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EL VIAJE

El Museo de la Ciudad ofrece un recorrido histórico artístico, organizado por siete secciones que reflejan los momentos más significativos de la historia de Mantua, con obras mayoritariamente relacionadas con la dinastía de los Gonzaga. Hay un apartado dedicado a La ciudad y el agua conde se recogen esculturas y lápidas que documentan la relación de la ciudad con este medio.

El periodo relacionado con la nobleza expone insignias heráldicas de los Gonzaga y de las demás familias nobles de Manta. La ciudad del Príncipe documenta la ciudad renacentista a través de distintas evidencias arquitectónicas.

El culto a la antigüedad y el renacer de todo lo relacionado con lo antiguo ofrece muchas obras renacentistas propiedad de la familia Gonzaga. El triunfo del mejor pintor de su tiempo Andrea Mantegna expone copias y frescos del siglo XVII fieles a los originales. Hay un apartado importante como pinacoteca con ejemplo de la escuela de pintura de Mantova entre el siglo XV y SXI donde se reúnen pinturas de artistas que tuvieron una clara influencia de Mantegna.

Comenzamos la visita por el apartado titulado “La Ciudad y el Agua” situado en la planta baja y el jardín donde a través de estatuas y epígrafes ilustra la importancia de los lagos y cursos de agua de la ciudad. De particular interés, en esta sección, soy una inscripción que data del siglo XII. A.D, y las diez estatuas del Redentor del siglo XVIII y los apóstoles desde el puente de los Molinos (destruido por los bombardeos en 1944) que conecta la ciudad a la ciudad fortificada de Ciudadela.

La primera de las obras expuesta es una gran “Lápida conmemorativa de la construcción del puente Muline”, es la obra hidráulica más importante con la construcción de un dique-puente con el fin de regular las aguas del río Mincio que rodeaban la ciudad de Mantua, que controlaba las frecuentes inundaciones. Este grandioso proyecto, que comenzó en 1188, se concluyó en 1199. Durante la Segunda Guerra Mundial, en 1944, el histórico puente fue destruido por el bombardeo aéreo. El puente fue reconstruido perdiendo los doce molinos y la pasarela cubierta.

El puente de Muline tenía una decoración con los “Doce Apóstoles” que fueron rescatados después del bombardeo y ahora se exponen.

Entre las obras más importantes de la sección “San Alesio”, altorrelieve construido en mármol. Estuvo insertado en la entabladura de una cornisa dórica de un edificio romano, esta datado en el siglo XVI.

Entre las obras más importantes de la sección “San Pablo”, altorrelieve construido en mármol. Estuvo insertado en la entabladura de una cornisa dórica de un edificio romano, esta datado en el siglo XVI.

La siguiente sección se denomina ”Emblemática noble” con una colección en el que los escudos heráldicos expuestos ilustran el resultado de un código caballeresco complejo, junto a la preciosidad artística de escudos de armas, incluso los cambios culturales asociados con ellos.

La primera de las obras “Escudo de armas de la familia Cortona”, realizado en mármol de Verona; tiene unas medidas de 58 x 108 x 15 cm.

La siguiente obra “Escudo de armas de Nicolo Adelardi”, realizado en mármol, tiene unas medidas de 66 x 56 x 15. La familia Adelardi era originariamente de Ferrera pero alguno de sus miembros llegaron hasta Mantua donde desempeñaron los papeles de la nobleza.

Una de las mejores de las obras “Escudo de armas de Gianfrancesco Gonzaga”, realizado en mármol rosa de Verona (1407-1432), estuvo expuesto en el Palacio Ducal.

Este personaje histórico fue el V Capitano del Popolo de Mantua, desde 1407 hasta 1433, y Primer Marqués de Mantua desde 1433 hasta la fecha de su muerte.

La siguiente de las obras expuestas “Escudo de armas de Gianfrancesco Gonzaga”, realizado en mármol rosa de Verona (1407-1432), estuvo expuesto en el Palacio Ducal.

Gianfrancesco se casó el 22 de agosto de 1409 en Pesaro con Paola Malatesta, hija de Malatesta IV, señor de Pésaro y Fossombrone. Esta era de aspecto poco atractivo, y aportó a los Gonzaga una tara genética que se transmitió a las siguientes generaciones: la joroba. A pesar de su aspecto, Paola era una dama de agudo ingenio e intelecto, y tuvo un papel primordial en los acontecimientos políticos de su marido.

La siguiente sección “El príncipe de la ciudad” reúne las obras patrocinadas por el Príncipe, relativo a los cambios sociales, políticos y territoriales promovidas por los protagonistas de la escena cultural italiana del Renacimiento.

De gran importancia es el ”La silla de Virgilio” realizada en mármol rojo de Verona, esta datada a finales del siglo XII, originalmente estuvo ubicada en las almenas del palacio de Mantua; tiene unas medidas de 124 x 73.5 x 41 cm. Los estudiosos enfatizan la importancia histórica de esta escultura como un símbolo conocido de la ciudad.

La siguiente obra “Capitel”, obra del maestro Luca Facelli, proviene de la fachada de Santa Andrea, realizada en piedra, esta datado en la segunda mitad del siglo XV.

La siguiente obra “Busto de Battista Spagnoli (1447-1516)”, obra de un maestro anónimo, proviene del arco de la casa de feria, realizada en terracota, esta datado en el primer decenio del siglo XVI.

La siguiente obra “Busto de Francesco II Gonzaga”, obra de un maestro lombardo del ámbito de Mantegna, proviene del arco de la casa de feria, realizada en terracota, esta datado en el primer decenio del siglo XVI.

La siguiente sección del museo “El culto de la antigüedad” recrea el gusto por el coleccionismo del Renacimiento, exposición de una variedad de mármoles preciosos procedentes en parte de las antiguas residencias de los Gonzaga, dando al visitante una idea de cómo podrían ser los regalos a los Gonzaga por parte de reyes y emperadores.

En el centro de la habitación "Trono de Virgilio" realizado en mármol con restos de policromía, esta datado en el siglo II a C., Se presenta como una obra de gran valor y la artesanía extraordinaria.

También es conocido como el Trono de Mantova tiene una procedencia griega y se encontraba expuesto en el Palacio Ducal, fue realizado dentro del arte Jónico durante el siglo II a. C. Es una silla honorífica que procede de un teatro de la zona de Esmirna de Grecia.

Es curiosa la obra de “Esfinge con cabeza masculina”, realizado en mármol, esta datado en el siglo I a. C. procede del arte griego.

Estamos ante una combinación un tanto grotesca de la cabeza de un hombre sobre un monstruo fabuloso con cabeza, cuello y pecho de mujer y cuerpo y pies de león, aunque en este caso lleva atributos sexuales masculinos de un perro.

A su lado podemos ver la obra de “Esfinge con cabeza femenina”, realizado en mármol, esta datado en el siglo I a. C. procede del arte griego.

El culto de lo antiguo era una máxima del estilo renacentista y los Gonzaga lo ejercían con una amplitud de miras acumulando un gran merito para reunir en el palacio la mejor colección de obras de arte que causaban envidia en los reyes y emperadores.

Esta colección fue dividida entre Mantua y Austria. Pero la colección fue repuesta gracias a la idea de la emperatriz María Teresa porque tenía un gusto por lo antiguo y pensó en recuperarla para ser exhibida en la residencia de los Gonzaga, todas estas figuras griegas provienen de Sabbioneta.

La siguiente sección del museo “El renacimiento de lo antiguo”, recoge obras de diferentes orígenes testificando el sabor de la arquitectura y el arte renacentista en Mantua, que con reinterpretaciones clásicas de Mantegna y Alberti, hicieron de la ciudad de Mantua una obra maestra de planificación frente a una nueva Roma.

La primera de las obras “Relieve de Cúpido”, realizado en mármol imezio, esta datado a finales del siglo XV.

La siguiente de las obras expuestas “Relieve de Diana”, realizado en mármol griego, esta datado a finales del siglo XV.

La siguiente de las obras expuestas “Cupido durmiendo con dos serpientes”, realizado en mármol de Carrara, esta datado a finales del siglo XVI.

La primera obra pictórica “Virgilio con la Syrinx”, obra de Rinaldo Mantovano, esta datado en 1540, fue realizado en la técnica del fresco.

Es un pequeño fragmento donde se representa a Virgilio vestido de poeta pastor tocando una flauta, la obra de Syrinx, está extraída de un palacio de Mantua diseñado por Giulio Romano y pertenecía a una composición más amplia que representaba a Augusto y Sibilia.

A su lado podemos ver la obra de “Busto del Papa Giulio II della Rovere”, obra de un artista anónimo veneciano, realizado en terracota, esta datado en la primera mitad del siglo XVI.

Julio II fue nombrado papa nº 216 de la Iglesia católica, del 1503 a 1513. Se le conoce como el “Papa Guerrero” por la intensa actividad política y militar de su pontificado. Era sobrino del papa Sixto IV. Fue educado con los franciscanos a instancias de su tío, quien lo tomó bajo su protección y más tarde lo envió a un convento en La Pérouse donde realizaría sus estudios superiores.

A su lado podemos ver la obra de “Relieve con los santos Francisco de Asís y Bernardo de Siena”, obra de un artista anónimo veneciano, realizado en terracota, esta datada primera mitad del siglo XVI.

Un poco más adelante podemos ver la obra de “Busto de Battista Spagnoli”, obra de un artista anónimo veneciano, realizado en terracota, esta datada primera mitad del siglo XVI.

Battista Spagnoli es un poeta y religioso de origen español. Su vida discurre entre Mantua, Ferrara (donde hizo el noviciado), Bolonia (donde vivió durante varios años, por lo que es convertido casi en su segunda casa), Roma (1486-1489) y de nuevo Mantova (a partir de los años 90 hasta el siglo XV a la muerte, en 1516), donde se encontraba en el círculo Isabella d'Este.

Un poco más adelante podemos ver la obra de “Busto Francesco II Gonzaga (1466-1519)”, obra de un artista Giancristoforo Romano, realizado en terracota, esta datada en 1495.

Francesco II Gonzaga nació en Mantua, hijo del Marqués Federico I Gonzaga. Tuvo carrera como mercenario actuando como comandante de Venecia desde 1489 a 1498. Fue comandante en jefe del ejército de la liga italiana en la batalla de Fornovo, siempre actúo bajo la tutela de su tío más experimentado Rodolfo Gonzaga: aunque inconclusa, la batalla tuvo al menos el efecto de empujar el ejército de Carlos VIII de Francia de vuelta a los Alpes.

La siguiente obra de “Relieve del rapto de Europa” obra de un artista anónimo, realizado en mármol de Carrara, esta datado en la primera mitad del siglo XVII.

La escena cuenta un hecho extraído de la mitología griega, Europa era una mujer fenicia de Tiro, que terminaría dando su nombre al continente europeo. Hay dos mitos diferentes sobre cómo llegó Europa al mundo griego: en la más familiar fue seducida por el dios Zeus transformado en toro, quien la llevó a Creta sobre sus lomos.

La siguiente sección del museo “Los triunfos de Mantegna” esta parte presenta el conjunto completo de los nueve frescos pintados por Mantegna entre 1486 y 1492 en las copias originales del siglo XVII, que se encuentra en una casa en Via Mazzini en 1926. La serie, esta dedicada al poema de la antigüedad de Mantegna, son las victorias de César para celebrar las virtudes de la guerra de Francisco II. Y se considera un hito en el patrocinio italiano y fue la obra más valiosa de la colección Gonzaga, que ahora se conserva en Hampton Court (Londres).

El primero de los frescos con la I escena “Trompetistas y portadores de la enseña”, obra de Ludovico Dondi, copia del ciclo de Las victorias del César, obra de Andrea Mantegna, realizada con técnica de pintura al fresco.

En el siguiente los frescos corresponde con la II escena “Carro del triunfo, trofeos y maquinas de guerra”, obra de Ludovico Dondi, copia del ciclo de Las victorias del César, obra de Andrea Mantegna, realizada con técnica de pintura al fresco.

La VII escena son el fresco “Los reclusos, payasos y porta insignia”, obra de Ludovico Dondi, copia del ciclo de Las victorias del César, obra de Andrea Mantegna, realizada con técnica de pintura al fresco.

La VI escena son el fresco “Portadores de fajas, trofeos y armaduras”, obra de Ludovico Dondi, copia del ciclo de Las victorias del César, obra de Andrea Mantegna, realizada con técnica de pintura al fresco.

Aquí podemos ver tres escenas III, IV y V “a la izquierda, Vagon con trofeos y portadores del botín; en el centro, Los portadores de vasos, sacrificio de toros y trompetas; a la derecha, Trompetistas, toros y elefantes” obra de Ludovico Dondi, copia del ciclo de Las victorias del César, obra de Andrea Mantegna, realizada con técnica de pintura al fresco.

Aquí podemos ver la VIII y IX escena “a la izquierda, Portadores de estandartes, trofeos y armaduras; a la derecha, Julio Cesar sobre el carro del triunfo”, obra de Ludovico Dondi, copia del ciclo de Las victorias del César, obra de Andrea Mantegna, realizada con técnica de pintura al fresco.

Más adelante podemos ver el fresco “Ocasión y penitencia”, obra de la escuela de Andrea Mantegna, realizada con técnica de pintura al fresco, esta datado en 1500; tiene unas medidas de 168 x 146 cm.

El fresco, desde el significado erudito y alegórico, se suele fecharse en los años en que Mantegna estaba trabajando en el estudio de Isabel de Este. Si la factura no es perfecta pero en ciertos detalles sugiere que se trata de un alumno de Mantegna, el diseño se remonta con toda probabilidad a la mano del maestro. El tema viene de un epígrafe del poeta romano Ausonio titulado ”el simulacro Occasionis y Peonitentia”.

El fresco esta realizado en blanco y negro, imitando una grisalla. Se puede ver a un hombre que corre con los brazos extendidos, tratando de captar la escurridizo Occasio que tiene la apariencia de una virgen cuya cara está cubierta por un grueso mechón de pelo y una mujer con alas en los pies le impide la libertad de sus movimientos. El globo en los pies que representa la inestabilidad. El hombre fue detenido por Poenitentia (“Penitencia”, en el sentido de la virtud), colocado sobre un pedestal cuadrado (símbolo de la estabilidad), lo que le llevó a tomar tiempo, y para determinar un estilo de vida más consciente y sobrio. El hombre sería una personificación del arrepentimiento, cuyo ejemplo parece ser una invitación a no dejarse cautivar por el encanto de la Fortuna, prefiriendo la prudencia y la virtud.

El siguiente cuadro “Retrato de Teofilo Folengo“, obra de un pintor anónimo cinquecentesco, realizado en óleo sobre tela, esta datado en el siglo XV; tiene unas medidas de 85 x 65,5 cm.

Teofilo Folengo fue hijo de un notario mantuano y el octavo de sus nueve hijos. Aunque nació en Mantua con el nombre de pila de Gerolamo en 1491, algunos estudiosos piensan que nació en realidad en 1496. Al ingresar en la orden de San Benito en 1508 se cambió el nombre de pila a Teófilo. Estudió en Bolonia y tras entrar en la orden vivió en diversos conventos del Véneto hasta 1524, año en que las disputas con su abad Ignazio Squarcialupi le hicieron renunciar al hábito.

El siguiente cuadro “Adoración de los pastores“, obra del pintor Baldassarre Carrari (1460-1516), realizado en temple sobre tabla, esta datado en 1490.

Baldassarre Carrari el joven fue un pintor italiano de los siglos XV y XVI, también conocido como Baldassarre da Forli.

El apodo de “el Joven” se ha usado para distinguirlo del artista Baldassarre Carrari el Viejo que actuó a mediados del siglo XIV. No está confirmado que tengan relación de parentesco. En su obra destaca la presencia de formas quebradas, la estilización y la dureza cromática, así como la falta de unidad compositiva recuerda a artistas de Ferrara, como Ercole de Roberti y Lorenzo Costa. No faltan tampoco referencias al arte veneciano.

El siguiente cuadro “La Virgen de la leche“, obra del pintor Vincenzo Foppa (1430-1515), realizado en técnica de la pintura al fresco, esta datado en 1490.

Vincenzo Foppa en su formación influyeron tanto los elementos locales como los de Venecia (Stefano y Jacopo Bellini) y de Padua (Andrea Mantegna) como se pone de manifiesto en su primera obra documentada.

El siguiente cuadro “San Banedicto“, obra del pintor Bernardo da Parenzo conocido como Il Parentino realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1496.

Bernardo da Parenzo sus primeras obras ya se caracterizan por los detalles de anticuarios, como se puede ver a partir de los datos que se relacionan con lápidas e inscripciones de su tierra; esta tendencia se mantuvo incluso después de que se movía en el Veneto, donde entró en la órbita de Francesco Squarcione y su taller. Trabajó en Mantua en la corte de Francisco II Gonzaga.

El siguiente cuadro “Santa Escolástica“, obra del pintor Bernardo da Parenzo conocido como Il Parentino, realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1496.

Algunas leyendas hagiográficas, difundidos sobre todo en Teramo, hablan de un martirio sufrido por Escolástica, con la amputación definitiva de los senos. Para esto, algunos devotos consideran que el protector de las madres; también se invoca para alejar el rayo y para obtener la lluvia.

El siguiente cuadro “Madona con el Niño en el trono y un devoto“, obra del pintor Giovan Francesco Caroto, realizado en técnica al fresco, esta datado en 1513.

Giovan Francesco Caroto fue un estudiante de miniaturas de Verona, se trasladó a Mantua, fue fuertemente influenciado por Andrea Mantegna y Lorenzo Costa el viejo, no permanecen indiferentes incluso antes de que la visión de los jóvenes para trabajar con Correggio.

El siguiente cuadro “Cristo cae bajo la cruz“, obra del pintor Francesco Bonsignori, realizado en óleo sobre tela, esta datado entre 1500-1510.

Francesco Bonsignori entre 1487 y 1505, estuvo en Mantua, donde se convirtió en pintor de la corte del gran Marqués Francesco Gonzaga (1438–1466) junto con Andrea Mantegna (1431–1506) y su hermano, y fue apreciado por el duque y por su esposa Isabella d'Este.

El siguiente cuadro “Madona en el trono con el Niño y un santo“, obra del pintor Antonio de Pavia, realizado en temple sobre tela, esta datado en 1490.

Antonio da Pavia fue un pintor italiano del Renacimiento, un contemporáneo de Andrea Mantegna, que trabajo sobre el estilo del maestro y estuvo activo en Mantua entre 1500 y 1514.

El siguiente cuadro “Beata Osanna Andreasi“, obra del pintor Francesco Bonsignori, realizado en óleo sobre tela, esta datado en 1419.

El cuadro representa a la beata Osanna Andreasi mientras sostiene un lirio en la mano derecha y un corazón y crucifijo en la izquierda y a la vez pisotea un demonio. Ella es venerada por dos mujeres laicas y tres monjas dominicas. La segunda figura arrodillada de la izquierda ha sido identificada como un retrato de Isabel de Este.

El siguiente cuadro “Madonna de la Victoria “, obra del pintor Antonio Ruggeri, realizado un calco del original de Andrea Mantegna, esta datado en 1797.

El cuadro tiene una historia que obedece a que en la ausencia del Marqués de Mantua, un banquero judío, Daniele da Norsa, que había comprado una casa en la aldea San Simone y había sustituido una representación sagrada de la Virgen que adorna la fachada con su escudo de armas personal. La acción fue considerada sacrílega y Sigismondo Gonzaga reprendió al hombre para restaurar el trabajo. A pesar de que el judío acepto, pero se monto una ira popular y su casa fue arrasada hasta los cimientos. Con el regreso de Francisco la pena fue conmutada por una orden judicial para pagar una capilla y un cuadro de devoción, que sirivese mantener la devoción a la Virgen de la Victoria.

El siguiente cuadro “Beata Magdalena Coppini“, obra del pintor Antonio de Pavia, realizado en temple sobre tela, esta datado en 1490.

Para terminar la visita al museo vemos expuesta una piedra con una cruz se llama “Il Sasso di Napoleone”, se dice que se trata de un amuleto de la buena suerte.

Según la leyenda Napoleón llegó el 2 de marzo de 1797 a la plaza de San Pedro y desmontó del caballo y coloco el talón de la bota sobre una piedra. Desmontado, Napoleón entró en el palacio Ducal. Y cuando salió por la Vulgata, el caballo había desaparecido, le habían robado. La ira del gran corso le llegó acusar a todos los ciudadanos de Mantua de ser unos ladrones. “Todos no, pero la mayoría sí”, alguien intentó disculparse.

Otra versión indica que al llegar a la plaza de Sordello de Mantua, el caballo se asusto y tiro a Napoleón y puso sus pies sobre esta piedra sin sufrir ningún daño.

Continuamos nuestra visita a Mantua hasta el siguiente punto, desde el Palacio de San Sebastián esta muy cerquita, si miramos en dirección sur, atravesamos dos calles y marchamos por el Largo XXIV Maggio, enseguida adivinamos un grandioso jardín y el palacio.

El Palacio de Te es la obra maestra de Giulio Romano. Fue construido entre 1525 y 1535 como un espacio de ocio para el disfrute de Federico II Gonzaga. Se inspiro en las antiguas villas romanas y, a pesar de las reformas realizadas a través de los siglos, se presenta como uno de los mejores ejemplos del concepto de la arquitectura que tenían los maestros del Renacimiento. En su interior el arquitecto funde la cultura de Raffaello y Michelangelo, evidencia un conocimiento profundo de la tradición clásica y añade invenciones innovadoras y sorprendentes. Las emociones se convierten en vivencias que acompañan al visitante en un viaje diferente y apasionante: desde el Patio de Honor a la sala de los Caballos, desde la cámara de Psiche a las de los Vientos y de las Águilas, desde la preciosa cámara de los Estucos hasta la fastuosa cámara de los Gigantes.

El impresionante edificio es la obra maestra de Giulio Romano que era alumno del maestro del Renacimiento Rafael que puso toda su sabiduría en las manos de su señor que tenia necesidad de tener su propio refugio para llevar una doble vida.

El lugar elegido para la construcción del palacio estaba rodeado de agua porque estaba en el interior de una isla, donde había un gran contacto con la naturaleza, podía escuchar a las ranas, ver a los peces, y disfrutar del canto de las cigarras. El edificio estaba lo suficiente cerca y suficiente lejos para convertirse en el lugar adecuado para la necesidad del ocio reparador de Federico y por encima de todo, para que sirviera de residencia para la compañera del príncipe, casi una esposa morganática –se denominaba así a la unión de dos personas de rango social desigual, en este caso, un noble y una plebeya. La mujer elegida para compartir este maravilloso escenario era la bella Isabella Boschetti.

El encargo del Federico a Giulio era hacer una estudio pictórico del amor para edifica una relación no resuelta entre la pasión y el mundo de los valores y deberes, que debía de mantener un hombre equilibrado de gobierno.

En el interior se puede apreciar el cumplido deseo erótico de toda la historia de amor entre el Marqués e Isabel Boschetti, con lo que el propio mito Federico y su amante en la cima del Olimpo, la montaña sagrada donde los Gonzaga debían de resolver todas las contradicciones.

El núcleo de partida de la confesión pública en la pintura, destinada a la elevación de los asuntos privados de una dimensión mitológica, se coloca en la pared, donde se puede disfrutar de una habitación que te lleva hasta el interior de la historia de la habitación de Cupido y Psique. La escena es un simplemente un prólogo erótico.

El trabajo previsto por Giulio Romano presenta el rey de los dioses, cuyas extremidades inferiores se han transformado en las bobinas viscosas de una serpiente - y recordar, a este respecto, ya que el pulsante erótica vigorosa por la tierra permitido a Júpiter para convertirse en lluvia de oro, un cisne, un águila, un toro que le permite entrar en la habitación de Olimpia, esposa del rey de Macedonia Filipo, su fructífera seducción, lo que provoca el nacimiento de Alejandro Magno. A nuestra derecha, el rey, el esposo legítimo de la mujer, es testigo de la traición, pero sufrió ceguera en un ojo debido a un rayo como dardos.

No hay duda que la historia representa la conjunción del Marqués casado con una mujer noble. Ya que es puramente casual que el niño nacido en 1520 a partir de la relación entre el Marqués y Boschetti se le ha dado el nombre de Alexander. El trabajo presenta por lo tanto, semánticamente, todos los elementos que hacen que sea un precedente con respecto a la narración de la historia de amor de la pareja.

Otros trabajos, hacen una alusión a la legalidad del adulterio como un deseo de un personaje mítico o una fuerza oscura de la naturaleza, como le ocurre a Pasifae, que prefiere las atenciones violentas del toro de Minos a un afecto conyugal. Cegados por el deseo, la esposa del rey de Creta pidió a Dédalo, que le haga una vaca de madera, para atraer al animal que se había convertido en abrumadora objeto de su pasión y se tiene que deshacerse de él.

Si el episodio de Júpiter y los Juegos Olímpicos es una manifestación del Eros masculino, la historia de Pasifae es un adulterio no sólo desde el punto de vista femenino, es una lucha de Isabella Boschetti contra el marqués-toro, lo que le impedía examinar la figura del legítimo esposo.

La unión Federico Gonzaga e Isabel Boschetti no debió de ser nada fácil porque ella estaba casada con un cortesano que trabajaba para el marqués Francesco Gonzaga Cauzzi Calvisano, la relación se inició hacia 1516, para producir una vida de escándalo. Federico II Gonzaga, el Marqués de Mantua, desposó a la pequeña María Paleólogo cuando ésta tenía 8 años, por lo que el matrimonio no podía ser consumado. Durante la espera tomó como amante a Isabella Boschetti, la chica pertenecía a una familia de los antiguos emperadores de Oriente, en la espera María falleció en 1530. A continuación, el señor de Mantua se caso en 1531 con su hermana, Margarita Paleólogo con la que tuvo siete hijos, pero la pasión por Boschetti no conoció descanso.

Isabel de Este, la madre del marqués, había sufrido mucho a causa de estos excesos de su hijo. Pero sobre todo lo que le enfrento a la marquesa fue la pintura que había en el Palacio de Te que la ponían en entredicho con la iglesia.

La madre de Federico no deja de oponerse a esa relación, pero será derrotada, como Venus está perdiendo en la historia pintada de Cupido y Psique, como una analogía directa con la biografía de Federico, en el Palazzo Te.

Comenzamos la visita por la sala llamada “Camarino” es una habitación llamada así por su modesto tamaño, debe su nombre a las representaciones mitológicas representadas en los frisos y extraídas de las Metamorfosis de Ovidio .

La atmósfera es privada, como se muestra por la tenue luz emitida desde la ventana y se determinarán los temas tratados en las escenas figurativas de decoración de la pared: la música apolínea, la embriaguez, el erotismo.

Los temas mitológicos alternan con paisajes. Esta disposición de las escenas y el estilo en que están representados, evocan la pintura antigua, que los artistas del siglo XV estaban siendo descubiertos en las ruinas enterradas de Domus Áurea.

Entre las escenas de Ovidio: el abrazo sensual de Baco y Ariadna, la sangrienta Apolo y Marsias, sino también Orfeo en el mundo terrenal El juicio de París, de sátiros y la danza ménades, la contienda entre Apolo y Pan, borracho Dioniso, las ménades que atormentan un sátiro.

Los artistas que trabajaron en su decoración son Anselmo Guazzi y Agustín de Mozzanica y fue terminada en 1527, y fue la primera de toda la casa.

La siguiente estancia es la Sala de Compañía es una de las más pequeñas, toma su nombre por tema principal del friso: hace referencia a las empresas de la familia Gonzaga.

La compañía es un emblema formado por una imagen (llamada cuerpo) y un mensaje (denominado núcleo). Constituye un elemento en donde se cuentan los valores y los eventos importantes relacionados con la vida o el amor secretos. El sentido de la divisa (lengua latina o extranjera) a menudo es críptico y el lenguaje que los signos de la empresa sea accesible sólo a un círculo de amigos o visitantes de una gran alta cultura.

Era el lugar donde se hacían negocios, se hacían actos de trasmisiones de padres a hijos para implicar a sus seres más queridos y amigos fieles, era una acción, que camina entre la Edad Media y el Renacimiento.

El Palazzo Te, así como en todas las residencias de la familia Gonzaga, las empresas están representadas muy a menudo. En la sala de la Compañía , que se llevan a cabo por Puttis, que como telamones en miniatura del asimiento con los brazos abiertos en las volutas de acanto: algunas compañías están conectadas con el Marqués Federico II (Olimpo, lagarto, pequeño bosque); otros son parte del repertorio de la familia (alas, paloma, guante, perro, sol); al menos dos están vinculados con el padre de Federico, Francisco II (crisol, hocico) y están completamente ausentes en esta habitación las Compañias de Isabella madre.

Las pinturas, que data de 1530, se limita a la parte superior de la habitación, mientras que la parte inferior están pintados superposición imitando un falso mármol.

La siguiente sala El Sol y la Luna, también conocida como la "sala de estar" en los documentos, tenía la función de introducir a los huéspedes a las habitaciones reservadas para las personas que han atravesado las dos salas anteriores. La habitación toma su nombre del fresco que representa el carro central del Sol y la Luna.

Aquí se concentra la decoración original de la bóveda: el modelo de fondo azul tiene forma rítmica marcada por compartimentos de diamantes de estuco blanco que encierran figuras, también en yeso, elaborado principalmente de monedas y joyas antiguas, incluyendo Giulio Romano era un coleccionista, pero también desde el repertorio de los más altos maestros del Renacimiento italiano, Rafael y Miguel Ángel.

En los compartimentos triangulares de la bóveda y en el borde del panel central, también aparecen los emblemas de los Gonzaga.

En el centro de este homenaje a la antigüedad clásica domina una caja larga dedicada a la representación alegórica del Sol y la Luna.

Con una sorprendente visión se representa el momento de la oscuridad con Apolo, el sol con una tonalidad rojiza, en el carro que sale de escena, mientras que detrás de él viene Diana, la luna en tonos pálidos, tirado por dos caballos: un blanco que representa el día y una noche en representación de lo negro, como la luna se mueve tanto de día como de noche.

La tradición cuenta que el fresco fue ejecutado de un dibujo personal de Giulio Romano, de su alumno más brillante, Francesco Primaticcio. Aunque existe alguna evidencia en los documentos, la calidad del fresco parece confirmar esta hipótesis, mientras que la diferencia de estilo entre diferentes estucos da testimonio de la presencia de varias manos, probablemente Nicolás de Milán, Giovan Battista Mantovano y el mismo Primatice.

La decoración de la habitación, al igual que las otras decoraciones de esta ala del palacio, esta datada entre 1527-1528.

La visión audaz adoptada para el fresco del Sol y la Luna llamó la atención de muchos pintores del siglo XVI y ha dado lugar a la propagación de dibujos y grabados, y el testimonio de artistas de alto perfil como Paolo Veronese, que dan la bienvenida a la visión que tuvo Giulio Romano reinterpretando una nueva visión y original.

La decoración de la parte inferior de la habitación se ejecuto más tarde sobre 1790, la Academia de maestros de bellas artes, que se ocupan de la restauración del edificio, aprueban una nueva ornamentación de las paredes con reproducciones de estuco del siglo XVI que se encuentran en otras partes del edificio y dos moldes de sarcófagos antiguos almacenados en el Palazzo Ducale.

La siguiente estancia se la conoce como La logia de las Musas es un verdadero portal que te introduce en las estancias más intimas del Palazzo Te.

La decoración evoca los modelos más altos de la cultura antigua. Los protectores de las musa en las artes, se representan en un bajorrelieve en el techo, rodeado de jeroglíficos. Esta escritura, considerada de origen divino y adoptado como una referencia ideal para la creación artística, es interpretada por Giulio Romano, que, sin entender su significado, transcribe exactamente las frases de jeroglíficos de dos esfinges ahora en el Louvre.

Ricamente decoradas, son también las paredes del patio, que se abre con tres majestuosos arcos del patio de honor.

Los lados cortos de la casa de campo tienen idéntica configuración, con pilastras en las esquinas que enmarcan la pared y muestra la puerta en falso mármol, dominado por el escudo de armas, flanqueada por águilas. En ambas paredes, por encima de la cornisa se abre una luneta con frescos.

En la pared oeste de la luneta están representados Pegasus da a luz en el monte Helicón, habitado por las Musas, una fuente que estimula la invención poética, mientras que Apolo sostiene en sus manos una pluma y una máscara de teatro, que simboliza la invención literaria.

En la pared esta pintada una ninfa, la personificación de Mantua, al lado de una fuente de la que sale una cabeza coronada de laurel, una representación emblemática del poeta de Mantua Virgilio. El bisel a continuación, alude a las bases de la cultura local, protegido por Apolo, están representados en el fondo por el modelo de la famosa escultura de Belvedere en el Vaticano.

La pared norte reproduce la distribución de tres arcos de la logia. En la parte central hay una puerta, mientras que en el lado se representan dos escenas mitológicas, muy dañadas. A la izquierda de la puerta está pintado Euridice, en el día de la boda con Orfeo, cuando escapa de la agresión del pastor Aristeo, está pisando una serpiente y es mordido fatalmente en el pie. A la derecha de la puerta Orpheus sentado en los árboles tocando la lira, con detalles dolorosos, mientras que fascinados por la música se acercan a muchos animales salvajes.

El entorno bucólico de las dos escenas es el mismo espacio con: un paisaje de montaña con un río y una ciudad distante. Los dos cuentos mitológicos tomados de las primeras Geórgicas de Virgilio y la segunda de las Metamorfosis de Ovidio, están relacionados con el tema en el Oggia: Orfeo, de hecho, el hijo de Calíope, la musa asiste, mientras Aristeo está educado por las Musas, divinidades que en este hecho hacen una alusión a la victoria sobre la muerte artes.

La siguiente estancia se la llama Sala de los Caballos se considera que la única habitación de la casa, tanto por su tamaño y por la función del espacio público por excelencia. Es el lugar donde se llevaron a cabo fiestas y bailes, como la que vio al emperador Carlos V, durante su visita a Mantua en 1530.

La habitación toma su nombre de los protagonistas de las pinturas: los caballos de los establos queridos Gonzaga. En ellos se describen a tamaño real, sobre un fondo de paisajes lejanos. El tamaño, posturas, miradas les hacen vivir y compartir el medio ambiente, para dar testimonio del amor que tenía los Gonzaga para estos animales. Las efigies son retratos reales, cuatro de los cuales incluso se imprimen sus nombres: Morel Favorito, Glorioso, Batalla, Darius. El primero y el último todavía llevan las huellas de los escritos que los identifican.

Federico, al igual que su padre y sus antepasados, los crió en los famosos establos familiares. Eran el regalo más preciado se le podían hacer a todos los personajes públicos. Los caballos le gustaban tanto a Giulio Romano como a cualquier soberano, también al emperador Carlos V. No es casualidad, que los caballos son los protagonistas de la villa y de esta habitación.

La zona está iluminada por cinco ventanas y el espacio está marcado por una arquitectura clásica pintada del orden corintio, adornado con falso mármol de colores brillantes. En el centro de la pared sur se alza la imponente chimenea, diseñada como una mezcla de elementos perfectamente acabados y bloques de piedra rústica. La representación de los caballos, exaltan la elegancia y solemnidad, además se entremezclan con nichos que guardan estatuas con deidades y bustos de personajes antiguos. En la parte superior de éstos están pintadas, un molde de bronce de bajorrelieves, con seis Trabajos de Hércules.

La decoración en el friso termina en espirales de acanto magníficamente coloridos, pobladas por querubines y puttis que tienen en la cabeza de máscaras burlonas, elementos lúdicos que rompen la solemnidad de la habitación.

La habitaciones más impresionante del Palazzo de Te es la de Cupido y Psique, es quizás la más suntuosa del medio edificio, diseñada para acomodar sólo a los huéspedes más distinguidos para banquetes y cenas.

La habitación toma su nombre de la historia de Cupido y Psique, pintado en la bóveda y lunetas bajo un tema común el amor la divinidad monstruosa, el más poderoso de todos los dioses, temidos por el propio Júpiter, a la que nadie puede escapar.

En las paredes están pintadas otros cuentos mitológicos que hablan de frustrados, amores clandestinos, trágicos, sin contrapartida. Muchas relaciones entre dioses y hombres (Venus y Adonis, Baco y Ariadna, Júpiter y Juegos Olímpicos), sino también contar las pasiones de los dioses (Marte y Venus, Acis y Galatea), así como las que existen entre los seres humanos y los animales (Pasifae el toro ).

Las paredes sur y oeste implican al visitante en la preparación de un banquete suntuoso con la participación de los dioses. Protagonistas del evento Cupido y Psique, acostado en Kline y entre ellos su hija, la voluptuosidad. Este banquete que se lleva a cabo en la isla de Venus, como se describe en el texto de las humanidades del Sueño de Polífilo.

Aunque no existe una conexión lógica estrecha entre todos los episodios, parece digno de mención la interpretación que ve una relación entre los temas tratados en la pintura decorativa y la historia personal del Federico. Parece que hay un paralelismo entre la pasión del amor de Psique, la oposición de la Madre de Dios, y que nutren entre Federico e Isabella Boschetti, la oposición de la madre de Gonzaga, Isabel D'Este. Por lo que incluso el amor de Júpiter para los Juegos Olímpicos que como el Boschetti, estaba casado.

La suntuosidad de la decoración no sólo se manifiesta en la variedad de los temas, pero también en las técnicas utilizadas. Las paredes, pintadas al fresco, han terminado al temple y el encuadre de estuco; la vuelta se hace con una estructura de madera, cubierto por una fina capa de yeso y decorada con pintura al óleo de gran brillo e intensidad de color. En la bóveda está más elaborada con estuco dorado enmarcando las diferentes escenas.

En la sala se puede leer la madurez artística de Giulio Romano, su control asiduo durante la ejecución del proyecto, las intervenciones directas e independencia estilística de la escuela romana de Raphael.

Giulio manifiesta un lenguaje innovador en poses artificiales, en un encuadro muy realista, tambaleándose con cierto detalle y en la representación de la sensualidad, así como en las luces en el juego del techo, donde los colores crepusculares asociados a la retroiluminación.

La ruta ceremonial incluía, como lo hace ahora en el recorrido de las visitas, la entrada de la Sala dei Cavalli. En la banda de oro colocado bajo las lunetas corre una inscripción en letras romanas que explican la función del edificio: “FEDERICVS GONZAGA II mar <dispositivo> VS <anctae> R <omanae> E <cclesiae> et Reip <ublicae> FLOR <entinae> CAPITANEVS GENERALIS hONESTO oCIO POSTAL LABORES AD REPARANDAM VIRT <UTEM> QVIETI CONSTRVI MANDAVIT “o “Federico II Gonzaga quinto marqués de Mantua capitán general de la Santa Iglesia romana y la República florentina ordenó construir para el ocio honesto después de que los esfuerzos para restaurar su fuerza en la tranquilidad”.

La decoración de la habitación se hizo entre 1526 y 1528; Los orígenes de registros con la intervención directa de Giulio Romano, asistido por los pintores Gianfrancesco Penni, Girolamo de Treviso, Rinaldo Mantovano, Benedetto Pagni, Fermo Ghisoni.

La siguiente estancia del palacio es La Sala del Viento lleva el nombre del estuco presente en la bóveda, esta decorada con grutescos sobre un fondo de color rojo oscuro y un redondel en el centro, lo que representa la personificación de un viento que sopla. Cada apartado tiene una caracterización particular y el conjunto se configura como una especie de antología de caricaturas. El papel de los vientos es separar el cielo, con los dioses y los signos del zodiaco, del mundo terrenal, donde, está influenciado por las estrellas.

El motivo de la decoración central de la habitación es la astrológica, o la influencia que las estrellas ejercen sobre el hombre, explica la inscripción sobre la puerta sur "DISTAT ENIM QVAE SYDERA TE EXCIPIANT" (Juvenal), lo que se traduce: “depende por tales estrellas le llevará en (al nacer)”.

La articulación de la bóveda de los paneles tiene en cuenta el tema: el patrón geométrico que lleva la representación en el centro, la influencia del monte Olimpo, en torno al cual se disponen los doce dioses olímpicos (pintado o moldeado en estuco) responsable de la protección de los signos del zodiaco. Estas últimas se presentan en el perímetro para terminar como bajorrelieves y pinturas alternando con las personificaciones de los meses.

La influencia de las diferentes constelaciones asociado con los signos del zodiaco, en su lugar se representa en la gama alta de las paredes. Las historias están encerradas en una imitación de un marco de mármol circular, pintado en perspectiva.

Giulio Romano ilustra las actitudes y actividades inducidas en los hombres, no tanto por el signo zodiacal, como las constelaciones presentes en el nacimiento. El ciclo completo se inspira en las teorías astrológicas presentes en los antiguos textos de Firmicus Materno Manilio.

También es interesante el tema decorativo de las ménsulas de la bóveda, apoyados por sátiros con los brazos levantados que realizan la tarea de telamones.

La habitación califica como un entorno confidencial; aquí le llevaron al emperador Carlos V durante su visita en 1530, después del almuerzo en la habitación de Cupido y Psique.

La decoración se realiza entre 1527 y 1528. Participa el escultor Nicolás de Milán (en la figura estuco y guirnaldas), el estuco Andrea Pezi (hojas de acanto sobre ménsulas de estampado de encuadre) y los pintores Anselmo Guazzi, da Agostino Mozzanica, Benedetto Pagni y Girolamo de Treviso.

La siguiente estancia es la Sala de las Águilas, su nombre viene dado por las cuatro grandes águilas con las alas desplegadas que ocupan las esquinas de la bóveda. También se llama Cámara de Faetón, el tema central del fresco en el octágono, era la habitación privada de Federico Gonzaga.

Lo que caracteriza a este entorno es la riqueza de la decoración en un espacio mucho más limitado, así como la variedad de los materiales de la decoración: frescos, estucos (muchos de las cuales, son finalmente cubiertos con pan de oro) y mármoles.

El esquema de la bóveda es complejo, el octógono central donde se representa la caída de Faetón, hijo de Apolo, que lleva el carro del sol sin poder causar graves daños a la tierra, de modo que Júpiter tenía que caer con un rayo. Giulio Romano propone la escena de la aparición de Júpiter y la caída de Faetón en un escorzo desde abajo, con una fuerte luz de fondo.

Alrededor del octógono central se divide en ocho lunetos estucados y habitados por amorcillos juguetones, ejecutado por Primaticcio. Las cuatro esquinas son conchas de oro que sirven como fondo de águilas heráldicas negras, hechos con rasgos naturales derivados de los modelos antiguos; los cuatro que corresponde al centro de las paredes son relieves de estuco en seis paneles pintados con escenas mitológicas, de acuerdo a un esquema ya existente en el Senado. Las lunetas se establecen ménsulas de oro que soportan arpías.

Las lunetas y el octágono que se colocan en cajas con cuatro bajorrelieves en estuco, atribuibles a Primaticcio, que representa: Neptuno y Anfitrite, secuestra a Europa, luna de Júpiter, Mercurio delante de Júpiter, Juno y Neptuno, Plutón y Proserpina.

De notable calidad incluso cuatro bandas pintadas en la base de las lunetas con grandes batallas mitológicas.

Por debajo de este hay una rica decoración con un friso alterno de trofeos de estuco con un amplio repertorio de armas, armaduras, escudos, cascos, tornillos e instrumentos musicales, camafeos (sentados en las esquinas bajo las grandes águilas) y marmoles femeninos con bustos dentro de medallones.

Incluso los elementos arquitectónicos destacan por la calidad de los materiales utilizados. La chimenea es una buena variedad de Lumachella de mármol de los Alpes de Trentino, mientras que las puertas de los objetos expuestos son de mármol griego llamado “portasanta” porque se utilizaron para tallar, en el año jubilar de 1525, la Puerta Santa de la Basílica de San Pedro en Roma. Los documentos muestran que los portales de Palazzo Te fueron hechas en el mismo año y por el mismo maestro que hizo la de San Pedro.

La siguiente estancia es la logia de David es uno de los pasajes desde los apartamentos de lujo hacia patio y jardín. Es una de las habitaciones más grandes de todo el edificio, donde se podía quedarse y contemplar el jardín, este está lleno de flores y plantas, y estanques de peces, por lo que así representa la idea del renacimiento de la vida en la villa, hecha de ocio y descanso para ejercer la responsabilidad del gobierno.

La arquitectura llama la atención por la ligereza del espacio, que se abre hacia el jardín con tres grandes arcos que se apoyan en grupos de cuatro columnas, y con una bóveda de cañón de pilares cuadrados, flanqueado por dos arcos ciegos que dan al patio.

La decoración de la casa de campo es muy rica, pese a los acontecimientos complejos que tienen lugar hasta el siglo XIX. La rica documentación sobre ello le permite saber que en un principio era para albergar bustos de los líderes, de manera que se mencionó también como la logia de los Capitanes.

El nombre actual se deriva de la decoración, hecha de estuco y frescos, que tiene lugar en los dos lunetos situados en la cabecera, en las lunetas de la zona oeste y en las arcas de la bóveda de cañón.

La realización de las escenas dedicadas a la historia de David tiene una duración que abarca el periodo entre 1531 y 1534.

El protagonista de este espacio del edificio es, pues, un héroe bíblico ensalzado por sus virtudes de un líder guerrero David y Goliat; donde en las escenas se puede ver a David luchando contra un oso, David luchando contra un león, la coronación de David, sino también por una representación de las actitudes poéticas: David tocando el arpa. Los tres octógonos de la época cuentan la historia de David y Betsabé: el rey Betsabé cae en el amor y no podía soportar compartirlo con su marido, éste la envía a morir en la batalla.

Como ya en la habitación de Eros y Psique, hay fuertes referencias a cada uno de los miembros de la familia Gonzaga. Federico II Gonzaga, de hecho, en el amor con Isabella Boschetti, ya estaba casada, como Betsabé, su marido Francisco de Calvisano era una alto cargo al servicio de Federico. Estos escarceos públicos que conocían toda la corte, termina siendo apuñalado, probablemente en un mandato de Federico.

Todo el ciclo pictórico de este modo se puede interpretar como una especie de legitimidad, ya que el precedente bíblico, el adulterio y el asesinato cometido por el príncipe.

La estancia se quedó mucho tiempo sin terminar, como lo demuestran los diseños con espejos y nichos vacíos, y en muchos siglos posteriores son intervenciones para completarla.

En el siglo XVII se realiza la mayor parte de las estatuas en los nichos de la virtud, entonces el trabajo completado en 1805 con la inserción de cinco estatuas más cuya iconografía es basada en los textos iconografía de Cesare Ripa (Iconologia overo Descrittione dell'Imagini universali) (Roma, 1593), libro de emblemas muy influyente en su tiempo.

En lugar de seguir visitando los apartamentos nosotros cruzamos el jardín para visitar el apartamento Secreto de Jardín, es un complejo íntimo y aislado, diseñado específicamente como un retiro espiritual de Federico II, la estancia seguía el ejemplo del jardín secreto que su madre, Isabella d'Este, habia mandado construir en el Palacio Ducal.

Se accede por un vestíbulo octogonal alargado con bóveda apuntada con frescos, probablemente ejecutado de la mano de Luca Fenza, con grotescos; la decoración esta también el Monte Olimpo. El piso está hecho de piedras de río de varios colores; entre las rejillas de plomo, que servían para ejecutar los juegos de agua y servir de risas cuando llegaban los visitantes.

La puerta opuesta a la entrada conduce a la habitación llamada Regulus. El nombre es tomado de una de las escenas representadas en la bóveda que cuenta con la historia de un comandante romano. El tema general propone un carácter moral, como lo demuestra el octógono central que representa la Alegoría de las virtudes del príncipe.

El área que se encuentra en el pentágono se representa episodios de la historia antigua (el suplicio tormento de Attilio Regolo, el Juicio de Zaleuco, La clemencia de Alessandro, el mito romano de Orazio Coclite), mientras que en los rectángulos aparecen personificaciones alternativas de virtudes relacionadas con episodios narrados.

La siguiente estancia es la Logia del Jardín Secreto ocupa casi en su totalidad de la cabacera del jardín secreto, se abre con tres arcos con un dintel recto por dos columnas de mármol Lumachella.

La decoración que ocupa las paredes y la bóveda de cañón. En la bóveda y lunetas muestra una historia que no esta basada en fuentes de la literatura, sino más bien con eventos relacionados con el curso de la vida humana (desde el nacimiento hasta la muerte). Cada episodio está enmarcado por cuadros de motivos florales, que contiene pequeñas figuras de estuco en formas redondas, cuadradas o de diamante.

La pared sur es la mas larga y tripartita: los compartimentos laterales tiene escenas pintadas con cornisas de estuco (Silenus en el carro, inspirados en un antiguo mármol que se muestra en el Palazzo Ducale, Baco y Ariadna); en la parte central domina una escena grande, muy desgastada, que muestra una procesión de dioses del mar. Por encima y por debajo se muestra el Monte Olimpo y la arboleda.

El pavimento, es similar a la del vestíbulo, es de un mosaico de piedras de río, divididas en compartimentos embellecidos por los emblemas Gonzaga.

Visitamos el Jardín Secreto es un espacio de comunicación entre la Logia y la Gruta. Las paredes que lo rodean con pinturas mal conservadas y estucos,

El friso de las paredes más altas, están enmarcados con nichos, donde los estucos y las decoraciones que están pintadas narran temas tomados de las fábulas de Esopo. Aunque la mayor parte de los frescos estan incompletos. Hay un bajorrelieve con la tumba de un perro pequeño con el pelo largo, en el centro de la pared por encima de la logia, corresponde con el deseo de Federico II de recordar mediante un monumento diseñado por Giulio Romano la memoria de su querido perro, y además así justifica la elección del tema iconográfico dedicado a animales.

En la pared norte y en las esquinas inferiores de los nichos aparecen temas relacionados con la historia de los Gonzaga. La decoración de este jardín fue realizada en 1531, aproximadamente, y corresponde con en estilo del artista Giovanni Battista Mantovano.

Finaliza este apartado lo que se llamo La Gruta del Jardín Secreto. El ambiente fue creado por la voluntad de Vincenzo Gonzaga hacia 1595 y se acabo por terminar con su hijo el duque Fernando entre 1612 y 1626. La creación de una cueva donde el tema a tratar fuese el agua y las fuentes era muy habitual en este tipo de familias nobles, sobre todo era muy popular en los Medici, además se propone una reinterpretación del tema clásico de las ninfas.

La decoración interior es muy variada, tanto en la forma como en los materiales; El tema dominante son las formas rocosas que se combinan con grandes conchas, piedras de colores, estucos y nácar.

El entorno se compone de dos salas: la primera la mayor, tiene un perímetro rectangular con esquinas redondeadas y nichos semicirculares en ls que se habla de la historia de los Gonzaga; los segundos extremos en un ábside de la cuenca y el mármol y nácar presenta tres episodios de la historia de Alcina, tratado en el VI libro de Orlando Furioso de Ludovico Ariosto. Las cavidades subyacentes están pintadas con símbolos de los cuatro elementos (tierra, fuego, aire, agua); la presencia de estas decoraciones y episodios Ariosto aluden al tema de la transformación alquímica de la materia a través de la magia.

Seguimos la visita cruzamos toda la estancia del Jardín Secreto y el Jardín del Palacio para llegar a las estancias nobles, la primera de ellas se llama La Habitación de los Estucos. La sala se llama así porque está decorada en su totalidad de estuco sin pintar; se trata de un refinado y fuerte sabor anticuario. Los relieves en estuco de mármol imitando tanto en la suavidad de plástico moldeado que en el color blanco.

A lo largo de las paredes hay dos frisos superpuestos: la idea es innovadora, pero el desarrollo del motivo decorativo se inspira en columnas en las columnas en espiral de Trajano y Marco Aurelio.

Es un ejército romano en la marcha, recreación abstracta aquí representado y descrito en detalle, libre de referencias específicas, en las que Giulio Romano demuestra el conocimiento arqueológico perfecto de la iconografía militar antigua. Las referencias a la contemporánea se limitan a dos escudos de armas, uno de los Habsburgo y el de Gonzaga. Así, los valores ejemplares del antiguo arte de la guerra se transponen en la tradición militar de los Gonzaga y los ejércitos del Imperio.

Las figuras ocupan casi por completo el friso, a lo largo de más de sesenta metros. Las acciones y las actitudes de los innumerables personajes son tan diferentes como para hacer el desfile multifacético y emocionante; el ajuste en su lugar se reduce a unos pocos elementos arquitectónicos o naturales.

La vieja manera se recoge en una forma original en el artesonado de bóveda de cañón, donde veinticinco plazas están decoradas con bajorrelieves en estuco blanco sobre un fondo negro, como para imitar, en la finura de las figuras, camafeos de piedras preciosas. Los mismos sujetos retratados son tomados de la historia y el mito clásico, con excepción de una escena, sin explicación, del bautismo.

Las lunetas, también decoradas con estuco sirven como telón de fondo falso mármol, reanudan el tema de la guerra del doble friso con Hércules, el héroe guerrero sentado en una piel de león y apoyándose en un club, situado al este, modelado casi en la ronda, en el nicho occidental.

La decoración está hecha por Francesco Primaticcio, en colaboración con Giovan Battista Mantovano, antes de la salida de Primaticccio para el corte de Francia en 1531

La siguiente estancia es la Sala de los Emperadores viene dada por la figura de César como tema de la escena en el centro del techo. La decoración original se concentra en la bóveda y se organiza con un panel en la zona central del piso, dos grandes paneles rectangulares a lo largo de los lados separados por una ronda y un panel rectangular en los lados cortos. Estos están dedicados a escenas figurativas que dan el nombre a la habitación y que representan a través de ejemplos antiguos las virtudes de un príncipe del Renacimiento.

La escena principal se dedica al episodio de César cuando ordena quemar las cartas de Pompeyo, narrado por Plinio como un ejemplo de corrección militar más absoluta.

Los seis paneles rectangulares están totalmente ocupados por las grandes figuras de emperadores y guerreros. Fueron identificados: Alejandro Magno, Julio César, Augusto, Filipo de Macedonia.

Las imágenes representadas en la parta más larga de la bóveda tiene episodios históricos relacionados con la magnanimidad de los antiguos gobernantes: Alejandro Magno pone la Ilíada y la Odisea en un cofre del tesoro de un lado y continencia de Escipión en otra.

Las esquinas del techo están adornadas con octógonos tejidos sobre un fondo azul, bordeado de blanco y con las palmas de oro en el centro, en la parte inferior, medallones ovalados con las empresas de los Gonzaga en la arboleda, la salamandra, el Olimpo y el zodiaco, acompañadas por querubines y victorias aladas.

A continuación, hay un friso pintado con querubines y medallones realizados en 1788-1789 por el pintor académico Felice Campi para sustituir un cambio de imagen adaptada al cambio de siglo y con la intención de restaurar lo que tenía que ser el motivo original del siglo XVI.

La siguiente estancia es la Cámara de los Gigantes es la habitación más famosa e impresionante Palazzo Te. Constituye un ejemplo único en la historia del arte moderno, gracias a la pintura de Giulio Romano ofreciendo una experimentación pictórica original y sin igual desde hace siglos.

El medio ambiente está diseñado como un conjunto espacial continuo, donde la invención pictórica interactúa con la realidad y el espectador se siente catapultado en el mito.

Los límites arquitectónicos están ocultos por la pintura, que se extiende sin solución de continuidad en las paredes, en un principio, también implica al pavimento.

La historia representa la escenificación de la caída de los gigantes, es de las Metamorfosis de Ovidio. Habitantes de la tierra profana y presuntuosa, donde los Gigantes querían ocupar el lugar de los dioses. Para ello trataron de conquistar el Olimpo acercándose entre sí a las montañas Pelion y Ossa, y comenzaron a subir ellos. Giulio Romano fija la historia con emoción el tiempo después de la reacción de Júpiter, que castiga a los Gigantes lanzó contra ellos la furia de los elementos y golpeándolos con un rayo infalible, ayudado por Juno. El espectador es transportado en medio de esta escena, por medio de los dioses olímpicos, la cabeza de Zeus, un aumento en el cielo y la caída desastrosa y violenta de los Gigantes en la tierra. El cielo se presenta con una magnífica prospectiva rompiendo por el centro de la cual aparece un templo circular visto en el trono de Júpiter y presidido por el águila. Para dividir el cielo de la tierra están los cuatro rincones del mundo, o más bien de la habitación, los vientos que soplan a través de las nubes. Bajan hasta el colapso de las montañas, los palacios y templos bajo las ruinas de las cuales se encuentran en poses diferentes los Gigantes. Como se ha mencionado, la decoración se lleva a cabo de una manera continua y uniforme, pero cada pared tiene su propia definición . En el lado oriental del espacio había una chimenea, ahora quitada. La invención que hizo Giulio Romano era meterla dentro de la historia como un elemento arquitectónico, ya que el fuego que desprende es continuó, en la ficción pictórica, y las llamas que salen de la boca del gigante Tifón, pintando aquí están enterrado bajo las rocas de Sicilia: él es la causa de las erupciones de volcán Etna. La pared, oeste, norte-sur tiene la presencia en el primer plano de las figuras colosales de gigantes, rocas y edificios que arruinan el suelo, pero abierta al paisaje lejano, espacios abiertos donde se puede comprobar el horror que causaron los desastres por la reacción de los dioses frente a la presunción de los Gigantes.

La representación debe ser interpretado en términos políticos, como un alto tributo al poder del emperador Carlos V, y a la ética, como un ejemplo de orgullo castigado y un recordatorio para el mismo soberano. Los documentos muestran que la mayoría de las figuras está hechas, entre 1532 y 1534 por Rinaldo Mantovano, ayudado en los paisajes y otros los elementos arquitectónicos por Luca da Faenza y Fermo Ghisoni.

La siguiente estancia El Camerino del Crucero Este pequeño entorno separa el ala monumental del palacio de las otras habitaciones privadas, no está ricamente decorada. Fue pintada entre 1533 y 1534.

Los estucos modelados fueron realizados por Biagio de Conti y Benedict Bertoldo, mientras que el acabado a mano en las hojas de acanto de las ménsulas fueron ejecutadas por Andrea de Conti. El techo está pintado con grutescos por Gerolamo desde Pontremoli, en colores brillantes donde aparece el verde, amarillo, rosa plata, rojo, oro; la composición propone la figura de Diana de Éfeso con esfinges en dos velas opuestas , y por el otro por parejas de amorcillos que sostienen un medallón.

La parte inferior de la habitación está decorada en 1813, con mármol y estuco con una imitación de relieves de imitación, obra Ticino Jerome Staffieri.

La siguiente estancia del palacio El Camerino Grotesco es una pequeña habitación frente al vestidor al sur, cubierto por un pabellón octogonal, decorado en 1533.

El estuco de las paredes son obra de Andrea Conti, mientras que Luca da Faenza se ocupa de la decoración grotesca que se desarrolla en la bóveda y de la que la habitación recibe el nombre.

La siguiente estancia El Vestidor de Venus es una habitación muy pequeña que conducía a través de una escalera al calentador, baño privado de Federico II, en el entresuelo.

El nombre proviene de la ronda pintada en el centro del techo, que representa el aseo de Venus. La diosa, tiene un espejo y está en compañía de Amor.

Las siguientes pequeñas estancias sirven como lugar para presentar en las paredes una pequeña exposición de pintura dedicada a los expresionistas italianos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX.

Entre los mejores cuadros que podemos ver “El Despertar”, obra del pintor Federico Zandomeneghi, esta realizado en pastel, datado en 1895; tiene unas medidas de 60 x 72 cm.

En este pastel la escena se compone en una casa burguesa y en el elegante interior de un tocador, donde la protagonista esta sentada en la silla y da la espalda al espectador. En este caso el pintor aplica unos colores pastel, donde la presencia de la dama se mueve en un énfasis dentro del microcosmos social de la escena, como si fuese un estudio previo y un análisis de las posiciones de un siguiente cuadro donde se analizase el cuerpo femenino desnudo.

El siguiente de los cuadros que podemos ver “Desnuda acostada”, obra del pintor Federico Zandomeneghi, esta realizado en pastel, datado a principios del siglo XX.

Federico Zandomeneghi en 1862 se instaló en Florencia, donde formó parte del grupo de los Macchiaioli. A partir de 1866 reside principalmente en Venecia, con estancias frecuentes en Roma y Florencia.

En 1874 se traslada a París, donde entra en contacto con los pintores impresionistas. Sus temas estuvieron en la línea de los trabajados por Edgar Degas: cafés, vida nocturna, retratos, desnudos.

El siguiente de los cuadros que podemos ver “Maternidad”, obra del pintor Arnando Spadini, esta realizado en óleo sobre lienzo, datado en 1910; tiene unas medidas de 72 x 98 cm.

El cuadro se puede ver a una mujer joven y sonriente (Pasqualina, la esposa del artista), con el pecho desnudo, envuelto en una gran bata de rayas, sostiene en brazos a un niño durmiendo. La obra se caracteriza por la amplia pincelada.

El siguiente de los cuadros que podemos ver “Grupo de familia”, obra del pintor Arnando Spadini, esta realizado en óleo sobre lienzo, datado en 1913; tiene unas medidas de 115 x 147 cm.

El cuadro muestra a la esposa del artista sentada en una silla sosteniendo en sus brazos a su hija Andrea, a su lado está la hija y la niñera Anna Maria, están de rodillas en el suelo a la derecha de la pintura. La esposa y los más jóvenes están ligeramente desplazados desde el centro de la tela, truco con el que Spadini elimina la rigidez y solemnidad burguesa del grupo posando sin llegar a la inmediatez de otras escenas familiares.

El siguiente de los cuadros que podemos ver “Desnudo”, obra del pintor Arnando Spadini, esta realizado en óleo sobre lienzo, datado en 1913; tiene unas medidas de 50 x 40 cm.

Una mujer joven se encuentra tendida, desnuda, en una cama blanca y suave; el brazo derecho se curva detrás de la cabeza, donde se perciben unos cojines que la permiten un soporte para la cabeza ligeramente levantada y doblada. Al lado de la cama, en la esquina derecha se coloca una bandeja con diferentes frutas; la parte inferior se puede ver toallas drapeadas.

El siguiente de los cuadros que podemos ver “La mañana”, obra del pintor Arnando Spadini, esta realizado en óleo sobre cartón, datado en 1918; tiene unas medidas de 40 x 60 cm.

En él se puede ver a una mujer sentada al borde de una cama colocada en diagonal, la joven está desnuda, tiene el pelo oscuro y se vuelve hacia su izquierda para acariciar el cabello de un niño, parece como si quisiera mirar al espectador detrás de él.

El siguiente de los cuadros que podemos ver “La mañana”, obra del pintor Arnando Spadini, esta realizado en óleo sobre tela, datado en 1918; tiene unas medidas de 107 x 152 cm.

El pintor hace varios cuadros sobre el mismo tema. En ambos cuadros las personas representadas son la esposa y su hija María de cuatro años. La escena tiene un tono familiar y espontáneo donde se manifiesta el cariño de la madre que acaricia a su hija o la expresión de la sorpresa en el rostro de la chica. La gama de colores que caracteriza a la tela es color de rosa, de un día de verano, donde el sol de la mañana de sol resalta la sensualidad de la epidermis y de la atmosfera escena.

El siguiente de los cuadros que podemos ver “Agujero negro”, obra del pintor Ugo Sissa, esta realizado en óleo sobre tela, datado en 1973; tiene unas medidas de 70 x 90 cm.

La pintura es una composición de figuras geométricas, especialmente a través de los círculos, rodeados con un contorno negro, sobre un fondo blanco y rojo.

El siguiente de los cuadros que podemos ver “Líneas y círculos”, obra del pintor Ugo Sissa, esta realizado en óleo sobre tela, datado en 1967; tiene unas medidas de 60 x 101 cm.

La composición es unas líneas negras que enmarcan rayas rojas y delimitan la llegada de círculos amarillos que impiden la llegada de una escpecie de ciempiés de color verde.

Aquí damos por terminada la visita a este Palacio, estamos asombrados y salimos con la boca abierta. Nunca habíamos visto nada igual, hemos visto palacios barrocos, palacios rococó, palacios árabes, palacios Ming…pero jamás habíamos visto un palacio renacentista de esta magnitud que nos hace que tardemos en asimilar lo que este Palacio de Té pudo representar en el siglo XVI.

Siempre habíamos leído que la moralidad de nuestros dirigentes a lo largo de la historia era siempre de palacio hacia fuera y nunca de palacio hacia adentro, hemos leído de que era tan normal tener hijos ilegítimos por parte de soberanos, nobles, obispos o papas. Hemos leído como la iglesia perseguía muchos avances científicos, como perseguía ciertos comportamientos a través del Tribunal de la Inquisición que fue creado en Roma en 1540, cinco años después de terminar el Palacio de Te, aunque sus normas y su aplicación en los estados principescos era harina de otro molino.

La primera pregunta histórica que me planteo, qué debió de pensar Carlos V cuando le invitaron a comer en la habitación de los frescos donde las cuatro paredes están pintadas con unos desnudos que hasta ese momento nadie se había atrevido a mostrar en publico y menos con esa profusión de personajes. Imaginar como hizo la digestión Carlos V después de comer en la sala que bien pudiera llamarse la “Capilla Sixtina de arte erótico”, lo que si estamos seguros es que aquello seria bien comentado porque comer dentro de la Fiesta Nupcial de Cupido y Psique que el pintor Giulio Romano había pintado para satisfacer el libido de Federico Gonzaga representando a unos dioses que habían abandonado todo decoro. Dicen las crónicas que el Emperador quedo tan impresionado por la alegre comida que elevo el estatus de Federico Gonzaga, en ese momento tenia el titulo de marques de Mantua pero el emperador lo nombro duque, pero algo más, estoy seguro tuvo que ver y no fue otra cosa que Carlos V le pidió a Federico que se casara con Julia de Aragón, era la infanta del último rey de Nápoles y que el Marques lo aprobó por obediencia al emperador, de esta forma el 15 de abril de 1530 el emperador firmo el decreto nombrandolo Duque, aunque este matrimonio duro poco porque cinco meses después el papa Clemente VII firmaba la anulación matrimonial para que el Duque pudiera casarse con Margartia de Monferrato.

Algo en la historia no cuadra porque Carlos en esos años tiene como misión enfrentarse a la reforma luterana, y combate los principios que la sustentan. Durante su imperio se imprime el primer índice de libros prohibidos. Federico Gonzaga será el capitán general de la Santa Iglesia Romana., mala época para los escarceos amorosos y para señalamientos eróticos.

Dicen que la llegada a Mantua recordó a Carlos V a su Gante, la ciudad de su infancia. El emperador estará contento de volver a este Estado, donde durante unos días puedo cazar, comer y beber en absoluta libertad y tal vez, posiblemente, dedico un tiempo a los placeres de la carne, con excepción de redimirse mediante el arrepentimiento con una peregrinación al santuario de la Madonna delle Grazie.

Dicen que el pintor hizo esa sala como un graffiti sabiendo que su obra seria efímera y se convertiría en una ruina y pronto seria sustituida, pero el pintor lo explico muy bien en la próxima Sala de los Gigantes donde los personajes lazan bloques enormes de piedra aplastan a los gigantes rebeldes.

El Palacio de Te sirvió para que las pinturas de Giulio Romano fueran copiadas para la ilustración del libro I Modi (Las maneras), también conocido como Los dieciséis placeres o bajo el título en latín “De omnibus Veneris Schematibus”, es un famoso libro erótico de la época renacentista italiana que contiene grabados de escenas explícitas de parejas en posiciones sexuales. La edición original fue creada por el grabador Marcantonio Raimondi, fue publicada en 1524, en este caso, fue completamente destruida por la Iglesia católica, aunque han sobrevivido fragmentos de una edición posterior. La segunda edición, publicada en 1527, estaba acompañada de sonetos escritos por Pietro Aretino que describían los actos sexuales mostrados. Las ilustraciones originales fueron copiadas probablemente por Agostino Carracci, que es la versión que ha llegado a nuestros días.

Cuando salimos del Palacio de Te ya es casi de noche, tampoco es posible seguir visitando ningún otro museo porque en Italia a las 18,00 horas los sitios oficiales ya están cerrados, solamente nos queda visitar alguna iglesia y la catedral.

Desde lo que en su día suponía vivir a las afueras de la ciudad caminamos por todo el centro medieval para descubrir la iglesia de San Andrés que se encuentra situada en la Piazza de Andrea Mantegna.

La Basílica de San Andrés ahora considerada Concatedral de Mantua es una de las mayores iglesias renacentista de toda Italia.

Encargada por Luis III Gonzaga, la iglesia comenzó a construirse en 1462 siguiendo los diseños del maestro de obras León Battista Alberti era un lugar ocupado por un monasterio benedictino, del que sólo queda el campanario (1414). El edificio, sin embargo, tuvo que esperar 328 años hasta que se pusiera la última piedra. Durante tantos años trabajando en la iglesia se alteraron el diseño original de Alberti, aunque la iglesia aún se considera una de las obras más completas de Alberti.

El propósito del nuevo edificio era dar cabida a los peregrinos que vinieron durante la fiesta de la ascensión, durante el cual se adoraba los vasos que contienen lo que se cree que era sangre de Cristo, llevado a Mantua, según la tradición, se encuentra ahora en sus propios Vasos Sagrados en el interior del altar situado en la cripta de la basílica.

La fachada, fue construida colindando con un campanario preexistente (1414), está inspirada en un arco de triunfo romano en concreto en el antiguo Arco de Tito. Es en gran medida una estructura de ladrillo revestido con estuco endurecido. Se define por un gran arco central, cubierto por una bóveda de cañón con casetones, está flanqueado por pilastras corintias. Hay aberturas menores a la derecha y la izquierda del arco. Un aspecto novedoso del diseño era la integración de un orden inferior, comprendiendo las aflautadas columnas corintias, con un orden colosal, comprendiendo a las pilastras más altas, no aflautadas. Todo el conjunto estaba coronado por un frontón y por encima una estructura abovedada, cuyo propósito no se conoce exactamente, sino presumiblemente para ensombrecer la ventana abierta en la iglesia detrás de ella.

El interior describe una cruz latina, la planta es de una sola nave con capillas laterales con una base rectangular, en las entradas enmarcadas por un arco de medio punto, que incorpora la de la fachada. Tres pequeñas capillas, formadas en la pared septal de los pilares, se alternan con otras y su alternancia fue definida por Alberti como un tipo de “pilar de la iglesia”.

El crucero entre la nave y el crucero se cubre con una cúpula, sostenida por pilares conectados con cuatro plumas. Se duda era parte del proyecto de Alberti, sin embargo, los cruceros se erigen en la primera fase de construcción XV.

Las decoraciones de la nave fueron ejecutadas primero por los discípulos de Mantegna, luego en el siglo XVI por los de Julio Romano y en la época neoclásica por Giorgio Ansemi y varios artistas de la Academia de Bellas Artes de Mantua, dirigidos por Felice Campi.

La primera capilla de la epístola se utiliza actualmente como baptisterio, es muy sobria por su ausencia de decoraciones, muestra en las paredes tres medallones despegados del atrio de la Basílica : una Sagrada familia y un Descendimiento de Antonio Allegri conocido como el Correggio (1489-1954) y una Ascensión, realizada por los ayudantes de Mantegna.

En las paredes de la segunda capilla hay una serie de frescos pintados por Benedetto Pagni (1525+1570), era el ayudante de Julio Romano, que representan el Paraíso, El purgatorio y el Infierno.

Más adelante en la tercera capilla hay un retablo de la escuela Lombarda, fue pintado a finales del siglo XV y se titulo como “ la Virgen con Santo”.

En la cuarta capilla está decorada con frescos de Andreasino y el altar comprende una serie de ornatos del siglo XV con representaciones sagradas ligadas a la vida de la Virgen.

Seguimos por la nave de la épistola y en la sexta capilla está dedicada a San Longino. A la derecha, en la pared, se encuentra el fresco Crucifixión de Rinaldo Mantovano, con San Longino, al pie de la Cruz. Frente a la moderación de la Sangre de Cristo, con San Andrés en las nubes que llevan a cabo la Cruz. En el centro de la capilla, en el altar, un retablo por Giulio Romano que representa a la Virgen , San José, San Juan y San Longino. En la capilla de los sarcófagos se colocan que contiene los restos de San Longino y Adalberto Beato (1059).

Al final del siglo XVI una cripta fue construida con unas columnas octogonales, destinada a albergar las reliquias de la “Preciosa Sangre”, colocada en un altar en el centro, y las tumbas de Gonzaga, que no se realizaron.

En el crucero se eleva la gran cúpula proyectada por Juvarra, está apoyada sobre un gran tambor, en el que se abren doce ventanas enmarcadas por pilastras corintias y alcanza una altura de ochenta metros. La decoración de la bóveda representa la Gloria del Paraíso, fue pintada por Anselmi entre 1777 y 1782, siguiendo el gusto de la época barroca.

Como ya hemos comentado en interior de la catedral tenemos la oportunidad de ver la reliquia de la Sangre de Cristo fue traída a Mantua por Longino, el soldado que atravesó con una lanza el costado de Jesucristo. De la herida salió sangre y agua que mancho su rostro, a él le hizo a sanar los ojos enfermos y le hizo convertirse a la fe cristiana.

Longino, recogió la sangre que había empapado la tierra a los pies de la cruz, lo guardó junto con la esponja que sirvió para dar de beber a Cristo en el Gólgota, y con ellos llegó a Mantua, donde se escondieron las reliquias preciosas en la posada para los peregrinos donde se había encontrado una habitación.

El día 2 de diciembre del año 37 Longino fue martirizado, pero antes oculto la reliquia en el templo romano de Diana, luego fue decapitado en el lugar donde ahora se levanta la iglesia de Gradaro. La caja que contenía las reliquias no se encontraron hasta el año 804. No es hasta que Carlomagno se entera de la leyenda de Longino y llama al papa León III para que autentifique el ataúd de plomo enterrado por Longino. El lugar del descubrimiento fue el jardín del Hospital de Santa Magdalena (en el que se levanto el oratorio de San Andrés para conmemorar el evento). La reliquia es desenterrada junto con algunos huesos, que se encontraron cerca, inmediatamente se atribuyen al centurión Longino, aún se conserva en un sarcófago dentro de la capilla del mismo nombre.

La reliquia fue escondida, por temor a su profanación por los húngaros que amenazaban con invadir Mantua en 923, se dividió en dos contenedores que fueron nuevamente enterrados: uno en el mismo lugar del descubrimiento original y el otro lado en la puerta de la ciudad vieja. Había un misterio para ver por qué la memoria del evento se perdido duarente más de 100 años y no se sabe dónde estaban, hasta que fueron sido desenterrados por un mendigo ciego que recibe una revelación en un sueño del apostol San Andrés Apóstol que le indica el lugar exacto donde excavar para desenterrar la sangre de Cristo.

En el año 1048 se redescubrieron las reliquias, y fue el momento en que Beatriz y Bonifacio Canossa construyeron un monasterio benedictino y una iglesia, entonces destruida para dar paso alli a la basílica de San Andrea, por encargo de Ludovico II Gonzaga.

Durante los siguientes siglos la exposición de la reliquia se llevó a cabo en la fiesta que se llamo Burchielli Sensa (el barco de la Ascensión) organizada por la cofradía de pescadores. Era una especie de espectáculo alegórico durante el cual algunos pescadores interpretan a los apóstoles Pedro, Juan y Andrés arrojaban peces y anguilas a la multitud, llevándolos desde una embarcación hasta la catedral en San Andrea.

Tradicionalmente, todos los años en la tarde del Viernes Santo tiene lugar el acto de entrega de los cofres de apertura que sujetan los dos preciosos relicarios, y que se coloca a los pies de Cristo crucificado en el ábside de la catedral.

Los vasos auténticos se encuentran en el arca de oro custodiada por estatuas alegóricas y se extraer de ellos por un sistema completamente único, el Viernes Santo de cada año, se deberá abrir el relicario, moviendo el panel de metal y sacando un mecanismo que implica el uso de 12 llaves al mismo tiempo (en manos de doce personas diferentes, pertenecientes a los miembros de la sociedad civil y religiosa).

Los dos Vasos Sagrados se sacan de sus relicarios y son expuestos a la veneración pública, llevados en procesión por las calles de la ciudad, como un signo del sacrificio redentor de Jesús y después se llama a misa, en la que su sacrificio renueva perennemente, luego durante toda la tarde y toda la noche la catedral se convierte en un destino donde los cristianos harán el homenaje a la reliquia, que, después de una breve procesión por la ciudad, se ponen de nuevo en las arcas de la cripta subterránea.

Una de las capillas más importantes de la catedral está situada en la nave del evangelio es la que contiene el cuerpo del pintor Andrea Mantegna tiene una forma cuadrada, con una cúpula que descansa sobre tres lunetas entre las enjutas triangulares. En el centro está el escudo de armas otorgado a Mantegna en una ronda de una pérgola simulada: un tributo obvio para los juegos de ilusionistas que se realizaban en esa época en la Cámara Nupcial. En la base de la cúpula corre un friso con antigüedades y flores y una especie de escudo griego.

En las enjutas están los cuatro evangelistas con vistas sobre balcones ilusionistas proyectados hacia el espectador, cada uno con su símbolo totémico de tetramorfo. En las esquinas son falsos bajorrelieves con inspiración vegetal, recordando la antigua pasión de Mantegna, unidas por una decoración de mármol falso que simula el grosor del marco de la cúpula. En todas partes, tanto en la cúpula como en las enjutas, utiliza el tema de los cítricos. En la capilla se recuerda a la Sagrada Familia y la familia de Bautista y el bautismo, y que a menudo se utilizó por Mantegna en su obra tardía. Si el domo se atribuye a veces a los hijos de Mantegna, los evangelistas deben ser la mano de Correggio.

La capilla era exclusivamente de la familia de Mantegna y tenia el ofrecimiento que nadie ajeno a su familia podia ser enterrado. La placa que ahora podemos observar en el suelo dice: “Los huesos de Andrea Mantegna, pintor, junto con sus dos hijos, se colocaron en la tumba construida por Andrea Mantegna [ su ] sobrino del hijo. 1560”.

Seguimos rápidamente nuestra visita a la ciudad camino de la piazza de Sordello donde nos faltaba conocer el interior de la Catedral, cuando llegamos apenas tenemos 10 minutos para ver su interior porque enseguida nos persiguen por todas la capillas para que abandonemos el recinto.

La catedral de Mantua fue construida para la veneración de San Pedro, la construcción fue iniciada en 1549 de la mano de Giovan Battista Bertani que había sido nombrado comisionista para la reconstrucción de la catedral de Mantua, cuyas obras habían sido proyectadas e iniciadas por Julio Romano, ayudado por el maestro albañil Battista Covo.

La fachada actual, levantada en mármol de Carrara, fue construida entre 1756 y 1761 por el arquitecto romano Nicoló Baschiera, siguiendo el gusto que predominante en la época que combina el purismo neoclásico naciente por los modelos manieristas de la segunda mitad del siglo XVI con el barroco. En la parte central hay tres portales, marcados por cuatro pilastras de Corinto y rematados por un frontón triangular. A lo largo del lado derecho, todavía se pueden ver las torres y pináculos que la coronan del siglo XV.

El interior de la catedral la planta describe una cruz latina, está dividida en cinco naves por cuatro series de columnas de Corinto estriadas; mientras que los dos pasillos exteriores y la nave están cubiertas de techo plano, los dos pasillos interiores están cubiertas con una bóveda de cañón. A lo largo de cada uno de los dos pasillos exteriores se abre una fila de capillas laterales, cuyos altares se adornan con palas de los artistas más importantes del manierismo de Mantua (las pinturas de Paolo Veronese y Giulio Campi). En el crucero, se levanta la cúpula con tambor octogonal exento de linterna, internamente pintado con el paraíso. Entre las obras de arte se reportan un sarcófago de los primeros cristianos, los frescos del baptisterio fueron realizados a principios del siglo XIV; la capilla más importante es la Coronación, todavía conserva una arquitectura similar a la proyectada por León Battista Alberti, y la sacristía (antes de la capilla de los Votos) con su bóveda pintada al fresco por un seguidor de Andrea Mantegna. El altar principal se encuentra en mármol policromo y coronado por un crucifijo de madera tallada.

Aquí damos por terminada la visita a la ciudad de Mantua, estamos extasiados y verdaderamente seria necesario disponer de un día más para poder ver todo un poco más tranquilo y disfrutar del arte que esta ciudad ha logrado atesorar durante siglos. Solamente no queda esperar a la navette que nos devuelva gratis al aparcamiento donde tenemos nuestra autocaravana.

Son las nueve de la noche pero aún nos queda un esfuerzo más para trasladarnos hasta la vecina ciudad de Verona, nos separan 45 Km. y en menos de una hora estamos en el parking.

El parking de autocaravanas en Verona (Italia) se encuentra situado a las afueras dentro del Viales Colonneleo Galliano y a espaldas de la antigua muralla. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 45.43660//E 10.97846 .

El aparcamiento es grande, hay que andar diez minutos hasta la estación de tren para coger el autobús que te lleva la centro de Verona. El parking es gratuito, no tiene ningún servicio y no esta vigilado pero en el momento de la visita somos más de 40 autocaravanas.

Día 26 de marzo (sábado)

Ruta: Verona

Por la mañana temprano salimos hacia la Estación de tren de Porta Nova donde se encuentra el intercambiador de autobuses que te lleva al mismo centro de la ciudad, una vez allí hay varias líneas de bus que te dejan en la parte de la ciudad que necesites.

Cogemos uno de las líneas que te llevan al centro cogemos, el autobús es uno que hace el trayecto hasta la estación de Arena. El bus nos deja en la puerta del palacio de la Gran Guardia desde allí pasamos por un arco doble que constituye el Portal de la Puerta Nueva que se adentra en la Plaza de Bra.

Llegamos al al antiteatro romano Arena y hay una enorme cola para sacar la entrada y visitas el Anfiteatro romano; los horarios de 8.30 a 19.30 horas, aunque los días de opera tienen un horario más ajustado, sacamos un ticket conjunto entrada combinada: Arena y lapidario Maffeiano y nos cuesta 11 euros y 8 euros los menores.

La visita a la ciudad la hemos empezado sin mucha información pero es importante conocer que hay una tarjeta que se denomina “Verona Card”, es un billete único que permite entrar en todos los museos de la ciudad por 18 euros durante 24 horas, incluye incluso los transportes públicos, los niños en algunos casos no pagan y en otros hay que sacar un ticket especial de 1 euro. También hay otra tarjeta que dura 48 horas y tiene un precio de 22 euros. Nosotros como ya hemos pagado este primer monumento dejamos la compra para el próximo para hacerlo en el siguiente museo. Tiene la facilidad que se puede comprar online.

Cuando entramos en el anfiteatro están montando el escenario para la temporada de la Opera , debe de ser un acontecimiento ver una opera en ese escenario histórico, este año la temporada abarca desde el 24 de junio hasta el 28 de agosto, entre la programación están las operas líricas míticas: Traviata, Aída, Carmen, Turandont, Il Trovatore. Es una pena no poder estar pero estoy seguro que en un momento de nuestra vida tendremos la oportunidad de venir.

La historia de Anfiteatro no esta muy clara la fecha de construcción, aunque por la falta de fuentes escritas sobre la inauguración del anfiteatro hace que sea muy difícil proporcionar un historial con una total seguridad, tanto es así que en el pasado, varios estudios, han surgido muy diferentes fechas, un período de tiempo que va del siglo I al III, aunque ahora se ha demostrado que no se pudó construir después del primer siglo, y fue construida entre el emperador Augusto y el emperador Claudio. El historiador Pirro Marconi inclinado, en particular para la construcción de la segunda y tercera décadas del siglo I, es decir, entre el final de la época de Augusto y el comienzo de la Tiberian.

Hasta la fecha, el Arena se puede comparar con el “anfiteatro de Pula” en Croacia, que es el más parecido a la de Verona, tanto en el aspecto estilístico que para el personal técnico, y también pertenece a la misma zona geográfica y cultural: las similitudes son tales como para sugerir que los dos son del mismo arquitecto y participaron los mismos trabajadores. La fecha de construcción del anfiteatro en Pula se ha datado en la época de Augusto, por lo que es probable que la arena se construyó más o menos los mismos años.

Es posible, aunque no hay evidencia de que el anfiteatro también fue utilizado para el martirio de los cristianos, aunque es posible aquí fueron martirizados Fermo y Rustico en el año 304 en la misma ocasión en la que los obispo Procolo pudo ser martirizado, pero se rieron y declaró la edad.

Con la llegada del cristianismo se abandonaron los juegos de lucha, y la ineficacia de los organismos públicos en la conservación del monumento fue un nuevo impulso a su abandono. Lo más probable es el colapso de la fachada o el anillo exterior se debe una serie de eventos sísmicos ocurridos en el norte de Italia desde la Edad Media hasta el terremoto más desastroso ocurrido en el año 1117. Siguiendo los diversos terremotos colapsaron los arcos exteriores, de las cuales permanecen intactos hasta hoy sólo 4 arcos de la misma ala.

Los documentos que hablan de los espectáculos en el anfiteatro de Verona son pocos, sobre todo el único documento literario llegado hasta nosotros es una carta de Plinio el Joven: La carta se puede extraer que el amigo de Plinio ha dado a la comunidad de Verona un programa de caza, venatio, como un funeral en honor a su esposa. Según Plinio, esta elección es particularmente adecuada para la ocasión, esto se debe a que originalmente este tipo de espectáculos no eran otros que los juegos fúnebres de origen etrusco o campana.

En Verona también se han encontrado algunas inscripciones funerarias de gladiadores muertos en la lucha. La que nos da algunas información es una lápida mutilada que dice [famil] ia gladiador. Una segunda inscripción menciona el secutor Aedonius que había luchado en Verona ocho veces antes de ser derrotado, y luego murió a la temprana edad de veintiséis años.

En una casa de Verona, a las afueras de las antiguas murallas romanas, se descubrió un mosaico que tiene como tema los juegos de gladiadores, que data entre la época de Flavio y el comienzo del siglo II. El mosaico incluye un panel central: aquí, dentro de los círculos, hay elementos geométricos, y uno de estos con delfines y elementos vegetales. Junto a estos están los paneles con representaciones de gladiadores, en particular, las tres plantas. La función de este mosaico es solamente decorativa, es bastante improbable donde se representan los juegos de gladiadores, celebrada en el anfiteatro de Verona, aunque hay inscripciones con los nombres de los gladiadores, probablemente gladiadores locales famosos.

Durante estos dos mil años el anfiteatro he sufrido muchas agresiones pero gracias al decreto de 1450 del Gobierno veneciano se establece la protección y se ponen fuertes multas por llevarse una sola piedra y se obliga a los responsables de la ciudad para que por la noche quede cerrado. En este mismo decreto establece que las prostitutas de Verona establezcan su residencia oficial en la Arena , durante muchos años los arcos del estadio se convierten en el prostíbulos de la ciudad, hasta que los artesanos y comerciantes las obligan a marcharse para que el estadio se convierta en un gran centro comercial.

Durante los siguientes siglos el anfiteatro romano se dedico a un espectáculo que se llamaba Caza de Toros, esta documentado que Napoleón cuando llegó a Verona presencio uno de estos espectáculos. No se conoce con exactitud si este tipo de fiestas tenia alguna ascendencia española o tiene un origen mitológico, aunque es fácil el contagio porque Sicilia y Nápoles pertenecían a la corona de Aragón fue el punto donde comenzase esta tradición de origen español.

Los juegos con toros italianos, a diferencia de las corridas de toros españoles no eran del todo similares. Los italianos eran mucho más cruentos. El más conocido de ellos se celebraba en el monte Testaccio. Esta colina, ubicada en la ciudad de Roma, tiene también una historia curiosa, relacionada con España. Se formó de manera artificial con unos 26 millones de ánforas de aceite de oliva rotas. La mayoría de ellas provenían de la Bética (provincia romana también conocida como Hispania y ubicada en el sur de la península ibérica).

Desde ahí, desde esos 40 metros, ya en el siglo XIII, los italianos celebraban el despeño. Un espectáculo que consistía básicamente en subir hasta la cima un carro con toros y otros animales y arrojarlos desde ahí. Abajo, a lomos de un equino, les esperaban los caballeros, quienes les cortaban las cabezas o los mataban con espadas. En otras ocasiones eran personas desprovistas de escudos o armas quienes aguardaban su llegada en la ladera. Una lucha que habitualmente se cobraba sus vidas.

El elemento de base del anfiteatro se hace por la forma de la planta que describe una elipse (el espacio central donde se llevaron a cabo los espectáculos), que fue casi con toda seguridad dibujado en el suelo al inicio de la obra: se obtuvo el perímetro exterior del anfiteatro a continuación, se traza una línea concéntrica. Esta elipse se obtuvo con cuatro ruedas, de las cuales las dos más pequeñas (lugares a lo largo del eje mayor) se obtiene dividiendo el semieje mayor en cinco partes de 25 pies cada uno, dos de los cuales no son más que el radio que se toma al final del mismo eje.

El aspecto del edificio es ahora muy diferente al de origen, en particular, debido a la falta del anillo exterior, lo que sería la verdadera monumental fachada ahora perdida. La única sección de la pared exterior sigue en pie es la denominada ala, que consta de cuatro arcos. Este anillo tenía una función importante, pero sirve como una obra monumental fachada: sus arcos reflejan exactamente los espacios vacíos debajo del auditorio, mientras que los enormes pilares se suman al último vano con las líneas de fuerza que vienen desde el interior. La superposición de tres filas de arcos hechos explícita la existencia de los dos túneles y el porche superior, mientras que los dinteles encabezó las galerías internas.

La fachada externa y las columnas estaban hechas de piedra tallada, en particular, de amonita roja, una piedra caliza muy utilizada en Verona. Las paredes interiores se hicieron con una fila mixta de ladrillos y piedras en la práctica consistía en la mezcla de grandes guijarros y pedernales, tres filas de ladrillos hasta alcanzar un pie y medio.

La técnica utilizada en la construcción es la estándar, que se repite en todo el edificio, y los materiales utilizados son suficientes y con pobres decoraciones, aunque ciertamente hubo estatuas, algunas de las cuales se encontraron durante las excavaciones y se conservan en el museo arqueológico de teatro romano.

En el momento de la construcción del anfiteatro se tuvo en cuenta la población de Verona, además de todo el entorno de influencia de personas en el campo, sino también en los pueblos vecinos, ya que los espectáculos a menudo reclutaron a mucha gente. Sin duda, también se tuvo en cuenta el desarrollo demográfico futuro, y esto se debe a que la construcción de dicha obra era muy cara, y había que evitar tener que construir un segundo edificio. Parece que un estudio realista puede indicar que llegó albergar a más de 12.000 asientos.

Salimos a la Piazza Bra, es la plaza más grande e importante de Verona, en el centro hay un jardín con cedros y pinos, que rodean a la fuente de los Alpes y una estatua ecuestre de bronce de Víctor Manuel II. Este monumento al primer rey de Italia fue inaugurado el 9 de enero de 1883, cinco años después de su muerte. Hay muchos edificios de interés en la plaza y sus alrededores, construidos en los numerosos siglos de historia de la ciudad.

En estos momentos es una plaza muy populosa sobretodo está abarrotada de turistas, esta especie que domina la arquitectura actual, atraídos por el edificio más importante el Arena de Verona a lo largo de sus galerías se han extendido numerosas cafeterías y restaurantes, junto con varios edificios de interés.

Nuestro siguiente destino es el Museo Maffeiano se encuentra muy cerca de la Piazza de Bra, caminamos y atravesamos la Porta Nova y en los primeros números de la calle de Corso Porta Nuova está el edificio.

La entrada nos vale la que hemos sacado conjuntamente con el Arena de Verona, en estos momentos no hay nadie, lo que indica que no hay mucho interés por el arte romano, es significativo que ni el 1% de las personas que visiten el Anfiteatro Romano tengan curiosidad por ver el museo que expone todas las obras encontradas durante dos siglos.

El Museo Lapidario de Maffeiano se empezó a reunir muchas de las obras del arte romano que el marques Scipione Maffei (1675-1755) logró reunir durante toda su vida, es uno de los museos públicos más antiguos de Europa.

Durante tres décadas el marqués reunió cientos de inscripciones y para poder exponerlas , para ello contrato los servicios del arquitecto Alessandro Pompei para que construyese un edificio que albergase la exposición y sirviese de aula demostrativa.

El Museo de Verona de Maffei es un lapidario, básicamente fue constituido para albergar un museo exclusivo de lápidas. Durante muchos años recogió testimonios de distintas inscripciones de la antigüedad para exponerlos en lugares abiertos, muchos de ellos obligado por el peso y tamaño de las piezas.

La primera de las obras que presenciamos “Decreto de Sostratos”, Procede de Léucade (Jonia), está datado en el siglo II a. C. Esta losa es uno de los ejemplos de lápida de carácter público y honorario. Su texto es la publicación de un decreto acerca de una oferta de bienes hecha a la ciudad de Léucade (isla griega en el Mar Jónico) por un donador (que estaba expresado en la lápida pero se ha perdido), la oferta estaba sujeta a condiciones precisas que, en el caso de no ser respetadas, habrían causado la transferencia de los bienes a un grupo de particulares citados en piedra. Entre los posibles particulares figura “Sostratos”, hijo de Lamiscos, que además de ser el promotor de la redacción del decreto también fue testigo de la estipulación.

En la primera planta del museo está la Sala Griega que representa la historia helénica que fueron recogidos por el marqués. La mayoría proceden de zonas costeras de Asia Menor, de las Islas Griegas, estos territorios estuvieron durante el siglo XVIII bajo el dominio de la República de Venecia.

La siguiente obra “Lastra con relieve votivo”. Es una lápida donde en el centro se representa a un joven desnudo vestido de espaldas, está acariciando un caballo, a la derecha está el dedicante que saluda al caballero con la mano con un gesto de adoración, pudiera tratarse de una obra del escultor Mirón. Procede de Dall Attica, esta datado en el siglo V a. C.

La siguiente obra “Estela funeraria de una mujer”, procede de Taso (jonia), realizado en la segunda mitad del siglo V a. C. Este relieve es uno de los más importantes del museo, representa una mujer sentada sobre el podio escalonado de su tumba, esta vestida con el chitón (túnica larga) y un himation (capa); la cabeza está descubierta, lleva en la cabeza un casquete de rizos pequeños que caen en el cuello. En el zócalo inferior hay grabadas una inscripción con versos que recuerda dos hermanas fallecidas, una después de otra, sin dejar descendientes, de esta forma se lamenta que se extingue su propia estirpe.

Más adelante podemos ver “Estela funeraria de Krinó”, procede de las Islas Cícladas, esta datado a finales del siglo II a. C. La difunta está sentada y luce vestida un chitón ceñido bajo el busto y una capa que la cubre la cabeza; con la mano derecha extrae un objeto de un cofre que le entrega la doncella. En el fondo hay una repisa sobre la que hay apoyados algunos de sus utensilios familiares: un alabastrón (recipiente para albergar perfumes) y una cítara. La inscripción, grabada en la parte inferior de la estela, recuerda el nombre de la difunta, Krinó, hija del ateniense Artenón y esposa de Leneos.

La siguiente obra es “Lápida funeraria de Loukios Mourdios Heroklos”, procede de Esmirna (Turquia), esta datada en la primera mitad del siglo I a. C. El difunto, Loukios Mourdios Heraklas, fallecido a los veinte años, se representa sobre un caballo, está vestido con un chitón corto y capa, en la inscripción es definido como “héroe”, siguiendo el concepto de los muertos difundido en el mundo griego a partir de la edad helénica. Este relieve ofrece dos esquemas figurativos con el difunto cazando, con perro y sirviente, y el que representa al difunto idealizado que cumple libaciones sobre el altar ante una serpiente, símbolo del mundo subterráneo y funerario.

Más adelante podemos ver “Estela funeraria de Goios Silios Bathyllos”, procede de Ática, está datada en el siglo I d. C. El relieve representa a tres figuras de pie, a la izquierda se puede ver al padre, con chitón y capa; en el centro el niño difunto, vestido con una capa, con un perrito en los pies, a menudo está representado en estelas funerarias de niños; a la derecha está la madre vestida con un chitón y capa que la cubre la cabeza en señal de luto y dolor. Detrás del niño hay un pilar que sostiene un relieve decorativo en el que hay esculpidas dos máscaras teatrales, la comedia y la tragedia. La inscripción, en la parte superior de la estela, recuerda al niño Gaios Silios Bathyllos e indica el nombre de los padres. Las dos máscaras escénicas aluden probablemente a la profesión de actores teatrales de Bathyllos y de sus familiares: el niño tienen el nombre de un famoso actor de mimo que vivió en la época de Augusto, es probable pensar que toda la familia tuviera relaciones estrechas en el mundo del teatro.

Subimos a la segunda planta del museo donde se encuentra la Sala Romana y Etrusca, contiene una amplia exposición de relieves y esculturas de época romana y de urnas funerarias etruscas, hay un pequeño grupo de piezas griegas compuesto de estelas funerarias, fragmentos de alto relieves y tablas sepulcrales.

La primera obra de la sala podemos ver “Puteal con relieve báquico”, procede de Roma, esta datado en la primera mitad del siglo I d. C. El puteal era el revestimiento que tenían los pozos de las viviendas romanas, eran de forma cilíndrica de mármol, y estaban decorados con relieves. En el fuste de la pieza hay representado un cortejo báquico que confluye hacia el altar: de un lado está el dios Pan seguido por tres ninfas, de otro lado hay sátiros y menadas que avanzan llevando ofrendas. Hay representados objetos típicos del culto a Baco, tales como el tirso, y animales sagrados para el dios, como la cabra y la pantera.

La siguiente obra “Frente de un sarcófago con mito de Fetonte”, procede de Roma, está datado en el siglo III d. C. La escena está dispuesta en varios niveles, representa la caída del joven Fetonte (situado abajo izquierda), es el hijo del Sol, hay un carro que le ha prestado su padre para probar su habilidad de Auriga. No se considero muy hábil para conducir el carro, se colocó una vez muy arriba y otra vez muy abajo del cielo, lo primero que hizo fue enfriar y después calentar rápidamente la Tierra, desencadenando la ira de Júpiter, que con el viento y los rayos embistió al carro haciendo precipitar a Fetone en la desembocadura del río Eridano. En la parte derecha se representa al Sol con la corona de rayos; ante él unos niños alados que personifican a los vientos, que soplan en la caracola. Júpiter esta en el centro a la derecha, enfrente de Fetonte, cuyo cuerpo cae junto con un hombre con el brazo levantado, mientras que a su lado aparecen llorando tumbadas las hermanas del joven; sus lágrimas se convirtieron en gotas de ámbar recogidas y transportadas por el río.

La siguiente obra “Urna funeraria de Cominia Restuta”; procede de Roma, esta datada en el siglo I d. C. La urna tiene la inscripción dispuesta de Lucius Flavius Philopapus para guardar las cenizas de su esposa Cominia Restuta; bajo la inscripción hay tres aves y una gran guirnalda vegetal con bayas y cintas, sostenida por los cuernos de dos arietes, de los que está representada solamente la cabeza en las esquinas de la caja.

La siguiente obra “Caja de sarcófago con carrera de bigas”, procede de Roma; está datado a finales del siglo II d. C. Es una caja con un sarcófago cuyas dimensiones reducidas hacen pensar en el sepulcro de un niño, a su lado hay una cubierta de sarcófago que no pertenece a la caja pero da una idea de cómo pudo ser el conjunto. El sarcófago describe una escena que evoca las carreras de bigas, un tipo de espectáculo muy apreciado por los Romanos, se realizaba en el ámbito de circo, en un espacio grande abierto de forma alargada, rodeado de tribunas o gradas para los espectadores. En el lado largo de la caja, hay una carrera de bigas guiadas por amorcillos (niños alados), alguno de ellos vuelan sobre los caballos, mientras que otros caen al suelo; en el fondo hay una fachada de edificio con columnas, quizás el mismo circo, y sobre el terreno hay matas de hierbas y vasijas. En cada lado corto hay otro amorcillo sobre el torso de un caballo a galope.

La siguiente obra “Urnas de terracota con duelo entre Etéocles o Polinice”, procede de Chiusi (Siena), esta datada en el siglo II a. C. La fabricación de estas urnas estaba especializada la ciudad de Chiusi, iban destinadas a la demanda de la clase media romana. El uso de las terracotas permitía decorar las urnas en serie, gracias al uso de moldes: se puede observar en los frentes de los ejemplares expuestos al que se muestra aquí el duelo fratricida entre Etéocles y Polinice (eran hijos del rey Elipo, en lucha por la conquista de Tebe), esta temática se repite en las urnas, algunas eran policromadas con colores vivaces sobre una capa preparatoria de color blanco, denominaba engobe.

Más adelante podemos ver “Urna de alabastro con rapto de Elena”, procede de Volterra (Pisa), realizada a finales del siglo II o principios del siglo I a. C. Las urnas que se realizaban en Volterra eran destinadas para gente con mayor poder adquisitivo, por el tipo de material no se podía hacer en serie. En este caso, sobre la urna está representado el episodio que desencadenó la guerra de Troya, el rapto de Elena, la bella esposa del rey Esparta.

Salimos al jardín que está presidido por el edifico llamado Pronaos, su fachada clásica está apoyada en seis columnas jónicas, su construcción es de 1604 y sirvió como teatro y sede de la Acamedia Filarmonica , obra del arquitecto Curtoni siguiendo las características generales de un proyecto elaborado algunas décadas antes por Andre Palladio para el conde Giambattista Della Torre pero nunca llego a iniciarse por la muerte del propietario.

En el patio podemos ver “Estela funeraria de Virdomarus y de Pama”, procede de Salonica (Dalmacia), esta datada en la segunda mitad del siglo I. d. C. La lápida fue encargada por voluntad testamentaria de Virdomarus para si mismo y para su hermana, Pama, en la parte superior están representados los dos hermanos enmarcados por un tímpano sostenido por columnas retorcidas. El elemento más interesante de la inscripción es la indicación de la proveniencia y la profesión de Virdomarus, originario de Biturix, en la Galia Belga y soldado en un ala del ejército romano ( la Claudia Nova ), de la cual posteriormente se retiró.

Sin quererlo ya es la hora de comer, marchamos a la vecina Piazza de Bra para ver si podemos hacerlo en uno de sus múltiples restaurantes.

Elegimos uno de los muchos que están enfrente el Arena Verona pedimos un menú que anuncian por 10,50 euros y la verdad que nunca habíamos comida así y de esa forma, recomiendo a todo el mundo huir de estas aglomeraciones porque estos restaurantes lo tienen muy fácil por la cantidad de publico que disfrutan y no cuidan para nada la comida y el servicio.

Desde la plaza nos marchamos para ver el Museo Civico del Castelvecchio, en el castillo y el puente de Scaligero, en el camino vemos un curioso memorial dedicado a Bruño Ruffo fue uno de los pioneros en las competiciones del Campeonato del Mundial de Motorismo durante los años 1949.1950 y 1951.

Cuando llegamos al Museo Cívico en la taquilla sacamos la tarjeta Verona Card que nos permitirá entrar en los demás museos de la ciudad por un precio de 18 euros cada adulto y los niños entran gratis, salvo en algunos que tienen que pagar un euro, con esta tarjeta tenemos hasta las 15,00 horas de mañana para ver el resto de los principales monumentos de la ciudad, además lleva incluido el transporte en bus.

El museo de Catelvecchio alberga unas doscientas obras de la antigua propiedad municipal y eclesiástica que el pintor Saverio Della Rosa logró salvar de las confiscaciones napoleónicas, destinadas a la galería comunal pública instituida en 1827 en la Loggia del Consiglio, en la Piazza di Signori.

Esta la fue la base del museo que consiguió agrupar donaciones de pinturas de particulares, de los condes Alessandro y Giulio Pempei. Eran pequeñas obras profanas y esto otorgó un mayor equilibrio a la colección. Después siguieron las donaciones procedentes de las principales colecciones de la burguesía de la ciudad.

Primeramente miraremos el continente para después el contenido. El castillo de Catelvecchio fue construido entre 1354-1356, en una zona alejada del centro estratégico y del poder situado en la actual Piazza deei Signori, representa una señal de decadencia de la señoría de los Della Scala. Las razones de construirlo en una zona alejada radica en la voluntad de Cangrande II della Scala era porque no era una defensa de la ciudad, sino contra la ciudad, para evitar las posibles sublevaciones ciudadanas y garantizarse una via de fuga hacia el norte.

El castillo se divide en dos partes: al este, se encuentra el patio de armas, está rodeado de altos muros y siete torres entre las cuales destaca el Mastio o Torre del Homenaje con una altura de 42 metros, fue construida en 1376; al oeste, constituye la parte palaciega con el edificio conocido como la Reggia.

El castillo está unido por un puente de tres ojos que salva el río Adigio, fue construido por Giovanni da Ferrara y Jacopo da Gozo.

Entre 1797-1814 se produce la llegada del ejercito de Napoleón que altera la vida en la ciudad de Verona, la supresión de muchas iglesias y monasterios supuso el expolio de muchas obras de arte, pinturas de Mantegna, Tiziano y Veronés viajaron hacia París, pero desde dentro se dio un gran impulso para la creación de los museos italianos para que velasen por las obras de arte que se quedaban en Italia.

A principios del siglo XX se produce una profunda restauración para convertir el castillo en un museo, se trasladan hasta Castelvecchio las colecciones municipales de arte antiguo y moderno. Las obras fueron expuestas en espacios que pretendían rememorar antiguas estancias medievales.

Después de cruzar el puente levadizo y la torre de la entrada se accede al jardín de Carlo Scarpa. Es la última intervención en la restauración antes de la apertura al público del museo en 1964. Trata de de integrar la belleza de un espacio natural con un museo, lo rodean números monumentos lo que nos indica que estamos en el lugar de la distribución de las salas del museo.

Una vez que entramos en el museo llegamos a la Galería de las esculturas. A lo largo de una hilera de Salas unidas por pasajes abovedados se exponen una amplia colección de escultura medieval de Verona que abarca el periodo desde el siglo X hasta el XIV.

La primera de las obras “Arca de San Sergio y Bacco”, obra de cantería atribuida al “Maestro de 1179”, está realizada en piedra, datada en 1179.

La siguiente obra “Cristo y los Santos Pedro y Pablo”, realizado por el maestro Pelegrinus, esta datado en el primer decenio del siglo XII. Procede del Duomo de Verona.

La siguiente escultura “Santa Catalina de Alejandria”, obra del maestro cantero “Maestro Santa Anastasia”, realizada en la primera mitad del siglo XIV. La obra procede la iglesia de Santa Catalina.

El museo presenta una serie de estatuas de la primera mitad del siglo XIV, se refiere a un solo maestro o un único taller activo en Verona en el primer período de Scala, que asumió el nombre convencional de "Maestro de Santa Anastasia," debido a que también diseñó el friso esculpido en el portal de esta iglesia.

La siguiente escultura “Santa Marta”, obra del maestro cantero “Maestro Santa Anastasia”, realizada en la primera mitad del siglo XIV. La obra procede la iglesia de Santa Fermo de Verona.

La siguiente escultura “San Bartolomeo”, obra del maestro cantero “Maestro Santa Anastasia”, realizada en la primera mitad del siglo XIV. La obra procede la iglesia de San Bartolomeo in Monte de Verona.

La siguiente escultura “San Juan Bautista”, obra del maestro cantero “Maestro Santa Anastasia”, realizada en la primera mitad del siglo XIV. La obra procede la iglesia de San Juan Bautista y Lázaro en la Tumba de Verona.

La siguiente escultura “Madonna con el Niño”, obra del maestro cantero “Maestro Santa Anastasia”, realizada en la primera mitad del siglo XIV.

La siguiente escultura “Crucifixión”, obra del maestro cantero “Maestro Santa Anastasia”, realizada en la primera mitad del siglo XIV.

La siguiente escultura “Madonna con el Niño y un donante”, obra del maestro cantero “Maestro Santa Anastasia”, realizada en la primera mitad del siglo XIV.

La siguiente escultura “Madonna en adoración”, obra del maestro escultor anónimo veneciano, realizada en piedra, esta datado en el siglo XIV. Procede de Bionde di Salizzole de Verona.

La siguiente escultura “Cristo Crucificado acompañado de la Virgen y San Juan”, obra del maestro cantero “Maestro Santa Anastasia”, realizada en la primera mitad del siglo XIV. La obra procede la iglesia de San Juan Bautista y Lázaro en la Tumba de Verona.

La siguiente escultura “Luneta con Cristo y Adorantes”, obra del maestro escultor anónimo veneciano, realizada en piedra, esta datado en el siglo XV.

La siguiente escultura “San Martín y el pobre”, obra del maestro escultor anónimo denominado Maestro de 1436, realizada en piedra, esta datado en el siglo XV. Procede de la iglesia de San Martin de Avesa de Verona.

Saliendo al jardín se puede ver la estatua ecuestre “Cangrande I della Scala” obra de un escultor anónimo, realizada en el siglo XIV, procede de las Arcas Scaligeras desde la anteiglesia de Santa Maria Antica.

Subiendo al segundo piso se encuentran las salas dedicadas a la pinacoteca, ubicada en el Reggia de tres pisos del Mastio donde aparecen los fragmentos de distintos frescos. La parte del techo se ha mantenido inalterable con grandes traviesas de madera.

La primera obra de la pinacoteca “Crucifixión”, obra de un pintor anónimo de Verona, está realizado siguiendo las técnicas del fresco, datado en la segunda mitad del siglo XIII. Procede del Instituto don Bosco de Verona.

La siguiente obra de la pinacoteca “Madonna lactante”, obra de un pintor anónimo de Verona, está realizado siguiendo las técnicas del fresco, datado en la segunda mitad del siglo XIII. Procede del Instituto don Bosco de Verona.

La siguiente obra de la pinacoteca “Madonna entronizada con niño”, obra de un pintor anónimo de Verona, está realizado siguiendo las técnicas del fresco, datado en la primera mitad del siglo XIV. Procede de la casa antigua de Sclazi de Verona.

La siguiente obra “San Gregorio y San Bartolome”, obra del denominado Maestro de la Misericordia, esta datado en la segunda mitad del siglo XIV, realizado al temple sobre madera.

La siguiente obra de la pinacoteca “Batalla de caballeros”, obra de un pintor anónimo de Verona, esta realizado siguiendo las técnicas del fresco, datado en la primera mitad del siglo XIV. Procede del Palacio de Scaligeri de Verona.

La siguiente obra de la pinacoteca “Fragmento de fresco con santo”, obra de un pintor anónimo de Verona, está realizado siguiendo las técnicas del fresco, datado en la primera mitad del siglo XIV. Procede del Palacio Bevilacqua de San Paolo de Verona.

La siguiente obra de la pinacoteca “Madonna con Niño”, obra de un pintor anónimo de Verona, está realizado siguiendo las técnicas del fresco, datado en la primera mitad del siglo XIV. Procede del Palacio Bevilacqua de San Paolo de Verona.

La siguiente obra de la pinacoteca “Crucifixión”, obra de un pintor anónimo de Verona, esta realizado siguiendo las técnicas del fresco, datado en la primera mitad del siglo XIV. Procede una casa de la via Cadrega de Verona.

La siguiente obra de la pinacoteca “Escena del manual medieval Tacuinum Sanitatis”, obra de un pintor anónimo de Verona, está realizado siguiendo las técnicas del fresco, datado en la primera mitad del siglo XIV. Procede del Palacio de Scaligeri de Verona.

El cuadro representa una escena de un manual medieval sobre salud y bienestar, basado en el Taqwin al - sihha (Tablas de Salud), un tratado médico árabe de Ibn Butlan. Existe en varias versiones en latín, con manuscritos profusamente ilustrados. Aunque describe con detalle las propiedades benéficas y dañinas de los alimentos y las plantas, es más que un herbario, pues incluye amplias secciones sobre la respiración, el ejercicio, el descanso y la salud mental.

La siguiente obra de la pinacoteca “San Juan y San Antonio de Padua”, obra del pintor Tommaso Barisini de Modem (1326-1368), datado en el siglo XIV, realizado en temple sobre madera.

Tommaso Barisini era llamado Tommaso da Modena, fue un pintor y miniaturista italiano de mediados del siglo XIV, perteneciente a la pintura gótica, dentro de un estilo bizantino.

La siguiente obra de la pinacoteca “Políptico de la Trinidad”, obra del pintor Turone di Maxio, datado en el siglo XIV, realizado en temple sobre madera. Procede del Convento de Santísima Trinidad de Verona.

La siguiente obra de la pinacoteca “Crucifixión”, obra del pintor de la escuela de Turone di Maxio, datado en el siglo XIV, realizado en étnica al fresco; tiene unas medidas de 133 x 161 cm. Procede de la Casa Bernasconi de San Paolo de Verona.

La siguiente obra de la pinacoteca “Políptico de Boi”, obra de la escuela del pintor Altchiero da Zevio, datado en el siglo XIV, realizado en temple sobre madera. Procede de la villa Zanardi de Caprino de Verona.

Los personajes, aunque el ámbito religioso, no están representados siguiendo las poses del ritual de la corte.

La siguiente obra de la pinacoteca “Crucifixión con San Pedro y San Pablo”, obra de un pintor anónimo, datado en el siglo XV, realizado en temple sobre madera.

La siguiente obra de la pinacoteca “Matrimonio místico de Santa Catalina con los santos”, obra de un pintor anónimo llamado Maestro Redentor, datado en el siglo XV, realizado en temple sobre madera. Procede de la iglesia de Santa Catalina.

La siguiente obra de la pinacoteca “Treinta historias de la Biblia”, obra de un pintor anónimo de Verona del siglo XIV, datado en la mitad del siglo XIV, realizado en temple sobre madera. Procede de la iglesia de Santa Catalina.

La siguiente obra de la pinacoteca “Madonna con el Niño”, obra de un pintor anónimo veneciano del siglo XV, datado en la primera mitad del siglo XV, realizado en temple sobre madera. La obra pudiera haberse pintado por Michiele Giambono o Nanino di Pietro.

La siguiente obra de la pinacoteca “Virgen del Rosal”, obra de un pintor Stefano di Giovanni también llamado Stefano de Verona, datado en la primera mitad del siglo XV, realizado en temple sobre madera. Se exponen en la Sala 10 del museo.

El cuadro representa a la virgen dentro de un jardín delimitado por una pérgola de los rosales trepadores y, construidos siguiendo la perspectiva aérea que reproduce el hipotético punto de vista de los ángeles o de las aves en vuelo, se encuentran La virgen y Santa Clara. La cual trenza coronas de flores que la da un ángel. A sus pies tiene sus atributos, la espada y la rueda.

A su lado debía de estar la obra de Antonio di Puccio Pisano, llamado Pisanello, la hermosa pintura de la “Virgen de la Codorniz” pero desgraciadamente no está porque unos ladrones han entrado en el museo y se han llevado el mayor robo de pintura medieval del siglo, afortunadamente creo que están detenidos 12 moldavos y las obras han sido encontradas en Ucrania, a la espera de su repatriación.

En la misma sala esta la foto del cuadro “San Jerónimo en el desierto”, obra de Jacopo Bellini que tampoco este en su puesto. Ha sufrido la misma suerte fue robado el 19/11/2015.

La siguiente obra de la pinacoteca “Cristo en piedad”, obra de un pintor Filippo Lippi (1406-1469), datado en la primera mitad del siglo XV, realizado en temple sobre madera; tiene unas medidas de 21 x 35 cm. Se exponen en la Sala 10 del museo.

El trabajo, que forma parte de un estrado como el panel central, se atribuyó a Lippi por primera vez por Carlo Volpe en 1956, después de haber sido previamente asignado a Jacopo Bellini. La tabla ha sido fechada durante la estancia del artista en Padua (1432-1437).

La iconografía de Cristo es tradicional, muestra como se levanta de la tumba con los brazos abiertos y levanta los signos de la pasión. El cuerpo tiene informaciones naturales que revelan la mano de un maestro, así como los fuertes claroscuros de los músculos durante el modelado, o las disposiciones espaciales, como las manos hasta la mitad en la tumba para dar mayor profundidad a la escena.

La siguiente obra de la pinacoteca “Adoración de los magos”, obra de un pintor cercano Antonio di Pietro, datado en la primera mitad del siglo XV, realizado en temple sobre madera. Se exponen en la Sala 10 del museo.

La siguiente obra de la pinacoteca “Madonna lactante”, obra de un pintor Michele Giambono (1400-1462), datado en la primera mitad del siglo XV, realizado en temple sobre madera. Se exponen en la Sala 10 del museo.

Michele di Taddeo di Giovanni Bono, conocido como Michele Giambono, fue un pintor y mosaicista italiano activo en Venecia en la primera mitad del siglo XV. A veces se le llama también Michele Zambono o Zambone, o Michele Giovanni Boni.

Se formó como artista en el taller de Jacobello del Fiore, el pintor veneciano más importante durante el primer tercio del siglo XV. A pesar de su educación en el avanzado estilo de Jacobello, su manera de pintar es arcaica, siendo sus figuras en gran parte icónicas y fieles a la tradición bizantina que todavía era muy influyente en el ambiente artístico veneciano. Se le puede considerar como uno de los últimos representantes de la escuela gótica, pues parece que no conoció ni se dejó influir por las novedades introducidas en las regiones de las Marcas y Florencia en el tratamiento y tridimensionalidad de las figuras.

La siguiente obra de la pinacoteca “Madonna con el Niño y un devoto”, obra del pintor Stefano di Giovanni (1375-1438), datado en la primera mitad del siglo XV, realizado en fresco transferido a lienzo. Se exponen en la Sala 10 del museo.

La siguiente obra de la pinacoteca “Madonna con el Niño”, obra del pintor Jacopo Bellini (1396-1470), datado en la primera mitad del siglo XV, realizado en templo sobre madera. Se exponen en la Sala 10 del museo.

Madonna, de cuerpo entero sentada, que parece ser un fondo oscuro y el niño está de pie sobre sus piernas, como para ofrecerlo a la contemplación del espectador. La forma del arco y el marco sugiere vistas como una ventana. La mirada de María está pensativa, mientras el niño quiere jugar con su madre.

La siguiente obra de la pinacoteca “Madonna con el Niño”, obra del pintor Michele Pannonio (1400-1464), datado en 1450, realizado óleo sobre tabla. Se exponen en la Sala 10 del museo.

La siguiente obra de la pinacoteca “Anunciación con San Dámaso de Cesarea”, obra del pintor Francesco de Franceschi, datado en el siglo XV, realizado óleo sobre tabla. Se exponen en la Sala 10 del museo.

La siguiente obra de la pinacoteca es un díptico “San Miguel Arcángel; San Juan Bautista”, obra del taller Zavattari el viejo (1404-1481), datado en el siglo XV, realizado óleo sobre tabla. Se exponen en la Sala 10 del museo.

Pasamos a la Sala 11 del museo está dedicada a las obras de artistas nórdicos, alemanes y flamencos. Son cuadros de donaciones privadas reunidas por coleccionistas locales y que los donaron al museo.

La siguiente obra de la pinacoteca es “Retrato de un hombre”, obra del pintor Willem Key (1520-1568), datado en el siglo XVI, realizado óleo sobre tabla. Se exponen en la Sala 11 del museo.

Willem Key aprendió a pintar junto con Frans Floris junto con Lambert Lombardo en Lieja. Se convirtió en un miembro del gremio de San Lucas de Amberes en 1540. Era un hombre rico que vivía en una casa grande en el centro urbano, cerca de la central. Él se especializó en retratos favorecedores e hizo una buena vida gracias a su obra pictorica.

La siguiente obra del museo “El Parentesco de Santa Ana”, obra del pintor Willen Key (1520-1568), realizado en óleo sobre tabla, esta datada en 1548; tiene unas medidas de 93x122 cm. Se expone en la sala 11.

La siguiente obra del museo “Adoración de los Magos”, obra del pintor anónimo flamenco del siglo XVI es copia de Robert Camping, realizado en óleo sobre tabla, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 11.

La siguiente obra “La dama de los Licnis” del pintor Peter Paúl Rubens también esta con la fotografía que indica que fue robada el 19/11/2015.

La siguiente obra del museo “Comida sobre mesa”, obra de Ambrosius Benson (1495-1550), realizado en óleo sobre tabla, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 11.

El cuadro representa un tema clásico de la pintura flamenca: un jardín, una mesa servida, parejas, música. El pintor representa con seriedad el tema, está absorto en un ritual en lugar de compartir el placer del momento, incluso en el abrazo. Tal vez la intención es la contemplación de su propia aristocracia y la elegancia para seducir con los objetos que se encuentran dispersos en el mantel.

La siguiente obra del museo “Retrato de Frantz Kolb”, obra de un pintor nórdico anónimo, realizado en óleo sobre tabla, esta datada en la primera mitad del siglo XV. Se expone en la sala 11.

La siguiente obra del museo “Naturaleza Muerta”, obra de un pintor Joachim Beucklaer (1533-1579), realizado en óleo sobre tabla, esta datada en la segunda mitad del siglo XVI. Se expone en la sala 11.

La siguiente obra del museo “Crucifixión”, obra de un pintor Cornelis Engebrechtsz (1533-1579), realizado en óleo sobre tabla, esta datada en la primera mitad del siglo XVI. Se expone en la sala 11.

Este cuadro fue atribuido a Lucas van Leyden. La composición presenta una singular calidad pictórica e icnográfica. Representa el momento en que el cortejo que baja del Calvario tras haber crucificado a Cristo, se encuentra también un cardenal romano, indicando la evidente postura protestante del autor. En el primer plano se puede ver unos personajes grotescos que recuerdan a El Bosco, con una escena de lucha que se abre hacia la pintura costumbrista de los Países Bajos.

La siguiente obra del museo es un retablo “San Estefano, San Agustín; San Tadeo; San Bartolomeo”, obra de un pintor anónimo tirolés, realizado en óleo sobre tabla, esta datada a finales del siglo XV. Se expone en la sala 11.

Pasamos a la Sala XII de museo, esta en la primera planta y acoge una serie de pinturas y esculturas del siglo XV, de procedencia de Verona y zonas limítrofes.

La siguiente obra del museo “Crucifixión”, obra de un pintor Matteo de Fedeli (1450-1502) realizado en óleo sobre tabla, esta datada en la segunda mitad del siglo XV. Se expone en la sala 12.

La siguiente obra del museo “Santa Catalina de Siena”, obra del pintor Giovanni Martino Spanzotti (1450-1518), realizado en óleo sobre tabla, esta datada en la segunda mitad del siglo XV. Se expone en la sala 12.

La siguiente obra del museo “Crucifixión”, obra del pintor Jacopo Bellini (1396-1470), realizado en óleo sobre tabla, esta datada en 1436. Se expone en la sala 12.

La siguiente obra del museo “Transito de la Virgen”, obra del pintor Michele Giambono (1420-1462), realizado en temple sobre lienzo, esta datada en 1436. Se expone en la sala 12.

Presenta una pésima restauración, es considera una de las primeras pinturas al óleo sobre lienzo, un nuevo soporte más económico que sustituía a las tradicionales tablas de madera y que además evitaba los problemas derivados de la carcoma o los nudos de la madera.

La siguiente obra del museo “Madonna con el niño, San Nicolás, San Andrés y una devota”, obra del pintor Giovanni Badile (1379-1451), realizado en temple sobre tabla, esta datada en 1436. Se expone en la sala 12. Es conocida como “El retablo della Levanta”.

La siguiente obra del museo “Madonna con el niño, Santa María de la Consolación y Catalina”, obra del pintor Antonio Badile II (1424-1507), realizado en temple sobre tabla, esta datada en el siglo XV. Se expone en la sala 12. Procede la la iglesia de Santa María de la Consolación de Verona.

La siguiente obra del museo “Madonna con el niño y santos”, obra del pintor Giovanni Badile (1379-1451), realizado en temple sobre tabla, esta datada en el siglo XV. Se expone en la sala 12. Es conocida como el “Políptico del Águila”.

El cuadro representa entre arcos góticos, en el centro está la Virgen con el niño, ten desproporcionado como simpático con un pequeño donante arrodillado, a los lados de izquierda a derecha, los santos Antonio Abad, Jorge, Santiago, Pedro Mártir, Zenón y Mamante. El cuadro esta firmado, abajo a la derecha del recuadro central, hace de esta obra imprescindible en el catalogo del artista. El pintor es contemporáneo de Pisanello y protagonista de la pintura de Verona de principios del siglo XV . Es un retablo targótico, con sus molduras flameantes y con una cierta tendencia bizantina en la profusión y en el empleo del color dorado. Estuvo expuesta la iglesia de San Pedro Martir de Verona.

La siguiente obra del museo “Madonna con el niño”, obra del pintor Giovanni Badile (1379-1451), realizado en temple sobre tabla, esta datada en el siglo XV. Se expone en la sala 12.

La siguiente obra del museo “Cruz estacional”, obra de un pintor anónimo de Verona de la mitad del siglo XV, realizado en temple sobre tabla, esta datada en el siglo XV. Se expone en la sala 12. Procede la iglesia de San Silvestre de Verona.

La siguiente obra del museo “Madonna con el Niño”, obra del artista Bartolomeo Giolfino (1410-1486), realizado en madera policromada, esta datada en el siglo XV. Se expone en la sala 12.

La siguiente obra del museo “Madonna del Parto con Santa Ancona Fracanzani”, obra de la escuela del pintor Giovanni Badile (1379-1451), realizado en temple sobre tabla, esta datada en el siglo XV. Se expone en la sala 12. Procede del Convento San Martín de Avesa de Verona.

La siguiente obra del museo es un díptico “San Fermo; San Rustico”, obra de un pintor anónimo de Verona de la segunda mitad del siglo XV, realizado en temple sobre tabla, esta datada en el siglo XV. Se expone en la sala 12.

La siguiente obra del museo “Santa Cecilia, Tiburcio y Veleriano”, obra del pintor Antonio Badile II (1424-1507), realizado en temple sobre tabla, esta datada en el siglo XV. Se expone en la sala 12. Procede la iglesia de Santa Cecilia de Verona.

La siguiente obra del museo “La Música”, obra del pintor Nicola Giolfino (1476-1555), realizado en técnica al fresco, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 13. Procede del Convento San Nicolás de Verona.

La siguiente obra del museo “La Gramática”, obra del pintor Nicola Giolfino (1476-1555), realizado en técnica al fresco, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 18. Procede del Convento San Nicolás de Verona.

La siguiente obra del museo “La Geometría”, obra del pintor Nicola Giolfino (1476-1555), realizado en técnica al fresco, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 18. Procede del Convento San Nicolás de Verona.

La siguiente obra del museo “Aquiles en Skyros”, obra del pintor Nicola Giolfino (1476-1555), realizado en templo sobre tabla, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 18.

La historia cuenta como Aquiles se disfrazó como un adolescente y vivía con una identidad femenina mientras que él estaba en la corte del rey de Skyros, más tarde se enamoró de una princesa que se casó antes de partir para la guerra. El cuadro representa un tema muy popular en las artes y en la literatura de la época clásica.

La siguiente obra del museo “Historias de Santa Bárbara”, obra del pintor Nicola Giolfino (1476-1555), realizado en templo sobre tabla, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 18.

Es una de las obras más originales de la escuela de Verona, Nicola Giolfino era discípulo de Liberale. La obra es la parte de la predala de un retablo. Esta dividido en varias partes para contar la historia de Santa Barbara, en el centro se representa el martirio de la santa, ella fue muy venerada por los primeros cristianos, está representada en la ciudad de Verona: se puede reconocer en el centro la Piazza dei Signori, con la Loggia del Consiglio a la izquierda, los palacios almenados de las autoridades venecianas que habían sido residencia de la familia Scala y, más allá el arco del Fonde, el arca de Mastino II.

La siguiente obra del museo “Triunfo de Pompeo”, obra del pintor Nicola Giolfino (1476-1555), realizado en temple sobre tabla, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 18.

La siguiente obra del museo “Los Santos: Rocco, Antonio, Onofrio y Lucia”, obra del pintor Domenico Morone (1442-1517), realizado con técnica al fresco, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 18. Procede de la iglesia de San Nicolás al Paladon.

La siguiente obra del museo “Los Santos: Catalina, Leonardo Gotardo, Domenico”, obra del pintor Domenico Morone (1442-1517), realizado con técnica al fresco, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 18. Procede de la iglesia de San Nicolás al Paladon.

La siguiente obra del museo “Los Santos: Jerónimo, Santiago y Lorenzo”, obra del pintor Domenico Morone (1442-1517), realizado con técnica al fresco, esta datado 1502. Se expone en la sala 18. Procede del Convento Santa María de los Ángeles de Verona.

La siguiente obra del museo “Resurrección de Cristo”, obra del pintor Jacopo de Valenza (1478-1509), realizado en óleo sobre tabla, esta datada en el siglo XV. Se expone en la sala 17. Procede de la iglesia de San Nicolás al Paladon.

La siguiente obra del museo “Madonna con el Niño”, obra del pintor Domenico Morone (1442-1519), realizado en óleo sobre tabla, esta datada en el siglo XV. Se expone en la sala 17.

La siguiente obra del museo “Madonna con el Niño y Santa Margarita”, obra del pintor Francesco Bonsignori (1455-1519), realizado en óleo sobre tabla, esta datada en el siglo XV. Se expone en la sala 17.

La siguiente obra del museo “Sagrada familia con una santa”, obra del pintor Andrea Mantegna (1431-1506), realizado en óleo sobre tabla, esta datada en 1459. Se expone en la sala 17.

Estamos ante una obra tardía de Andrea Mantegna, que dejo en la ciudad de Verona en 1459 a su paso como un joven pintor, formaba parte del tríptico para el altar mayor de la basílica de San Zeno. El modelo es del arte clásico: el niño Jesús tiene un aspecto de un joven Dionisios y san José a la imagen de un sabio de la antigüedad. El sutil juego espacial entre el brazo de la Virgen , que cierra con un parapeto en la composición y las manos y los pies del Niño son muy parecidas a las representaciones de Giovanni Bellini, cuñado de Mantegna.

La siguiente obra del museo “Madonna con el Niño”, obra del pintor Jacobello di Antonello (1430-1488), realizado en óleo sobre tabla, esta datada en el siglo XV. Se expone en la sala 17.

La siguiente obra del museo “Madonna de la Pasión”, obra del pintor Carlo Crivelli (1430-1495) realizado en óleo sobre tabla, esta datada en el siglo XV. Se expone en la sala 17.

El cuadro representa los simbolismos cristianos de la Pasión , incluidos los ángeles que llevan los instrumentos, en un extraño juego podemos adivinar paisajes de la Crucifixión. Hay también una curiosa alegoría de la ciudad de Jerusalén con puntiagudas torres góticas, esta repleta de personajes orientales del episodio de San Pedro, momento en que corta la oreja a un soldado; el árbol seco con el buitre encogido, símbolo de la muerte y la crueldad; el niño sobre el caballo blanco, emblema reiterado de inmadurez e inconstancia.

La siguiente obra del museo “Santa María Egipcia”, obra del pintor Angelo del Maccagnino, realizado en óleo sobre tabla, esta datada en el siglo XV. Se expone en la sala 17.

La siguiente obra del museo “La Virgen del Abanico”, obra del pintor Francisco Benaglio (1432-1482), realizado en óleo sobre tabla, esta datada en el siglo XV. Se expone en la sala 17.

El cuadro representa a la Virgen enmarcada por una ventana decorada con mármoles, se caracteriza por la inexpresividad de los rostros, que rechazan todo contacto con el espectador. Recibe el nombre porque a sus espaldas la Virgen tiene un pequeño ángel que la abanica.

La siguiente obra del museo “Anunciación”, obra del pintor Giulio Raiboline llamado Il Francia (1481-1557), realizado en óleo sobre tabla, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 17.

La siguiente obra del museo “Sacra Conversación”, obra del pintor Giulio Raiboline llamado Il Francia (1481-1557), realizado en óleo sobre tabla, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 17.

La siguiente obra del museo “Augusto y Sibilia”, obra del pintor Giovanni Maria Falconetto (1468-1535), realizado en óleo sobre tabla, esta datada entre 1500-1510. Se expone en la sala 17.

La siguiente obra del museo “Sacrificio de Isaac y dos donantes”, obra del pintor Liberale de Verona (1445-1527), realizado en óleo sobre tabla, esta datada entre 1515-1529. Se expone en la sala 17. El retablo estuvo expuesto en el altar de Miniscalchi.

La siguiente obra del museo es un tríptico “Aritmética, La Retórica , Astronomía”, obra del pintor Nicola Giolfino (1476-1555), realizado en técnica al fresco, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 18.

La siguiente obra del museo es “Fragmento con León de San Marcos y el Doge Loredan”, obra del pintor Girolamo Moretto (1476-1555), realizado en técnica al fresco, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 18. Procede de una casa en Acqua Morta de Verona.

La siguiente obra del museo “Clemencia de Escipión”, obra del pintor Girolamo Moretto (1476-1555), realizado en técnica al fresco, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 18. Procede de una casa en Acqua Morta de Verona.

La siguiente obra del museo “Justicia de Trajano”, obra del pintor Girolamo Moretto (1476-1555), realizado en técnica al fresco, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 18. Procede de una casa en Acqua Morta de Verona.

La siguiente obra del museo “Conversación de San Pablo”, obra del pintor Bernardo Parentino (1437-1531), realizado en temple sobre tabla, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 16.

La siguiente obra del museo es un tríptico “La Virgen de Jazmín”, obra del pintor Nicola Giolfino (1476-1555), realizado en temple sobre tabla, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 16. Procede la iglesia San Francisco di Paola de Verona.

La siguiente obra del museo “Triunfo de la Castidad y Triunfo del Amor”, obra del pintor Liberale de Verona (1445-1527), realizado en temple sobre tabla, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 16.

Es una composición fresca y juvenil y se encuentra en el frontal del arcón municipal. En el centro, en dorado, podemos ver el escudo de la familia San Bonifacio y en la parte de arriba se encuentra el ojo de la cerradura. La castidad se representa a la izquierda que avanza en una carroza empuñando el símbolo del armiño, está tirado por dos unicornios blancos y la acompaña un ejército de vírgenes entre las que se puede reconocer en el primer plano a santa Lucrecia. Al otro lado, podemos ver una carroza tirada por tres caballos blancos que están desbocados, aluden al desenfreno de los sentidos, le hace frente el carro del amor con un estandarte que lleva explicito el símbolo del cerdo salvaje. El hombre, prisionero de la pasión, está sentado y atado desnudo sobre el carro y tras él se encuentra Amor con sus flechas.

La siguiente obra del museo “Madonna del Jilguero”, obra del pintor Liberale de Verona (1445-1527), realizado en temple sobre tabla, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 16.

La siguiente obra del museo es un cuadro pintado por ambas caras “Adoración de los Magos (verso) y San Pedro”, obra del pintor Liberale de Verona (1445-1527), realizado en temple sobre tabla, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 16.

La siguiente obra del museo “Natividad con San Jerónimo”, obra del pintor Liberale de Verona (1445-1527), realizado en temple sobre tabla, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 16.

La siguiente obra del museo es un grupo escultórico “Santa Ana con la Virgen y el Niño”, obra del escultor Giovanni Zebellana (1457-1504), realizado en madera policromada, esta datada en el siglo XV. Se expone en la sala 16.

Es uno de los tallistas más importantes de Verona a finales del siglo XV. La policromía de la obra es original aunque solamente se ha conservado en las carnaciones, muestra una especial dulzura en los rostros y detalles naturalistas como las pálidas venas azules que surcan el dorso de las manos.

La siguiente obra del museo “Madonna con el Niño”, obra del pintor Antonio de Vendri (1485-1545), realizado en temple sobre tabla, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 16.

La siguiente obra del museo “Deposición”, obra del pintor Liberale de Verona (1445-1527), realizado en temple sobre tabla, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 16. Procede de la iglesia de San Tomás Canturiense de Verona.

La siguiente obra del museo “Natividad con San Jerónimo”, obra del pintor Liberale de Verona (1445-1527), realizado en temple sobre tabla, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 16. Procede del Convento de San Fermo de Verona.

La siguiente obra del museo “Madonna con el Niño”, obra del pintor Francesco Bonsignori (1455-1519), realizado en óleo sobre tabla, esta datada en el siglo XV. Se expone en la sala 15.

La siguiente obra del museo “Alegoría de la música”, obra del pintor Francesco Bonsignori (1455-1519), realizado en óleo sobre tabla, esta datada en el siglo XV. Se expone en la sala 15.

Es una obra de devoción privada y servia para decorar un salón de una residencia privada. Podría tratarse de una obra tardía, cuando el pintor acusa la influencia de Bartolome Montagna. El estado de conservación no es muy bueno e impide contemplar el paisaje del fondo, es una vista de Verona con el río, el puente delle Navi, el Castel de San Felice en las colinas Torricelle y el monte Baldo a lo lejos.

La siguiente obra del museo “Madonna con el Niño y Santos” o también conocido como “Retablo Dal Bovo”, obra del pintor Francesco Bonsignori (1455-1519), realizado en óleo sobre tabla, esta datada en 1484. Se expone en la sala 15.

Procede de la iglesia de San Fermo y de la capilla familiar porque fue pintado para Altobella Avogaro Dal Bovo, representa a la Virgen con el Niño y los santos Onofre, Jerónimo, Zenón y Cristóbal. En el marco de madera original aparece el escudo familiar de la familia y una pequeña representación de la Anunciación con el Padre Eterno. En la parte baja del cuadro emerge el busto del perfil del donante, esta datado de un realismo exento de idealización. Tanto las cabezas de los santos, toscamente perfiladas, como ciertos detalles como los dátiles de la palama de San Cristobal muestran el interés del pintor por la cultura popular.

La siguiente obra del museo “Madonna del Moscardo”, obra del pintor Francesco Morone (1471-1529), realizado en óleo sobre tabla, esta datada en 1515. Se expone en la sala 14.

El cuadro muestra una clara influencia Mantegna y en especial de su clasicista basto mensaje. Verona en esa época es un centro pictórico con la obra de Domenico Morone y su hijo Francesco (1470-1529)

La siguiente obra del museo “Retablo de la Trinidad”, obra del pintor Francesco Morone (1471-1529), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en 1515. Se expone en la sala 14. Procede de la iglesia de Santa María de la Victoria Nueva de Verona.

La siguiente obra del museo “San Francisco”, obra del pintor Francesco Morone (1471-1529), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 14. Procede de la iglesia de San Bernardino de Verona.

La siguiente obra del museo “San Bartolomeo”, obra del pintor Francesco Morone (1471-1529), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo VI. Se expone en la sala 14. Procede de la iglesia de San Bernardino de Verona.

La siguiente obra del museo es el díptico “San Bartolomeo; San Rocco”, obra del pintor Francesco Morone (1471-1529), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 14.

Pertenece a un retablo desmembrado, esta influenciado por la pintura de Francesco Squarcione, y sobre todo por el maestro Andrea Mantegna, creando figuras atormentadas y expresivas, por muchos aspectos están vinculadas a las manifestaciones de la escultura de su tiempo.

La siguiente obra del museo “Las estigmas de san Francisco”, obra del pintor Francesco Morone (1471-1529), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XV. Se expone en la sala 14. Procede de la iglesia de San Bernardino de Verona.

Es una obra temprana que destaca la extraordinaria luminosidad del paisaje que tanto debe a los ejemplos del maestro Giovanni Bellini, con la luz puesta en un sol teñido de rojo las nubes cubriendo de destellos dorados un pequeño lago de montaña, a la vez que la abstracción geométrica de las líneas y volúmenes muestra la deuda del pintor con Antonello da Messina.

La siguiente obra del museo “San Blas y un Santo Obispo”, obra del pintor Bartolomeo Mantagna (1452-1523) realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XV. Se expone en la sala 13.

Procede de la iglesia de San Nazario y Celso de Verona formaba parte de un monumental retablo para el altar mayor, lugar donde se conservan cuatro grandes piezas que incluye una Piedad y figuras de santos.

El cuadro esta pintado sobre un fondo oscuro donde deja ver una cortina entreabierta, los dos personajes son verdaderos. Aquí se une la solidez volumétrica y psicológica de Antonello de Messina con una melancolía que el autor parece compartir con Lorenzo Lotto.

La llegada a Verona del pintor supuso un cambio en la escuela de pintura de Verona, influyendo sobre todo en Francesco Morone y Paolo Morando, los cuales se basarían durante mucho tiempo con sus obras.

La siguiente obra del museo “Madonna y el Niño con San Jerónimo”, obra del pintor Giovanni Mansueti (1489-1527) realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XV. Se expone en la sala 13.

La siguiente obra del museo “Madonna y el Niño”, obra del pintor Giovanni Bellini (1432-1516) realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en 1470. Se expone en la sala 13.

Estamos ante una de las obra maestras del museo, aunque tiene un perceptible deterioro pictórico como consecuencia de los daños causados por el paso del tiempo. El pintor nos muestra una Virgen refinada, casi monocroma, con ligeras variaciones del color sugeridas únicamente mediante la luz de las carnaciones y del velo que envuelven a la Virgen. La acción, expresa una particular intensidad dinámica y psicológica, se concentra en un juego de luces de las manos y la mirada entre la madre y el hijo.

La siguiente obra del museo “Madonna y el Niño”, obra del pintor Giovanni Bellini (1432-1516), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XV. Se expone en la sala 13.

La siguiente obra del museo “Madonna y el Niño”, obra del pintor Alvise Vivarini (1445-1500), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XV. Se expone en la sala 13.

La siguiente obra del museo “Deposición”, obra del pintor Girolano Marchesi (1466-1534), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XV. Se expone en la sala 13.

La siguiente obra del museo “La Virgen Lactante”, obra del pintor vento-lombardo de la primera mitad del siglo XVI, realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 13.

La siguiente obra del museo “La Virgen Lactante”, obra del pintor Pier Maria Pennacchi (1464-1514), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 13.

La siguiente obra del museo “Madonna con Niño”, obra del pintor Bartolomeo Mantagna (1452-1523), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XV. Se expone en la sala 13.

Saliendo al exterior nos conduce a la torre del Reloj donde se encuentra la “Estatua Ecuestres de Mastino II della Scala", proviene del recinto de las Arcas Scaligeras. La obra esta algo erosionada, es probable que el autor sea el mismo que antes había esculpido la escultura de Cangrande.

La siguiente obra del museo “Políptico de la Pasión”, obra del pintor Paolo Morando conocido como Il Cavazzola (1485-1522), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en 1517. Se expone en la sala 20.

Es uno de los máximos exponentes de los pintores locales renacentistas que llevaron la pintura hacia la maniera moderna, asimilando sus modelos a la pintura imperante de los maestros Leonardo, Rafael y Giorgione. El descendimiento de las Cruz el pintor se hace un autorretrato en la figura de Niccodemo, se trata el hombre que esta vestido de rojo junto a la cruz. Al fondo se puede ver una autentica vista de Verona entre el río Adigio y la Colina de san Pietro, con el castillo visconteo y el convento de San Jerónimo.

La siguiente obra del museo “Incredulidad de santo Tomás”, obra del pintor Paolo Morando conocido como Il Cavazzola (1485-1522), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 20. Procede de la iglesia de Santa Clara de Verona.

La siguiente obra del museo “Retablo de las Virtudes”, obra del pintor Paolo Morando conocido como Il Cavazzola (1485-1522), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en 1522. Se expone en la sala 20.

El cuadro fue terminado el mismo año de la muerte del pintor. Se representa a la Virgen con el Niño acompañada de los Santos Antonio y Francisco rodeados de siete virtudes cardinales y teologales en el cielo. En la tierra, sobre el primer plano, destacan dos grupos de santos que dejan en el centro una abertura paisajística de gran profundidad, bajo todos ellos, emerge una anciana donante, Bartolomea Baialotti Da Sacco

La siguiente obra del museo “Madonna con Niño”, obra del pintor Gian Francesco Caroto (1480-1555), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 21.

La siguiente obra del museo “Natividad con santos”, obra del pintor Girolamo Dai Libri (1474-1555), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 21.

La obra es conocida como Nacimiento de los Conejos procede de la iglesia de Santa María del Organo de Verona, es una obra de juventud que refleja la formación miniaturista en el taller de su padre Francesco, visible en la imprimación preparatoria del color. Cabe destacar la precisión casi científica con la que el pintor trata las formas vegetales, desde las humildes hierbas de la zona inferior izquierda a los helechos sobre las rocas o el granado de viscosas flores de la zona superior.

La siguiente obra del museo “Madonna con el Niño con los santos Pedro y Andrés”, obra del pintor Girolamo Dai Libri (1474-1555), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 21.

La obra es conocida como la Madonna delle Quercia procede de la iglesia de San Andrés de Verona, es una obra sintética y de gran madurez del pintor. Los santos en un primer plano destacan de otras historias secundarias sobre un bello paisaje de aguas y montañas en el que incluye escenas del bautismo de Cristo.

La siguiente obra del museo “La Piedad de la Lágrima”, obra del pintor Giovan Francesco Caroto (1480-1555), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 21. Procede del Palacio Bevilacqua.

La siguiente obra del museo “Sofonisba tomando el veneno”, obra del pintor Giovan Francesco Caroto (1480-1555), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 21.

La siguiente obra del museo “Presunto retrato de Girolamo Savanarola”, obra del pintor Alessandro Bonvivino conocido como Il Moretto (1492-1554), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 21.

La siguiente obra del museo “San Jerónimo”, obra del pintor Altobello Melone (1480-1523), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 21.

La siguiente obra del museo “Salomé”, obra del pintor Callisto Piazza (1500-1561), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 21.

La siguiente obra del museo “Autorretrato con su esposa”, obra del pintor Giovanni Caroto (1488-1563), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 21.

El pintor se dedico al estudio de monumentos antiguos. En este caso pinta su autorretrato con su esposa, es lo que queda de un retablo de la iglesia de Santa María del Organo después de un incendio que la daño. En el retablo aparecían como los donantes, ambos arrodillados.

La siguiente obra del museo “Adoración de los pastores”, obra del pintor Jacopo Robusti llamado Il Tintoretto (1518-1594), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 22.

Está es una obra juvenil de Tintoreto, recogida entre el arco que forman las dos figuras laterales (san José y la joven que sigue a los pastores) que sirven de fondo. Los otros personajes se disponen dinámicamente en el interior de la composición mediante cruces diagonales. Mientras que los rostros permanecen indiferentes, la vitalidad narrativa está depositada en la tensión de los cuerpos y en la inestabilidad de las posturas.

La siguiente obra del museo “Deposición”, obra del pintor Paolo Caliari llamado Il Veronese (1528-1588), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 22.

Es una de las obras maestras del museo, muestra unas refinadas variaciones cromáticas además de una pintura libre y liquida, visiblemente en el paisaje. El cuadro procede de la sacristía del convento de Santa Maria de la Victoria Nova de Verona, perteneciente a la orden de los Jerónimos.

La siguiente obra del museo “Historia de Esther”, obra del pintor Paolo Caliari llamado Il Veronese (1528-1588), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 22.

El origen del cuadro probablemente fuera para decorar algún mueble. Los episodios representan unas escenas presentadas con una rapidísima y brillante ejecución. Cada cuadro es una escena: Castigo de los eunucos; Esther conducida ante Asuero; Asuero ordena el triunfo de Mardoqueo.

La siguiente obra del museo “Madonna con santo y dos donantes” conocido como “Retablo Belacqua Lazise”, obra del pintor Paolo Caliari llamado Il Veronese (1528-1588), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 22. Procede de la iglesia de San Fermo de Verona.

La siguiente obra del museo “Sagrada Familia y los santos Juanito y Catalina”, obra del pintor Prospero Fontana (1512-1597), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 22.

La siguiente obra del museo “Retrato de un hombre”, obra del pintor Orlando Flacco (1530-1593), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 23.

La siguiente obra del museo “Retrato de un hombre”, obra del pintor Jacopo Negreti conocido como Palma il Joven (1548-1628), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 23.

La siguiente obra del museo “Imploración para el cese de la peste en Venecia”, obra del pintor Andrea Michili conocido como Andrea Vicentino (1542-1618), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 23.

La siguiente obra del museo “Cristo Mostrado al Pueblo”, obra del pintor Paolo Farinati (1524-1606), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en 1562. Se expone en la sala 23.

Es una composición manierista rebosante de escenarios arquitectónicos y grupos de personajes en movimiento. El artista permaneció en Verona en un taller familiar muy activo.

La siguiente obra del museo “Retrato de un viejo leyendo”, obra del pintor Marcantonio Bassetti (1586-1630), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en 1626. Se expone en la sala 24.

El cuadro representa la imagen de la vanidad más absoluta y de la fugacidad de la vida, depurada de cualquier dato exterior. El único elemento concreto es la inscripción en la parte superior que indica la fecha de la pintura, y de la edad, aunque no del nombre de retratado: 85 años.

La siguiente obra del museo “San Antonio Leyendo”, obra del pintor Marcantonio Bassetti (1586-1630), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVII. Se expone en la sala 24.

La siguiente obra del museo “Retrato de un viejo con guante”, obra del pintor Marcantonio Bassetti (1586-1630), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 24.

Es una obra relativamente juvenil y todavía muestra la sobriedad y la energía retratista del siglo XVI. Los retrato del pintor representan a personas de avanzada edad, se concentra la atención exclusivamente en los rostros y en algún pequeño elemento cotidiano, es un dialogo entre la vida y la muerte.

La siguiente obra del museo “Retrato de mujer con guante”, obra del pintor Marcantonio Bassetti (1586-1630), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 24.

La siguiente obra del museo “Retrato de una monja”, obra del pintor Marcantonio Bassetti (1586-1630), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 24.

Es muy alto el alcance expresivo que ejerce el pintor en su obra, donde profundiza en la psicología del personaje, del ensimismamiento de la meditación y del silencio. Mediante el estilo recogido y el anonimato del hábito de la regla, que entona con la imagen en matices casi monocromos, se pretende huir de elementos históricos o anecdóticos.

La siguiente obra del museo “Incredulidad de Santo Tomás”, obra del pintor Marcantonio Bassetti (1586-1630), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVI. Se expone en la sala 24. Procede de la iglesia de Santo Tomás de Verona.

La siguiente obra del museo “Fundación de Santa María la Mayor”, obra del pintor Alessandro Turchi (1578-1649), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVII. Se expone en la sala 25.

La siguiente obra del museo “Crucifixión”, obra del pintor Giulio Carpioni (1613-1679), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVII. Se expone en la sala 25.

La siguiente obra del museo “Flagelación de Cristo”, obra del pintor Alessandro Turchi (1578-1649), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVII. Se expone en la sala 25. Procede de la iglesia de Santa Lucia de Verona.

La siguiente obra del museo “Retrato alegórico de Matilde de Canossa”, obra del pintor Paolo Farinati (1524-1606), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVII. Se expone en la sala 25.

La siguiente obra del museo “Cuatro santos de la congregación Camaldori”, obra del pintor Giandomenico Tiepolo (1727-1804), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVIII. Se expone en la sala 25.

La siguiente obra del museo “Anunciación”, obra del pintor Alessandro Marchesini (1663-1738), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVIII. Se expone en la sala 25

La siguiente obra del museo “El Café”, obra del pintor Pietro Longhi (1702-1785), realizado en óleo sobre lienzo, esta datada en el siglo XVIII. Se expone en la sala 26.

Aquí damos por terminada nuestra visita a la pinacoteca del Museo di Castelvecchio. Tengo que contar una cosa curiosa que nos ha sucedido. Llevamos una guía escrita donde viene una selección de los mejores cuadros de cada sala. En todas las salas preguntábamos al vigilante que sucedía con los mejores cuadros de la sala que solamente estaba una fotografía, en principio, entendíamos que estaban en restauración, en otras salas que estaban de gira temporalmente. ¡Vaya! No entendíamos nada, hasta llegar a la sala donde están los Tiziano todo eran fotografías y solamente había un cuadro. Me dirijo a la cuidadora pidiendo explicaciones y ya logro entenderla que en el mes de noviembre del 2015 entraron a robar y se llevaron los mejores cuadros de cada sala, así por las buenas se han llevado la mejor colección del arte del mundo, ejemplares de una importancia que destroza el arte italiano.

Al llegar a casa nos interesamos por el tema y sabemos que han sido un grupo de ladrones con ciertas colaboraciones desde el interior del museo,.

Entre las telas robadas estaban “Virgen y codorniz”, de Pisanello; “San Jerónimo penitente”, de Jacopo Bellini; “ La Sagrada Familia con una santa”, de Andrea Mantegna; seis obras de Tintoretto; una de su hijo Domenico, y “ La Dama delle licnidi”, de Peter Paul Rubens.

Asimismo, fueron sustraídos dos retratos firmados por Giovanni Francesco Caroto y otros de autores menos conocidos, como Hans de Jode y Giovanni Benini.

Además, los ladrones dañaron levemente la obra “Conversión de Saúl”, de Giulio Licino, que se encontraba cerca de los cuadros de Tintoretto.

Proseguimos nuestro viaje por la ciudad, ya es tarde para poder ver algunos museos más, ahora lo que nos queda de tarde lo vamos a dedicar a visitar las mejores iglesia abiertas. Comenzamos por la más próxima, es la Iglesia románica de San Lorenzo del siglo XIII, esta siguiendo por la calle Corso Cavour núm. 38. Enseguida, cinco minutos andado y llegaremos.

Pero antes nos topamos con uno de los vestigios romanos de la ciudad, se trata del Arco de los Gavi, es una elegante construcción pegada al río Adigio, fue erigida en el siglo I d. C. por el arquitecto Lucio Vitrubio Cerdone por orden de una de las familias nobles de la ciudad los Gavi. Durante la dominación de Napoleón fue desmontado, sin un objetivo aparente, y las piezas fueron depositadas cerca de la Torre del Reloj del vecino Castelvecchio, y luego algunas piezas se incorporaron al cinturón de las murallas comunales. En 1930 se puso en marcha la reconstrucción sobre una parte de la antigua calzada romana.

La iglesia de San Lorenzo tiene unos orígenes que se remontan al siglo IV, pero la iglesia fue completamente destruida por un violento terremoto en 1117 que afectó a la ciudad, fue por lo tanto reconstruida a principios del siglo XII en el estilo carolingio –más que un estilo bien determinado es un renacimiento o deseo de restauración de la arquitectura romana, al igual que en otras artes, debida al empeño de Carlomagno por el fomento de la cultura y el arte cristiano– y con la adición de la galería de las mujeres, fue ampliamente restaurada en 1877 .

Lucio III, que a finales del siglo XII había establecido su sede en Verona, debido a la situación de inseguridad de Roma, los mismos privilegios concedidos a la iglesia romana de la Basílica de San Lorenzo Extramuros.

El interior tiene tres naves, separadas por pilares para agrupar la boveda , que se alternan con columnas que sostienen dos arcos intermedios: los pilares dividen la nave en bahías dobles de las de los pasillos. Por encima de los pasillos que se enfrenta la nave central de las galerías de la mujer, accesible desde las torres que flanquean la fachada. Estas torres son de fecha posterior a la construcción de la iglesia, ya que puede ser demostrado por la presencia de contrafuertes que podrían reemplazar.

El campanario del siglo XV alberga cinco campanas afinadas en escala musical SIB3. Ellas se afinaron por la compañía Selegari-Partilora Vr en 1830 y son valiosas tanto desde el punto de vista decorativo y por su musicalidad. Se reproducen de forma manual utilizando la técnica de los conciertos Campanas a Veronese y el sonido de la sala está en la galería de las mujeres, ábside derecha.

El aspecto interior es de unas ricas formas romanicas y una de las iglesias más interesantes de Verona y sugiere un clima mistico y sugerente de recogimiento. El ritmo solemne de las arcadas y los matronios sobre las naves laterales esta sabiamente ritmado por la triple sucesión de altos pilares y grandes arcos. En las paredes hay fragmentos de frescos del siglo XIII, entre los cuales un gigantesco San Cristobal; en el ábside, Virgen y Santos, obra de D Brusasorci; en la pared izquierda se pueden ver algunos sarcófagos del siglo XVI. En el lado opuesto , regresando hacia la porta Borsari, se abre la Piazzetta Santi Apostoli. Al fondo de la silenciosa plazuela arbolada, se encuentra el monumento al poeta veronés, Aleardo Aleardi.

Seguimos andando hasta el centro y cruzamos la Porta Borsari era el decumano máximo de la ciudad romana y hoy es importantesima calle de Verona, rica por las antigua casas y hermosos palacios. Lo que actualmente podemos contemplar de la Porta Borsari, era el origen del revestimiento de la fachada principal del Corso Cavour. Este monumento se remonta al siglo I. El nombre de la puerta deriva de los bursarii (eran los encagados de cobrar los impuestos durante la Edad Media ) formaba parte del cinturón de murallas. En la actualidad esta formada de dos pasos con arquitrabes, tímpanos y columnas, rematados por una doble hilera de ventanas, este tipo de temas ornamentales formó parte de la inspiración de arquitectos del renacimiento. Se puede leer una inscripción de la época del emperador Galieno (245 d. C), con el nombre dado por los romanos a la ciudad: COLONIA VERONA AUGUSTA.

En la calle de Via Catullo esta emparededa una gran mensula romana esculpida en relive, con una cabeza Gorgona en el frente y un tritón en uno de los lados, En el nº1 hay un edificio del siglo XIII con hermosas ventanas y un pintoresco patio donde estaba el antiguo patio de las viejas. El edificio alberga un establo, sobre el arco de acceso hay un hermoso releive con la Santisima Trinidad , la Virgen María y los arcángeles Miguel y Rafael.

Más adelante llegamos a la iglesia de San Giovanni in Foro, tiene algunas reminiscencias de su primitiva construcción en el siglo XII, aunque ha sido profundamente modificada.

En 1905 se separó de la iglesia unos escombros, y fue entonces cuando se redescubrieron los muros románicos: se decidió raspar alrededor de la pared exterior, por lo que aparecieron por primera vez en siglos una pared en capas de toba y guijarros, con una ventana basílical.

En el exterior hay una tumba de mármol con una cruz y escudos de armas, y superpone un tríptico. El campanario, con la base del siglo XIV, y más recientemente la parte superior, es de baldosas. Es de destacar el pequeño portal renacentista de la iglesia, obra de Gerolamo Giolfino, con tres estatuas, en la parte superior de San Juan Evangelista, los lados de San Pedro y San Juan Bautista, mientras que en el nicho hay un fresco de Nicola Giolfino con San Juan. Este portal fue construido por el rector de la iglesia Benedict Rizzoni, como se ha señalado por una inscripción en el dintel: Benedictus Rezonius Scriptor apostolicus templos huius praelatus fecit.

En el interior hay un curiso péndulo que solamente suguiere una demostración de que entre la fe y la ciencia no hay conflicto. Foucault pudo demostrar que la tierra gira sobre sí mismo a través de un experimento realizado en marzo de 1851 en el Panteón de París, donde el físico francés tenía suspendió un péndulo. El péndulo de San Giovanni in Foro lleva un impulso ritmico completo en 5,8 segundos, de hecho, después de una hora se puede observar una rotación del plano de oscilación.

Llegamos a la bulliciosa plaza de Erbe, en el pasado era el antiguo Foro de la Verona romana. Es una de las plazas más hermosas y pintorescas del mundo, aunque en la actualidad es muy desdibujada por la cantidad de chiringuitos de ventas para turistas, mezclado con el mercado de frutas y hortalizas frescas, estoy seguro que es una simple excusa porque ahora solamente venden zumos de frutas.

La plaza sirvió de inspiración a poetas y pintores, en la esquina de la Via Mazzini se pueden ver las altas y oscuras torres del antiguo Guetto o juderiam el bajo edificio almenado y porticado de la antigua Domus Mercatorun, cuyas originales formas romanicas, debidas a AlbertoI Della Scala (1301), fueron alteradas por restuaraciones decimonónicas. En el fondo de la plaza se levanta el Palazzo Maffei de 1668, tiene una estructura pomposa y pictórica, rematada por una galería con pináculos con seis estatuas de divinidades paganas (Hercules, Júpiter, Venus, Mercurio, Apolo y Minerva) un perfecto escenario. A la izquierda se halla la Torre del Gardello, construida en ladrillo en 1370 por Consignorio Della Scala y cubierta por el campanille de 1626.

Siguiendo hacie el oeste de la plaza se encuentra la pintoresca Casa Mazzanti, destaca por los frescos de la fachada con escenas mitológicas del siglo XV que nos da un aspecto de una población menos cosmopolita y más cerca de la naturaleza. Continuando por la misma fachada encontramos un pequeño arco, se le llama Arco de Costilla, recibe su nombre por la costilla de ballena que cuelga de él, a su lado esta el Palazzo della Ragione, es de finales del siglo XII, era conocido como el Palazzo de la Comune , aunque ha sido muy restaurado durante el siglo XIX. Del edificio destaca la hermosa Torre de la Masseria, fue construida en la primera mitad del siglo XV por encargo del colegio de notarios se construyó en la planta primera la Capilla de los Notarios, que la dedico a San Zeno y San Daniel. Es de planta cuadrangular con cubiertas por bóvedas vaidas que reposan sobre arcos góticos.

En el centro de la plaza se encuentra la Columna del siglo XVi coronada con el León de San Marcos (destruido por los jacobinos y reemplazado con otro igual en el siglo XIX); más adelante podemos ver la Fuente de la Madonna, erigida por Consignorio en 1368, esta adornada con cabezas de relieve y figuras simbolicas; esta coronada por una estatua de época romana. Seguimos caminando por la plaza y vemos un edículo del siglo XV de planta cuadrada, es conocido como Barlina, que antiguamente servia para la investitura de cargos públicos. Por último hay un pequeño tabernáculo del mismo siglo.

Bajamos por la vía Capello, a la izquierda se encuentra la casa de Julieta, no hay perdida porque allí se produce un tapon de gente con ganas de dejar una nota en la pared con una dedicatoria a su amor es el numero 27 de la calle. El pasillo del zaguán que conduce al patio de la casa esta decorado miles de mensajes de enamorados que han llegado de todos los rincones del mundo, están escritos en todas las lenguas, nos relatan declaraciones de amor y desamor, nombres unidos con corazones, juramentos para la eternidad o búsquedas desesperadas como la de Madonna en buscando a “Susan Desesperadamente”; todo un mural del amor que confiere al espacio un ambiente más romántico aún. Los mensajes son tantos que es necesario limpiar los muros dos veces al año (el 13 de febrero, víspera de San Valentín, y el 15 de septiembre, antes del cumpleaños de Julieta).

Es tal la afluencia y la demanda de darse el “sí quiero” más romántico en este espacio tan privilegiado que el Ayuntamiento de Verona desde abril de 2009, el balcón en el que Romeo cortejó a su Julieta ha abierto sus puertas para que todos aquellos que lo deseen puedan celebrar su boda civil. Por un precio de entre 600 y 1.000 euros (dependiendo de la procedencia de los enamorados) las parejas se pueden casarse en la cumbre del amor.

Aproximadamente 10 mil cartas románticas llegan cada día con la dirección “Julieta, Verona”, las cuales esperan recibir una respuesta de la secretaria del Club de Julieta (“Club di Giulietta“). Aquí los amantes imitan a Romeo y Julieta en el balcón (el cual se agregó en 1936 para atraer turistas), en las paredes puedes leer frases románticas e incluso verás a muchos visitantes tocar el pecho derecho de la estatua de bronce de Julieta para tener buena suerte en el amor.

La cosa de los pos-it y los graffittis ha llegado a unos limites que el Ayuntamiento de Verona esta empezando a tomar medidas porque los mensajes ya llegaban hasta el primer piso de la casa de Julieta ocupando todas las paredes del jardín, se ha habilitado una pared con yeso para que se puedan escribir mensajes, se han eliminado todos los papeles del jardín, en una primera fase, después el ayuntamiento ha diseñado un plan para la eliminación total de mensajes. Esta previsto la incorporación de las nuevas tecnologías, cuando llegues podras mandar tu mensaje o dedicatoria a través del móvil y en una pantalla de plama se podrán leer, imagino que será extensivo al mundo virtual y el manseje navegara en el tiempo por los siglos de los siglos como hacen con nuestros datos personales a través del buscador Google.

La Casa de Julieta es un palacio señorial de origen medieval, reconvertido en museo en época moderna. Es en este lugar donde la tradición popular, mezclando realidad y fantasía, sitúa la casa de la protagonista de la famosa obra de William Shakespeare, Romeo y Julieta, siendo el balcón de la fachada, lugar donde se desarrolla una de sus más conocidas escenas, unos de sus principales atractivos.la historia era real segun la investigacion

Efectivamente existieron dos familias en Verona con los nombres de Montesco y Capuleto (el nombre exacto era Cappelletti). De estos Cappelletti sí que se tiene constancia de su estancia en la Casa de Julieta al menos desde el siglo XII como atestigua el escudo de armas de la familia situado sobre el arco de entrada al patio de la casa.

El edificio ha sufrido numerosas transformaciones a lo largo de los años y del siglo XIII tan sólo se conserva la puerta de entrada.

En el siglo XIV el palacio se convierte en un hospitium hasta finales del XV. Entre los siglos XVII y XIX el edificio hace las funciones de posada y de pésima calidad según una descripción que Dickens hace de ella.

Finalmente, en 1905, la Casa de Julieta es transformada en un museo y entre 1936 y 1940 el historiador Antonio Avena hace una restauración agregándole varios pintorescos balcones y convirtiéndola en una de las atracciones turísticas más importantes de Verona.

En el interior de la Casa de Julieta el Ayuntamiento de Verona a instalado un pequeño museo con algunas referencias a la vida de las dos familias, además ha decorado las principales habitaciones con un renovado mobiliario inspirado en la época.

Entre las obras de arte más destacada podemos ver la obra pictórica de la “Madonna entronizada con el Niño”, obra de un pintor anónimo de Verona, esta realizado con técnica al fresco, datado en el siglo XV.

Entre las replicas se puede ver la escultura de dicada a “Julieta”, obra del escultor Mateo Contandini (1903-1969), realizada en bronce, esta datada en 1969.

La siguiente pintura “Retrato de una señora”, obra de un pintor anónimo de Verona, esta realizado con técnica al fresco, datado en el siglo XVI. Tiene unas medidas 185 x 75 cm.

La obra procede del Palazzo Contarino Borella cerca de San Marcos, formaba parte de un ciclo de pintura que contaba la Historia de Alejandro Magno, fue destruido durante la última guerra mundial, está atribuida a Paolo Calliari conocido como Il Veronese (1528-1588).

Una copia de un grabado “Romeo y Julieta en el balcón”, obra de G. Luderitz (1803-1884), realizada en la segunda mitad del XIX, siguiendo técnica de agua fuerte con tinta; tiene unas medidas 54,3 x38.3 cm.

La siguiente pintura “Dama en el balcón”, obra de un pintor anónimo de Verona, esta realizado con técnica al fresco, datado en el siglo XVI. Tiene unas medidas 186 x 86 cm.

La obra procede del Palazzo Contarino Borella cerca de San Marcos, formaba parte de un ciclo de pintura que contaba la Historia de Alejandro Magno, fue destruido durante la última guerra mundial, está atribuida a Paolo Calliari conocido como Il Veronese (1528-1588). Por el uso del color y las diferentes técnicas de pintura hace referencia que en la elebaroación participaron diferentes pintores.

La siguiente pintura “Romeo y Julieta”, obra de un pintor Gaetano Chierici (1838-1920), esta realizado en óleo sobre lienzo, datado en el siglo XVIX. Tiene unas medidas 75 x 63 cm.
Abandonamos la casa de Julieta y caminamos hasta la Piazza dei Signori , también conocida como Piazza Dante, es una plaza situada en el mismísimo centro histórico de Verona, situado muy cerca de la Piazza delle Erbe .

La plaza fue creada en la Edad Media por el desarrollo de los palacios de Scala, y toma de la representación política y, a partir administrativa. La plaza está enmarcada por algunos edificios monumentales, conectados por arcadas y galerías.

En el centro de la plaza se encuentra el monumento memorial a Dante. A mediados del siglo XVII fue autorizada por el alcalde de Verona la construcción de una fuente. En el centro de la plaza se erigió un nuevo monumento sólo en 1865: que eligió se coloca allí una estatua de Dante , que durante un tiempo había sido alojado solo en un edificio con vistas a la plaza, y que era el sexto centenario del nacimiento, desafiando la censura austríaca, teniendo un monumento similar en la plaza de Santa Croce en Florencia esculpida por Enrico Pazzi.

La estatua fue construida por Ugo Zannoni en mármol de Carrara: el apoyo de un pedestal , tiene una altura de tres metros. Fue inaugurado el 14 de mayo 1865. El modelo de bronce se conserva en las colecciones de la Galería de Arte Moderno Achille Forti.

La plaza esta rodeada por los edificios más emblemáticos del poder de Verona: Palacio de la Razón ; Palacio Cansignorio sede del poder político Scala y Venecia; Santa María Antica, querida pequeña iglesia por la familia Scala; Palazzo del Podesta.

La iglesia de Santa Maria Antica era el lugar donde la familia de los Scaligeri tenían su iglesia cerca hicieron construir el cementerio de la noble familia. Sus orígenes se remontan al siglo VII, aunque debía de ser de un reducido tamaño. Es un ejemplo de la arquitectura románica de la ciudad de Verona, presenta el típico revestimiento de franjas alternadas de piedra y ladrillo, en el interior también se puede ver guijarros. Tiene un bonito campanario cuadrado con originales capiteles en la ventanas bíforas del recinto de las campanas y cubierta conica de ladrillería. Sobre la puerta leteral de entrada, hay un pórtico adosado, donde se encuentra la Tumba de Cangrande I Della Scala (fallecido en 1329), es el monumento más importante de la ciudad de Verona en el siglo XIV. Debajo de un baldaquino pensil de formas góticas, está sostenido por columnas y coronado por un alto sombrerete en forma de pirámide, donde está la urna sepulcral del señor de Verona, adornado con numerosos relieves, encima de ella se encuentra el lecho funerario, con la figura yeciente del difunto. El motivo más característico es la estatua ecuestre de Cangrande, sobre la pirámide insigne obra maestra de un desconocido escultor de verona del siglo XIV, se la ha llamado Maestro de kas Arche Scaligere, que reoresento de manera detallada y con gran expresividad la imagen sonriente del caballero sobre un caballo jaezado para un torneo (la escultura original la hemos podido ver en el museo de Castelvecchio). El monumento de Clagrande es el único que se encuentra fuera del recinto de mármol, está rematado por un explendido forjado que incorpora el emblema escalonado del antinguo nombre de la familia (Della Scala, o de la escalera), en el interior de este recinto o cementerio estan todas las tumbas de la familia, muchas de las cuales en forma de sarcófago, colocadas sobre el piso, entre ellas, el Arca de Giovanni Della Scala, fallecido en 1359, obra de maestros venecianos. Cerca de la puerta de la entrada y colocada sobre columnas se observa el Arca de Mastino II, eregido entre 1340 y 1350, es muy similar al de Cangrande, se compone de un baldaquino gótico con cimacios decorados y edículos laterales, esta coronado por una pirámide que sostiene las estatuas ecuestres de este miembro de la dinastía; la urna sepulcral, luce trabajdos relieves, en las esquinas esta docarado con cuatro figuras angélicas. La tumba más explendida es el Arca de Cansignorio, obra de Bonino da Campione y Gaspare Broaspini, repite el diseño de las dos anteriores, pero con la distribución sobre ella de un precioso, refinado y sorprendente tejado que hace que se parezca a la figua de un marfil tallado. En los edículos podemos ver esculturas y relieves en los costados de la urna y en el baldaquino.

La iglesia actual de Santa María Antica fue levantada en 1185, reconstruida después del terremoto de 1117 destruyó el edificio original que data del final del período de la dominación lombarda en el siglo séptimo. Los restos que aún perdura del edificio del siglo VII es un fragmento de suelo de mosaico blanco y negro.

El edificio actual fue dedicado por el patriarca de Aquilea y actuó como la capilla privada de la familia gobernante Scaligeri de Verona. La iglesia tiene una pequeña toba campanario (con tres campanas barrocas) en un estilo puramente románico, con parteluz ventanas y una torre de ladrillo cubiertas. Alrededor de 1630 el interior de tres naves fue alterado para el barroco estilo, a pesar de una restauración a finales del siglo XIX que la devolvió el interior original románica, dividido por columnas con arcos más altos que anchos y sostienen una techumbre apoyada por la transversa de los arcos, como en la basílica de San Zeno. Hay dos ábsides laterales en toba y Cotto, y un ábside central con dos frescos de principios del siglo XIV.

Muy cerca llegamos a la otra pata del banco donde se encuentra la Casa de Romeo, se halla en la via delle Arche Scaligere. Según las fuentes históricas es la verdera casa de uno de los protagonistas de la historia de Verona, pertenecía a Cagnolo Nogorala. Permaneciendo en el clima de la leyenda de Sakespys, la tradición popular reconoce que en este hermoso edificio medieval, con fachada de ladrillo y restos del almenado original, era la casa de los Montescos, donde vivía la familia del joven Romeo.

Inconprensiblemente no está abierto al público pese que por la puerta pasan miles de personas que se paran en la puerta para escuchar las explicaciones de los guias de los tuours que hacen el recorrido por los principales hechos históricos de Verona.

Una inscripción en la fachada nos recuerda la tragedia de los dos amantes: “Oh! ¿Dónde está en silencio Romeo ... Sé, me he perdido:?. No estoy aquí y no estoy Romeo, Romeo está en otra parte“.

Desde aquí caminamos por la estrecha calle de Csos Anastasia en dirección al Duomol pero antes hacemos una pequeña parada para visitar la Basílica de Santa Anastasia.

La iglesia empezó su construcción en 1290, pero nunca se acabó. Se piensa que el proyecto fuera realizado por Fra Benvenuto da Bologna y Fra Nicola da Imola, pero no se han hallados documentos que lo confirmen. La iglesia de Santa Anastasia fue construida sobre otra preexistente, de época gótica, dedicada a Santa Anastasia, razón por la cual se la llamó así, aunque en origen fuera dedicada a San Pedro, mártir dominicano asesinado el 4 de abril de 1252. La consagración de la iglesia tuvo lugar sólo en el año 1471.

La fachada, está dividida en tres secciones que corresponden a las naves interiores, queda incompleta y por lo tanto el revestimiento que es de piedra local. Es simétrica, tiene techo a dos aguas y lleva en el centro un rosetón. La portada central fue construida en el año 1330, tiene arquivoltas de arcos ojivales que se apoyan sobre columnas polícromas de mármol rojo, blanco y negro. La puerta de madera está dividida por un parteluz en dos secciones que acaban en dos arcos ojivales. A los dos lados de la fachada se abren dos ajimeneces. Por lo que respecta a la decoración, lo más destacado lo constituye el fresco central donde se representa a Dios sobre una cátedral gótica con la cruz entre las rodillas y Jesús al lado, sobre los dos la paloma del Espíritu Santo; completan la imagen San José y María. En los frescos laterales menores aparecen un obispo con un estandarte que guía a la población de Verona y San Pedro que con otro estandarte guía a unos frailes dominicales. Ambos se dirigen hacia la representación de la Santísima Trinidad. El arquitrabe presenta bajo relieve con la vida de Jesús: la Anunciación, el Nacimiento, La Adoración de los reyes magos, el camino hacia el calvario, la Crucifixión y la Resurrección , y por encima de ella se apoyan dos estatuas de Santa Anastasia y Santa Catalina. En el parteluz, que sirve de apoyo a una estatua de la Virgen , están tallados los santos Domingo, Pedro y Tomás. Al lado izquierdo de la fachada, sobre el arco de entrada de un patio, se encuentra el sarcófago de Guglielmo de Catelbarco. Es el primer ejemplo de arca de tipología “dosel” que luego será utilizada para los sarcófagos de los miembros de la familia “della scala” que gobernó la ciudad de Verona entre 1262 y 1387.

El interior de la iglesia tiene planta longitudinal con tres naves con bóveda de crucería, dividida entre ellas por hileras de columnas de mármol blanco y rojo con capiteles góticos. Después del transepto se encuentran el ábside y cuatro capillas laterales. Las dos columnas que se encuentran detrás del altar mayor llevan el escudo de armas de los Castelbarco. Esta familia, de Avio (Trentino), fue una de las más generosas en la construcción de la iglesia, razón por la cual se le construyó el sarcófago al lado izquierdo de la fachada. Una característica casi única de la iglesia son las dos pilas al lado de las columnas cercanas a la entrada. De hecho se apoyan sobre dos jorobados bigotudos, el primer con las manos apoyadas sobre las rodillas, el segundo con una mano puesta sobre la cabeza con muestra de preocupación. La atribución de las obras no está segura, el primer jorobado se atribuye a Gabriele Caliari, el segundo a Alessandrino Rossi.

El monumento de Cortesía Serego se encuentra al lado izquierdo del ábside, tiene un núcleo central con la estatua de Cortesía Serego a caballo, vestido con la armadura y empuñando el bastón. El caballo se apoya sobre un sarcófago que tiene siete nichos: cinco en la parte frontal y dos en los lados; en estos nichos probablemente tenían que ponerse unas estatuas de bronce representantes las virtudes de la familia Serego. El sarcófago está tallado con imágenes de soldados y hojas de acanto; en la pared sobre el arca aparece una representación del Paraíso y otro fresco muestra la Anunciación y dos santos dominicanos.

La iglesia consta con varias capillas de épocas diferentes:

La capilla Pellegrini es una de las capillas más célebres porque lleva, por encima del arco de entrada, el fresco considerado obra maestra de Pisanello: San Jorge y la princesa. La capilla alberga dos sepulcros: al lado derecho el de Giovanni Pellegrini y al lado izquierdo el de otro miembro de la familia Pellegrini.

Capilla Salerni posee unos frescos votivos de Stefano da Zevio del siglo XV en el lateral izquierdo, mientras que a la derecha se encuentran frescos de Boninsegna Bonaventura y otros de Giovanni Badile.

Capilla Lavagnoli la capilla está dedicada a Santa Ana; a partir de la izquierda se pueden ver los siguientes frescos: Jesús llama a los primeros apóstoles; Crucifixión; Jesús entra en Cafarnao. No se conoce el autor pero está claro el origen y la influencia del maestro Mantegna de los frescos.

Capilla Cavalli tiene varios frescos del siglo XIV entre los cuales destaca el que representa la Virgen con el niño. Además se encuentran tres sepulcros de la familia Cavalli.

El altar mayor, dedicado a San Pedro mártir, en las naves laterales se encuentran otros altares decorados con retablos, frescos y estatuas. Los que más destacan son: Altar Fregoso, dedicado al Redentor, fue realizado por Danese Cattaneo, alumno de Sansovino; Altar de San Vicente Ferreri, dedicado a uno de los mayores santos dominicanos; Altar Bevilacqua-Lazise, dedicado a la Inmaculada Concepción ;Altar de San Martín, construido en el año 1541; Altar de Santa Rosa da Lima, construido en el año 1592; Altar del Espíritu Santo del siglo XV; Altar de San Raimondo, inicialmente dedicado a San Vicente, luego a San Pablo Apóstol; Altar de San Erasmo; Altar de San Pedro mártir, llamado también Altar de San Roco.

Aquí damos por concluida la visita al día nos resta solamente dedicar el resto de la jornada para las compras y el regreso hasta el parking, ya bien entrada la noche.

Día 27 de marzo (domingo)
Ruta:Verona-Saint Laurent du Var

El día de hoy teníamos pensado salir en dirección a la frontera francesa y parar en la ciudad de Parma, pero ayer nos dimos cuenta que Verona es una de las ciudades más completas por sus monumentos y nos han quedado muchos de ellos sin visitar, además tenemos comprada la tarjeta de Verona card que nos permite ver lo que nos falta, incluido se transporte hasta las 15,00 horas.

Comenzamos la visita lo antes posible y haciendo el mismo recorrido hasta el centro de Verona, nuestro primer destino del día es la Tumba de Julieta que se encuentra además en el nuevo Museo Frescos Antiguos que recientemente se ha abierto.

Desde la parada del autobús caminamos hasta llegar a la via Luigi da Porto, 5; el horario es de 8,30 a 19,30 horas y el precio incluido dentro de la tarjeta Verona Card.

El museo se encuentra en el nuevo área habilitada del antiguo convento de San Francesco al Corso , donde también se encuentra la celebre Tumba de Julieta, con espacios adyacentes utilizadas como parques y exhibición de objetos de piedra.

El claustro nos presenta a colocan seis estatuas que se han reunido aquí con el fin de crear un diálogo ideal, con las exposiciones del siglo XIV en las habitaciones superiores del museo. Continuando a través de un recorrido cronológico, el nuevo museo le permite tomar un viaje a través de los siglos en la escuela de pintura local. El recorrido comienza sobre el año mil, en una encantadora sala pequeña, donde además se exponen piedras y fragmentos arquitectónicos, inscripciones, capiteles, estantes de gran valor histórico y decorativo. En la parte baja se exponen una importante colección de pinturas al fresco extraídas de los edificios religiosos destruidos como el ciclo de frescos de San Nazario. Estas pinturas raras, cuya primera capa está fechada 955 y la segunda data del siglo XII, en la reapertura del museo se han desmontado y vuelto a montar de acuerdo con una nueva presentación estudiada por la Universidad de Verona.

En la sala adyacente a los aleros están expuestos los retratos de emperadores romanos, procedentes del Palacio de la Scala Cansignorio , con frescos de Altichiero datados 1364 y separados de la pared en 1967. Después de una cuidadosa restauración, llevado a cabo por el taller de restauración de la Superintendencia de Bellas Artes y el paisaje de las provincias de Verona, se presenta ahora con un sistema de suspensión especial que permite una lectura desde el fondo similar al bucle que tenía originalmente.

No lejos de allí, se viaja a través de los frescos de la crucifixión y del siglo XIV desde el claustro de Santa Eufemia, de la iglesia de Santa Felicita y de otras iglesias de Verona. Por último, podemos ver el friso continuo, pintado por Jacopo Ligozzi y su taller (1547-1627), que representa el Paseo de Carlos V y Clemente VII en Bolonia en 1530. Se compone de trece elementos principales que componen un ciclo de unos treinta metros lineales. Diez de estos elementos se presentan en la cumbre de la pared final, para recuperar la antigua ubicación, mientras que tres elementos contiguos se han instalado a la altura de los ojos del espectador, para permitir una apreciación más directa, con referencia a las fuentes gráficas que las inspiraron.

La primera de las obras que podemos ver “Madonna con el Niño”, obra del pintor denominado Maestro de la Madonna Petolis , estuvo activo en la ciudad de Verona entre finales del siglo XIII y principios del siglo XIV, realizado con técnica de pintura al fresco. Procede de la iglesia de Santa Anastasia de Verona.

La siguiente obra “Crucifixión”, obra del pintor denominado Maestro del Redentore, esta datado en el siglo XIV, realizado con técnica de pintura al fresco. Procede de la iglesia de Santa Eufemia de Verona.

La siguiente obra “Madonna en el trono con un santo Agustino y el comitente Giovanni de Bete”, obra del pintor denominado Maestro de la Madonna Bete , esta datado en el siglo XIV, realizado con técnica de pintura al fresco. Procede de la iglesia de Santa Eufemia de Verona.

La siguiente obra “María Magdalena”, obra del pintor Seguace di Altichiero, esta datado en el siglo XIV, realizado con técnica de pintura al fresco. Procede del Palazzo Capitonio de Verona.

La siguiente obra “Cabeza de Cristo Crucificado”, obra del pintor Turone di Maxio da Cammago, estuvo activo en Verona entre 1356-1387, esta datado en el siglo XIV, realizado con técnica de pintura al fresco. Procede del Crucifixion Maniga de Verona.

La siguiente obra “Bautismo de Cristo con San Marcos, Lucas, Mateo y Juan”, obra del pintor Francisco Morone (1471-1529),, esta datado en el siglo XVI, realizado con técnica de pintura al fresco. Procede de la iglesia de San Nazaro e Celso de Verona.

La siguiente obra “Madonna con el Niño con San Antonio Abad, Cristoforo e Onofre”, obra del pintor del taller Turone de Maxio, esta datado en 1360, realizado con técnica de pintura al fresco. Procede de la Piazzetta de Santa María Della Scala de Verona.

La siguiente obra “Santa Felicidad”, obra del pintor denominado Segundo Maestro de San Zeno estuvo activo en Verona en la segunda mitad del siglo XIV, realizado con técnica de pintura al fresco. Procede de la iglesia de Santa Felicidad de Verona.

Los frescos formaban parte de un ciclo dedicado a contar la historia de Santa Felicidad. El pintor esta destacado por el empleo de un relismo especial a la hora de representar las escenas.

La siguiente obra “Crucifixión”, obra de un pintor de Verona, esta datado en la segunda mitad del siglo XIV, realizado con técnica de pintura al fresco. Procede del Convento de Santa Trinidad.

Las siguientes obras “Suplicio de Marsia, Neptuno y Anfitrite; Diana y Acteon; Competición de Apolo y Pan; Alegoría de la Arquitectura ; Juicio de Paris”, obra de un pintor del circulo de Giulio Romano (1499-1546), esta datado en el siglo XVI, realizado con técnica de pintura al fresco. Procede del Palazzo Torelli de Verona.

Las siguientes obras “Cabalgata de Carlos V y Clemente VII”, obra de un pintor del taller de Giovanni Ermanno Ligozzi (1547-1627), esta datado en el siglo XVI, realizado con técnica de pintura al fresco. Procede del Palazzo Fummanelli de Verona.

Los frescos formaban parte de la decoración del salón principal de la residencia Fummanelli de Verona, sutaudo en la via Santa Maria in Organo. Las pinturas representan la cabalgata de entrada de Carlos V y Clemente VII en la ciudad de Bolonia en 1530 en la ceremonia de coronación del emperador.

La siguiente obra “Ninfa”, obra del pintor Domenico Brusasorzi (1516-1587), esta datado en siglo XVI, realizado con técnica de pintura al fresco. Procede del Palazzo Fiorio Della Seta.

La siguiente obra “Madonna con el Niño con San José y San Antonio Abad”, obra del pintor Battista del Moro (1515-1574), esta datado en siglo XVI, realizado con técnica de pintura al fresco. Procede de la iglesia de San Bartolomeo Della Levata de Verona.

La siguiente obra “Figura alegorica de una mujer”, obra de un pintor anononimo de Verona, esta datado en 1555, realizado con técnica de pintura al fresco.

La siguiente obra “Alegoría de Verona, Rovigo y Treviso”, obra del pintor Bernardino India (1528-1598), esta datado en el siglo XVI, realizado con técnica de pintura al fresco. Procede de la fachada meridional del Palazzo Fiorio Della Seta de Verona.

La siguiente obra “Bacco y Ceres”, obra del pintor Domenico Brusasorzi (1516-1567), esta datado en el siglo XVI, realizado con técnica de pintura al fresco. Procede de la fachada del Palazzo Fiorio Della Seta de Verona.

La siguiente obra “Tres arcangeles”, obra del pintor Giovan Francesco Caroto (1480-1555), esta datado en el siglo XVI, realizado en óleo sobre madera. Procede de la la iglesia de Santa Eufemia de Verona.

La siguiente obra “Anunciación”, obra del pintor Girolamo Bonsignori (1472-1529), esta datado en el siglo XVI, realizado en óleo sobre lienzo. Procede de la iglesia de San Pedro Martir de Murano en Venecia.

La siguiente obra “Ángel Anunciante”, obra del pintor Girolamo Bonsignori (1472-1529), esta datado en 1510, realizado en óleo sobre lienzo.

La siguiente obra “Santa María de Alejandria”, obra del pintor Giovan Francesco Caroto (1480-1555), esta datado en 1520, realizado en óleo sobre lienzo. Procede del Santuario de la Virgen de la Campaña de Verona.

Seguimos la visita abandonando el museo para bajar a la Tumba de Julieta que ha sido identificada en el interior del Monasterio de San Francesco in Corso. Este Monasterio es el único que, en el momento en que la tragedia tuvo lugar, estaba fuera de las murallas y, por consiguiente, es el único al que Romeo podía acceder desde el exilio. La tumba está en una cripta con muchísima humedad, y en la que se puede ver el sarcófago vacío.

En la tragedia shakespeariana, que enfrenta a las familias de los enamorados (los Capuletti y los Montesco), el destino y una serie de malentendidos hacen que la historia termine con el suicidio de los dos miembros de la pareja.

Aquí damos por terminado la visita al final de esta tragedia, ahora marchamos a nuestro siguiente punto que es la plaza del Duomo, para llegar andando nos guiamos por la via Mazzini, que ayer habíamos transitado, y en la Porta de Leoni hacemos una parada para comernos unas gustosas pizzas que elaboran en un horno, nos las comemos sentados en las piedras de los restos romanos descubiertos y que son utilizadas como improvisados bancos.

En la misma esquina se levanta los restos de algún monumento romano, construido a mediados del siglo I a. C. pertenecía al cinturón de la antigua muralla. Se componía de dos arcos con tímpano y columnas laterales, por encima se pueden ver una serie de ventanas arqueadas y, por último, una amplia exedra. Lo poco que podemos ver son los restos de esta puerta que fue integrado en un edificio adosado. Es uno de los testimonios vivos más valiosos de la ciudad romana, y muy admirados por los artistas del renacimiento, por sus perfectas dimensiones y por la finura de las decoraciones. En el centro de la calle han sido descubiertos restos romanos durante las excavaciones arqueológicas y consistentes en los restos del basamento de antigua puerta romana con vastos tramos del pavimento original.

En estos momentos la ciudad está llena de gente que ha llegado de todos los rincones del mundo y que deambula por sus calles para llevarse un pequeño trozo imaginario del arte que fluye por todos los rincones de sus calles, otros buscan un poco de notoriedad para salir en los selfies.

Enseguida llegamos a la Piazza del Duomo, una de las más bonitas de Verona, es pequeña pero parece que está hecha a medida todo tiene que verse en su justa medida está flanqueada por armoniosos edificios, aunque la fachada del Duomo nos produce una sensación un tanto heterogénea por la cantidad de restos que aparecen de épocas distintas.

La fachada del Duomo nos ofrece un estudio de arquitectura de color, por la variedad de materiales en ella empleados y por la singular fusión de estilos, podemos ver desde el románico hasta el gótico. En el centro se levanta la extraordinaria portada, obra ilustre del románico veronés y padano, atribuida al Maestro Nicoló y la escuela que trabajaba en Verona que ejecutó esta variedad de esculturas, donde podemos ver en el arco inferior: estatuas de San Juan Bautista y san Juan Evangelista. Bajo el atrio se abre la portada protegida a sus lados por los dos paladinos Orlando y Oliverio y decorada sobre los montantes con las estatuas de diez profetas. En el luneto hay un bajorrelieve policromado con la Virgen y el Niño, la Adoración de los Reyes y la Anunciación de los Pastores. Destaca en el lado derecho la hermosa puerta menor, pero sobre todo, el ábside, sobre el que se despliega una refinada decoración en relieve. El campanario, cuya parte central se ejecuto en el siglo XV, obra de Sanmicheli.

En la fachada lateral podemos contemplar una obra de la escuela de Pelegrinus, fue realizado a principios del siglo XII. En las ménsulas de las columnas superiores: a la izquierda se representa la Historia de Jonás; a la derecha un león. En los capiteles de las columnas superiores hay relieves de la “Anunciación”.

La Catedral fue consagrada a la Virgen María y ahora forma parte de un conjunto arquitectónico que incluye la iglesia de San Giovanni in Fonte, la iglesia de Santa Elena, el claustro de los canónigos, la Biblioteca Capitular , la plaza y el palacio episcopal.

La iglesia de Santa Elena se eleva sobre el emplazamiento de la primera basílica paleocristiana consagrada a San Zeno, cuyo obispado se sitúa entre los años 362 y 380.

Bajo la iglesia de santa Elena y en el claustro se conservan mosaicos de las dos basílicas paleocristianas. La segunda basílica probablemente se hundió a causa de un terremoto en el siglo VII.

La Catedral es conocida como Santa Maria Matricolare, estaba desplazada hacia el sur, aunque ocupaba el mismo sitio que la actual. Después de un nuevo terremoto en 1117 se acordó la construcción de una nueva que duró unos 20 años.

El interior de la Catedral , la planta está dividida en tres naves, siendo la central mucho más ancha que las dos colaterales, ésta desemboca en un enorme ábside central; enormes columnas dividen la planta en cinco vanos. Las naves laterales tienen embutidas las capillas en el interior de los muros.

Comenzamos la visita por la nave de la epístola (derecha) donde se encuentra la Capilla de Dionisi, está dedicada a la veneración de San Pedro y Pablo, conserva su decoración del siglo XV, con frescos atribuidos a Antonio Badile. Fue modificada en el siglo XVIII y se añadió el Retablo con la Virgen María y el Niño, con los Santos Pedro, Pablo, Antonio de Padua, obra del pintor Antonio Balestra (1711). Hay una estatua que representa el Martirio de San Arcadio, obra de Angelo Sartori.

Más adelante podemos ver la Capilla Calsoli , está dedicada a la veneración de San Antonio de Viena, podemos ver una serie de frescos de Giovanni Maria Falconetto (1503). El altar fue añadido en el siglo XVIII, a lo largo de la capilla podemos ver una serie de pinturas de distintos siglos y autores: Adoración de los Reyes, obra de Liberale de Verona (1445-1516); a la izquierda San Roque y San Antonio Abad; a la derecha San Sebastián y San Bartolomé; en la parte superior se puede ver Descenso, estos tres lienzos son obra de Niccolo Giolfino (1476-1555).

La siguiente Capilla Emilei está decorada con frescos de Giovanni Maria Falconetto. El retablo del altar se representa la Transfiguración , obra de Giambettino Cignaroli (1741). A los lados: San Jaime con donante y San Bartolomé, obra de Francesco Morone (1471-1529).

La cuarta Capilla Memo, está dedicada al Santísimo Sacramento, es de estilo barroco tardio de 1762 y podemos ver el cuadro de la Ultima Cena , obra del pintor G.B. Burato del siglo XVIII.

En la misma pared camino del altar mayor podemos ver: los restos de un fresco románico muy fragmentado con una escena de la Crucifixión ; por encima esta el Órgano, la caja y la cantoría están talladas y doradas, destacados por los retablos de Biagio Falcieri (1683). En las paredes exteriores la Asunción de la Virgen María y en los paneles interiores la Sagrada Conversación con cuatro obispos veroneses; también está la lápida del Papa Lucio III muerto en Verona en 1185.

La capilla de la cabecera de la nave se denomina Capilla Mazzanti, está dedicada a la veneración de Santa Ágata y San Francisco, con una decoración en piedra de Doménico da Lugo. Podemos ver la tumba de Santa Ágata, obra de artistas campioneses (1353), y una escultura de San Giacomo.

En el centro de la nave podemos ver el gran ábside que envuelve la Capilla Mayor , está decorado con frescos de Francesco Torbido (1534), fueron ejecutados siguiendo el diseño de Giulio Romano. En la bóveda del ábside esta la representación de la Asunción de la Virgen y los Apóstoles; en la bóveda central, el Nacimiento de la Virgen y la Presentación en el Templo; sobre el arco triunfal: la Anunciación y los profetas Isaías y Ezequiel. Hay un hemiciclo de mármoles policromos de Michele Sanmicheli (1534) esta rematado con una Cruz de Bronce entre las estatuas de la Virgen María y San Juan. Sobre el pavimento delante del hemiciclo se pueden ver una serie de laudas sepulcrales del antiguo suelo.

Ahora si volvemos por la nave del evangelio (izquierda) está presidida por la Capilla Maffei, decorada con frescos de Giovanni Maria Falconetto (1500), y una decoración de lapidas de Domenico de Lugo. El retablo con la Virgen y el Niño, San Hannón, San Andrés, San Jerónimo, San Juan Bautista, obra de Agostino Ugolini (1794). En el altar se conservan los restos de San Hannón, copias miniadas del famoso “Velo de Classe”, (cuyo original se encuentra en Ravenna) con los retratos de los primeros obispos veroneses. La predela es de Michele da Verona (1510).

A lo largo de la pared de la nave se pueden ver un óleo sobre tela con la “Sagrada Familia”, obra del pintor Biagio Biagetri de principios del siglo XX.

El órgano tiene una decoración pictórica de Felice Brusasorzi (1539-1605). En los paneles interiores “Cuatro obispos veroneses” y, en los paneles anteriores “Dormitio Verginis” dormición de la Virgen.

Más adelante hay un resto románico de la Anunciación. En la misma pared hay un políptico ensamblado en el siglo XIV. En el panel central la Virgen con el Niño y los santos Jaime y Jorge, obra de un pintor anónimo de la escuela veronesa (1531-1533) y San Miguel de Giuseppe Zamboni (1880).

La primera de las capillas embutidas es la Capilla de la Virgen del Pueblo de una devoción popular. De la primera capilla renacentista solamente queda el arco triunfal exterior. Luego fue modificada en formas barrocas (1756). Entre la decoración podemos ver la estatua de la Virgen María , obra de Vincenzo Cadorin (1921), en una urna se conserva con la espina del martirio de los Santos Ferno y Rústico.

Más adelante podemos ver la Capilla Catolari , fue construida en 1165, está dedicada al Arcángel Miguel, el Altar es del siglo XVIII y se puede ver la tela de la Beata Virgen con san Michele, San Jorge y San Girolamo, obra de Miguel Ángel Prunati (1690-1756).

La siguiente es la Capilla Abbazia-Lazzari , dedicada al Corpus Domini, tiene frescos de Antonio Badile, realizado en la segunda mitad del siglo XV. El retablo del Redentor entre Tobías y el ángeles y los santos Liborio y Francisco de Sales, obra de Sante Prunati.

La última capilla de la nave se denomina Cartolari-Nichesola, está decorada con frescos de la segunda mitad del siglo XV. En 1530-32 fue reconstruida por la familia Nichesola. La planta y el altar son de Jacopo Sansovino (1486-1570). En el altar se puede ver una de las obras de Tiziano Asunción de la Virgen.

La entrada al conjunto de la catedral se hace por la excavaciones arqueológicas del atrio de Santa Maria Matricolare, donde han parecidos los restos de le época romanica, que funcionan como un pasadizo de unión entre la Catedral y la iglesia de los Canónigos. Es un espacio delimitado por unas robustas pilastras perimetrales y por seis columnas de los siglos XI y XII que sostienen arcos y bóvedas de crucería.

Pasamos a la Iglesia de Santa Elena, ahora es llamada así, aunque originalmente estaba dedicada a la veneración de los santos Jorge y Zenón. Protectores de Capitulo de los canónigos.

La iglesia fue construida en el siglo XI por mandato del archidiácono Pacifico, formaba parte del Conjunto de la Catedral de época carolingia. Fue parcialmente destruida durante el terremoto de 1117 y fue reconstruida a partir de 1120 en estilo románico. La iglesia formaba parte del “capitulo”, es decir, aquellos sacerdotes colaboradores de la catedral que, antiguamente se ocupaban de la formación del clero. A ellos se debe el merito de haber promovido y favorecido, durante quince siglos, el quehacer de su antiguo scriptorium, que más tarde se transformo, en la Edad Moderna , en la Biblioteca Capitular , institución que ocupa un lugar de excelencia en el panorama cultural internacional. Durante estos siglos la Biblioteca ha sido un lugar de estudio para personajes como Dante y Petrarca.

En el centro de la nave de la iglesia se puede ver una excavación arqueológica, abierta hace 50 años. Que deja al descubierto los cimientos y la zona de ábside de la primera basílica paleocristiana, que fue levantada en el siglo IV, con planta basilical de tres naves, 37 metros de longitud, tiene un podio sacerdotal realizado respecto a las naves y calentado bajo el suelo por un hipocausto de origen termal. En esta zona estaba en época romana un templo dedicado a la diosa Minerva.

En el suelo se pueden ver los restos de algunos mosaicos y restos de columnas que dividían las tres naves de la segunda basílica paleocristiana de 73 metros de longitud.

El altar mayor de Santa Elena se puede ver una obra de Felice Brusasorzi (1573) con la Virgen y el Niño en el trono, y los santos Esteban, Zenón, Jorge y Elena. Junto a la pared hay un hermoso coro de madera de nogal de los canónigos, fue tallado en el siglo XV. A los largo del pavimento hay diversas losas sepulcrales de los siglos XIV y XV de un hermoso mármol de Verona rojo que recubre el suelo. Siguiendo hacia la puerta principal se pueden ver dos arcos del siglo XVI que enmarcan dos altares del siglo XVIII; el de la pared norte, fue construido por el escultor Giuseooe Antonio Schivi en 1737 y recoge la obra del Redentor, Ángeles y los santos Francisco de Sales y Felipe Neri, del pintor veronés Giovanni Pietro Salvatierra. El altar situado enfrente contiene el cuadro la Virgen con el Niño y los santos Nepomuceno, Elena y Catalina (1735) del joven Pietro Antonio Rotari.

Recorriendo la nave hacia atrás, en la pared sur, hay un tríptico policromado esculpido en el siglo XIII por el escultor Giovanni di Rigino y representa a la Virgen con el Niño en el trono, San Juan Bautista con un devoto y San Juan Evangelista.

Más adelante, se encuentra el epígrafe del siglo IX con la lista de las reliquias situadas en la iglesia de San Andrés, patriarca de Aquileia, entre las que destaca la Santa Cruz. Quizás por la presencia de esta reliquia se decidió dedicar la iglesia a Santa Elena para honrar aquellos que, según la leyenda, encontraron la cruz sagrada. Aquí en 1320 Dante Alighieri, discute su tratado “Questio de aqua et terra”

El discurso, que presenta un problema ya se enfrentaba a unos pocos meses antes en Mantua, se centra en la relación entre las esferas de agua y tierra, y en su distribución en el mundo sublunar. La teoría de esferas concéntricas de los cuatro elementos, por lo que la esfera terrestre se incorpora a partir acuosa de Aristóteles, claramente contrasta no sólo con la observación inmediata que gran parte del mundo se compone de tierra seca, pero también se opuso al dictado bíblico Génesis, I 9 (“que se reúnen las aguas debajo de los cielos en un lugar y aparezca la tierra seca”), que proporcionó una clara distinción entre las áreas reservadas a la tierra y los reservados al agua.

Dante, el uso de los patrones tradicionales de silogística cuestión en disputa, reclamaciones, según la visión teológica del mundo con el sistema aristotélico-ptolemaico, el afloramiento de la tierra desde el mar sería debido a un cambio de rasante de la superficie de la tierra en forma de media luna, que, atraídos por una fuerza generada por el cielo de las estrellas fijas, invade la bola del agua y así permite, a través de la mezcla de los elementos, la vida de los seres humanos. Al proporcionar esta solución, al tiempo que rechaza la hipótesis de enfoque más marcadamente racionalista, aparece el autor, sin embargo, perfectamente en línea con el debate sobre la educación contemporánea y muestra las coincidencias obvias con las propuestas ofrecidas al problema de los intelectuales como Campano da Novara, redactor de un comentario sobre la Esfera la Sacrabosco, y Egidio Colonna, a quien se atribuye un importante Liber Exaemeron.

A la derecha del atrio de Santa Maria Matricolare se encuentra la entrada a la iglesia de San Giovanni in Fonte, es el antiguo baptisterio del duomo, precedido de un pequeño sagrario. La iglesia bautismal, está dedicada a san Juan Bautista, formaba parte del Conjunto de la catedral de época carolingia, pero fue reconstruida con formas románicas alrededor de 1123, con ocasión de la restauración de los edificios destruidos durante el terremoto de 1117.

La iglesia de San Giovanni in Fonte tiene una planta basilical, con tres naves, era una solución inusual para un baptisterio que normalmente tiene una planta central.

En la contrafachada se puede ver el Bautismo de Cristo, fue realizado en 1758 por Paolo Farinati, compañero de Paolo Veronese. Es un admirable ejemplo de la pintura local la tabla de Giovanni Caroto, situada en la pared detrás de la esquina a la derecha: Virgen con el Niño, san Esteban, San Dionisio y un donante, esta datado en 1514.

Lo más destacado es la hermosa fuente bautismal octogonal, se atribuye al taller artesanal del escultor Brioloto, activo en Verona durante el siglo XII y XIII. La bañera se construyo con un único bloque de mármol que se llevo a la iglesia a través de la puerta original de la entrada, y que ahora aparece tapada al inicio de la nave central.

En la teología cristiana la fuente bautismal, además de ser un baño de purificación, tiene una simbología doble: por una parte, la inmersión se expresa la muerte del hombre viejo; por otra parte, la salida del agua indica el nacimiento de una nueva vida. La elección de la forma octogonal no es casual sino simboliza también, el número ocho alude al octavo día, el día que finaliza la semana terrenal e indica el tiempo eterno que llegará en el Juicio Universal. El octavo día indica también el primer día después del sábado, el domingo de Resurrección.

La fuente bautismal esta esculpida en bajorrelieves por todos los lados con escenas sacadas de los Evangelios de Lucas y Mateo. Enriquecida por vestigios de textos apócrifos. En el lado frontal de la fuente entrando en la iglesia nos encontramos inmediatamente enfrente el Bautismo de Cristo, escena emblemática para todo cristiano que se acerca a la fuente. La narración de la historia hay que seguirla siguiendo el sentido anti horario empezando por el primer recuadro a la derecha respecto al Bautismo, con la representación de la Anunciación; la Visitación; la Natividad ; La Anunciación de los Pastores; la Adoración de los Magos; la Masacre de Herodes de los Inocentes; la Huida a Egipto. Es importante indicar que en la narración esculpida en la fuente bautismal, los episodios negativos aparecen a la izquierda, considerada simbólicamente como la posición del Mal, mientras que los episodios positivos, llamados del Bien, están siempre en la derecha.

Salimos a la calle para poder visitar el Claustro del Capítulo, fue construido en 1140 con unas purísimas formas románicas y una singular belleza, especialmente por el doble piso de arcadas sobre esbeltas columnas acopladas en la crujía este (el lado opuesto fue destruido durante la guerra, ahora esta reconstruido). Bajo el pórtico se puede ver una zona de mosaicos pertenecientes a la antigua basílica paleocristiana; aunque la mayoría del mosaico esta enterrado bajo el jardín del claustro.

Aquí damos por terminado la visita al Conjunto del Duomo, proseguimos andando por la via del Duomo hasta llegar a la iglesia de San Anastasia que vimos ayer, en un lateral de la plaza se encentra la iglesia de San Pedro, qué ayer no pudimos ver porque estaba cerrada.

La iglesia de San Pietro Martire, formaba parte del convento San Giorgetto Domenicanti, está orden llegó a Verona en 1220, pero tuvieron que esperar hasta 1260 en que tuvieron la oportunidad de transferir su monasterio al interior de la ciudad, en concreto, a la antigua iglesia de Santa Anastasia, la que generosamente les habían donado. En 1290 comenzaron a edificar una nueva iglesia y más grande, pero en previsión de los trabajos que tendrían que realizar hicieron una auxiliar gótica más pequeña de San Giorgio, conocida popularmente como San Giorgetto. En 1424 los dominicos la dedicaron a su santo de Verona: San Pedro Martir.

La fachada tiene una puerta con un arco de medio punto solapado por un portal colgante que se encuentra el monumento funerario de Bavarino Crescenzi (1346), era un ilustre médico, está representado sobre una losa de mármol rojo impartiendo una lección magistral. Finas columnas adosadas pone en evidencia la fachada y en el lado en relación a la plaza.

Cangrande II tenia a su servicio Caballeros alemanes que se llamaban Brandeburgueses, según las crónicas eran tiroleses, estaban puestos a su disposición por su cuñado Ludovico, marqués de Branderburgo y conde del Tirol, de esta forma la iglesia de San Giorgetto se convierte en su capilla, está decorada con estucos de armas y frescos votivos, con San Giorgio que representa a la Virgen con el caballero arrodillado.

La iglesia destaca por sus frescos que estaban ocultos pero durante la restauración del siglo XIX salieron a la luz. La composición de la pared oriental, donde aparece una Crucifixión dominada por fragmentos de la Adoración de los Magos, de la Misa de San Giorgio o bien Milagro de Bolsena y de San Giorgio y la princesa, es obra de un maestro de Verona que pintaba en 1354, cuando los Caballeros alemanes hicieron una donación para una misa perenne en honor de San Giorgio.

Durante la ocupación de Verona por parte de las tropas imperiales (1506-1517), Falconetto pinta en la pared oriental una Alegoría de la Anunciación , de la que solamente se conserva la parte de la luneta, es rica en temas del Medievo nórdico, donde aparece la figura de unicornio. La obra fue encargada nuevamente por nobles alemanes, en concreto, dos consejeros del emperador Maximiliano, ambos están representados como donantes.

Desde aquí marchamos andando por la via Cappello y via Leoni hasta la iglesia de San Fermo que se encuentra situada a las orillas del río Adige, justo en el momento que curso del río describe una curva imposible, era el lugar donde en el año 304 fueron martirizados los Santos Fermi y Rústico, en su honor el pueblo construyó una pequeña iglesia entre los siglos V y VII. Sus reliquias fueron transportadas y veneradas en las florecientes comunidades cristianas de África y de allí llegaron a Capodistria.

En el año 765 el obispo de Verona San Annone depositó las reliquias, que habían sido rescatadas a precio de oro, bajo el altar de la iglesia que había sido construida muchos años antes.

En el siglo XI llegaron los Benedictinos y construyeron dos iglesias románicas: la inferior debía albergar las reliquias en el lugar que las había dejado el obispo San Annone, y la iglesia superior dedicada a las celebraciones del pueblo.

En 1261 llegarón la orden de los Franciscanos que sustituyeron a la Benedictinos y reconstruyeron la iglesia superior ejecutando una amplai reforma que finalizo en 1350. A lo largo de los siglos se añadieron altares, capillas y monumentos fúnebres.

En 1759 para preserva las reliquias de los mártires de las inundaciones provocadas por las crecientes del rio Adige, se trasladaron a un nuevo altar colocado en la iglesia superior.

La llegada a Verona de la ocupación de Napoleón supuso la derogación de los conventos Franciscanos se vieron obligados a abandonar San Ferni y paso a la Hacienda Pública y la iglesia fue confiscada y convertida en iglesia parroquial.

La fachada exterior fue completada hacia 1350 con una fusión de estilo románico y gótico. A la izquierda destaca el arca de Aventino Fracastoro (1358), era el médico y amigo de Cangrande della Scala. La puerta es de bronce, obra del maestro Luciano Minguzzi, de reciente composición, donde las 24 escenas narran el martirio y culto de Verona a los santos Fermo y Rústico.

En la portada lateral fue construida en 1363, debajo de un pórtico del siglo XIV, es una bífora dividida por un pilar. El arquitrabe con friso de flores y hojas tiene en el centro una estatua de San Antonio de Padua (XV). A lado, hay un fresco de Morone de 1513, que representa a la Virgen con dos santos.

El campanario fue construido entre el siglo XII y XIII. La parte absidal crea una escena arquitectónica y subjetiva de una extraordinaria belleza.

El interior de la iglesia es de una sola nave, traspasada la portada en la parte superior del portón podemos ver la Crucifixión , realizado en pintura al fresco, atribuido a Turone di Maxio, está datado en el siglo XIV.

Si caminamos por la pared derecha podemos ver el Martirio de los Franciscanos en la india, es un fresco del siglo XIII, atribuido al maestro Redentore, del que solamente quedan tres escenas: el Melic ve en el sueño a los cuatro mártires franciscanos amenazado por espadas; el Melic es elevado al emperador Dodili y acusado; el Melic colgado y descuartizado con la familia por orden del emperador, está fechado en 1321. Debajo los Santos Dortea y Onofrio, es una obra de la escuela de Verona del siglo XIV, cerca de la tumba de Guarienti.

Más adelante hay un altar o capilla Nichesola de 1504. Sobre el luneto se representa el martirio del obispo, es un fresco de Domenico Brusasorzi del siglo XVI. El altar es de estilo renacentista, pertenecía a la familia Murari Brà, fue trasladado aquí en 1816 procedente de la parroquia de San Fermo al Ponte. El lienzo de Santa Creara representa a la Virgen con el Niño y los Santos Brandano y Gregorio esdel siglo XVI.

La siguiente obra son Angeli Osannanti es un revoco descubierto en la restauración de 1906, son los restos de un gran fresco de Stefano di Giovanni, perteneciente a la primera mitad del siglo XV, cubria toda la pared y en ese lugar después se introdujo un altar.

El pulpito esta ejecutado en mármol rojo, obra de Antonio Mestre, esta datado en 1396, a su alrededor tiene unos frescos con escenas del Antiguo testamento y con los Doctores de la iglesia del Martirio de Verona (1396).

La siguiente es una capilla abierta hacia el exterior dedicada a los Brenzoni. En torno al arco de entrada se ve lo que se ha salvado del fresco que representa El árbol de San Bonaventura, más ariba hay una Anunciación, del siglo XIV.

Entrando en la capilla a a la derecha, esta el monumento a Bernardo Brenzoni (1494), el altar construido en 1571 por los Veritá para la iglesia de San Fermo al Ponte y traído hasta aquí en 1809.

El retablo de la capilla es más actual fue construido en el siglo XVIII, obra de Antonio Elenetti y representa a la Virgen y el Niño, en la parte superior y debajo están los Santos Fermo y Rustico. Hay una urna colgante de Barnaba da Morano (1411) esculpida por Antonio da Mestre. En 1958 fue quitada de la pared y se descubrió un fresco del Juicio Universal, quizás estamos ante la última obra de Martino da Verona, fallecido en 1412. Hay una tabla atribuida Giovan Maria Faconetto con la Virgen en el trono entre San Giobbe y San Bonaventura, esta datada en 1504, proviene de la capilla Nichesola.

Más adelante esta el altar de Rafael construido en 1523, a la derecha hay una urna de Torello Saraina, primer historiador de Verona (1550). Debajo del altar: Llanto sobre Cristo Muerto del siglo XVI. El retablo es de Francesco Torbido llamado el Moro, era un pintor de Verona del siglo XVI, representa a la Santísima Trinidad , el Arcángel san Rafael y el pequeño Tobías, esta datado en 1530.

Más adelante esta el Altar de San Francisco o Della Torre donde se encuentra el retablo construido por Giambattista Bellotti en el siglo XVIII, donde se representa a la Virgen con el Niño y San Francisco. Además están las reliquias del eremita San Gualfardo fallecido en 1127.

Seguimos hacia el transepto derecho donde se encuentra la Capilla Alighieri donde están sepultados los últimos descendientes de Dante Aighieri, se hallan frescos sobre el tímpano del siglo XIV que cuentan historia de la orden franciscana. En el altar hay un retablo obra de Giovanni Battista del Moro con la Virgen con el Niño y santos, datado en 1547.

En la cabecera de la iglesia están tres ábsides, el de la derecha es más pequeño, en absidiolo se encuentra la Crucifixión y el sepulcro, hay un gran crucifijo de madera del siglo XVIII con la Dolorosa y San Juan, al lado es del siglo XIV. Debajo, una lápida il compianto sul Cristo, el llanto de Cristo, oba de Giovanni di Rigino, esta datado en la segunda mitad el siglo XIV.

Antes de entrar en el ábside grande hay una capilla de la Pasión de Jesús, fue construida en el siglo XVIII, tiene un retablo es de Domenico Brusasorzi del siglo XVI.

En el Presbiterio se divide con una balaustrada que esta alrededor del coro construida en 1573, es una imitación de la que se construyó en el Duomo de Verona.

El altar Mayor fue reconstruido en el siglo XVIII por Giuseppe Antonio Schiavi. En la antigua arca, situada bajo el ara, es el lugar donde se veneran la Reliquias de los Santos Fermo y Rustico.

Esta decorado con frescos, en el ábside, el Redentor entre Maria, San Juan Bautista y los santos Fermo y Rústico; en la bóveda de crucería los símbolos de los cuatro Evangelistas, estan datados en 1314 y es obra del Maestro del Redentore. En la parte frontal podemos ver el arco triunfal donde se representa la Coronación de la Virgen y a la derecha, la Visita de los Magos, obras del siglo XIV, atribuida al pintor Paolo Veneziano, en la parte alta, a la izquierda esta el retrato del Prior Daniele Gusmerio y a la derecha el mecenas Guglielmo da Castelbarco (1314-1320), atribuidos al Maestro Redentore, a su lado, el Padre Eterno, obra de Paolo Ligozzi, en el siglo XVII.

Si marchamos por la pared de la izquierda podemos ver la pequeña capilla de San Antonio, la mesa del altar fue construida por Liberale de Verona, las telas son del siglo XVI en honor de San Antonio, hay una serie de frescos dedicados a San Antonio de Padua (1340-1350).

El transepto izquierdo el Mausoleo Della Torre, está decorado con frescos de un ciclo perdido, que ilustraban la vida de San Francesco (XIV), aunque hay otro posterior realizado en 1510 por Andrea Briosco de Padua llamado el Riccio.

Más adelante esta el Altar de San José, datado en 1608 con el retablo de Alessandro Turchi representa la Adoración de los Pastores.

Siguiendo por la pared izquierda está la Capilla de la Virgen , el altar fue renovado en 1627 por el maestro Domenico Curtoni, muestra el retablo de Francesco Caroto, donde se representa a la Virgen , el Niño y Santa Ana. A los lados se describe el Purgatorio, obra de Antonio Giarola conocido como Coppa y la Intersección de los Santos Francisco y Antonio, obra de Ludovico Fano, esta datado en 1631. En la pared derecha hay un lienzo de Coppa representando a Verona que reza por la liberación de la peste, esta datado en 1630. A la izquierda, Descenso en la Cruz, obra de Giovannio Battista Barchi, esta datado en 1638. Sobre la bóveda fue decorada por Giovanni Ceschini con la Asunción de la Virgen , datado en 1640.

Más adelante podemos ver un fresco sobre la puerta lateral donde se representa la Crucifixión , obra atribuida al taller de Turone di Mazio, está datado en 1363.

El ultimo altar de la pared está dedicado a San Nicolás es de 1535. En el centro está el retablo de San Nicolás patrono de los navegantes con San Agustín, San Antonio Abad, es obra de Giovanni Battista del Moro.

En la pared izquierda de la portada se encuentra el Mausoleo Brenzoni (1426). Tiene un marco dorado con hojas donde se representa al profeta Isaías, abraza el monumento en el que el escultor Nanni di Bartolo conocido como Rosso plasmó el momento más solemne de la Resurrección. En la pared hay un fresco con la Virgen de la Anunciación y el Ángel Gabriel, obra de Antonio Pisano llamado Pisanello; a los lados del baldaquín, y en lo alto, se representan los arcángeles Rafael y Miguel dentro del estilo gótico internacional.

Por el lateral derecho del transepto bajamos hasta la Iglesia Inferior , pero antes comunicamos con lo que fue el antiguo claustro. Se puede observar un fresco de principios del siglo XIV que representa a la Virgen Sentada sobre un trono con el Niño y dos santos, cerca hay una losa tumbal de 1327 que muestra al jurista Antonio Pelacani dando clase a sus alumnos, ademñas de otras losas tumbales.

En la bajada a la iglesia se distingue los restos del claustro grande de San Ferno, actualmente es la oficina del patrimonio artístico.

La planta de la iglesia es en cruz latina, esta divida en tres naves por unas poderosas columnas de pilares de piedra. La nave central está dividida por pilares más pequeños. A lo largo de la iglesia se pueden ver numerosos frescos y restos del siglo XII y XIV; destacamos en el tercer pilar izquierdo: el Bautismo de Jesús y al lado Virgen Amamanta.

Se puede ver parte de los restos de la antigua iglesia paleocristiana del siglo V y en el presbiterio han vuelto a ser visibles los ornamentos benedictinos, con la flor de seis pétalos tomados por los cristianos como símbolo de Cristo resucitado. En el presbiterio se puede ver el Crucifijo del siglo XIV.

Aquí damos por terminada la visita a Verona, nos han quedado tantas cosas que ver que necesitaríamos dos días más para completarla. Regresamos volados hasta el parking para salir con destino a la frontera francesa.

Nos separan 475 Km. y esperamos realizarlo en poco más de cinco horas. Durante todo el camino que transitamos por los túneles del peaje italianos lo hacemos en una inmensa tormenta de agua y viento, lo que hace que la conducción se ralentice tanto que estamos a punto de tirar la toalla y pararnos en cualquier área de servicio, además durante todo el viaje estamos amenazados por restos de una niebla intensa.

El trayecto a la entrada a Francia se despeja pero no entramos en la población de Saint Laurent de Var hasta bien entrada la noche.

Como ya conocemos las diferentes opciones para la pernocta al final nos decantamos solitariamente por el parking para autocaravanas en la ciudad de Saint Laurent du Var (Francia). Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 43.68113// E 7.18935 .

Día 28 de marzo (lunes)
Ruta: Saint Laurent du Var -Gerona Km 949; tiempo 9 h 51'

Por la mañana madrugamos pero nos queda un importante camino hasta Gerona, cuando llegamos son pasadas las 19,00 horas, vamos directamente al parking que hemos utilizado en anteriores viajes.

El parking de autocaravanas en Gerona (España). Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 41.99149 // E 2.81190 .

Es tarde pero vamos a tratar de darnos una vuelta por Gerona a ver si conseguimos ver algo. Llegamos al Carrer de la Força y entramos en la Judería una de las mejores conservadas de Occidente. El barrio judío coincide con la ciudad romana antigua de Girona.

Siguiendo por el Carrer de la Força , llegamos a la Catedral de Girona y su impresionante escalinata. La entrada es de pago pero ya está cerrada, por lo que no podemos visitar pero si admirar su aspecto exterior. A su lado está todavía abierta la iglesia de San Félix originaria de los primeros tiempos del cristianismo. Su construcción se realiza en honor del mártir san Félix, las obras comenzaron en el siglo XII hasta el XVII y aun conserva buena parte del edificio románico, completado más tarde con las naves y las cubiertas góticas y la fachada barroca. El atractivo principal está constituido por ocho extraordinarios sarcófagos romanos y paleocristianos de los siglos III y IV, encontrados al construirse la iglesia, junto con el sepulcro gótico de San Narciso.

Mayoritariamente la iglesia tiene un estilo gótico, el edificio parte de un esquema románico. Es de planta basilical y tiene tres naves separadas por cuatro arcos formeros de medio punto a cada lado de la nave central, sobre la que corre un triforio. La nave central termina en un gran ábside semicircular románico perforado por altos ventanales góticos que dejan pasar la luz al interior. En cuanto a las naves laterales, la del lado sur contiene dos absidiolos, que no están en el lado norte, ya que desaparecieron al construirse la capilla de San Narciso en el siglo XVIII. El campanario gótico actual sustituyó al antiguo románico y se construyó entre los siglos XIV y XVI, a la izquierda de la portada principal, barroca, situada en la fachada sur. Los otros dos accesos a la colegiata, góticos, se encuentran también en el lado sur y la parte norte.

La mayor parte de los capiteles situados en el ábside, están decorados con motivos vegetales o animales, corresponden al desaparecido claustro románico, algunos representan escenas de la vida de los santos Félix y Narciso, a quien estaba dedicada la iglesia en el siglo XI. En el siglo XIV se construyó un claustro gótico (1357), que tampoco ha llegado hasta nuestros días.

Continuamos la visita por la parte antigua de la ciudad descubriendo una arquitectura de piedra imposible, con calles difíciles de trazar por sus desniveles que parecemos estar en la media de una ciudad musulmana.

En seguida se nos echa la noche y decidimos marcharnos para dormir porque mañana será nuestro último tayecto del viaje.

Día 29 de marzo (martes)
Ruta: Gerona-Madrid Km 686; tiempo 7h 46'

Comenzamos el día muy tempranito para poder hacer los casi 700 kilómetros que nos separan hasta nuestro destino final, lo hacemos con un viento infernal a su paso por Zaragoza, lo que nos ralentiza más de los esperado.

Cuando llegamos a Madrid el indicador parcial del vehículo dice que hemos recorrido 3807 Km.; el consumo medio es de 11,9 litros 100 Km. y el tiempo conduciendo ha sido de 54 h y 18'; el viaje lo doy por bien aprovechado.

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by

A. López

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