La galería de pintura esta presidida por una pequeña sala donde se encuentran las principales pinturas del Museo Condé; quizás la más importante es Retrato de Simonetta Vespucci, obra de Piero de Cosimo, fue pintado en 1490, en madera sobre tempera, tiene un tamaño de 57 x 42 cm .

El retrato de Simonetta de Vespucci corresponde con la mujer más bonita de Florencia, cuentan las crónicas que durante la fiesta de la Santa Croce , los nobles llevaban un estandarte con la mujer más bonita que conocían. En el estandarte de Guiliano perteneciente a la famosa familia de los Medicis encargo que pintara el suyo al famoso pintor Sandro Botticelli.

La imagen que plasmo el pintor fue la cara de la famosa mujer de la corte de los Medicis, Simonetta Vespucci, una mujer cuyo rostro se convertiría en el icono de la obra de Botticelli.

Simonetta Cattaneo di Candia, era una joven genovesa que se caso con Marco Vespucci, era un rico comerciante perteneciente a una familia aliada de los Medecis, se caso a los 16 años, cuando Botticelli la pinta en el estandarte tiene 21 años y a los pocos meses moriría victima de la tuberculosis.

Se ha interpretado la posible relación de Guiliano de Medecis con Simonetta de Vespucci pero no se ha podido probar nada, porque el estandarte era una afirmación pública de la admiración y esto no comprometía ni al caballero ni a la dama elegida.

El pintor Sandro Botticcelli era vecino y amigo de Marco Vespucci, nada más conocer a su mujer se enamoro de ella y pasaría convertirse en su musa y lo plasmaría en los cuadros del pintor, ante la tragedia de la muerte de su amada el pintor vivió obsesionado con la belleza de esa mujer, murió en 1510 y dentro de su testamento fue que le enterrasen a los pies de Simonetta en la iglesia Ognissanti, fue la única forma de poder vivir el resto de su tiempo con la mujer que había amado tanto y se consideró la mujer más bella de todo el Renacimiento.

La otra interpretación del cuadro es que se trata del Retrato de Cleopatra, principalmente porque durante el renacimiento no se pintaban las damas con los pechos al descubierto, lleva una serpiente que la rodea el cuello y se trataría de una alegoría a la belleza.

Hasta Lorenzo de Medici escribió sobre esta mujer en sus memorias y la describió:

“Su cutis era extremadamente claro, pero no pálido; rosado, pero no rojo. Su porte era serio, sin ser severo; dulce y placentero, sin asomo de coquetería o vulgaridad. Sus ojos vivos, no manifestaban arrogancia ni soberbia. Su cuerpo era finamente proporcionado, y entre las demás mujeres aparecía de superior dignidad y, no obstante, libre de toda clase de formalidad o afectación. Paseando, bailando o en cualquier otro ejercicio que revela toda persona, se movía con elegancia y propiedad. Sus sentimientos eran siempre justos y sorprendentes, tal y como he tratado de revelar con mis sonetos. Siempre hablaba cuando era conveniente y dando opinión tan acertada, que no se podía añadir o quitar a lo que iba diciendo

 

Seguramente la musa sufrió el proceso denominado belleza alabastrina que alude a la etapa terminal de la enfermedad de la tuberculosis, que afina las facciones, alarga las pestañas y suaviza la piel de quienes la padecen unas facciones sobrenaturales, lo que hizo a Simonetta más bellas en los últimos momentos de su muerte.

Entre otros de los cuadros más importantes del museo de Condé es La Madonna de la maison d'Orleans, es una tabla sobre óleo, con unas medidas de 29 x 21 cm . del pintor italiano Rafael.

Recibe el nombre porque durante muchos años estuvo en la Casa de Orleáns después de que fuera adquirido por Philippe de d'Orleans. Rafael pinta varias copias de este modelo de la Virgen , se conservan tres una en el Museo de Baltimore, en el Museo de Ámsterdam y la otra esta de Museo Condé.

La tabla pertenece al periodo florentino que tuvo el artista entre 1505 y 1507 principalmente porque en el cuadro aparecen detalles de los segundos planos y de los ropajes de la Virgen.

Sobre la estantería hay una olla con una manzana esto era un remedio medieval contra la picaduras de serpientes, en la iconografía cristiana es la representación del mal. El niño presenta unas formas bajo la influencia del pintor Miguel Ángel por su aspecto escultórico. La Virgen representa la devoción de la infancia del pintor durante su infancia.

Los historiadores han situado la obra durante la vida de Rafael en Florencia y más en concreto la influencia de la pintura de San Jerónimo del pintor Jan van Eyck.

La imagen esta llena de humanismo, la virgen juega con el niño y deja de un lado las imágenes encorsetadas de la Virgen durante el periodo gótico; el niño se agarra al vestido por la parte del escote provocando que su madre haga el gesto de moverse hacia delante y deja de lado estatismo de las primeras vírgenes del maestro.

Del mismo pintor Rafael podemos contemplar La Vierge de Lorette, tabla sobre al óleo con unas medidas de 120 x 90 cm . También se la conoce como Virgen del Velo o Virgen de Popolo.

Esta obra fue atribuida a Rafael en 1976 tras un profundo estudio; el duque de Aumale había comprado la colección de su Padre y su tío como una copia del original perdido de Rafael.

La iglesia del Loreto fue pintada en Roma en la iglesia Santa Maria del Popolo a petición del papa Julio II, cuyo retrato se exhibía conjuntamente con esta virgen en la iglesia con motivo de las celebraciones litúrgicas de 1513, tras el fallecimiento del papa, el cuadro fue adquirido por el cardenal Scipion Borghese junto con el retrato de Julio II, a su muerte en 1802, la colección fue vendida al rey de Nápoles.

El cuadro se representa a la Virgen despertando a su hijo y retirando un velo transparente que simboliza el sudario que cubriría a Cristo después de la crucifixión y su muerte. La imagen esta llena de dulzura y de movimiento, recordamos que estamos en pleno humanismo que se vivió en Florencia durante el renacimiento.

La virgen viste una túnica roja y un manto azulado, colores que simbolizan el martirio y la eternidad, se encuentra acompañada de san José que contempla la escena con orgullo. El niño esta en el primer plano y recibe una fuerte iluminación para destacarlo de la escena creando un clima sublime propio de Raphaël, Raffaello Sanzio.

Otra de las obras importantes de Rafael en el museo es Les trois Grâces, tabla sobre óleo, con un tamaño de 17 x 17 cm . pintado en 1504.

La tabla fue adquirida por Henri Reboul, superintendente de Napoleón, de la colección del cardenal Scipione Borghese.

La obra esta inspirada en la mitología griego-romana de las diosas del Olimpo: Diana, Juno y Venus. El pintor se inspiro en un antiguo mármol que vio en Siena dentro de la biblioteca del papa Pío II.

Siguiendo la historia de las diosas, las tres gracias son hijas de Júpiter y cada una de ellas representa: la belleza, la seducción y la fertilidad. Sobre sus manos sostienen las manzanas de oro, es una referencia a la historia de Hespérides, son las hijas de Atlas y Hesperis que confiaron las manzanas de oro para obtener la inmortalidad.

Aunque verdaderamente las tres bolas de oro pueden aludir al escudo de armas de los Medicci que simbolizan: la sabiduría, poder y la belleza.

Las gracias se presentan integradas delante de un paisaje, están iluminadas por un potente sol que resaltan sus figuras, el cuerpo de la derecha esta cubierta de un velo transparente mientras que las otras dos están completamente desnudas. Durante este trabajo significa el comienzo de una pintura inspirada en trabajos donde se pone de manifiesto la suavidad y la dulzura.

Otro cuadro importante El Dux Foscari, pintado por Ferdinand-Victor -Eugène Delacroix, tabla sobre óleo, con unas medidas de 93 x 132 cm , pintado en 1855.

El cuadro nos cuenta la famosa escena perteneciente a la historia de Venecia del siglo XV, cuando en época de Franceso Foscari convertido en el dux, el magistrado supremo y el máximo dirigente de la republica de Venecia.

Francesco Foscari, que había sido elegido en 1423, durante su mandato llevó a Venecia en interminables guerras contra los turcos durante el cual perdió tres hijos y el último, Jacopo, fue denunciado ante el Consejo de los Diez, por traición y ayuda al enemigo. Fue torturado 20 de febrero 1445 hasta confesar su crimen, la condena fue el destierro perpetuo.

El Dux estaba apabullado por la vergüenza y el dolor, en la escena se ve ayudando a la lectura de la sentencia que afecta a su último hijo. En la escena se le representa con la cabeza baja mientras que su hijo, sin camisa, en el centro de la composición del cuadro, pide clemencia mientras su esposa se aferra a él. En la parte inferior izquierda del cuadro, están el verdugo y sus ayudantes, a la derecha, los jueces y los notables de Venecia.

Este gran drama romántico sedujo al duque de Aumale, que adquirió el cuadro en 1873 y prestó en 1885 una exposición retrospectiva de Delacroix en la École des Beaux -Arts. Los temas de la pérdida del hijo y el exilio fueron parecidos a los que vivió el duque que estuvo alejado veintitrés de Francia y perdió siete niños, de ellos dos adultos.