base hay un trozo de tela de lino manchado con sangre de Cristo.

La siguiente vitrina tiene numerosos relicarios el más importante “Relicario de Santa Isabel”, elaborado en la ciudad Augsburgo, esta datado a principios del siglo XVII, realizado en madera nobles recubierto de madera de ébano, tiene incrustaciones de plata dorada y esmaltada, rubíes, perlas, seda, galón de oro y cera.

En el centro de la urna contiene la mitad de la tibia de Santa Isabel de Turingia, llegó a la santidad al quedarse viuda en el siglo XIII siendo aún joven, dedicó su riqueza a los pobres, construyó hospitales. A partir de su canonización en 1236 se convirtió en un símbolo de caridad cristiana para toda Europa.

Sobre la reliquia hay una escena realizada en cera donde se representa a Santa Isabel dando de comer a los pobres.

La siguiente vitrina exhibe numerosas reliquias las más importantes situada en los extremos “Dos relicarios con medias figuras de San Valeriano y San Tiburcio en cera”, fueron elaboradas en Munich, esta datada a principios del siglo XVII siguiendo los diseños de Hans Krumper, realizadas en cera, tiene telas, perlas, maderas nobles recubiertas de ébano, oro esmaltado, bronce dorado. Tienen unas dimensiones de 32 cm de altura y 22,5 de ancho. En las escenas se ven a dos niños coronando a los santos, estos están realizados en cera, en el centro de la reliquia se puede ver un trocito de hueso de cada uno de los santos.

Enmarcado en un cuadro vemos “relieve de la crucifixión”, realizado en la ciudad alemana de Augsburg, esta datado en el siglo XVII por el maestro orfebre Mathias Walbaum, tallado en plata.

Es un objeto de devoción de Jeremias II Klicker, representa una escena de la Crucifixión donde los ángeles portan copas de plata mientras las Marías lloran la muerte del Jesús.

En otra de las vitrinas a la izquierda esta situado “Bolsa con cierre, llamada bolsa del Rey Esteban de Hungría” realizada en Rusia, esta datado en la segunda mitad del siglo XI, esta bordado en oro y seda, con plata dorada, perlas, granates, cuarzo ahumado, vidrio; tiene unas dimensiones de 15,5 x 13.5 cm .

La tela tiene un rico bordado es un bonito ejemplo del arte ruso. Una bola de cuarzo ahumado forma el cierre de la bolsa.

Las siguientes vitrinas están dedicadas a objetos litúrgicos realizados en marfil como este “Crucifijo”, tallado en Austria, esta datado entre 1710 y 1720, realizado en marfil, axinita, maderas nobles pintadas de negro; tiene una altura de 87,5 cm .

Estamos ante una obra maestra del tallado en marfil, realizado por un virtuoso escultor, se distingue por la suavidad empleada en la técnica y por la expresividad del rostro y del cuerpo.

La siguiente vitrina esta dedicada a las Custodias, la más importante. se encuentra situada en el centro de las exhibidas se titula “Custodia con la figura de María” conteniendo la luneta para la Hostia , realizado por el maestro orfebre Zacharias Feilm realizado en Viena en 1701, elaborado con plata parcialmente dorada, gemas, cristal de roca, perlas, vidrio; tiene unas dimensiones de 66 cm . de altura.

La custodia representa el cuerpo abierto de la Madre de Dios contiene la hostia en la que Cristo esta presente. La elaboración de este tipo de objetos litúrgicos tenia la finalidad de que los fieles supieran en cada momento en qué parte de la misa estaban y albergar y para poder transportar el santísimo sacramento.

En una vitrina individual se expone “Marco de plata con retrato de San Antonio de Padua”, el marco fue realizado por el orfebre Josef Moser, en la ciudad de Viena, esta datado en 1747. El cuadro es obra del talle de Franciabigio, realizado en Florencia, a principios del siglo XVI.

El conjunto forma una estructura arquitectónica con un bello ejemplar del periodo Rococó, es una obra de especial atención porque forma parte del prototipo de la época del que se sirvieron para hacer numerosas copias.

A la salida del museo según vamos hacia el metro podemos ver como están cenando los vieneses en la fiesta de las jornadas culinarias regionales de Hendenplatz, los chiringuitos están tan llenos que cualquier sitio es bueno para tomarse una tapita. Mientras a su lado la música regional fluye desde todos los rincones. Lamentablemente tenemos el tiempo de permanencia en Viena tasado y no nos podemos quedar para disfrutar de esta fiesta que se celebra todos los años entre el 25 y 27 de agosto en la plaza de los Héroes de Viena.

Antes de tomar el metro podemos contemplar la inmensa figura que forma el monumento a Goethe, sobre un pedestal y sentado en un sillón se coloca la estatua de Johann Wolfgang von Goethe, considerado como el hombre de letras más grande que ha dado el idioma alemán. El monumento es obra del escultor Edmund Hellmer y fue realizado en 1900.

Tomamos el metro en la Reumannplatz línea U1 para hacer el trasbordo en la línea U-6 en la estación Perfektastrabe, donde se encuentra el área de autocaravanas, en el recorrido nos demora un poco más de media hora.

El área de autocaravanas tiene el horario de salida a las 12,00 horas, existe la posibilidad de pagando un suplemento poder prolongarlo hasta la tarde previo pago de 5 euros, nosotros habíamos quedado en salir sobre las 19,30 horas. Aprovechamos para vaciar y llenar los tanques y salimos lo antes posible.

El trayecto hasta Venecia (Italia) es largo, lo que haremos es aprovechar lo que quede de la tarde para llegar lo mas cercano posible con la frontera con Italia. El recorrido completo es por autopista, en cuanto sentimos un poco de fatiga ponemos en el tom-tom una población que tenga interés turístico y nos sale Wolfsberg, hacia allí nos dirigimos, le indicamos un parking descubierto y nos acerca a la entrada a la ciudad, indica 600 metros al castillo.

El parking de autocaravanas en la ciudad de Wolfsberg (Austria). Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N46.84179//E14.84459 .

El parking esta en una arboleda, hay aparcada una camper, en esos momentos se encuentran juegan a la pelota con un niño pequeño, cerca nos quedamos, nosotros para poder aparcar debemos de utilizar varias plazas de coche porque en batería no lo podemos dejar, pero como el parking esta vacío no creo que haya problemas. Cenamos y dormimos plácidamente.

Día 28 de agosto (jueves)

Ruta: Wolfsberg (Austria)-Venecia (Italia)

A la mañana siguiente sentimos como se van llenando el parking a nuestro alrededor, enseguida me bajo y veo que ya esta todo casi lleno, como vemos que estamos utilizando varias plazas, sin desayunar nos marchamos para no tener problemas. Un poco más adelante encontramos una zona con varios hipermercados y en un de ellos decidimos parar para desayunar.

El parking en el hipermercado Billa de la ciudad Wolfsberg (Austria) se encuentra situado a la entrada a la ciudad dentro de un pequeño polígono industrial. Las coordenadas GPS del lugar corresponden: N46.84289//E14.84221 .

El aparcamiento en el interior del centro comercial es gratuito, pone unas placas donde indica que es válido solamente para un tiempo determinado.

Después de desayunar aprovechamos la ocasión para hacer una pequeña compra en el hipermercado de las cosas más necesarias y además de esta forma agradecemos la hospitalidad.

Son las nueve treinta de la mañana cuando nos marchamos Wolfsberg, a la salida de la ciudad aprovechamos para llenar el deposito de combustible a un precio cercano a 1,32€ por litro, es un buen precio para llenar el vehículo, aun tendremos que hacer una parada cerca de la frontera de Austria con Italia porque luego los precios se disparan hasta los 1,80 euros por litro de Italia.

Antes de las 13,00 horas estamos en el parking de autocaravanas de Tronchetto en la ciudad de Venecia (Italia). Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N45.44367//E12.30644.

Este aparcamiento es la mejor opción para visitar la isla de Venecia porque se encuentra dentro de la isla y se puede llegar a cualquier punto andando sin necesidad de transporte público. Tiene servicio de luz y tiene la posibilidad de llenar el agua potable, aunque no es posible vaciar los depósitos.

Nada más llegar nos marchamos hacia la estación marítima de Tronchetto, sacamos el ticket para el vaporetto para 4 personas durante dos días el precio 120 euros. Enseguida embarcamos hacia la plaza de San Marcos por el gran canal pasamos por la parada de Tronchetto Mercado, Rialto, la Plaza de Roma por debajo del puente de Calatrava, por el canal podemos apreciar las lanchas de la Policía y los Caravinieri, en Ferrovía, nos adelante una lancha del Casino de Venecia; llegamos a Riva de Biasio donde se encuentra la magnifica fachada del Hotel Príncipe; la siguiente parada es S. Marcuola Casinó desde donde hay una vista impresionante de la iglesia San Jeremías y Lucia con su enorme cúpula y su campanille de ladrillo.

El vaporetto llega a la estación de San Stae desde donde se puede ver la magnifica fachada barroca de la Iglesia de San Stae, tiene numerosas figuras de mármol, en esta parte del canal aparecen las primeras góndolas turísticas que dotan a los canales de color y sabor; poco antes de doblar la curva de 120 grados anterior a Rialto, podemos ver la magnifica fachada del Hotel Al Ponte Antico.

Más adelante llegamos al puente Rialto y su magnifica iglesia Giacomo di Rialto, la fachada rosa del Hotel Rialto, en una de las casas particulares hay una enorme pancarta que dice: Stop Mafia Venezia é Sacra, es una forma de manifestar la indignación que pasa por algunos de los vecinos de Venecia por la detención del alcalde Giorgio Orsoni para la financiación ilegal de los partidos políticos y los de otras 34 personas de comisiones ilegales y sobornos, a su lado una pareja de jóvenes turistas manifiestan su amor en presencia de la imagen de la Virgen , el puente Rialto, como siempre, esta concurrido de turistas.

En una de las fachadas de una pensión y en dos balcones distintos las turistas sacan sus selfies para inmortalizar su paso por Venecia. Llegamos a Santo Tomá aquí el canal se estrecha e inicia una curva contraria de 90 grados, enfrente esta la fachada del magnifico Palacio Mocenigo, en su puerta una lancha de madera estilo 007 espera a los exóticos propietarios; pasamos por la fachada de Palacio de Salviati, destaca su mosaico central de cristal es la sede de una compañía dedicada a la producción de vidrio. Sus mosaicos son muy famosos en todo el mundo se utilizaron para decorar la cúpula de la catedral de St. Paul y la entrada del Parlamento en Londres y la Ópera de París.

La siguiente parada es Salute, es la parte más abierta del canal, destaca la fachada de Basílica di Santa Maria della Salute de mármol blanco fue eregida en agradecimiento del fin de la plaga de la peste que había matado a más de 80.000 venecianos. Durante la peregrinación se levanta un Puente temporal de madera desde el otro lado del canal en Santa Maria del Giglio.

Enfrente de la basílica se encuentra el Hotel Bauer il Palazzo con su magnifica fachada gótica-bizantina. En la entrada hay una gran escultura que se puede confundir con la Estatua de La Libertad , pero en realidad representa a Italia turrita –es una representación alegórica de la Italia Civil y tiene su origen en la antigua Roma–, en este caso, también lleva una antorcha en la mano derecha y en la izquierda un escudo.

El vaporetto llega a nuestro punto final es San Marcos, las imágenes se suceden y la máquina de fotografiar dispara como si se tratase de cuadros de Canaletto: enfrente, San Giorgio Maggiore con su impresionante cúpula, antes de entrar en la plaza podemos ver las columnas de San Marcos y San Todaro, a la izquierda la Biblioteca Marciana , un poco más adelante el Campanille; a la derecha las magnificas arcada del Palacio Ducal; a la derecha, la Basílica de San Marcos con sus preciosos mosaicos, la torre de Reloj. La piazza san Marco destaca por las galerías de los edificios que se abrieron en el siglo XVIII, en los bajos se hallan los cafés más nombrados de Venecia: El Florian, el Quadri, el Lavena, todas las noches amenizan las veladas con música en directo, tendremos oportunidad de volver.

Es la hora de comer y que mejor sitio en Venecia que ir a un Mcdonalds, gracias a un plano en plena calle cerca de san Marcos descubrimos que en los bajos del Puente Rialto hay una hamburguesería, tenemos que ir para contarlo al mundo. Estoy seguro que si los pintores venecianos los hermanos Antonio y Bartolomeo Vivarini, y Gentile y Giovanni Bellini, Tiziano, Tintoretto, Jacopo Bassano, Paolo Veronese, Gianbattista Tiepolo y Canaletto, hubieran tenido oportunidad de inmortalizar este negocio en sus lienzos estarían en los mejores museos del mundo.

Pues hacia Rialto vamos hay prisa y no es tarea fácil orientarse en Venecia, enseguida que andas un poco por las calles estrechas pierdes el norte. Tenemos que llegar hasta la calle Nueva y la Calle Cap d'Oro, por precaución he tomado una fotografía del plano y me sirve de ayuda para localizarlo.

Continuamos hasta llegar a la Salizada San Giovanni Grisostomo, donde se encuentra uno de los restaurante clásicos de la cocina Veneciana es la Flaschetteria Toscana donde destaca como plato principal la fritura de la Serenísima , ¡vaya! vemos la carta de precios de 80 euros, dicen que en su bodega llega a tener 600 diferentes tipos de vinos, nosotros seguimos con la primera idea de la hamburguesa.

Enfrente de la calle esta la Parroquia San Giovanni Grisostomo, su construcción es de principios del siglo XVI, aunque su torre fue terminada a finales del siglo. Destaca del exterior por su revoco de cal en colores rosas y blancos.

El interior, su planta es de cruz griega formada por cuatro brazos que se cruzan en un ángulo recto. Es un tipo de construcción renacentista que se empleo en toda Italia por el gusto por el clasicismo.

En el centro de la planta sus brazos se sujetan con cuatro pilares que sostienen la bóveda linterna semiesférica, todo revestido de mármol blanco.

El altar mayor se levanta el retablo obra del maestro Giovanni Bellini –gran maestro renacentista e impulsor de la pintura veneciana–, esta datado en 1513, dedicado a la veneración de los Santos Cristóbal, Jerónimo y Luis de Toulouse, fue donante Giorgio Amado 13 de julio de 1494 mediante dinero aportado en su testamento. El gran pintor realizo esta obra a los ochenta años, y es considerada entre sus últimas pinturas.

De la comida pues no cuento nada porque todo el mundo lo imagina, solamente decir que el problema de Venecia son los baños públicos, el restaurante tiene dos y están constantemente inundados y es que en algún sitio tiene que la gente hacer sus necesidades porque en los bares por ir al baño te piden 3 euros.

Como vemos Italia es la cuna del arte, no hay un rincón en cualquier localidad de toda su geografía que no haya algo que ver. Todo esto lo iremos descubriendo a lo largo del día, simplemente andando sin un rumbo fijo vamos viendo como la historia del arte esta presente donde menos te lo esperas.

Pasamos por el puente Rialto hacia la otra parte del Gran Canal, llegamos ante una preciosa plaza con galerías corridas, lo que indica que se trataba de una antiguo mercado, se llama Campo San Giacomo di Rialto, en uno de sus lados esta la iglesia de San Giacomo.

La tradición considera que en este lugar se levanto la iglesia más antigua de Venecia en el año 421. La fachada principal un pórtico gótico formando una galería para guarecerse de las inclemencias, sobre esta un gran reloj marcaba las horas del mercado.

El interior, formada por la típica cruz griega renacentista, transformando siglos después en cruz latina, sus seis columnas de mármol sujetan la bóveda, en los capiteles podemos ver una decoración vegetal.

La iglesia cuenta con cinco altares, casi todos financiados por las empresas que realizaron sus trabajos en el mercado que rodea la iglesia. El altar mayor fue financiado en 1600 por arte de Casaroli, el altar izquierdo, dedicada a San Antonio Abad, fue financiado por el gremio de los orfebres y plateros, a la derecha está el altar de la Annunziata , fue financiado por la Hermandad y Garbellatori (moledores de trigo) y de la de Lagatori (los que mueven la mercancía).

Muy cerquita descubrimos un restaurante que hace la pizzas más gordas de toda Italia, parecen tortillas de patatas de lo gordas que son ellos lo llaman Pizza Alta, el precio de la porción es de 3,90 euros.

Seguimos nuestro camino por la calle del Ravano hasta llegar a una pequeña placita muy sencilla con un pozo en el centro se llama campo San Aponal, en uno de sus lados se encuentra la Chiesa de San Aponal, esta entre las iglesias abandonadas en el siglo XIX. La iglesia está dedicada a la veneración de San Apolinar, fue construida en el siglo X y posteriormente reconstruida en el siglo XV. El campanario tiene un estilo veneciano bizantino. Esta hermosa Campanile situado al lado de la iglesia sobre el Campo San Aponal un poco alejado. La fachada principal es muy bella construida en ladrillo de estilo gótico. Los tres torretas que adornan la parte principal de la fachada está rematada por una cruz, entre ellos se encuentra un rosetón. Justo encima de la entrada principal hay un relieve de mármol donde se representa la Crucifixión.

La zona es de pequeños comercios, los más llamativos exhiben en sus escaparates máscaras venecianas confeccionadas a mano con papel marche, las hay de tal delicadeza y colorido que son verdaderas obras de arte. Aquí tenemos un pequeño incidente semejante a lo que sucede en la película Padre Padrone –más por el tono de la conversación–, uno de los comerciantes me recrimina de la fotografía que acabo de hacer a una máscara veneciana, le indico que el escaparate es publico y que si quiere mantenerlas en absoluta confidencialidad debe de taparlas como a los santos en cuaresma, por sus expresiones no deja lugar a duda que somos mediterráneos, pero yo me digo a mi mismo !Parolle! !Parolle..! ! Parolleeeee! , espero que nadie trate de copiar este modelo de mascara porque puede tener copyright.

Me viene a la mente la famosa canción italiana de Mina y Alberto Lupo y la estrofa: Parole, parole, parole, parole, parole. Soltanto parole, parole tra noi, PALABRAS, PALABRAS, PALABRAS; SOLAMENTE PALABRAS ENTRE NOSOTROS. A lo que contesta él: Ecco il mio destino., “ESTE ES MI DESTINO”.

Por esta zona los canales son tan estrechos, tanto que te puedes dar la mano de un lado a otro, apenas cabe una barca, para salvar estos pequeños canales se construyó uno de los puentecillos de la laguna se llama Ponte de la Madonnetta.

!No sé cómo!, pero vemos al fondo una gran apertura, es un espacio abierto que nos relaja del agobio de las calles tan estrechas, hacia allí nos dirigimos es el Campo de San Polo, es tan grande que constituye la plaza más grande de Venecia después de San Marcos.

Históricamente esta plaza es famosa porque aquí se mato a Lorenzino de Medeci –famoso político dramaturgo italiano– , la historia es doblemente trágica, porque anterior al episodio de la plaza fue el resultado del asesinato del Duque Alessandro de Medeci el 5 de enero de 1537. Lorenzino engañó a Alessandro con la falsa promesa de un encuentro sexual con su hermana Laudomia, una hermosa viuda. Tras el asesinato, escapó a Bolonia, y desde allí a Turquía, Francia, y finalmente se refugio en Venecia. Escribió una defensa pública de sus actos (Apología), proclamando que, siguiendo el ejemplo de Marco Junio Bruto, su dedicación a la causa de la libertad le había llevado a matar a Alessandro.

Cosme de Médici sucedió a Alessandro en el ducado y condenó a muerte a Lorenzino. Un asesino a sueldo de Cosme, mató en 1548 a Lorenzino en casa de su amante en Campo San Polo, Venecia.

En la misma plaza se encuentra la Chiesa de San Polo, destaca por su fachada de ladrillo y sus imágenes. Un poco separada se encuentra el campanille terminado en cono, fue levantado en el siglo XIV. La entrada está custodiada por dos leones enfrentados, uno que lleva una serpiente en sus garras, y el otro una cabeza humana: según la tradición, se acordaría de la trágica muerte de Marin Faliero, o el conde de Carmagnola.

En esta zona todavía los canales son estrechos pero no impide que las góndolas puedan surcar las aguas por esta zona de Venecia. Somos testigos de las negociaciones de los turistas para dar una vuelta en góndola por esta parte menos conocida de la laguna.

Estamos en una zona donde la arquitectura ha hecho su trabajo increíble para que el hombre puede ocupar todo el espacio y como los arquitectos o maestros de obras han adaptado la laguna a las verdaderas necesidades del hombre.

Parece que el tiempo por esta parte de la laguna tiene menor importancia, la estrechez de las calles disipa el ruido de los turistas, los gondoleros leyendo un libro esperan pacientemente la llegada de sus clientes como lo haría cualquier taxista en una parada de taxis de cualquier ciudad europea.

En estos momentos perdemos el rumbo y seguimos andando sin ninguna referencia hasta que salimos enfrente al puente de Santiago Calatrava o Puente de la Constitución , la verdad no tenemos tiempo de verificar si todos los problemas de su diseño se han solucionado.

El cielo se vuelve rojo porque ya el día esta dando su fin, decidimos terminarlo cogiendo el vaporetto nuevamente hasta la Plaza de San Marcos, queremos escuchar música en uno de los cafetos de la plaza.

Nada más bajarnos del vaporetto nuevamente la vista se dirige hasta la isla de San Giorgio Maggiore, al atardecer es una imagen sublime. El edificio más destacado es el El monasterio benedictino de San Giorgio, se estableció en 982 cuando el DogoTribuno Memmo donó toda la isla a un monje, Giovanni Morosini. Los monjes trabajaron mucho para desecar las marismas de la isla cercanas a la iglesia para conseguir terreno sobre el que edifica la actual basílica.

Pasamos por el puente de los suspiros, sobre él las parejas se besan y prometen amor eterno, bajo él las góndolas circulan tan deprisa que los dan poco tiempo ni tan siquiera para corresponderse con un !Hasta siempre!.

Llegamos hasta la Piazzetta dei Leoncini también conocida como la Plazoleta de los leoncitos es un pequeño cuadrado unido al complejo de la Piazza San Marcos, situada en el noreste de la plaza, entre la fachada norte de la Basílica de San Marcos, el Palacio Patriarcal y la Iglesia de San Basso. Tenemos una vista monumental de toda la plaza de San Marcos.

Todas las plazas de Venecia se las denomina Campi o campos, solamente hay una que puede ostentar el titulo de Plaza o piazza , esta es San Marcos y se llama así porque es el único espacio donde la historia ha permanecido en las fachada de sus edificios desde su fundación

Os contaré nuestra experiencia de este año en la piazza, se que es muy cutre pero yo lo soy. Esta tarde decidimos ir hasta la plaza de san Marcos ¿por qué no sentarnos en las sillas del Florian? Qué lleva aquí desde 1720.

Eran las 20,00 de la tarde cuando empieza a oscurecer, la orquesta tocaba clásicos del cine, en las mesas había cuatro o cinco parejas, el 95% de las mesas estaban vacías, alrededor de ellas una multitud escuchaba de pie plácidamente los ritmos de la orquesta, es una de las particulares que tiene la Plaza de san Marcos.

En mi mente pues pensé ¿por qué no sentarnos porque estamos reventados?, las cartas con los menús estaban situadas estratégicamente, en una de las mesas disimuladamente abrí la carta para saber los precios ¡vaya! Cerveza 12 euros, bueno es cara pero una vez en la vida se puede hacer ese dispendio. Discutimos entre nosotros si pagábamos esa cantidad, triunfo el SI.

Nos acercamos al camarero y pedimos una mesa para 6 personas, enseguida nos junto dos mesas y nos preparo con seis sillas, la orquesta del Florian había dejado de tocar –para los que no conozcan san Marcos– las orquestas de los cafés tocan alternativamente, cuando terminan de tocar una pieza la orquesta descansa y a continuación toca la del chiringuito adyacente, pero si te pones en la frontera de los dos chiringuitos puedes escuchar las dos orquestas con relativa buena acústica.

El camarero nos pregunta qué queríamos tomar, nos toma nota, y nos señala la carta de precios, nosotros le respondemos que ya la hemos visto que es cara pero que podremos afrontar los gastos. El camarero seguía señalando la carta del menú ¡ya ya..! sabemos que es caro, a la tercera indicación sacamos las gafas y en un pequeño apartado ponía “Suplemento orquesta 6 euros” ¿por persona? o ¿por mesa?. Es por persona nos contesto el uniformado camarero, con cara de asombro 6x6: 36 euros suplementos de orquesta.

Nos quedamos mudos, el camarero esperaba nuestra confirmación, en total la cerveza costaba 18 euros. Ya sentados en presencia del camarero hicimos una segunda votación la cerveza cuesta 18 euros qué hacemos, triunfo el NO, pedimos disculpas por las molestias y nos levantamos.

Pese a lo cansados que estábamos, seguimos escuchando la música de pie durante un rato y comentábamos, ¡un poco en broma! en el momento de sentarnos no tocaba la orquesta en el Froilán estaban descansando, ¿por qué no exigía el pago del suplemento? Imagino que el camarero cuando sirviera la cerveza había previsto que nos íbamos a quedar a escuchar la orquesta de Florian.

A nuestro lado había una pareja de japoneses habían pedido una botella de Môet Chandon el precio de la botella era de 145 euros (precio en el Alcampo 25 euros) + 12 euros por orquesta comparativamente pagaban lo mismo y el servicio era mayor.

¡Bueno! Pues es otra nueva de las espinas que tengo clavadas, el poder ir a tomarme una cerveza al Florian de san Marcos y que no me duela el corazón. Pese a todo me encanta Florian y que siga otros 300 años mas.

Ya de noche cogemos el vaporetto con número de línea que discurre por el Canal de la Giudecca cuyo recorrido hasta Trochento es menos interesante pero mucho más rápido. En pocos minutos y bien entrada la noche llegamos hasta nuestra área de autocaravanas.

La noche en el parking de Tronchetto es muy tranquila y nada ni nadie enturbia muestro sueño y nuestro descanso.

Día 29 de agosto (viernes)

Ruta: Venecia-Brescia Km 184; tiempo estimado 2h42'

Nada más desayunar salimos escopetados porque queremos hacer la excursión hasta la isla más alejada del canal Torcello. Explicaré cual es la forma más sencilla de llegar:

Cogemos el vaporetto línea nº 2 el que va por el gran canal, son dos estaciones: Mercado y Plaza de Roma, en esta última nos bajamos para hacer un trasbordo. Buscamos en otro de los canales que esta en Río Novo, pertenece a la estación de Plaza Roma, allí esta la parada por donde pasa el vaporetto 5.2 en dirección a Ponte Nove, tiene las siguientes paradas: Ferrovía, Guglie, Tre Archi, S. Alvise, Orto y Fondamente Nove. En esta última estación nos bajamos para hacer otro transbordo.

Luego cogemos el vaporetto número 12 con las siguientes paradas: Cimetero, Mazzocorbo, Burano y Trocello.

El camino en vaporetto dura casi dos horas, desde mi ventana puedo ver como es la vida en el canal y como se comunica la gente entre el agua y la tierra, hay barcas ambulancias, barcos de limpieza, policías, taxis, servicios discrecionales.

La vida en las aceras de Venecia "la vita è bella" (pasar el ratón por encima)

La vida en las aceras es semejante a la de cualquier ciudad, siempre cambiando el asfalto de las calles por el agua del canal, incluso lo más profundo de la vida es como siempre ha sido entre un hombre y una mujer, quizás observando un poco podemos decir que algunas cosas ni cambian ni cambiaran por mucho que la tecnología se empeñe en que sea diferente. Podemos decir que una imagen vale más de mil palabras.

La vida en las aceras de Venecia "la vita è bella" (pasar el ratón por encima)

La primera parte del trayecto se hace por el Gran Canal, pasamos por debajo del Puente Scalzi, seguimos por el Gran canal hasta la desviación a la izquierda del canal de Cannaregio, al fondo se encuentra el Puente delle Guglie, se distingue por sus pináculos ubicados en la base del pasamanos, por eso le da el nombre de Puente de las Agujas, sobre el arco esta adornado con caras. Al fondo del canal se ve el Puente de Tri Archi o puente de los Tres Arcos, es uno de los más grandes de Venecia, tiene dos arcos laterales pequeños y uno central mucho más grande, esta característica constructiva ha borrado el verdadero nombre del puente que era San Giobbe. Ha sido reformado en varias ocasiones desde el siglo XVI para permitir pasar bajo sus arcos navíos de mayor envergadura.

Nada más desembarcar en la estación de Fondamenta Nuove, sobre el muro, hay una pintada que dice “Venezia vive fanculo achi la vuele morte”, la traducción literal seria: Venecia, que se vayan a tomar espárragos los que te quieran muerta.

Al final del canal limita con la laguna de Venecia, seguimos bordeando la zona habitada de la ciudad que limita al norte y se denomina Fondamente Nove y es una de las estaciones de entrada y salida de la isla de Venecia.

Enfrente se encuentra la isola San Francesco del Deserto, se halla oculta tras una cortina de 4800 cipreses negros, donde solamente sobresale la figura de su campanario, en su interior su tranquilo claustro, los jardines, los huertos y los monjes franciscanos que están ajenos al bullicio del Rialto.

Aquí cogemos el vaporetto número 12 que nos lleva hasta la isla de Torcello, una vez llegados al final del trayecto nos recibe un cartel y una imagen de la Virgen con el emblema “Ave Virgo Gratiosa”.

Dicen que la película el Padrino II, las primeras escenas, fueron rodadas en la isla de Torcello para mostrar como era el paisaje decadente de Italia. La verdad no lo recuerdo pero tampoco veo la relación.

La isla de Torcello tiene muy pocos habitantes, aunque el lugar donde se produjeron los primeros asentamientos humanos de todas las islas. Era el territorio donde los habitantes del Veneton se refugiaban de las incursiones de los Unos. La extracción de sal convirtió la isla en un lugar prospero y su puerto favoreció el comercio entre Oriente y Occidente, llegó a tener una población de 20000 personas en sus mejores momentos de gloria, cuando poesía sede episcopal, catedral, gobierno autónomo, aunque la erosión supuso que la laguna se fuera encenagando y en el siglo XII se la llamo la Laguna Muerta porque no había acceso en barco, se crean las aguas estancadas y la profusión de la malaria, la gente se marcho hasta las islas cercanas y se quedo totalmente abandonada, había acabado su brillantez de toda una historia, en la actualidad viven unas 20 personas.

Al igual que las muertes en esta época son por las tres ces: Coche, Cáncer y Corazón, en aquella época del renacimiento era por culpa de la malaria y el arsénico, en el siglo XIV Europa sufrió una importante epidemia de peste que supuso la muerte de 25 millones de personas y el derrumbamiento del sistema feudal. Procedente de Arabia llegó un método de muerte incoloro como era el Arsénico que fue empleado para deshacerse de los adversarios políticos. Rodrigo de Borja fue nombrado Papa con el nombre de Alejandro VI, siendo cardenal ya tenia cuatro hijos con la mujer Vannosa Cattanei por error de uno de sus sirvientes en la administración del veneno se tomo su propia medicina acompañando a sus comensales. La familia de los Medeci aporto tres papas, dos de ellos murieron de la malaria y otro de ellos como víctima de arsénico.

El vaporetto nos deja al borde de un canal, solamente se puede andar por uno de sus márgenes se llama Strada Della Rosina, al fondo se ve la imagen del campanille, este nos servirá de guía hasta sus proximidades. La primera de las casas del camino tiene un chiringuito con mesas y anuncia unas especialidades y unos precios que tomamos buena nota para comer a la vuelta.

Pasamos por el puente de Diavolo, data del siglo XV, tiene la típica estructura veneciana con arco y cubierta de ladrillo, no muy elevado para permitir salvarlo con facilidad.

El conjunto monumental de Torcello esta formado alrededor de una plaza, a la derecha se encuentra la iglesia de Santa Fosca, un poco más alejado, la chiesa de Santa María Assunta, enfrente el Palazzo dell'Archivio, en el centro de la plaza se encuentra el Trono de Atila, a la izquierda el Palacio del Consiglio, diseminado por toda la plaza hay numerosos restos de columnas, relieves, mascaras e imágenes, todas extraídas de las campañas arqueológicas en la isla.

Intentamos visitar la chiesa de Santa Fosca pero un cartel indica que esta cerrada porque se celebra una boda, tiene la portada principal abierta y un cartel de prohibido fotografías.

Nos acercamos hasta la chiesa de Santa María de Assunta, pasamos por recepción y entre las numerosas combinaciones para hacer la visita, nosotros elegimos el modo: “todo incluido”: la Basílica di Torcello+Campanile+ Museo Provincial para tres personas total 46 euros. En la parte baja tienes unas explicaciones de cómo debe de hacerse la visita. Una es llevar ropa decorosa. La ropa del visitante debe estar en consonancia con la santidad del lugar: no están permitidos los pantalones cortos, vestidos sin mangas, de corte bajo y demasiado escote.

La Basílica fue fundada por el gobernador Isaac de Ravena en el año 639, esta iglesia tenia una sola nave, un pasillo a cada lado y un ábside, de esta primera época solamente se conservan algunas pequeñas parte han llegado hasta nosotros.

La primera gran reforma se produce en el año 864 de esa época son los dos ábsides y sus pasillos que ahora se pueden ver. En el año 1008 se produce una segunda renovación de la mano del obispo Orso Orseolo, cuyo padre Pietro Orseolo II era el Dux de Venecia. Se levantó la nave central, agregaron las ventanas a la pared occidental, se creó la arcada que corre a lo largo la nave en ambos lados que lo separa de los pasillos y que ayuda apoyar el triforio.

La fachada tiene un nártex que fue anexado al baptisterio del siglo VII. Anexo se levanta el campanille levantado en el siglo XI con 55 metros de altura. Destaca la portada por sus decoraciones en mármol.

El interior, la planta esta dividida en tres naves, esta pavimentado en mármol. El altar contiene los restos de Sant Eliodoro, el primer obispo de Altino. A la izquierda hay una inscripción en la piedra que se remonta a la fundación de la iglesia, es el primer documento de la historia de Venecia, cuya traducción al texto original dice:

La iglesia tiene un iconostasio que divide el presbiterio de la nave, con un enorme crucifijo formado en la parte superior de las columnas delgadas de mármol con capiteles bizantinos y, a continuación, con bajorrelieves de leones y pavos reales. Debajo hay un friso que se extiende a través de todo el ancho de la pantalla con imágenes de la Virgen y el Niño con los doce apóstoles. La semi-cúpula del ábside tiene un mosaico del siglo XIII de la Virgen con el Niño en un campo de oro, con un friso de los apóstoles por debajo y por encima de una Anunciación.

Los mosaicos de la iglesia son de enorme interés se construyeron durante dos siglos y suponen los de mejor calidad de toda Italia después de la iglesia de Santa María la Mayor en Roma. El que se encuentra en la pared Oeste es la Crucifixión siguiendo la tradición bizantina con la bajada al Tormento del Infierno.

En la parte más alta de la pared del tímpano con forma de triángulo solamente hay tres figuras que representan la Crucifixión , es una escena simple, con sólo la presencia de la Virgen y San Juan Evangelista, se puede apreciar como la sangre emana de las heridas del cuerpo de Cristo lo que afirma su naturaleza humana.

La segunda escena presenta a Jesús victorioso sobre el mal y la muerte, sobre el diablo y las puertas rotas del infierno, con la mano izquierda sostiene la Cruz como signo de la victoria, con la mano derecha atrae desde el reino de los muertos Adam padre de los vivos mientras que a su lado se encuentra Eva, esta vestida de rojo con las manos cruzadas con signo de respeto le dirige su invocación, a su espalda se encuentra David y Salomón, progenitores reales reconocen la victoria de Cristo. A la derecha están san Juan Bautista vestido con un manto de piel de camello señala a Cristo frente al grupo de profetas, a los lados dos arcángeles recubiertos de piedras preciosas como los emperadores bizantinos, estos parecen desproporcionados en las medidas, quizás fue una mala restauración efectuado en el siglo XIX.

La tercera escena aparece Cristo entre la Virgen y el Bautista que le imploran para que interceda en favor de la humanidad mientras les muestra las heridas de la Pasión , a los lados dos Ángeles con sus hábitos recubiertos de gemas y las doce figuras blancas de los doce apóstoles que se sientan para juzgar el mundo.

La cuarta escena habla de la Etimasia es un tema iconográfico que prevé la representación de un trono vacío con la insignia de Cristo. El significado del tema es que Cristo va a ocupar el trono a su regreso a la tierra para el juicio final. A su lado están los ángeles con aspecto vigorosos soplando cuernos, en los flancos del mosaico se representa a los muertos levantándose de la mar y la tierra.

La quinta escena habla del pasaje en la muerte del corazón al alma según se describe en el libro de los muertos, en la parte central sobre el arco del portal se representa mediante unos ángeles que esta lidiando con dos demonios por el juicio de un alma, a la izquierda se representa un grupo de elegidos y de condenados como emperadores y prelados; a la derecha, se encuentran dos ángeles en el fuego del infierno que están torturando a Satanás.

La sexta escena representa al cielo y el infierno: en el de la puerta del Paraíso queda la Madonna y algunos santos y patriarcas en un jardín de flores; el panel de la derecha con escenas de torturas del infierno. En los dos extremos el patriarca Abraham con el brazo haciendo una bendición (quizás Lázaro), rodeada por las almas salvadas, mientras que el extremo derecho esta el infierno con Satanás en el brazo Judá, rodeado de los condenados.

En el ábside central con forma cilíndrica se encuentra el mosaico con la Virgen Madre de Dios sobre un fondo dorado, sobre un prado florido se encuentran los doce apóstoles: con sus mantos blancos, divididos de seis en seis por una ventana. La virgen lleva un vestido azul oscuro que refuerza la intensidad del mosaico, en sus brazos el niño Jesús con un manto rojo oscuro.

Este mosaico fue realizado en estilo veneciano siguiendo la tradición bizantina en la segunda mitad del siglo XII, aunque la parte de los apóstoles fue realizada un siglo antes.

En la nave de la epístola y sobre el ábside se encuentra el mosaico del pantocrátor, se representa entronizado acompañado de dos ángeles, en la parte baja se representan los cuatro doctores de la iglesia: San Ambrosio, Agustín, Martín de Tours y San Gregorio. Fue realizado a finales del siglo XI en estilo bizantino.

Subimos a lo alto del campanille, su pavimento me recuerda a la subida a la Giralda de Sevilla, desde lo más alto hay una impresionante vista del paisaje agreste de una parte de Torcello, además se puede contemplar, las vecinas islas de Burano y Murano.

Cuando terminamos la visita marchamos hacia la Iglesia de santa Fosca, están en plena celebración de la boda. Es importante poder estar en la iglesia justo cuando se termine la celebración para poder contemplarla con su interior iluminada.

Entretanto, para hacer tiempo marchamos hacia el Palacio del Consiglio donde se encuentra en la actualidad el Museo de Torcello.

El Palacio es una casona donde estuvo la Diputación en el siglo XV, en su interior se expone la colección de objetos arqueológicos pertenecientes a las numerosas excavaciones realizadas en la isla.

Se pueden ver objetos desde la prehistoria hasta la época cristiana incluyendo artefactos de diferentes tipos, como la cerámica griega, itálica, etrusca y romana, en sus diversas formas decorativas y técnicas de fabricación.

La colección destaca por los bronces etruscos, motivos funerarios, adornos de uso personal. Los bronces romanos son de carácter sagrado, objetos cotidianos como: amuletos, muebles para cocina, llaves, pesos, broches, anillos y colgantes. También hay inscripciones y esculturas romanas y algunos ejemplos de la escultura de estilo griego, que se remonta a la edad clásica.

Entre las mejores obras que podemos ver: esta el sarcófago de Santa Fosca, realizado en madera policromada, esta datado en el siglo XIV, estuvo expuesto en la chiesa de Santa Fosca, Torcello.

La santa se encuentra tumbada y ligeramente girada para que pudiera contemplarse, es un alto relieve en madera policromada, obra de un escultor veneciano, era la tapa del antiguo sarcófago de mármol cuyo cuerpo fue transportado en el siglo X a la iglesia de Torcello.

En el centro de la primera planta se encuentra el retablo de plata dorada datado en la primera mitad del siglo XIII, compuesto por trece paneles clavados en la madera donde se representa a la Virgen , los santos y los símbolos de los evangelistas. El estado de conservación de los paneles sobrevivientes es mediocre, varios bordes están astillados, tienen grietas y agujeros que fueron causados por un intento de robo.

La Pala d'Oro, decorada con multitud de gemas está ahora perdida, originalmente estuvo colocada en el altar mayor, fue colocada sobre la puerta santa. En la segunda mitad del siglo XVIII terminó en un almacén de la Basílica y posteriormente se exhibió en el Museo.

Entre las esculturas de madera del museo podemos contemplar la Virgen con las manos en oración hacia el Niño (ahora perdido); la bendición Santo Obispo; San Juan Bautista, imágenes doradas y policromadas como el tríptico de madera con la Virgen entronizada entre San Roque y una Santa.

La sala expone algunas pinturas entre las que podemos destacar las que merecen una especial atención los ciclos de pintura procedentes de la iglesia destruida de San Antonio de Torcello, se atribuyen al taller de Veronese: la Anunciación y la Adoración de los Magos, que estaban en las puertas del órgano, la decoración de cinco monocromos, la colina y las cuatro pinturas que representan algunos episodios en la historia de Santa Cristina.

Cuando salimos ya esta terminando la ceremonia de la boda en la iglesia de la Santa Fosca , sobre el altar están firmando los papeles que les declaran marido y mujer en un lugar lleno de solemnidad. Enseguida salen los novios por la portada principal, les esperan los invitados con las manos llenas de arroz, es una tradición católica que hace referencia a la fertilidad, ahora en España se esta eliminado porque parece de mal gusto tirar el grano al suelo.

La verdad es que esta pareja no ha hecho caso a las recomendaciones siguiendo las tradiciones italianas de cuando una pareja no debe de casarse. La primera es durante la cuaresma que suele caer en abril o mayo es un mes dedicado a la exaltación de la Virgen María ; otra de las fechas es en el mes de agosto porque es un mes donde dicen que simboliza la mala suerte y malos augurios.

Esta novia no ha seguido las tradiciones de atarse el nudo, corresponde con llevar un lazo atado en la parte superior del vestido, esto significa la unión del matrimonio con la iglesia. El vestido no parece prestado de otra persona, esta es otra de las tradiciones y significa un honor hacia la persona que te lo cede, por lo general es hacia la madre o suegra. La tradición que si ha seguido esta novia es no llevar ninguna pieza de oro en su cuerpo hasta que el novio le coloque la alianza de oro en el dedo. A la salida en lugar de soltar una paloma blanca la novia abre una caja y deja volar un par de globos con un mensaje de amor eterno.

Aprovechamos el momento adecuado para visitar el interior de la iglesia de Santa Fosca, destaca en el exterior de su galería porticada con cinco arcos de media punta que más bien parece el claustro de un convento, las columnas son altas y elegantes con capiteles bizantinos, los arcos son de ladrillo.

El interior, muestra una planta de una nave de cruz griega con una cúpula con tres ábsides, las columnas son de mármol con hermosos capiteles reutilizados con una ornamentación vegetal, la conversión de la planta cuadrada en circular es por medio de pares de trompetas superpuestas. Los brazos están cubiertos con bóvedas de cañón.

La palabra Fosca etimológicamente significa “oscuro” y no una casualidad si el interior de esta iglesia se caracteriza por esta serie de juegos de luces y sombras. El ambiente general es un tanto oscuro, pero el conjunto de ventanas que forman las linternas están colocadas estratégicamente en las paredes para dejar penetrar los rayos del sol y crear un efecto muy preciso de iluminación divina.

Es la hora de comer, como ya he mencionado marchamos hacia el lugar que hemos visto, su nombre Taverna Veneciana o “Tappa Fissa”, la dirección Fondamenta dei Borgognoni 5, para encontrarla es muy fácil, siguiendo por la calle principal de Torcello pasado el puente del Diavolo, hay varios restaurantes, el ultimo de la calle es el elegido, no hay perdida porque no es un restaurante al uso, hay que pedir la comida en un lugar te lo sirven en una bandeja y pagas y la bebida en otro sitio, tienes unas mesas donde puedes degustar la comida, ¡Vamos! como una hamburguesería. Algo inconfundible es que los platos de comida te lo sirven en platos hechos con un molde de pan, por lo que no es necesario pedir pan te vas comiendo el plato.

La variedad de platos es grande, todas están hechos previamente son tapas venecianas, ensalada de langostinos, fritura de verduras, escalibada de berenjenas, unos buñuelos excepcionales, comemos un repertorio de comida regional muy buena, el precio total 46 euros, precio low cost.

El comedor esta situado sobre una enorme pradera, hay un corral de cabras y a lo largo del jardín tiene tumbonas donde podrás relajarte hasta la hora de la llegada del vaporetto para el regreso hacia Venecia.

Después de la comida y sobremesa esperamos al vaporetto –¡bueno!, más bien nos espera a nosotros– número 12 y salimos inmediatamente en dirección a la isla de Burano. Esta isola se encuentra dentro de la laguna de Venecia pero poco sabemos de ella, solamente conocemos el colorido de sus casas.

Vamos a descubrir porque Burano es el secreto de Venecia. Son famosos y mundialmente reconocido los encajes de Burano pero no sabíamos de que se confeccionase moda ablid semejante a la ibicenca –la palabra proviene de la expresión latina “Ad Libitum” que significa “con libertad” –, las primeras tiendas nada más bajar del barco están llenas de ropa confeccionadas con encajes vaporosos de color blanco.

Según se suceden las pulsaciones de la cámara fotográfica nos damos cuenta que estamos ante una población muy especial, la luz y el color se desarrolla en todas las escenas. Tengo la impresión de que la isla de Burano es muy semejante algunas partes de la isla de Ibiza (España), Costa Nova do Prado (Portugal) o en Santorini (Grecia), donde la exaltación de la luz y el color inunda la imagen.

La tradición en la elaboración de los encajes de Burano se remontan a finales del siglo XIV cuando se monta el primer taller que da trabajo a 130 personas para la elaboración artesanal de las prendas y los regalos de representación de la dogaressa Morosina Morosini, mujer consorte del Doge Marino Grimani de la Serenissima Repubblica di Venezia.

Tal era de elaborados sus encajes que alcanzaron las mayor fama mundial. El día de la coronación del rey Luis XIV de Francia, el cuello de su traje y su capa fueron realizados en este taller. Durante el siglo XVIII y XIX se convirtió en el primer recurso económico de la isla gracias a la especialización en un encaje único en el mundo “Punto in aria”.

En la actualidad son muy pocos los artesanos que siguen haciendo este tipo de trabajos que lo hacen preferentemente en sus casas y muy contados los que atesoran las mismas técnicas que emplearon sus antepasados en el siglo XIV.

La mayoría de la producción que se hace en el momento es para decorar algunas de las casas de la burguesía europea con: manteles, ropas de cama, pañuelos, abanicos, velos de boda, y ahora la moda más actual del pret a porter.

La llegada a la isola de Burano nos recibe la estatua con las manos abierta del escultor Remigio Barbera, titulada Souaci Gesú, es una mujer desnuda de rodillas y con los brazos sobre la cabeza, se encuentra situada en el parque entre Fondamenta dei Squeri y Via San Mauro. La mujer representa el dolor y la desesperación de una joven esposa por la muerte de un marinero.

Continuamos por la Viale Marcello es una vía comercial que conecta con los canales del interior de Burano hasta llegar al canal de Fondamenta deglo Assassini, es un canal que divide la isla en dos mitades y que permite llevar los barcos hasta las puertas de las casas. Estas casas están revocadas con colores intensos, se dice que la tradición para pintar sus casas de distintos colores es para poder llegar en invierno dado que es un lugar donde hay mucha niebla y de esta forma los pescadores pueden identificar sus viviendas. Otro motivo indica que el color de la casa forma parte del apodo de la familia, de esta forma se pueden diferenciar porque casi todos los habitantes del venetón llevan el mismo apellido. Una regla es que nadie puede cambiar el color de la casa sin el permiso del superintendente.

La isla no tiene grandes monumentos, tampoco grandes museos, pero el color de sus casas sirve de atracción al turismo, más de 14 millones de personas visitan anualmente Burano.

Los habitantes de Burano tienden su ropa al sol en patios, plazas y calles, sobretodo en las fachadas principales. Estos tenderetes añaden aún más colorido a la isla, convirtiendo a Burano en una apacible isla llena de alegría, luminosidad y encanto.

Para guiarnos por la isla como un faro utilizamos lo más sencillo es la estela del campanile Storto de la iglesia de la ciudad, seguimos andando en dirección Sur por el canal de Fondamenta della Pescheria.

De pronto me doy cuenta que no estoy soñando y que mi visión esta perfecta, el campanille esta más torcido que la torre de Pisa, según te vas acercando a la torre el desvío es más evidente. Debido a un hundimiento de la tierra está inclinado del eje de 1,83 m . Para comprobar la desviación caminamos por la calle Rio Terrá del Pizzo y desde allí hay una entrada a la piazzetta de la iglesia y podemos comprobar “in situ” como el Campanile Storto hace verdaderos ejercicios de equilibristas.

Accedemos por un lateral a la Plaza Mayor de Burano aquí se llama Piazza de Baldassare Galuppi, era un compositor de opera italiano que nació en la isla, en el centro de la plaza hay una escultura de medio cuerpo que lo inmortaliza, es el padre de la opera bufa o opera cómica.

La plaza es uno de los espacios abiertos más importantes de la isla y que cambia la monotonía de su arquitectura, en el extremo Sur se encuentra la iglesia de san Martino. En la plaza hay varios palacetes góticos uno corresponde con el Museo del Merletto di Burano, a su lado el Palazzo Comunale o ayuntamiento, en el centro esta el típico pozo veneciano.

La iglesia de la isla esta dedicada a la veneración de san Martín Vescovo obispo de Tours. El actual edificio fue consagrado el 29 de octubre 1645 por el entonces obispo de Torcello Marco Antonio Martinengo.

La iglesia carece de portada directa, tiene una pequeña entrada lateral, y una central renacentista a un atrio.

El interior, la planta esta dividida en tres naves con forma de cruz latina de estilo barroco lombardo. Las tres naves terminan en sendas capillas divididas por arcos neoclásicos. La nave central más profunda desemboca en el altar mayor, esta decorado con seis columnas de mármol traído desde Francia, tiene la forma de un gran tabernáculo de estilo barroco, en cuya parte superior se encuentra la estatua de bronce del Cristo Resucitado. En los laterales están las estatuas de San Albano y San Martín, ambas obras son de Jerome Bonazza

Si accedemos a la iglesia por la nave de la epístola podemos ver, entre otras, las obras de arte: una pintura con un “Milagro de San Antonio”, pertenece a la escuela veneciana del siglo XVII. El siguiente es el altar está dedicado a la veneración de San Antonio de Padua. El retablo tiene una pintura que representa al santo en la oración, entre sus brazos y sobre un mueble esta el niño Jesús, es la obra de Alessandro Pomi de Mestre y fue inaugurado 14 de octubre 1945.

Un poco más adelante, sobre el confesionario de madera, hay una pintura donde se representa “La adoración de los pastores”, lienzo pintado en 1732 por Francesco Fontebasso, discípulo de Sebastiano Ricci, destaca por su variedad cromática.

El segundo altar que nos encontramos es de estilo neoclásico, está dedicado a la veneración de San José y contiene una estatua del santo de madera Val Gardena, esta acompañado de dos ángeles en oración son herramientas de trabajo en la representación del santo.

Más adelante, se llega a la capilla lateral de la derecha: aquí se encuentra el retablo que contiene el Sagrario y la Eucaristía , obra del maestro orfebre Buranello Remigio Barbaro, el tema representado es Jesús en el acto de dar la comunión a algunos niños en el barco.

El centro del retablo, esta dedicado al Sagrado Corazón en su manifestación de amor hacia los fieles, es una obra de 1944 de Gino Borsato.

A la derecha hay tres maravillosas pinturas del siglo XV, de Giovanni Mansueti, también atribuido a Vittore Carpaccio y Gentile Bellini. Representan la “Huida a Egipto”; la “Adoración de los Magos”, el “Matrimonio de la Virgen María ” y la “Asunción de la Virgen ” de la escuela veneciana del siglo XVIII; luego el icono de “Nuestra Señora de Kazan”, obra del siglo XIX.

A la izquierda del altar hay una puerta que conduce a la sacristía, donde se exponen una “ La Dolorosa ”, obra de Nicola Grassi, está datada del siglo XVIII y el “Cristo sostenido por un ángel”, obra de Antonio Zanchi, del siglo XVIII.

En el altar mayor, a la izquierda esta la pintura de “San Marcos entronizado con los santos: Vito, Benedicto, Nicolás y Lorenzo Mártir”; se trata de la representación de iglesia destruida de San Vito, obra de Girolamo da Santa Croce, y datado en 1541, como está indica en el segundo escalón del trono. A los lados del presbiterio se pueden ver las imágenes de dos ángeles, en madera, de finales del siglo XVII. En los laterales del altar, las sillerías del coro son de madera, proviene de una iglesia de Torcello, ahora destruida.

Continuando el recorrido por la nave del evangelio se puede ver un lienzo dedicado a “los santos mártires de Albano”, donde puede ver en el cuadro al donante Domenico, era uno de los mecenas de Burano.

El retablo que adorna el altar esta dedicado a “San Lorenzo Guistiniani, San Albano Orso y Domenico Salvano el Navegante, Obra de A. Marini, datado en 1710.

Bajo el siguiente altar se encuentra un sarcófago de mármol en el que se encuentran los cuerpos de tres santos, como se ve en la pintura titulada “El milagro de los niños dibujan en el sarcófago de la Tierra ” de Antonio Zanchi (1690). En este óleo se ve toda la plaza de Burano, con la fachada de la antigua iglesia, los edificios de la época, la columna con el león de San Marcos y la torre.

También en esta capilla, a la derecha del altar, se puede admirar “El martirio de San Albano”, obra de la escuela veneciana del siglo XVII.

Es más, hacia la entrada se encuentra el altar de Nuestra Señora del Rosario, donde sobresalen por encima la estatua de la Virgen y los dos ángeles en la oración, obra del escultor Vincenzo Cadorin realizó en 1917 en memoria de la Primera Guerra Mundial. Un mosaico moderno adorna el nicho, la columna, los capitales, esta elaborado en mármol con diseños geométricos.

Un poco más lejos se puede admirar la “Crucifixión”, esta data en 1725, es una obra temprana de Giambattista Tiepolo (1696-1770). Se puede identificar al Cristo crucificado en el centro, entre dos criminales, y el grupo dramático de la mujer a los pies de la cruz. Curioso es la presencia en la parte inferior izquierda, dentro de un marco, del retrato del ofrende, debía de ser una de las personas con dinero y poder en aquella época.

Seguimos la visita por la calle principal de la isla, hay una importante selección de la artesanía de los brocados y encajes, también hay una selección de los mejores restaurantes de la isla.

Tomamos el vaportetto en dirección a Venecia y regresamos a Fonte Nóve y desde aquí por el lado contrario de la isla en dirección a San Marcos.

Nada más desembarcar en la estación de San Marcos frente se encuentra el monumento a Víctor Manuel II rey de Italia. La estatua de bronce del rey esta en la parte más alta, sobre un caballo mostrando una espada. En la parte baja se encuentra una gran estatua de Venecia, a cuyos pies se hallan un león alado y una placa que habla del plebiscito por la unidad de Italia; en la parte posterior hay otra estatua que representa Venecia bajo el dominio austriaco. A los lados del pedestal hay dos bajorrelieves de bronce que simbolizan, respectivamente, la batalla de Palestro, cuando el rey entraba en contienda, y la entrada del rey en Venecia, entre la multitud que lo vitoreaba.

Es la hora de la cena marchamos a cenar a base de porciones de pizzas, conocemos un sitio a la espaldas de la plaza de San Marcos en la calle C.le Fabbri, es una zona de restaurantes pero este lugar hace tantas variedades de Pizzas que siempre encuentras una que no has probado en otro lugar.

Nos marchamos hasta el parking de Troncheto para dar por finalizada la estancia en Venecia. Estamos muy cansados después de un día tan ajetreado pero queremos salir y hacer por los menos 200 Km . que nos ayude para que mañana el día sea más llevadero.

Nos hemos puesto como limite llegar a la ciudad de Brescia porque en la misma autopista hay un parking vigilado 24 horas que ya conocimos de anteriores ocasiones.

Salimos de Venecia y enseguida cogemos la autopista de peaje A-4 que no abandonaremos en todo el recorrido, el tráfico es muy intenso a esas horas de la noche lo que nos indica que a los italianos les gusta mucho viajar de noche.

El parking de autocaravanas en la ciudad de Brescia (Italia), se llama Autoparco Brescia Este. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N45.48551//E10.31944.

Es un aparcamiento de pago, no tiene ningún servicio, en la zona de coches nos es imposible aparcar por la limitación de los galitos de altura y tenemos que irnos donde los camiones, nos ponemos lo más lejos posible de los camiones para que nos garantice el descanso durante la noche, sobretodo miramos a que a nuestro lado no haya ningún camión frigorífico.

Día 30 de agosto (sábado)

Ruta: Brescia-Salses Le Chateau Km 862; tiempo estimado 8h 54'

La noche ha sido relativamente tranquila y hemos tenido suerte que a nuestro lado no se ha puesto ningún camión aunque les hemos oído ligeramente como se movían. En la misma estación hay una gasolinera automática que tiene unos precios bastante ajustado para ser Italia 1,57€ litro, calculamos cuanto necesitamos para atravesar toda Italia y que el siguiente reportaje ya sea en Francia.

Atravesamos toda Italia con un tráfico muy fluido hasta la llegada a Génova que se produce un gran atasco que nos retiene casi dos horas y nos estropea prácticamente la posibilidad de parar en Mónaco, pese a el atasco intentamos bajar hasta el Principado pero el GPS nos mete por unas calles muy complicadas y nos vemos en la necesidad de salirnos sin poder aparcar y dejarlo para otra ocasión, seguimos el viaje hasta nuestro destino lo más cercano posible a la frontera española.

Bien entrada la noche es cuando llegamos, directamente nos vamos a la localidad de Salses-le-Château donde encontramos el parking de autocaravanas habilitado por el ayuntamiento para la visita al castillo, se encuentra situado en la calle rua du Stade y el chemin du Rec. Las coordinas GPS del lugar corresponde con: N42.83842//E2.91990 .

El parking es un sitio ideal para pasar la noche, hay que tener cuidado con las ramas de los árboles porque no esta muy bien iluminado, el horario del parking es de 9 a 18.00 horas, el precio es de 2 euros, después por la tarde y la pernocta es gratuita. Carece de todo tipo de servicios para autocaravanas.

Día 31 de agosto (lunes)

Ruta: Salses Le Chateau-Madrid km 789, tiempo estimado 8h42'

Es nuestro último día de las vacaciones y vamos hacer una visita rápida a la ciudad y el castillo de Salses le Château y que además no entretenernos demasiado y que nos de tiempo para llegar a Madrid lo antes posible.

Salses-le-Château tiene el aspecto de cualquier pequeño pueblo de la provincia de Lérida, los nombres de algunas de sus calles hacen referencias nombre españoles. La localidad esta cortada por la vías del tren y por la presencia a pocos kilómetros de la autopista de peaje lo que ha hecho difícil su crecimiento urbanístico.

Las campanas de la iglesia suenan a misa y eso me sirve de referencia para conseguir llegar hasta ella. Se trata de la Iglesia dedicada a la veneración de Saint-Etienne.

Tiene una portada renacentista de piedra caliza, la fachada esta revestida de cemento por lo que ha perdido su verdadero atractivo, la torre se eleva sobre el conjunto y solamente ha permanecido en ladrillo el último tramo, el resto se ha revocado en cemento.

El interior, la planta es de una sola nave que termina en un coro pentagonal, en el lateral se disponen algunas capillas laterales, en el fondo y bajo el coro hay una parte que se ha dedicado a un pequeño museo donde se pueden ver las imágenes más antiguas entre una cristalera, tiene una pila bautismal y una fuente del siglo XVIII, un Cristo del siglo XVI, y otras muchas imágenes de santos.

El centro neurálgico de la localidad se encuentra situado en la plaza de la República , lugar donde se encuentra los bancos y supermercados, aprovechamos para compra pan de un horno artesano.

La localidad Salses-le-Château tiene su principal fuente de ingresos en el cultivo y la elaboración de vinos. En el centro de la ciudad hay una bodega donde puedes degustar los vinos muy similares a los vinos catalanes.

Salses-le-Château ha sido edificada a caballo entre España y Francia, corresponde a una historia llena de cambios fronterizos. En 1496 el ejercito francés se apodera de la localidad la saquea y la incendia.

El rey Fernando el Católico decide construir el mayor castillo defensivo del norte de España y que sirva de fuerte defensivo y una base para sus incursiones ofensivas. La construcción se inicia y en 1503, antes de acabar la fortaleza, resiste el primer asedio francés.

El diseño de la fortaleza es una obra del maestro de obras Francisco Ramiro López, era un noble aragonés, estudia ingeniería militar, trabajo para el reino de España en la construcción de al menos seis sitios importantes en Marbella y Ronda, participa de la restauración de la Alhambra de Granada, capitán general de la artillería en el Rosellón , como reconocimiento por su eficacia se le premia con una pensión vitalicia en beneficio de su esposa Ursula de Monpales y con la propiedad de la torre de Guadix, donde fallece en agosto de 1503.

La valentía demostrada por Ramiro como militar durante la toma de Granada le da casi el derecho de dirigir su restauración y su posterior fortificación. Se le nombra jefe de la artillería real española y con una encomienda de la orden militar de Santiago.

El día 31 de octubre de 1495 los reyes Católicos le envían al Rosellón para que haga un informe preciso sobre las fortificaciones y la posibilidad de levantar nuevas defensas, y en particular reforzar la posición estratégica en Salses. Se le pide un estudio para convertir el viejo castillo en una fortaleza capaz de resistir el sitio durante treinta y cuarenta días antes de recibir ayuda. En mayo de 1497, envía la corte un proyecto de defensa adaptada a la artillería, el rey lo aprueba dotándolo de una asignación económica para la realización del proyecto.

En el diseño del castillo Ramiro utiliza las formulas tradicionales de la arquitectura española de finales de la Edad Media , pero además emplea nuevas formulas ideadas de su propia cosecha.

La realización de la obra supone la llegada de gran numero de trabajadores que provienen de Castilla, Navarra, Asturias y Vizcaya, además de otra parte importante de obreros que proceden de la propia Cataluña, se habilitan los sábados y domingos para que se pudiese trabajar con permiso de la iglesia. Se contrata a François Gomis, maestro de obras de la catedral de Gerona, para que haga los trabajos en piedra y para la decoración con esculturas.

En el año 1503 la fortificación esta casi acabada, se encarga el hierro para el blindaje de las puertas y portales. Se empieza almenar las partes más altas, las caballerizas se empiezan abovedar, se pavimentan los patios y se empiezan a demoler las casas situadas dentro de la fortaleza.

En el año 1502 comienzan los franceses el ataque al Rosellón y se sitia la población de Salses el 3 de septiembre de 1503. La fortaleza esta defendida por 1000 soldados bajo el mando de Sancho de Castilla, el maestro constructor Ramiro también esta en la fortaleza, el ejército francés esta compuesto por más de 15000 hombres pero después de dos meses de una guerra de desgastes no consiguen tomarla.

En 1544 se firma la paz entre Carlos V y Francisco I y supone para esta parte del territorio español un siglo de paz y tranquilidad. Durante este periodo se reconstruye las partes dañadas y se hace una nueva adaptación para conseguir mejor defensa antes los ataques de la artillería.

El castillo fortaleza forma parte de uno de los mayores y mejor equipados de la época gracias a las ampliaciones de las torres de los ángulos, la torre del homenaje y las torrecillas. Cada elemento se comunica mediante un eje de simetría entre el este-oeste, la puerta levantada en el lado francés se corresponde con la contraría levantada en el frente de España. Pero además se quiere dotar a la fortaleza con las comodidades de un palacio para que pudieran servir como residencia real.

La aparición de las balas metálicas supone que las antiguas dimensiones de la fortaleza hay que replantearse algunos aspectos, se ensanchan las troneras del tiro, se transforman las torres para adaptarlas a la colocación de artillería, se ensanchan caminos y rondas para permitir el paso de los cañones, se construyen fortificaciones avanzadas para mantener alejadas a las baterías enemigas. Hay que estudiar la eliminación de los humos de tantos cañones disparando a la vez forzando los servicios de ventilación en todas las dependencias.

Salses se convierte en la obra maestra de las fortificaciones como elemento defensivo de un Estado centralizado contra un país limítrofe cuyas influencias técnicas sirvieron a Alberto Durero en la creación del Tratado de las fortificaciones.

Los italianos copiaran el diseño de Salses, con la construcción de fortalezas en Chipre, Venecia, y Civitavecchia. También el rey francés Luis XI construye sus nuevos castillos siguiendo estas directrices, el castillo de Dijón y la fortaleza de Ham.

En 1639 estalla la guerra de los Treinta Años, España apoya a Austria lo que conduce a la declaración de Guerra de Francia en 1637, las paredes del castillo resisten los tremendos cañonazos y por su comportamiento se declara la mejor fortaleza de Europa.

La fortaleza pasa a manos francesas gracias al tratado de los Pirineos de 1659. La paz se firmó en la isla de los Faisanes, siendo los signatarios Luis de Haro, representante de Felipe IV de España, y el cardenal Mazarino, representante de Luis XIV de Francia.

Las consecuencias del tratado de paz fueron: en la frontera del norte, Francia recibió el condado de Artois y una serie de plazas fuertes en Flandes, Henao y Luxemburgo, entre las que se encontraban Metz, Toul y Verdún. Los franceses devolvieron a España el Charolais –en el Franco Condado–y las conquistas de Italia. En la frontera catalana del sur, se concertó la cesión a Francia del Rosellón, el Conflent, el Vallespir y una parte de la Cerdaña , todos ellos situados en la vertiente septentrional de los Pirineos y que las tropas francesas habían ocupado en apoyo de los sublevados catalanes. La frontera con España se fijará desde entonces siguiendo la línea de los Pirineos, salvo en lo que se refiere al diminuto enclave de Llivia.

La visita al castillo tiene unas tarifas de 7,5 euros por persona, los menores de 18 años no pagan. El horario es de 10 a 18,30 y se cierra la taquilla una hora antes de la última hora. Las visitas a la zona interior son guiadas.

La fortaleza forma parte de los 100 monumentos Nacionales de Francia y son administrados y cuidados por el estado francés.

El castillo fue construido dentro de un amplio recinto formado por cuatro torres circulares en los extremos dentro de un foso inundable que lo rodea, además tiene cuatro obras exteriores a modo de avanzadilla para proteger la guarnición.

El cuerpo esta escalonado de oeste a este para poder hacer frente a la montaña dominante, tiene otro cuerpo muy grueso en forma de escudo donde se halla la torre del homenaje orientada hacia la línea de tiro.

La torre del homenaje es accesible desde varios niveles y pasadizos, tiene puentes levadizos y domina todo el exterior con sus 26 metros de altura. La gruesa torre tiene siete niveles interiores equipados con un sistema de calefacción y de eliminación de aguas residuales que van a parar a un desagüe. Esta concebida como puente de mando de un buque y además como residencia para el gobernador y para poder recibir la visita de los reyes.

Hay un espacio interior que rodea la torre del homenaje se llama reducto tiene forma de escudo y tiene distintos departamentos vitales para la vida durante el asedio como: cocinas, almacenes de harina, el forraje, la panadería, y el arsenal.

La unión entre las zonas comunes y el reducto se habían diseñados unas puertas que luego fueron tapiadas al verse la vulnerabilidad del conjunto. En las zonas comunes podemos ver las caballerizas, son capaces de albergar más de 100 caballos y 1500 hombres, se abren alrededor de un pozo central, había un molino, una capilla dedicada a la veneración de San Sebastián que ocupa el ángulo noreste. Se doto a la zona de letrinas y una enfermería.

Las torres están construidas con tres niveles internos, edificadas con un gran orificio central que sirve de un sistema de montacargas y de respiradero para poder evacuar el humo de los cañones de su interior.

El castillo esta rodeado por un enorme foso con una anchura entre 12 y 15 metros , en el fondo tenia baldosas para facilitar el movimiento del agua dependiendo de la zona atacada, se podía inundar enseguida con tres metros de agua.

En el exterior hay unas torrecillas exteriores que sirven de escudo, tiene forma de punta para desviar los choques frontales. Están comunicadas con pasadizos con el cuerpo central. Este tipo de construcciones hacen de Salses una fortaleza innovadora.

Aquí damos por finalizado el viaje solamente nos queda llegar con prudencia hasta Madrid. Cuando pasamos por Guissona paramos en Bon Area, este espacio que se esta poniendo de moda en Cataluña porque ofrece los mejores precios del mercado.

El restaurante del tipo buffets tiene un precio de low cost, son 5 euros porque es domingo y si fuera laborable son 4 euros con la posibilidad de salir con varios kilos de más, aquí se puede comer los 365 días del años en un horario de 8,00 a 23,30 horas. Las coordenadas GPS del Bon Area donde se puede pernoctar autocaravanas son: N41.60324//E1.54026 .

Además del restaurante el área ofrece un gran numero de servicios, banco, centro comercial, gasolinera, estación de lavado, todo este emporio comercial esta dando trabajo a toda la comarca. Los precios de las gasolineras automatizadas es de los más bajos que puedes encontrar en España.

El viaje estrella del verano esta concluyendo y llegamos a Madrid pasadas las 23,00 horas, el marcado parcial de vehículo indica que estas vacaciones hemos recorrido 5.846 km ; los doy por bien aprovechados.

CONCLUSIONES

Este año hemos atravesado Francia y como siempre el país no nos decepciona porque para los españoles y las autocaravanas es nuestro paraíso, aunque hemos encontrado una población como Annecy que es un verdadero baluarte en contra de las autocaravanas porque ha desarrollado un sistema clientela de campings que obliga al municipio para que ejerza una presión insoportable sobre las autocaravanas. Una ciudad que vive del turismo tiene cubiertos todos los parkings posibles con gálibos para lograr que las autocaravanas no puedan aparcar en las mismas condiciones que los turismos.

Después hemos visitado Suiza y hemos encontrado uno de los países más desarrollados del mundo donde todo funciona al milímetro, todo esta ya anteriormente pensado y es difícil sacar un simple pero. Aunque el pero mayor es su elevado nivel de vida que hace sea un país muy complicado de visitar para un español medio, solamente mencionar que una barra de pan en una panadería cuesta 4 euros y la gasolina oscila en unos 40 o 50 céntimos más que en España. Incluso las comisiones de los bancos para el cambio de moneda nos han llegado a pedir un 25% de comisión, con todos estos mimbres es complicado hacer turismo, sin contar los precios de los medios de transporte para llegar a las cimas de las montañas que son desorbitados.

Con respecto a la visión desde un punto de autocaravanista es que Suiza no ofrece ninguna complicación especial, respetando las normas. Durante el viaje no hemos encontrado ninguna exclusión a nuestros vehículos en ninguno de los parkings o aparcamientos de las localidades que hemos visitado, es verdad que solamente hemos encontrado una zona especialmente marcada para las autocaravanas pero en ningún momento nos hemos sentido señalados y tampoco nadie nos tenido que llamar la atención.

La reflexión final sobre Liechtenstein en un poco más de los mismo, en definitiva es como una prolongación de Suiza, su nivel de vida es similar, aunque mi impresión es que es el refugio de una serie de banqueros que están esperando a gente para salvaguardar su dinero. En ciertos momentos pensaba en quedarme sentado en la puerta de un banco y esperar la llegada de alguien conocido, más pronto que tarde seguro que saltaría la noticia.

La impresión sobre Austria ha sido lo más agradable del viaje, un país con alto nivel de vida pero que tiene una cesta de la compra similar a la española, por no decir más baja, donde el combustible es más bajo que en España, donde todo el país funciona como un reloj siguiendo la senda de su historia unida a Alemania.

Hemos encontrado unos paisajes increíbles que en algunas zonas nos rememoran ciertas partes de Noruega. Una historia que ha estado tan unida a España gracias a la dinastía de los Habsburgo que seguro no hace sentirnos mucho más cercanos.

En lo referente al uso de la autocaravana, no hemos encontrado ninguna prohibición, es verdad que son pocas las instalaciones para las autocaravanas que durante el viaje hemos encontrado pero no hay ningún inconveniente en aparcar en las grandes ciudades en los P+R+bus y sobre todo citar el gran área de autocaravanas que acaban de inaugurar en Viena y que nos pone a tiro de metro el centro de la ciudad.

El recorrido por Italia ha sido casi exclusivamente para visitar la ciudad de Venecia, allí no nos complicamos la vida y siempre aparcamos en el parking de autocaravanas de Troncheto. Hemos encontrado un país más caro que España pero siempre cabe la posibilidad de buscar alternativas que mejoren los precios, es posible encontrar gasolineras con unos precios inferiores al 20%, restaurantes con menús similares a los españoles.

-FIN-

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A. López

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