BLOG DEL VIAJE POR ITALIA EN SEMANA SANTA PARTE 1, por A. López
 
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INTRODUCCIÓN

La Semana Santa este año nos ha venido con la oportunidad de coger un día más de vacaciones, hemos barajado la posibilidad de poder ir a varios sitios, vamos descartando uno a uno por distintas razones, al final nos decantamos por Italia, principalmente porque es un país que es complicado visitar en los meses de verano por su clima tan caluroso.

Una vez que seleccionamos a Italia como el país elegido, empezamos a pensar que parte nos apetece visitar. Cogemos como base la ciudad de Milán y su provincia de la Lombardía , muchas de las ciudades seleccionadas no son muy turísticas pero si son muy interesantes por su contenido artístico.

Esto son los comienzos del relato, si te apetece seguirnos:

Itinerario del viaje por Italia

EL VIAJE

Día 17 de marzo (jueves)

Ruta: Madrid-Área de Jorba, Km. 523; tiempo estimado 6h 01'

Salimos a las 14,00 horas un tanto precipitados por la A-2 , en este momento el tráfico es escaso. Enseguida hacemos una parada para comer y repasar algunas cosas esenciales.

Nada más anochecer nos damos cuenta que nuestro compañero de viaje lleva una luz fundida, ponemos en funcionamiento Internet para conocer donde se encuentra el Norauto más cercano, nos señala a 14 Km. en el centro comercial a la entrada a Zaragoza, tenemos tiempo suficiente para llegar antes de que cierren a las 21,00 horas.

Parking para autocaravanas en Bon área de Jorba

Enseguida nos atienden, nos cambian las lámparas y continuamos viaje hasta nuestro lugar de pernocta en la nueva área de autocaravanas en el centro comercial de Bon área en Jorba. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N41.60220 // E 1.54126 , es el sitio donde el gasóleo es más barato de todo el recorrido 0,865€ litro.

Recientemente se ha inaugurado una zona en el parking reservado para las autocaravanas, cuando llegamos esta todo ocupado por camiones y decidimos pernoctar enfrente del restaurante.

Día 18 de Marzo (viernes)

Ruta: Área de Jorba –Área descanso A-8 Brignoles Km 714; tiempo 7h 35'

Iglesia santa Cecilia, Montserrat (Barcelona)

Salimos en dirección al monasterio de Monserrat, poco antes de llegar a la cima encontramos una zona donde se puede pernoctar y a la vez se puede visitar la Iglesia románica de Santa Cecilia. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 41.61115 // E 1.81736.

El monasterio de Santa Cecilia de Montserrat es una antigua abadía benedictina que se encuentra en la localidad catalana de Marganell. Hasta 1954 residió en él una comunidad de monjas benedictinas. Es el primer monasterio documentado en la montaña de Montserrat .

Destaca la iglesia románica del antiguo monasterio. Se trata de un templo de tres naves encabezadas por tres ábsides con decoración lombarda. Las plantas de cada nave son distintas entre si, siendo las dos laterales más pequeñas que la nave central y una de ellas menor que la otra. Se comunican mediante dos arcadas de medio punto. La cubierta de las naves es de bóveda de cañón mientras que los ábsides están cubiertos con una bóveda de horno.

En una de las entrada se atraviesa los restos del antiguo claustro del monasterio, solamente han llegado a nuestro días un par de arcos y los restos de una pequeña parte de los muros.

Parking en la Iglesia santa Cecilia, Montserrat (Barcelona)

Desgraciadamente la iglesia de Santa Cecilia no está abierta porque la temporada de apertura coincide con mañana, nos limitamos apreciar el monasterio exteriormente. Después seguimos nuestro camino hacia la parte más alta de la montaña para visitar el Monasterio de Montserrat (Barcelona).

Un poco más adelante esta el parking de autocaravanas en el Monasterio de Montserrat, es de pago y durante la visita pagamos 6,50 euros. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N41.64692 // E 2.42640 .

La basílica de Montserrat es el tipo de lugares en el mundo que hay que ver una vez en la vida para poder hablar con conocimiento de la causa pero no para volver, salvo que quieras hacer una de las múltiples rutas por este paisaje tan hermoso.

El lugar parece patrimonio del turismo japonés por la cantidad de turistas de ese país que llegan a bordo de autobuses, imagino que es una de la oportunidades de excursiones que les ofrecen en los viajes a la ciudad de Barcelona. Ciudad que considero, en la actualidad, es la capital del turismo en España, por encima de Madrid, Sevilla o Palma de Mallorca.

Basílica de Montserrat (Barcelona)

La leyenda del hallazgo de una Virgen en el año 880 por unos pastores entre el macizo montañoso de Montserrat en el interior de una cueva, al conocer el obispo la existencia de la Virgen intento llevársela a Manresa pero pesaba demasiado, lo que interpretó que la Virgen quería quedarse en el lugar, se empieza a construir una pequeña iglesia hacia el año 880 con el culto a una estatua de madera morena. Atraídos por la leyenda se construyen en el siglo IX: Santa María, San Acisclo, San Pedro y San Martín. La talla actual es románica del siglo XII y se representa sentada con su hijo entre su regazo. En su mano derecha tiene una esfera que simboliza el universo; el niño eleva su mano derecha haciendo el signo de bendición, mientras que en la izquierda tiene una piña símbolo de la vida eterna.

En el siglo XI se construye un monasterio que con el tiempo pasa a ser un santuario, se amplia y se construye una iglesia románica que albergase la talla de la Virgen.

La trascendencia de la Virgen llega porque uno de los frailes del monasterio Bernat Boil acompaña a Cristóbal Colón en uno de los viajes a América lo que contribuye a la veneración de la Virgen de Montserrat fuera de nuestras fronteras.

Basílica de Montserrat (Barcelona)

La basílica de Montserrat se comenzó a construir en el siglo XVI y fue reconstruida después de la destrucción en la guerra de la Independencia y del abandono producido por la desamortización de Mendizábal. Durante la Guerra Civil Española quedó casi en ruinas.

Después de la Guerra Civil se construyó una nueva fachada, obra de Francesc Folguera, decorada con relieves escultóricos de Joan Rebull (San Benito, Proclamación del dogma de la Asunción de María por Pío XII y San Jorge, con una representación de los monjes que murieron durante la Guerra Civil ), así como la inscripción Urbs Jerusalem Beata Dicta Pacis Visio («Feliz ciudad de Jerusalén, denominada visión de paz»). Al pie del friso con el relieve de San Jorge está esculpida la frase Cataluña será cristiana o no será, atribuida al obispo Josep Torras i Bages, que ha sido asumida como lema del catalanismo político de raíz católica.

Esta fachada antecede a la iglesia propiamente dicha, a la que se accede a través de un atrio; aquí se encuentran los sepulcros de Juan II de Ribagorza y de Bernat II de Vilamarí (siglo XVI), así como varias esculturas: San Juan Bautista y San José, de Josep Clarà, y San Benito, de Domènec Fita; y pinturas: Visita a Montserrat de los Reyes Católicos y Visita a Montserrat de don Juan de Austria, de Francesc Fornells-Pla. La plaza que antecede a la iglesia (llamada del Abad Argerich) está decorada con esgrafiados de Josep Obiols y del fraile Benet Martínez, que representan la historia de Montserrat y las principales basílicas del mundo, así como diversas esculturas: San Antonio María Claret, de Rafael Solanich; Juan I de Aragón y San Gregorio Magno, de Frederic Marès; y San Pío X, de F. Bassas. En un lateral se encuentra el baptisterio (1958), con un portal esculpido por Charles Collet, y en el interior unos mosaicos realizados por Santiago Padrós y un dibujo del Bautismo de Jesús de Josep Vila-Arrufat. Junto al baptisterio hay una escultura de San Ignacio de Loyola, obra de Rafael Solanic.

Altar mayor Basílica de Montserrat (Barcelona)

El actual monasterio está compuesto de dos partes: espiritual y religiosa. Está regido por la orden benedictina con unos 80 monjes que siguen la regla de San Benito

La iglesia es de una sola nave, de 68,32 metros de largo y 21,50 de ancho, con una altura de 33,33 metros. Está sostenida por unas columnas centrales que sustentas arcos de estilo gótico, con tallas realizadas en madera por Josep Llimona, que representan los profetas Isaías, Jeremías, Ezequiel y Daniel. En la cabecera está situado el altar mayor, decorado con esmaltes de Montserrat Mainar, que representan diversas escenas bíblicas, como La última cena, Las Bodas de Caná y La multiplicación de los panes y los peces. La cruz sobre el altar es obra de Lorenzo Ghiberti, del siglo XVI. Sobre el altar se halla un cimborio de forma octogonal. En el presbiterio se encuentran diversas pinturas de Alexandre de Riquer, Joan Llimona, Joaquim Vancells, Dionís Baixeras y Lluís Graner.

El altar mayor tiene en los cuatro lados esculpidos unas inscripciones en latín que explican su significado y su función. Está presidido por un Cristo Crucificado que se ha atribuido Miguel Ángel Buonarroti como una obra temprana de juventud. El altar esta ricamente docorado con esmaltes que representan diversas escenas bíblicas, como La última cena, Las Bodas de Caná y La multiplicación de los panes y los peces.

Virgen de Montserrat (Barcelona)

Justo encima del altar mayor se sitúa el camarín de la Virgen al que se accede después de atravesar una portalada de alabastro (Puerta Angélica) en la que aparecen representadas diversas escenas bíblicas, obra de Enric Monjo. Los mosaicos sobre las paredes representan a las Santas Madres (izquierda) y las Santas Vírgenes (derecha), obra del fraile Benet Martínez. A continuación viene la Sala del Trono, obra de Francesc Folguera, decorada con pinturas de Josep Obiols (Judit que corta la cabeza a Holofernes, Boda de Ester con el rey persa Asuero) y Carlo Maratta (Nacimiento de Jesús); también se encuentra aquí la Fuente de la Virgen , con relieves de Charles Collet representando milagros de Jesús. El Trono de la Virgen es de plata repujada, obra del orfebre Ramón Sunyer, con dos relieves diseñados por Joaquim Ros i Bofarull que representan la Natividad y la Visitación, y una imagen de San Miguel de Josep Granyer; aquí se expone la talla de la Virgen , del siglo XII, sobre la que se sitúan unos ángeles que sostienen la corona, el cetro y el lirio de la Virgen , obra de Martí Llauradó, cubiertos por un baldaquino. La Sala del Camarín es una capilla circular con tres ábsides, construida entre 1876 y 1884 por Villar y Carmona —con la colaboración de su ayudante, un joven Antoni Gaudí—; la bóveda está decorada por Joan Llimona (La virgen acoge a los Romeros), y las figuras de ángeles y la escultura de San Jorge son de Agapito Vallmitjana, mientras que las cristaleras son de Antoni Rigalt i Blanch. La salida del camarín se realiza por el Camino del Ave María, donde es habitual realizar ofrendas en forma de velas y cirios; aquí destaca una estatua del Ángel de la Anunciación de Apel·les Fenosa, así como una mayólica cerámica representando a la Virgen , obra de Joan Guivernau.

Capilla del Santísimo de la Basílica de Montserrat (Barcelona)

Alrededor de la nave central se encuentran varias capillas: a la derecha, la de San Pedro, con la imagen del santo de Josep Viladomat (1945); la de San Ignacio de Loyola, de Venancio Vallmitjana, con una pintura del santo de Ramir Lorenzale (1893); la de San Martín, obra de Josep Llimona, con las imágenes del santo de Tours, San Plácido y San Mauro (1898); la de San José de Calasanz, con un retablo de Francesc Berenguer (1891); y la de San Benito, con una pintura del santo fundador de la Orden Benedictina de Montserrat Gudiol (1980). A la izquierda se hallan: la capilla de Santa Escolástica, con esculturas de Enric Clarasó y Agapito Vallmitjana (1886); la del Santísimo, obra de Josep María Subirachs (1977), con una singular imagen de Cristo realizada en negativo con una sola pieza de cemento, donde solo se ven la cara, las manos y los pies, con una luz que le ilumina el rostro lo que acentúa el sentido de la Eucaristía como victoria sobre la muerte; la de la Sagrada Familia, donde destaca el cuadro La huida a Egipto, de Josep Cusachs (1904); la del Santo Cristo, con una imagen de Josep Llimona (1896); y la de la Inmaculada Concepción , obra modernista de Josep Maria Pericas (1910), con una vidriera de Darius Vilàs.

Puerta angélica de la Basílica de Montserrat (Barcelona)

Cuando llegamos a la iglesia se está celebrando la misa, entramos porque es la única forma de ver la iglesia por dentro, sobre el altar mayor con la asistencia de unos 25 monjes, se celebra una misa cantada y en latín. Curiosamente solamente se puede acceder a la parte trasera de la nave, la parte delantera está ocupada por las gentes que han acudido en peregrinación.

San Jorge de Subirachs en la Basílica de Montserrat (Barcelona)

Después de ver el Monasterio de Montserrat salimos directamente para la frontera francesa, pasamos sin ninguna novedad, parece que las medidas de vigilancia se han relajado desde la última visita porque ya era preocupante por los atascos, aunque hay que entender que es culpa del azote del terrorismo.

Paramos a comprar en el Carrefour de Narbona donde podemos ver muchas autocaravanas que ya se disponen a pasar la noche. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 43.18027 // E 3.02829 .

Plano del Monasterio de Montserrat (Barcelona)

Aprovechamos a llenar el combustible en la gasolinera del Carrefour que es algo más barata que en las autopistas. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 43.17999 // E 3.02932 .

La noche se nos echa encima y nos salimos de la autopista de peaje en la localidad de Aix-en-Provence con la intención de buscar un sitio para pernoctar, damos vueltas y más vueltas hasta que encontramos una plaza que tiene buena pinta, pero vemos que hay unos chavales haciendo el cabra con sus scoters, nos da un poco de miedo quedarnos allí y seguimos buscando otra alternativa, ante nuestra presencia alguno de ellos nos siguen para ver donde terminamos, imagino para darnos la coña. La situación no es muy agradable y disidimos marchar hasta un Carrefour cercano pero no hay ningún vehículo, decidimos volver a la autopista para tratar de llegar hasta el área marcada en el viaje.

Estación Total A-8 Aire des Terrasses de Provence (Francia)

Nos queda poco más de una hora para llegar a nuestro destino pero la noche, la niebla y la fatiga nos pesa como una losa, enseguida vemos que no podemos llevar un ritmo adecuado y los kilómetros cada vez se hacen más difíciles.

Decidimos parar a ver como están las cosas en el área de descanso de la estación Total de la A-8 , se llama Aire des Terrasses de Provence, pasamos por la zona de camiones que está completamente abarrotada, hay alguna autocaravana, quedan alguna plaza libre donde podemos situarnos las dos autocaravanas, pero la niebla no nos da mucha confianza para quedarnos en ese sitio.

La estación tiene una ampliación que está al otro lado de la autopista comunicada por un túnel, parece que está más descongestionada. Esta parte está mucho mejor iluminada, en los viales hay aparcada una caravana. Por mi cabeza en esos momentos se repiten los numerosos mensajes de atención que he podido leer de compañeros para que se eviten estas situaciones pero son las dos de la mañana y somos incapaces de seguir viaje un kilómetro más.

Es la primera vez en nuestra vida de autocaravanista que pernoctamos en un área de servicio de una autopista en Europa, si lo habíamos hecho muchas veces en Marruecos pero en estaciones con vigilantes. En Francia muchas veces hemos parado a cenar y hemos visto que los compañeros se quedan sin problemas y sin tantos remilgos pero nosotros siempre hemos continuado viaje hasta buscar un lugar en una localidad cercana.

Vigilancia estación Total A-8 Aire des Terrasses de Provence (Francia)

Decidimos quedarnos a dormir antes de continuar y tener un accidente. Salgo y echo las medidas de seguridad en las puertas exteriores, nosotros llevamos una cerradura exterior en la puerta principal que se acciona desde el interior y otras en la puerta del conductor y en el garaje.

Sin más dilaciones nos metemos en la cama para recuperarnos para el día siguiente. Poco más de dos horas de sueño, siento como mi compañero de viaje me demanda por una emergencia, salgo precipitadamente y veo que le han intentado entrar en la autocaravana. Al parecer son dos ladrones que han huido en un coche que no hemos podido identificar, vemos los daños: la puerta del conductor han taladrado la cerradura pero no han podido entrar al no abrirse, luego han hecho la misma operación con la puerta del habitáculo, esta si han conseguido abrirla pero ha saltado la alarma y han huido enseguida.

Apresuradamente salgo para ver si todo esto ha sido grabado por las cámaras de seguridad de la estación para indicarlo a la policía, hablo con la persona que en estos momentos la atiende, me dice que las cámaras solamente están enfocando a los surtidores y que no puede llamar a la policía porque no van acudir.

Daños cerradura habitáculo, estación Total A-8 Aire des Terrasses de Provence (Francia)

Ante la situación y el susto llamamos al 112, enseguida nos atienden en castellano, nos reclaman nuestra posición GPS, después del relato de los hechos nos indican que lo mejor es que mañana al amanecer nos dirijamos a la gendarmería más cercana para hacer la oportuna denuncia.

Hacemos una evaluación de los daños y con cuerdas atamos las puertas y decidimos continuar nuestro sueño con la esperanza que otra pareja de ladrones especializados en el asalto a vehículos vivienda no nos sorprendan nuevamente.

¡No sé cómo! pero conciliamos el sueño hasta pasadas las 8,00 horas, enseguida acudo a la estación y hablo con el encargado, explicando lo que nos ha pasado durante la noche, enseguida se ponen en contacto con la gendarmería que nos envía a dos coches patrulla. No tardan más de 10 minutos en llegar, uno comprueba lo que nos ha pasado, y la otra patrulla va directamente a ver las cámaras.

Lamentan lo sucedido y nos animan a que vayamos a la gendarmería para presentar la oportuna denuncia, les extraña el que se utilice una taladradora para reventar las cerraduras de las puertas por lo que puede indicar que tal vez no fuera para intentar un simple robo. Nos hacen un croquis de cómo llegar a la gendarmería más próxima, son 10 km en dirección a Niza, un cambio de sentido en la autopista de peaje y 12 kilómetros en dirección de Marsella.

Daños cerradura cabina, estación Total A-8 Aire des Terrasses de Provence (Francia)

Voy a indicaros el lugar exacto de la autopista de peaje en el área de descanso de la A-8 de la gasolinera Total en el municipio de Brignoles (Francia) para que no paréis a pernoctar y esto es recomendable para todas las áreas de descanso de la Costa Azul (según indicaciones de la propia policía). Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 43.42209 // E 5.99162 .

Como alternativa para la pernocta teníamos la ciudad de St Laurent du Var en (Francia) en la calle Route des Pugets, donde se encuentra el área para autocaravanas. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 43.68550, E 7.18522 , vaciado y llenado gratuito.

En la ciudad hay un parking señalizado exclusivamente para autocaravanas. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N43.66634 // E 7.19582 . Es para cinco plazas.

En la parte de abajo de St Laurent du Var, donde vemos una calle ancha con una vía de servicio donde no hay problemas para aparcar. Las coordenadas del lugar corresponden con: N 43.68124// E 7.18945 .

Día 19 de marzo (sábado)

Ruta: Área descanso A-8 Brignoles (Francia)-Milán KM 337 tiempo estimado 3h 55

Así pasamos la noche, estación Total A-8 Aire des Terrasses de Provence (Francia)

Lo primero que tenemos que hacer es ir a la gendarmería a denunciar los hechos acaecidos durante la noche. Damos la vuelta en dirección Marsella y en la salida numero 34 abandonamos el peaje, esta salida indica Saint-Maximin la Sainte-Baume , en la primera rotando hay una señal de la gendarmería.

Después de una declaración pormenorizada de los hechos, la oportuna toma de datos y fotografías, solamente nos queda intentar buscar donde poder reparar las cerraduras para continuar el viaje más tranquilos.

Ponemos en marcha la maquinaria de internet y vemos que el concesionario Mclouis más cercano se encuentra en la ciudad de Génova, según su página web trabajan los sábados hasta las 19,00 horas. Vamos a intentar llegar lo antes posible.

Antes de cruzar la frontera entre Francia-Italia nos salimos de la autovía para repostar de gasoil porque en Italia en un 25% más caro. Nos coge de paso la estación de E Leclerc cerca de Niza. Las coordenadas GPS del lugar corresponde con N 43.71002 // E 7.18849 .

Entrada área autocaravanas de Milán (Italia)

A las cinco de la tarde estamos en la puerta del concesionario Mclouis en Génova es la empresa PONS S.r.L. situado en la Via Funtanin , 1 Canc, Nervi 16148. Les contamos nuestro problema y solamente exclaman ¡un sábado por la tarde! Pero enseguida se ponen con ello, en poco más de una hora tenemos las cerraduras nuevas por poco más de 190 euros. Indico sin ningún rubor su página web www.pons.it con la intención de hacerles máxima publicidad porque cuando te solucionan un problema como este, lo mínimo es agradecerlo.

Durante el resto del viaje hasta nuestro destino se pasan muchas cosas por la cabeza, al final todo ha sido un susto, todo ha quedado en la perdida de un día de viaje y en 190 euros, siempre me digo que todo lo que tiene solución con dinero, no es problema.

Por la tarde a última hora llegamos a Milán llegamos directamente al área de autocaravanas en Milán. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 45.51159 // E 9.16072 .

El parking se denomina NEW PARK y se encuentra en Via Tukory, 6 20161 Milano, es un aparcamiento para largas estancias y tiene un apartado para pernoctas, el precio es de 25 euros.

Día 20 de marzo (domingo)

Ruta: Milán

Estación de Bovisa de Milán (Italia)

Aquí comienza verdaderamente este viaje, hacemos borrón y cuenta nueva, olvidando todo lo anterior para poder disfrutar, en la medida de lo posible, de un viaje por Italia.

Como digo el viaje comienza en Milán y en su área de autocaravanas privada donde nos informan de las posibilidades de ir hacia el centro de la ciudad. Seguimos sus instrucciones a pies juntillas. Nos situamos en la puerta y cogemos a la izquierda la calle Via Luigi Tukory, esta calle desemboca en la Via Bovisasca , es una zona industrial que se ha venido a menos y está en fase de reestructuración, en estos momentos imagino el viaje de vuelta cuando lleguemos de noche. Al fondo a la derecha se adivina la estación del ferrocarril, se llama Milano Bovisa Fmm. Antes, tenemos que atravesar el parking de la estación situado en la Piazza Emilio Alferi, en estos momentos se celebra un mercadillo semanal de los domingos, es un verdadero rastro donde los vendedores y compradores son del norte de África, parecemos estar en cualquier ciudad de Marruecos.

Ya en la estación nos informamos y sacamos los billetes 2€ euros por billete con un tiempo para trasbordos de 90 minutos, válido para el metro de Milán. Enseguida llega nuestro tren de cercanías, en el recorrido la siguiente estación es Puerta Garibaldi, donde hacemos el trasbordo para coger la línea de metro morada, en dirección Bignami, son solo dos paradas de metro Isola y Zara.

Palacio de Brera de Milán (Italia)

Nuestra primera intención es acudir a la Pinacoteca de Brera porque hoy es domingo y los lunes está cerrada y además porque siempre es mejor empezar por la parte más espesa de los viajes.

La Pinacoteca de Brera está situada en el edificio del mismo nombre en Via Brera, 28 en Milán. La Pinacoteca es el primer museo de Milán y una de las galerías de imágenes más destacadas del mundo, ya que alberga algunas de las selecciones más prestigiosas de las obras maestras de imágenes antiguas y modernas, así como esculturas de importantes artistas italianos del siglo XX. El horario es de 8,30 a 19.15 horas. El precio es de 10 € para adultos y 7 para los menores de 18 años.

Este centro artístico se encuentra afincado en un palacio que data de los siglos XVI y XVII y que fue construido por los jesuitas. Antiguamente funcionaba una prestigiosa escuela, con su biblioteca y un observatorio astronómico muy avanzado para su tiempo. En la actualidad, todo se encuentra cuidadosamente conservado y es un inmenso lugar en el que empaparse de silencio y preciosas obras de arte de diferentes épocas.

Pinacoteca de Brera de Milán (Italia)

La academia de Brera fue concebida como una colección para la formación de jóvenes artistas en sus estudios de Bellas Artes como una voluntad del gobierno de Napoleón como Galería Real, siguiendo el modelo del museo del Louvre. Fue inaugurada oficialmente el 15 de agosto de 1809, como cumpleaños del emperador.

Eran momentos históricos de la invasión de Italia por parte de Napoleón, que se auto promulgó como el rey de los italianos y emperador de los franceses, decidió fundar un museo a la gloria de su inmenso poder político paro también cultural, ordenó el traslado de todas las mejores obras de arte del centro y norte de Italia hacia Milán. La mayoría de las obras procedían de las iglesias conventuales suprimidas y que fueron confiscadas por el ejército napoleónico.

La academia de Bellas Artes fue fundada en 1776 por orden de la emperatriz María Teresa de Austria en el edificio anejo a la iglesia de Santa Maria de Brera, sede del colegio jesuita que había sido suprimido.

Las galerías de la parte noble del palacio se van colgando los cuadros. Prevalecían las obras de artistas del Véneto y de Lombardía de los siglos XV al XVIII de todos los formatos.

La visita comienza por la Sala I, es una amplia galería donde se cuelgan los frescos del arte renacentista de Milán durante el ducado de los Sforza: Donato Brmanete y Bernardino Luini.

“El hombre del mandoble”, obra de Donato Bramante, Pinacoteca de Brera de Milán

El primer fresco que vemos “El hombre del mandoble”, obra de Donato Bramante también llamado Donato de Pascuccio d'Antonio (1444-1514), realzado en pintura al fresco traspasado a un lienzo; tiene unas medidas de 285 x 127 cm.

Se representa la cara del un gigantesco personaje con formas muy viriles, luce vestido una coraza bajo un manto de color rojo, está pintado sobre una enorme hornacina semicircular, decorada con pilastras y cornisas clasicistas, realizada para la cámara de los barones.

Frescos del oratorio de Santa María de Mocchirolo, Pinacoteca de Brera de Milán

La sala I A se pueden ver los frescos del oratorio de Santa María de Mocchirolo de Lentate sul Seveso (Milán), fue trasladado a la sala del museo en 1949. Los frescos pertenecían a la capilla nobiliaria del conde Lanfranco. Se ha atribuido la autoría al Maestro del ciclo de Mocchirolo y podía ser identificado como Pecino da Nova. Las escenas se caracterizan por una narración muy rica en apuntes de costumbres y diferentes ambientes, con una inspiración de la pintura que en esos años realizaba Giovanni da Milano y Giusto de Menabuoi.

Pared derecha frescos del oratorio de Santa María de Mocchirolo, Pinacoteca de Brera de Milán

En la pared derecha aparece representada al completo, los personajes están arrodillados y de perfil en una actitud de homenaje feudal y votivo a la Virgen entronizada. El conde ofrece a la Virgen el modelo de oratorio. Resaltan los diferentes colores y sobre todo los rostros realistas de todos los personajes.

Bóveda frescos del oratorio de Santa María de Mocchirolo, Pinacoteca de Brera de Milán

El resto de los frescos representan el ciclo de la iconografía sagrada, en el centro la Crucifixión , sobre el arco de la bóveda el Redentor dentro de la mandorla, en el lateral izquierdo a San Ambrosio en la silla y el matrimonio místico de Santa Catalina.

Pasamos a la sala II donde se exponen una selección de artistas del siglo XIV que representan el antes y después de Giotto, sobre todo son pinturas con un fondo de oro donde prevalece los artistas de talleres toscanos. Pequeñas tablas junta con frontales de altares y retablos y algún relicario con forma de tríptico.

“San Verano entre dos ángeles y seis historias de su vida”, obra atribuida al Maestro de San Verano, Pinacoteca de Brera de Milán

La primera de las obras de arte del museo “San Verano entre dos ángeles y seis historias de su vida”, obra atribuida al Maestro de San Verano (activo entre 1270-1275); realizada al temple sobre tabla de madera, esta datado sobre 1275; tiene unas medidas de 152 x 97 cm.

Este cuadro frontal estuvo colgado posiblemente en la iglesia de San Verano de Peccioli (Pisa). El esquema iconográfico es el habitual, en el centro el personaje venerado, en este caso es el obispo sobre un fondo dorado y a sus lados está flanqueado por dos ángeles, donde se cuentan historias de animados episodios milagrosos de su vida, desde su bautismo, en el ángulo superior izquierdo, San Pedro bautiza a Verano; Verano con el ángel y la liberación de un endemoniado; El milagro del niño resucitado; Milagro en una basílica; Decapitación de San Verano; El entierro de San Verano.

Las escenas se caracterizan por una cierta narrativa y vivacidad típica del arte bizantino, evidente en las escenas de los milagros: en la resurrección se ve como un niño está tendido en el suelo mientras está de pie en un gesto del obispo, de acuerdo con un esquema elocuente de expresar la acción. Los orígenes son variados y elegantes, aunque es independiente a las figuras que están siempre en un primer plano.

“Madona con Niño y Anunciación” y“Adoración del Niño”, Pinacoteca de Brera de Milán

Las siguientes obras forman un díptico “Madona con Niño y Anunciación”, obra del maestro Crucifijo de Pesaro, fue activo en Venecia, esta datado en el último cuarto del siglo XIV. Y la “Adoración del Niño”, obra de Barnaba da Modena, está datado entre 1363 y 1383, realizados en temple sobre madera.

“Virgen con el Niño”, obra de Ambrogio Lorenzetti, Pinacoteca de Brera de Milán

La siguiente obra “Virgen con el Niño”, obra de Ambrogio Lorenzetti (1285-1348), está realizado en temple sobre madera; tiene unas medidas de 85 x 57 cm.

Es una obra temprana del pintor de Siena donde muestra una relación sentimental que vincula a los protagonistas. Nos sorprende la tierna mirada de la Virgen hacia el niño, vestida con una elegante túnica brocada de flores, el peinado de María muestra una trenza recogida alrededor de la cabeza, al igual que entre las mujeres nobles de la época, el niño es un trabajo temprano por la fuerte monumentalidad escultórica esta fajado en una tela de rayas, parece agitar sus piernas y sus manos en una animado escorzo. La Virgen está metida en una especie de hornacina que describe un arco de media punta por medio de un cordado, destaca las manos grandes de la Virgen y con los dedos muy alargados.

“Cristo Juez adorado por los ángeles”, obra de Giovanni da Milano, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Cristo Juez adorado por los ángeles”, obra de Giovanni da Milano, trabajo entre 1346-1369, realizado en temple sobre tabla de madera, esta datado entre 1360-1365; tiene unas medidas de 152.3 x 88.5 cm.

La tabla era la parte central de un retablo del convento camaldulense de Santa María degli Angeli de Florencia. Donde se representa a Cristo con un rostro muy humano con la actitud de bendecir, está selectamente sentado en actitud de rey de la Justicia , en un faldistorio –elegante asiento originario de la Edad Media que utilizan los obispos– con reposabrazos con formas de leones, como alusión a la autoridad temporal de los papas. A sus pies, sobre una escalera, están sentados cuatro ángeles con los brazos cruzados escuchan su discurso.

“San Lorenzo”, obra de Bernardo Daddi, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “San Lorenzo”, obra de Bernardo Daddi (activo entre 1328-1348), realizado en temple sobre tabla de madera, esta datada en 1340; tiene unas medidas de 43 x 24 cm.

El santo lleva una dalmática ricamente decorada en color rojo, cuello, pecho, en los puños y a lo largo de las costuras principales, por el dorado y el bordado, eran típicos en las ropas diaconales más suntuosas de la época. San Lorenzo está sosteniendo un libro y una rama de palma estilizada, en conmemoración de su martirio. Probablemente a sus pies también tenía que tener, tal vez una pierna apoyada sobre un fuego, el otro atributo que se le asigna en la iconografía.

La mirada se girada a la derecha, hacia donde se encontraba el panel central del retablo: fue entonces una tabla de políptico situada a la izquierda. Su cara se hace en la redondez del claroscuro, con los ojos muy finos y alargados, una de las características del estilo Daddi.

“San Lorenzo”, obra de Bernardo Daddi, Pinacoteca de Brera de Milán

Más adelante podemos ver el díptico “San Juan Bautista, San Lorenzo”, obra de Spinello Aretino (1346 y 1410), están datadas en el siglo XIV; tiene unas medidas cada uno de 99.4 x 46.5 cm.

Spinello fue un alumno del taller de Agnolo Gaddi y estaba bajo la influencia de Orcagna y Nardo di Cione. De 1361 a 1384 trabajó sobre todo en su ciudad natal, en torno a 1370, trabajó en los frescos de la pared exterior de la iglesia de la Santissima Annunziata.

“Crucifixión, Anunciación y treinta santos”, obra de Bartomoleo e Jacopino da Reggio, Pinacoteca de Brera de Milán

Más adelante podemos el relicario “Crucifixión, Anunciación y treinta santos”, obra de Bartomoleo e Jacopino da Reggio, está datado en el tercer cuarto del siglo XIV; tiene unas medidas cada uno de 92 x 67 cm. Expuesto en la sala II.

El relicario es una obra del taller de los hermanos Reggio, es una preciosa tabla muy deteriorada por los extremos donde en el centro se representa una escena de la crucifixión de Cristo con un gran dramatismo una de las Marías está sujeta a la cruz mientras las otras lloran desconsoladamente mientras los ángeles sobrevuelan el cielo.

“Madona entronizada con el niño y ángeles”, obra de Lorenzo Veneziano , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente retablo “Madona entronizada con el niño y ángeles”, obra de Lorenzo Veneziano (1356-1372), realizado en temple sobre tabla de madera; tiene unas medidas la tabla central: 79 x 29 cm; las tablas laterales de: 31 x 13 cm.

El retablo procede del Monasterio de Santa María della Celestia de Venecia, en el centro se encuentra la Virgen acompañada por cuatro santos a cada lado: San Antonio Abad, San Juan Bautista, Santa Catalina y San Nicolás a la izquierda; Santa Andrea, San Vittore, San Marcos y Santa Lucia a la derecha.

Lorenzo Veneziano es una de las figuras fundamentales de la pintura veneciana del trecento, se formo en los talleres venecianos pero completo sus estudios en algún taller de Bolonia renovando sus argumentos en clave del estilo gótico que quedó reflejado en el movimiento en la representación de la vivacidad de la madre y el hijo.

La sala III y IV reúnen una pequeña colección de lo que se llamo gótico internacional, obras con un lenguaje figurado que se difunde a finales del siglo XIV y se prolonga hasta bien avanzado el siglo XV, es una unificación que se produce en las cortes europeas y en los centros menores. Los pintores reproducen con mucha fidelidad a las personas, y sobre todo a las superficies, los tejidos y los adornos, en algunos casos prevalece la mundanidad del lujo profano.

“Madona con el Niño”, obra atribuida a Paolo di Giovanni Fei, Pinacoteca de Brera de Milán

La primera tabla que podemos ver está protegida con una cristal “Madona con el Niño”, obra atribuida a Paolo di Giovanni Fei (1346-1411), realizada en temple sobre panel, está datada entre 1370-1390; tiene unas medidas de 35 x 62. 5cm. Se expone en la sala III.

Paolo di Giovanni Fei es un pintor italiano del gótico tardío, perteneciente a la escuela sienesa. Poseemos poca información sobre la vida de este artista, que a menudo ha sido confundido con Francesco di Vannuccio. Parece que ya se encontraba en Siena hacia 1369. El registro de pintores de la ciudad lo menciona en 1389. Su primer trabajo fechado y firmado es de 1381.

“Anunciación”, obra de Pedro Serra, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Anunciación”, obra de Pedro Serra (1343-1415), realizada en temple sobre panel, está datada entre 1400-1405; tiene unas medidas de 39 x 59cm. Se expone en la sala III.

Pedro Serra provenía de una familia de pintores activos en Cataluña en el siglo XIV. También lo fueron sus hermanos Jaume, Francesc y Joan. Cultivaron los hermanos Serra el estilo ítalo-gótico, de influencia en especial sienesa, como era por otro lado típico del siglo XIV catalán. Realizan figuras menudas, estilizadas, de ojos rasgados y boca pequeña.

“Madona con Niño”, obra de Jacopo Bellini, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Madona con Niño”, obra de Jacopo Bellini, realizada en temple sobre panel, está datada entre 1448; tiene unas medidas de 45 x 50 cm. Se expone en la sala III.

La tabla estuvo colgada en la iglesia de la Visitación di Riviera di Casalfrumanese (Bolonia). La Virgen se representa de medio cuerpo, aparece sobre un fondo oscuro porta el niño sobre las manos, como para ofrecerlo a la contemplación del espectador.

“El Redentor bendiciendo”, obra de Andrea di Bartolo, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “El Redentor bendiciendo”, obra de Andrea di Bartolo (1360-1428), realizada en temple sobre panel, está datada entre 1390; tiene unas medidas de 31 x 73 cm. Se expone en la sala III.

Andrea di Bartolo Cini (entre 1360 y 1370-1428) fue un pintor italiano del final del estilo gótico, activo entre 1389 y 1428 en plena época de transición entre el trecento y el quattrocento, perteneciente a la escuela de Siena.

Era hijo del pintor Bartolo di Fredi, aprendió en el taller de su padre, trabajando en los encargos de éste. Posteriormente trabajó de forma independiente, y a su vez enseñó y fue ayudado por sus propios hijos: Ansano y Giovanni.

“Coronación de la Virgen”, obra de Andrea di Bartolo y Giorgio di Andrea, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente políptico “Coronación de la Virgen”, obra de Andrea di Bartolo y Giorgio di Andrea, realizada en temple sobre panel, está datada en 1415; tiene unas medidas de 160 x 65 tabla central; 142 x 37 tabla izquierda; 142 x 36 cm tabla derecha. Se expone en la sala III.

El políptico se representa además de la escena central de la coronación a Santa Catalina de Alejandría, San Agustín, San Pedro y San Pablo. Estuvo colgado en el Convento de Santa Catalina de Alejandría de San Angelo in Vado (Pesaro).

“Coronación de la Virgen con oferente”, obra de Nicolò di Pietro, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Coronación de la Virgen con oferente”, obra de Nicolò di Pietro conocido como Nicolò Paradiso pintor que estuvo activo entre 1394-1430, realizada en temple sobre panel, está datada entre 1394-1404; tiene unas medidas de 54 x 100 cm. Se expone en la sala III.

Niccolo di Pietro tenía una pronunciada tendencia a adaptarse a la pintura gótica; Los historiadores creen que esta familia fue el principal promotor de la influencia del arte gótico veneciano del norte. Por otro lado, puede ser visto en las obras de Niccolo también una influencia de la escuela boloñesa, que en el siglo XIV encabezaban maestros como Vitale da Bologna, Tommaso da Modena y Giovanni da Bologna, había comenzado a desarrollar una narrativa más realista de los sujetos religiosos. En este sentido, algunos investigadores creen que Niccolo di Pietro podría ser un discípulo de Juan de Bolonia.

“Asunción de la Virgen ; San Sebastián”, obra de Francesco di Gentile, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente díptico “Asunción de la Virgen ; San Sebastián”, obra de Francesco di Gentile, realizada en temple sobre panel, está datada entre 1480-1490; tiene unas medidas de 50x 89 cm. Se expone en la sala IV.

El cuadro de la derecha representa la Asunción de la Virgen es la creencia, de acuerdo a la tradición y teología de la Iglesia católica y de la Iglesia ortodoxa, de que el cuerpo y alma de la Virgen María , la madre de Jesucristo, fueron llevados al Cielo después de terminar sus días en la Tierra. En el mismo, se representa encima, en la coronación al Padre Eterno; rodeada de un conjunto de ángeles.

A la izquierda podemos ver una escena de San Sebastián entre Santo Domingo y San Antonio Abad, San Juan Bautista.

“Crucifixión”, obra de Gentile da Fabriano , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Crucifixión”, obra de Gentile da Fabriano (Gentile di Niccolò di Giovanni di Massio), realizada en temple sobre panel, está datada entre 1405-1412; tiene unas medidas de 40.5 x 60 cm. Se expone en la sala IV.

El trabajo no conoce la ubicación original, pero una antigua inscripción en la parte posterior asegura una procedencia de la región Marche (Ancona). Se lee allí "de cardenal Entre [n] zu [n] Colección ios 1729": antes de entrar en una colección británica fue, de hecho, haber pertenecido al cardenal genovés, Giacomo Franzoni, vescovo di Camerino 1666 a 1693. Es posible que la tabla fuera el panel superior del retablo de Valleromita.

La composición tiene el conjunto clásico, sobre un fondo de oro, con la cruz en el centro de la escena, la Virgen , a la izquierda, San Juan de la derecha y dos ángeles por encima de ellos. De las heridas de Cristo brota sangre. La calidad pictórica de la tabla es muy alta, como lo demuestran los tonos suaves y delicados, las figuras tienen una gran elegancia y manifiestan expresiones de dolor.

“Asunción de la Virgen ”, obra del taller de los Zavattari, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Asunción de la Virgen”, obra del taller de los Zavattari, realizada en temple sobre panel, está datada entre 1440-1444; tiene unas medidas de 72.5 x 100 cm. Se expone en la sala IV.

Los son una familia de pintores activos en Lombardía en el siglo XV. Tenían un taller en Milán, pero también trabajaron en la zona las ciudades próximas. En este cuadro se representa a la Virgen rodeada de ángeles celestiales antes de subir a los cielos.

“Adoración de los Magos”, obra de Stefano da Verona, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Adoración de los Magos”, obra de Stefano da Verona (1375-1438), realizado en temple sobre tabla de madera, está datada entre 1435-1436; tiene unas medidas de 72 x 47 cm. Se expone en la sala IV.

Stefano da Verona es uno de los maestros del gótico internacional italiano. En esta obra podemos ver la madurez ambientada en el asunto sacro que consigue describir una atmósfera de ensoñación subrayada por el lujo de los presentes ofrecidos al Niño, además se manifiesta una suntuosidad de los ropajes del cortejo de los hombres y animales, Abundan los detalles en las escenas secundarias. Las dos flores en el primer plano remiten a los herbarios miniados de los códices del siglo XIV.

Pasamos a la sala V donde se exponen pinturas que inician el estilo renacentista, introducido por el escultor Donatello en Padua y que luego siguió la República de Venecia.

“Retablo de Praglia”, obra de Antonio Vivarini, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Retablo de Praglia”, obra de Antonio Vivarini (1418-1484) y Giovanni d'Alemagna, realizado en temple sobre tabla de madera, está datada entre 1448-1450; tiene unas medidas de inferior: 67 x 33 cm., 62 x 22 cm. central y lateral; superior: 47 x 22 y central y lateral 42 x 22cm. Se expone en la sala V.

El retablo procede del altar mayor de una abadía benedictina situada en las cercanías de Padua. Las figuras son representadas volumétricas, en el panel central, además de la Virgen aparece arrodillado, en reducidas dimensiones, el abad Cipriano Rinaldini.

“San Gregorio; Santa Justina; San Agustín”, obra de Cima da Conegliano, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente políptico “San Gregorio; Santa Justina; San Agustín”, obra de Cima da Conegliano (Giovanni Battista Cima), realizado en temple sobre tabla de madera, está datada entre 1500-1502; tiene unas medidas la tabla central de 76 x 89 cm; las tablas laterales de 76 x 20 cm. Se expone en la sala V.

Giovanni Battista Cima, también llamado Cima da Conegliano (1459-1517) fue un pintor italiano del renacimiento, que en su mayoritariamente trabajó en Venecia. Se le puede considerar parte de la escuela veneciana, aunque él también fue influenciado por Antonello da Messina, en el énfasis que da a los fondos del paisaje y el ambiente tranquilo de sus obras

“La muerte de San Jerónimo”, obra de Lazzaro Bastiani, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “La muerte de San Jerónimo”, obra de Lazzaro Bastiani, realizado en temple sobre tabla de madera, está datado 1485; tiene unas medidas 25 x 152 cm. Se expone en la sala V.

Lazzaro Bastiani nació en Padua, ciudad donde está documentada su actividad como pintor en 1449. Ya en 1460 le encontramos trabajando en Venecia, concretamente en la iglesia de San Samuele.

Parece que se formó como artista en el taller de Antonio Vivarini, aunque es evidente la influencia de Andrea del Castagno en su primer estilo, que comprende una serie de obras realizadas dentro la década de los sesenta. Bastiani presta gran atención al diseño y la perspectiva, con gusto por el detalle: el mosaico firmado de San Sergio, en San Marcos de Venecia, el Arcángel Gabriel del Museo Cívico de Padua o la Pietà de la iglesia veneciana de San Antonino serían buenos ejemplos de este período.

“A la izquierda: San Lucas, la Virgen , San Juan Bautista y San Marcos; a la derecha: Santa Clara, San Jerónimo, San Nicolás y Santa Úrsula” obra de Cima da Conegliano, Pinacoteca de Brera de Milán

Los siguientes dípticos “A la izquierda: San Lucas, la Virgen , San Juan Bautista y San Marcos; a la derecha: Santa Clara, San Jerónimo, San Nicolás y Santa Úrsula” obra de Cima da Conegliano (Giovanni Battista Cima), realizado en temple sobre tabla de madera, está datado entre 1500-1510; tiene unas medidas cada uno de 30 x 25 cm. Se expone en la sala V.

“San Estefan”, obra de Gerolamo da Santacroce , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “San Estefan”, obra de Gerolamo da Santacroce (Gerolamo Galizzi), realizado en temple sobre tabla de madera, está datado entre 1530-1540; tiene unas medidas 40 x 35 cm. Se expone en la sala V.

San Estefan es un protomártir del cristianismo, un diácono en la iglesia primitiva de Jerusalén y despertó las enemistadas con algunos miembros de las sinagogas por sus enseñanzas, fue acusado de blasfemia y fue apedreado hasta su muerte.

El santo se representa en la iconografía con una corona del martirio; representaciones artísticas a menudo lo escenifican con tres piedras y la hoja de palma de mártir

“Cristo muerto sostenido por dos ángeles”, obra de Girolamo da Treviso, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Cristo muerto sostenido por dos ángeles”, obra de Girolamo da Treviso (Girolamo Pennacchi), realizado en óleo sobre tabla de madera, está datado entre 1475-1485; tiene unas medidas 67 x 63 cm. Se expone en la sala V.

Es una de las tendencias de los pintores renacentistas y es el retrato de personas desnudas, lo que exige un estudio previo de la musculatura y los detalles del cuerpo. En este caso vemos a Jesucristo totalmente desnudo cubierto con un paño en la cadera sujetado en los brazos por dos niños con forma de ángeles.

“San Marcos”, obra atribuida al Maestro Giorgio, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “San Marcos”, obra atribuida al Maestro Giorgio, realizado en óleo sobre tabla de madera, está datado 1454; tiene unas medidas 60 x 51 cm. Se expone en la sala V.

Estamos ante una representación muy particular de San Marcos, tiene unos ojos saltones y unas barbas que más bien parecen una caricatura. Al ser un santo evangelista se representa con un rollo de pergamino. El halo o círculo de santo se realiza sobre un fondo dorado y punzonado que da relieve a la tabla. Se desconoce el autor y se le ha atribuido al llamado Maestro Giorgio, pintor que estuvo activo durante el siglo XV en la región de Venecia.

Pasamos a la sala VI que presenta pinturas venecianas renacentistas de formato mediano, datadas entre la segunda mitad del siglo XV y las primeras décadas del siglo XVI, entre ellas se encuentra algunas de las mejores obras maestras del arte italiano.

“Disputa de San Estefan”, obra de Vittore Carpaccio , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Disputa de San Estefan”, obra de Vittore Carpaccio (1460-1525), realizado en óleo sobre lienzo, está datado 1514; tiene unas medidas 147 x 172 cm. Se expone en la sala VI.

El lienzo fue encargado por la hermandad de artesanos y comerciantes de lana para una de las escuelas más pequeñas de Venecia. Fue ampliada en 1476 y aumentó en un número masivo de inscripciones en 1506.

El tema del cuadro nos plantea el sermón de San Estefan que habla en el Sanedrín de Jerusalén, sirvió de estimuló narrativo del pintor, que creó ricamente en ambiente exótico y fantástico rodeado de gran detalle.

La escena se desarrolla en el escenario de planta baja, en particular es una logia renacentista. Estefan se encuentra en un asiento en la parte superior del Sanedrín, rodeado de hombres sabios, algunos le escuchan y otros le rebaten y, más hacia la derecha, hay una multitud de dignatarios vestidos de venecianos y poco interesados en la escena sagrada. El hombre con la capa roja y barba larga Carpaccio parece rendir homenaje a San Jerónimo y San Zacarías. En una de las columnas se puede ver la firma y la fecha (VICTOR / CARPATHIUS / Pinxit y M / D.XIIII). La construcción de la perspectiva es rigurosa, especialmente con el pórtico en el primer plano, donde se acortan todos los volúmenes, incluso aquellos más relacionados con los detalles de menor importancia, tales como libros y sombras en los escalones.

El fondo está decorado con una rica arquitectura, entre las que podemos ver una pirámide que culmina en una esfera opalescente (que se asemeja a la pirámide de Cayo Cestio), una estatua ecuestre en un pedestal con columnas cubiertas de nichos con estatuas (inspirada monumento a Bartolomeo Colleoni de Verrocchio), una torre con galería, un pueblo amurallado con altas torres defensivas. Los edificios están apretados contra el fondo de las colinas y describen suavemente en la sombra de Véneto en los tonos verdes y marrones, que mejoran las figuras anteriores.

“San Pedro entronizado con los santos Juan Bautista y Pablo”, obra de Cima da Conegliano, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “San Pedro entronizado con los santos Juan Bautista y Pablo”, obra de Cima da Conegliano (Giovanni Battista Cima), realizado en óleo sobre tabla, está datado entre 1515-1516; tiene unas medidas 155 x 146 cm. Se expone en la sala VI.

La tabla probablemente fue hecha para el convento franciscano de Santa María Mater Dominis en Conegliano. El retablo es una típica conversación sagrada de Venecia, situado en una terraza luminosa, con dos aberturas en el paisaje a ambos lados. En el centro se encuentra el trono de San Pedro, vestido como un Papa con la triple corona, el manto blanco, guantes y una cruz procesional en la mano. A los pies podemos ver depositadas las llaves del reino de los cielos, su atributo más típico. Por debajo hay un ángel músico que toca un laúd con una expresión melancólica.

A los lados se ven los santos Juan Bautista, con el hábito del ermitaño y la cruz de la que le cuelga un pergamino con la inscripción Ecce Agnus Dei; a la derecha está San Pablo, con la espada, el libro y el manto típicamente rojo.

“San Estefan; San Agustín; Nicola Tolentino”, obra de Francisco Bissolo , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “San Estefan; San Agustín; Nicola Tolentino”, obra de Francisco Bissolo (1492-1554), realizado en óleo sobre tabla, está datado 1510; tiene unas medidas 115 x 58 cm tabla central, 155 x 43 tablas laterales. Se expone en la sala VI.

Francisco Bissolo fue discípulo y ayudante de Giovanni Bellini, estuvo con él durante la decoración del Palacio Ducal de Venecia (1492). Como artista independiente siempre mantuvo un fuerte vínculo con la manera de pintar del maestro, aunque introdujo algunas novedades como una mayor suavidad en el modelado de las figuras y una mayor expresividad en los rostros. Parece que tuvo alguna relación con el pintor Domenico Mancini, algunas de cuyas obras le han sido atribuidas a Bissolo.

“Presentación de la Virgen en el templo”, obra de Vittore Carpaccio, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Presentación de la Virgen en el templo”, obra de Vittore Carpaccio (1460-1525), realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1502-1505; tiene unas medidas 130 x 137 cm. Se expone en la sala VI.

En un templo de Jerusalén hacia el año 12 a. C, María debe tener tres años pero se la representa algo más mayor. Los personajes vemos en la escena es a María con sus padres y el sumo sacerdote. En lo alto de una escalera podemos ver al Sumo sacerdote como recibe con los brazos abiertos a María. En la escalera arrodillada está María en una prefiguración de la Inmaculada. Sus padres y parientes observan la escena desde el suelo. La escena puede verse a un ciervo simboliza el alma descrito en el salmo 42 que busca a Dios. También la imagen del bien y de la prudencia, por su capacidad de escapar de los depredadores.

“Milagro de la pureza de la Virgen ”, obra de Vittore Carpaccio, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Milagro de la pureza de la Virgen ”, obra de Vittore Carpaccio (1460-1525), realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1502-1505; tiene unas medidas 130 x 137 cm. Se expone en la sala VI.

El milagro de la desfloración muestra el matrimonio de María, cuando en el templo de Jerusalén, se presenta majestuosamente retratado en un derroche de decoraciones de mármol, incluyendo una visión de una menoráh o lámpara judía, que se celebra con el concurso entre los hombres mayores que, en presencia del Supremo sacerdote había llevado para tratar el tema personal de la desfloración a la Virgen niña. Sólo el anciano José encuentra el hecho en un milagro, y aparece el hombre por sorpresa con la curiosidad de poder ver a la joven novia, mientras que otros contendientes echan sus varillas de enojo en el suelo. La aparición de un ángel, arriba a la derecha, certifica la intervención divina, mientras que José mantiene la virginidad de María.

El pintor tiene mucho cuidado en la descripción del templo: los objetos litúrgicos en la mesa de madera en el primer plano, las pintadas en hebreo, altar con el fuego sagrado, y a la decoración en la alfombra oriental.

“Retablo de San Lucas”, obra de Andrea Mantegna, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Retablo de San Lucas”, obra de Andrea Mantegna (1430-1506), realizado en temple sobre tabla, está datado entre 1453-1454; tiene unas medidas 177 x 230 cm. Se expone en la sala VI.

Estamos ante una de las primeras obras de Andrea Mantegna, fue pintada para la capilla de San Lucas de la iglesia benedictina de Santa Giustina de Padua. El artista presenta la típica estructura del retablo dividido en varias calles con fondos de color oro y con soluciones propias de la pintura renacentista en la presentación del espacio. Los austeros santos del registro inferior se apoyan en un único pedestal en perspectiva, mientras que las sólidas figuras del registro superior se asoman por las ventanas de los arcos apuntados. Los materiales que conforman el atril y el trono están reproducidos con una gran exactitud; los rostros tienen características de auténticos retratos.

“Santa Orsole en compañía de la Virgen”, obra de Giovanni Martini da Udine, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Santa Orsole en compañía de la Virgen”, obra de Giovanni Martini da Udine (1470-1535), realizado en óleo sobre lienzo, tiene unas medidas 185 x 220 cm. Se expone en la sala VI.

El cuadro estuvo colgado en la iglesia de San Pedro Mártir de Udine. El pintor firmo curiosamente en la inscripción del pedestal: ESSENDO/CA/MERAR/MAGISTRO/ANTHONIO/MANZIGNEL/MCCCCCVII. Al principio de su carrera como pintor se vio influido por la obra de Alvise Vivarini, sobre todo en los encargos de retablos. Más tarde se centró también en la talla de madera, era el arte tradicional del taller de su familia, en la confección de retablos y estatuas decoradas.

“La Virgen de los querubines”, obra de Andrea Mantegna, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “La Virgen de los querubines”, obra de Andrea Mantegna (1430-1506), realizado en temple sobre tabla de madera, esta datado en 1485; tiene unas medidas 88 x 70 cm. Se expone en la sala VI.

La tabla estuvo colgada en Venecia en la iglesia de Santa María la Mayor cuando, durante la supresión napoleónica, fue requisado y destinado a la Pinacoteca de Brera, donde llegó en 1808.

La obra representa a María con el Niño que se coloca en su regazo, apoyados en las rodillas, mientras que en el fondo de un cielo claro un coro de querubines (con las alas azules) y serafines (con las alas rojas) canta himnos.

La madre y el hijo no se miran, como es típico en este tipo de obras, pero su familiaridad se expresa por los gestos tiernos, como el abrazo amoroso de Jesús en el cuello de María o la tierna caricia de la mano del niño. El tono profundo y la melancolía de la Virgen expresa la conciencia de la trágica suerte que sufrirá su hijo, que prefigura la pasión.

“Madona con el Niño”, obra de Giovanni Bellini, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Madona con el Niño”, obra de Giovanni Bellini (1430-1516), realizado en temple sobre tabla de madera, esta datado entre 1460-1464; tiene unas medidas 82 x 62 cm. Se expone en la sala VI.

La obra se encuentra en el Palacio Ducal de Venecia para la Oficina de Reguladores a la Escritura , luego fue trasladado a Milán a la Pinacoteca de Brera en 1808.

El cuadro hace un homenaje renacentista al pasado arcaísmo en el mundo del arte como una tendencia para referirse a formas primitivas del arte bizantino, con respecto al fondo de oro, el hieratismo y la frontalidad de las figuras.

“Transfiguración”, obra de Andrea Previtali, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Transfiguración”, obra de Andrea Previtali (1470-1528), realizado en óleo sobre tabla de madera, esta datado en 1513; tiene unas medidas 147.5 x 137.7 cm. Se expone en la sala VI.

El cuadro nos presenta un hermoso paisaje de campo, que se pierde hacia la izquierda en el mar con unos barcos. Un paisaje natural, es idílico, muestra la influencia de la pintura veneciana en el estilo de Andrea Previtali (que se formó en Venecia). Detrás de Jesús, hay un frondoso bosque está dominado por la presencia del Espíritu Santo, enviado directamente desde el cielo (ver los rayos de oro provienen de las nubes). Este cuadro no es un referente de la iconografía típica de la Transfiguración. Los tres discípulos, que en la iconografía tradicional tenían un papel importante y estaban representados en las cercanías de Jesús, en este cuadro son relegados a la derecha a la distancia, y casi no se destacan.

“Madona con el Niño”, obra de Giovanni Bellini , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Madona con el Niño”, obra de Giovanni Bellini (1430-1516), realizado en óleo sobre tabla de madera, esta datado en 1510; tiene unas medidas 85 x 118 cm. Se expone en la sala VI.

La tabla fue pintada cuando Bellini ya tenía cerca de unos ochenta años y ya se había establecido como uno de los artistas más prestigiosos del renacimiento veneciano, capaces de mantenerse al día con las últimas tendencias del arte.

El trabajo es muy parecido al cuadro con la Madonna de la pradera, que hizo unos años antes, y con la Virgen con el Niño Bendiciendo (hoy se encuentra en el Instituto de Artes de Detroit) que había pintado el año anterior. A pesar de que carecen de una interpenetración directa de los temas sagrados en relación con el fondo, el paisaje está siendo ajustado a los valores atmosféricos de la pintura tonal.

La figura monumental de María sentada en un trono se destaca en el paisaje por medio de una cortina verde, con el Niño de pie sobre sus rodillas en el acto de bendición hacia el espectador. La gran cortina ampliar el volumen de su cuerpo, según los esquemas del siglo XV. El protagonista de la representación es ahora el color, el cual gira todo al resto de la composición.

El paisaje, la luminosidad cálida, está salpicada de meticulosamente retratando figuras que se derivan de la tradición del gótico tardío, Bellini aprendió de su padre Jacopo, para estudiar los detalles de forma individual. A la izquierda se encuentra un guepardo sobre una piedra clásica, donde se encuentra en mayúsculas la firma del artista y la fecha 1510 (IOANNES BELLINUS MDX). Notable es también la representación de las actividades agrícolas y los pequeños animales y figuras humanas, mientras que en la distancia las montañas se pierden de tonos por la pálida niebla y las nubes azules, de acuerdo con las reglas de la perspectiva aérea. El resultado es un paisaje ordenado y unificado por la luz dorada, que también implica a la Virgen dotando a todo el conjunto de una unidad y armonía.

“Piedad”, obra de Giovanni Bellini , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Piedad”, obra de Giovanni Bellini (1430-1516), realizado en temple sobre tabla de madera, esta datado entre 1455-1460; tiene unas medidas 86 x 107 cm. Se expone en la sala VI.

La tabla se fecha generalmente en aquellos años en los que la producción de Giovanni Bellini (cuñado) se debe liberarse a sí mismos de manera decisiva de la influencia de Andrea Mantegna, en el que el artista estaba vinculado por lazos de intereses comunes y el parentesco cultural.

La pintura, ahora en la colección Sampieri en Bolonia entró en Brera en 1811, con fondos donados por el Virrey del Reino de Italia, Eugenio de Beauharnais. En la actualidad se coloca al final del pasillo de los pintores venecianos del Renacimiento.

Detalle “Piedad”, obra de Giovanni Bellini

El cuerpo de Cristo muerto esta apoyado en la Virgen (izquierda) y San Juan de la derecha, con facilidad obvia que delata una cierta falta de peso. La mano de Jesús descansa en la parte superior de una losa de mármol en el que está la firma del artista y una frase del libro de las Elegías de Propercio (FERE EAEH QVVM GEMITVS TVRGENTIA LVMINA PROMANT / BELLINI POTERAT Ioannis OPVS, "Estos ojos hinchados casi emitir gemidos, esta obra de Giovanni Bellini derramar lágrimas "), de acuerdo con un modelo derivado de la pintura flamenca, ya utilizada por Mantegna y los artistas de Padua. Tal artificio separa el mundo real del espectador a partir de los cuadros, sino a través de traspasar la frontera, realizado en este caso por el contrario, se intenta la fusión ilusoria entre los dos mundos.

La nitidez de contorno y elementos gráficos (en líneas de cabello de Juan pintado uno por uno o en la vena de los brazos de Cristo) aún recuerdan las obras de Mantegna, pero el uso del color y la luz es muy diferente a la de su cuñado. Los tonos son, de hecho, se suavizaron y tratan de devolver un efecto de iluminación natural, un día claro al aire libre, frío y metálico como el amanecer del renacimiento, lo que favorece el sentido angustiado de la escena, por lo que en cierto sentido es como una caja de resonancia de las emociones humanas.

En lugar de centrarse en el espacio de la perspectiva, Bellini parece más bien indicando la representación de la humanidad sufriente de los personajes, derivado del ejemplo de Rogier van der Weyden, en un estilo que más tarde se convirtió en uno de los rasgos más característicos de su arte. Los volúmenes de figuras esculturales que se interponen contra el cielo claro, amplifican el drama, que se condensa en el diálogo silencioso entre madre e hijo, mientras que los ojos de San Juan revela una consternación. El intercambio de emociones se refleja a continuación, en el hábil juego de manos, con una sensación de dolor y amargura.

“Cristo muerto y tres personajes dolientes”, obra de Andrea Mategna, Pinacoteca de Brera

En una sala aparte se expone con una luz especial “Cristo muerto y tres personajes dolientes”, obra de Andrea Mategna, realizado en temple sobre lienzo, está datado entre 1480-1490; tiene unas medidas de 68 x 81. Se expone en la Sala VII.

La escena muestra a Cristo muerto, tendido sobre una losa de mármol de forma casi perpendicular al espectador, representa a uno de los escorzos –es recurso de la pintura, del dibujo y de la fotografía que se utiliza para dar la sensación de profundidad– más violentos de la historia de la pintura. En un fuerte contraste de luces y sombras, la escena transmite un profundo sufrimiento y desolación. La tragedia se potencia dramatizando la figura de Cristo por su violenta perspectiva y la distorsión de sus detalles anatómicos, en especial el tórax. Los estigmas de las manos y los pies están representados sin idealismo ni retórica. La sábana que cubre parcialmente el cadáver, está pintada en los mismos tonos que el cuerpo, contribuye al efecto sobrecogedor del conjunto que concluye en los rasgos de la cabeza, inclinada e inmóvil.

Se trata de un tema común en el Renacimiento (la lamentación sobre Cristo muerto, con precedentes del pintor Giotto) pero nunca hasta entonces se había reflejado de una forma tan rotunda el carácter definitivo de la muerte.

Un detalle que sorprende es la elección de poner los genitales de Jesús en el centro geométrico del cuadro.

Cristo está rodeado por la Virgen María, San Juan Evangelista y por una tercera figura, identificada como una mujer piadosa o con María Magdalena, que lloran su muerte. La desproporción de sus rostros, excesivamente grandes, con lo pequeño de sus manos en primer plano y lo descompensado de su integración en la composición hacen pensar en que son un añadido posterior de otro artista.

La pintura, comparada con las concepciones artísticas propias de la Edad Media , muestra una innovación propia del Renacimiento al representar una figura humana sin simbolismos. Mantegna se concentró en un modo muy específico en retratar el trauma físico más que el emotivo, contrario, por tanto, al ideal espiritual.

Probablemente el cuadro estaba destinado a la capilla funeraria del mismo Mantegna. Fue encontrado por sus hijos en su estudio y vendido para pagar sus deudas.

Pasamos a la sala VIII es uno de los cuatro salones neoclásicos llamados “napoleónicos”, en la nave central de la antigua iglesia de Santa María de Brera para albergar la Galería real fundada por Napoleón. Ha sido dedicada a la pintura veneciana del siglo XV y XVI.

“Madona en el trono con el Niño”, obra de Francesco Morone, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Madona en el trono con el Niño”, obra de Francesco Morone (1471-1529), realizado en temple y óleo sobre tabla lienzo, esta datado en 1503; tiene unas medidas 235 x 144 cm. Se expone en la sala VIII.

Francesco fue un pintor italiano hijo y alumno de Domenico Morone, aparte de su padre, recibió la influencia del estilo de Giovanni Bellini, Antonello da Messina y Andrea Mantegna. En los años del cambio de siglo su estilo se fue haciéndose más dulce, adquiriendo un vago aire hacia Leonardo da Vinci al estilo de Francesco Bonsignori.

“San Bernardino de Siena y ángel”, obra de Andrea Mantegna, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “San Bernardino de Siena y ángel”, obra de Andrea Mantegna, realizado en temple sobre lienzo, esta datado en 1460; tiene unas medidas 385 x 220 cm. Se expone en la sala VIII.

La pintura estuvo colgada en la capilla funeraria del marqués Ludovico III Gonzaga, dedicada a San Bernardino y situado en la iglesia de San Francesco en Mantua. Fue adquirida por la galería de Brera en 1811

La pintura representa al santo en una posición central. Sostiene el monograma IHS (en referencia al nombre de Jesús) en una placa de oro, que por lo general aparece en la parte final de sus sermones. Está de pie sobre una plataforma cubierta con una alfombra oriental. A sus lados dos ángeles, y, sobre el arquitrabe situado en su cabeza, hay cuatro querubines.

El arquitrabe lleva la inscripción “HUIUS LINGUA SALUS HOMINUM”, que significa “Su palabra es la seguridad de los hombres”. El arco está decorado en los adornos con flores y frutas, un elemento típico de las pinturas de Mantegna en Padua, influenciado por Francesco Squarcione. En la parte baja hay una cartela con la fecha de 1460.

“Sacra conversación”, obra de Cima da Conegliano, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Sacra conversación”, obra de Cima da Conegliano, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1490; tiene unas medidas 301 x 211 cm. Se expone en la sala VIII.

La Sacra Conversación donde se representa a la Madona entronizada con el Niño rodeado de monjes y devotos en oración, con los Santos Juan Bautista, Rocco y María Magdalena, donde el pintor quiso realzar la pintura de la combinación de colores cálidos con colores fríos.

“San Marcos bautiza a Aniano”, obra de Giovanni Mansueti, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “San Marcos bautiza a Aniano”, obra de Giovanni Mansueti (1465-1527), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1518; tiene unas medidas 335 x 135 cm. Se expone en la sala VIII.

La obra estuvo colgada en la Escuela Grande de San Marcos de Venecia. En principio, estuvo atribuida a Gentile Bellini. Presenta una curiosa interpretación que hace de los arcos en una arquitectura muy particular subrayado en oro, aunque predominan los personajes del primer plano dentro de un arte más figurativo, donde las personas llevan unas pintorescas indumentarias que hacen un cuadro irreal.

“Asunción de la Virgen”, obra de Alvise Vivarini, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Asunción de la Virgen”, obra de Alvise Vivarini (1450-1505), realizado en temple sobre tabla, esta datado en 1478; tiene unas medidas de 225 x 114 cm. Se expone en la sala VIII.

La Virgen se encuentra en pleno ascenso a los cielos metida dentro de almendra de luz y rodeada por pequeños ángeles que la acompañan en su vuelo. En la parte inferior de los apóstoles expresan con su asombro con diversos gestos y actitudes envueltos en sus túnicas.

“Madona entronizada con el niño”, obra de Marcello Fogolino, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Madona entronizada con el niño”, obra de Marcello Fogolino (1488-1558), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1505-1508; tiene unas medidas de 203 x 160 cm. Se expone en la sala VIII.

El cuadro estuvo colgado en la capilla de Santa Bárbara en el cementerio de la Santa Cruz de Venecia. La Virgen está acompañada de San Job y San Gotardo.

San Job es pintado con una erupción pruriginosa es la prueba de Satán como fue la enfermedad de la sarna maligna que le invadió el cuerpo desde la plantas de los pies hasta la coronilla.

“San Luis y San Francisco portan el monograma de Cristo”, obra de Francesco Bonsignon, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “San Luis y San Francisco portan el monograma de Cristo”, obra de Francesco Bonsignon, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1506-1507; tiene unas medidas de 110 x 170 cm. Se expone en la sala VIII.

El cuadro estuvo colgado en la iglesia de San Francisco de Montova. Los santos nos presentan un inmenso monograma circular en el que se puede leer en letras capitales doradas "CELESTIVM TERESTRIVM ET INFERNORVM INNOMINE IESV OMNE".

“Madona con el niño”, obra de Bartolomeo Montagna, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Madona con el niño”, obra de Bartolomeo Montagna (1450-1523), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1499; tiene unas medidas de 410 x 260 cm. Se expone en la sala VIII.

El cuadro estuvo colgado en San Miguel de Vicenza. La Virgen se representa acompañada entre los Santos Andrés, Mónica, Úrsula y Segismundo y ángeles tocando instrumentos. El cuadro tiene una representación arquitectónica en el interior del ábside de una iglesia donde los personajes destacan por un equilibrado colorido.

“Madona entronizada con el niño”, obra de Bartolomeo Montagna

El siguiente cuadro “Madona entronizada con el niño”, obra de Bartolomeo Montagna (1450-1523), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1490-1491; tiene unas medidas de 215 x 166 cm. Se expone en la sala VIII.

El cuadro estuvo colgado en la iglesia de San Biagio de Vicenza. La Virgen está acompañada de los santos Francisco y Bernardino. El pintor se traslada a en Venecia donde comienza a trabajar en el taller de Giovanni Bellini, pues su estilo inicial está muy ligado al del maestro veneciano.

“Santa Elena y Constantino con los Santos Roco y Sebastián”, obra de Jacopo Negretti , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Santa Elena y Constantino con los Santos Roco y Sebastián”, obra de Jacopo Negretti conocido como Palma el Viejo (1480-1528), realizado en óleo sobre tabla, esta datado entre 1520-1522; tiene unas medidas de 143 x 61 cm. Se expone en la sala VIII.

Cuando Palma llegó a Venecia al principio del siglo XVI, fue compañero y rival de Lorenzo Lotto, y alumno de Tiziano. Los primeros trabajos de Palma están influenciados por Andrea Previtali y hay críticos que afirman no era tan importante la influencia atribuida a Gentile Bellini. Su estilo, marcado por los estudios de Giorgione y Tiziano, lo sitúan con claridad en la cúspide de los pintores venecianos considerados de segunda fila detrás de los grandes maestros.

Los trabajos de Palma demuestran una superior riqueza de colores, aunque no sobresalió por su inventiva y le faltó un dibujo y unas pinceladas vigorosas.

“San Marcos predicando en una plaza de Alejandría en Egipto”, obra de Gentile Bellini y Giovanni Bellini, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “San Marcos predicando en una plaza de Alejandría en Egipto”, obra de Gentile Bellini y Giovanni Bellini, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1504-1507; tiene unas medidas de 347 x 770 cm. Se expone en la sala VIII.

Detalle “San Marcos predicando en una plaza de Alejandría en Egipto”

El enorme lienzo adornaba la sala de recepción de la Scuola Grande di San Marco en Venecia, una de las cofradías más prestigiosos y poderosas de la ciudad

La pintura fue iniciada por Gentile en julio de 1504, pero falleció repentinamente , después de su muerte (febrero de 1507), cuando ya estaba se había realizado una buena parte del lienzo pasó el trabajo a su hermano Juan. Probablemente, la invitación a acabar con ella debía ser hecha por su hermano, incluso antes de su muerte, probablemente, al conocer su estado de salud, lo que justifica la inclusión de la cláusula en el testamento bajo el cual a Juan sería entregado el precioso cuaderno de dibujos paternos, que había levado a cabo hasta entonces por Gentile. La comisión se confirmó a Juan para la terminación del cuadro 7 de marzo de 1507.

La escena está llena de ideas tomadas de la vida, con una representación exótica, que el pintor pudo estudiar en persona durante su viaje a Constantinopla entre 1479 - 1480. Las referencias a la arquitectura mameluca, en lugar de otomana, que vio durante el viaje del pintor hasta Jerusalén

Detalle: “San Marcos predicando en una plaza de Alejandría en Egipto”

No está claro que parte hizo cada uno de los hermanos. La crítica moderna se refiere a la parte de Gentile, a excepción de las zonas retocadas, la mitad derecha del cuadro, mientras que a Juan se asigna con cierto grado de certeza los retratos de la parte izquierda y algunos miembros del grupo básico.

El lienzo se redujo en un período no especificado, cortando una tira en la parte superior, donde puso fin a las arquitecturas que ahora aparecen cortadas. El trabajo llegó a Brera en 1809 a raíz de las supresiones napoleónicas.

La plaza de San Marcos está representada en el cuadro mediante el puente situado a la izquierda que representa a Venecia en una imaginaria Alejandría. En el frente podemos ver un grupo heterogéneo de personas, entre ellos algunos otomanos con turbante, una serie de mujeres turcas cubiertas por un largo velo blanco, y una serie de dignatarios venecianos con su ropa, forma un contraste con el exotismo de los otros personajes. El fondo se compone de un gran escenario de la ciudad cerrado por tres lados, una clara concepción de Gentile, dominado por la imponente basílica-mezquita que se parece a una combinación de San Marcos en Venecia (con mármol y refleja el tema del arco como coronación) y Santa Sofía en Constantinopla (con la arquitectura semicircular). A la izquierda hay un alto obelisco entre los minaretes y la derecha una torre campanario, un minarete y una columna de honor. En los laterales tienen un conjunto de edificios sencillos, con paredes de yeso blanco liso, cubren los edificios altos y estrechos ya pintadas por su hermano, como lo muestran las radiografías.

Detalle “San Marcos predicando en una plaza de Alejandría”

Entre los muchos personajes venecianos se reconocen los miembros de la Gran Escuela, dignatarios y figuras prominentes de la ciudad, y algunos retratos simbólicos, como el que en el grupo de hombres en el plano a la derecha, de Dante Alighieri, reconocible por la corona de laurel, lo que implica la reciente conquista de la ciudad veneciana de la Romagna, incluyendo Rávena en el que fue enterrado el poeta.

Desde el punto de vista de la pintura se caracteriza por la ausencia de una verdadera profundidad espacial estilística, deseada para la ubicación original particular de la obra, que colgaba a lo largo de una de las paredes de las áreas rectangulares de la gran escuela. La lectura ideal se lleva a cabo, de hecho, de una forma lineal a lo largo de los dos compuestos paralelos planos horizontales del grupo de figuras y desde el fondo con el majestuoso edificio central. Los elementos no están todos conectados al mismo punto de fuga, como una pintura típica de Gentile, que Juan, en parte, trato de corregir. Esto se ve claramente en la campana, adosada a la derecha de la basílica.

“Crucifixión”, obra de Michele de Verona, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Crucifixión”, obra de Michele de Verona, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1501; tiene unas medidas de 335 x 720 cm. Se expone en la sala VIII.

El cuadro fue un encargo para el refectorio del monasterio de San Giorgio in Braida de Verona encargado por Nicolás Orsini. La escena se representa como si debiera de tener lugar en un escenario único aunque hay tres episodios diferentes que pertenecen a la Crucifixión de Jesús: la conversión del centurión, esbirros jugando a los dados con las vestiduras de Cristo y la Virgen de los desmayos.

“San Pedro Mártir y San Nicolás de Bari y San Benito”, obra de Cima da Conegliano, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “San Pedro Mártir y San Nicolás de Bari y San Benito”, obra de Cima da Conegliano (Giovanni Battista Cima (1459-1518), realizado en óleo sobre tabla, esta datado entre 1505-1506; tiene unas medidas de 330 x 216 cm. Se expone en la sala VIII.

El cuadro estuvo colgado en la iglesia Corpus Domini de Venecia. Se presenta al santo dominico en una posición elevada, a ambos lados hay dos personajes que están ricamente descritos dentro de una estructura arquitectónica clasicista que deja ver a través de un gran arco un luminoso paisaje.

Pasamos a la sala IX donde se exponen la pintura del siglo XVI de la triunfante República de Venecia, fruto del comercio se trajo a mercaderes y aristócratas que quieren contribuir a la decoración de las iglesias y las sedes de sus cofradías.

“La Piedad”, obra de Lorenzo Lotto, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “La Piedad”, obra de Lorenzo Lotto (1480-1557) realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1545; tiene unas medidas de 185 x 150 cm. Se expone en la sala IX.

La obra fue pintada para la iglesia de la orden de los dominicos de San Paolo de Treviso, representa una interpretación nórdica de la piedad, ajena a la pintura de la escuela veneciana.

El drama se transmite a la pintura de una forma piramidal donde los cuerpos resaltan por el fondo oscuro: el cadáver del Hijo a plena luz, tendido sobre las piernas de su Madre, sentada y sostenida por las axilas por San Juan. La crisis religiosa que afectaba a la iglesia influyó también en el pintor por su forma de entender sus creencias profundamente religiosas.

“San Jerónimo penitente”, obra de Tiziano Vecellio, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “San Jerónimo penitente”, obra de Tiziano Vecellio (1488-1576) conocido por Titian, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1555; tiene unas medidas de 235 x 125 cm. Se expone en la sala IX.

La obra perteneció a la iglesia de Santa Maria Nuova, de Venecia, de la que fue llevada en 1808 a la Brera. La forma del arco superior fue una adaptación, quizás por parte del artista, después de haberse terminado.

A través de un claro en el bosque se adivina el sol radiante de una puesta de sol, que ilumina las piedras y la piel del asceta hacia una tonalidad de oro viejo. En la composición, el marco manierista de diagonales cruzadas sirve para acentúa la vitalidad de la naturaleza salvaje, y sugiere que el viento está soplando. Después de haber roto la vieja relación entre la pintura tonal y los efectos crepusculares, Tiziano se dedicó al estilo monumental, pero sin tener una idea retórica preconcebida. El éxito y la popularidad de esta pintura se muestran por la existencia de numerosas réplicas, copias y derivaciones.

“Última cena”, obra de Paolo Caliari , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Última cena”, obra de Paolo Caliari conocido como Veronese, realizado en óleo sobre tabla, esta datado entre 1570-1580; tiene unas medidas de 220-523 cm. Se expone en la sala IX.

El cuadro representa un clásico como la última cena en un suntuoso palacio en el estilo clásico, inspirado en las formas de las obras de Palladio. Es un ejemplo cotidiano de la vida en la rica Venecia que sigue celebrado pomposamente en fiestas y banquetes, que son completamente incompatibles con los lugares sagrados donde los acontecimientos representados se llevaron a cabo según la narrativa del Evangelio.

“Bautismo y tentación de Cristo”, obra de Paolo Caliari, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Bautismo y tentación de Cristo”, obra de Paolo Caliari conocido como Veronese, realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1582; tiene unas medidas de 248 x 450 cm. Se expone en la sala IX.

El cuadro estuvo expuesto en la iglesia de San Nicoletto della Lattuga de Venecia. El pintor aprendió de los grandes venecianos, Tintoretto y Tiziano, así como los pintores de Emilia-Romana, como Parmigianino. Se lo considera creador, junto con Tiziano, de un gusto suntuoso y colorista, que en Venecia se prolongó hasta el siglo XVIII.

“Retrato de un joven hombre”, obra de Jacopo Robusti, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Retrato de un joven hombre”, obra de Jacopo Robusti conocido como Tintoretto, realizado en óleo sobre tabla, esta datado entre 1540-0560; tiene unas medidas de 115 x 85 cm. Se expone en la sala IX.

Se desconoce el personaje quien sea el retratado, y dado su atuendo, el modelo podría haber sido un hombre noble de los muchos que posaron para Tintoretto en su estudio veneciano. Con aire altivo, el personaje parece que quiera iniciar un diálogo con el espectador, una característica del expresionismo personal del pintor, que centra la atención en el rostro y las manos sirviéndose de la técnica del impasto, mientras que las vestiduras se tratan con toques rápidos, fluidos y sueltos de modo que, con pocos medios, transmite la fuerza interior del retratado.

“Retrato del conde Antonio di Porcia e Brugnera”, obra de Tiziano Vecellio, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Retrato del conde Antonio di Porcia e Brugnera”, obra de Tiziano Vecellio (1488-1576) conocido por Titian, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1535-1540; tiene unas medidas de 115 x 93 cm. Se expone en la sala IX.

Antonio Porcia, era un noble de Pordenone, había sido retratado por Tiziano para el castillo de la familia hasta que Alfonso Porcia lo transfirió a su residencia en Milán. Fue adquirido por Eugenia Litta Visconti Arese, quien lo donó al Brera en 1891.

El retrato, de tres cuartos y media figura, está ubicado cerca de una ventana, desde donde se puede ver un paisaje brumoso. El personaje está vestido de negro, color de la nobleza por excelencia y llevaba un collar honorífico.

“La disciplina es el freno”, obra de Tiziano Vecellio, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “La disciplina es el freno”, obra de Tiziano Vecellio (1488-1576) conocido por Titian, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1544, tiene unas medidas de 104 x 155 cm. Se expone en la sala IX.

El cuadro está dominado por una figura central femenina, está elegantemente peinada con las cadenas de perlas alrededor de su cuello y en el pelo, aprieta uno de los senos para que expulsar leche, de acuerdo con una alusión común a la abundancia y la prosperidad. A la derecha, tres personajes reciben los símbolos del poder religioso y real: la tiara, la corona y el cetro; a la izquierda, en cambio, tres figuras masculinas con ninguna connotación particular, son amenazados por el látigo amenazante que la mujer levanta en la mano derecha. La mujer aplasta una antigua figura lívida acompañado de un animal marino, la activación de una serie de diferentes y complejas señales interpretativas.

“Cena en casa de Simón el fariseo”, obra de Paolo Caliari, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Cena en casa de Simón el fariseo”, obra de Paolo Caliari (1528-1588) conocido por Veronese, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1570, tiene unas medidas de 275 x 710 cm. Se expone en la sala IX.

El cuadro de gran formato fue pintado por Veronese para el Convento de San Sebastián en Venecia, que albergaba a los hermanos de la congregación de San Jerónimo. El trabajo se llevó a cabo en 1570 más o menos, unos pocos años después de la construcción del monasterio se llevó a cabo en la primera mitad del siglo XVI.

El pintor trabajo para la decoración de la iglesia del monasterio realizando una importante serie de obras “in situ”, y en esta misma iglesia fue enterrado a su muerte como prueba de la devoción que le unía a este lugar.

La obra fue pintada durante el período de madurez del artista, cuando tenía cuarenta y dos años, y tenía uno de los talleres de pintura de mayor éxito de la época en Venecia. Es parte de la famosa serie monumental “cenas”, pintadas por Veronese para decorar los comedores de los monasterios venecianos. Fue pintada siguiendo el escenario ya plasmado en el cuadro “Las bodas de Caná”, que fue para el Monasterio benedictino de San Giorgio Maggiore y se conserva en el Louvre, y después volvió a insistir con otra pintura del mismo tema conservada en la Galería Sabauda de Turín, originalmente el Monasterio de los Santos Nazario y Celso en Verona.

Comparten estas obras con el entorno arquitectónico monumental que enmarca la escena, dentro ajuste clásico, derivado por la arquitectura contemporánea de Palladio, para lo cual el mismo Veronese había trabajado en la decoración de la Villa Barbaro en Maser. La escena representa el patio de una casa de campo de lujo, en donde se puede ver el jardín en el portal que ocupa la parte central de la tela. Se obtiene el efecto grandeza también gracias a la composición rígidamente simétrica de arquitecturas y mesas dispuestas en una "L". La escena se representa desde un punto de vista característica desde abajo, y la escena original de la pintura en una posición elevada con respecto al espectador. Tal composición da grandeza y monumentalidad a todas las figuras.

El episodio Evangelio cayó en dentro de una ordenada metafórica, el pintor lo lleva a un tiempo contemporáneo. El ambiente es, de hecho, un suntuoso banquete de la Serenísima , fielmente representado en la riqueza de los trajes de los invitados, platos y utensilios. La escena del Evangelio donde aparece María Magdalena que unge los pies de Jesús con aceite perfumado, se lleva al extremo izquierdo del cuadro, y en él la mirada de muchos de los invitados. Los personajes secundarios y los detalles que le da una notable sensación de movimiento, tales como la batalla entre los animales en el centro de la pintura. La pintura fue seleccionada como descarada en el proceso de la Inquisición sufrió de Caliari en 1573. El pintor El pintor se defendió en el proceso diciendo: “Los artistas toman la licencia de poetas y locos”.

Entre los distintos personajes podemos ver, a la izquierda: a Jesucristo, está sentado en silencio, al que le dirigen la mirada de muchos comensales, responde con calma a las perplejidades de Simón el fariseo; María Magdalena, postrado a los pies de Jesús; el Apóstol Pedro sentado al lado de Jesús ,el Evangelio no menciona la presencia de la Apóstoles , pero el pintor asumido que la cena también estuvieron invitados; Simón el fariseo, está de pie delante de Jesús, lamenta que Jesús dejó que influencie de un pecador.

A la derecha: Judas Iscariote, que rápidamente se levantó de la silla, se sorprende por la llegada de María Magdalena.

“Autorretrato”, obra de Jacopo Negretti , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Autorretrato”, obra de Jacopo Negretti (1544-1628) conocido como Palma el Joven, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1590, tiene unas medidas de 126 x 96 cm. Se expone en la sala IX.

El comienzo de su producción artística data de 1565 con su padre Antonio Negretti, en Venecia. Absorbió influencias de Rafael y Tiziano, y después de otros artistas, lo que le permitió fusionar la riqueza de colorido típicamente veneciana con figuras más sólidas al modo florentino y romano.

“Cabeza hombre mayor”, obra de Jacopo Negretti , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Cabeza hombre mayor”, obra de Jacopo Negretti (1544-1628) conocido como Palma el Joven, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1590, tiene unas medidas de 38 x 28 cm. Se expone en la sala IX.

Estamos ante una obra realista donde el pintor trata de retratar a la persona tal como se presenta ante la sociedad, en este caso algunos críticos han atribuido al personaje en la figura de Giuliane Cirno.

“Hallazgo del cuerpo de san Marcos”, obra de Jacopo Robusti , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Hallazgo del cuerpo de san Marcos”, obra de Jacopo Robusti conocido como Tintoretto, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1562-1566, tiene unas medidas de 405 x 405 cm. Se expone en la sala IX.

Se muestra la escena en la que San Marcos aparece milagrosamente a unos venecianos revelar el lugar donde se encuentra su cuerpo y pone fin a la destrucción de la profanación de las tumbas. De hecho, en la parte superior derecha hay tres hombres que tiran un cadáver de un ataúd.

El cuerpo de San Marcos fue enterrado en Alejandría en el año 829, y fue llevado a Venecia, la ciudad de la que es el patrono.

San Marcos es representado con una aureola y el Evangelio bajo el brazo que lo hace reconocible. Por debajo de él está su cuerpo tendido sobre una alfombra oriental preciosa, delante de quien se arrodilla un hombre que se identificó como Thomas Rangone, vestido con una toga patricia. A la derecha está un hombre poseído, aferrándose a una figura femenina, llevado allí para ser liberado del demonio de San Marco. Así que el gesto del santo adquiere una doble función, la de liberar el endemoniado y para detener los ladrones de tumbas.

El punto de fuga no está en el centro, está en la parte inferior de la izquierda, así como el personaje principal está a la izquierda en vez del centro. Tintoretto fue, de hecho, uno de los principales exponentes del manierismo en Venecia y sus obras se puede ver todo lo que caracteriza a este movimiento: temas religiosos, el uso de color oscuro y destellos de luz repentinos, sin ningún orden en la composición y aunque con simetría. La luz juega un papel fundamental al convertirse en instrumento de expresión que crea dinamismo.

“La victoria de los carnutos sobre los normandos”, obra de Alessandro Varotari , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “La victoria de los carnutos sobre los normandos”, obra de Alessandro Varotari conocido como Padovanino, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1618, tiene unas medidas de 510 x 587 cm. Se expone en la sala IX.

El cuadro fue pintado para la iglesia de Santa María Maggiore de Venecia, luego se traslado en depósito a la iglesia de San Simpliciano de Milán. La obra tiene un formato monumental realizado dentro del estilo romano del cinquecento, donde se representa la lucha de Carlo Magno por la reliquia de la Virgen y que fue donada a la Catedral de Chartres.

Pasamos a la sala XIV está presidida por la figura de Marte pacificador, representa la figura de Napoleón, subraya el fuerte vínculo entre el emperador y los orígenes del museo. Las obras pictóricas de la sala están dedicadas a la pintura veneciana del siglo XVI.

“Napoleón como Marte pacificador”, obra de Antonio Canova, Pinacoteca de Brera de Milán

Estatua de “Napoleón como Marte pacificador”, obra de Antonio Canova (1757-1822), realizada en yeso, está datada en 1808; tiene una altura de 430 cm.

La colosal escultura propone la iconografía esculpida en mármol unos años antes para el mismo emperador. La cabeza, esta idealizada pero tomada del natural, se embute en una estatua antigua clásica, caracterizada por que está desnudo mostrando una actitud heroica. Porta una clámide plegada en el brazo derecho y en la mano sostiene el bastón de mando. Es igual a la figura que se encuentra en el centro del patio del palacio.

“Transfiguración”, obra de Antonio Sacchis, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Transfiguración”, obra de Antonio Sacchis conocido como Pordenone, realizado en temple sobre tabla, esta datado entre 1515-1516, tiene unas medidas de 93 x 64 cm. Se expone en la sala XIV.

El panel fue originalmente la parte central de un tríptico ejecutado por la iglesia de San Salvatore de Collalto, cerca de Treviso. Las partes tenían dos parte a los lados donde se representaban parejas de santos: Prosdócimo y Piedro, ahora en el Museo de Arte de Carolina del Norte y San Juan Bautista y Jerónimo.

La escena se desarrollo en una colina, lo que representa el Monte Tabor, donde Cristo se manifestó en su naturaleza divina, vestido con una túnica blanca deslumbrante y flanqueado en la presencia de Moisés (izquierda, vestido de rojo) y Isaías (derecha, vestido de verde).

“Asunción de la Virgen ”, obra de Lorenzo Lotto, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Asunción de la Virgen ”, obra de Lorenzo Lotto (1480-1157) , realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1512, tiene unas medidas de 27 x 56 cm. Se expone en la sala XIV.

La tabla pertenece a la predela de la pintura que hablaba de la “Deposición”, fueron pintadas para la iglesia de San Floriano de Jesi, se inició en 1511, por encargo de la Hermandad del Buen Jesús. Los hermanos ya se habían puesto en contacto años antes, sin éxito, Luca Signorelli para la misma tarea.

“Madona con el Niño”, obra de Girolamo Romani , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Madona con el Niño”, obra de Girolamo Romani (1484-1560) conocido como Romanino, realizado en óleo sobre tabla, esta datado entre 1515-1516, tiene unas medidas de 83 x 62cm. Se expone en la sala XIV.

La tabla se la llamó Madona de Monti porque se encontraba dentro de las colecciones del cardenal Cesare Monti y llegó a Brera en 1815. El color del manto de la Virgen , originalmente azul, se oscureció cuando se expuso delante de una fuente de calor. La obra se ejecuto después del viaje a Padua, donde el artista descubrió la noticia de Tiziano abrió una escuela.

La obra se representa sobre un fondo oscuro, María tiene en sus brazos al Niño sobre una almohada, decorada con hojas reflejos sedosos. El impulso de la pose, la riqueza del color y el énfasis en la plasticidad de las figuras son todos los elementos que hacen referencia a la influencia de Tiziano.

“Madona con el Niño y un ángel”, obra de Alessandro Bonvicino, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Madona con el Niño y un ángel”, obra de Alessandro Bonvicino conocido como Moretto, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1540-1550, tiene unas medidas de 49 x 57 cm. Se expone en la sala XIV.

El cuadro nos representa un espléndido escenario natural donde una ventana parcialmente abierta se asoma a un cielo azul que sirve como telón de fondo de la Virgen con el Niño en brazos, mientras a su lado hay un ángel a la izquierda que mira fijamente la escena sosteniendo una corona de flores con rosas, flor típicamente Mariana.

El patrón de la composición es una obvia derivación veneciana, pero actualizada a la sensibilidad del pintor, su paleta se iluminó y frío, con efectos virtuosos de transparencias y un vibrante estampado, puesto de manifiesto por el claroscuro.

“ La Asunción de la Virgen entre San Jerónimo San Marcos, Catalina de Alejandría y San Francisco de Asís”, obra de Alessandro Bonvicino, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “La Asunción de la Virgen entre San Jerónimo San Marcos, Catalina de Alejandría y San Francisco de Asís”, obra de Alessandro Bonvicino conocido como Moretto, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1529 x 1530, tiene unas medidas de la parte central 148 x 60 cm; los laterales 103 x 60 cm. Se expone en la sala XIV.

La pintura representa el tema religioso de la “Asunción de María”, dentro de un tríptico. La representación muestra a María, entre las nubes y ángeles, mientras que va hasta el cielo hacia la fuerte luz que está detrás de ella. Sus ropas están hinchadas y agitadas por el viento, rodeado de largo velo blanco que cubre el cabello.

“San Francisco de Asís”, obra de Alessandro Bonvicino, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “San Francisco de Asís”, obra de Alessandro Bonvicino conocido como Moretto, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1529 x 1530, tiene unas medidas de 114 x 60 cm. Se expone en la sala XIV.

La obra formaba parte del llamado retablo de la Asunción se encontraba originalmente en la basílica de Santa María de los Ángeles en Gardone Val Trompia , en la provincia de Brescia.

Los paneles se mantienen en su lugar hasta 1805, cuando, tras la desamortización realizadas por los franceses después de la secularización de las órdenes religiosas de 1803, se separan y se envían una parte a la Pinacoteca de Brera en Milán.

“La Virgen con el Niño en la Gloria con san Jerónimo, Francisco y Antonio Abad”, obra de Alessandro Bonvicino, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “La Virgen con el Niño en la Gloria con san Jerónimo, Francisco y Antonio Abad”, obra de Alessandro Bonvicino conocido como Moretto, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1543, tiene unas medidas de 255 x 185 cm. Se expone en la sala XIV.

Este gran retablo fue pintado para la iglesia de Santa María de los Ángeles en Gardone Val Trompia . Con las desamortizaciones napoleónicas de 1808 llegó a la pinacoteca de Brera.

Por lo general, está fechada en base estilística, atribuyéndolo a la plena madurez del pintor, como muestra el esquema de color plata y los transluces.

El cuadro representa la aparición de María en la gloria acompañada de querubines en el interior de una nube de luz en la parte superior de la pintura, enmarcada por dos columnas. A los pies de la Virgen hay una media la luna, que está vinculada a la descripción de la escena en la “Apocalipsis de Juan”.

“La Virgen con el Niño en la Gloria, dos ángeles, San Pedro, un dominico, Pablo, Jerónimo”, obra de Giovanni Gerolamo Savoldo, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “La Virgen con el Niño en la Gloria, dos ángeles, San Pedro, un dominico, Pablo, Jerónimo”, obra de Giovanni Gerolamo Savoldo, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1524-1526, tiene unas medidas de 407 x 307 cm. Se expone en la sala XIV.

El cuadro se denomina como Retablo de Pesaro llegó a Brera en 1811, es el más grande de la galería de arte y entre los más grandes del mundo. Firmado en la parte inferior derecha debajo de los pies de San Jerónimo, donde indica que fue pintado ente 1524 y 1526, desde Brescia ya que entonces el pintor residía en Venecia, para el altar mayor de la iglesia del convento de San Domenico en Pesaro. El contrato firmado el 15 de de junio de 1524 entre Gerolamo Savoldo e Innocenzo da Imola, monje prior del convento de los dominicos.

“Presentación de Jesús en el templo”, obra de Girolamo Romani , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Presentación de Jesús en el templo”, obra de Girolamo Romani conocido como Romanino, realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1529, tiene unas medidas de 188 x 140 cm. Se expone en la sala XIV.

El pintor era hijo de Luchino, un miembro de una familia que desde principios del siglo XV se había instalado en Brescia, pero originalmente procedía de la región de Romano di Lombardía, su formación como pintor se llevó a cabo entre Brescia y Venecia, con claras influencias de Giorgione y Durero , como lo demuestra la Virgen con el Niño , se conserva en el Museo del Louvre y realizado a mediados de la primera década. En los años siguientes, el artista tiene un cambio radical en el estilo y se dirige hacia posibles formas ilusionistas.

“Retrato de un joven”, obra de Giovan Battista Moroni , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Retrato de un joven”, obra de Giovan Battista Moroni (1520-1578), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1558-1560, tiene unas medidas de 56 x 49 cm. Se expone en la sala XIV.

Giovanni Battista Moroni fue un gran retratista durante la segunda mitad del siglo XV fue una personalidad central de la pintura religiosa en Bergamo, pero, sobre todo, su nombre está vinculado al retrato, género al que se dedicó de manera casi ininterrumpida desde los inicios hasta al final de su carrera.

“Retrato de un hombre”, obra de Giovanni Busi detto il Cariani, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Retrato de un hombre”, obra de Giovanni Busi detto il Cariani realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1520, tiene unas medidas de 71 x 57 cm. Se expone en la sala XIV.

Giovanni Busi detto il Cariani firmaba sus pinturas como: “I. Carianus, Ioanes cariani, Io. Carianus de Busis”, también añadía a menudo “Bergomeus”, y como tal aparece en los documentos y las fuentes, que a veces también se llaman Zuan de Bergamasco y Busi zuan Cariano Bergamasco.

“Virgen con el Niño”, obra de Giovan Battista Moroni , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Virgen con el Niño”, obra de Giovan Battista Moroni (1520-1578), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1550, tiene unas medidas de 102 x 110 cm. Se expone en la sala XIV.

El lienzo fue encargado para devoción privada, en él aparece, además de la Virgen y el Niño las figuras de santa Catalina de Alejandría, San Francisco y un donante. El comitente de la pintura reza arrodillado con las manos juntas, está aislado del grupo de personajes sacros mediante una balaustrada de mármol. La Virgen y la santa visten trajes como las damas de su tiempo, siglo XVI, mientras el niño vestido de seda ofrece una rosa roja a la santa.

“Asunción de la Virgen ”, obra de Giovan Battista Moroni, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Asunción de la Virgen ”, obra de Giovan Battista Moroni (1520-1578), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1570, tiene unas medidas de 330 x 225 cm. Se expone en la sala XIV.

Asunción de María o Asunción de la Virgen es la creencia, de acuerdo a la tradición y teología de la Iglesia católica y de la Iglesia ortodoxa, de que el cuerpo y alma de la Virgen María , la madre de Jesucristo, fueron llevados al Cielo después de muerta.

“Retrato de Antonio Navagero”, obra de Giovan Battista Moroni, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Retrato de Antonio Navagero”, obra de Giovan Battista Moroni (1520-1578), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1565, tiene unas medidas de 96 x 115 cm. Se expone en la sala XIV.

Era un nativo de una de las familias más antiguas del hijo del patricio veneciano Gianluigi Navagero y Lucrecia Agostini. Fue declarado como embajador del imperio.

“Madona con el Niño en el trono”, obra de Giovanni Busi, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Madona con el Niño en el trono”, obra de Giovanni Busi conocido como Cariani, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1514, tiene unas medidas de 270 x 211 cm. Se expone en la sala XIV.

La obra representa una Sagrada Conversación con San Agustín. La devoción a la Virgen era un carácter específico de la orden de los agustinos. Ya San Agustín, en sus escritos, ensalzó las virtudes, diciendo que su acción es inseparable de la de Cristo y proponiendo como modelo para todos los creyentes. Agustín insistió en repetidas ocasiones y con claridad los conceptos de la física y de la maternidad divina de María y su virginidad durante su vida, por lo que es el símbolo de la Iglesia , el espíritu de la virgen, en la integridad y en a piedad, y como madre en la caridad.

“Resurrección de Cristo”, obra de Giovanni Busi , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Resurrección de Cristo”, obra de Giovanni Busi conocido como Cariani, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1520, tiene unas medidas de 280 x 170 cm. Se expone en la sala XIV.

El cuadro representa una de las escenas más repetidas dentro de la cristiandad en él se puede ver a Jesús acompañado de los donantes junto con los oferentes Donantes Ottaviano y Domitila Vimercati.

“Adoración de los Magos en presencia de Santa Elena”, obra de Jacopo Negretti, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Adoración de los Magos en presencia de Santa Elena”, obra de Jacopo Negretti (1480-1528) conocido como Palma el Viejo, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1525-1526, tiene unas medidas de 470 x 260 cm. Se expone en la sala XIV.

El cuadro es una obra monumental, parte de su tamaño, ofrece un paisaje presidio por una arquitectura de una iglesia. La representación de las ofrendas de los magos se hace en presencia de Santa Elena que lleva una enorme cruz de madera como una presunción del final de la vida de Jesús.

“Pentecostés”, obra de Paris Bordon, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Pentecostés”, obra de Paris Bordon (1500-1571), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1526 y 1527, tiene unas medidas de 305 x 220cm. Se expone en la sala XIV.

La obra procede de la iglesia del Espíritu Santo de Crema. El pintor representa las escenas de Pentecostes que significa quincuagésimo es el término con el que se define la fiesta cristiana del quincuagésimo día después del Domingo de Pascua de Resurrección. Se trata de una festividad que pone término al tiempo pascual y que configura la culminación solemne de la misma Pascua, su colofón y su coronamiento.

“Los amantes”, obra de Paris Bordon, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Los amantes”, obra de Paris Bordon (1500-1571), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1525 y 1530, tiene unas medidas de 80.5 x 86 cm. Se expone en la sala XIV.

El lienzo es conocido como “Los amantes de Venecia” es una obra donde se representa con muchos matices llenos de gracia y de intimidad donde el pintor retrata el juego refinado de la seducción. En un ambiente de entrega amorosa, los dos personajes emergen de la oscuridad del fondo. El hombre toca con los dedos hombro desnudo de la mujer que responde con un ligero movimiento de su cabeza inclinada. Los dos parecen susurrar palabras dulces. Tenga en cuenta el aspecto de ella lleno de timidez sin disimular su mira en el vacío. Las manos de los amantes entrelazados con una cadena de oro, un signo del esplendor del rico siglo XV veneciano, tal vez una promesa de matrimonio y sin duda el centro psicológico de la pintura.

“La sagrada familia”, obra de Paris Bordon, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “La sagrada familia”, obra de Paris Bordon (1500-1571), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1524-1526, tiene unas medidas de 93 x 130 cm. Se expone en la sala XIV.

El cuadro es uno de los ejemplos más repetidos dentro de la iconografía cristiana donde se repite la imagen de la Virgen con el Niño acompañada de san José, al otro lado se ve la figura de San Ambrosio vestido de obispo y debajo el retrato del oferente.

“Cristo y la Adúltera”, obra de Bonifacio de Pitati , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Cristo y la Adúltera”, obra de Bonifacio de Pitati (1487-1553) conocido como Benifacio Veronese, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1510; tiene unas medidas de 175 x 232 cm. Se expone en la sala XIV.

Veronese representa en este cuadro el pasaje bíblico entre Jesús y la adúltera que aparece en el Evangelio de Juan, capítulo 7:53 a cap. 8:11, en el que Jesucristo se encuentra con una adúltera a la que llevan ante los fariseos y escribas. Semejante crimen se castigaba con la lapidación, sin embargo, en la escena, Jesús se detiene para escribir pronuncias las palabras: “aquel que esté libre de pecado entre vosotros, que tire la primera piedra”.

“Moisés salvado de las aguas”, obra de Bonifacio de Pitati, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Moisés salvado de las aguas”, obra de Bonifacio de Pitati (1487-1553) conocido como Benifacio Veronese, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1510; tiene unas medidas de 126 x 195 cm. Se expone en la sala XIV.

La escena representa el tema religioso del Antiguo Testamento. Por temor al crecimiento de la población israelita, el Faraón ha ordenado la matanza de todos los recién nacidos judíos. Es una escena del Antiguo testamento que prefigura la matanza de los inocentes en Belén

“Retrato de un caballero con guantes”, obra de Lorenzo Lotto, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Retrato de un caballero con guantes”, obra de Lorenzo Lotto, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1543; tiene unas medidas de 90 x 75 cm. Se expone en la sala XIV.

Entre las propuestas para la identificación del personaje del retrato quizás de la más aceptada es la que está vinculada al nombre liberal Pinedel, cuya imagen esté registrada en el libro de cuentas del artista en 1543, poco después de la llegada en Treviso pintor. El hombre, sin embargo, en ese año contaba con cuarenta y ocho años, tal vez menos de los demostrados por el retrato del hombre. Otros personajes retratados en ese período fueron Marcello Framberti, Mantua, Ludovico Avolante, retratado en 1544.

El retrato es de medio cuerpo sobre fondo oscuro, con ropa de color negro y sombrero grande del mismo color. Es típico de la moda de la época porque lleva barba y bigote largo, en este caso rubia. La mano derecha sostiene un pañuelo blanco bordado y la izquierda se lleva en el cinturón y aprieta sus guantes. La ropa es bordada, cara y solamente para el uso de gente pudiente, tiene una cadena de oro claro que cuelga de la chaqueta y un anillo de oro macizo.

La actitud es plácida y estática, de acuerdo con un patrón derivado del ejemplo de los retratos del pintor Tiziano. La obra tiene una importante introspección psicológica, aquí exaltada a los niveles más altos con sutiles matices en la expresión de la cara, hechos con una pintura de muy alta calidad.

“Camino de Cristo al Monte Calvario”, obra de Lambert Sustris , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Camino de Cristo al Monte Calvario”, obra de Lambert Sustris (1515-1584), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1542-1548; tiene unas medidas de 106 x 131 cm. Se expone en la sala XIV.

El pintor representa el Vía Crucis o Camino de la Cruz , los pasos que dio Jesús, por las calles de Jerusalén, caminando hacia el Calvario para ser allí ajusticiado. Los sacerdotes y los demás miembros del Sanedrín trataran de dar la máxima publicidad a la ejecución de Jesús en una ciudad repleta de peregrinos llegados para las celebraciones pascuales; los enemigos del Señor no podían dejar escapar la oportunidad de prolongar y magnificar ante la muchedumbre su triunfo y la humillación de Jesús, cuyos seguidores y simpatizantes debían quedar advertidos.

“Retrato de Febo de Brescia”, obra de Lorenzo Lotto, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Retrato de Febo de Brescia”, obra de Lorenzo Lotto, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1543-1544; tiene unas medidas de 82 x 78 cm. Se expone en la sala XIV.

Los retratos del pintor Lorenzo Lotto cuando tenía cuarenta años se caracterizan por una sobriedad austera. El hombre se representa de medio cuerpo sobre fondo oscuro, con una chaqueta forrada de piel clara, que muestra, con líneas de fuerza, el rostro barbado. Por un lado, el efecto perfecto en los detalles anatómicos, sosteniendo un par de guantes, mientras que el otro se coloca en un pedestal, sobre un pañuelo blanco. Los puños blancos, los anillos en oro con gemas certifican que, junto con el vestido, la elevada condición social del hombre.

La fórmula empleada en la composición es muy diferente del retrato de su esposa, más exuberante, pero en este caso Lotto llegó elegancia aristocrática de Tiziano. La actitud es plácida y estática.

“El Bautismo de Jesús”, obra de Paris Bordon, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “El Bautismo de Jesús”, obra de Paris Bordon (1500-1571), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1548-1551. Se expone en la sala XIV.

Paris Bordone pinta una escena de la vida de Jesús donde se muestra la figura de Juan el Bautista bautizando con una mano vierte agua sobre la cabeza del Señor y en la otra tenían fuertemente al tronco de un árbol. Juan trata de no mojarse en el agua aunque Jesús inclinando la cabeza hacia él.

“Retrato de un hombre”, obra de Lorenzo Lotto, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Retrato de un hombre”, obra de Lorenzo Lotto, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1545; tiene unas medidas de 115 x 98 cm. Se expone en la sala XIV.

El hombre es un retrato de medio cuerpo sobre fondo oscuro, con ropa de color negro y un sombrero del mismo color. Es típico de la moda de la época lleva barba y bigote largo, en este caso rubia. La mano derecha sujeta el mango de un arma, mientras que la izquierda se muestra la esquina inferior a la izquierda, hacia un elemento ya no es visible, tal vez un escudo de armas en el marco, lo que sin duda habría permitido la identificación del sujeto con mayor claridad.

“La Virgen encomienda a Santo Domingo al redentor”, obra de Paris Bordon, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “La Virgen encomienda a Santo Domingo al redentor”, obra de Paris Bordon (1500-1571), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1557-1558; tiene unas medidas de 148 x 106 cm. Se expone en la sala XIV.

Es un cuadro místico donde se ve la imagen de San Domingo que está en el suelo en los brazos de la Virgen. Colgado de una nube aparece Cristo Redentor es acompañado por una serie de ángeles alados vestidos y ataviados de guerreros.

Pasamos a la sala XV es el último salón napoleónico donde se exponen una colección de obras de gran formato, proceden de Milán y Lombardía y corresponden con la pintura de finales del siglo XVI que coinciden durante el periodo de la dominación francesa y durante el protectorado español.

“Madona con el Niño”, obra de Guadenzio Ferrari , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Madona con el Niño”, obra de Guadenzio Ferrari (1475-1546), realizada en óleo sobre madera, esta datada en 1514-1520; tiene unas medidas de 100 x 75 cm. Se exponen en la sala XV.

Guadenzio Ferrari comenzó a pintar en Varallo Sesia desde 1507, después fue a estudiar a Milán, en la escuela de la Catedral , con Stefano Scotto y también con Bernardino Luini. Posteriormente viajó a Florencia, Roma, Umbría y Arona y retornó finalmente a Varallo. Tiene una clara influencia de Leonardo da Vinci y Bramantino.

“Crucifixión entre los santos Catalina, Francisco, Buenaventura y Pedro”, obra de Bernardino Giovanni Scotti e Giovan Stefano Scotti, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Crucifixión entre los santos Catalina, Francisco, Buenaventura y Pedro”, obra de Bernardino Giovanni Scotti e Giovan Stefano Scotti, realizada en temple sobre madera, esta datada en 1490-1495; tiene unas medidas de 243 x 143 cm. Se exponen en la sala XV.

El cuadro estuvo expuesto en la iglesia de San Ángelo de Milán, fue atribuido por no poder concretar la verdadera identidad del pintor a los dos hermanos Scotti. Es una obra renacentista que brilla por su cromatismo con una clara influencia de Mategna y de Bramantino.

Sala XII y XIII frescos capilla San José de Milán , Pinacoteca de Brera de Milán

Pasamos a las salas XII y XIII lugar que reproduce la capilla de San José de la iglesia franciscana de Santa María della Pace de Milán. La mayoría de la pintura pertenece a los frescos. En un espacio que precede a la capilla se expone una serie de pintura que pertenecía a la misma iglesia que marca una tendencia de la pintura de Milán, en las primeras décadas del siglo XVI.

“Madona con Niño”, obra de Marco d'Oggiono, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Madona con Niño”, obra de Marco d'Oggiono, realizada en óleo sobre madera, esta datada en 1510-1520; tiene unas medidas de 50 x 41.4 cm. Se exponen en la sala XII.

Marco d'Oggiono fue un pintor italiano y alumno de Leonardo da Vinci, cuyas obras copió repetidamente. Fue un artista muy trabajador, pero a sus pinturas les falta vivacidad de sentimiento y pureza de dibujo.

“El maestro y el joven estudiante”, obra de Giovanni Agostino da Lodi, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “El maestro y el joven estudiante”, obra de Giovanni Agostino da Lodi, realizada en óleo sobre madera, esta datada en 1510-1520. Se exponen en la sala XV.

La identificación del nombre de Giovanni Agostino da Lodi fue propuesto por Malaguzzi Valeri basado en el descubrimiento de un grupo pinturas que representan los dos santos, que correspondió estilísticamente dentro de un grupo común, se le había atribuido el seudónimo de Pseudo. El pintor se caracteriza por la singularidad de su estilo y los cambios constantes entre Lombardía y Veneto, convirtiéndose en una de las fuentes fundamentales de la propagación del nuevo estilo pictórico desde Milán a Venecia.

“Dos fieles arrodillados”, obra de Bernardino Ferrari, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Dos fieles arrodillados”, obra de Bernardino Ferrari, realizada en óleo sobre madera, esta datada en 1500-1510; tiene unas medidas de 140 x 120 cm. Se exponen en la sala XII.

Este cuadro debió de pintarse para una capilla personal donde se ve a dos fieles orando que miran fijamente al cielo donde una nube se desplaza con las cabezas de dos querubines. Al fondo un paisaje rocoso con un río.

“Bautismo de Cristo”, obra de Marco d'Oggiono, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Bautismo de Cristo”, obra de Marco d'Oggiono y Giovanni Agostino da Lodi, realizada en óleo sobre madera, esta datada en 1510-1520; tiene unas medidas de 177 x 91.5 cm. Se exponen en la sala XII.

El cuadro formaba parte de un díptico fue ejecutado a “dos manos” por dos pintores de la escuela de Leonardo: Giovanni Agostino da Lodi y Marco d'Oggiono y procedente de la iglesia de Santa María Pace en Milán. Podemos ver que efectivamente es un cuadro ejecutado por dos novicios que dominan el colorido y el estilo pero les falta la definición de los detalles.

“Adoración de los Magos”, obra de Marco d'Oggiono, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Adoración de los Magos”, obra de Marco d'Oggiono y Giovanni Agostino da Lodi, realizada en óleo sobre madera, esta datada en 1510-1520; tiene unas medidas de 176.5 x 116 cm. Se exponen en la sala XII.

El cuadro formaba parte de un díptico fue ejecutado a “dos manos” por dos pintores de la escuela de Leonardo: Giovanni Agostino da Lodi y Marco d'Oggiono y procedente de la iglesia de Santa María Pace en Milán. Podemos ver que efectivamente es un cuadro ejecutado por dos novicios que dominan el colorido y el estilo pero les falta la definición de los detalles.

“San Pablo”, obra de Marco d'Oggiono, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “San Pablo”, obra de Marco d'Oggiono, realizada en óleo sobre madera, esta datada en 1515-1519; tiene unas medidas de 180 x 72 cm. Se exponen en la sala XII.

Este cuadro es una representación del santo con sus atributos con la palabra de Dios en sus manos ejerciendo una labor apostólica que relata en los Hechos de los apóstoles y en las epístolas de San Pablo. Emprenderá un ciclo de viajes conocido como los viajes de San Pablo, dedicándose a predicar la Palabra a los gentiles.

Los siguientes cuadros al fresco pertenecían a la capilla de San José de Milán, obra de Bernardino Scapi conocido como Bernardino Luini, están datados entre 1520-1521.

Nacido en Dumenza, cerca de la localidad de Luino, de la que toma su sobrenombre, fue un prominente pintor lombardo de principios del siglo XVI. Son escasos los detalles que se conocen de su vida. Trabajó en Milán, donde pintó varios frescos en palacios e iglesias de la ciudad y sus alrededores. Los más conocidos son los frescos para Villa Pelucca en Sesto San Giovanni.

“San José elegido como esposo de la Virgen ” obra de Bernardino Scapi , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “San José elegido como esposo de la Virgen ” obra de Bernardino Scapi conocido como Bernardino Luini, están datados entre 1520-1521, fresco transferido a una lona; tiene unas medidas de 315 x 178 cm. Se exponen en la sala XIII.

Se trata del fresco central de la capilla de San José de Milán. Según las tradiciones de apócrifos, especialmente el Evangelio de Santiago (siglo II) José, era descendiente de la familia de David y oriundo de Belén, antes de la boda con María se casó con una mujer que le dio seis hijos, cuatro chicos (Judas, José, Santiago y Simeón) y dos hembras (Lisias y Lidia). Se mantuvo, sin embargo, poco tiempo viudo y con hijos a su cargo. Los apócrifos estaban buscando de esta manera para justificar la presencia de los hermanos de Jesús en los Evangelios. La Iglesia Católica rechaza esta interpretación y afirma que eran primos u otros parientes cercanos (en griego antiguo hay dos términos distintos: Adelfoi, hermanos, y sìnghnetoi, primos, y en hebreo una sola palabra se usa para referirse a ambos hermanos, tanto primos) o colaboradores.

“Madona con Niño y un Ángel”, obra de Giovanni Agostino da Lodi, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Madona con Niño y un Ángel”, obra de Giovanni Agostino da Lodi, realizada en óleo sobre madera, esta datada en 1515-1520; tiene unas medidas de 75 x 67 cm. Se exponen en la sala XV.

En muchas pinturas o tallas de la Virgen María se encuentran representadas diversas frutas, por lo que el pueblo las ha bautizado con el nombre de la fruta considerada, naciendo así nuevas advocaciones marianas. En este caso el ángel ofrece una naranja mientras que el árbol que hay delante del paisaje se puede ver algunos ejemplares colgados.

“Escenas de la leyenda de Joaquín y Ana” obra de Gaudencio Ferrari, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Escenas de la leyenda de Joaquín y Ana” obra de Gaudencio Ferrari, esta datado en 1545, fresco transferido a una lona; tiene unas medidas de del tondo: 115 cm.; semi-luneta: 115 x 115 cm.; registro inferior, centro 190 x 135 cm; lateral 190 x 65 cm. Se exponen en la sala XIII.

El fresco fue pintado en la iglesia de Santa María de la Paz de Milán. Las escenas que describe: Anunciación de la Virgen María; El lamento de santa Ana; la expulsión de Joaquín del templo; la consagración de la Virgen; la anunciación del ángel; la anunciación de la Virgen.

“Tres ángeles” obra de Marzo d'Oggiono, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Tres ángeles” obra de Marzo d'Oggiono, están datados en 1517, realizado en óleo sobre panel; tiene unas medidas de 255 x 190 cm. Se exponen en la sala XV.

La obra pertenece al periodo del artista maduro, era un alumno de Leonardo, lo pinto después de la marcha definitiva del maestro de Milán, que tuvo lugar en 1513. En ese momento el artista era el titular de uno de los principales talleres de pintura de la época Milán, comprometido en muchos encargos religiosos. Al igual que en otras obras contemporáneas del artista, la pintura muestra una gran repertorio similar a las de obras o dibujos de Leonardo. Las figuras de los arcángeles reproducen fielmente en el rostro, en la forma del cabello, el ángel de la Virgen de las rocas, así como la de San Juan Bautista. En particular, los gestos de la mano de San Miguel y el ángel de la izquierda es una réplica de dos pinturas del maestro. El paisaje en el fondo se deriva de dibujos de vistas que tenía Leonardo, pero siempre la Virgen de las rocas deriva las representaciones de las diferentes especies vegetales que se encuentran en la pintura, retratos con característica de precisión científica de los dibujos de Leonardo. Lo que difiere estilísticamente de la obra de estilo del maestro es la parte de representar los claroscuros y emplea colores más vivos en las figuras.

“Venus y Cupido con satirios en un paisaje”, obra de Simone Peterzano, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Venus y Cupido con satirios en un paisaje”, obra de Simone Peterzano (1540-1596), están datados en 1570-1573, realizado en óleo sobre panel; tiene unas medidas de 135 x 206 cm. Se exponen en la sala XVII.

El cuadro representa la historia mitológica de Venus y sus amores con Marte de la que nació Cupido, apareciendo aquí acompañados por dos sátiros, deidades que vivían en los bosques y eran compañeros de Baco, representados con cuerpos robustos, orejas puntiagudas, cola y patas de cabra. El cuadro busca la más perfecta representación de la anatomía humana en sintonía y de la sensualidad de la figura de Venus.

“Martirio de Santa Catalina”, obra de Gaudenzio Ferrari, Pinacoteca de Brera de Milán

Pasamos hacia la zona del museo donde se están los talleres de restauración, entre una inmensa cristalera y numerosas máquinas podemos colgado el cuadro en el que están actuando los restauradores del Museo del Breda, se trata “Martirio de Santa Catalina”, obra de Gaudenzio Ferrari, está datado en 1543, realizado en óleo sobre panel de madera; tiene unas medida de 334 x 210 cm. Se expone en la sala XV.

El cuadro estuvo colgado en la iglesia de Santa María de los ángeles de Milán, dentro de la capilla Santa Catalina, representaba el altar el altar del retablo fue encargado en 1540 por el senador James Gallarati, por su capilla familiar en la antigua iglesia de San Ángel, y luego transportado a la iglesia actual. Tras la supresión del convento, que fue adquirido por el Gobierno austriaco y donada a la Pinacoteca de Brera. Se encargo al pintor más famoso del momento, elegido por la poderosa familia Gallarati para la decoración de la capilla donde serviría de entierro también Gallarati Francesco, comandante de las tropas imperiales. El lienzo muestra en el centro a la Santa, rezando en el momento que es torturada por los carceleros moviendo la rueca, mientras que de un ángel cae con la espada en la mano para tratar de salvarla de la rueda del martirio, desatando el terror y la confusión entre los soldados y el emperador que se pinta en el segundo piso. Los colores vivos de los trajes, la teatralidad de las poses, las anatomías de los personajes demuestran la voluntad del autor para actualizar a las últimas creaciones de la escuela romana del manierismo, y en particular la influencia del Juicio Final de Miguel Ángel y los frescos Mantua de Giulio Romano.

“Cristo flagelado”, obra de Donato di Pascoccio, Pinacoteca de Brera de Milán

Otra de las obras de arte que está a la espera de su restauración “Cristo flagelado”, obra de Donato di Pascoccio, conocido como Donato Bramante, está datado entre 1490-1499; tiene unas medidas de 93.7 x 62.5 cm. Esta expuesto en la sala XXIV.

Donato Bramante estudio matemáticas en la ciudad de Urbino, donde desarrollo el uso de la perspectiva como una forma de organización controlada de espacio en la pintura. Al trasladarse a Milán,profundizo en el estudio de la perspectivas, en busca de efectos visuales y de ilusionistas que estaban destinados para agitar las emociones del público: el Cristo en la columna puede considerarse un manifiesto de este lenguaje innovador.

A su llegada a la corte de Ludovico el Moro, Bramante trabajó como arquitecto en Santa María presso San Satiro, donde la falta de espacio físico en el que se localice el hemiciclo de la capilla mayor lo llevó a crear una bóveda falsa en estuco que simulaba la extensión espacial de las paredes de la iglesia: la misma idea del espacio creado a través de trampantojo constituye el tema principal de la pintura en Brera, donde una serie de dispositivos de composición –el cuerpo escultural de Jesús ocupa el primer plano, la ventana, el pilar que se extiende más allá de los límites físicos de la imagen– sugieren la existencia de una gran sala en la que está siendo atormentado Cristo .

“Vendedora de fruta”, obra de Vicenzo Campi, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Vendedora de fruta”, obra de Vicenzo Campi, están datados en 1578-1581, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 143 x 213 cm. Se exponen en la sala XVIII.

La pintura representa una verdulera en el acto de mostrar al espectador sus mercancías, especialmente mira al espectador con un racimo de uvas negras. En el fondo, a la izquierda, un joven se subió a las ramas de un árbol frondoso para coger sus frutos, mientras que en el suelo de una mujer recoge otras frutas en el suelo. A la derecha el paisaje se extiende hasta perderse en un pueblo al pie de las montañas veladas por la niebla.

El pintor organiza en un espacio preciso para exponer las texturas de las verduras haciendo alarde de un placer contagioso. Históricamente, el marco puede ser considerado un precursor de lo que se convertirá en un género independiente propia del artística unos años más tarde, es decir, la pintura de la naturaleza muerta.

“Vendedora de pollos”, obra de Vicenzo Campi, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Vendedora de pollos”, obra de Vicenzo Campi, están datados en 1578-1581, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 147 x 215 cm. Se exponen en la sala XVIII.

El cuadro es una clara influencia de la pintura flamenca donde ya aparece el interés por temas más mundanos, donde la gente se preocupa de una representación más cercana a la realidad. En este caso es una tienda de pollos, donde se ven faisanes, patos, huevos, un perro y al fondo se puede ver un paisaje con un camino como una mujer lleva una cesta en la cabeza camino del mercado.

“Cocina”, obra de Vicenzo Campi, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Cocina”, obra de Vicenzo Campi, está datado entre 1590-1591, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 145 x 220 cm. Se exponen en la sala XVIII.

El cuadro fue encargado para el convento de San Seguismundo. Los monjes trataban crear un tema que incidiese en la moderación en el consumo de alimentos, y las pinturas fueron expuestas en la casa de huéspedes, un lugar de paso de peregrinos y viajeros, sugieren que, por su alto valor instructivo. La pintura en cuestión pertenece parte iconográfica llamada “pinturas ridículos”, un género que disfrutó de una gran cantidad de admiradores en la región de Lombardía, en el siglo XVI, cuyo propósito era provocar la risa de la audiencia. Por lo tanto toda la escena está constituida por una serie de episodios graciosos en el momento de la preparación de una comida

“Retrato de una dama”, obra de Altobelo Meloni, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Retrato de una dama”, obra de Altobelo Meloni (1485-1543), está datado entre 1510-1515, realizado en óleo sobre panel; tiene unas medidas de 60 x 50 cm. Se exponen en la sala XVIII.

Uno de los retratos de mayor calidad de Altobelo Meloni donde se muestra una noble y una mirada intensa y un poco de melancolía, con un gran collar de pequeños círculos de dos colores diferentes; su elegante porte que se destaca contra el fondo de una fortaleza (identificable con la de Brescia).

“Retrato de Bartolomé Arese”, obra de Antonio Campi, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Retrato de Bartolomé Arese”, obra de Antonio Campi, está datado entre 1560-1570, realizado en óleo sobre panel; tiene unas medidas de 56 x 49 cm. Se exponen en la sala XVIII.

Bartolomé se hizo Capitán de Justicia con el ideal de garantizar el orden público, se pasaba la noche vagando por las calles de la ciudad acompañado por una escolta siempre armado para sofocar disturbios y desórdenes.

En 1641 finalmente consiguió un asiento en el Senado, de la que fue presidente en 1660. desde la parte superior de la entidad hizo un esfuerzo para acabar con la ilegalidad, venganzas, duelos.

“Bautismo de Cristo”, obra de Callisto Piazza, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Bautismo de Cristo”, obra de Callisto Piazza (1500-1562), está datado entre 1540-1545, realizado en óleo sobre panel; tiene unas medidas de 295 x 255 cm. Se exponen en la sala XVIII.

La obra estuvo expuesta en la iglesia de Santa Catalina de Cremona. Calisto, comenzó su carrera artística en el taller de su padre, que, dado el potencial artística de los hijos y estar en contacto con el distinguido Romanino lo envía como su discípulo en Brescia.

La formación cultural de Calisto es impecable desde el punto de vista técnico, en especial en los frescos, no es de una originalidad particular, se puede decir que es un pintor escénico y teatral, un gran colorista, sin embargo frío y distante con respecto al significado de la obra.

“Retrato del Capitán Ludovico Vistarini”, obra de Callisto Piazza, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Retrato del Capitán Ludovico Vistarini”, obra de Callisto Piazza (1500-1562), está datado entre 1535-1541, realizado en óleo sobre panel; tiene unas medidas de 77 x 65 cm. Se exponen en la sala XVIII.

Ludovico Vistarini (1491-1556) fue un líder del italiano XVI al servicio de Francesco Sforza II. Participó en la guerra contra Medeghino primero como almirante de la flota del ducado y luego como comandante del ejército de Milán.

“Cristo ridiculizado”, obra de Giovanni Antonio Bazzi , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Cristo ridiculizado”, obra de Giovanni Antonio Bazzi (1477-1549) conocido como Il Sodoma, está datado entre 1490-1505, realizado en óleo sobre panel; tiene unas medidas de 59.5 x 46 cm. Se exponen en la sala XIX.

La figura artística de Sodoma es una especie de puente entre finales del Renacimiento y Manierismo; en Siena, en particular, su importancia fue considerable impresionar a las líneas generales a la próxima Manierismo Siena.

“Madona con el Niño y el cordero”, obra de un pintor anónimo seguidor de Leonardo , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Madona con el Niño y el cordero”, obra de un pintor anónimo seguidor de Leonardo, está datado entre 1505-1510, realizado en óleo sobre panel; tiene unas medidas de 60 x 52 cm. Se exponen en la sala XIX.

El cuadro representa una escena que podría estar firmada por Leonardo da Vinci pero se ha atribuido a unos de sus seguidores. Aparece una Virgen complaciente que tiene en las manos a Jesús y este abraza en sus brazos un cordero, al fondo un paisaje con un castillo.

“Virgen del Rosal”, obra de un Bernardino Luini , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Virgen del Rosal”, obra de un Bernardino Luini, está datado entre 1500-1510, realizado en óleo sobre panel; tiene unas medidas de 70 x 63 cm. Se exponen en la sala XIX.

La procedencia del cuadro y su historia tampoco son conocidas, aunque en general se cree que estuvo en la Cartuja de Pavía, donde el pintor Luini estaba trabajando alrededor de la primera década del siglo XVI. La tabla revela la intensidad de los vínculos que este artista de Varese que mantenía la tradición gótica tardía Lombardia, que es responsable, por ejemplo, por su meticulosa representación de las plantas y flores en el fondo. Al mismo tiempo, sin embargo, vemos a Luini una inspiración al estilo de Leonardo da Vinci, no sólo en los rasgos faciales de la Virgen, sino también en la postura del Niño Jesús.

“Madona del Albero”, obra de un Cesere de Sesto, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Madona del Albero”, obra de un Cesere de Sesto, está datado entre 1512-1520, realizado en óleo sobre panel; tiene unas medidas de 46 x 36 cm. Se exponen en la sala XIX.

El cuadro representa a la Virgen del Árbol, es una escena intimista donde el niño guarda su mano en el interior del vestido de su madre mientras ofrece una mirada de satisfacción. En el fondo una gran árbol que da el nombre al título y en el lateral izquierda hay un pequeño hueco con un paisaje donde se puede ver un castillo.

“Retrato de un joven”, obra de un Andrea Solario, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Retrato de un joven”, obra de un Andrea Solario, está datado entre 1465-1524, realizado en óleo sobre panel; tiene unas medidas de 42 x 32 cm. Se exponen en la sala XIX.

El cuadro proviene de la colección de Cesare Monti de Milán, el retrato es uno de los más representativos de la introspectiva psicológica que ejerce la pintura del retrato en la escuela veneciana que viene heredada de la tradición nórdica.

“La Virgen de los Claveles”, obra de un Andrea Solario, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “La Virgen de los Claveles”, obra de Andrea Solario, está datado entre 1493-1494, realizado en temple y óleo sobre panel; tiene unas medidas de 76 x 63 cm. Se exponen en la sala XIX.

Andrea Solario nació en el seno de la familia Solari, dinastía de arquitectos y artistas. Tras aprender el oficio de pintor con su hermano Cristoforo Solari, ingresó en el taller de Leonardo da Vinci, de quien se considera uno de sus principales discípulos.

“La Virgen entronizada con el Niño”, obra de Bernardo Zenale, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “La Virgen entronizada con el Niño”, obra de Bernardo Zenale, está datado entre 1515, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 195 x 145 cm. Se exponen en la sala XIX.

El cuadro representa a la Virgen en el trono está acompañada a ambos lados de los santos Santiago y Felipe y por tres de los miembros donantes de la familia Busti. Al fondo aparece representado un paisaje rocoso.

“La Virgen entronizada con el Niño y los santos José y Simeón”, obra de Andrea Solario, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “La Virgen con el Niño y los santos José y Simeón”, obra de Andrea Solario (1465-1524), está datado en 1495, realizado en técnica mixta con óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 102 x 87 cm. Se exponen en la sala XIX.

La pintura llegó a la academia de Brera en 1811 como un regalo del virrey de Italia Eugenio de Beauharnais, recibida después de la abolición de la iglesia de San Pietro Martire en Murano, cerca de Venecia. Es una obra de suma importancia no sólo para el conocimiento de la obra de Andrea Solario, sino también porque documenta, en una fecha muy temprana, una suma única de influencias estilísticas. En la obra aparece una clara influencia de por Leonardo da Vinci y la dulzura expresiva de los seguidores de la escuela de Lombardía, cuya memoria es visible, sobre todo, en la figura de la Virgen ; Sin embargo, el pintor está fascinado por el cromatismo de los pintores venecianos, en este caso, el maestro toscano abandona el suave claroscuro para crear una composición con tonos brillantes y colores vivos, en los que el espacio es un análisis minucioso de los detalles anatómicos de caras y barbas en los dos santos esto refleja los conocimientos sobre el maestro Durero y por los pintores flamencos.

“Madona con el Niño”, obra de Bernardino Butinone, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Madona con el Niño”, obra de Bernardino Butinone, está datado entre 1480-1485, realizado en temple sobre madera; tiene unas medidas de 33 x 28 cm. Se exponen en la sala XIX.

La obra fue comprada por Corrado Ricci en 1901 en una la galería de arte. Es una obra un tanto especial que sigue una representación iconográfica que también fue tratada en la pintura de Vincenzo Foppa que representa a la Virgen con el Niño (Milán, Castello Sforzesco), comúnmente conocida como la Madonna del libro.

“Madona con el Niño durmiente”, obra de Ambrogio da Fossano, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Madona con el Niño durmiente”, obra de Ambrogio da Fossano conocido como Bergognone, está datado entre 1512-1515, realizado en temple sobre madera; tiene unas medidas de 60 x 40 cm. Se exponen en la sala XIX.

La tabla fue ejecutada probablemente para la Cartuja de Pavía, como sugiere la presencia en el fondo del paisaje de dos cartujos. Hay una obra muy parecida La Virgen de los cartujos (Milán, Brera), donde la mano derecha de la Virgen es idéntica a la de la pintura en cuestión. La composición es típica de la pintura lombarda de principios del siglo XVI y fue particularmente trabajado por Leonardo. La idea de la salvación se hace evidente por la presencia de la manzana y el libro, símbolos del pecado original, respectivamente, y la materialización de las Sagradas Escrituras con la venida de Cristo. Además, el vestido rojo de la Virgen alude a la pasión de Cristo, mientras que el manto azul a la Iglesia.

Hay una variante de esta pintura que se conserva en una colección particular, aunque hay mínimos cambios en la composición entre las dos pinturas (en la tabla que ahora está en una colección particular, diferente es la disposición de los objetos en el parapeto, el niño Cristo sostiene en su mano derecha unas cerezas; el ropaje del manto Madona es más densa y la sábana sobre la que se encuentra el bebé es de color amarillo); En cambio, el paisaje es completamente diferente: la tabla ahora en una colección privada muestra una vista panorámica de la Cartuja , mientras que el panel de Brera representa un lago o mar.

La tabla representa a María que está contemplando a su hijo durmiendo sobre unos cojines, mientras que trata de cubrirlo con un velo transparente. La cama está en un estante en el primer plano, en el que también se apoyaron una manzana y un libro, símbolos, respectivamente, del pecado original y la materialización de las Sagradas Escrituras con la venida de Cristo. El mismo velo después de todo, hace alusión a la mortaja de Cristo, y por lo tanto a su pasión y muerte que será redimido del pecado de Adán y Eva.

“Madona y el Niño con Santa Catalina de Siena y un monje cartujo”, obra de Ambrogio da Fossano, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Madona y el Niño con Santa Catalina de Siena y un monje cartujo”, obra de Ambrogio da Fossano conocido como Bergognone, está datado entre 1488-1494, realizado en temple sobre madera; tiene unas medidas de 46 x 40,5 cm. Se exponen en la sala XIX.

Es un tanto desconocida la historia de esta pintura que, probablemente, dado el tamaño y el sujeto estaba colgado en las paredes de una celda monástica: algunas consideraciones estilísticas, combinados con la presencia de Bergognone la Cartuja de Pavía entre 1486 y 1494, hacen un creíble su datación hacia 1488-1490.

En el mismo se representa de pie detrás a la santa fue identificada como santa Clara, mientras que el retrato del joven monje, se cree que pudiera tratarse del Beato Esteban Maconi, ex prior del monasterio de Pavía, lo que sugiere que el trabajo se llevó a cabo durante el primer período en que trabajo el artista en la abadía. El cuadro fue comprado en 1891 de la colección de Charles Henfrey en Baveno. Un trabajo similar se conserva en la Galería Sabauda de Turín.

“San Juan Bautista”, obra de Donato de Bardi , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “San Juan Bautista”, obra de Donato de Bardi (1426-1451), está datado en 1450, realizado en temple sobre madera; tiene unas medidas de 39,4 x 32. Se exponen en la sala XIX.

Donato de Bardi se formó en los talleres del estilo gótico internacional en Lombardía, sus primeros trabajos estuvieron relacionados con el estilo de Giusto de Menabuoi o Michelino da Besozzo. Sus primeros contactos con la cultura flamenca le llevaron pronto a desarrollar un estilo más personal y aislado. Algunos han sugerido que viajo a Flandes, pero su presencia en Génova, era la ciudad de la pintura flamenca provenzal e italiana, sería suficiente para explicar sus conocimientos.

“Presentación de Jesús en el templo”, obra de Vicenzo Foppa, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Presentación de Jesús en el templo”, obra de Vicenzo Foppa (1430-1516), está datado en 1470, realizado en temple sobre madera; tiene unas medidas de 129.5 x 56. Se exponen en la sala XIX.

La obra que plantea es de un orden poético es típicamente de la escuela lombarda, es decir, caracterizada por el perceptible y concreto plasticismo que se le confiere a los volúmenes y un sobrio planteo espacial.

“Madona con el Niño”, obra de Franceco Galli, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Madona con el Niño”, obra de Franceco Galli conocido como Francesco Napoletano, está datado en 1490-1499, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 41 x 30 cm. Se exponen en la sala XIX.

Franceco Galli es uno de los pintores que mejor refleja la influencia de Leonardo da Vinci y además por su enigmática vida llena de talento. Sabemos muy poco sobre él y su trabajo es muy problemática. El punto de partida para tratar de reconstruir su figura es un retablo firmado, en el Museo de Zurich

“Madona con el Niño”, obra de Gian Pietro Rizzoli , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Madona con el Niño”, obra de Gian Pietro Rizzoli conocido como Giampietrino, está datado en 1510, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 49 x 27,8 cm. Se exponen en la sala XIX.

Su origen se remonta a la primera década del siglo XVI y es considerado como el prototipo de un tipo de composición exitosa y repetidamente replicado por el artista. El pintor es uno de los más grandes entre los seguidores de Leonardo da Vinci en Lombardía: por alguno de los dibujos de Leonardo deriva la posición de los hombros de la Virgen , cuyo peinado, así como la fisonomía de la cara, se refiere en cambio a los modelos Perugino; la gracia de la composición sugiere la referencia a la zona de pintura de Rafael, que revela la fuerte atracción de la central de Milán tenia por la cultura, así como la maestría del artista en la fusión de diferentes sugerencias de estilo. La manzana en las manos del niño Jesús alude a la salvación traída por Cristo, el nuevo Adán.

“Madona y el Niño con dos ángeles músicos”, obra de Bernardino Zenale, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Madona y el Niño con dos ángeles músicos”, obra de Bernardino Zenale, está datado en 1500, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 49 x 27,8 cm. Se exponen en la sala XIX.

El cuadro representa el momento intimo que la Virgen se saca un pecho para dar de mamar a Jesús, este tiene cara de desesperación y hambre, poco antes de ponerse a llorar. En las esquinas inferiores del cuadro hay dos angelitos musicales, al fondo un paisaje rocoso en claroscuro deja ver en la parte izquierda un trozo mejor iluminado.

“El pecado de Cam”, obra de Bernardino Luini, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “El pecado de Cam”, obra de Bernardino Luini (1485-1532), está datado en 1515-1517, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 116 x 140 cm. Se exponen en la sala XIX.

El pecado de Cam es un hecho fundamental en la vida y en su destino; su nombre y el de sus descendientes llevarán siempre el estigma de aquel pecado. La ocasión fue la embriaguez de Noé, presentado en el relato (Génesis 9,20) como inventor del vino. El pecado de Cam se reduce a ver la desnudez (partes genitales) de su padre deliberadamente y sin recato; la importancia del gesto hay que interpretarla a la luz de los tradicionales sentimientos del pueblo hebreo, cuyo pudor y delicadeza rayan en la exageración

“La mujer tocando el laúd”, obra de Bartolomeo Venete, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “La mujer tocando el laúd”, obra de Bartolomeo Venete, está datado en 1520, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 65 x 50cm. Se exponen en la sala XIX.

La pintura se ha reconocido como una copia del “Jugador del laúd Bartolomeo Veneto” que son conocidos dos versiones fechadas respectivamente 1520 y colocados en la Galería Brera y el Gardner Stewart en Boston. El cuadro representa mediante la presencia del instrumento musical donde el retrato debe ser leído como un medio para templar el espíritu.

“Madona con el Niño”, obra de Bernardo Zenale, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Madona con el Niño”, obra de Bernardo Zenale (1481-1523), está datado entre 1501-1503, realizado en óleo sobre madera. Se exponen en la sala XIX.

Es una tabla intimista donde se representa a la Virgen con el Niño, está en el interior de una habitación, está iluminada con una ventana y una reja, la puerta se encuentra abierta y deja entrever un paisaje rocoso.

“Adoración del Niño”, obra atribuida a un seguidor de Bernardo Zenale, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Adoración del Niño”, obra atribuida a un seguidor de Bernardo Zenale, está datado en 1520, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 65 x 50 cm. Se exponen en la sala XIX.

El cuadro tiene una clara influencia flamenca por los detalles y la arquitectura. Se puede ver a un san José dormido mientras la Virgen con las manos adora al niño Jesús que juega alegremente en el suelo, sobre ellos aparece un ángel que lleva una banda con una oración en sus manos.

“Retrato de un hombre joven”, obra de Giovanni Antonio Boltraffio, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Retrato de un hombre joven”, obra de Giovanni Antonio Boltraffio (1467-1516), está datado en 1485-1495, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 49 x 39 cm. Se exponen en la sala XIX.

Los primeros trabajos de Boltraffio están influenciados por el estilo de Bernardo Zenale, Ambrosio Bergognone y Foppa, pero después sufre una clara influencia de Leonardo, se traslada a trabajar a Milán en 1482, copiando de este la principal característica el esfumato que dio origen Leonardo y el uso de colores con predominio de colores azules y fríos.

“Retrato del poeta Girolamo Casio”, obra de Giovanni Antonio Boltraffio, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Retrato del poeta Girolamo Casio”, obra de Giovanni Antonio Boltraffio (1467-1516), está datado en 1495-1505, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 52 x 40 cm. Se exponen en la sala XIX.

El personaje era hijo de Marfioni di Pandolfi y nació en la localidad de Casio. Se enriqueció como mercader y orfebre, y a pesar de su origen plebeyo desarrolló una gran ambición política, entrando al servicio de los Bentivoglio, los Gonzaga, los Este y los Medici (llegó a añadir el apellido de éstos al suyo, haciéndose llamar Girolamo Casio de Medici). Su modesto papel en la vida política italiana fue exagerado por él mismo en sus propios escritos, aunque en Bolonia nunca se le llegó a considerar patricio o noble como él pretendía, aduciendo para ello ciertos breves papales. Su obra poética es de escasa calidad, pero fue premiada con la corona de laurel por el papa.

“Políptico Monterubbiano”, obra de Pietro Alemanno, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Políptico Monterubbiano”, obra de Pietro Alemanno, está datado entre 1455-1480, realizado en temple sobre madera; tiene unas medidas de 146,5 x 33 cm. Se exponen en la sala XVIII.

El retablo estuvo colgado en la iglesia de San Francisco de Monterubbiano, fue confiscado en 1811 por Angelo Boccolari, profesor de la Academia de Módena, después de la supresión de las congregaciones religiosas. Al principio fue atribuido originalmente a Perugino, se dividió en tres partes, y se convirtió en parte de las colecciones de la Pinacoteca de Brera en 1811; inventario napoleónica se dividió en tres grupos, ya que cada par de santos de orden superior e inferior se pinta en una sola tabla, así como los dos temas centrales. Los tres grupos quedaron expuestos por separado en diferentes salas, en 1912 fue el momento cuando fueron ensambladas y montadas en un marco en el estilo de finales del siglo XV, con un alojamiento probablemente diferente de la original.

“Madonna y el Niño con Santa Catalina de Alejandría, San Francisco y el marques de Soncino”, obra de Giulio Campi, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Madonna y el Niño con Santa Catalina de Alejandría, San Francisco y el marques de Soncino”, obra de Giulio Campi, está datado en 1530, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 266 x 167 cm. Se exponen en la sala XVIII.

La obra fue adquirida en 1883 por la familia milanesa de Castelbarco Visconti, que se había rescatado en el mercado de antigüedades después de la supresión del convento carmelita en donde había sido depositado en la iglesia de Santa Maria delle Grazie en Soncino, donde había decorado el altar mayor en compañía de los frescos dedicados a las historias del ciclo de la Virgen situada en el ábside de la misma pintados por Giulio Campi. El donante esta identificado como Massimiliano Stampa, Marqués de Soncino desde 1525 consigliere del ducado de Milano.

“Madonna y el Niño en Gloria”, obra de Camillo Boccaccino, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Madonna y el Niño en Gloria”, obra de Camillo Boccaccino (1504-1546), está datado en 1532, realizado en óleo sobre madera. Se exponen en la sala XVIII.

La obra estuvo colgada en la iglesia de San Bartolomé de Cremona. Boccaccino se considera, junto con su Giulio Campi, la cabeza del cambio de la pintura de la escuela de Cremona en la dirección de un estilo totalmente moderno, que se produjo en los años entre la tercera y cuarta década del siglo XVI. Hijo de Boccaccio Boccaccino, el artista se quedó en Venecia hasta la muerte de su padre en 1525. En Venecia aprendió el arte de la pintura, donde pudo entrar en contacto con algunos de los principales precursores de la escena pictórica veneciana, y mantenerse influenciado de las formas de Tiziano

“Retrato de un hombre”, obra de Filippo Mazzola, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Retrato de un hombre”, obra de Filippo Mazzola (1460-1505), está datado entre 1490-1505, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 44 x 28 cm. Se exponen en la sala XX.

Se desconoce la identidad del hombre retratado. El pintor realizo una obra muy meticulosa, lleva un gorro y un vestido negro, se ve perfectamente la barba, una verruga en la nariz, los pliegues de la cara, esto demuestra la enorme influencia del pintor por la escuela flamenca.

“San Pablo”, obra de Geminiano Benzoni, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “San Pablo”, obra de Geminiano Benzoni (1460-1505), está datado entre 1500-1510, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 52 x 37 cm. Se exponen en la sala XX.

El autor tiene muchas obras desconocidas y su vida tampoco está muy documentada, se sabe que era un miembro de una dinastía de artistas, aunque se le presenta dentro de la escuela de Ferrara de principios del siglo XVI, donde la dominaba la monumentalidad de los pintores Cossa y de Roberti se disuelve en la atmósfera dulce y compuesto, típico del espacio veneciano y las influencias flamencas.

“Cabeza de san Juan Bautista”, obra de Giovan francesco Maineri, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Cabeza de san Juan Bautista”, obra de Giovan francesco Maineri, está datado entre 1491-1505, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 44 x 30 cm. Se exponen en la sala XX.

Esta pintura refleja las influencia del pintor Leonardo da Vinci en las obras expuestas en la pinacoteca de Brera, donde se muestra el cuello diseccionado de una cabeza en estrecha relación con los dibujos anatómicos de Leonardo de alrededor de 1489 a 1490, aquellas en las que se practican varias secciones a diferentes alturas de miembros humanos con el fin de poner de relieve los músculos, la columna vertebral y los vasos sanguíneos. La obra refleja un tono claro y brillante, la habilidad de cómo se reflejan las venas que parecen de mármol, sobre la que descansa la copa, manifiesta el profundo estudio anatómico.

“Cristo porta la Cruz”, obra de Francesco Zaganelli, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Cristo porta la Cruz”, obra de Francesco Zaganelli, está datado entre 1510-1520, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 95 x 55 cm. Se exponen en la sala XX.

Francesco Zaganelli trabajaba en colaboración con su hermano Bernardino Zaganelli, un día esto cesó y se traslado de forma permanente a un taller en Rávena.

Este fue seguramente el motivo para que el pintor tuviera la clara influencia de Alberto Durero, que visitó Italia dos veces y tal vez dejo una de sus obras en la ciudad natal del artista donde copia algunos aspectos del cuadro como la zona que afecta a la cortinas y hace un gran detalle de la barba y el pelo, impregnando un tono intensamente patético.

“Madona con el Niño jugando con un pájaro pequeño”, obra de Boccaccio Boccaccino, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Madona con el Niño jugando con un pájaro pequeño”, obra de Boccaccio Boccaccino, está datado entre 1508-1510, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 49 x 40 cm. Se exponen en la sala XX.

El trabajo confirma la intensidad de los vínculos culturales y artísticos que realizaron los pintores de las escuelas de Lombardía y Venecia, en el siglo XVI, está documentada con especial claridad en la producción de los pintores activos en las zonas fronterizas como Cremona y Brescia. La Virgen y el niño pertenecen al grupo de los trabajos realizados por Boccaccino durante su estancia en Venecia, que se inició en 1509. Destaca por la colocación de la madona bajo un toldo de tela finamente decorado detrás de la cual se puede ver el paisaje: el mismo patrón que apareció, por ejemplo, en las Vírgenes de Giovanni Bellini, y se perpetúa hasta mediados del siglo en las obras de la zona de Brescia.

“Cristo Crucificado”, obra de Cosmè Tura, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Cristo Crucificado”, obra de Cosmè Tura (1430-1496), está datado en 1469, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 22 x 17 cm. Se exponen en la sala XX.

Esta tabla se cree que la obra es un fragmento de una más grande con San Jerónimo penitente, que se encuentra en la colección Constabili, ahora en la National Gallery de Londres. El análisis de la tabla de Londres y la obra de Brera se ha especulado que la pintura original pudiera contener al menos otra figura, probablemente, un San Francisco de Asís en éxtasis, cuyo culto estaba estrechamente vinculado, durante el siglo XV, a la figura de San Jerónimo.

“Madona con el Niño”, obra de Nicolò Pisano, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Madona con el Niño”, obra de Nicolò Pisano, está datado entre 1510-1520, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 40 x 33.8 cm. Se exponen en la sala XX.

Esta pequeña tabla es similar a otras pinturas de Pisano sobre el mismo tema y se coloca en el mismo período de tiempo. Es una clara referencia a la influencia poética de Giorgione, aparte del paisaje, está lleno de color; mientras que en el cuello se aprecia un corte limpio y oscuro y una ligera hinchazón en las formas de la Virgen, hace que la pintura vaya un poco más allá de los ejemplos del proto clasicismo de Perugino .

“Adoración de los Magos”, obra de Lorenzo Costa il Vecchio, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Adoración de los Magos”, obra de Lorenzo Costa il Vecchio, está datado en 1499, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 75 x 181.3 cm. Se exponen en la sala XX.

Esta obra pertenecía a la predela del retablo de Francesco Francia, que representaba la Natividad de Cristo y de los Santos, fue encargado por Antonio Galeazzo Bentivoglio para la iglesia de Santa María de la Misericordia en Bolonia.

La obra se caracteriza por una composición para la unión de dos historias, donde se fragmenta la acción en los episodios narrativos individuales que animan la procesión de los Reyes Magos y donde el evento principal pasa casi a un segundo plano, abrumado por la abundancia de detalles descriptivos y exuberancia decorativa del ropaje de las prendas.

“San Juan Bautista y San Jorge”, obra de Giovanni di Nicolò Luteri, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente díptico “San Juan Bautista y San Jorge”, obra de Giovanni di Nicolò Luteri conocido como Dosso Dossi, está datado en 1540-1542, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 163 x 48 cm. Se exponen en la sala XXI.

Estos dos dípticos formaban de las alas de un tríptico, cuyo centro estaba dedicado a una Virgen con el Niño y San Juan de los cuales hay registros. Las referencias estilísticas más inmediatas es similar desde el punto de cristalización formal en la que la última etapa que Dosso tuvo en la escuela romana también tiene un cambio de color a su exuberancia cromática más habitual a los cortes afilados de luz y escultural.

“Deposición de Cristo”, obra de Benvenuto Tisi, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente díptico “Deposición de Cristo”, obra de Benvenuto Tisi conocido como Garofalo, está datado en 1527, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 300 x 166 cm. Se exponen en la sala XXI.

La tabla fue encargada para el altar mayor de la iglesia de San Antonio en Polesine, Ferrara, y es un ejemplo de la trayectoria artística del pintor que se formó en Ferrara entre los siglos XV y XVI. Tisi, asimiló las lecciones del cromatismo veneciano del maestro Giorgione, pero no fue capaz de acercarse a la variedad de la pintura flamenca.

“La Crucifixión con la Virgen y San Juan Bautista, Magdalena, San Juan Evangelista y un Agustino”, obra de Giovanni Battista Benvenuti, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “La Crucifixión con la Virgen y San Juan Bautista, Magdalena, San Juan Evangelista y un Agustino”, obra de Giovanni Battista Benvenuti conocido como Ortolano, está datado en 1517, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 258 x 176 cm. Se exponen en la sala XXI.

La tabla estuvo colgada en el monasterio de San Agustín, en Ferrara, la obra fue puesta en el mercado de antigüedades después de la desamortización de los monasterio con la llegada napoleónica, después se pasa a través de varias colecciones privadas, llegó a las manos de Tavazzi un anticuario romano desde donde se compró en 1905. Presenta una versión iconográfica de un acontecimiento arcaico, donde los ángeles recogen la sangre de Cristo, se cree que es la composición más antigua que ha llegado hasta nosotros del artista.

“San Sebastián”, obra de Giovanni di Nicolò Luteri , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “San Sebastián”, obra de Giovanni di Nicolò Luteri conocido como Dosso Dossi, está datado en 1526, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 182 x 95 cm. Se exponen en la sala XXI.

La tabla fue realizada para la iglesia de la Santissima Annunziata en Cremona, llegó a la pinacoteca de Brera después de las supresiones napoleónicas de los monasterios italianos. La obra fue pintada cuando el pintor formada parte de la corriente pictórica de Ferrara y de los maestros venecianos, se acercó a las obras de Rafael y Miguel Ángel. Por destellos de un paisaje emerge la figura escultural del cuerpo de Sebastián, aunque tiene una pose artificial y acompañada de los pliegues caprichosos que realza el espléndido manto verde que le cubre el abdomen.

“Madona con el Niño con Santiago y Elena”, obra de Nicolo Pisano, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Madona con el Niño con Santiago y Elena”, obra de Nicolo Pisano, está datado en 1512, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 225 x 173 cm. Se exponen en la sala XXI.

La tela fue pintada en 1512 para el altar mayor de Santa Maria Annunziata en Ferrara, para la capilla de la Hermandad Battuti Neri, donde se guardaba una reliquia la Cruz de Cristo donado por Isabel de Aragón en torno a 1508. Sólo la reliquia se había convertido en la ocasión para establecer dentro de la oratoria un gran esquema decorativo inspirado en la leyenda de la Cruz de Jacopo da Voragine, el programa se inició con la ejecución de esta pintura y posteriormente complementado por una serie de frescos.

“La Virgen en el trono con el niño con santa Ana, Elisabet, Agustín y el beato Pietro degli Onesti”, obra de Ercole de Roberti, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “La Virgen en el trono con el niño con santa Ana, Elisabet, Agustín y el beato Pietro degli Onesti”, obra de Ercole de Roberti, está datado en 1479-1481, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 323 x 240 cm. Se exponen en la sala XXI.

El cuadro es también conocido como el retablo Portuense, fue un encargo para la iglesia de Santa María en Porto Fuori en Ravenna, que se rigian los Canónigos Lateranenses; fue transferido, durante el siglo XVI, a la iglesia de San Francisco, en la misma ciudad, desde donde llegó a la galería después de la supresión napoleónica. Bajo una arquitectura majestuosa se ha colocado el podio octogonal sobre el que descansa el trono de la Virgen; la base está decorada con azulejos que imitan relieves de bronce antiguos, siguiendo el ejemplo de lo que había pintado Donatello para el altar del Santo en Padua.

A ambos lados del trono aparecerá Agustín, a la izquierda, protector de la orden de Letrán, y Pietro degli Onesti, su fundador; en la base del trono está soportado por columnas a través del cual se puede ver una tormenta marina maravillosa, probablemente en alusión a la fundación de Santa María del Puerto.

“La Anunciación”, obra de Francesco Raibolini, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “La Anunciación”, obra de Francesco Raibolini conocido como Francesco Francia, está datado en 1505, realizado en óleo y temple sobre lienzo; tiene unas medidas de 237 x 227 cm. Se exponen en la sala XXI.

El cuadro es una manifestación casi del lenguaje que empleaba Perugino, de los cuales lo más destacado son los rostros de los personajes, así como el tono delicado y la emoción de la narrativa religiosa. La pintura fue la primera vez rematada por una cornisa, perdida, que representaba el Padre Eterno.

Solemne y clásicamente equilibrado, la pintura fue encargada al artista en 1505, en el momento de su mayor éxito en la corte de los Gonzaga. Esta fue probablemente la razón que llevó al médico Mantua Antonio de Grado para pedir al artista de este retablo, para que fuera dedicada a la capilla de la Anunciación en la iglesia de la ciudad de San Francisco.

“La resurrección de Lázaro”, obra de Ludovico Mazzolino, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “La resurrección de Lázaro”, obra de Ludovico Mazzolino (1480-1525), está datado en 1527, realizado en óleo sobre tabla; tiene unas medidas de 38.5 x 50.5cm. Se exponen en la sala XXI.

En el cuadro aparece la figura central del milagro de Lázaro cuando es sacado de una tumba subterránea, mientras que los personajes que aparecen en el grupo de la izquierda, unos aparecen en actitudes de asombro, otros se manifiestan animados, y algunos parecen no estar a disgusto, esto es bastante inusual para un tema de religión que no tenga las interpretaciones irónicas o grotescas .

“San Jerónimo y Santa Catalina de Alejandría”, obra de Michelangelo Anselmi, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “San Jerónimo y Santa Catalina de Alejandría”, obra de Michelangelo Anselmi (1491-1554), está datado en 1510, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 155 x 110. Se exponen en la sala XXI.

Michelangelo Anselmi su pintura es fiel a al aprendizaje en la escuela de Siena, derivada de Sodoma y Beccafumi, pero junto con ellos nos puede rastrear la influencia de Fra Bartolomeo y Andrea del Sarto. Desde 1520 tiene una influencia dominante la de Correggio, que es un colaborador en los frescos de la catedral, su obra es una combinación de la cultura de Siena clásica con una suave y armoniosa sensualidad de Correggio. En trabajos posteriores surgir elementos manieristas resultantes de Giulio Romano aunque sigue prevaleciendo un estilo de Siena y de Correggio.

“Santo Tomas de Aquino”, obra de Girolamo Mazzola Bedoli, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Santo Tomas de Aquino”, obra de Girolamo Mazzola Bedoli (1500-1569), está datado en 1545, realizado en óleo sobre tabla; tiene unas medidas de 100 x 78.5 cm. Se exponen en la sala XXI.

El retrato corresponde con Santo Tomas miembro de la orden de los dominicos, se representa en el momento de su lectura, contemplando el crucifijo que sostiene en su mano izquierda. Tiene una humilde y ascética expresión, enfatizado por esos ojos hundidos, el rostro demacrado, emana un olor de santidad por el halo. Las pinceladas de textura son reemplazadas de vez en cuando en los toques transparentes, como sombras frescas alteran el marrón cálido de la naturaleza muerta sobre la mesa, se describe con atención a cada detalle copiado de la pintura flamenca.

“Natividad”, obra de Antonio Allegri llamado Corregio, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Natividad”, obra de Antonio Allegri llamado Corregio (1500-1569), está datado en 1512-1513, realizado en óleo sobre tabla; tiene unas medidas de 79 x 100 cm. Se exponen en la sala XXI.

Es una obra llena de ideas de los grandes maestros de la generación anterior, como Mantegna y Leonardo da Vinci porque se aprecia como el pintor emplea el claroscuro suave, sino también a las referencias contemporáneas como Dosso Dossi y compatriotas Lorenzo Costa y Garofalo, y de ciertos toques de Correggio representado en el esquema compositivo y en el tono dulce y sentimental de la figura de la Virgen.

“Alegoría de la Calumnia ”, obra de Lorenzo Leombruno, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Alegoría de la Calumnia ”, obra de Lorenzo Leombruno, está datado en 1524-1525, realizado en óleo sobre tabla; tiene unas medidas de 76 x 100 cm. Se exponen en la sala XXI.

El cuadro fue ejecutado en blanco y negro con reflejos de color oro, donde se representa una compleja alegoría de la Calumnia , dictada por Luciano de "no temer calumniae credendum". El tema es bien conocido, en sintonía con el gusto de los contratistas de pintura que pertenecían a una de las cortes más refinadas del renacimiento italiano, el de los Gonzaga de Mantua.

“Adoración de los magos”, obra de Antonio Allegri llamado Correggio, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Adoración de los magos”, obra de Antonio Allegri llamado Correggio (1500-1569), está datado en 1516-1517, realizado en óleo sobre tabla; tiene unas medidas de 84 x 108 cm. Se exponen en la sala XXI.

Correggio recibe durante sus inicios la influencia de Melozzo da Forlì. Es comúnmente considerado como pionero del uso de la luz. Consigue una sensación de ingravidez, de gran sensibilidad y delicadeza, pinta a niños, adolescentes y figuras femeninas suaves, rodeado de una cierta sensualidad. Comienza como un renacentista clásico, posteriormente recibe la influencia manierista y acaba, por su dinamismo y profundidad espacial, anticipando el barroco. En su madurez, su estilo es noble y equilibrado, con sombras transparentes y diseño fluido.

“Coronación de la Virgen”, obra de Carlo Crivelli, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Coronación de la Virgen”, obra de Carlo Crivelli (1435-1453), está datado en 1493, realizado en óleo y temple sobre tabla; la tabla superior tiene unas medidas de 128 x 225 cm y la inferior 225 x 225 cm. Se exponen en la sala XXII.

Las dos tablas formaban parte de un retablo desmembrado a finales del siglo XVIII, cuando se reconstruyó la iglesia de San Francisco de Fabriano. También según documentos de archivo, que describen el trabajo también estuvieron acompañadas de una tarima con diversas figuras de santos y adornos dorados .

El complejo decorativo fue removido y utilizado durante el siglo XVIII, pero no se sabe nada de los acontecimientos de los paneles individuales después de la puesta en el mercado de antigüedades.

“Gualdo Tadino”, obra de Giovanni Angelo d'Antonio da Bolognola, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente es el políptico “Gualdo Tadino”, obra de Giovanni Angelo d'Antonio da Bolognola, está datado en 1462-1465, realizado en temple sobre tabla; la tabla superior tiene unas medidas de 190 x 60 cm; la tabla central 154 x 40 cm.; la tabla inferior 132 x 60 cm; la tabla la inferior y lateral 118 x 42 cm. Se exponen en la sala XXII.

El políptico está dividido en dos registros, el superior y otro de la parte inferior. El retablo ahora en Brera vienen de hecho dos retablos diferentes: La parte superior viene de la abadía benedictina de Gualdo Tadino, por la que se hizo, y aún no se ha encontrado la parte inferior; el registro inferior se realizó para el altar mayor de la iglesia agustina de San Nicola en Tolentino (el santo Agustín se representa en la primera tabla de la derecha), pero fue sustituido a principios del siglo XVI por un panel del mismo tema de las Marquesas Giorgio.

“San Francisco di Cagli”, obra de un alumno Niccolò di Liberator, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente es el políptico “San Francisco di Cagli”, obra de un alumno Niccolò di Liberator, está datado en 1465, realizado en temple sobre tabla; la tabla superior tiene unas medidas de 279 x 299 cm. Se exponen en la sala XXII.

El retablo probablemente era un encargo para el monasterio de San Francisco de Cagli (Pesaro ), donde permaneció hasta la supresión napoleónica de los monasterios, fue adquirido por la pinacoteca en 1811. Al principio se cortaron y se separaron en paneles individuales entre 1813 las placas y 1822, para ser recompuesto en 1925 en una imitación de un marco de la época; en las cúspides se representan a San Miguel y San Geroncio se vendieron en 1832 a Felipe Benucci y ahora se desconocen la ubicación.

“Virgen del Sol”, obra de Bartolomeo di Tommaso, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Virgen del Sol”, obra de Bartolomeo di Tommaso, está datado entre 1425-1434, realizado en temple sobre tabla; la tabla superior tiene unas medidas de 121 x 42 cm. Se exponen en la sala XXII.

El nombre del cuadro viene porque la Virgen que adora al niño, está envuelta en una manta y rematada con un sol en medio de rayos, es una extensión de la iconografía mariana típica de la región de Marche, en el siglo XV, aquí está interpretado por un artista de Umbría fuertemente influenciado por la pintura gótica tardía de ascendencia veneciana. El trabajo llegó a la pinacoteca de Brera en 1811 procedente de la iglesia de San Giacomo di Pergola (Pesaro).

“Valle Romita”, obra de Gentile da Fabriano, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente es el políptico “Valle Romita”, obra de Gentile da Fabriano (Gentile di Niccolò di Giovanni di Massio), está datado entre 1410-1412, realizado en temple sobre tabla; la tabla central tiene unas medidas de 157.2 x 79 cm.; la inferior lateral 117,5 x 40; lateral superior 48.9 x 37.8 cm. Se exponen en la sala XXII.

El políptico llegó ya desmembrado a la Brera de 1811, a raíz de la supresión de la ermita franciscana de los observantes de Santa Maria di Valdisasso (Fabriano), de la que se han conservados los cinco grandes pilares; las cuatro tablas más pequeñas fueron adquiridas en una colección privada en 1901. Entre las hipótesis planteadas por los estudiosos, lo más llamativo atribuye la contratación de la pintura Ca hiavello Chiavelli, señor de Fabriano, que en 1406 restauró el convento de Valdisasso y lo eligió como un lugar para su entierro: es posible que, simplemente sirviese para decorar la capilla.

“Madona della Candeletta”, obra de Carlo Crivelli, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Madona della Candeletta”, obra de Carlo Crivelli, está datado entre 1488-1490, realizado en óleo sobre tabla; la tabla superior tiene unas medidas de 218 x 75 cm. Se exponen en la sala XXII.

El retablo proviene de la catedral de San Domenico en Camerino junto con un grupo importante de obras: la parte de Ansovino Santos Jerónimo, en el momento no se reconoce como parte del mismo retablo y se vende en la Galería de la Academia de Venecia, tríptico de Camerino y la Crucifixión, aunque se cree que es parte del compleja decoración.

Según los últimos estudios, la Virgen de Candeletta coincide con la tabla central de un retablo con dos registros, encargados en 1488 para el altar mayor de la catedral de Camerino por el capellán Bartolomé y se podría haber dañado como consecuencia del desastroso terremoto que destruyó la catedral en 1799.

“Tríptico de Camerino”, obra de Carlo Crivelli, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Tríptico de Camerino”, obra de Carlo Crivelli, está datado entre 1482-1483, realizado en temple sobre tabla; la tabla central tiene unas medidas de 190.5 x 78 cm, la izquierda 167 x 63 y la derecha 167 x 61.8 cm. Se exponen en la sala XXII.

El tríptico estuvo expuesto la iglesia de San Doménico en Camerino hasta 1811, tras el saqueo napoleónico. La estructura compositiva proviene del retablo de los Santos Bellos, realizados en 1480 por Nicholas Liberatore para la iglesia de San Venanzio en Camerino, que a su vez es parte de una tradición típicamente camerinese.

Durante la transferencia a la galería se perdió el marco original que probablemente contenía también otras escenas: dos de ellos, el “Ángel de la Anunciación y la Virgen de la Anunciación ”, que llegaron a la pinacoteca de Brera pero eran susceptibles de ser intercambiados con otras pinturas.

“Madona y el Niño con los santos Juan Bautista y Jerónimo”, obra de Callisto Piazza, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Madona y el Niño con los santos Juan Bautista y Jerónimo”, obra de Callisto Piazza, está datado entre 1529-1530, realizado en temple sobre tabla; tiene unas medidas de 215 x 188 cm. Se exponen en la sala XXIII.

Callisto Piazza trabaja en Brescia en 1523; el 8 de diciembre de ese año sirve como un testigo de los trabajos en acta notarial para el convento de San Domenico. Sus primeros trabajos fueron fechados y firmados el año siguiente y tienen personajes ya totalmente de Brescia. Sin embargo, el bagaje cultural que demuestra en estas primeras obras también incluye el conocimiento del arte de Ferrara Dosso Dossi y de Ludovico, y el interés por el rigor compositivo de Giovanni Agostino da Lodi. La zona de Brescia estaba viviendo en ese momento una extraordinaria explosión de artísticas y culturales gracias a las florecientes personas muy influyentes que vivieron a la ciudad

“Reposo de la Sacra Familia en Egipto”, obra de Simone Canterini, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Reposo de la Sacra Familia en Egipto”, obra de Simone Canterini, está datado en 1640, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 225 x 135 cm. Se exponen en la sala XXIII.

El cuadro estuvo colgado en la Iglesia Matris Domini de las Hermanas de Bérgamo, fue requisado en 1811; debido a su ubicación descentralizada no fue descrito por fuentes históricas y por tanto su fortuna crítica es sólo recientemente, aunque la composición se conoce gracias a un grabado del mismo Cantarini. La datación se coloca provisionalmente por los estudiosos entre las obras más afectadas por Guido Reni, quien dio la bienvenida a Simone Cantarini en su taller de Bolonia (1635-1637), y el viaje a Roma realizado por el artista a finales del 1640 y 1641. Las indicaciones de una actualización de los avances en la escuela romana podían encontrarse en la composición monumental de la pintura, desarrollado verticalmente, trata de forma dinámica con la diagonal trazada desde las figuras de San José y la Virgen , y los restos antiguos en el primer plano, que simbólicamente el refiere a la caída se rompió los ídolos en la entrada de Jesús en la tierra de Egipto.

“Madona y el Niño con los santos Pablo y San Juan Bautista”, obra de un pintor anónimo lombardo, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Madona y el Niño con los santos Pablo y San Juan Bautista”, obra de un pintor anónimo lombardo, está datado a principios del siglo XVI, realizado en óleo sobre tabla. Se exponen en la sala XXIII.

El cuadro se representa con forma de arco desde el interior de una cueva, la Virgen abraza con cariño a su hijo, mientras en sus pies tiene un ángel musical interpretando un violín, a sus lados están acompañado de san Pablo y san Juan Bautista.

“Coronación de la Virgen con santa Catalina, san Juan Bautista, Buenaventura y Orsola”, obra de Vicenzo Pagani, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Coronación de la Virgen con santa Catalina, san Juan Bautista, Buenaventura y Orsola”, obra de Vicenzo Pagani, está datado en 1518, realizado en óleo sobre tabla; tiene unas medidas de 250 x 165 cm. Se exponen en la sala XXIII.

La obra estuvo expuesta en la iglesia de la orden de los franciscanos de la Magdalena de Ripatransone y llego a la pinacoteca de Brera después de la desamortización de las órdenes religiosas tras la llegada de la dominación de Napoleón.

La siguiente sala es la XXIV, es la unión de tres pequeños espacios donde se han reunido tres de las obras más importantes de la pintura italiana con tres de sus mejores pintores de todas las épocas: Piero de la Francesca , Rafael Sanzio y Pietro Perugino.

“Retablo de Montefeltro”, obra de Piero della Francesca, Pinacoteca de Brera de Milán

Comenzamos por el cuadro “Retablo de Montefeltro”, obra de Piero della Francesca (14713-1492), realizado en óleo y temple sobre tabla; tiene unas medidas de 251 x 172 cm. Se expone en la sala XXIV.

Es una de las obras capitales de la historia del arte italiano, fue pintada por el artista toscano antes de 1474, estuvo colgada en la iglesia de San Bernardino de Urbino y llegó a Brera en 1811 procedente de la desamortización de Napoleón.

Detalle “Retablo de Montefeltro”

La pintura se representa en el interior de una iglesia renacentista donde se mantiene una Sacra Conversación, donde aparece en el centro la Virgen y el Niño en sus brazos en posición horizontal y adormecido, están rodeados por santos y ángeles, en primer plano vemos arrodillado a Federico de Montefeltro, señor de Urbino. La luz diurna revela los volúmenes de las solemnes inmóviles figuras y destacan los pequeños detalles. Los extraordinarios juegos de luz y sombra y los efectos se consiguen mediante las sutiles transparentes y veladuras de los colores al óleo.

El huevo que cuelga en la parte posterior, y que señala al ombligo del Niño, se pueden atribuir muchos significados simbólicos. Se puede entender como símbolo de vida o el nacimiento, como símbolo alquímico, como el signo del nacimiento de una virgen (en este caso concreto, de la Virgen María ), pero pudo haberlo elegido también como representación de la forma geométricamente perfecta. Cuelga de una vieira, que significa fecundidad.

Es posible, pero no seguro, que la pintura fue pensada originalmente para la decoración de la tumba del duque. Los trabajos de restauración, y estudios recientes han confirmado que el tamaño de la obra se ha reducido y que, en las intenciones del artista, la arquitectura era más amplia y bien iluminada.

El lugar al que iba destinada la obra explica la presencia de san Francisco y de san Bernardino de Siena, la cabeza de san Pedro mártir parece un añadido posterior para reequilibrar la composición. Aparecen igualmente San Juan Bautista, santo patrón de Battista Sforza, mujer del duque, y san Jerónimo en cuanto protector de los humanistas.

“Desposorios de la Virgen”, obra de Rafael Sanzio, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro es otra de las obras maestras del museo “Desposorios de la Virgen”, obra de Rafael Sanzio (1483-1520), esta datado en 1504, realizado en óleo sobre tabla; tiene unas medidas de 170 x 118 cm. Se expone en la sala XXIV.

Es una obra especialmente estimada por Rafael, uno de los indiscutibles favoritos del Renacimiento. En ella, Rafael pasa de ser un pintor altamente dotado como un fiel seguidor de Perugino dentro del estilo local de Umbria. Esta pintura fue ejecutada inmediatamente antes del viaje de Rafael a Florencia donde conoció de primera mano la escultura de Donatello así como el arte de sus más famosos contemporáneos, mayores que él, Leonardo da Vinci y Michelangelo.

Detalle “Desposorios de la Virgen”

La tabla firmada y datada: RAPHAEL URBINAS MDIIII, esto se puede ver sobre el arco del pórtico que circunda el templo, fue un encargo de la familia Albizzini para la capilla de san José en la iglesia de San Francisco de los Minoritas en Città di Castello, en Umbría. Al pintar su nombre y la fecha, 1504, en el friso del templo que queda en la distancia, Rafael abandonó el anonimato, y con confianza se anunció a sí mismo como el creador de la obra. En 1798 la ciudad se vio forzada a donar la pintura al General Lechi, un oficial del ejército napoleónico, quien a su vez lo vendió al marchante milanés, Sannazzari. Este lo legó al principal hospital de Milán en 1804. Dos años más tarde, fue adquirido por la Academia de Bellas Artes y fue entonces exhibido en Brera.

En 1958 fue objeto de un ataque vandálico. Los graves desperfectos causados se trataron en la restauración de Mauro Pellicioli.

Es un cuadro hecho a imitación de una tabla con el mismo tema y año de El Perugino, maestro de Rafael, que veremos más adelante, datada entre 1501 y 1504. Igualmente consideran los críticos que la pintura se inspiró en la celebración de Cristo entregando a san Pedro las llaves, de Perugino, dentro del ciclo de frescos en la Capilla Sixtina.

Las figuras, con sus pequeñas cabezas ovales con pequeños rasgos, provienen directamente del estilo de su maestro.

No obstante, existen una serie de detalles que evidencian que Rafael pertenece, ya, a otra generación de pintores. Rafael se aparta del tipo de composición de Perugino, en forma de planos sucesivos propios del bajorrelieve. La estructura de la pintura de Rafael, que incluye figuras en el primer plano y un edificio centralizado en el fondo, puede ciertamente compararse con las dos pinturas de Perugino. Pero la pintura de Rafael representa una composición circular bien desarrollada, mientras que la de Perugino se desarrolla horizontalmente, de una forma que aún es característica del Quattrocento. La estructura del grupo de figuras y del gran edificio poligonal distingue claramente la obra de Rafael respecto a la de su maestro. El espacio está más abierto en la composición de Rafael, indicando un dominio de la perspectiva que es superior a la de Perugino.

Detalle “Desposorios de la Virgen”

Toda la representación es muy mecánica, muy calibrada y calculada. Para enlazar la parte superior de la tabla con la inferior se usan las losas del pavimento, que subrayan la fuga de perspectiva, y de las apropiadas disposiciones de las figuras. El templo poligonal en el estilo de Bramante establece y domina la estructura de esta composición, determinando la disposición del grupo del primer plano y de otras figuras. Al mantener la perspectiva en el pavimento y en los ángulos del pórtico, las figuras disminuyen proporcionalmente en tamaño. El templo de hecho es el centro de un sistema radial compuesto de los escalones, el pórtico, contrafuertes y tambor, y extendido por el pavimento. En la entrada, mirando a través del edificio y la arcada enmarcando el cielo al otro lado, se sugiere que el sistema radial continúa al otro lado, lejos del espectador.

Este grupo principal se resalta en detrimento de las figuras acompañantes. El sacerdote es de hecho el centro focal de la escena, que está entre la Virgen y las mujeres, y san José, y todos los hombres. Estas figuras se inscriben en un semicírculo, forma circular que se reitera en el templo del fondo y en la forma superior de la tabla.

Las principales figuras permanecen en pie en el primer plano: José, a la derecha, está colocando solemnemente un anillo en el dedo de la Virgen y sosteniendo el bastón florecido, símbolo de que él es el elegido, en su mano izquierda. Ha florecido su báculo mientras que los de los demás pretendientes no llevan nada. Dos de los pretendientes, enfadados, rompen sus bastones. Se introduce así el tema de los pretendientes rechazados, pues es uno de ellos que, según un claro uso folclórico de trasfondo sexual, en el momento del matrimonio de ella con otro, demuestra públicamente, con este gesto, que ha cesado toda pretensión en frente de la mujer.

Hay toda una serie de figuras detrás del grupo principal que llevan la mirada hacia el templo del fondo. Algunas están en la plaza que precede al templo: una pareja de viandantes a la izquierda, un grupito más numeroso a la derecha; en estos grupos prevalece el color rojo. También aparecen figuras en el exterior del templo: a la izquierda, una figura a contraluz, y a la derecha otros dos individuos. De esta manera se consigue equilibrar y marcar la profundidad del cuadro.

Captado en el momento culminante de la ceremonia, el grupo que atiende a la boda también repite el ritmo circular de la composición. Las tres figuras principales y dos miembros del grupo se encuentran en el primer plano, mientras que los demás están colocados en profundidad, moviéndose progresivamente más lejos desde el eje central. Este eje, marcado por el anillo que José va a poner en el dedo de la Virgen , divide la superficie pavimentada y el templo en dos partes simétricas.

Prevalece una tonalidad de pardo rojizo y dorado, con fragmentos de marfil claro, amarillo, azul verdoso, marrón oscuro y rojo brillante. Las formas resplandecientes parecen estar inmersas en una atmósfera cristalina, cuya esencial es el cielo azul claro.

Tenemos la suerte de poder admirar una comparación directa entre el profesor y el alumno se realiza a través de dos obras de arte que interpretan el mismo tema. Es la primera vez en la historia que podemos ver en la misma sala de Perugino y Rafael con "Desposorios de la Virgen ", que se exhiben en el Pinacoteca di Brera, la primera es la obra de Rafael frente al maestro conocido como Perugino y proviene de museo de Bellas Artes de Caen (Francia). Ambas obras están relacionadas, por la vista delante de un templo antiguo, clásico y solemne, donde se presenta la disposición simétrica de los personajes, con la narración precisa de un episodio evangélico, sin embargo, fue mejor resuelto por Raphael que trabajo con más libertad, plasmado unos personajes más sueltos y con poses más naturales.

La exposición está abierto del 17 de marzo al 26 de junio en los siguientes horarios: de martes a domingo 08:30-19:15.

“Desposorios de la Virgen”, obra de Pietro Perugino, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro es una obra maestra del museo “Desposorios de la Virgen”, obra de Pietro Vannucci (1446-1523) conocido como Pietro Perugino, esta datada entre 1501 y 1504, realizada en óleo sobre tabla; tiene unas medidas de 233 x 186 cm. Se expone en la sala XXIV.

Detalle “Desposorios de la Virgen”

La obra fue pintada originalmente para la Capilla del Anillo Santo en la catedral de Perugia, donde había guardado la reliquia del anillo de bodas de la Virgen María. La capilla, fue terminada en 1489, posteriormente de redecoró cuando la reliquia fue recuperada en 1488 después de haber sido robado de una iglesia cerrada.

El gran retablo, después de haber sido encargado inicialmente a Pinturicchio, a continuación, se encomendó a la Perugino , que trabajó desde 1501 a 1504. Con las supresiones napoleónicas de las ordenes monásticas, en 1797, el cuadro fue confiscado por Napoleón y se entregó el cardenal tío Joseph Fesch, cuyas colecciones fueron adquiridas más tarde, en 1845, en parte por un librero de Caen, en Normandía, Bernard Mancel, que en 1872 cedió la colección el museo local. Cualquier intento por parte del municipio de Perugia para recuperar el trabajo no tuvo ningún éxito.

La composición de la pintura recuerda la entrega de las llaves que Perugino había pintado unos veinte años antes en la Capilla Sixtina : se repite en el fondo del gran edificio de planta central octogonal (símbolo del Templo de Jerusalén), al final de un piso de escaleras, que amplifica la escena del primer plano de acuerdo con un ideal de racionalidad geométrica que se ha convertido en uno de los emblemas del renacimiento italiano.

Detalle “Desposorios de la Virgen”

El edificio está situado en la parte superior de una escalera, y tiene cuatro pórticos renacentistas con arcos y cúpulas en los cuatro lados principales, donde es probable que haya cuatro portales con tejado a dos aguas. La razón del arco, ciego, también se encuentra en los lados más pequeños. Además del curso de la secuencia, el segundo piso tiene un marco con pilastras decorativas y la imposta de la cornisa, en las que hay ventanas rectangulares con frontón arqueado. La coronación de la barandilla, es una cúpula con baldosas de ladrillo, situado en el borde superior de la pintura que hace que se vea aún más impresionante de lo que realmente puede ser. Es un edificio que recuerda el ideal clásico del Renacimiento.

Como en la mayoría de las obras de Perugino, la composición se ajusta a los criterios de simetría, movidos por el cambio rítmico de las poses. Alrededor del eje central del edificio y sobre todo de su majestuosa puerta abierta en el fondo, se coloca San José, a la izquierda, vestida de amarillo la Virgen María , a la derecha, seguido por las mujeres. La senilidad obvia de José era también un elemento que hizo hincapié en la imposibilidad de consumación del matrimonio, lo que implica el dogma de la virginidad de María.

El ropaje cae de forma pesada y a la vez ligera con un colorido que describe perfectamente Perugino que había aprendido durante su formación en Florencia, en el taller de Verrocchio.

El paisaje en el fondo muestra las colinas, salpicadas de árboles delgados, la decoloración en la distancia al horizonte, dando la impresión de un espacio infinitamente amplio y profundo.

“Desposorio de la Virgen”, obra de Jean Baptiste Wicar, Pinacoteca de Brera de Milán

El tercer cuadro sobre la misma temática “Desposorio de la Virgen”, obra de Jean Baptiste Wicar, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1825; tiene unas medidas de 275 x 187 cm. Se expone en la sala XXV.

El lienzo que hace de intercesión entre la obra de Perugino y Rafael, es está, donde se representa la misma temática, fue un encargo para sustituir la obra que se llevó Napoleón de la catedral de San Lorenzo de Perugino (Italia) para el famoso altar del anillo.

La reliquia es un pequeño círculo de calcedonia, que, según la tradición, la Virgen entregaría el Apóstol Juan, antes de morir, y que en la Edad Media llegó a la ciudad de Chiusi en la Toscana, primero se colocó en la iglesia de Santa Mustiola y luego en la iglesia de San Francisco.

Desde allí en 1473 la obra fue robada por uno de los monjes del convento, que se la llevó a Perugia, a partir de una batalla sin cuartel entre las dos ciudades. Fue sólo la intervención del Papa Sixto IV para poner fin a las represalias y los embargos, entregando el anillo de forma permanente en Perugia. Desde hace algunos años la reliquia se conserva en la catedral en la Capilla de Decemviri el Palazzo dei Priori hasta que, en 1488, fue confiada a los cánones de la Sociedad de San José y se atesora, en la misma catedral, en la capilla dedicada a San José Santo anillo, donde todavía en la actualidad se venera.

Pasamos a la sala XXVII donde se exponen pinturas de gran formato del siglo XVI por artistas afincados en la Italia Central, en las regiones de la Toscana y las Marcas. Estamos ante la plena efusión de la corriente artística del manierismo donde los modelos figurativos de los grandes maestros Rafael y Miguel Angel son interpretados por sus discípulos.

“Disputa sobre la Inmaculada Concepción”, obra de Girolamo Genga , Pinacoteca de Brera de Milán

El primer gran cuadro de la sala “Disputa sobre la Inmaculada Concepción”, obra de Girolamo Genga (1476-1551), realizado en óleo sobre tabla, está datado en 1516-1518; tiene unas medidas de 438 x 290 cm. Se expone en la sala XXVII.

La tabla formaba parte de un gran retablo, encargado en 1513 para el altar mayor de la iglesia de San Agustín de Cesena y desmontado durante las renovaciones de la iglesia, eran una parte de la predela donde se exponen las Historias de San Agustín, además, tenía una cornisa con la “Anunciación” (todavía en la ubicación original) y dos figuras de Agustín bendito (hoy perdido).

El gran retablo fue construido entre 1516 y 1518, en un momento en que ya maduran las múltiples actividades de este artista, que era pintor y arquitecto, y que en sus primeros contactos con el entorno de la escuela romana de los primeros años del siglo asimilan el lenguaje clásico de los maestros que trabajaban allí, entre ellos Rafael y Miguel Ángel; sobre esta base, formuló un estilo raro y excéntrico que lo convirtió en uno de los más destacados representantes de la cultura manierista.

“La Virgen de la Anunciación con los santos Juan Bautista y Sebastián”, obra de Timoteo Viti, Pinacoteca de Brera de Milán

El primer gran cuadro de la sala “La Virgen de la Anunciación con los santos Juan Bautista y Sebastián”, obra de Timoteo Viti (1469-1523), realizado en óleo sobre tabla, está datado en 1512-1520; tiene unas medidas de 260 x 182 cm. Se expone en la sala XXVII.

El cuadro estuvo expuesto en la iglesia de San Bernardino en Urbino, la misma donde se colocó el Pala Montefeltro ; Allí permaneció hasta la supresión napoleónica, desde donde fue trasladado a Pinacoteca de Brera en 1811.

Timoteo Viti se formó como pintor en Bolonia, aprendió el oficio con Francesco Francia, de la que se deriva la preferencia por las composiciones y las dulzuras de expresiones simples y equilibradas; Sin embargo, en esta pintura de su madurez, emplea un estilo más particular, lleno de plasticidad y monumentalidad inusual en su producción anterior.

Pasamos a la sala XXVIII es una gran sala rectangular de la que se conserva su bóveda original, está dedicada a la pintura Emiliana del siglo XVII. Es una de las muestras de cómo la Contrarreforma influyó en el arte religioso después del Concilio de Trento.

“Martirio de san Vital”, obra de Federico Fiori , Pinacoteca de Brera de Milán

El primer gran cuadro de la sala “Martirio de san Vital”, obra de Federico Fiori (1535-1612) conocido como Federico Barocci, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1583; tiene unas medidas de 302 x 268 cm. Se expone en la sala XXVIII.

El cuadro fue un encargo de los monjes Cassinesi de San Vital de Rávena. La pintura fue colocada originalmente en el altar de la santa y luego fue trasladado a la sacristía, donde permaneció hasta 1811, cuando se convirtió en parte de la galería de arte siguiendo las instrucciones napoleónicas. Hay numerosos dibujos relacionados con su diseño hasta la realización final de la pintura, de acuerdo con la voluntad de los monjes. Desde un punto de vista estilístico, es la pintura más avanzada de la penetración del norte de Italia de Barocci cuya influencia de Annibale Carracci se han subrayado en repetidas ocasiones por los historiadores. La escena del martirio realiza en condiciones poco cortes y casi desagradables que enmascaran parcialmente la dureza del acontecimiento narrado.

“Cristo y la cananea”, obra de Ludovico Carracci , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Cristo y la cananea”, obra de Ludovico Carracci (1555-1619), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1595-1596; tiene unas medidas de 170 x 225 cm. Se expone en la sala XXVIII.

El lienzo fue una de las obras que se encargaron para la decoración del Palazzo Sampieri en Bolonia, donde el artista trabajó en una serie de frescos de Annibale Carracci y Agostino. La pintura de signos no muy definidos, en comparación con otras obras de finales del siglo XVI, era un tiempo de una gran yuxtaposición artística donde el pintor comienza con los primeros ideales clasicistas de la pintura.

“El sermón de san Antonio Abad a los ermitaños”, obra de Ludovico Carracci , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “El sermón de san Antonio Abad a los ermitaños”, obra de Ludovico Carracci (1555-1619), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1615; tiene unas medidas de 320 x 210 cm. Se expone en la sala XXVIII.

El lienzo estuvo expuesto en el altar mayor de la iglesia de San Antonio en Bolonia, donde permaneció hasta 1809, cuando fue requisado por Napoleón y fue trasladado a la Pinacoteca. La pintura muestra un carácter muy original y gran fuerza expresiva, que está respaldado por la fisonomía de los rostros, parcialmente perdidos en la preparación de la tela marrón que durante siglos ha salido a la luz en la superficie, en la carga evocadora de las ruinas del fondo, antes casi ilegible, destaca contra un cielo azul, junto con densa contraste de luces, recuerda el estilo de Guercino, así como en la magnífica libertad de escritura, tal vez nunca expresado como en esta pintura, pese a que el pintor era un anciano pero la acción la ejecuta como mucha seguridad.

“Madonna y el Niño con los Santos de Lawrence, Nicholas y Francesca”, obra de Francesco Gessi , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Madonna y el Niño con los Santos de Lawrence, Nicholas y Francesca”, obra de Francesco Gessi, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1620; tiene unas medidas de 238 x 153.5 cm. Se expone en la sala XXVIII.

El lienzo fue realizado para la iglesia de Santa María de los Pobres en Crevalcore, cerca de Bolonia. El cuadro tiene algunos elementos arcaicos, derivados de Pala Bargellini de Ludovico Carracci y, sobre todo, el claro timbre cromático y jugado con colores casi puros como dalmática roja brillante de San Lorenzo, el manto amarillo desbordante de San Nicolás, el fondo caliente del cielo donde está se hizo alusión a una glorietta de los ángeles.

“Cristo y la Samaritana”, obra de Annibale Carracci, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Cristo y la Samaritana”, obra de Annibale Carracci (1560-1609), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1583-1594; tiene unas medidas de 170 x225 cm. Se expone en la sala XXVIII.

El lienzo fue pintado para el Palazzo Sampieri en Bolonia, donde el artista trabajó en una serie de frescos de Ludovico y Agostino Carracci.

El pintor puso un énfasis especial en el dibujo lineal típicamente florentino, ejemplificado por Rafael y Andrea del Sarto, frente a los diseños sin boceto previo, aparentemente descuidados, de Caravaggio. Pero les interesó también la atención veneciana al uso del color fuerte, además de muy matizado, con efectos atmosféricos, especialmente en las obras del pintor al óleo veneciano de Tiziano,

“Cleopatra agonizante”, obra de Guido Cagnacci, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Cleopatra agonizante”, obra de Guido Cagnacci (1601-1663), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1660; tiene unas medidas de 158 x 120 cm. Se expone en la sala XXVIII.

Es un gran lienzo cargado de sensualidad, donde vemos la figura de Cleopatra sentada sobre una silla de respaldo recto, desnuda hasta la cintura. Ella ha sido mordida por la cobra que vemos atrapada entre el brazo de la silla y el brazo derecho. Sus ojos están casi cerrados mientras se desplaza hacia la inconsciencia. Su cabeza cayó hacia atrás apoyada en el cuero rojo de la silla. Los rizos de sus cabellos de color oro llegan hasta el hombro. Incluso en el momento de la muerte conserva su belleza. Su expresión facial es de tranquilidad y no está contorsionada por el dolor. En sus últimos momentos no se pierde nada de su resplandor como mujer.

“Abraham repudia a Agar e Ismael”, obra de Giovanni Francesco Barbieri, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Abraham repudia a Agar e Ismael”, obra de Giovanni Francesco Barbieri (1591-1666) conocido como Guercino, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1657; tiene unas medidas de 115 x 152 cm. Se expone en la sala XXVIII.

La obra fue un encargo de la ciudad de Cento para rendir homenaje al cardenal legado de Ferrara, Lorenzo Imperiali. El cuadro fue documentado en el Palazzo Sampieri en Bolonia durante el siglo XVIII, fue comprado por el virrey de Italia Eugenio Beauharnais que lo donó a la Pinacoteca de Brera.

La historia está inspirada en el Génesis y en particular, habla de cuando Abraham, el patriarca de Israel, recibió de Dios la promesa de generar un gran pueblo como los granos de arena del mar, pero ahora, desde hace algún tiempo asumió el cargo en la tierra de Canaán, no había tenido un niño con Sara su mujer. Por lo que la anciana esposa se había ofrecido a unirse a la joven esclava egipcia Agar, para dar a luz a un hijo que Sara habría criado como propio. Agar quedó embarazada y dio a luz a Ismael.

Pasamos a la sala XXIX esta sala y la siguiente componen un único espacio expositivo donde se pueden ver las importantes obras sexcentista de la pintura caravaggesca. La pinacoteca solamente conserva un lienzo de Caravaggio pero si contó con algunos seguidores en la escuela de Roma y Nápoles.

“Los santos mártires Cecilia, Valeriano y Tiburcio visitados por un ángel”, obra de Orazio Gentileschi, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Los santos mártires Cecilia, Valeriano y Tiburcio visitados por un ángel”, obra de Orazio Gentileschi (1563-1639), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1607; tiene unas medidas de 350 x 218 cm. Se expone en la sala XXIX.

El cuadro procede de la iglesia de Santa Cecilia de Como. El pintor crea una elegante composición con unas ciertas reminiscencias manieristas donde se aprecia como los esposos están dispuestos a recibir de un ángel y una corona de flores como símbolo de su unión, y la palma que simboliza el martirio. Tiene una claras referencias a la obra de Caravaggio, amigo personal de Orazio, sobre todo se parecía en el ángel del techo y la luz que rodea a toda la escena. Aunque el propio pintor interpreta sus características con la acentuada teatralidad, las figuras idealizadas y las figuras son idealizadas y emplea unos colores esmaltados y fríos. .

“Autorretrato vestido de químico”, obra de Luca Giordano, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Autorretrato vestido de químico”, obra de Luca Giordano (1634-1705), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1650; tiene unas medidas de 116 x 96 cm. Se expone en la sala XXIX.

El pintor ejecuta en este lienzo el uso generalizado entre los intelectuales napolitanos, que eran unos grandes amantes de la filosofía natural, y con tendencia al neoestoicismo, Luca Giordano retrata aquí bajo la apariencia de un alquimista.

“San Jerónimo meditando”, obra de Juan Ribera, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “San Jerónimo meditando”, obra de Juan Ribera (1590-1652) llamado El Españoleto, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1640-1650; tiene unas medidas de 109 x 82 cm. Se expone en la sala XXIX.

La meditación de San Jerónimo es uno de los temas que especialmente fue tratado en la producción del taller de pintura de Ribera. Comprado en 1886 de la colección de Vallardi, es probablemente una obra original del artista como sugiere un rastro de la firma, es casi ilegible en la esquina derecha del lienzo.

Pasamos a la sala XXX dedicada a la pintura lombarda del siglo XVII, con una selección de obras maestras que antes no estaban expuestas por falta de espacio y se guardaban en el almacén del museo.

“Última cena”, obra de Daniele Crespi, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Última cena”, obra de Daniele Crespi (1597-1630), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1620-1628; tiene unas medidas de 335 x 220 cm. Se expone en la sala XXX.

El lienzo fue encargado para la iglesia benedictina de Brugora, en Brianza, la orden fue suprimida en 1805: en ese momento se convirtió en la propiedad de la Academia de Brera, que se trasladó a la galería de arte en 1809. El artista sin duda estaba influenciado, sobre todo para la elección del punto de vista desde arriba, en este caso sigue el modelo ejecutado por Leonardo en Santa María de las Gracias en las agrupaciones de las cabezas de los apóstoles y el rendimiento de la animada vitalidad de los protagonistas. El trabajo se asigna a la madurez tardía de Crespi.

“Matrimonio místico de santa Catalina”, obra de Giulio Cesare Procaccini, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Matrimonio místico de santa Catalina”, obra de Giulio Cesare Procaccini (1574-1625) realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1616-1620; tiene unas medidas de 149 x 145 cm. Se expone en la sala XXX.

La pintura proviene de la colección del cardenal Cesare Monti y desde allí llegaron a la pinacoteca de Brera en 1896. Data de la segunda década del siglo XVII y se encuentra entre las obras maestras de la producción del artista, que recupera la elegancia y la dulzura de la cultura de la escuela Emiliana en el que se formó para desarrollar un estilo que tiene toda la expresión tumultuosa del lenguaje barroco.

“La Magdalena penitente y un ángel”, obra de Giulio Cesare Procaccini , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “La Magdalena penitente y un ángel”, obra de Giulio Cesare Procaccini (1574-1625) realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1620; tiene unas medidas de 135 x 97 cm. Se expone en la sala XXX.

La pintura perteneció a la colección del cardenal Cesare Monti, llegó a Milán en 1650 y desde allí fue a Brera en dos fases. Para el perfeccionamiento de la ejecución, especialmente evidente en la investigación sobre los efectos de textura de color, la obra está fechada en el comienzo de la segunda década del siglo XVII, en los años muy cerca del matrimonio místico de Santa Catalina.

“Virgen del Rosario”, obra de Giovan Battista Crespi, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Virgen del Rosario”, obra de Giovan Battista Crespi (1577-1625), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1618-1625; tiene unas medidas de 275 x 218 cm. Se expone en la sala XXX.

El lienzo fue realizado para el altar mayor de la iglesia del monasterio dominico de San Lázaro en Milán, dedicada a San Lázaro y Domenico. Es un buen ejemplo del arte devocional y de la inspiración entre ortodoxia impuesta después del Concilio de Trento y el “cuidado compasivo” que tanto recomienda al clero en esos años por Federico Borromeo en la exposición de la doctrina cristiana.

Pasamos a la sala XXXI donde se exponen la pintura del siglo XVII con escenas y pinturas de género pertenecientes a distintos contextos pictóricos, italianos y flamencos, por lo general basado en la pintura predominante barroca.

“Retrato de un caballero de Malta (Scipione Papafava)”, obra de Bernardo Strozzi, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Retrato de un caballero de Malta (Scipione Papafava)”, obra de Bernardo Strozzi (1581-1644), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1620-1625; tiene unas medidas de 129 x 98 cm. Se expone en la sala XXXI.

Bernardo Strozzi se formó en un ambiente cultural donde gracias a las excelentes perspectivas de empleo garantizados por la oligarquía de los ricos comerciantes de la ciudad, fluyeron en los principales artistas de la época, italianos y extranjeros. En Génova, llevaban distinguidos invitados como Van Dyck y Rubens para retratar a los nobles de la época

El presente retrato esta ejecutado con una brocha suave y densa que mejora la grandeza de la figura y al mismo tiempo el estado del carácter social, además, incorpora los cánones de la época.

“Bodegón con instrumentos musicales”, obra de Evaristo Baschenis , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Bodegón con instrumentos musicales”, obra de Evaristo Baschenis (1617-1677), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en el siglo XVII; tiene unas medidas de 60 x 88 cm. Se expone en la sala XXXI.

Es una de las obras más importantes del artista de Bérgamo, donde se representa una serie de instrumentos musicales que en sus composiciones era capaz de interpretar el tema de la naturaleza muerta como una herramienta de lectura e investigación crítica de la realidad: por lo tanto, la aplicación de la perspectiva, como la atención los significados simbólicos de los objetos individuales, que en el caso de la pintura aluden a la inexorable paso del tiempo.

“Última cena” obra de Pieter Paul Rubens, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Última cena” obra de Pieter Paul Rubens (1577-1640), realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1631-1632; tiene unas medidas de 304 x 250 cm. Se expone en la sala XXXI.

Estamos ante uno de los cinco cuadros flamencos que llegaron a Brera en 1813 a cambio de algunas de las obras robadas por Napoleón en Milán y proviene del Santísimo en la capilla de la iglesia de San Romualdo en Malinas, por el que fue encargado por Catalina Lescuyer para conmemorar la muerte su padre; fue completado por dos predelas actualmente conservadas en el museo de Dijon con historias de la pasión de Cristo.

La obra, al igual que muchos de los fines de la producción de Rubens, se llevó a cabo en colaboración con alguna ayuda exterior: muestra un lenguaje cálido e intenso, donde el diseño robusto delimita las formas enmarcadas por una composición de equilibrio clásico grandioso. Hay claras influencias de la pintura italiana, sobre todo, venecianas del siglo XVI.

Pasamos a la salas XXXII-XXXIII, son dos pequeñas salas donde se expone la pintura de las escuelas flamencas y holandesa de los siglo XVI y mediados del XVII, fundamentalmente en retratos y paisajes de pequeño formato que fueron ingresados gracias a intercambios.

“Adoración de los Reyes” obra de Jan van Dornicke, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Adoración de los Reyes” obra de Jan van Dornicke (1470-1527), realizado en óleo sobre tabla, está datado entre 1520-1530; tiene unas medidas de 106 x 72 cm. Se expone en la sala XXXII.

La tabla era la parte central de un tríptico cuyo lados hoy se encuentran en una la colección privada de Bélgica, que representa la Anunciación y el Descanso en la huida a Egipto; Llegó en Brera en 1889, se une a una línea de la llamada pintura manierista de Amberes. Se atribuyó al llamado Maestro de 1518, el nombre con el que se tiende a reconocer Jan van Dornike, pintor y comerciante de principios del siglo XVI que tuvo un importante taller en Amberes.

“Tríptico de la Adoración de los Reyes” obra de Jan de Beer, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Tríptico de la Adoración de los Reyes” obra de Jan de Beer (1475-1519), realizado en óleo sobre tabla, está datado entre 1515-1520; tiene unas medidas de la parte central 156 x 123 cm; la parte izquierda es de 154 x 58 cm; la parte derecha es de 157 x 57 cm. Se expone en la sala XXXII.

Estamos ante una verdadera obra maestra de la pintura. El autor estaba registrado en el gremio de pintores de Amberes entre 1504 y 1520, lo que aquí se une el sabor y la creatividad imaginativa descriptiva típica de los artistas del norte de Europa dentro de un marco arquitectónico que sugiere un conocimiento directo de los maestros italianos.

Las dos partes de los laterales eran alas móviles, capaces de cerrar y proteger la imagen central y representan en el exterior el Ángel de la Anunciación y la Virgen de la Anunciación, pintado en blanco y negro.

“San Lucas pintado a la Virgen y el Niño” obra de Jan de Beer , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “San Lucas pintado a la Virgen y el Niño” obra de Jan de Beer (1475-1519), realizado en óleo sobre tabla, está datado entre 1505-1510; tiene unas medidas 93.5 x 195 cm. Se expone en la sala XXXII.

Al principio esta pintura fue atribuida a Lucas van Leyden, fue comprado por colección de la Galería del Arzobispo.

Representa el Evangelista Lucas pintando en un caballete a la Virgen con el Niño, con larga tradición en la pintura nórdica que atrae a sus orígenes de la tradición bizantina de Lucas como un retrato de la Virgen.

“Retrato de un hombre en oración” obra de Hernan Rode, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Retrato de un hombre en oración” obra de Hernan Rode (1468-1504), realizado en óleo sobre tabla, está datado entre 1485-1486; tiene unas medidas 35 x 27 cm. Se expone en la sala XXXII.

Hernan Rode fue un pintor de estilo gótico nacido en Alemania, activo en la primera mitad del siglo XVI. La tabla fue parte de un díptico cuya parte de la izquierda era la sagrada imagen a la que se abordó en la oración del retrato del hombre.

“Santa Catalina” obra atribuida al Maestro de Mezze Mujer de Figuras, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Santa Catalina” obra atribuida al Maestro de Mezze Mujer de Figuras, realizado en óleo sobre tabla, está datado entre 1525-1550; tiene unas medidas 45 x 36 cm. Se expone en la sala XXXII.

La pintura es la obra del pintor convencionalmente identificado como el Maestro de las mujeres, activo en Flandes a finales del siglo XVI, y cerca de Bernart Van Orley, definido después de la identificación de la mano de una serie de retratos femeninos.

“San Francisco medita sobre la muerte” obra de Dominikos Theotokopoulos, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “San Francisco medita sobre la muerte” obra de Dominikos Theotokopoulos conocido como El Greco, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1600-1610; tiene unas medidas 108 x 66 cm. Se expone en la sala XXXII.

El lienzo representa a San Francisco como medita arrodillado con una calavera en las manos, al contemplar su hermano León, colocado a sus pies. El sujeto se encuentra entre uno de los favoritos del artista, tanto es así que si que se conocen más de cuarenta ejemplares con distintas variedades pictóricas.

“Sacrificio de Isaac” obra de Jacob Jordaens, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Sacrificio de Isaac” obra de Jacob Jordaens (1593-1678), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1630;. Se expone en la sala XXXIII.

Jacob Jordaens fue un pintor barroco flamenco. Es el último gran maestro de la época en los Países Bajos, tras la muerte de Rubens (1640) y Van Dyck (1641). A diferencia de sus contemporáneos, nunca realizó un viaje formativo a Italia para conocer el arte clásico, y su carrera destaca por cierta indiferencia hacia las ambiciones cortesanas o intelectuales.

“la Virgen con el Niño y San Antonio” obra de Anton van Dyck , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “la Virgen con el Niño y San Antonio” obra de Anton van Dyck (1599-1641), realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1630-1632;. Se expone en la sala XXXII.

La escena representa a San Antonio de Padua de rodillas en adoración de la Virgen María y el niño Jesús. De fondo podemos ver un paisaje iluminado por un haz de luz que atraviesa la imagen para resaltar el éxtasis místico de la santa. La escena se expresa en un torbellino de emociones por la fijación de San Antonio a la humanidad de Cristo y de su intimidad con Dios.

“Retrato de la hermana” obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Retrato de la hermana” obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1632; tiene unas medidas de 18 x 24 cm. Se expone en la sala XXXII.

Este cuadro no se sabe con exactitud quien es el personaje retratado pero cabe la posibilidad que se tratase la hermana del artista. La pintura llegó a la pinacoteca de Brera en 1813 a través de un intercambio con el Louvre. En el momento en que el trabajo fue considerado una obra del maestro, documentada por la firma e identificado con el retrato de su hermana, pero después de numerosos estudios la junta dudo de su autoría y ha sido borrado del catálogo de obras de Rembrandt. La hipótesis actual es más confiable que esta es la obra de un seguidor.

“Villa Rural” obra de Giovanni Brueghel el viejo, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Villa Rural” obra de Giovanni Brueghel el viejo (1525-1569), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1607; tiene unas medidas de 21 x 32 cm. Se expone en la sala XXXIII.

Giovanni Brueghel el viejo fue un prolífico autor de naturalezas muertas se alejó de su estilo paterno más de lo que lo hizo su hermano Pieter el Joven. Sus primeras pinturas son a menudo paisajes que representan escenas de la Sagrada Escritura, especialmente las escenas de bosques que revelan la influencia de Gillis van, verdadero maestro en la pintura de paisajes forestales.

“Retrato de un Joven” obra de Dirck van Santvoort , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Retrato de un Joven” obra de Dirck van Santvoort (1640-1680), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1643; tiene unas medidas de 190 x 120 cm. Se expone en la sala XXXIII.

El pintor proviene de una dinastía grande y rica de artistas, estuvo activo en Ámsterdam como pintor de la clase alta: un pintor de escenas historia y género, era muy popular entre sus contemporáneos y fue muy solicitado como retratista, especialmente de los niños y los jóvenes.

“Retrato de una dama” obra de Anthony van Dyck , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Retrato de una dama” obra de Anthony van Dyck (1599-1641), realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1630-1640; tiene unas medidas de 140 x 107 cm. Se expone en la sala XXXIII.

El lienzo representa a una mujer no identificada adornada con bellas joyas y un vestido largo y negro, según las últimas hipótesis con un miembro de la familia du Croy Bruselas.

“Pan y Siringa” obra de Jan Brueghel el viejo, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Pan y Siringa” obra de Jan Brueghel el viejo, realizado en óleo sobre tabla, está datado en 1617; tiene unas medidas de 33 x 43 cm. Se expone en la sala XXXIII.

La obra representa una historia clásica don dos protagonistas: una criatura masculina peluda con patas de cabra (Pan) y una niña (la ninfa Siringa). En cierta ocasión era perseguida por Pan, huyó horrorizada y trató de esconderse entre la vegetación del agua del río Ladón (dios). Para salvarla del sátiro, Ladón convirtió a la ninfa en juncos de cáñamo,

Pasamos a la sala XXXIV está dedicada a la pintura religiosa del siglo XVIII con obras de gran formato. Se trata de lienzos de inspiración clasicista en la primera mitad del siglo XVIII en el contexto de la Roma tardobarroca.

“San Jerónimo tocando las trompetas del juicio final” obra de Pierre Subleyras, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “San Jerónimo tocando las trompetas del juicio final” obra de Pierre Subleyras, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1739; tiene unas medidas de 408 x 232 cm. Se expone en la sala XXXIV.

El lienzo fue realizado para la iglesia de los Santos Cosme y Damiá de Milán. El cuadro muestra con exactitud la iconografía de San Jerónimo, con su león que se encuentra en la zona de sombras, los libros y la cruz, con una asombrosa visión el pintor nos retrata al santo en el momento que desde el cielo es llamado por una nube de ángeles que tocan las trompetas como un llamamiento al juicio final.

“Crucifixión con María Magdalena, San Eusebio y San Felipe Neros” obra de Pierre Subleyras, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Crucifixión con María Magdalena, San Eusebio y San Felipe Neros” obra de Pierre Subleyras, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1744; tiene unas medidas de 408 x 232 cm. Se expone en la sala XXXIV.

El lienzo perteneció a la iglesia de los Santos Cosme y Damián en Milán, por el que fue ejecutado. La inspiración clasicista del autor determina la construcción de una estructura compositiva clara y suave, dominada por la gran cruz en torno al cual se disponen de forma ordenada tres devotos santos.

“Martirio de san Erasmo” obra de Sebastiano Ricci, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Martirio de san Erasmo” obra de Sebastiano Ricci, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1694-1697; tiene unas medidas de 118 x 95 cm. Se expone en la sala XXXIV.

Este cuadro es una de las obras que han creado dudas sobre la autoría, la cuestión intrincada y compleja de los intercambios entre los pintores Alessandro Magnasco y Sebastiano Ricci, ambos, eran amigos cercanos. El lienzo de Brera asignado a Sebastiano nació siendo un prototipo de Magnasco en una colección privada en Florencia Bertini.

“La Virgen del Carmen” obra de Giovanni Battista Tiepolo, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “La Virgen del Carmen” obra de Giovanni Battista Tiepolo, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1721-1727; tiene unas medidas de 210 x 650 cm. Se expone en la sala XXXIV.

La compleja iconografía de la tela y el ajuste e a una capilla dedicada a las almas en el Purgatorio, resume las características principales de la devoción carmelita, centradas en el simbolismo del escapulario como un medio de salvación y la redención de los pecados.

La pintura fue encargada en 1721 para la capilla de la Hermandad de la iglesia de voto en Sant'Apollinare en Venecia, oficiada por los Carmelitas y en 1727 aún no había terminado.

“Madona y el Niño con los santos José y Zacarías, Isabel y Juan” obra de Pampeo Batoni, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Madona y el Niño con los santos José y Zacarías, Isabel y Juan” obra de Pampeo Batoni, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1737-1740; tiene unas medidas de 403 x 228 cm. Se expone en la sala XXXIV.

Estamos ante un lienzo de estilo clasicista con inspiración académica, el artista del ejemplo de estilo, el primero en ser transferido al palacio de Brera, en la que nació primero y heterogénea colección de obras apoyadas en las actividades educativas de la Academia de Bellas Artes. El cuadro proviene de la iglesia milanesa de SS. Cosme y Damián, se sufrió la desamortización de los conventos en 1796.

“Salida de Santa Pola de Roma hacia tierra santa” obra de Giuseppe Bottani, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Salida de Santa Pola de Roma hacia tierra santa” obra de Giuseppe Bottani, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1745; tiene unas medidas de 410 x 231 cm. Se expone en la sala XXXIV.

El cuadro tiene un marcado gusto por las composiciones clásicas amplias y bien orquestadas, apoyadas por un equilibrio en la diseño de los estudios académicos del pintor.

Ejecutado para la iglesia de los Santos Cosme y Damián en 1970 fue recogido por el abad Charles Bianconi, secretario de la Real Academia de Bellas Artes para ser expuesto en el anti refectorio del palacio de Brera.

Pasamos a la sala XXXV-XXXVI se exponen cuadros de gabinete pintados en Venecia del siglo XVIII, relacionados con el coleccionismo privado, sobre todo las escenas de la vedute en la ciudad de la laguna.

“Vista de San Marcos en la Punta Dogana” obra de Giovanni Antonio Canal, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Vista de San Marcos en la Punta Dogana” obra de Giovanni Antonio Canal (1692-1768) conocido como El Canaletto, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1740-1745; tiene unas medidas de 53 x 70 cm. Se expone en la sala XXXV.

La vista de la basílica de San Marco es un tema muy recurrido por el autor, de las que hizo diferentes cuadros variando el ángulo y la amplitud de la visual.

El artista fue uno de los pintores más reconocido en el siglo XVIII tuvo un éxito internacional excepcional y alcanzó su máxima expresión en las representaciones de la ciudad de la laguna, convertirse en el símbolo de la ciudad rica y serena, Venecia fue inmortalizado en todo su esplendor de los edificios y en la grandeza de sus iglesias con vistas a la laguna, dentro de una atmósfera atemporal iluminado por una luz brillante típica y reconocible.

“El Sacamuelas” obra de Pietro Longhi, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “El Sacamuelas” obra de Pietro Longhi (1702-1785), realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1746-1752; tiene unas medidas de 50 x 62 cm. Se expone en la sala XXXV.

El pintor especializado en escenas de género de pequeño formato retrata una escena de la vida cotidiana de Venecia, ambientado frente al Palacio Ducal con una animada vena narrativa y con un interés irónico y realista que lo acerca a la investigación de Goldoni en el teatro.

“Vista de Gazzada” obra de Bernardo Bellotto, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Vista de Gazzada” obra de Bernardo Bellotto (1721-1780), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1744; tiene unas medidas de 64.5 x 98.5 cm. Se expone en la sala XXXV.

Es uno de los mejores ejemplos del vedutismo europeo del siglo XVIII. Fue pintado por el sobrino y discípulo de Canaletto durante su estancia en Lombardía. Reproduce con mucha precisión un grupo de construcciones rodeadas de bosques, donde se ven un grupo de lavanderas y de campesinos.

“Rebeca y Eliezer en el pozo” obra de Giovanni Battista Piazzetta, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Rebeca y Eliezer en el pozo” obra de Giovanni Battista Piazzetta (1683-1754), realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1735-1740; tiene unas medidas de 102 x 137 cm. Se expone en la sala XXXV.

La obra representa el pasaje bíblico el momento en que Eleazar, enviado por Abraham para buscar una esposa para Isaac, la novia reconoce que Dios ha elegido para su amor. Los personajes están vestidos al modo del siglo XVIII con una composición de medias figuras, donde el pintor aplica una paleta clara y luminosa transforman casi el asunto bíblico en una escena pastoril.

“San Luis Gonzaga” obra de Giovanni Domenico Tiepolo, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “San Luis Gonzaga” obra de Giovanni Domenico Tiepolo, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1760; tiene unas medidas de 72 x 60 cm. Se expone en la sala XXXV.

El cuadro retrata al joven San Luis, canonizado en 1726, según la iconografía tradicional y con referencias precisas a una pintura del mismo tema de Pompeo Batoni. Se atribuye a Giambattista Tiepolo y luego a su hijo Gian Domenico, esta última situación que parece más probable, se da porque el trabajo se realizo en los años cercanos a 1760.

“Vista del Gran Canal” obra de Giovanni Antonio Canal, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Vista del Gran Canal” obra de Giovanni Antonio Canal (1692-1768) conocido como El Canaletto, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1740-1745; tiene unas medidas de 53 x 70 cm. Se expone en la sala XXXV.

Aquí se representa la vista de la cuenca de San Marcos desde la punta de Aduanas presentó en la misma habitación de la que se hizo muchas versiones antes de la marcha del pintor a Inglaterra. Se pude apreciar los palacios que se asoman al Gran Canal repleto de góndolas y barcas a vela con una gran presión óptica y una luz muy nítida.

“Vista de Villa Melzi” obra de Bernardo Bellotto, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Vista de Villa Melzi” obra de Bernardo Bellotto (1721-1780), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1744; tiene unas medidas de 64.5 x 98.5 cm. Se expone en la sala XXXV.

Se le conoce como Villa Melzi, nombre que hace mención la familia de Antonio Maria Melzi propietario de la villa. De hecho, las investigaciones muy recientes han revelado que Melzi se hizo cargo sólo en 1838 de la propiedad del edificio que se muestra aquí, que en el momento del viaje del pintor Bellotto pertenecía a los titulares de los prestigiosos nobles Varesini Gabrio y José Perabo, gobernadores de la ciudad y, sobre todo, unidos por relaciones de amistad con el cardenal Joseph Pozzobonelli.

“Vista del Gran Canal con las Fábricas Nuevas de Rialto” obra de Francesco Guardi, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Vista del Gran Canal con las Fábricas Nuevas de Rialto” obra de Francesco Guardi (1712-1793), realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1756-1760; tiene unas medidas de 56 x 75 cm. Se expone en la sala XXXV.

Estamos ante un acercamiento de la pintura de Francesco hacia Canaletto creando una perspectiva imitando retener la respiración escénica, sin embargo, una discusión más rápida pictórica reproduce unos movimientos y atmósferas, vibrantes más que las elaboradas por el maestro.

“Vista del Gran Canal hacia el Rialto con el Palacio Grimani y el Palacio Marin” obra de Francesco Guardi , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Vista del Gran Canal hacia el Rialto con el Palacio Grimani y el Palacio Marin” obra de Francesco Guardi (1712-1793), realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1756-1760; tiene unas medidas de 56 x 75 cm. Se expone en la sala XXXV.

Es la vista que sirve de continuación a las escenas de las nuevas fábricas de Rialto con los que comparte los acontecimientos, la fecha con seguridad es después de 1754 debido a la presencia de la cúpula con forma de cebolla de San Bartolomé

“Las tentaciones de San Antonio” obra de Giovanni Domenico Tiepolo, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Las tentaciones de San Antonio” obra de Giovanni Domenico Tiepolo, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1724-1725; tiene unas medidas de 40 x 47 cm. Se expone en la sala XXXV.

Pertenece a uno de los primeros trabajos de la artista, es una visión fantástica, suspendido en un paisaje desconocido y en buena parte irreal.

Pasamos a la sala XXXVII-XXXVIII muestra un nutrido grupo de obras maestras de la pintura neoclásica y romántica del siglo XIX italiano.

“Riada Humana” obra de Giuseppe Pelizza da Volpedo , Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “Riada Humana” obra de Giuseppe Pelizza da Volpedo (1868-1907), realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1895-1896; tiene unas medidas de 255 x 438 cm. Se expone en la sala XXXVII.

Este es uno de los cuadros más famoso del museo, se representa en los títulos de la presentación de la película Novecento, la obra maestra de Bernardo Bertolucci, con Robert De Niro y Gérard Depardieu.

El cuadro está ligado a la maduración de la conciencia política, artística y social, y la experimentación de nuevas soluciones expresivas en el entorno de la técnica de pintura puntillista.

El procesamiento de la escena monumental con la inundación de los trabajadores en la huelga fue precedida por dibujos, caricaturas y dibujos recogidos bajo el título de Embajadores de la Fama.

El lienzo, sin embargo, quedó sin terminar y fue abandonado por el descontento, que tomó el tema en 1898 en una nueva pintura, la forma de trabajadores o el cuarto estado fue completado en 1901 para el año 1902 y que se convirtió en el manifiesto de las reivindicaciones del proletariado.

“El Beso” obra de Francesco Hayez, Pinacoteca de Brera de Milán

El siguiente cuadro “El Beso” obra de Francesco Hayez (1791-1882), realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1859; tiene unas medidas de 112 x 88 cm. Se expone en la sala XXXVII.

Estamos ante uno de los cuadros más famosos y representados del museo y que constituye unos de los iconos de la pinacoteca. Es la romántica imagen de dos jóvenes que visten una indumentaria medieval besándose apasionadamente representa la alianza entre Francia e Italia.

El pintor nos presenta el beso de la pareja justo antes de que estos se abandonen completamente a la pasión del momento. La mujer mantiene sus ojos entreabiertos, su mano es tensa en el hombro de su amante. Él, sintiendo esa tensión, se apoya en el escalón, a la vez soportando el peso de su querida, aunque está listo para huir. Los músculos de la mujer son tensos, la vemos vacilando entre el placer y el miedo.

Detalle de las calles de Milán

Aquí damos por concluido nuestra visita a este museo de pintura, hemos entrado a primera hora de la mañana y son pasadas las 14,00 horas. Todavía nos quedan fuerzas para presenciar la sesión fotográfica de un modelo masculino que se mueve por el interior de la pinacoteca seguido por las cámaras de televisión.

Tenemos la mente embotada y una torpeza de movimientos por la falta de líquido, paseamos la vía del Carmine, enseguida vemos un horno donde sala un delicioso olor a pizza, compramos de varios tipos según van saliendo del horno sin importarnos los sabores y encima de una repisa en la misma calle damos cuenta de esos manjares.

Nuestro segundo destino del día es el castillo de Sforzesco, no se lo recomiendo a nadie visitarlo después de la pinacoteca de Brera porque en su interior está el Museo Municipal de Pintura de Milán con obras maestras imprescindibles de la pintura. Después de la panzada de cuadros de la mañana no es lo ideal para una tarde soleada. Tengo que explicar que hoy es domingo y si no aprovechamos el día en ver las dos pinacotecas, mañana (lunes) están cerradas, aunque lo lógico es ver una un día la de Brera y al otro día la del castillo.

Espero que con la escusa de ver el castillo nuestros acompañantes no se subleven y podamos verlo con toda tranquilidad, tan bien es verdad que además de cuadros el castillo tiene un amplio abanico de exposiciones.

Castillo de Sforzesco de Milán

La historia del castillo comienza con su construcción bajo la iniciativa de la familia Visconti, siguiendo los deseos de Galeazzo II se empezaron las obras de un recinto de planta cuadrada de 200 metros de lado con cuatro torres en las esquinas y unas murallas de 7 metros de espesor. A su muerte le sucedió Gian Galeazzo que enseguida se convirtió en una persona poco querida aunque durante su vida se emprendieron obras de importancia como la construcción del Duomo o Certosa di Pavia.

En 1450 llegó un nuevo poder a Milán que fue la familia Sforza y Francesco comenzó la reconstrucción del castillo convirtiéndolo en su residencia oficial y adaptando su interior a un verdadero palacio. En 1452 contrató al escultor y arquitecto Filarete para diseñar y decorar la torre central que ahora es conocida como Torre de Filarete. Después de la muerte de Francesco, la construcción fue continuada por su hijo Galeazzo Maria, bajo la dirección del arquitecto Benedetto Ferrini. La decoración fue ejecutada por pintores locales. En 1476, durante la regencia de Bona de Saboya, se construyó la torre con su nombre.

En 1494 Ludovico Sforza se convirtió en Lord de Milán y llamó a los mejores artistas de Italia para decorar el castillo. Leonardo da Vinci pintó frescos en varias habitaciones, en colaboración con Bernardino Zenale y Bernardino Butinone. Donato Bramante hizo lo propio en la Sala del Tesoro; la Sala della Balla fue decorada con historias de las acciones de Francesco Sforza. Alrededor de 1498, Leonardo trabajó en el techo de la Sala delle Asse, pintando decoraciones con motivos vegetales. En los años siguientes, sin embargo, el castillo fue dañado por ataques de las tropas italianas, francesas y alemanas. Se agregó un bastión, conocido como tenaglia, tal vez diseñado por Cesare Cesarino.

Castillo de Sforzesco de Milán

La llegada de Ludovico el Moro desde 1494 hasta 1499, el Castillo adquiere una gran importancia y se convierte en una de las cortes más lujosas de la época por la presencia de importantes artistas como Leonardo, Bramante y otros.

Después de la victoria francesa en la Batalla de Marignano en 1515, el derrotado Maximiliano Sforza, sus mercenarios suizos y el Cardenal Obispo de Sión se retiraron en el castillo. Sin embargo, el rey Francisco I de Francia siguió en Milán y sus soldados colocaron minas bajo los cimientos del mismo, con lo cual los defensores se rindieron. En 1521 la Torre del Filarete explotó durante un período en que fue utilizada como depósito de armas. Cuando Francisco II Sforza retomó brevemente al poder en Milán, restauró y amplió la fortaleza, que en parte fue adaptada como residencia para su esposa, Cristina de Dinamarca.

En la actualidad el castillo Sforzesco se ha dedicado sus dependencias como un museo Cívico municipal. Las entradas para toda la familia a todas las dependencias del museo nos costaron 16 euros. El horario es de 9 a 17,30 horas para los museos y el castillo está abierto hasta las 19,30 horas.

Comenzamos la visita por el Museo de Arte Antiguo donde se exponen la colección de esculturas tardoantigua, medieval y renacentistas más importantes de toda la región de Lombardía. Algunas de las salas del museo todavía conservan en su decoración los frescos de la época de los Sforza y española.

La sala I del museo ofrece numerosos testimonios cristianos de las primeras iglesias en Milán que han desaparecido. Entre los restos se encuentran en la sala se puede ver las dos bases de las columnas del siglo IV, parte de Basílica Nova; los fragmentos del fresco de la tumba Magnifredo del siglo IX.

La sala II y III del museo se titula “El arte románico en Lombardía y la escultura Campionese”, donde se pueden ver obras que abarcan del siglo X hasta el siglo XIV, precedido de un ejemplo de la escultura gótica figurativa de la zona.

“El rey mago”, Museo de Arte Antiguo de Milán

La primera de la figuras “El rey mago”, obra de un autor desconocido, está datado en el siglo XII y XIII, es un relieve en mármol, se encontraba expuesto en la catedral del Duomo de Milán.

“Sepulcro di Bernabò Visconti”, obra del maestro Campione, Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente monumento “Sepulcro di Bernabò Visconti”, obra del maestro Campione, esta datado en el siglo XIV, realizado en piedra de mármol. Estuvo expuesto en la iglesia de San Giovanni in Conca.

El monumento ecuestre fue encargado por Bernabé Visconti (1323-1385) cuando era Señor de Milán y de las tierras orientales del dominio Visconti (Bergamo, Brescia, Cremona, Soncino, Lonato y Valcamonica) durante los últimos diez años.

El escultor Bonino Champion fue en ese momento ya conocido como comisionado de Milán. En 1337 había trabajado en la fábrica de la Catedral de Milán. De vuelta en Milán veinte años más tarde, se pasa al servicio directo del conde Visconti, realizando en 1359 el Mausoleo de Stefano Visconti y Valentina Doria en la Basílica de San Eustorgio, trabajo para los padres de los señores Bernabé y Galeazzo II Visconti, también haciendo una crucifixión en la basílica de San Nazario en Brolo y, tal vez, el arco de mármol de la Virgen de la Merced de la Iglesia de San Nicolás.

El sepulcro esta coronado por la figura esbelta y masiva, aunque algo estático, donde un caballo está montado por Bernabé Visconti es una prueba segura del espíritu naturalista que animó el escultor, aunque muchos críticos no consideran un monumento innovador.

“Relieve de San Pablo, San Lorenzo y San Esteban”, obra de un autor desconocido, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente de las obras “Relieve de San Pablo, San Lorenzo y San Esteban”, obra de un autor desconocido, está datado en el siglo XIV, es un relieve en mármol, proviene de la Raccolta Archinto.

“Relieve con la Madona y el Niño san José y un monje y un penitente”, obra de un autor desconocido, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente de las obras “Relieve con la Madona y el Niño, san José y un monje y un penitente”, obra de un autor desconocido, está datado en el siglo XIV, es un relieve en mármol.

“Relieve con la Virgen y el Niño con ángel”, obra de un autor Giovanni di Balduccio, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente de las obras “Relieve con la Virgen y el Niño con ángel”, obra del escultor Giovanni di Balduccio, está datado en el siglo XIV, es un relieve en mármol.

“Redentor bendiciendo” en el reverso “Asunción de la Virgen”, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente de las obras, por una cara se puede ver “Redentor bendiciendo” en el reverso “Asunción de la Virgen ”, obra de un maestro toscano, está datado en 1350, es un relieve en mármol. Procede de la Academia de Bellas Artes de Brera.

Es una original pieza almendrada, originalmente era una ventana decorativa, mostrando en un lado a la imagen del Cristo Redentor y el otro de la Asunción. Este fragmento todavía lleva las huellas de policromía, una clara la influencia de la escultura gótica.

“La tumba Bianca di Savoia”, obra de un escultor desconocido, Museo de Arte Antiguo de Milán

A su lado podemos ver “La tumba Bianca di Savoia”, obra de un escultor desconocido, realizada en bronce, está datada en el siglo XIV. Se expone en la sala III del museo.

La piedra sepulcral proviene del Monasterio de las Clarisas de Pavia. En mayo de 1348, bajo el patrocinio papa Clemente VI, se le prometió a la Dauphin Humbert II de la Tour-du -Pin, de vuelta de una cruzada en Tierra Santa se hizo el acuerdo, a cambio de una dote de 120.000 florines, el matrimonio sanaría las arcas de Dauphine y permite un fortalecimiento de sus dominios.

“ La Virgen y el Niño”, obra de un autor desconocido y atribuido al Maestro Campionese, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente de las obras “ La Virgen y el Niño”, obra de un autor desconocido y atribuido al Maestro Campionese, está datado entre 1310-1320, es un relieve en mármol. Se encontraba situado en Ospedale Maggiore di Milano.

Pasamos a la Sala IV del Museo se denomina “influencias de la Toscana en la escultura lombarda” donde se exponen algunas de las obras más importantes de Giovanni Balducci y de su actividad en Milán, es el escultor más famoso del trecento toscano. Sobre las paredes podemos ver los frescos con los escudos de armas del rey Felipe II de España y su esposa María Tudor (1555), uno de los raros ejemplos de la presencia española en el castillo.

“Mausoleo de Franchino Rusca”, obra de un Maestro Toscano, Museo de Arte Antiguo de Milán

Entre las mejores obras “Mausoleo de Franchino Rusca”, obra de un Maestro Toscano, está datado en 1339, es un relieve en mármol. Se encontraba situado en la iglesia de San Francisco in Como. Se exponen en la sala IV.

Representa el sarcófago fúnebre, es un valioso testimonio del arte gótico, muy bien conservado, que recuerda el estilo y el diseño de las tumbas contemporáneas toscanas. El monumento tiene un estilo arquitectónico y es obra de algún seguidor de Giovanni di Balduccio.

Pasamos a la sala V se titula “La escultura del siglo XIII y XIV” esta sala fue recuperada por Luca Beltrami durante la restauración de finales del siglo XIX y que reúne obras sacras interesantes del siglo XIV y XV siglo en una pequeña bóveda decorada con niños atribuidos a Callisto Piazza.

“Cristo de la madera”, obra de un maestro desconocido, Museo de Arte Antiguo de Milán

La mejor obra se expone en el centro de la sala “Cristo de la madera”, obra de un maestro desconocido, está datado en siglo XIV, está realizado en madera. Se exponen en la sala V.

EL cristo de madera tiene una característica es la cara con una mueca de dolor. Se cree que la cabeza pudo estar cubierta por una peluca de pelo natural.

“Poeta laureado”, obra de un maestro lombardo, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente de las obras “Poeta laureado”, obra de un maestro lombardo, está datado en siglo XIV, realizado en mármol. Se exponen en la sala V.

Pasamos a la sala VI se titula “Memoria histórica de la Edad Media en Milán” es una pequeña sala forrada de madera donde se puede ver una pequeña representación de esculturas de ese periodo, en su mayoría proceden de las iglesias ya desaparecidas.

“Tabernáculo votivo con Ambrosio”, obra de un escultor desconocido, Museo de Arte Antiguo de Milán

La primera de las obras que podemos ver es el “Tabernáculo votivo con Ambrosio”, obra de un escultor desconocido, esta datado en el siglo XII, proceden la iglesia situada en la plaza de San Steffano de Milán. Se exponen en la sala VI.

“Frisos de la Porta Romana ”, obra de los escultores canteros Anselmo y Gerardo, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente pieza muy importante “Frisos de la Porta Romana”, obra de los escultores y canteros: Anselmo y Gerardo, realizado en mármol, está datado en el siglo XII. Se exponen en la sala VI.

Formaba parte de la entrada más importante a la ciudad, fue demolida en 1793, está montado sobre dos paredes que se reproducen en, su disposición original, más pequeño que en la puerta medieval. Los relieves en la pared izquierda de la sala conmemora el solemne regreso a Milán, después de la destrucción causada por Federico Barbarroja . De éstas son las firmas de los canteros Anselmo y Gerardo. Los relieves adecuados recuerdan el destierro de los arios a manos de San Ambrosio.

“Guerrero con dragón”, obra de escultor desconocido, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Guerrero con dragón”, obra de escultor desconocido, está datado a finales del siglo XII, realizado en mármol. Se exponen en la sala VI.

La escultura es un símbolo del imperio y se encontraba situada en la Porta Romana , es interpretada como la esfinge de Federico Barca Roja, con forma de caricatura, realizada en memoria de la destrucción de Milán.

“Símbolos de los Evangelistas”, obra de escultor desconocido, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Símbolos de los Evangelistas”, obra de escultor desconocido, está datado a finales del siglo XII, realizado en mármol. Se exponen en la sala VI.

La piedra estuvo colocada en la iglesia de Santa María de Beltrade hasta que fue derribada en 1926 para la construcción de la Vía de Torino. La composición es muy simple, izquierda a derecha: el buey que representa a San Lucas; el ángel a San Mateo; el águila a San Juan; el León a San Marcos.

“Relieve de San Ambrosio”, obra de escultor desconocido, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Relieve de San Ambrosio”, obra de escultor desconocido, está datado a finales del siglo XII, realizado en mármol. Se exponen en la sala VI.

San Ambrosio fue un obispo, escritor y Santo Romano, una de las personalidades más importantes de la iglesia del siglo IV. Es venerado como santo por todas las iglesias cristianas; En particular, la Iglesia Católica lo incluye entre los cuatro grandes doctores de la Iglesia de Occidente, junto con San Jerónimo, San Agustín y San Gregorio el Papa.

“Procesión devotos por la aldea”, obra de escultor desconocido, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Procesión devotos por la aldea”, obra de un escultor desconocido, está datado a finales del siglo XII, realizado en mármol. Se exponen en la sala VI.

La piedra estuvo colocada en la iglesia de Santa María de Beltrade hasta que fue derribada en 1926 para la construcción de la Vía de Torino. Representa la procesión que se hacia anualmente el 2 de febrero desde la basílica de Santa María Maggiore a la iglesia de Santa Maria de Beltrade, para conmemorar la Presentación de Jesús en el templo.

Pasamos a la sala VII o sala Gonfalone “Escultura que va desde el siglo XVI al XVIII y tapices”, era el antiguo comedor y la sala del representante del Ayuntamiento de Milán, ahora se dedica principalmente a tapices y está resaltada por la presencia de XVI-Banner, el tapiz en el centro de la habitación.

“Adam”, obra del escultor Stoldo Lorenzi , Museo de Arte Antiguo de Milán

En el centro de la sala “Adam”, obra del escultor Stoldo Lorenzi (1534-1583), realizado en mármol, está datado en la segunda mitad del siglo XVI. Se expone en la sala VII.

Representa a un hombre desnudo apoyado en un tronco de un árbol. Se aprecia la mano y el trabajo de Florentino Stoldo Lorenzi, artista con una formación como escultor manierista, especialmente cerca de los caminos del maestro Giambologna, describe una fina elegancia de las figuras y en la búsqueda de la naturalidad de las poses. Proviene de la iglesia de Santa María en San Celso, donde formaba parte de la decoración con las estatuas de Eva y el ángel anunciando a la Virgen.

“Gonfalon de Milán”, obra diseñada por Giuseppe Arcimboldi, Museo de Arte Antiguo de Milán

En el centro de la sala esta presida por “Gonfalon de Milán”, obra diseñada por Giuseppe Arcimboldi, está datado entre 1567-156, realizado mediante técnica mixta de tela borda y temple. Se expone en la sala VII.

El pendón de la ciudad de Milán pertenece al tipo de enseñas de la ciudad que fue decorada en ambos lados de modo que sea claramente visible para todos los participantes durante las procesiones, aunque es mucho más grande que la mayoría, la grandiosidad lo dicen sus medidas: 5 metros de altura y 3,5 metros de ancho. Fue construido con el diseño de un dibujo de Giuseppe Arcimboldi, utilizando una técnica mixta que combina el bordado y la pintura al temple y con inserciones de piedras preciosas. Creado por Scipione Delfinone y Giuseppe Posterla, entre 1565 y 1567, y fue formulada para ser el principal pendón de la ciudad y se mantuvo en uso como tal hasta que se convirtió en una pieza de museo en la década de 1870. Tiene, sin embargo, que ser utilizada posteriormente durante un número de ocasiones importantes.

Reverso “Gonfalon de Milán” Castillo de Sforzesco de Milán

A ambos lados del pendón se representa a San Ambrosio de pie en medio de un arco elaboradamente decorado, que sostiene en su mano izquierda, el látigo de tres colas y, en su mano derecha, un báculo finamente trabajado. A sus pies hay dos soldados, boca abajo, que simboliza el episodio de la santa expulsión de los arios. El portal de arco de medio punto enmarcando la figura de San Ambrosio y con el trasfondo de un edificio descansa sobre pilares decorados con escenas de la vida del santo. La frontera en la parte inferior, que se añadió más tarde, está bordado con hilo de oro sobre una base de damasquinados, y cuenta con nueve escudos de armas, tres de los cuales pertenecen al Ayuntamiento de Milán (una cruz roja sobre un fondo blanco) y el resto de las puertas de la ciudad.

El pendón de Milán fue encargado por la institución Magnifica Communiti de la ciudad para el Palazzo dei Giureconsulti, que albergaba a la institución de formación Collegio dei Nobili Dottori. El tapiz estuvo desde su inauguración en 1654 hasta la era napoleónica. La obra fue encomendada inicialmente al pintor Carlo Urbino y el tejedor Bernardino Riome (el tejido fue elegido por razones financieras, ya que la técnica es menos costosa que la pintura y dura más tiempo), pero los resultados iniciales fueron considerados insatisfactorios, en particular, los tonos de piel, y fue llevado a terminar la obra en manos del prestigioso bordador Milanese Scipione Delfinone; al mismo tiempo, los dibujos preparatorios fueron confiados a los artistas Guiseppe Arcimboldo y Giuseppe Meda, ambos de Milán.

La iconografía de la composición parece haber permanecido sin cambios; la versión inicial consistía en el uso de la técnica más sofisticada del bordado. Las bordadoras crean el programa, utilizando la técnica de apliques, que consiste en un soporte sobre el que se coloca piezas en forma de diferentes tejidos, en su mayoría pintados con inserciones de bordados. Por ejemplo, el rostro de la santo está pintado, mientras que la mitra está bordada y adornada con piedras preciosas, creando un efecto de relieve sorprendente. La bordadora también utiliza un gran número de materiales preciosos, cuya compra está ampliamente documentada. En particular, se compraron hilos y telas de oro y de plata fina, así como brocados, sedas y telas de raso, mientras que el orfebre Battista Cellario suministra las piedras preciosas: perlas y granates, junto con los rubíes destinadas a adornar la mitra de San Ambrosio.

Milán era el país de los brocados y Bruselas los especialistas en tapices, el castillo de Sforzesco tiene varios ejemplares diseñados de la Italia clásica entre otros los dedicados a: Elia resucita al hijo de la viuda de Sarepta; El sacrificio de los profetas de Baal; Elia predice a Acab el castigo divino; Eliseo toma el manto de Elia llevado al cielo; Eliseo se niega a los regalos de Naamán.

Sala VIII de Asse decoración Leonardo da Vinci, Museo de Arte Antiguo de Milán

Pasamos a la Sala VIII de Asse, tiene la magnífica decoración de Leonardo da Vinci. Se halla en una de sus torres y recibe el nombre por los tablones invertidos de madera que tenia. En 1498 Ludovico el Moro encargo a Leonardo pintara los frescos de la sala, en 1898 la sala fue recubierta de yeso y se perdió la decoración original, y no está 1954 en que se devuelve en estado crítico al estado anterior.

La decoración cubre la bóveda y la pared norte de la sala. Se basa en una densa red de ramas y follaje, que se transforma en una especie de pérgola y, a ser posible, se rompe a través de la pared de la habitación cerrada, transformándolo en un paisaje abierto.

Leonardo elige una morera (Morus en latín) –árbol que según el simbolismo botánico representa la prudencia y la sabiduría–- probablemente sirve para celebrar las virtudes en la decoración del patrón duque Ludovico María Sforza que se llamaba "el Moro".

El otro fragmento se encuentra en la cara este, puesto de manifiesto en 1954, cubrió el diseño monocromático negro preparatoria blanco, donde se ven grandes raíces que penetran en algunas capas de roca, es la base del tronco del árbol, que originalmente ramificado cubre todas las partes verdes que cubren el techo de la habitación.

Pasamos a la sala XI o ducal, donde se muestra la escultura lombarda del gótico al renacimiento. Era la habitación privada de la familia de los Sforza, tenía una peculiar decoración de escudos en la bóveda.

Pasamos a la sala XII, también conocida como Capilla Ducal, la decoración de la capilla era la representación de la resurrección de Cristo en la bóveda central: los símbolos, emblemas de los Sforza y la Anunciación en las lunetas de abajo. En el centro sobre un fondo azul, se representa la figura de Dios Padre rodeado de querubines en filas y Arcángeles, mientras que el Cristo resucitado es victorioso en una almendra de oro rodeado de huestes angélicas.

“Madonna con el Niño sobre una ménsula”, obra de un escultor desconocido, Museo de Arte Antiguo de Milán

La primera de las obras que vemos presidiendo la sala es “Madonna con el Niño sobre una ménsula”, obra de un escultor desconocido, está datada en el siglo XV.

“Madona del corazón”, obra de Pietro Antonio Solari, Museo de Arte Antiguo de Milán

Más adelante podemos ver “Madona del corazón”, obra de Pietro Antonio Solari (1450-1493), realizado en mármol, está fechada en el siglo XV. Estuvo expuesta en la catedral del Duomo de Milán.

Pasamos a la sala XIV, también conocida como Sala Verde, donde se ofrece una exposición de la escultura del siglo XV y XVI y la armería.

“Madona del corazón”, obra de Pietro Antonio Solari, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Medallón con la esfinge del emperador Alessandro Severo”, obra de un escultor desconocido, está realizado en mármol, datado a finales del siglo XV.

“Portal del Banco de los Medici”, obra atribuida a Michelozzo, Museo de Arte Antiguo de Milán

La obra más destaca es el “Portal del Banco de los Medici”, estaba situado en la Via Bossi 4, obra atribuida a Michelozzo, donde se manifiesta una decoración clásica con medallones de Francesco Sforza y su mujer Blanca María en las pilastras hay referencias a los Sforzas.

“Tríptico con la figuración de la Piedad, la Virgen y san Juan”, obra de un escultor desconocido, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Tríptico con la figuración de la Piedad, la Virgen y san Juan”, obra de un escultor desconocido, está realizado en mármol, datado a finales del siglo XV. Proviene de la iglesia de Vighignolo.

“Alto relieve de la Piedad”, obra de Gasparo Cairano, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Alto relieve de la Piedad”, obra de Gasparo Cairano, realizado en mármol, está datado en la segunda mitad del siglo XV.

La sala XV, también conocido como la Sala degli Scarlioni, donde se expone la escultura perteneciente al clasicismo lombardo del primer decenio del cinquecento. El Scarlioni era la habitación donde el duque recibía a las personalidades y debe su nombre a las decoraciones rojas y blancas zigzagueaban las bóvedas.

“Estatua fúnebre de Gastone de Foix”, obra del escultor Agostino Busto detto il Bambaja, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Estatua fúnebre de Gastone de Foix”, obra del escultor Agostino Busto detto il Bambaja (1480-1548), está realizado en mármol, datado en el siglo XVI.

Gastone de Foix era comandante de la armada francesa. En 1511-12 dirigió con éxito al ejército francés en Italia, entrando en Bolonia y Brescia y derrotando a los venecianos de la Santa Liga en Valeggio, y a las fuerzas aragonesas en Rávena, si bien en esta batalla resultó herido, muriendo poco después 1512. La obra procede de la iglesia de Santa Marta de Milán.

“Arca del obispo Battista Bagarotti, obra del escultor Andrea Fusina, Museo de Arte Antiguo de Milán

Otra de las obras destacadas es “Arca del obispo Battista Bagarotti, obra del escultor Andrea Fusina, está datado en 1519, realizada en mármol, procede de la iglesia de Santa María della Pace

Aquí damos por finalizada la visita la Museo de Arte Antiguo, la siguiente estancia del castillo que hemos seleccionado en importancia es la Pinacoteca.

Está compuesta de más de 1500 obras, propone un itinerario de la visita partiendo de arte gótico tardío lombardo, hasta terminar en las vedutes venecianas de Canaletto del siglo XVIII. Después una serie de obras que representan los fastos de las cortes de los Visconti y de los Sforza, pasando por toda una amplia selección de la pintura renacentista.

“Adoración de los Reyes Magos”, obra de un pintor lombardo desconocido, Museo de Arte Antiguo de Milán

La primera de las obras “Adoración de los Reyes Magos”, obra de un pintor lombardo desconocido, realizado en temple sobre tabla, esta dato en 1460. Se Expone en la sala XX.

Es una obra que representa una extraordinaria composición para la época. Dentro de un portal de madera aparece la Virgen que tiene un niño que se representa algo mayor, principalmente para sujetar en sus manos las ofrendas de los reyes, a su lado esta San José, también se representa con una figura algo mayor. Sobre estos multitud de personajes que describes el cielo.

“Madona con el niño, con San Juan Bautista y Pedro el Mártir”, obra de Michelino da Besozzo, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente es “Madona con el niño, con San Juan Bautista y Pedro el Mártir”, obra de Michelino da Besozzo (1388-1445), obra realizada al fresco, esta datado en 1430. Se exponen en la sala XX.

El fresco procede de San Giovanni alle Case Rotte de Milán. Una obra un tanto arcaica en el centro aparece la figura de la Virgen lleva en sus brazos al Niño mira hace la figura de San Juan Bautista porque porta la cabeza de Jesucristo, la escena es contemplada por San Pedro Mártir.

“Políptico de Torchiara”, obra de Benedetto Bembo, Museo de Arte Antiguo de Milán

La obra más importante de la sala “Políptico de Torchiara”, obra de Benedetto Bembo (1462-1493), obra realizada en temple sobre tabla, transportado sobre tela, esta datado en 1462. Se exponen en la sala XX.

El políptico nos muestra en el centro a la Virgen con el niño y el ángel; a la izquierda: San Antonio Abad y san Nicomedo; a la derecha: Santa Catalina de Alejandría y san Pedro Mártir; sobre la predala están representados los doce apóstoles.

“Madona con el Niño”, obra de Ambrogio Bevilacqua, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Madona con el Niño”, obra de Ambrogio Bevilacqua, realizada en temple sobre tabla transportado sobre tela, esta datado entre 1495-1499. Se exponen en la sala XX.

La obra destaca por su reminiscencia bizantina con un uso del color oro sobre todo para destacar el halo de los personajes sagrados. La virgen muestra con especial sutileza una flor a su hijo.

“Adoración de los pastores”, obra del Maestro de Trognano, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Adoración de los pastores”, obra del Maestro de Trognano, obra realizada en dorado y pintado sobre madera tallada, esta datado en 1481. Se exponen en la sala XX.

La escultura de madera, lejos de ser considerado un arte menor, la mera expresión de la artesanía, estaba muy considerada en el siglo XV. La importante cantidad de maestros talladores que trabajan en el Estado de los Sforza (a menudo participan en la realización colectiva de los trabajos más exigentes) hace que sea difícil la identidad de cada uno de ellos, a pesar de los muchos documentos relativos a las obras en las principales iglesias.

“Camino al Calvario”, obra del Maestro de Trognano, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Camino al Calvario”, obra del Maestro de Trognano, obra realizada en dorado y pintado sobre madera tallada, esta datado entre 1476-1491. Se exponen en la sala XX.

Dada la reputación para la ejecución de estos trabajos que había en Lombardía, existía un taller principal perteneciente a los hermanos de Donati, la crítica ha considerado hasta ahora probable la identificación del Maestro con uno de los hermanos, incluso considerarse como el autor , Giovanni Pietro.

“Deposición”, obra del Maestro de Trognano, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Deposición”, obra del Maestro de Trognano, obra realizada en dorado y pintado sobre madera tallada, esta datado entre 1476-1491. Se exponen en la sala XX.

La obra estuvo expuesta en la iglesia de Santa María del Monete Velate de Varese, allí se encontraron documentos de 1478, expresando en la realización del coro a favor del taller de los hermanos Donati y en concreto la de Giacomo del Maino.

“Retrato de Galeazzo María Sforza”, obra del Zanetto Bugatto, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Retrato de Galeazzo María Sforza”, obra del Zanetto Bugatto (1458-1476), pintura realizada en temple sobre tabla de madera, esta datado entre 1474-1476. Se exponen en la sala XX.

Era un miembro de la familia Sforza, los gobernantes de Milán, famosos como patrocinadores de las artes y música. Galeazo María Sforza también fue conocido por llevar una vida lujuriosa y ser cruel y tiránico.

“Retrato de Galeazzo María Sforza”, obra del Zanetto Bugatto, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Retrato de Borso d'Este”, obra del Baldassarre d'Este (1432-1504), obra realizada en temple sobre tabla de madera, esta datado entre 1469-1471. Se exponen en la sala XX.

Borso siguió una política de expansión de su estado, y uno de ennoblecimiento de su familia. En general, estaba aliado con la República de Venecia, y el enemigo tanto de Francesco I Sforza y de la familia Medici. Estas rivalidades condujeron a la indecisa batalla de Molinella.

“Bona de Savoya presente con una santa Mártir”, obra de un pintor anónimo Lombardo, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Bona de Savoya presente con una santa Mártir”, obra de un pintor anónimo Lombardo, obra realizada en óleo sobre tabla de madera transportado a lienzo, esta datado entre 1471-1472. Se exponen en la sala XX.

Bona fue la segunda esposa de Galeazzo María Sforza, duque de Milán y miembro de la noble casa italiana de Saboya. Actuó de regente en Milán durante la minoría de su hijo 1476–1481.

Pasamos a la sala XXI el protagonista de la pintura Lombarda del quattrocento es Vicenzo Foppa.

“Bona de Savoya presente con una santa Mártir”, obra de un pintor anónimo Lombardo, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Madona con el Niño”, obra de Vicenzo Foppa (1430-1516), obra realizada en temple sobre tabla de madera, esta datado en 1475. Se exponen en la sala XXI.

El cuadro también es conocido como La Madona del Libro. El trabajo fue probablemente destinado para el culto privado. La cara de la Madonna y Niño con el signo de la Bendición marca un estilo ilusionista dentro de un marco dorado, que tiene a lo largo una inscripción que reproduce las primeras palabras de una oración atribuida al Papa Sixto IV en honor de la “Inmaculada Concepción”, un tema muy debatido en ese periodo.

Las figuras se caracterizan por una solidez escultórica, que se refiere a las obras de los talleres de Padua, sino también a las formas flamencas a causa de matiz suave de la luz y la sombra. El manto de la Virgen tiene una pañería que se refiere a la escuela de Ferrara, así como el elemento decorativo de un rosario de coral rojo que cuelga contra un cielo cristalino.

El nombre de la pintura viene del libro que María tiene en su mano delante del niño, esto es una referencia a la Sagrada Escritura , cuyas profecías sobre el martirio de su hijo parecen reflejar los sentimientos de la Virgen.

“San Antonio de Padua”, obra de un pintor desconocido lombardo, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “San Antonio de Padua”, obra de un pintor desconocido lombardo, pintura realizada con la técnica al fresco, esta datada entre 1490-1500. Se exponen en la sala XXI.

San Antonio, antes de ser un misionero franciscano, fue un viajero incansable. Visitó muchos terrenos baldíos donde el hambre desesperada a las gentes, después de recorrer Francia e Italia en unos viajes apostólicos agotadores, Antonio se retira en Camposampiero, una localidad cerca de Padua.

“San Juan”, obra de un pintor desconocido lombardo, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “San Juan”, obra de un pintor desconocido lombardo, pintura realizada con la técnica al fresco, esta datado entre 1495-1500. Se exponen en la sala XXI.

Pocas veces la pintura se centra solamente en la figura de San José, padre adoptivo de Jesús. Es venerado como santo por la Iglesia católica y la Iglesia ortodoxa El nombre de José es la traducción del nombre en hebreo de Yosef.

“Madona en el trono con el Niño y San Sebastián y San Jerónimo”, obra de un pintor desconocido lombardo, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Madona en el trono con el Niño y San Sebastián y San Jerónimo”, obra de un pintor desconocido lombardo, obra realizada en óleo sobre tabla de madera, esta datado entre 1510. Se exponen en la sala XXI.

La virgen se representa sobre un trono clásico con la mano derecha en acción de bendecir y con la mano izquierda sujeta a Jesús que en este caso se representa a una edad de dos o tres años. A la izquierda, está san Sebastián que ofrece su cuerpo lleno de flechas, una de ellas se encuentra clavada en el suelo; a la derecha está la figura de San Jerónimo, se representa con barba y mayor, a sus pies el león y sobre sus manos un ejemplar de la Biblia.

“Tabernáculo con la historia de la vida y la pasión de Cristo”, obra de Bernardino Butinone, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Tabernáculo con la historia de la vida y la pasión de Cristo”, obra de Bernardino Butinone (1473-1510), obra realizada en temple sobre tabla de madera, esta datado entre 1490-1500. Se exponen en la sala XXI.

Bernardino Butinone fue hijo de un modesto pintor de Treviglio, Jacopo Butinone. Su aprendizaje debió de realizarlo en los talleres de maestros como Vincenzo Foppa o Vincenzo Civerchio, junto al que trabajó en Milán. Sin embargo, su estilo está muy cercano al de los grandes maestros del norte italianos de su tiempo, Andrea Mantegna, Cosimo Tura y Francesco del Cossa, de los que imitó su refinado estilo, lleno de realismo.

“Políptico de San Rocco”, obra de Cesare de Sesto, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Políptico de San Rocco”, obra de Cesare de Sesto (1475-1523), obra realizada en óleo sobre tabla de madera, esta datado en 1523. Se exponen en la sala XXI.

El cuadro se representa en el centro superior la imagen de la Madona con el Niño, también en la parte superior podemos ver: San Juan Bautista y san Juan Evangelista; en la parte inferior: San Roco, san Sebastián y San Cristoforo.

“Las bodas de Cana”, obra de Marco d'Orggiono , Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Las bodas de Cana”, obra de Marco d'Orggiono (1465-1524), obra realizada al óleo sobre tabla de madera, esta datado entre 1519-1522. Se exponen en la sala XXI.

La pintura muestra la historia de la transmutación del agua en vino en una boda en Cana, contenida en el Evangelio de Juan; la escena es rica en detalles y muestra en su establecimiento de una mezcla de detalles antiguos y contemporáneos.

“Cabeza de un santo”, obra de Vicenzo Foppa, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Cabeza de un santo”, obra de Vicenzo Foppa (1430-1516), obra realizada al fresco, esta datado entre 1460-1464. Se exponen en la sala XXI.

Vicenzo Foppa en los primeros trabajos hay una fuerte predilección por una obra escultórica, que se atenúa progresivamente sobre la base de nuevas influencias. Tiene un uso innovador de un material tradicional como las pinceladas de oro del gótico tardío.

“San Francisco recibe las estigmas y san Juan Bautista”, obra de Vicenzo Foppa, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra es un díptico “San Francisco recibe las estigmas y san Juan Bautista”, obra de Vicenzo Foppa (1430-1516), obra realizada al fresco, esta datado entre 1488-1489. Se exponen en la sala XXI.

En este periodo de tiempo Vicenzo trabaja en las pinturas al frescos (1470-1490) su taller recibe un gran número de trabajos. Las obras pintadas entre 1470 y 1485 marcan la madurez completa, ahora dominado por el decano indiscutible hasta la llegada de Leonardo da Vinci.

“Martirio de san Sebastián”, obra de Vicenzo Foppa, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Martirio de san Sebastián”, obra de Vicenzo Foppa (1430-1516), obra realizada al fresco transportado sobre tela, esta datado entre 1490-1500. Se exponen en la sala XXI.

El cuadro representa el martirio de San Sebastián, se muestra atado a una columna de mármol verde con capitel corintio sobre un pedestal en el centro de la escena, mientras que a ambos lados están representado por dos arqueros, al fondo la escena deja de ver un paisaje.

“San Teodoro y San Agustín”, obra de Vicenzo Foppa, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra es un díptico “San Teodoro y San Agustín”, obra de Vicenzo Foppa (1430-1516), obra realizada al óleo y temple sobre tabla, esta datado entre 1470-1475. Se exponen en la sala XXI.

Los trabajos más importante de su período del pintor en Milán es, sin duda, la decoración de la Capilla Portinari (1464-1468) en la Basílica de San Eustorgio, donde Foppa trabaja sobre cuatro paneles pintados al fresco con los Doctores de la Iglesia en las enjutas, ocho bustos de santos en la base de la cúpula, las lunetas de las paredes laterales se representan escenas de la vida de San Pedro Mártir.

“Madona con el Niño”, obra de Vicenzo Foppa, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Madona con el Niño”, obra de Vicenzo Foppa (1430-1516), obra realizada al óleo y temple sobre tabla, esta datado entre 1450-1470. Se exponen en la sala XXI.

Esta obra es un testimonio con fuerte inspiración en las obras bizantinas, donde predomina el color oro, destaca el ropaje del niño con una especie de camiseta y en el abdomen lleva una protección en base a un vendaje, la intimidad se muestra en la cara de los personajes con una sutileza muy importante.

“Madona con el Niño y un ángel”, obra de Vicenzo Foppa, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Madona con el Niño y un ángel”, obra de Vicenzo Foppa (1430-1516), obra realizada al óleo sobre tabla, esta datado en 1460; tiene unas medias de 41 x 32.5 cm. Se exponen en la sala XXI.

El cuadro tiene un efecto ilusionista como si diera comienzo una obra teatral con una cortina entreabierta, muestra una ventana abierta de una habitación, cerca de la cual se enfrenta a una Virgen con el Niño en presencia de un ángel de la izquierda, que, con naturalidad, está parcialmente cubierta por la cortina que cae sobre el hombro. El intradós de la abertura hay un artesonado y en perspectiva, en nombre de una orden de la decoración, y en el parapeto que coincide con el borde inferior la pintura se apoyó un libro que María (donde se recuerdan las profecías de las Sagradas Escrituras), un cojín sobre el que se apoya el niño y una taza con frutas rojas, cerezas o uvas, a la que Jesús se extiende su pequeña mano: es una alusión a la sangre de la pasión de Cristo y la aceptación de su destino. Esta alusión se hace eco de la fruta roja que ya lleva en la mano.

En el fondo de un cuarto oscuro, donde vemos una la inscripción de oro dedicada a María, se abre una ventana con un florero en el alféizar de la ventana, una fuente de inspiración flamenca. Típicamente Lombarda.

“San Rocco”, obra de Ambrogio da Fossano, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “San Rocco”, obra de Ambrogio da Fossano (1453-1523) conocido como Bergognone, obra realizada al óleo sobre tabla, esta datado en 1505-1510. Se exponen en la sala XXI.

Es un pintor de clara influencia flamenca utilizando estilísticos iconográficos como el uso de los paisajes y ventanas; al final de los años ochenta se influenciada de Leonardo pero especialmente Bramante. Sus paisajes son un preludio de los pintores de la escuela de Brescia en el siglo XVI, mientras que los temas religiosos los encontramos en la escuela Lombarda.

“San Jerónimo”, obra de Ambrogio da Fossano, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “San Jerónimo”, obra de Ambrogio da Fossano (1453-1523) conocido como Bergognone, obra realizada al óleo sobre tabla, esta datado en 1510. Se exponen en la sala XXI.

Después de un período de actividad casi exclusivamente a la Cartuja de Pavía, en la mitad de la última década del siglo XV Bergognone se trasladó a Milán para la realización de un importante ciclo de frescos (hoy expuestos en la Pinacoteca de Brera) para la iglesia de Santa María, en San Sátiro, probablemente bajo el estricto control de Bramante.

“Limosna de San Benito”, obra de Ambrogio da Fossano, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Limosna de San Benito”, obra de Ambrogio da Fossano (1453-1523) conocido como Bergognone, obra realizada al óleo y temple sobre tabla, esta datado en 1490. Se exponen en la sala XXI.

En esta década el pintor tiene un cambio de registro en el estilo, que se hizo más monumental y atento al espacio de la perspectiva, por la influencia de Bramante que se encontraba en Milán desde 1479.

“La Piedad de Cristo y dos ángeles”, obra de Ambrogio da Fossano, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “La Piedad de Cristo y dos ángeles”, obra de Ambrogio da Fossano (1453-1523) conocido como Bergognone, obra realizada al temple sobre tabla transportado sobre tela, esta datado entre 1488-1490. Se exponen en la sala XXI.

Estamos ante un cuadro de una crudeza donde se muestra de una forma simétrica a Cristo muerto con las manos cruzadas donde se describe claramente las heridas de la crucifixión, la escena es iluminada por las velas de los ángeles situados en ambos extremos, estos se llevan la mano al pecho y sus caras muestran el dolor.

“Madona en el trono con el niño, en los extremos santos y devotos”, obra de Pseudo Boltraffio, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguientes obras es un tríptico “Madona en el trono con el niño, en los extremos santos y devotos”, obra de Pseudo Boltraffio, obra realizada óleo sobre tabla, esta datado entre 1510-1515. Se exponen en la sala XXI.

Los cuadros se caracterizan por una representación volumétrica, por una fisonomía idealizada evidente en la cara por las formas suave y perfectamente ovalada por la piel. Todas estas características conducen a un acercamiento de estas obras de madurez del pintor a la influencia de los autores clásico como Francesco Francia y Bramantino, rompiendo poco a poco de las composiciones dinámicas y el naturalismo del Leonardo de sus principios

“Los santos y devotos” obra de Girolano Giovenone, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguientes obras es un díptico “Los santos y devotos” obra de Girolano Giovenone, obra realizada al óleo sobre tabla, esta datado en 1508. Se exponen en la sala XXI.

El panel de la izquierda representa al Santo deferente, Santa Apolonia con un devoto; el panel de la derecha Santa Dorotea, Santa Lucia y un devoto. Destacan la representación en los ropajes de los devotos que indican que se trata de personajes de clase alta.

“Santa Clara; San Egidio y San Nicolás de Tolentino” obra de un pintor anónimo lombardo, Museo de Arte Antiguo de Milán

Las siguientes obras forman un díptico “Santa Clara; San Egidio y San Nicolás de Tolentino” obra de un pintor anónimo lombardo, pintura realizada temple sobre tabla, esta datado en 1490. Se exponen en la sala XXI.

El panel de la izquierda representa a Santa Clara delante de uno de los arcos de las puertas de alguno de los edificios más importante de Milán; a la derecha el panel representa el interior de una galería donde el pintor se ha centrado en la figura de los santos dando a los arcos una menor importancia.

“Historia de Santa Catalina” obra de un pintor anónimo lombardo, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Historia de Santa Catalina” obra de un pintor anónimo lombardo, pintura realizada óleo sobre tabla, esta datado entre 1490-1500. Se exponen en la sala XXI.

Estamos ante una obra de devoción privada seguramente fue encargada por el fervor a Santa Catalina. El cuadro esta dividió en dos en donde se cuentan historias que representan la vida de la Santa.

“Flagelación” obra de un pintor dentro del círculo de Bernardo Zenale, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Flagelación” obra de un pintor dentro del círculo de Bernardo Zenale, obra realizada óleo sobre tabla, esta datado entre 1515-1520. Se exponen en la sala XXI.

El cuadro tiene un estilo renacentista dentro del interior de un palacio, donde Jesucristo está atado a una de las columnas esta doblado por el dolor mientras que cuatro carceleros le están produciendo una paliza, mientras uno de ellos asiste desde una columna a la escena.

“Políptico de Bosto” obra de Francesco di Tatti, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Políptico de Bosto” obra de Francesco di Tatti, obra realizada óleo sobre tabla, esta datado en 1517. Se exponen en la sala XXI.

El cuadro estuvo en la iglesia castellanza di Bosto desde que encargaron la obra al pintor Francesco di Tatti para cubrir los frescos de un ábside que no les gustaba a los monjes. Después de un siglo y medio el retablo desapareció de la iglesia de San Himerio, fue llevado a Sur América y termino en Londres. En los años 70 un coleccionista italiano se hizo con el retablo en una subasta privada y lo llevó a Milán para luego donarlo a la pinacoteca.

“Retrato femenino” obra de Andrea Solario, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Retrato femenino” obra de Andrea Solario (1465-1524), obra realizada óleo y temple sobre tabla, esta datada entre 1505-1507. Se exponen en la sala XXI.

A principios del siglo XVI, cuando Milán estaba bajo el control de la Francia de Luis XII, Solario se convirtió en uno de los artistas más contratados de los nuevos gobernantes, particularmente el gobernador Charles d'Amboise, para el que Andrea realizó un retrato, ahora perdido, pero que hoy se conoce gracias a una copia, pero de buena calidad, expuesta al museo del Louvre.

“Madona con el Niño” obra de Bernardino de Conti, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Madona con el Niño” obra de Bernardino de Conti (1480-1523), obra realizada óleo y sobre tabla, esta datado entre 1495-1500. Se exponen en la sala XXI.

El pintor se dedico mayoritariamente al retrato de personas importantes de la vida política Lombarda y en menor medida un cierto interés en los temas sagrados. En este caso representa el tema principal de la pintura la Virgen y el niño pero consiguiendo una postura y unas proyección nunca antes ejecutadas.

“Magdalena” obra de Giovanni Pietro Rizzoli, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Magdalena” obra de Giovanni Pietro Rizzoli (1495-1549) conocido como Giampietrino, obra realizada óleo y sobre tabla, esta datado entre 1520-1530. Se exponen en la sala XXI.

Es probable que Giampietrino sea el Gian Petro anotado por Leonardo en una lista de sus colaboradores. Rizzoli formaría parte del taller del maestro durante su segunda estancia milanesa (1508-1513), a juzgar por los modelos y el estilo leonardesco que tomó como patrón de su carrera como artista independiente.

“Madonna Oggioni” obra de Bernardino Scapi, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Madonna Oggioni” obra de Bernardino Scapi (1480-1532) conocido como Bernardino Luini, obra realizada óleo y sobre tabla, esta datado en 1516; tiene unas medidas de 42 x 33 cm. Se exponen en la sala XXI.

Bernardino Luini fue pintor que estuvo dentro del circulo de Leonardo. Tanto Luini como Giovanni Antonio Boltraffio se dice que trabajaron directamente con Leonardo; aunque, muchas de sus obras fueron atribuidas a Leonardo. Se le conoce sobre todo por sus gráciles figuras femeninas con ojos alargados, llamado Luinesque.

“Hércules y Atlante” obra de Bernardino Scapi , Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Hércules y Atlante” obra de Bernardino Scapi (1480-1532) conocido como Bernardino Luini, obra realizada al fresco, esta datado entre 1513-1515; tiene unas medidas de 400 x 385 cm. Se exponen en la sala XXI.

Este fresco fue pintado con forma de luneto y como una grisalla lo que le convierte en una pintura especial ejecutada para el Palazzo Landriani de Milano. El pintor está influenciado por la obra de Leonardo y Rafael, combina las innovaciones del alto Renacimiento con elementos de la tradición milanesa, creando la corriente renacentista lombarda.

“Hércules y Atlante” obra de Bernardino Scapi , Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Noli me Tangere” obra de Bartolomeo Suardi (1465-1530) conocido como Bramantino, obra realizada en fresco, esta datado entre 1498-1500; tiene unas medidas de 214 x 104 cm. Se exponen en la sala XXI.

El trabajo viene de la iglesia de Santa María del Giardino y entró en la colección cívica en 1867 a través de un regalo de Próspero Moise Loria.

Cristo se representa con la Magdalena arrodillada, incluso se eleva sobre la ligera rotación del tronco, que realza su figura. Al fondo se representa un paisaje de arquitectura, donde destaca un montículo en forma de cúpula de una tumba.

“Madonna Taccioli” obra de Agostino Busti , Museo de Arte Antiguo de Milán

La sala tiene una importante escultura “Madonna Taccioli” obra de Agostino Busti (1483-1548) conocido como Bambia, obra realizada en mármol, esta datado en 1522. Se exponen en la sala XXI.

La obra fue realizada para la iglesia San Francisco Grande de Milán , fue comprada por el museo en 1999, la obra representa la Virgen con el Niño, carente de atributos religiosos, y la configuración de la figura femenina recuerda copias de estatuas romanas. A pesar de que la estancia en la capital no está documentado, el artista estudió piezas clásicas, también asimilar a la lección técnica y poética de Miguel Ángel Buonarroti. Los resultados se recogen en la compleja disposición de los paños “viejos” y administrando el efecto monumental de las figuras. El dominio en el tratamiento del mármol, la superación de las dificultades técnicas de la materia con resultados virtuosos, tiene sus puntos altos en la epidermis y en el modelado de representación casi transparente del velo. La base de la escultura tiene en su centro la cabeza de Medusa gritando cuya calidad escultural recuerda el cincel de obras contemporáneas realizadas por orfebres Lombardos.

“Lamentación sobre Cristo Muerto” obra de Bartolomeo Suardi , Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Lamentación sobre Cristo Muerto” obra de Bartolomeo Suardi (1465-1530) conocido como Bramantino, obra realizada en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1515-1520; tiene unas medidas de 214 x 104 cm. Se exponen en la sala XXI.

La obra procede de la iglesia de San Bernabé en Milán. En el primer plano del lienzo se organiza alrededor del cuerpo muerto de Cristo tendido en la cubierta. Destacada es la expresión de dolor, aquí ayudado en el fondo de la investigación geométrica. La simplificación de las formas y volúmenes implica a los personajes, tanto con el fondo de la arquitectura, en este caso, los restos de la columnata de un templo y un edificio centralizado. Bramantino apreció la forma de representar las perspectivas durante un viaje a Roma y por la influencia de artistas como Mantegna.

Los colores permiten al autor se centran en los efectos de iluminación complejos, el estudio de una variedad de fuentes de luz, siguiendo el ejemplo de Leonardo da Vinci que en ese momento trabajaba en la última cena. Efectos similares, que dejan algunos personajes en la sombra para llevar a cabo otra, se encuentran también en obras como la Madonna del Palacio de la Razón (Pinacoteca de Brera) y la Sagrada Conversación de la colección Contini Bonacossi .

Pasamos a la sala XXII con un especial ambiente acoge obras de diversas variedades técnicas artística y de material pictórico perteneciente a la plenitud del renacimiento italiano.

“Madona con el Niño” obra atribuida a un anónimo pintor veneciano, Museo de Arte Antiguo de Milán

La siguiente obra “Madona con el Niño” obra atribuida a un anónimo pintor veneciano, obra realizada en tempera sobre lienzo, esta datado finales del siglo XV. Se exponen en la sala XXII.

La escuela veneciana de pintura se desarrolló con relativa independencia respecto a las tendencias dominantes en otros lugares. Las características de Venecia, cosmopolita, acaudalada y volcada al intercambio fue un factor determinante. Sus particularidades urbanas y su belleza arquitectónica fueron asimismo parámetros centrales de los intereses estéticos de la escuela, que pintaron y evocaron sus espacios en varias de sus obras.

Fue asimismo determinante la relativa tranquilidad de la ciudad, pues la Serenísima República no padeció confrontaciones como las luchas internas de Florencia, y gozó de una sólida independencia hasta los tiempos napoleónicos.

“La Trinidad”, obra de Girolano Galizzi da Santa Croce , Museo de Arte Antiguo de Milán

Una de las obras más interesantes del museo “La Trinidad”, obra de Girolano Galizzi da Santa Croce (1480-1556), está datado en 1533, realizado en temple sobre tela. Se expone en la sala XXII.

El cuadro representa uno de los dogmas de la iglesia católica, la Trinidad, que estipula que Dios es un ser único que existe con tres roles diferentes; Padre, Hijo, y Espíritu Santo.

El cuadro representa en esencia este dogma, Dios padre sujeta entre sus dos manos a Jesucristo crucificado, todo enmarcado en un arco Renacentista, ambas figuras están rodeadas de ángeles y querubines, en la parte baja se representa un paisaje

“Cristo bendiciendo”, obra de un pintor anónimo lombardo, Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Cristo bendiciendo”, obra de un pintor anónimo lombardo, está datado en 1510, realizado en óleo sobre tabla. Se expone en la sala XXII.

La pintura nos ofrece un destacado colorido, donde podemos ver la inminente influencia de la pintura flamenca en los detalles, de cuello del vestido de Jesús y en el damasquinado de su capa. El pintor no hace un retrato de un personaje idealizado que se muestra sobre una ventana.

Pasamos a la sala XXIII dedicada a la presentación de los grandes maestros de la pintura veneciana y de las referencias iconográficas quattrocento florentino.

“San Bartolomé; San Juan”, obra de Carlo Crivelli , Museo de Arte Antiguo de Milán

Los siguientes cuadros son un díptico “San Bartolomé; San Juan”, obra de Carlo Crivelli (1430-1495), está datado en 1472, realizado en temple sobre tabla. Se expone en la sala XXIII.

Los cuadros pertenecían al retablo, probablemente originalmente situado en la iglesia de San Domenico en Fermo, fue desmantelado poco antes de 1834, y se dispersa en el mercado. El San Bartolomé estaba con San Juan Evangelista recogido en Castelbarco y fue donado a la ciudad de Milán

En el panel izquierdo representa a San Bartolomé sosteniendo un libro en el pecho con la mano izquierda y con la mano derecha y levanta suavemente el instrumento de su martirio, un cuchillo afilado con el que fue desollado vivo. A la derecha, San Juan Evangelista se representa en un gesto original, llevándose el dedo índice derecho a los labios y con los ojos bajos, como si tratase de encontrar la inspiración para escribir el evangelio, el libro lo mantiene abierto delante de él con la mano izquierda, como si estuviera recogiendo ideas para sostener una conversación.

“Madona con el niño”, obra de Bartolomeo Cincani , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Madona con el niño”, obra de Bartolomeo Cincani (1449-1523) conocido como Montagna, está datado entre 1480-1490, realizado en óleo sobre tabla. Se expone en la sala XXIII.

Bartolomeo Cincani era hijo de Antonio Cincani de Orzinuovi (Brescia), que se trasladó a Vicenza poco antes de 1450, Bartolomé pronto aprendió el arte del maestro Mantegna en el taller de Padua; más tarde, en 1469, se trasladó a Venecia, donde fue capaz de establecer un contacto directo con obras de Giovanni Bellini, cuyo autor pretende ejercer una influencia significativa en él

“Madona con el niño”, obra de Bartolomeo Cincani , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Madona con el niño”, obra de Giovanni Bellini (1432-1516), está datado entre 1460-1465, realizado en óleo sobre tabla. Se expone en la sala XXIII.

El trabajo está firmado en un cartela colgada a lo largo del parapeto (IO [HANN] ES B [Elli] N [Estados Unidos] F.), está fechada en la primera época del artista, cuando tenía una confrontación continua con su cuñado Andrea Mantegna. Algunos historiadores han expresado sus dudas sobre la autoría de la tabla, por las características arcaicas de las cortinas y los halos, pero la restauración de 1999 ha confirmado la autenticidad, al aparecer la presencia de la firma. Tal vez esta vieja herencia plasmada en la tabla se explica por la influencia de su padre Jacopo.

La Madonna está vestida con una capa rosa algo inusual, sostiene al bebé apoyado en una balaustrada, por encima del cual cuelga una cortina. La mirada esta perdida, como es habitual en este tipo de iconografía, pero su intimidad familiar destaca por gestos que se entrelazan entre sí. Jesús sostiene en su mano una fruta, un símbolo del pecado original y por lo tanto de su pasión. María parece querer esperar algo de él por su mirada reflexiva y melancólica presintiendo el presagio del trágico destino de su hijo.

“Retablo Trivulzio”, obra de Andrea Mantegna, Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Retablo Trivulzio”, obra de Andrea Mantegna (1431-1506), está datado en 1497, realizado en temple sobre tabla; tiene unas medidas de 287 x 214 cm. Se expone en la sala XXIII.

La tabla representa a la Virgen en la gloria con los Santos Juan Bautista, Gregorio Magno, Benito y Jerónimo. El cuadro llegó a la colección del príncipe Luigi Alberico Trivulzio, fue pintado originalmente para el altar mayor de la iglesia de Santa Maria in Organo de Verona.

El trabajo se ajusta de acuerdo a una perspectiva en escorzo es decir, con un punto de fuga muy bajo, debido a la elevada posición del punto de vista que tenía en el altar. El marco tallado por Fra Giovanni da Verona, Carver, tuvo que poner de relieve este punto de vista privilegiado.

María se representa en una inusual almendra rodeada de querubines (algunos en forma de una nube), en lugar del trono como es habitual en la pintura, pero la disposición elevada con respecto a los santos está en conformidad con las composiciones piramidales de la parte superior, típicos de sagrada conversaciones de la matriz de la moda veneciana en esos días.

Los Santos son de izquierda a derecha: San Juan Bautista en la posición típica que muestra el niño, con el vestido de ermitaño en el desierto y el palo largo con la cruz; junto a él es también un pergamino con sus palabras proféticas; San Gregorio Magno , con el manto papal, con bordados figurativos, la diadema y el báculo; San Benito de Nursia, con el vestido pastoral, cuya presencia es un recordatorio de que la iglesia de Verona fue gobernada por la orden benedictina; San Jerónimo, con el sombrero del cardenal y una capa roja estridente; Él sostiene en la mano derecha un libro, símbolo de la Vulgata y en el modelo de la iglesia, incluso esta acortado de la parte inferior izquierda; su expresión es solemne y orgullosa, y por la mirada que mira directamente al espectador llega a involucrarlo directamente en la representación.

Abajo hay tres ángeles cantores y músicos, de gran dulzura natural. Curioso es la visión de algunos de ellos, que es contraria a la de los santos. El órgano que se alude en el nombre de los monjes y el nombre de la iglesia.

El fondo se compone de dos ricas escenas vegetales de frutas cítricas y los pájaros que revolotean; Se asemeja a la de Nuestra Señora de la Victoria, sin nicho redundante de los otros trabajos.

La técnica se basa en los colores establecidos mediante una preparación muy delicada, lo que deja aquí y allá surgen de la textura de la tela. La luz maravillosa se destaca por la representación de fino oro, que en algunos lugares del cuadro todavía se pueden ver.

“Madona con Niño con San Pedro y Francisco”, obra de Antonio Solario, Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Madona con Niño con San Pedro y Francisco”, obra de Antonio Solario (1465-1530) conocido como Zingaro, está datado en 1514, realizado en óleo sobre tabla; tiene unas medidas de 287 x 214 cm. Se expone en la sala XXIII.

El pintor recibe el nombre por ser de raza romaní de padre herrero, su principal obra es el encargo para el tribunal del monasterio de San Severino, de veinte grandes frescos que ilustran la vida de San Benito, ahora muy degradado, que presenta una gran variedad de figuras en todos los detalles. .

“Madonna Trivulzio”, obra de Filippo Lippi, Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Madonna Trivulzio”, obra de Filippo Lippi (1407-1469), está datado entre 1429-1432, realizado en temple sobre madera transportado a lienzo; tiene unas medidas de 62 x 167,5cm. Se expone en la sala XXIII.

El trabajo es uno de los cuadros más antiguos conocidos de Filippo Lippi, pintado cuando el monje tenía poco más de veinte años y estaba profundamente influido por su maestro Masaccio, recientemente fallecido.

Diseñado originalmente para la iglesia florentina de Carmine, probablemente fue encargado por la Hermandad de San Alberto, que se dedica al cuidado de los niños. La inusual forma de la hoja sugiere que fue pintado en lugar de un altar frontal XIII.

Después de la desamortización de los monasterios en un tiempo aún desconocido termino en la colección privada de la familia Rinuccini de Florencia y desde aquí, por herencia a Trivulzio. En 1935 la colección del príncipe Luigi Alberico Trivulzio fue objeto de una importante transacción de arte en Italia.

“Resurrección”, obra de Lorenzo Veneziano, Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Resurrección”, obra de Lorenzo Veneziano (1356-1372), está datado en 1371, realizado en temple sobre madera. Se expone en la sala XXIII.

Lorenzo Veneziano fue uno de los primeros seguidores de Paolo Veneziano, y uno de los orígenes de la escuela veneciana. Inicialmente vinculado al estilo bizantino, que sufrió las influencias Bernabé y Tommaso da Módena. Trabajó principalmente en Venecia, hasta que se trasladó a Verona, Vicenza y Bolonia. Su pintura hace hincapié en una curiosidad por el detalle naturalista, hasta el umbral del estilo gótico internacional, convirtiéndose en uno de los artistas venecianos más importantes de su época.

Pasamos a la sala XXIV del museo corresponde con la colección otocentesche de Milán donde aparece el manierismo junto con la corriente del humanismo y naturalismo de la escuela de Cremona.

“Madonna Bolognini”, obra de Antonio Allegi , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Madonna Bolognini”, obra de Antonio Allegi (1489-1534) conocido como Correggio, está datado en 1514-1519, realizado en óleo sobre madera transportado a tela; tiene unas medidas de 60 x 51 cm. Se expone en la sala XXIV.

El cuadro describe una habitación con unas pilastras con bajorrelieves decorados con candelabros que se abren a un distante paisaje fluvial, frente a la cual se representa sentada la figura de la Virgen y el Niño en su regazo, que juega con San Juan que le entrega la cruz, símbolo de sacrificio futuro de Jesús. Es una de las muchas variaciones del tema de la reunión entre San Juan y el niño Jesús, un tema muy querido por Leonardo y su círculo de la escuela de Milán. La pintura es, de hecho, un claro ejemplo de la influencia de Leonardo en el joven Correggio, tanto en el tipo físico de la Virgen, tanto en el paisaje y en el uso del esfumado, acentuado por los efectos especiales de la sombra como la del velo de María.

“Retrato de Lorenzo Lenzi”, obra de Agnolo Allori , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Retrato de Lorenzo Lenzi”, obra de Agnolo Allori (1503-1572) conocido como Bronzino, está datado en 1527-1528, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 90 x 71 cm. Se expone en la sala XXIV.

La modelo de este retrato fue identificado como Lorenzo Lenzi, llamado il Lauro, el hijo de una prominente familia florentina. El joven del retrato sostiene un libro abierto con inscripciones de sonetos de Petrarca a la derecha y Benedetto Varchi a la izquierda, en el pulgar de la modelo se superpone sugestivamente la palabra "Poeta" llama la atención del espectador hacia el verso y su autor.

“Autorretrato”, obra de Lucia Anguissola , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Autorretrato”, obra de Lucia Anguissola (1536-1565), está datado en 1557, realizado en óleo sobre madera. Se expone en la sala XXIV.

Lucia Anguissola fue la tercera de las seis hijas de Bianca Ponzone y Amilcare Anguissola, miembro de la baja nobleza genovesa, recibió una esmerada educación, incluyendo el estudio del latín y de la pintura a la que se dedicaron en mayor o menor grado todas las hermanas.

“Adoración de los pastores con santa Clara y san Francisco de Asís”, obra de Giovan Battista Trotti , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Adoración de los pastores con santa Clara y san Francisco de Asís”, obra de Giovan Battista Trotti (1556-1619), está datado en 1580, realizado en óleo sobre lienzo. Se expone en la sala XXIII.

El pintor demuestra un conocimiento muy grande de la perspectiva y de la luz. En el interior de un portal de Belén imaginario, más parecido a una cueva, sobre la luz de una vela se desarrolla la escena conocida de la adoración de los pastores con la compañía de Santa Clara y San Francisco de Asís.

“Tapando a Cristo”, obra atribuida a Giovanni da Monte , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Tapando a Cristo”, obra atribuida a Giovanni da Monte (1557-1583), está datado entre 1565-1570, realizado en óleo sobre lienzo. Se expone en la sala XXIV.

Giovanni da Monte, no se conoce mucho de este pintor, tal vez fue un alumno de Tiziano. No se conoce la fecha de nacimiento de este pintor, probablemente, era nativo de Monte Cremasco, cerca de Crema, y activo en la segunda mitad del siglo XVI.

“Episodio del Martirio de San Vicenzo”, obra de Aurelio Luini , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Episodio del Martirio de San Vicenzo”, obra de Aurelio Luini (1530-1593), está datado en 1587, realizado al fresco. Se expone en la sala XXIV.

El cuadro fue pintado para las paredes de la iglesia de san Vicenzino de Milán, también conocida con el nombre de Novum Monasterium. El pintor fue un exponente interesante del último estilo manierismo de Lombardía, también por su ser un seguidor artístico de Leonardo da Vinci.

“San Hugo de Grenoble y San Bruno; San Hugo de Lincoln y el beato Guillermo de Fenoglio”, obra de Bernardino Campi , Museo de Arte Antiguo de Milán

Los siguientes cuadros muestran el díptico “San Hugo de Grenoble y San Bruno; San Hugo de Lincoln y el beato Guillermo de Fenoglio”, obra de Bernardino Campi (1521-1591), está datado en 1576, realizado al óleo sobre tabla. Se expone en la sala XXIV.

Bernardino Campi tiene su formación en la zona de Mantua (su maestro fue Ippolito Costa, hijo de Lorenzo Costa) es uno de los mejores exponentes característicos del Manierismo en el norte de Italia.

“Cristo crucificado”, obra de Bernardino Campi , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Cristo crucificado”, obra de Bernardino Campi (1521-1591), está datado entre 1584-1591, realizado al óleo sobre tabla. Se expone en la sala XXIV.

La obra es de una imponente imagen donde se representa sobre un fondo negro, el cuerpo de Cristo crucificado, con los brazos extendidos clavado al eje corto de la cruz; la cabeza con una corona de espinas, se inclina hacia abajo, con las piernas cerradas muestran los pies clavados abajo de uno a uno dentro del eje largo de la cruz; por encima de la cabeza de Jesús lleva la inscripción INRI.

Pasamos a la sala XXV corresponde con la llegada de cinquecento y el legado político de Venecia de la unión con la provincia de Bergamo y Brescia y su referente artístico y cultural donde predomina el estilo figurativo.

“Retrato de un joven”, obra de Lorenzo Lotto , Museo de Arte Antiguo de Milán

l siguiente cuadro “Retrato de un joven”, obra de Lorenzo Lotto (1488-1556), está datado entre 1524-1528, realizado al óleo sobre tabla; tiene unas medidas de 34,5 x 27,5 cm. Se expone en la sala XXV.

El fondo del cuadro sobre una cortina verde crea unas sombras profundas, donde el joven protagonista se muestra con el torso de perfil y ligeramente inclinado hacia adelante, gira la cabeza hacia el espectador dándole una mirada intensa. La pintura es muy pequeña, lo que aumenta la inmediatez, el sentido de la intimidad y la complejidad psicológica. La luz se modula con cuidado, estando más prominente en la cara, aunque tiene una zona de sombra producida por el efecto de la boina negra, tiene unas cadenas de oro en las manos, con un guante una y, la otra desnuda para sostener un libro. Elegante y refinado es el vestido gris con bandas negras de terciopelo acolchado, en las que verifican el cuello de una camisa bordada y los bordes tienen un cordón negro y oro.

“Retrato de un joven”, obra de Lorenzo Lotto , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Retrato del poeta Raffaele Zovenzoni” obra de Giovanni Bellini (1432-1516), está datado a finales del siglo XV, realizado al óleo sobre tabla; tiene unas medidas de 34,5 x 27,5 cm. Se expone en la sala XXV.

Giovanni Bellini creció en la casa de su padre, en cuyo taller se inició en el oficio, junto a sus hermanos Gentile y Niccolò. Los comienzos de Giovanni en el arte son inseguros y deben situarse en los años 1445-1450, si bien ninguna obra conocida del artista se atribuye unánimemente a aquel período.

“Retrato de un gentil hombre con perro” obra de Giovanni Antonio Licinio , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Retrato de un gentil hombre con perro” obra de Giovanni Antonio Licinio (1515-1576) conocido como Sacchiense, está datado en 1530, realizado al óleo sobre tabla. Se expone en la sala XXV.

Sacchiense era parte de una familia de pintores manieristas de la escuela veneciana: su hermano Julius, el padre Arrigo, y el hermano del padre, Bernardino Licinio.

“Retrato Giovan Francesco Orsini” obra de Agostino Galeazzo, Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Retrato Giovan Francesco Orsini” obra de Agostino Galeazzo (1525-1579), está datado en 1540, realizado al óleo sobre tabla. Se expone en la sala XXV.

La identidad del personaje que aparece en el cuadro ha sido encontrada recientemente porque antes se titulaba el cuadro “Retrato de un gentil hombre”: Después de los estudios se ha determinado que se trata de Giovanni Francesco Orsini, conde de Pitigliano, sobre la base de la inscripción que aparece en la pintura.

“San Juan Bautista, el Profeta Jeremías” obra de Alessandro Bonvicino, Museo de Arte Antiguo de Milán

Los siguientes cuadros es un díptico “San Juan Bautista, el Profeta Jeremías” obra de Alessandro Bonvicino (1525-1579) conocido como Moretto, está datado entre 1542-1545, realizado al óleo sobre tabla. Se expone en la sala XXV.

Moretto es considerado como uno de los tres grandes maestros de la pintura de principios del renacimiento en Brescia, junto con Romanino y Savoldo. Se forma como pintor en un taller de Brescia siguiendo el ejemplo del maestro Vincenzo Foppa, pero abriéndose a las nuevas influencias venecianas, representada por Lotto y Tiziano.

“Santa Úrsula y la compañía” obra de Alessandro Bonvicino, Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro es “Santa Úrsula y la compañía” obra de Alessandro Bonvicino (1525-1579) conocido como Moretto, está datado en 1537; tiene unas medidas de 219 x 143 cm, realizado al óleo sobre tabla. Se expone en la sala XXV.

La orden de las "Ursulinas" se deriva de la devoción por Santa Úrsula, la joven hija de un rey mártir de los primeros siglos de la era cristiana. El nombre de Orsola se confunde entre la historia y la leyenda, el más antiguo se recoge en la "Leyenda Dorada" de Jacopo da Varazze.

El culto de Santa Úrsula extendió por toda Europa, y durante muchos siglos fue presenciado por los libros litúrgicos, la literatura hagiográfica –es la historia de la vida de los santos–, de la tradición de las diversas formas de piedad.

“Retrato de Bartolomeo Colleoni” obra de Giovan Battista Morini, Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro es “Retrato de Bartolomeo Colleoni” obra de Giovan Battista Morini (1520-1578), está datado entre 1566-1569, realizado al óleo sobre tabla. Se expone en la sala XXV.

Después de 100 años de la muerte de Bartolomeo Colleoni se encargo un retrato del personaje tomando como referencia una medalla de bronce fundido por Marco Guidizzani y el fresco en la iglesia de la Incoronata en Martinengo, hoy en la Plaza Pio, la elección recayó en el pintor Giovanni Battista Moroni, iniciador de la “pintura realista” en Bergamo, uno de los pocos capaces de participar en la difícil tarea de dar apariencia real en una antigua efigie sin vida.

“Martirio de San Pedro de Verona” obra de Giovan Battista Morini, Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro es “Martirio de San Pedro de Verona” obra de Giovan Battista Morini (1520-1578), está datado entre 1555-1560, realizado al óleo sobre tabla. Se expone en la sala XXV.

El protagonista de la tabla es Pedro de Verona un religioso de la orden de los dominicos perteneciente a la Orden de Predicadores contra las herejías, inquisidor nombrado por el Papa Gregorio IX en 1251 para las ciudades de Milán y Como.

“Cabeza viril” obra de Jacopo Robusti , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro es “Cabeza viril” obra de Jacopo Robusti (1518-1594) conocido como Tintoretto, está datado entre 1546-1548, realizado al óleo sobre tabla. Se expone en la sala XXV.

Tintoretto nació en la ciudad de Venecia, República de Venecia, en 1518; era el mayor de 21 hermanos. Su padre, Giovanni, era un tintorero; de ahí que su hijo tuviera el apodo de Tintoretto, pequeño tintorero, o hijo del tintorero. La familia era originaria de Brescia, una ciudad-estado a unos 170 kilómetros de Venecia. Otros estudios posteriores indican la ciudad toscana de Lucca como origen de la familia.

“Retrato viril” obra de Domenico Robusti , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro es “Retrato viril” obra de Domenico Robusti (1560-1635), está datado entre 1580-1590, realizado al óleo sobre tabla. Se expone en la sala XXV.

Domenico Robusti fue el heredero artístico de su padre Jacopo, conocido como Tintoretto. Trabajó junto a su padre en el taller de pintura, ayudando cada vez más con la edad avanzada de los padres aunque el hijo es menos ágil de trabajo, a su muerte tomó las riendas del taller, pero no brillaba nada más que por la fama del padre.

“Retrato del embajador Gabriel de Luetz d'Aramon” obra de Tiziano Vecellio , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro es “Retrato del embajador Gabriel de Luetz d'Aramon” obra de Tiziano Vecellio (1488-1576, está datado entre 1541-1542; tiene unas medidas de 76 x 74 cm, realizado al óleo sobre tela. Se expone en la sala XXV.

La configuración de la figura del embajador francés es una imitación de un busto, está vestido con un traje oscuro Diplomático, adornado con un collar de oro, con una mirada especial, sostiene en su mano derecha un haz de flechas, que simboliza probablemente el relaciones conflictivas que existían incluso en la época moderna entre los Estados cristianos de los cuales fue embajador de Luetz de uno de los reinos más influyentes, y el mundo árabe en el extranjero.

Sobre el tema de las flechas, algunos historiadores han hecho comparaciones con el cuadro de San Sebastián pintado por Miguel Ángel en el Juicio de la Capilla Sixtina, este último artista al que Tiziano admiraba mucho. Por otra parte, la similitud aparente entre las flechas y los pinceles de un pintor, que el propio Tiziano está personificando en el retrato del embajador, como si describiese el arte de ser embajador.

“Retrato de un hombre” obra de Leandro de Ponte , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro es “Retrato de un hombre” obra de Leandro Bassano (1557-1622) conocido como Leandro da Ponte, está datado entre 1600-1610; realizado al óleo sobre tela. Se expone en la sala XXV.

Leandro da Ponte comenzó su actividad pictórica en el taller paterno, el cual desarrollaría una producción ingente, alternando pinturas de gran valor con otras mediocres; el trabajo en el taller originaría posteriormente grandes problemas respecto a las atribuciones, puesto que en el taller de Jacopo trabajaron sus cuatro hijos, todos pintores, en Bassano del Grappa.

“Retrato de santa Juliana” obra de Carlo Caliari , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro es “Retrato de santa Juliana” obra de Carlo Caliari (1570-1596) llamado Carletto, está datado entre 1600-1595; realizado al óleo sobre tela. Se expone en la sala XXV.

Hijo del famoso Paolo Caliari, más conocido como Veronese, y hermano de Gabriel. En la época de aprendiz de su padre y de Jacopo Bassano, fue uno de los más activos en el taller de la familia, el trabajo de diferente forma que su padre porque es imposible elaborar una lista exacta de sus obras.

“Coronación de espinas” obra de Francesco da Ponte, Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro es “Coronación de espinas” obra de Francesco da Ponte (1549-1583) conocido como Bottega, está datado en 1583; realizado al óleo sobre tela. Se expone en la sala XXV.

El cuadro se expone en la iglesia de San Antonio Abad de Brescia. Se representa el momento en que los soldados del gobernador llevaron a Jesús al pretorio, y reunieron a toda la corte. Lo desnudaron y le pusieron un manto y, trenzando una corona de espinas que se la pusieron sobre su cabeza, y una caña en su mano derecha; Luego de rodillas delante de él, le hacían burla: "!Salve, Rey de los Judios!".

“Flagelación de Cristo” obra de Francesco da Ponte, Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro es “Flagelación de Cristo” obra de Francesco da Ponte (1549-1583), está datado en 1583; realizado al óleo sobre tela. Se expone en la sala XXV.

El cuadro se expone en la iglesia de San Antonio Abad de Brescia. La composición alcanza unas escenas teatrales gracias efectos al tamaño significativo de las figuras humanas, una labor importante para el perfecto equilibrio entre las formas de composición y el contenido emocional que representa a Cristo. La violencia de su acción se hace sentir para representar el aspecto físico brutal, derivado del realismo.

“Retrato del procurador Jacopo Soranzo” obra de Jacopo Robusti, Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro es “Retrato del procurador Jacopo Soranzo” obra de Jacopo Robusti (1518-1594) conocido como Tintoretto, está datado entre 1550-1551, realizado al óleo sobre tabla. Se expone en la sala XXV.

El cuadro muestra a Jacopo Soranzo ocupó el cargo de procurador en 1550. Tintoretto tomó la imagen del retratado de otro lienzo de gran tamaño obra suya, en el que el procurador aparecía en el centro del mismo rodeado por su familia, dicho lienzo se conserva actualmente dividido en tres partes en el Castillo de los Sforza.

“Retrato de Giorgio Passo” obra de Giovan Battista Morini , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro es “Retrato de Giorgio Passo” obra de Giovan Battista Morini (1520-1578), está datado entre 1566-1569, realizado al óleo sobre tabla. Se expone en la sala XXV.

Giovan Battista Morini fue un pintor manierista italiano, hijo de un arquitecto, Andrea Moroni, fue uno de los grandes retratistas del siglo XVI. Se formó con Alessandro Bonvicino en Brescia y trabajó principalmente en la región de su ciudad natal de Albino. Pasó dos cortas temporadas en Trento (1548 y 1551), en la época en la que se estaba celebrando el Concilio de Trento.

“Madona en el trono con el niño”, obra de Girolamo Romani , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Madona en el trono con el niño”, obra de Girolamo Romani (1484-1560) conocido como Romanino, realizado en óleo sobre tela, esta datado entre 1528-1529. Se expone en la sala XXV.

El pintor había entrado en contacto con la pintura de Tiziano, todas las obras de estos años se caracterizan por una influencia explícita en el estilo del maestro veneciano y una atenuación de tonos expresionistas de su producción anterior de Romanino.

“San Antonio de Padua”, obra de Alessandro Bonvicino, Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “San Antonio de Padua”, obra de Alessandro Bonvicino conocido como Moretto, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1530, tiene unas medidas de 74 x 64 cm. Se expone en la sala XXV.

La figura de San Antonio de Padua es tratada por el pintor en varios de sus cuadros, en este caso el encargo es para la realización de un retrato vestido como un monje franciscano con sus atributos el libro y los lirios en sus manos.

“Lot y sus hijas”, obra de Giovanni Busi , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Lot y sus hijas”, obra de Giovanni Busi (1485-1547) conocido Cariani, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1540, tiene unas medidas de 41 x 33 cm. Se expone en la sala XXV.

Lot y sus hijas es el nombre que identifica a un pasaje bíblico que ha dado origen a un tema iconográfico muy representado en el arte a partir del Renacimiento, gracias a su condición de escena escabrosa, que incluye el incesto:

Las hijas de Lot se encuentran en un descanso en su huida de Sodoma, donde vivían. Su relación con su padre es bastante extraña: por razones de hospitalidad, las había ofrecido para ser violadas por sus convecinos (que las despreciaron, pues preferían violar a los ángeles que Dios había enviado para avisarle de la destrucción de la ciudad). Han perdido a su madre, que acaba de convertirse en una estatua de sal (no pudo evitar volverse para ver cómo la ciudad era destruida). Viendo que su inevitable destino va a ser la soledad, deciden emborrachar a su padre y tener relaciones sexuales con él, para quedarse embarazadas. Sus nombres no se mencionan, pero sí los de los hijos que concibieron: Moab y Ben-ammi, de quienes descenderían moabitas y amonitas respectivamente

“Retrato de una devota”, obra de Giovanni Busi , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Retrato de una devota”, obra de Giovanni Busi (1485-1547) conocido Cariani, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1530-1535, tiene unas medidas de 68 x 46 cm. Se expone en la sala XXV.

Estamos ante un pintor de un talante conservador, muy apegado a la tradición del quattrocento más que a los nuevos estilos que empezaban a imponerse en el arte veneciano. En sus primeros pasos podemos relacionar su estilo con el del Giovanni Bellini tardío o el del primer Palma el Viejo, bajo la influencia estilística de Carpaccio.

“Retrato de una dama con la efigie del difunto”, obra de Bernardina Licinio , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Retrato de una dama con la efigie del difunto”, obra de Bernardina Licinio (1485-1550), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1525-1528, tiene unas medidas de 68 x 46 cm. Se expone en la sala XXV.

Este cuadro tiene un doble sentido pero el principal era la costumbre de inmortalizar a un difunto, esto es algo que en la pintura se venía practicando desde hace varios siglos, especialmente entre los religiosos, algunos monarcas y niños fallecidos a corta edad.

Pasamos a la sala XXXVI donde se expone pintura de la diócesis lombarda donde se aprecia la profunda influencia de la Reforma del Concilio de Trento, donde la pintura trata de estimular la religiosidad desplegando un amplio repertorio de imaginación para destacar la ortodoxia religiosa.

“Virgen en gloria con el Niño con San Rocco, Francisco y Sebastián”, obra de Enea Salmeggia , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Virgen en gloria con el Niño con San Rocco, Francisco y Sebastián”, obra de Enea Salmeggia (1558-1626), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1604. Se expone en la sala XXVI.

Enea Salmeggia fue pintor un italiano perteneciente al estilo renacentista tardío del siglo XVI, principalmente activo en su ciudad natal de Bérgamo. También fue conocido como Il Talpino. Se formó con miembros de la familia Campi, y más tarde con los miembros de la Procaccini familia en Milán

“Madona con el Niño en tránsito y gloria con los santos Ambrosio y Carlo Borromeo”, obra de Enea Salmeggia , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Madona con el Niño en tránsito y gloria con los santos Ambrosio y Carlo Borromeo”, obra de Enea Salmeggia (1558-1626), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1603. Se expone en la sala XXVI.

Los comienzos artísticos del pintor Eneas Salmeggia comienzan Ranica, en la Iglesia Parroquial de los siete hermanos mártires; los altares laterales se conservan dos pinturas que datan de las primeras décadas del siglo XVII, con la Flagelación de Cristo y la coronación de espinas.

“San Miguel Arcángel”, obra de Giovanni Battista Crespi , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “San Miguel Arcángel”, obra de Giovanni Battista Crespi (1573-1632) conocido como Cerano, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1605-1610. Se expone en la sala XXVI.

Giovan Battista Crespi fue un pintor, escultor y arquitecto italiano, activo en la edad de la Contrarreforma. El arte contempla de primera mano los conflictos religiosos de este periodo tan convulso para la iglesia católica que los usó para sus fines personales la grandiosidad y la complejidad de las obras barrocas . El papa reaccionó contra la división que provocó la reforma iniciada por Lutero generando el movimiento que se conoció como la contrarreforma. La pintura fue utilizada para el prestigio de la iglesia y la autoridad del papa e ilustrar las verdades de la fe. Se puede decir que el barroco es la expresión estética de la contrarreforma, la monarquía utilizó esta expresión artística para hacer propaganda en sus propios beneficios y la gente contribuyera con ellos, ya sea en el arte o en la sociedad.

“Aparición de San Francisco a un moribundo”, obra de Giovanni Battista Crespi , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Aparición de San Francisco a un moribundo”, obra de Giovanni Battista Crespi (1573-1632) conocido como Cerano, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1610-1620. Se expone en la sala XXVI.

Giovanni Battista Crespi en 1621 se convirtió en el primer presidente de la Academia Ambrosian , fundada por el cardenal Federico Borromeo. Entre sus estudiantes estaban Daniele Crespi y Carlo Francesco Nuvolone.

“Retrato del cirujano Enea Fioravanti”, obra de Daniel Crespi, Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Retrato del cirujano Enea Fioravanti”, obra de Daniel Crespi (1598-1630), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1625. Se expone en la sala XXVI.

A pesar de su muerte prematura por la peste se puede considerar unos de los mejores pintores del siglo XVII italiano. Además de la producción de obras de temas religiosos de las principales órdenes monásticas de Milán, el Crespi disfrutó de una considerable reputación como retratista.

“Adoración de los pastores”, obra de Daniel Crespi, Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Adoración de los pastores”, obra de Daniel Crespi (1598-1630), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre-1623-1625. Se expone en la sala XXVI.

Daniel Crespi murió en Milán en 1630, víctima de la gran plaga de peste Manzoni, alrededor de treinta años. Debido a la muerte súbita dejó sin terminar su trabajo de mayor compromiso, los frescos de la Cartuja de Pavía, que fue completado por sus asociados. El ciclo majestuoso de Crespi ilumina completamente las paredes del coro, mientras que las bóvedas representan un ejemplo de la decoración pintada del Renacimiento . Es un ciclo compuesto con escenas del Nuevo Testamento, a partir de las biografías de santos cartujos y otros santos.

“Martirio de San Esteban”, obra de Daniel Crespi , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Martirio de San Esteban”, obra de Daniel Crespi (1598-1630), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre-1623-1625. Se expone en la sala XXVI.

San Esteban es un santo muy popular cuyo culto está extendido por todo el mundo; le están dedicados innumerables templos, ciudades, pueblos e instituciones cristianas. Según la tradición, al menos parte de su cuerpo se encuentra sepultado en la Basílica de San Lorenzo Extramuros de Roma, donde además se conserva como reliquia la piedra sobre la que sufrió el martirio.

“Sacrificio de Isaac”, obra de Giuseppe Vermiglio , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Sacrificio de Isaac”, obra de Giuseppe Vermiglio (1585-1635), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1621. Se expone en la sala XXVI.

El Sacrificio de Isaac es una escena del Antiguo Testamento muy utilizada como tema iconográfico en pintura y escultura. El lugar del sacrificio fue el monte Moriá, se identifica, junto con el monte Sión, con el espacio conocido posteriormente conocido como monte del Templo, en Jerusalén.

“Madona con el Niño”, obra de Guglielmo Caccia, Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Madona con el Niño”, obra de Guglielmo Caccia (1568-1625), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1615. Se expone en la sala XXVI.

Guglielmo Caccia es apodado Moncalvo porque pasó su juventud en el municipio de Moncalvo. Fue un alumno de Sabatini. Es considerado como el exponente más importante de la Contrarreforma en la región del Piedmonte.

“Céfalo y Procris”, obra de Carlo Francesco Nuvolone , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Céfalo y Procris”, obra de Carlo Francesco Nuvolone (1608-1665), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1645-1650; tiene unas medidas de 60 x 92 cm. Se expone en la sala XXVI.

Céfalo era, en la mitología griega, un hermoso y apuesto joven que adoraba la caza. Una mañana temprano, cuando se disponía a realizar su actividad favorita, Eos, la diosa de la Aurora , lo vio y quedó prendada de él. Y, cómo no, decidió secuestrarlo y llevárselo con ella.

Pero Céfalos ya estaba enamorado. De hecho, no hacía mucho que se había casado con Procris, una bella y encantadora muchacha, favorita de la diosa Diana, la gran cazadora. Un día la diosa regaló a Procris el mejor perro de presa y una jabalina que jamás erraba en el blanco. Estos obsequios, a su vez, fueron dados por la joven a Céfalos, en prueba de su amor.

Así que, por mucho que insistió y porfió por conseguir el amor de Céfalos, la diosa Eos no consiguió su propósito. Era obvio que el joven amaba por encima de todo a Pocris. Cansada e irritada, finalmente lo liberó mientras le decía: Vete, mortal desagradecido, y cuida muy bien de tu esposa, pues si no me equivoco, algún día lamentarás haber vuelto con ella.

“Retrato de un joven”, obra atribuido a Daniel van den Dyck , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Retrato de un joven”, obra atribuido a Daniel van den Dyck (1610-1670), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1633. Se expone en la sala XXVI.

Daniel van den Dyck se formó en Amberes con Peter Verhaecht. Entro como pintor en el gremio de San Lucas de Amberes hacia el 1631-1632 y se convirtió en un profesor cualificado hacia 1633-1634. A finales de septiembre de 1633 viajó a Bérgamo en Italia y en 1634 se trasladó a Venecia, donde se casó con Lucrecia, hija del pintor Nicolas Regnier.

“Retrato de Hortensia Mancini duquesa de Mazzarino”, obra atribuido a Jacob Ferdinand Voet , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Retrato de Hortensia Mancini duquesa de Mazzarino”, obra atribuido a Jacob Ferdinand Voet (1639-1689), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1676-1680; tiene unas medidas de 60 x 92 cm. Se expone en la sala XXVI.

Hortensia Mancini, duquesa de Mazarino, es probablemente la más notable entre cuantas mujeres formaron parte de la corte de Carlos II de Inglaterra. Durante su juventud fue una de las más ricas herederas de Europa, y, desde luego, también una de las más hermosas. Por la época en la que Carlos no era más que un príncipe errante, sin trono ni fortuna, había sido uno de los pretendientes a su mano, pero la oferta fue rechazada por el tío de Hortensia, el cardenal Mazarino, que no calculó que un día el Estuardo podría recuperar la Corona de su padre. Resulta irónico que al cabo del tiempo Hortensia terminara convertida en su amante y subsistiendo gracias a su generosidad.

“Santo Eremita”, obra atribuido a Jose Ribera , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Santo Eremita”, obra atribuido a Jose Ribera y Cucó (1591-1652) conocido como El Españoleto, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1650. Se expone en la sala XXVI.

Jose Ribera fue un pintor y grabador español del siglo XVII, que desarrolló toda su carrera en Italia y principalmente en Nápoles. Fue también conocido con su nombre italianizado Giuseppe Ribera y con el apodo Lo Spagnoletto.

“Productores de paneles de abejas”, obra de Giacomo Cerutti , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Productores de paneles de abejas”, obra de Giacomo Cerutti (1697-1767) conocido como Pitocchetto, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1767. Se expone en la sala XXVI.

Giacomo Cerutti nació en Misano, conoció la pintura probablemente porque Fabiano Ceruti (padre), fue alumno de Christopher Agricola; desde principios de los años veinte del siglo XVIII fue un pintor activo en Brescia, ciudad en la que se ganó el apodo de “Pitocchetto” (el pequeño mendigo) por el género pictórico que tenía como tema principal los pobres, los marginados, los vagabundos y los campesinos.

“Embarcadero en la Riva Schiavoni con la columna de San Marcos”, obra de Giovanni Antonio Canal , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Embarcadero en la Riva Schiavoni con la columna de San Marcos”, obra de Giovanni Antonio Canal (1697-1768) conocido como Canaletto, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1742; tiene unas medidas de 185.5 x 110.5 cm. Se expone en la sala XXVI.

Canaletto utiliza una inigualable viveza descriptiva de la ciudad de Venecia, en la ciudad se desarrolla una escena del mercado al aire libre donde se aplica una verdadera perspectiva de la estructura de los edificios que sirven como escenas sólidas de arquitectura y por medio de esto, el artista ofrece un momento de la vida diaria con gran realismo.

“Borrasca”, obra de Frencesco Guardi , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Borrasca”, obra de Frencesco Guardi (1712-1793), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1792-1793. Se expone en la sala XXVI.

Frencesco Guardi fue un pintor italiano y el miembro más conocido de una familia de artistas a la que también pertenecían sus hermanos Niccolò y Gian Antonio. Se hizo famoso por sus paisajes vedutes de Venecia, ciudad en la que había nacido en 1712. A comienzos de su carrera artística, junto con otros dos hermanos suyos, realizó muchas pinturas de todo tipo para iglesias, palacios y mecenas privados de Venecia y sus alrededores. Sin embargo, en la década de 1750 comenzó a pintar veduta ideate (vistas, normalmente, con elementos arquitectónicos) a la manera de su gran precursor Canaletto

“Capricho arquitectónico con ruina romana”, obra de Frencesco Guardi , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Capricho arquitectónico con ruina romana”, obra de Frencesco Guardi (1712-1793), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1775. Se expone en la sala XXVI.

Sus obras de este periodo incluyeron paisajes así como representaciones figurativas. Sus primeras vedutas muestran la influencia tanto de Canaletto como de Luca Carlevarijs. El 15 de febrero de 1757 se casó con Maria Mathea Pagani, hija del pintor Matteo Pagani. El mismo año falleció su hermano Gian Antonio y nació su primer hijo, Vincenzo. Su segundo hijo, Giacomo, nació en 1764.

“Capricho arquitectónico con pirámide y arquitrabe”, obra de Frencesco Guardi , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Capricho arquitectónico con pirámide y arquitrabe”, obra de Frencesco Guardi (1712-1793), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1775. Se expone en la sala XXVI.

Las obras maestras de Guardi no son una descripción del paisaje, sino cuadros con aéreo esfumado de las formas y los colores. La perspectiva, el espacio aéreo organizado, la solidez palladiana son sustituidos por un estilo personal de escritura en color y ahora brillantemente nublada

“Capricho arquitectónico con mar y borrasca”, obra de Leonardo Coccorante , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Capricho arquitectónico con mar y borrasca”, obra de Leonardo Coccorante (1680-1750), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1775. Se expone en la sala XXVI.

Leonardo Coccorante fue un pintor barroco italiano especializado en perspectivas arquitectónicas y paisajes imaginarios con ruinas clásicas. De todos los trabajos que han llegado a nuestros días, casi todo sin firma, son principalmente arquitecturas y ruinas imponentes, aunque de escasa inventiva, llenando el paisaje en el que habitualmente se mueven pequeñas figuras llevadas a primer término para subrayar la monumentalidad de las construcciones.

“Palacio Giurenconsulti y el Broletto de Milán”, obra de Bernardo Bellotto , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “Palacio Giurenconsulti y el Broletto de Milán”, obra de Bernardo Bellotto (1721-1780), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1744. Se expone en la sala XXVI.

En la pintura tiene un enfoque original, ofrece una oportunidad para describir un lugar un punto neurálgico de la ciudad lombarda, donde se conservan monumentos de gran importancia para la historia Milán.

La sensibilidad del artista en particular se recoge en la elección de la construcción formal y en el uso del color: de color gris en la zona del centro de la escena y la amplia puntuación del cielo pone de manifiesto la compleja articulación de los edificios. La Via Mercanti , estaba frecuentada por grupos de trabajadores y transeúntes.

“El Mercado de Verziere”, obra de Alessandro Magnasco , Museo de Arte Antiguo de Milán

El siguiente cuadro “El Mercado de Verziere”, obra de Alessandro Magnasco (1667-1749), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1733. Se expone en la sala XXVI.

La escena se desarrolla en la plaza de una ciudad cuadrada, flanqueada por dos alas de seis edificios del siglo XVIII y cerrado con el telón de fondo de un palacio gótico abierto por dos arcos. En el centro una columna coronada por la estatua del Redentor, en el fondo emergen dos torres. El edificio de la izquierda es un escudo de armas, mientras que en la casa de la izquierda están abiertas tres talleres, uno de ellos tiene tanques anchoas y pescado salado; en el lado opuesto del quiosco está el tendero, con salchichas, pudín negro y salchichas de todo tipo. Vendedores, compradores y elegantes chicas del campo deambulan por el patio.

En el primer plano se ven desde la izquierda: los tanques con los alimentos del mercado: las legumbres y las dedicadas al grano; el puesto de frutas y al de verduras, un vendedor de espárragos; pilas de queso y mantequilla, pan; huevos y setas; el carnicero, con trozos de carne que cuelga, las aves de corral desplumadas; Por último, un vendedor de cerámica. En el fondo, incluso desde la izquierda: la cerámica vidriada, los vendedores de las calabazas, el orfebre y el de los pescados.

Descanso en el Museo de Arte Antiguo de Milán

Aquí damos por finalizado la visita a la pinacoteca, en estos momentos estamos muy cansados y verdaderamente lo que nos apetece es dar una vuelta por Milán pero antes de salir no tenemos más remedio de ir a la sala más espectacular del Castillo de los Sforza. Corresponde con una de las salas del antiguo Hospital Español, donde está expuesta la Piedad de Rondanini de Miguel Ángel.

La Piedad de Rondanini de Miguel Ángel , Museo de Arte Antiguo de Milán

Mucho se ha escrito y mucho se ha debatido sobre la identidad y sobre la historia. Todavía hoy la escultura está envuelta en un misterio, la escultura fue encontrada en el taller romano de Miguel Ángel en el momento del fallecimiento, el 18 de febrero de 1564. Posteriormente desapareció y reapareció tres siglos después en 1807, en el palacio de los marqueses Rondini, lo que le dio el nombre. La escultura fue comprada por el ayuntamiento de Milán en 1952, gracias a una suscripción popular.

La Piedad de Rondanini de Miguel Ángel , Museo de Arte Antiguo de Milán

La obra era considerada como un resto sin terminar y descuidada dentro de la producción de Miguel Ángel. El descubrimiento fue un hecho histórico ensalzado por los artistas contemporáneos que consideraron una obra visionaria de la escultura del siglo XVI y ha conseguido hacerse con una posición excepcional dentro de la historia del arte.

La obra se expone en el espacio del antiguo hospital del patio de armas que servía para tratar a los soldados enfermos. Esta sala que durante tantos años fue testigo del sufrimiento, del lamento y de las suplicas de tantos enfermos ha encontrado el reposo de la Piedad de Miguel Ángel.

Miguel Ángel Buonarroti dejo muchas de las obras empezadas o abandonadas por la muerte del artista, en este caso se sabe que estuvo trabajando intensamente durante diez años, se dice que estuvo trabando en ella hasta seis días antes de su muerte. Representa a la Virgen de pie, que sujeta el cuerpo muerto de su hijo, justo después de la Crucifixión.

Las dos figuras tienen formas muy alargadas, casi manieristas, muestras cierta debilidad y están un tanto alejadas de las criaturas que le gustaban a Miguel Ángel. Estamos ante una figura reutilizadas porque el escultor trabajo sobre una pieza de mármol que había encontrado con restos de otro escultor. Todavía se pueden ver los restos de las figuras de la versión anterior.

La Piedad de Rondanini de Miguel Ángel , Museo de Arte Antiguo de Milán

Miguel Ángel era profundamente religioso y en la figura quiere transmitir la intensidad dramática de la relación entre la madre y el hijo, casi fundidos en un único cuerpo.

La Piedad es un tema recurrente en la escultura de Miguel Ángel porque fue tratado en su obra, aportando técnicas y soluciones diferentes: empezando por la más famosa de la basílica de San Pedro en el Vaticano, fue esculpida cuando Miguel Ángel tenía solamente veinticinco años y perseguía un ideal de la belleza completamente diferente, con el joven cuerpo de Cristo sobre las rodillas de una María adolescente. Cuando realiza está piedad, contrariamente, a los ochenta años reduce todo lo esencial para centrarse en la fuerza de la unión fraternal, recuperando un esquema iconográfico de tradición medieval, donde se aprecia el desgarro de la Madre ante su hijo muerto. De esta forma el escultor quiere transmitir las pasiones humanas sin abandonar las posibilidades plásticas.

Miguel Ángel con esta obra inacabada se adelanto como un verdadero visionario seis siglos a su tiempo, La Piedad es un incunable del arte contemporáneo. Esas piernas, con suave pulido pisaron por la luz, mientras que la parte superior está todavía por florecer. Todavía no se trata de un verdadera Piedad, pero ya representa la Resurrección.

La Piedad de Rondanini de Miguel Ángel , Museo de Arte Antiguo de Milán

Michelangelo procede a la eliminación de todo lo que es excesivo, para llegar a la esencia del concepto. Con la desproporción y la paradoja, María es tan joven que no tiene ninguna sacralización de la forma. El trabajo no marca los conceptos cristianos, pero el final de la presunción de que el artista mediante la inversión de la perspectiva de que pudiera crear una belleza nunca antes descrita.

Contemplar las curvas que describe la piedra de la Madonna con un Cristo, en su mármol blanco, si seguimos dando la vuelta a la estatua, es como asistir a una especie de viaje emocional. Esto indica que fue una obra absolutamente personal, irrenunciable, intransferible, producto de su relación definitiva con su muerte y trascendencia: representa su concepción última de los alcances del arte para captar el final y la finalidad del hombre.

Esta Piedad muestra a Cristo, pero ahora ya no está muerto sino es ya un cadáver que, para Miguel Ángel, es el cuerpo de la revelación. La revelación es doble, del destino terrenal y del destino trascendente. La rudeza que se aprecia en el rostro y en el cuerpo casi esquelético de Cristo dan a entender que la carne está disolviéndose o desintegrándose: los tejidos vivos ya no lo existen, ahora ya se están macerándose. Poseedor de una delgadez extrema, con despojos de músculos y tejidos, apenas se sostiene sobre sus pies que cuelgan de las piernas, parece como que empieza a ascender hacia los cielos superando la ley de gravedad.

Castello Sforzesco de Milán

¡Ahora sí!, damos por finalizada la visita al Castello Sforzesco, entre las salas que no hemos podido ver se encuentra la sala de Bramantino con la exposición de los tapices de Trivulzio donde se representan los doce meses del año; el museo de fotografía; museo de instrumentos musicales; museo arqueológico, etc.

Salimos por la puerta principal del castillo y enfrente tenemos la fontana del Castelo, fue construida en la época de Musolini y recientemente ha sido restaurada.

Justo enfrente esta una de las arterias principales, la vía de Dante que nos conducirá directamente ante el Duomo de Milán. Se ha convertido en calle peatonal donde se suceden las tiendas comerciales más exclusivas internacionalmente. Los edificios son neoclásicos de principios del siglo XX, por la ancha calle convertida en avenida discurre numerosos turistas. La zona peatonal termina en unos cientos de metros, justo cuando nos cruzamos con la via Miravioli, está zona parece hacerse convertido en un gran nudo de comunicaciones, esta de la plaza de Cardusio nos recuerda enormemente a nuestra vecina Lisboa porque es atravesada por numerosas líneas de tranvía que utilizan vagones del siglo pasado y otros que parecen del próximo siglo. Ya los pináculos del Duomo aparecen en el cielo a través de la via Mercantile que pasa a convertirse nuevamente en calle peatonal.

Plaza Duomo de Milán

La plaza de Duomo es el epicentro de la ciudad, nos paramos un minuto para admirar la catedral desde la plaza o desde las calles circundantes es una experiencia muy hermosa, pues su grandeza e imponencia, unido a sus excesivos detalles góticos la hacen una de las catedrales más hermosas del mundo. En el centro se encuentra la estatua ecuestre levantada en 1896 con la estatua del Rey Víctor Emmanuel. Ante nuestros ojos aparece uno de los edificios más importantes y hermosos de la ciudad de Milán fue construido entre 1864 y 1867 y alberga la Galería Víctor Manuel II, los edificios que abrazan a ambos lados la catedral están dispuestos sobre galerías porticadas.

A petición de nuestros acompañantes marchamos hacia la Via Torino 13 donde se encuentra la nueva tienda abierta recientemente de Victoria Secret. En su interior todo el lujo y dinamismo, en pequeño, de las tiendas de franquicia internacionales , está solamente vende perfumes, accesorios y alguna prenda femenina, que hace las delicias de los más jóvenes del grupo.

Después de las compras regresamos sobre nuestros pasos hasta la plaza del Duomo donde nos adentramos en el edificio más mediático y turístico de la zona en la Galería Víctor Manuel II. Entre dos grandes arcadas entramos en una calle cubierta donde se agolpan las mesas de las terrazas de los cafés que se abren camino entre las tiendas más exclusivas de ropa: Versace, Louis Vuitton, Prada, Gucci, Armani. En el centro hay una plaza octogonal que convierte la galería en una intersección entre cuatro calles con una cúpula metálica y acristalada; el piso es de mosaicos, justo en el centro, hay un mosaico con el emblema de la Casa Saboya. A los lados, siempre en mosaicos, están representadas, las cuatro ciudades que han sido capital del Reino de Italia: el toro de Turín, la loba de Roma, la azucena de Florencia y la cruz roja de Milán.

Galería Víctor Manuel II de Milán

El mosaico de la ciudad de Turín tiene un agujero en medio, es el punto de reunión de los turistas que según la tradición, si se hace un giro completo sobre los testículos del toro, apoyando solo el talón de un pie, se asegurará un futuro regreso a Milán.

En las fachadas se pueden ver estatuas de artistas y científicos italianos, mientras que debajo de la cúpula central hay mosaicos que representan cuatro partes del mundo: Europa, África, América y Asia.

Un poco más adelante llegamos al Teatro de La Scala es uno de los espacios musicales más importantes del mundo, donde durante más de 250 años ha sido el principal punto de referencia a nivel mundial para las mejores operas, lírica, ballet y conciertos de música clásica; En él han cantado las mejores voces: Luciano Pavarotti, María Callas, José Carreras, Monserrat Caballé, Plácido Domingo, Tito Gobbi y hasta Marilyn Monroe. Tiene una curiosidad es que todas las funciones tienen que terminar antes de las doce de la noche.

Monumento a Leonardo da Vinci de Milán

Pensamos dejar para otro momento la visita al Museo del Teatro de la Scala por falta de tiempo. La verdad que tiene que ser interesante y más si tienes suerte de que no haya representación o ensayo entonces puedes visitar el propio escenario.

Enfrente del teatro se encuentra la Piazza della Scala, en su centro se levanta el memorial con la escultura dedicada a Leonardo da Vinci, fue levantada en 1872, obra del escultor Pietro Magni, en la base del monumento se representan los cuatro principales discípulos del pintor: Cesare da Sesto (en lado norte), Marco d'Oggiono (en el lado oeste), Giovanni Antonio Boltraffio (en el lado Sur), Andrea Salaino (en el lado este).

La noche se apodera rápidamente de la ciudad y decidimos volver hacia la plaza del Duomo para coger el metro para regresar al área de autocaravanas. EL precio del billete es de 1,5 euros, cogemos la línea amarilla con las estaciones de: Turati, Republica y Centrale FS, allí hacemos trasbordo a la Estación Central de Milán donde cogemos el ferrocarril de cercanías que nos lleva a nuestro destino en estación de Bovisa.

 

Este blog se ha divido en 3 partes, continua en:

Blog por Italia Parte II
Blog de viaje por Italia en Semana Santa, Parte II
Blog por Italia Parte II
Blog de viaje por Italia en Semana Santa, Parte III
   
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