Reino Unido
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BLOG DEL VIAJE POR INGLATERRA Y ESCOCIA PARTE I, POR A. LÓPEZ
 
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INTRODUCCIÓN

Este año teníamos preparado el viaje soñado del verano para visitar Italia pero las temperaturas que hemos sufrido durante todo el verano nos desanimo la visita a ese país. En mente teníamos como alternativa otro de los países que tienen un clima más fresco en verano, se trata del Reino Unido.

Reino Unido

Sobre el Reino Unido no hay nada más que mala prensa para viajar en autocaravana, lo primero que nos echa para atrás es la conducción por la izquierda, es verdaderamente un handicap, luego el trato que tienen sobre las pernoctas por libre con una legislación muy restrictiva que impide los movimientos de las autocaravanas, también el tipo de cambio de libras a euros que aunque oficialmente es de 1,37 euros pero en la practica ha supuesto 1,60 euros por libras.

Con todos estos datos empecé a mirar que posibilidades había de pasar un verano en el Reino Unido y no morir en el intento. Las recomendaciones de Internet es que te hagas socio de los numerosos clubs que facilitan la elección de camping, granjas, visitas a museos, etc. La verdad es que este tipo de recomendaciones no encaja mucho con nuestra forma de viajar en autocaravana.

La primera decisión corresponde con la elección del trayecto y donde coger el ferry, nos decimos por los precios que no compensa económicamente la salida desde cualquier puerto de España. Simplemente ponemos en el buscador “ferry Calais-Dover” y te salen todas las opciones.

En los siguientes días entro en internet para ver los precios y veo que día a día según se acerca la fecha elegida los precios suben como la espuma, hasta que una semana antes del viaje y me digo ¡Basta ya!....cojo la tarjeta de crédito y compro dentro de las fechas que tenemos pensado y en los horarios más económicos; la ida es a la 1 de la madrugada y el regreso es a las 17,45 horas, según he leído la compañía DSFS tienes la posibilidad de coger el anterior o el posterior sin penalización, en total pago 160 euros ida y vuelta, dos adultos, dos niños y la autocaravanas. Esto de llevar ya marcados los itinerarios no va mucho con la forma de viajar en autocaravana pero desgraciadamente no queda otra, salvo que no saques los billetes anticipadamente en internet y en el puerto se dupliquen los precios.

Reino Unido

Con respecto al tema de los campings, nosotros no renunciamos a dormir en este tipo de instalaciones siempre que sea la mejor alternativa, y además, cuando el precio y calidad se corresponden con nuestras necesidades. En el Reino Unido hay dos tipos de clubs campistas que son incompatibles, The Caravan Club, y otro The Camping Caravanning Club, unos campings están afiliados a uno de ellos y otra parte al otro, dicen que no es imprescindible ser de un club para poder visitarlos, aunque si eres del club patrocinador del camping tienes una bonificación y en otros casos hay campings que solamente es para socios del club correspondiente. Como no sabemos que campings vamos a visitar, como no sabemos si entraremos en algunos pues decidimos no hacernos socios de ninguno de estos clubs y si en alguna ocasión decidimos entrar en alguno, pues ya tomaremos las decisiones según correspondan, la mayor preocupación corresponde con el camping Crystal de Londres pero no tenemos decidido si es la mejor opción para la pernocta en Londres.

También hay otras muchas recomendaciones sobre el tema de la pernocta para hacerlas en granjas y en sitios previamente acordados, se necesita también ser miembro de algún un club campista que lleva a cabo esa iniciativa, como tampoco tenemos claro que vayamos a necesitarlo, ni conocemos donde se encuentran situados, decidimos no secundar esta recomendación.

Reino Unido

En el tema del transporte: metro, bus, ferrocarril, principalmente nos afecta en la visita a Londres, conocemos que numerosas alternativas de empresas que ofrecen descuentos a cambio de un pago inicial, pero de antemano no sabemos cuantos días estaremos en Londres, decidimos que cuando lleguemos allí nos informaremos de cual es la mejor alternativa y los mejores precios.

Finalmente, para hacer las visitas a los monumentos nacionales hay dos tipos de tarjetas con un pago inicial, la que cubre la parte de Gran Bretaña y otra que cubre los monumentos de Escocia, las dos son incompatibles, como no tenemos claro que cantidad de monumentos vamos a visitar y en que zona del país pues decidimos no solicitar ninguna de las dos tarjetas.

Y nos queda aparte el tema de la visita a Londres y su zona de influencia, en principio solamente vamos a visitar la ciudad cuatro días, los dos primeros los dedicamos con mayor atención a los dos grandes museos Nacionales que son ambos gratuitos, por lo que a lo sumo nos quedaría tiempo cada día para visitar un segundo monumento y este de pago por lo que optamos de pagarlo directamente en caja sin tener que haber desembolsado un dinero que luego no sabes si saldrás beneficiado.

En definitiva, vamos a visitar el Reino Unido de la forma más libre posible, solamente tenemos como ataduras los billetes del barco con fecha y hora marcada entre Calais y Dover, el resto, incluida la pernocta, la decidiremos sobre la marcha.

Itinerario del viaje

EL VIAJE

Día 30 de julio (jueves)

Ruta: Madrid-Burdeos Km 684; tiempo estimado 7h38 '

Partimos desde Madrid a las 13,30 horas por la A-1 , en el kilómetro 135 paramos a comer en un área de descanso que otros años antes la habíamos utilizado, se trata del área de descanso en la autopista, corresponde con el parking del hotel restaurante las Campanas, en otro tiempo era un sitio precioso con muchos árboles, ahora solamente quedan unas mesas y sillas para poder comer, pese a todo indico las coordenadas por si es necesario parar: N 41.48010 // W 3.69129.

Área de descanso las Campanas

Continuamos el viaje, durante el trayecto solamente hacemos otra parada hasta poco antes de la frontera para hacer un último descanso y llenar el depósito de combustible en la estación Cepsa, indico también las coordenadas porque me parece interesante salir con el depósito de combustible totalmente lleno desde España: N 43.3620 // W 1.85220 .

Pasada la frontera francesa realizamos la siguiente parada para cenar en un área de servicio con gasolinera, dispone estación para el vaciado y llenado para autocaravanas, es una buena opción porque no es necesario hacer el viaje con el depósito de agua totalmente lleno cuando aquí tenemos la oportunidad de llenar agua potable y vaciar. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 43.93511 // W 1.09091 .

Paisaje al paso por la provincia de Burgos

Nos quedan poco más de 125 Km. para pasar la noche en nuestro primer destino, se trata de la ciudad de Burdeos, donde llegamos pasadas las 23,30 horas.

Desde mi ventana parking Burdeos (Francia)

El parking para autocaravanas en la ciudad de Burdeos (Francia) se encuentra situado en la zona Le Lac, en el centro comercial Auchan, aunque el lugar es muy grande y tiene varios aparcamientos nosotros nos quedamos siempre en el mismo sitio. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 44.87804 // W 0.56594 .

El aparcamiento lo utilizamos todos los años tanto para la subida como para la baja, generalmente nos ponemos en la zona del taller de automóviles de Norauto. Este año tenían todo el parking del centro comercial completamente apagado, excepto la zona que he citado.

Día 31 de Agosto (viernes)

Ruta: Burdeos-Calais-Canterbury Km. 870; tiempo estimado 8h38'

La noche la hemos hecho muy tranquila pero nada más amanecer empieza algunos ruidos: la máquina de la limpieza, los mozos situando los carros y los primeros coches que llegan a las 8,00 de la mañana.

Paisaje de Francia

Como siempre que pernoctamos en este lugar entramos en el hipermercado Auchan para hacer algunas compras de productos franceses y de esta forma agradecer que nos hayan permitido pernoctar en el parking, nos gastamos en la compra 30,01€.

Antes de salir aprovechamos para completar el depósito del vehículo porque los precios de los combustibles de este lugar son magníficos 1,077€ gazole. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N44.88279//E0.56351.

Hoy es uno de los días más complicados del viaje porque tenemos que cruzar toda Francia de un tirón. Durante el primer tramo del viaje paramos cada 200 Km. para evitar el cansancio. La cosa se complica para cruzar París porque nos encontramos con múltiples atascos, tardamos más de 2 horas en cruzar la ciudad de un extremo a otro. La perdida de este tiempo nos impide llegar al puerto de Calais con la suficiente anticipación para salir en el barco de las 23,00 horas.

Antes de acudir al puerto del ferry hacemos el último llenado de gasoil, en este caso entramos en la estación B-P Calais a unos precios bastante bajos, para lo que estamos seguros nos depararan en el Reino Unido. Las coordenadas GPS de la gasolinera BP en Calais N 50.93797 // E 1.88187 . El precio es de 1.214€ litro.

Puerto de Calais ( Francia )

A las 23,00 llegamos al puerto de Calais, directamente nos acercamos a la garita de la policía francesa del puerto pero no quieren saber nada de nosotros, más adelante hay otra inglesa, estos nos piden los D.N.I. y los billetes, más adelante pasamos un control con una linterna, hasta llegar a la caseta de check-in de la compañía DFDS Seaways , nos dan la tarjeta de embarque y la línea donde nos debemos colocar a la espera del barco. Las coordenadas GPS para llegar al puerto de Calais (Francia) son: N 50.96688 // E 1.869933.

Esperamos en la línea de salida hasta casi las 0,30 a.m., llega el barco y desembarcan rápidamente el pasaje y enseguida subimos. Nos toca subir por la parte alta, sin hacer mucha maniobra nos sitúan en la bodega.

Realmente ha sido muy fácil la primera prueba para poder llegar hasta el Reino Unido, el puerto de Calais esta súper organizado y entrar en el barco es tan sencillo como hacerlo en el garaje de tu propia casa. Si quieres saber más puedes ver un vídeo realizado durante la maniobra de embarque, puedes verlo en youtube en el siguiente cuadro:

Embarque en el puerto de Calais (Francia)

Nada más acceder veo un cartel que dice que DFDS Seaways ofrece un cambio durante el mes de julio de 1,39 euros por libra, me parece un buen precio. Me dirijo a la oficina de cambio, había leído que el cambio en el barco era el mejor cambio durante de todos los posibles, intento cambiar 500 euros y me saca unos sobres con 50 euros en bolsas de plástico individuales, los abro uno a uno, cuando veo que en la pegatina indica 50 euros por 30 libras y en pequeño 1 libra 1,66 euros., Le indico que eso no corresponde con la publicidad de la compañía, parece que esa publicidad solamente es aplicable para los productos de la tiendas. Total pretenden llevarse 0,24 euros por libra, no pondré el adjetivo. Pues lo siento, solamente quiero 300 euros, para tener cambio nada más llegar, me devuelve 200 euros. La verdad tenía que haber dejado sus libras en el mostrador y sus bolsas abiertas con el dinero. Vaya no hemos llegado a la Gran Bretaña y tenemos el primer percance.

Embarque en el puerto de Calais ( Francia )

Pues quedas advertido, los barcos de la compañía DFDS Seaways no es el mejor sitio para cambiar euros por libras en tu viaje al Reino Unido.

Llegamos a las 2,30 a.m. a Dover, aunque el Reino Unido para sentirse diferente en casi todo lleva una hora menos, colocamos los relojes a las 1,30 euros.

Se abre la puerta del barco y enseguida salimos. Tenemos puesto dormir en el paseo Marítimo de Dover, la combinación de la noche y circular por la izquierda no es muy prometedora.

Nos equivocamos de salida en la primera de la rotondas y como lo hemos hecho muy bien por la izquierda pues decidimos continuar hasta Canterbury, nos separan 16 km. Ponemos las coordenadas que tenemos de referencia del área de autocaravanas.

La segunda rotonda también la hacemos por la izquierda siempre ayudados por María, nuestra voz del Tom-Tom. En las rectas también sabemos conducir por la izquierda pero con tanta precaución que detrás nuestro llevamos en fila india todo el pasaje del barco.

Llegamos a Canterbury y enseguida vemos la señal de P & R para autocaravanas, en la puerta hay tres o cuatro esperando que abran y ocupan todo el espacio disponible, intentamos entrar pero la máquina no abre la barrera. Imaginamos que el área está completa; no tenemos más referencias para pernoctar en la ciudad.

El área para autocaravanas en la ciudad de Canterbury (Reino Unido), indica que el autobús es gratuito con el ticket del parking y que la línea que hay que coger es: New Dover Road+ParkandRide. Las coordenadas GPS de lugar corresponden con: N 51.262402 // E 1.102385 .

Es muy tarde y estamos súper cansados, fugazmente como un espejismo vemos una señal de parking con la forma de una autocaravana y acudimos salvados al Parking. Las coordenadas GPS del parking para autocaravanas en la ciudad de Canterbury (Reino Unido) corresponden con N 51.28388// E 1.08356 . El precio es de 15 libras por 12 horas.

Día 1 de Agosto (sábado)

Ruta: Dover-Canterbury-Windsor-Londres Km. 28 tiempo 0.26; Km. 98 tiempo 1h24

Ciudad de Canterbury (Reino Unido)

Canterbury es una ciudad que conocíamos de nuestro anterior viaje, esto hace más de treinta años, nada tiene que ver con la ciudad que en estos momentos se presenta ante nuestros ojos. En el recuerdo solamente nos queda la imagen de la súper catedral y la de alguna casa con las puertas de entrada deformadas, decían que las hacían así para evitarse el pago de impuestos porque se pagaba por metros de fachada que tuviera puerta de salida a la calle y al tener esas formas decían que no eran puertas eran ventanas.

En la actualidad Canterbury pertenece al condado de Kent tiene poco más de 40.000 habitantes por lo que estamos ante una ciudad relativamente pequeña y fácil de descubrir. En estos momentos es una de las ciudades más turísticas de Inglaterra principalmente por la visita a su catedral que ha sido testigo de numerosos e importantes eventos históricos.

Lo primero que hacemos nada más levantarnos es familiarizarnos donde hemos pasado la noche, a nuestro lado han estado cuatro autocaravanas que nos han acompañado, ninguna de ellas a puesto ticket, por lo que no sabemos exactamente si era estrictamente necesario sacarlo, aunque nosotros lo hemos hecho. Las indicaciones del parquímetro parecen no hacer excepciones, indicaba 15 libras por 12 horas para las Motorhomes.

Puerta de la Catedral de Canterbury (Reino Unido)

El parking se denomina Northgate Car Park, tiene una zona limitada para autocaravanas, otra para autobuses turísticos y se encuentra al lado del parking perteneciente al centro comercial Sainsbury's.

Siguiendo las indicaciones llegamos a la calle Palace St. Entramos en las calles más antiguas de la ciudad y la arquitectura de las casas son con entramados de madera y los comercios en esta parte de la ciudad son muy diferentes. Enseguida llegamos a una plaza donde se halla la puerta a la Catedral.

La Christ Church Gate fue construida en 1517 en recuerdo del Príncipe Arturo, hermano mayor de Enrique VIII que había fallecido en 1502, y que con su muerte propició que este último llegara a ser rey de Inglaterra.

La Gate tiene una gran decoración tallada en la piedra, si bien este pórtico, es una excelente muestra de cómo era la antigua arquitectura normanda, aunque en la actualidad ha sufrido muchos cambios con respecto al diseño original.

El horario de visita a la catedral es de 9,00 a 17,30 horas, la visita a la cripta tiene un horario especial de 12,30 a 14,30 horas, el precio es de 31 euros, para el ticket familiar dos adultos y dos niños.

Ábside de la Catedral de Canterbury (Reino Unido)

La catedral corresponde su administración al arzobispo de Canterbury, se trata del primado y líder religioso de la iglesia Anglicana. Su título formal en inglés es: Cathedral and Metropolitical Church of Christ at Canterbury .

El primer arzobispo de la catedral fue San Agustín quien antes había sido el abad de la Abadía benedictina de San Andrés en Roma, enviado a Inglaterra por el Papa Gregorio Magno, llegando a la isla en el año 597.

La catedral fue construida en dos fases, la primera abarca desde 1070 hasta 1184, la segunda desde 1378 a 1498, fecha en que fue terminada la Torre de la Bell Harry levantada en el crucero de estilo gótico y que domina los cielos desde toda la ciudad.

La fachada está abierta por un ventanal de tracerías caladas y flanqueada por dos torres con contrafuertes. La portada se construye en 1425 con una imponente decoración. Se levantan dos transeptos, uno es gótico y el otro es románico.

El interior, la planta se divide en tres naves de 170 metros de una belleza inusitada, obra maestra del estilo arquitectónico que se llamo gótico perpendicular ingles –debe su su nombre a su característico énfasis en la línea recta; también se lo conoce como estilo Rectilíneo – donde la nave central esta abierta por altos y estrechos arcos ojivales entre pilares fasciculados que se disponen en forma de abanico al llegar a la bóveda.

Cripta de la Catedral de Canterbury (Reino Unido)

Desde el transepto se baja a la cripta donde se puede ver una planta con cinco naves, es la mayor de toda Inglaterra, su construcción obedece al primer periodo normando con unos capiteles figurados. El centro está rodeado de una verja gótica donde se encuentra la capilla Our Lady Undercroft que contiene algunos elementos del siglo IX, esta presidida por la estatua de Nuestra Señora, es de bronce y representa la Virgen en el trono. Al lado hay otra capilla que se llama Black Prince Chantry, fue mandada construir por el Príncipe Negro en el siglo XIV, es estilo románico y fue construida en agradecimiento a la dispensa papal para que el príncipe pudiera casarse con su prima Joan, también conocida como la criada de Kent. En la nave de la derecha hay dos capillas la Temple Chapel y la St. Gabriel 's Chapel, de estilo normando, con planta de dos naves decorada con frescos en la pared del ábside, han llegado a nuestros días porque la zona estaba tapiada a finales del siglo XII –quizás para proporcionar un lugar de escondite para los restos de Thomas Becket, pero más probablemente por razones puramente estructurales– fue abierto a los ojos cuando se abrió en 1879. Toda la pared fue demolida en la década de 1950, y una importante restauración tuvo lugar en la década de 1990. Estas pinturas sin duda deben ser clasificadas entre los mejores ejemplos del arte europeo occidental del siglo XII.

Frescos de la cripta de la Catedral de Canterbury (Reino Unido)

Entre los frescos podemos ver a seis Serafines alados con ojos adicionales, sus alas están colocadas sobre una rueda para poder desplazarse a su antojo. Cerca podemos a San Zacarias a la edad de 80 años, el santo se quedó mudo – la parte superior de la cabeza de Zacarías falta – pero él está señalando claramente a la boca para indicar que no puede hablar. En el centro de la bóveda se puede ver la cabeza de Cristo con nimbo, esta muy dañado pero se aprecian los detalles en los rasgos faciales y el vestido con la túnica, joyas, y la estola. En la parte inferior izquierda se aprecia la figura sentada de Juan Evangelista.

En la nave izquierda de la cripta hay otras dos capillas de estilo normando: la St. Nicholas Chapel y la Holy Innocents Chapel con dos naves separadas por pilares salomónicos y capiteles decorados. La capilla de la cabecera Jesús Chapel, tiene tres naves y conserva antiguas decoraciones y dos columnas sajonas del siglo VII.

Subiendo nuevamente al transepto noroeste de la catedral estaremos donde discurrió un importante hecho histórico el 29 de septiembre de 1170, unos guardias oyeron por casualidad al rey Enrique II de Inglaterra diciendo «¿Quién me librará de este sacerdote indiscreto?» después de que tuvo un enfrentamiento con Becket. Los guardias tomaron la frase literalmente y en la misma catedral fue apuñalado Thomas Becker, una piedra indica el lugar donde el arzobispo cayó muerto.

Lugar donde murió Becket en la Catedral de Canterbury

Ese día al propio Becker le acompañaba Edward Grim que contó así su relato de la muerte de Arzobispo: … “un caballero malvado saltó repentinamente sobre él, cortando la parte superior de la cabeza lugar donde recibía la unción como santo que había dedicado a Dios. Después recibió un segundo golpe en la cabeza, pero aún así se mantuvo firme e inamovible. En el tercer golpe cayó de rodillas y apoyó los codos en el suelo, ofreciéndose a sí mismo en un vivo sacrificio, y diciendo en voz baja: “Por el nombre de Jesús y la protección de la Iglesia, estoy dispuesto a aceptar la muerte”. Pero el tercer caballero infringió una terrible herida mientras yacía postrado. Por este movimiento, la frente se separo de la cabeza de una manera tal que lo blanco del cerebro y la sangre tiñó el suelo de la catedral. La misma persona que había entrado con los caballeros se coloca a los pies del santo sacerdote, dispersa el cerebro y la sangre sobre el pavimento, gritando a los demás, “Hagamos un hueco, caballeros; este hombre nunca se levantará más”…

Si circulamos por el brazo del transepto encontramos la capilla de St. Michael's Chapel, fue construida en 1439, en el interior tiene el sarcófago del arzobispo Stephen Langton (1228). El personaje entre en la historia británica porque ante su presencia se firma la carta magna inglesa.

Coro de la Catedral de Canterbury

En el centro de la capilla se encuentra la tumba de Lady Margaret de Holanda, era una descendiente de Joan de Holanda, esposa del Príncipe Negro, la obra de Richard Beke. Lady Margaret está flanqueado por las figuras de sus dos maridos. A su izquierda está Beaufort conde de Somerset y en su derecha, con los pies supuestamente descansando sobre una copia de su perro, está Tomás, duque de Clarence.

La nave de Canterbury tiene un estilo variado como consecuencia de su edificación durante varias épocas y estilos medievales ingleses. Conserva muchas partes de la obra primitiva románica-normada de Lanfranco y San Anselmo. En el centro de la nave esta el coro es una obra maestra de Guillaume de Sens en el siglo XII. Fue construido en el periodo de transición del románico normando al gótico primitivo inglés, aunque esencialmente tiene un carácter francés; tiene arcos ligeramente apuntados y bóvedas de crucería.

La nave mayor fue reconstruida en tiempo del prior Chillenden, a finales del siglo XIV, y pertenece al periodo del segundo gótico inglés, llamado también gótico florido, y, por fin las torres pertenecen al tercer gótico inglés, que se llamo flamígero en el continente europeo y en Inglaterra se llamo gótico perpendicular. Con todas estas mezclas de estilos no se logra mantener la unidad espiritual que por el contrario si conseguían las catedrales francesas.

En Canterbury no predomina ni el gótico primitivo, ni el gótico florido, ni el gótico perpendicular, sino todo lo contrario, cada una de las distintas partes ha de analizarse por una construcción separada sin que todas ellas formen un conjunto.´

Canterbury necesita más que nunca brillar porque vive momentos muy convulsos debido a la Reforma en tiempos de Enrique VIII, que logró devastar lo que pudiera recibir de veneración religiosa. En pocos lugares de Inglaterra el furor antirreligioso inconoclástico se ensañó tanto como en Canterbury, donde reliquias, sepulcros e imágenes fueron arrasados sin piedad. Entre los pocos sepulcros que se respetaron pertenecían a personajes laicos, el más importante fue el príncipe Ricardo, llamado el Príncipe Negro. Con su arrojo, tenía solamente 16 años, hizo decisiva la batalla de Cressy, donde cayó gravemente herido. Diez años después con solo 8.000 hombres vencía en Poitiers a un ejército que le multiplicaba por 10 y hacia prisionero al rey de Francia.

Tumba Enrique IV de la Catedral de Canterbury

Subiendo los escalones laterales del altar mayor se entra a la Trinity Chapel , es una obra maestra de William el inglés, sucesor de Guillaume de Sens que murió al caerse de un andamio en la propia catedral, fue construida en honor de Becket. Tiene forma elíptica con columnas pareadas de mármol. Esta iluminada con bellas vidrieras que ilustran los milagros del santo. La tumba de Becket se encuentra señalada por el Altar of Swords Point, antes de ser destruida por orden de Enrique VIII en 1538, ya que el culto a Becket cuestionaba la supremacía del Rey en cuestiones eclesiásticas. Detrás del altar se encuentra la Cátedra de San Agustín, del siglo XII, es un trono de mármol de Purbeck utilizado en la coronación de los arzobispos.

La tumba de Tomás Becket añadió una fama a la catedral y unos ingresos fabulosos por las limosnas que llevaban de peregrinaje. El sepulcro de Becket, desde sus primeros días, se caracteriza por los milagros que le daban publicidad, durante tres siglos fue visitado con tanto devoción como se hacia para ver los sepulcros de los apóstoles en Roma o la de Santiago en Galicia.

Pegado, entre las numerosas tumbas, esta el sepulcro en alabastro de Enrique IV (1413) y su mujer Juana de Navarra (1437). Los restos de Enrique IV son el único monarca inglés que se encuentra enterrado en la catedral de Canterbury. Parece extraño en estos días que esta solitaria tumba donde descansa el rey y su esposa fuesen enterrados aquí en lugar de la Abadía de Westminster junto con la mayoría de todos los demás reyes ingleses. Sin embargo, hay que recordar que cuando Enrique IV murió en 1413, este punto en particular de la catedral, justo al lado de la tumba de Santo Tomás Becket, era uno de los lugares más sagrados en el mundo cristiano.

Vitral muerte Becket de la Catedral de Canterbury

Más tarde, en el siglo siguiente, y después de Enrique VIII creara “La Iglesia de Inglaterra”, se produjo el saqueo de todos los monasterios por sus riquezas, incluyendo la destrucción total de la tumba de Santo Tomás Becket, la razón para el entierro de Enrique IV en este lugar se convierte en un importante hecho histórico que la tumba del rey no se sacará de la catedral.

Queda todavía en el suelo de la catedral de Canterbury la marca en el pavimento del lugar que ocupaba el sepulcro de Becket, pero no se han conservado ni dibujos ni pinturas de su verdadero aspecto. Se sabe que era un pequeño edificio-relicario riquísimo, aislado en el centro de la nave.

Durante la vida de Enrique IV le dijeron los adivinos que iba a morir en un viaje a Jerusalén. Entonces Enrique IV pensó que eso era fácil de evitar, canceló cualquier viaje a Tierra Santa. Dio la casualidad de que estaba gravemente enfermo en una visita a la Abadía de Westminster y se echaron las culpas de la enfermedad porque en una de las capillas laterales tenia el nombre de Capilla de Jerusalén.

Cuando el cuerpo muerto de Enrique IV fue llevado de Londres a Canterbury, el traslado se hizo en barco por el río Támesis hasta Faversham y de allí a Canterbury para ser finalmente enterrado. Una leyenda decía que durante el viaje, antes de llegar a Faversham, se levantó una tormenta tan violenta que el cuerpo de Enrique se tiro por la borda para aligerar la carga. Finalmente, el 21 de agosto 1832 a las órdenes del Deán de la catedral y del Cabildo, la tumba fue abierta para probar si verdaderamente estaba Enrique en su tumba de la Catedral o descansaba en los fangos del río Támesis. Cuando se abrió el extremo superior del ataúd de plomo de Enrique y se apartaron la mortaja, apareció el rostro del Rey, todavía luciendo su barba de color rojo.

Detrás del altar se encuentra en el ábside central la llamada “Capilla de la Coronilla ”, fue llamada así porque alberga la coronilla de Santo Tomás, que se desprendió mientras era martirizado.

Tumba Príncipe Negro de la Catedral de Canterbury

Las vidrieras de la capilla son del siglo XIII y se llama de la Redención , muestra escenas, de arriba a bajo, la Crucifixión , el enterramiento, la Resurrección , la Ascensión en el panel con forma de diamante muestra los pies de Jesús ascendiendo al cielo y abajo termina con la vidriera de Pentecostés. Son escenas de Nuevo Testamento, a los lados se tratas escenas de Viejo Testamento, como el racimo de uvas de Escol –príncipe que vivía en Hebrón, que se unió a Abraham persiguiendo al devastador de Sodoma–, bajo la crucifixión. Relata como los espías enviados a Palestina por Moisés para ver si la tierra era fértil, volvieron con un racimo de uvas.

Un poco más adelante podemos ver la Tumba del Príncipe Negro, es una hermosa tumba medieval, su nombre era Eduardo Príncipe de Gales, murió en 1376. Fue realizado con una efigie dorada echa con latón, una aleación de cobre, zinc, plomo y estaño, que muestra un hombre con una armadura completa incluyendo guanteletes y yelmo, con los estribos que gano en la batalla de Crecy, y a los pies su fiel perro. Los escudos de la tumba se incluyen, por primera vez, las tres plumas de avestruz, símbolo de la paz, cuyo nombre eran “las plumas del Príncipe de Gales”. El príncipe al morir dejo unas detalladas instrucciones funerarias que se siguieron excepto el que le enterraran en la cripta, se juzgo más adecuado situar la tumba lo más cerca posible de la tumba del santo Tomás Becket.

Linterna de la Catedral de Canterbury

El Príncipe Negro parecía haber tenido un largo y estrecho contacto con la ciudad de Canterbury y su catedral. Se sugiere, aunque una realidad no probada, es que el Príncipe fue educado por el entonces prior del Monasterio.

En la parte sur del deambulatorio se encuentra la tumba románica del arzobispo Hubert Walter, llamado el cruzado. La tumba no tiene ninguna efigie, solamente la tapa esta a dos aguas y tiene una serie de cabezas talladas, cuatro en el lado norte y una en cada extremo, cada uno dentro de un trébol de cuatro hojas dentro de un rombo, y unidos por molduras circulares.

Hubert Walter, fue el predecesor de Stephen Langton, murió diez años antes de la firma Carta Magna inglesa. Sin embargo, su mandato como arzobispo estableció una gran parte de los artículos de la Carta Magna. Hubert Walter era un arzobispo conocido por su participación en las cruzadas, tuvo una contribución importante en la creación de las bases de la burocracia política y legal muy parecida a la que ahora ostenta el parlamento Británico. Su importancia se demuestra por el hecho de que él fue enterrado en la capilla de la Trinidad y su tumba se encuentra en el sur de la girola.

Tumba del Arzobispo William Howley en la Catedral de Canterbury

A la derecha se encuentra la capilla de San Anselmo, aunque murió en 1109 sus reliquias tuvieron que esperar hasta 1130 para que se enterraran el la capilla románica de la catedral. En la actualidad tiene un gran altar, fue un regalo de los habitantes de Aosta –en los Alpes italianos–, realizado en mármol de la zona. La vida del santo se representa en las vidrieras realizadas en 1959 por Harry Stammers, fue un regalo del monasterio de Bec donde Anselmo fue prior antes de ser Arzobispo de Canterbury.

A la entrada de la Capilla de San Andrés se encuentra la tumba del Arzobispo William Howley, en realidad es un cenotafio porque su cuerpo fue enterrado en Croupon. La obra fue de Richard Westmacott, la efigie muestra William policromado tumbado y sobre su cabeza la corona.

William Howley fue un personaje controvertido (1766-1848) fue arzobispo de Canterbury desde 1828 hasta su muerte. Ha sido descrito como el último de los Príncipes Arzobispos, controlaba los ingresos de la iglesia, llevaba una peluca y viajó en un carro y seis caballos negros.

Desde el transepto se accede al claustro de la catedral de Canterbury, la bóveda es de nervios gótica están decoradas con claves de escudos, representa la gran variedad de la heráldica desde la edad media. Debajo podemos encontrar tumbas de personalidades asociadas a la catedral. A la derecha hay una serie de bancos tallados con pinturas medievales, a la izquierda se pueden ver las tumbas de los arzobispos. Hay una puerta con una decoración que cuenta el martirio de Becket.

Sala capitular de la Catedral de Canterbury

La sala capitular de la catedral fue construida en 1300 y era el lugar donde el prior leía las reglas de San Benito. Tiene una hermosa bóveda de cañón que parece de piedra decorada pero en realidad es de madera de roble irlandés y su decoración es gótica tardía inglesa. Tiene dos vidrieras de la época victoriana. Es la sala capitular más grande de Inglaterra, fue el escenario de la firma del acuerdo para la construcción del Eurotúnel entre Francia y el Reno Unido entre el primer ministro Margaret Thatcher y François Miterrand.

La torre del agua fue construida por el prior Wilbert en el siglo XII como el centro de abastecimiento de agua del monasterio. La parte superior era un depósito apoyado en columnas románicas con una esmerada decoración.

Volviendo a la catedral se puede ver los arcos decorados del antiguo claustro, a la derecha están los grandes arcos románicos de la antigua enfermería del monasterio.

Finalizada la visita a la catedral podemos diluirnos entre la cantidad de gente que están tumbados al sol y disfrutan del encanto de su fisonomía degustando un tentempié y reposando un merecido descanso.

Nave de la Iglesia de Santo Tomás de Canterbury

Muy cerca vemos la torre de la iglesia de St. Thomas de Canterbury, un cartel a la entrada indica que es una iglesia de culto católico y romano. En su jardín hay una tienda de campaña que esta ocupada por una persona sin techo.

La historia de la iglesia va unida a la Reforma protestante en el siglo XVI bajo el reinado de Enrique VIII momento en que la fe católica en Canterbury desaparecido. La posibilidad de practicar el catolicismo se reestableció en 1750 de la mano del rey Jaime II.

La iglesia de Santo Tomás de Canterbury fue construida en 1874-1875, y fue inaugurada el Martes, 13 de abril 1875, con el cardenal Manning predicando el primer sermón. El arquitecto fue John Green Hall, un hombre local que había diseñado otras iglesias en Canterbury.

El interior es una copia gótica, tiene unos ventanales en el triforio con vitrales diseñados por Edward Pugin. En cada lado del altar hay dos estatuas en los zócalos encima de estas está el relicario que contiene las tres reliquias de Santo Tomás, representan a San Juan Fisher (1469-1535), cardenal obispo de Rochester, y Santo Tomás Moro (1478-1535), ambos sufrieron por negar la afirmación de Enrique VIII para ser cabeza de la iglesia en Inglaterra, y fueron martirizados en julio de 1535

Abadía de San Agustín de Canterbury

Desde aquí marchamos andando hasta llegar a la Abadía de San Agustín, fue fundada por el santo, alrededor del 598 en Canterbury (Inglaterra) para celebrar el éxito de la evangelización del sur de Inglaterra. Los reyes de Kent y los arzobispos de Canterbury están enterrados allí. A partir de la conquista normanda del siglo XI, se convirtió en una abadía benedictina hasta 1538, cuando fue suprimida por el rey Enrique VIII como todos los otros monasterios del país. Después de la disolución, parte del sitio fue convertido en palacio real y utilizado como morada real en los viajes entre Londres y los puertos del sudeste del país.

El lugar, ahora esta todo en ruinas, aunque tiene un pequeño museo donde se puede ver recreado como fue la abadía en su tiempo, está inscrita en la lista del Patrimonio de la Humanidad de la Unesco desde 1988.

La abadía original estaba compuesta por cuatro iglesias o capillas separadas, construida sobre una línea que va de este a oeste. La iglesia principal está dedicada al apóstol San Pedro y a San Pablo, la capilla de Santa María, está más hacia el este y la de San Pancracio está separada de las otras. También hubo una pequeña capilla, cercana a la iglesia principal.

Iglesia de San Martín de Canterbury

Continuamos la visita a la ciudad por la zona que debía de ser los suburbios, es la calle de St. Martín hasta llegar a la iglesia de San Martín de Canterbury. Es la iglesia más antigua de Inglaterra. No está claro si el edificio fue utilizado para el culto cristiano en la época romana o si se trata de un templo pagano convertido más tarde por los cristianos. Tanto la primera reconstrucción de esta iglesia, como su consagración al obispo francés San Martín de Tours, son tradicionalmente atribuidas a la reina Santa Berta, esposa de San Ethelberto de Kent, que reinó a principios del siglo VII.

La iglesia fue construida durante la ocupación romana de Gran Bretaña donde la reina era ya cristiana y propició que el rey se convirtiese al cristianismo.

La nave fue ampliada para atender la demanda sobre la base romana, esta parte de la iglesia se ejecuto con mortero y piedra en lugar de madera, se conoce que parte de la piedra caliza empleada fue traída especialmente desde París. Las ventanas románicas fueron ampliadas más tarde en el periodo sajón y completadas cuando se construyó la torre, la techumbre es a dos aguas de madera.

Vitrales de la Iglesia de San Martín de Canterbury

El interior, se accede por una puerta que discurre debajo de la torre, desemboca en una puerta ojival gótica que nos lleva a la nave. Nada más entrar a la derecha se encuentra la pila bautismal, es una de las reliquias más antiguas de la iglesia, se cree que el rey Etelberto fue bautizado aquí en el año 597. Esta fue construida entre 1155 y 1165 de un puntal de la catedral de Canterbury. Esta labrada en un primer nivel con arcos que cubren toda su circunferencia que imitan un claustro, más abajo, encontramos una decoración simétrica a base de círculos.

En la ventana del norte podemos ver una vidriera que representa a mujeres que ayudaron a difundir la fe, incluyendo la reina Berta y su hija, que convirtió al rey Edwin de Northumbria y fundo la abadía de Lyminge en el condado de Kent.

Si recorres el exterior de la iglesia puedes apreciar fácilmente la parte en que se empleo la técnica constructiva románica. En las esquinas se pueden ver contrafuertes con pilastras planas en estilo sajón.

El jardín de la iglesia esta ocupada por más de 600 tumbas, la más antigua es de 1686 de Thomas Emptage, entre ellas hay personajes famosos de la historia de Canterbury.

Cementerio de la Iglesia de San Martín de Canterbury

Después de la visita a la ciudad regresamos al parking para comer y continuar nuestro viaje camino a la ciudad de Windsor, nos separan 147 Km., en teoría no deberíamos hacer el recorrido en más de dos horas.

Estamos ante la cruda realidad tenemos que hacer frente al reto de conducir por la izquierda y que tendremos que adaptarnos si o si.

Es el momento de poner de manifiesto la ayuda del tom-tom que previamente en el mapa ya te va dibujando por donde debes de ir, en las rotondas te indica suficientemente la dirección a tomar y el sentido de la marcha. Los primeros kilómetros son de puro nerviosismo pero pronto nos damos cuenta que con prestar un poco de atención sale casi naturalmente. Enseguida me percato que la velocidad de las señales no corresponde en kilómetros hora, porque marca 30 y llevó detrás una fila importante, un poco nerviosos, me digo, algo no funciona y me imagino que es la velocidad porque debe de estar indicada en millas hora. Esto lo puedo ratificar cuando llego a la autopista e indica 70 y el tom-tom me dice que el límite de velocidad es 110, entonces caigo que son millas hora.

Hemos elegido la ciudad de Windsor como plataforma para hacer la visita a la Londres , es quizás una cabezonada para evitar los campings, en la medida de lo posible durante el viaje por la Gran Bretaña.

El parking situado en la ciudad de Windsor se llama “Parking Alexandra Garden”, se encuentra en el centro de la ciudad y no tiene ningún inconveniente legal para poder estar las 24 horas, tiene un precio de 6 euros. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N51.48410//W0.61502.

Ciudad de Windsor (Reino Unido)

La noche en el parking es algo ruidosa en algunos momentos se escucha las entradas y salidas de los trenes, también el despegue de algún avión del aeropuerto cercano.

Día 2 de agosto (domingo)

Ruta: Londres

Estación de Windsor an Eton Reverside (Reino Unido)

Nada más levantarnos salimos en dirección a la estación de tren “Windsor and Eton Riverside”, esta la línea de tren que termina en la estación Waterloo (Londres), es la entrada más importante de comunicaciones de los trenes que llegan a Londres y que nos acerca más a los monumentos que queremos visitar.

La ciudad de Windsor dispone de otra estación de tren “Windsor and Eton Central” con final de línea en la estación en Paddington (Londres), tarda un poco menos en llegar, hay que hacer un transbordo, pero además, te deja un poco más alejado del centro de Londres.

Desde el parking tardamos poco más de 10 minutos en llegar a la estación Windsor and Eton Riverside, sacamos los billetes en la taquilla, pedimos 2 adultos y dos niños ida y vuelta con transporte por el interior de Londres, pagamos con VISA 20,50 libras cada adulto y 10,25 niño, incluye: ida y vuelta incluido viaje ilimitados en todo la red de transporte de Londres. El tren sale puntualmente a las 10,01 (horario de domingo), un cartel indica que tenemos por delante un mogollón de paradas hasta llegar a nuestro destino, tardamos poco más de una hora. El viaje se hace entretenido porque muchas estaciones nos suenan y el paisaje es en algunas ocasiones muy bello.

Estatua Nelson Mandela (Reino Unido)

La primera impresión que tenemos de Londres, después de no haber vuelto en 30 años, es que es una ciudad que flota en la abundancia del turismo, nos da la misma impresión que tuvimos al visitar recientemente Barcelona o la misma Venecia, las tres ciudades han sucumbido al turismo y los turistas se han hecho dueños de la ciudad.

Desde Waterloo vamos andando, atravesamos el puente colgado sobre el río Támesis, hasta que llegamos a la plaza Trafalgar Square, es el lugar donde se halla uno de los edificios más interesantes de la ciudad es The National Gallery.

Se trata del templo de la pintura inglesa cuyos lienzos se hallan en el interior de un edificio de aspecto severo pero a la vez un tanto majestuoso.

La entrada al museo es gratuita, las audio guías en español son 4,50 libras, todos los cuadros del museo no están traducidos solamente una pequeña parte, te dan una pequeña guía donde por lo general el mejor cuadro de cada sala esta explicado en castellano, aunque de los demás se puede escuchar los comentarios en inglés.

Son las doce de la mañana cuando accedemos al museo, dicen que el máximo de tiempo para visitar un museo de pintura con niños no debe superar las dos horas, aunque creo que en este caso lo vamos a superar.

National Gallery en Londres (Reino Unido)

Hace más de treinta años que visitamos el museo, entonces no había audios guías, ni tampoco se comentaban los cuadros, simplemente te deban un pequeño folleto con las salas, recuerdo que hicimos una selección de la pintura española y flamenca, además del gran cuadro de Leonardo da Vinci.

El museo fue fundado en 1838 como una simple Galería, con su aspecto que quería imitar el neo-palladium (estilo seudo clásico que quería copiar las construcciones de Paladio) un edificio muy digno para albergar la colección nacional de pintura.

Por aquella época no había mucho interés en Londres por la pintura pero para entonces los grandes museos de pintura del mundo ya estaban constituidos, París, Madrid, Viena, Berlín o Ámsterdam.

El hecho que hizo cambiar al Gobierno fue la donación de pintura que hizo Ser George Beaumont con la condición de constituirse la Galería Nacional , también la venta de los cuadros de John Julius Angerstein que poseía 38 obras de los mejores maestros: Claude, Rubens y Rembrandt.

En estos momentos decidir que cuadros visitar nos parece complicadísimo decidimos seguir los consejos de una asistente del museo para siguiéramos en exclusiva la guía que nos facilitan con el nombre de “Essential Audio Tour”, corresponde con los mejores cuadros de cada sala.

Iniciamos la visita por el piso 2 donde se encuentra la pintura medieval de los siglos XIII al XV, y por la sala numero 51.

"La Virgen y el niño con los santos dominicos" National Gallery en Londres (Reino Unido)

El primer cuadro que comenta la guía es el tríptico “ La Virgen y el niño con los santos dominicos y áurea”, es obra de Duccio di Buononsegna, realizado en temple sobre tabla de madera, esta datado sobre 1308; tiene unas medidas de 42,5 x 34,5 cm, fue adquirido por el museo en 1857. Se exponen en la sala 51.

Duccio di Buononsegna nace en 1278 y fallece en la ciudad de Siena (Italia) en 1319, estamos ante el artista más influyente de la ciudad de su época y uno de los fundadores del estilo gótico internacional.

El cuadro nos presenta a una Virgen María con una clara influencia bizantina representando un gran parecido a los mosaicos de la época, en la pintura aparece un niño Jesús un tanto desproporcionado que coge el velo de su madre para intentar acariciarla, en una señal de cercanía de una madre al futuro Dios.

Este pequeño tríptico era una obra de devoción particular, en los laterales podemos ver a los dominicos rodeados de una áurea. Es de destacar la minuciosidad de los detalles en el manto y en el vestido de la Virgen.

"La Virgen entronizada y el niño con escenas narrativas " National Gallery en Londres

El siguiente cuadro se titula “La Virgen y el niño entronizado con escenas narrativas”, es obra de Margarito d' Arezzo, esta datado entre 1263 y 1264, realizado en temple y huevo sobre tabla de madera; tiene unas dimensiones de 92.1 x 183.1 cm. Se expone en la sala 51.

El cuadro nos presente una escena central con la Virgen y el niño, sentada en el trono, representando la reina en el cielo. A la izquierda se personifica cuatro diferentes escenas narradas: san Juan evangelista, santa Catalina rodeada de ángeles en el monte Sinaí y san Nicolás con un peregrino. A la izquierda san Juan, san Benedicto con sus tentaciones, san Nicolás y santa Margarita.

"La Virgen y el niño, El Cristo de los Dolores" National Gallery en Londres (Reino Unido)

El siguiente cuadro es un díptico se ha titulado “La Virgen y el niño, El Cristo de los Dolores”, cuadro atribuido al Maestro del Crucifijo Franciscano, era natural de Umbría (Italia) (siglo XIII), esta datado en 1260, fue realizado con temple y huevo sobre tabla de madera de álamo; tiene unas medidas de 32,2 x 22,9 cm. Se expone en la sala 51.

Es una obra de devoción privada estuvo separada hasta 1926 en que fue reconocida como parte de un díptico y posteriormente unida. En la parte izquierda vemos un cuadro de la Virgen como gesticula con la mano derecha mientras que con la izquierda sustenta el cuerpo de Jesús, es una obra eminentemente gótica. A la derecha, se encuentra el cuadro de Cristo de los Dolores, en la parte alta del cuadro podemos ver la figura de los ángeles como se tapan los ojos para no ver la figura decrepita de Cristo.

"El Cartón de Burlington House con Santa Ana, La virgen, el Niño y San Juanito" National Gallery en Londres (Reino Unido)

Quizás el cuadro estrella de la sala 50 se titula “El Cartón de Burlington House con santa Ana, la Virgen , el Niño y san Juanito”, es una obra del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci, esta datado entre 1501 y 1505, realizado en tiza negra, albayalde y difumino sobre ocho hojas de papel pegadas montadas sobre lienzo; tiene unas medidas de 141,5 x 104,5 cm.

Estamos ante uno de los cuadros más valiosos del museo y por sus materiales más difícil de conservar por eso se expone en una sala especial con un control constante de la temperatura y de la iluminación.

El cuadro representa a la Virgen María sentada sobre el regazo de su madre santa Ana. El niño Jesús se encuentra bendiciendo con su mano derecha la figura de su primo san Juan Bautista.

Santa Ana apunta con su dedo al cielo y hace una predicción del futuro en el cielo de Cristo, algunos estudios indican que esa mujer es santa Isabel la madre de Bautista aunque no hay constancia de este tipo de representaciones.

El cuadro seguramente era un boceto para otra obra más compleja, posiblemente, para un retablo en una iglesia de Florencia. Este boceto perteneció a la familia Arconati de Milán, llegó a la Royal Academy que tenia su sede en Burlington House donde le dieron el nombre al cuadro, en 1962 fue vendido a la Nacional Gallery en 800.000 libras.

"La curación del ciego de nacimiento" National Gallery en Londres (Reino Unido)

El siguiente cuadro “La curación del ciego de nacimiento”, obra de Duccio di Buononsegna (1278-1319), fue pintado sobre madera de álamo con temple y huevo, esta datado en 1311, tiene unas medidas de 45,1 x 46,7 cm. Se expone en la sala 51.

El cuadro nos representa en el centro de la composición la figura de Jesús que se inclina ante el ciego, este cuadro pertenecía a un retablo donde se mostraba la parte de la curación como una escena en que Jesús tocaba los ojos del ciego y otra en que el ciego recobraba la vista.

Un estudio del cuadro indica que Duccio solamente pinto las figuras dejando la parte de la arquitectura de los edificios a sus seguidores que trabajan en el taller del artista, también se puede ver como recientemente la cara del ciego ha sido recientemente restaurada porque estaba dañada.

"Crucificado" National Gallery en Londres (Reino Unido)

El siguiente cuadro “Crucificado” obra de Segna de Bonaventura, pintor natural de la ciudad de Siena, fue realizado con temple y huevo sobre madera de álamo, tiene unas medidas de 213,5 x 184 cm, esta datado en 1310. Se exponen en la sala 51.

El pintor Segna de Bonaventura era uno de los mejores pintores de la escuela de Siena, fue muy activo entre 1298 y 1331, se caracterizan por la figuras curvas y elegantes con una mezcla muy sutil de colores.

"La Transfiguración" National Gallery en Londres (Reino Unido)

El siguiente cuadro “La Transfiguración”, obra de Duccio di Buononsegna (1278-1319), esta pintura forma parte de un retablo que fue separado de la catedral de Siena en 1711. Tiene unas medidas de 48,5 x 51,4 cm., realizado en temple y huevo sobre madera, esta datado en 1307. Se exponen en la sala 51.

En la obra aparece Cristo transfigurado en estado divino ante los apóstoles Pedro, Juan y Santiago, este se encuentra acompañado, a la izquierda por Moisés, a la derecha, por el profeta Elías.

"Crucificado" National Gallery en Londres (Reino Unido)

El siguiente cuadro “Crucificado”, obra del denominado Maestro de San Francisco, esta datado entre 1265, tiene unas medidas de 91,8 x 70,6 cm, fue realizado en temple y huevo sobre madera de álamo. Es un cuadro pequeño ejecutado para la devoción privada. Se expone en la sala 51.

El maestro nos muestra un Cristo curvo una licencia gótica, en el fondo se puede apreciar a las tres Marías con san Juan Evangelista. Era el tipo de crucifijo que se pintaba por ambas caras para ser llevado en las procesiones religiosas, también pudo ser utilizado como relicario porque tiene una cavidad redonda en la cabeza de Cristo.

"La Virgen y el Niño" National Gallery en Londres (Reino Unido)

Más adelante podemos ver la obras “La Virgen y el Niño”, obra atribuida al Maestro Clarisse, posiblemente el autor se trate Rinaldo de Siena, esta datado en 1265; tiene unas medidas de 31,4 x 19,5 cm, fue realizado en temple y huevo sobre madera de álamo. Se expone en la sala 51.

Esta pintura tiene un aspecto iconográfico con clara influencia bizantina. Muestra la imagen de la Virgen con el Niño con cara de miedo arropando al niño en contacto con su cara; en la parte superior aparecen imágenes que nos muestras la redención del hombre por Cristo donde podemos ver una escena de la Crucifixión , le antecede la Anunciación y le precede una escena del Juicio Final.

"Altar de la Santa Cruz" National Gallery en Londres (Reino Unido)

Los siguientes cuadros forman parte del llamado “Altar de la Santa Cruz , El Descendimiento”, obra de Ugolino di Nerio (1317-1349), los cuadro están datados en 1324; tiene unas medidas de 407 x 58,6 cm, fue realizado en temple y huevo sobre madera de álamo. Se exponen en la sala 51.

Retablo de la Santa Cruz estaba formado por varias maderas con escenas diferentes: la Traición de Cristo, la Deposición , Isaías, los Santos Simón y Tadeo, los Ángeles, los Santos Bartolomé y San Andrés, la Resurrección , Moisés, David, los Ángeles.

"Altar de la Santa Cruz" National Gallery en Londres (Reino Unido)

No esta documentado pero la pintura de Ugolino di Nerio es muy parecida a la de Duccio por lo que se puede llegar a pensar que estudio en el taller del maestro. La gran obra del artista fue realizada por encargo de la orden de los franciscanos para el retablo de la Santa Cruz de la iglesia de Florencia que se exponen en la National Gallery.

El pintor en su pintura utiliza una gama inmensa de colores por lo que aunque estudio en Siena la mayor parte de su obra la desarrolla en los talleres de Florencia donde se desarrollaban este estilo de pinturas, además de este retablo, esta documentado que realizo otro retablo por encargo de la orden de los dominicos para la iglesia de Santa María Novella.

"La Crucifixión " National Gallery en Londres (Reino Unido)

El siguiente cuadro esta titulado “ La Crucifixión ”, obra de Jacopo di Ciore, el cuadro esta datado en 1362; tiene unas medidas de 154 x 138,5, realizado en temple y huevo sobre plancha de madera. Se expone en la sala 52.

El cuadro con un fondo dorado de estilo bizantino nos muestra en el centro a Cristo crucificado, a la derecha esta el ladrón bueno, la iglesia lo representa con un áurea en su cabeza, a su izquierda el ladrón malo que por su color de piel indica que aún esta vivo, un jinete trata de romperle las piernas con una espada, sobre su cabeza los demonios tiene un brasero de carbón encendido. En la parte baja de la escena, los soldados sortean las ropas de Cristo. A la derecha están los soldados romanos con los escribas y los fariseos. El centurión que reconoce a Cristo como el hijo de Dios esta sentado sobre un caballo marrón.

En el cuatro aparecen otros personajes ajenos a la crucifixión, a la izquierda, podemos ver a San Pablo y San Juan Bautista, a la derecha San Bartolomé y Santiago el Mayor.

En la parte inferior del cuadro podemos ver las caras, de izquierda a derecha, una santa Femenina, San Bernardo se identifica con el libro, la Virgen María con el Niño, San Antonio Abad y Santa Catalina de Alejandría.

"La Coronación de la Virgen y otras escenas" National Gallery en Londres (Reino Unido)

Más adelante podemos ver el tríptico “La Coronación de la Virgen y otras escenas”, obra de Giusto de Menabuoi (1349-1391), esta datado en 1367; tiene unas medidas de 48 x 25 cm., fue realizado en temple y huevo sobre madera de álamo. Expuesto en la sala 52.

Es un tríptico pintado como devocionario privado, en el panel central nos muestra la escena de la Coronación de la Virgen , esta rodeada de santos. En el panel de la izquierda se representa la Natividad , más arriba se puede ver la imagen del Arcángel Gabriel, en el panel de la derecha hay una escena de la Crucifixión , sobre esta, aparece la anunciación de la Virgen. En el reverso de los dos paneles laterales cuando esta cerrado podemos ver escenas de la Natividad y de la vida de la Virgen.

"El Matrimonio de la Virgen" National Gallery en Londres (Reino Unido)

El siguiente cuadro “El Matrimonio de la Virgen”, obra de Nicolo di Buonccorso, cuadro datado en 1380, tiene unas medidas de 50,9 x 33 cm, realizado en temple y huevo sobre madera de álamo. Se expone en la sala 52.

La obra se representa el momento del matrimonio en el templo de Jerusalén, los esposos están acompañados por los padres de la Virgen : Joaquín y Ana, se identifican por sus áureas. Aunque esta celebración nunca ha sido mencionada en los Evangelios pero en el siglo XIV se empezó abordar como un hecho natural que en algún momento de su vida se celebro el matrimonio entre María y José.

El cuadro formaba parte central de un díptico, a sus lados estaban las escenas de la Presentación de la Virgen y formaba parte de un retablo.

"La Coronación de la Virgen y la adoración de los Santos" National Gallery en Londres

El siguiente cuadro se titula “La Coronación de la Virgen y la adoración de los Santos”, obra de Lorenzo Mónaco, esta datado en 1407; tiene unas medidas de 220,5 x 115,2 cm, realizado en temple y huevo sobre madera. Se expone en la sala 53.

La obra es el centro de un panel perteneciente a un retablo desaparecido del monasterio de San Benedetto de Porta Pinti en Florencia. Es una versión reducida de la obra pintada por el mismo autor en 1414.

El cuadro nos muestra a la Virgen María coronada como reina de los cielos por su hijo Jesucristo en la presencia de santos y coros de ángeles celestiales con instrumentos musicales.

"Incidentes en la vida de san Benito" National Gallery en Londres (Reino Unido)

Más adelante podemos ver “Incidentes en la vida de san Benito”, obra de Lorenzo Mónaco, está datado en 1407.

Esta pintura es una de las tres que se conservan del retablo de la Coronación de la Virgen y formaba parte de la predala en la que habla de la vida de San Benito.

Los incidentes en la vida de San Benito nos habla de cómo se salvo de morir ahogado al andar sobre el agua. En otra escena representa la visita a su hermana Santa Escolástica, ella reza para que su hermano no se marche durante toda la noche porque se inicia una tormenta.

"La Virgen y el Niño" National Gallery en Londres (Reino Unido)

El siguiente cuadro “La Virgen y el Niño”, obra de Tommaso di Giovanni apodado Masaccio (1401-1429), esta datado en 1426, medidas 135,3 x 73 cm, fue adquirido por el museo en 1916, se exponen en la sala 53 del museo.

El cuadro es la tabla central de políptico. La virgen parece sentada en el trono decorado con las columnas clásicas, dos ángeles a sus pies tocan instrumentos musicales, el niño Jesús se muestra rollizo y tiene los dos dedos de la mano derecha en su boca lo que muestra su dignidad humana. En la obra destaca el color azul de la túnica de la virgen así como el ribete dorado. El autor ha creado una perspectiva lineal muy inspirada en técnicas escultóricas.

"La Madonna y el niño con ángeles" National Gallery en Londres

Más adelante podemos ver “La Madonna y el niño con ángeles”, también es conocido como La Madonna de la familia Quaratesi, obra de Gentile da Fariano, esta datado en 1425, se expone en la sala número 51.

El panel fue encargado para el retablo que pago la familia Quaratesi en el altar mayor de la iglesia de San Niccolo Oltrarno de Florencia, en otras piezas se podían ver las figuras de María Magdalena, Nicolás de Bari, San Juan Bautista y San Jorge y sobre la predala había escenas de San Nicolás.

El cuadro tiene influencia bizantina, nos ofrece una vestimenta de lujo con ojo labrado que contrasta con el azul del manto de la Virgen , el niño se agarra al manto con la mano izquierda mientras que en la derecha lleva una flor.

" La Virgen y el niño con seis ángeles y dos querubines " National Gallery en Londres (Reino Unido)

El siguiente cuadro es “La Virgen y el niño con seis ángeles y dos querubines”, obra atribuida a Francesco d'Antonio di Bartolomeo, está datado en 1440.

Estamos ante un cuadro devocional de carácter privado en el mismo se representan las figuras inusualmente vestidas, la Virgen aparece con un manto tipo florenciano y en la cabeza lleva una corona a modo de reina.

" El papa san Gregorio y san Matías " National Gallery en Londres (Reino Unido)

El cuadro próximo es “El papa San Gregorio y San Matías”, obra de Masolino, esta datado en 1428, se expone en la sala 51.

Esta tabla formaba parte de un retablo de la iglesia Santa Maria Maggiore de Roma estaba acompañado de la imagen de San Jerónimo y san Juan Bautista que se dividieron en dos cuadros.

"El rapto de Helena" National Gallery en Londres (Reino Unido)

El siguiente cuadro podemos ver “El rapto de Helena”, obra atribuida a Zanoli Strozzi (1412-1468), esta datado en 1450, realizado en tempera sobre madera; tiene unas medidas de 51 x 60,8 cm., se expone en la sala 51.

Helena, era la esposa del rey Menéalo de Esparta, en la escena esta siendo raptada por Paris junto con otras mujeres en el templo de Apolo y Artemesi en Citera, esta acción dio lugar a las guerras de Troya.

Esta pintura formaba parte de la decoración de algún mueble, posiblemente se trataba de un cofre matrimonial.

"El rapto de Helena" National Gallery en Londres (Reino Unido)

El siguiente cuadro es una variedad del anterior “El Rapto de Helena”, esta atribuido al Maestro del juicio de Paris, esta datado en 1440, se encuentra expuesto en la sala 52.

Esta escena esta pintada en una bandeja del parto, era un símbolo que se daba a las mujeres de la clase social alta en el momento de parir un hijo, en la parte posterior se pintaba el escudo de la familia.

"La Batalla de San Romano" National Gallery en Londres (Reino Unido)

El siguiente cuadro es monumental por su tamaño “La Batalla de San Romano”, obra de Paolo di Dono, también llamado Uccello (1397-1475) el pintor nació y falleció en la ciudad de Florencia, realizado en temple al huevo sobre madera, tiene unas dimensiones de 181,6 x 320 cm. fue adquirido por el museo en 1857 y se expone en la sala 54.

Este cuadro era una parte de un tríptico, las otras dos se exponen en la Galería de los Uffizi y Louvre de París.

En cada una de las tablas se representan distintas escenas de la batalle de San Romano que sucedió el 1 de junio de 1432, cerca de Lucca. Enfrentó a los florentinos y los sieneses.

"San Francisco en la elección del Papa Honorio, La estigmatización de San Francisco " National Gallery en Londres (Reino Unido)

Mas adelante podemos ver el díptico formado por dos pinturas, a la izquierda “San Francisco en la elección del Papa Honorio”, a la derecha “La estigmatización de San Francisco”, obra de Sassetta, se encuentra expuesta en la sala 54.

Estas pinturas formaban parte, junto con siete paneles que se hicieron, para el altar mayor de la iglesia de San Francisco, el retablo llamado Santo Sepulcro. Representa la vida de San Francisco y fue encargado por la orden Franciscana.

"San Francisco pobre caballero, San Francisco renuncia a su padre terrenal " National Gallery en Londres (Reino Unido)

El siguiente podemos ver otro de las partes del díptico formado por dos pinturas, a la izquierda “San Francisco y el pobre caballero", a la derecha “San Francisco renuncia a su padre terrenal”, obra de Sassetta, se encuentra expuesta en la sala 54.

Sasseta fue un pintor italiano, el nombre comenzó a utilizarse en el siglo XVIII porque el autor es desconocido. Su pintura es gótica siguiendo la traducción pictórica de la escuela de Siena donde brilla por su hermoso colorido y una línea elegante, asimismo también manifiesta una forma muy expresiva de manifestar el misticismo.

"La Natividad " National Gallery en Londres (Reino Unido)

Más adelante podemos ver el cuadro “ La Natividad ”, obra de Piero Della Francesca (1410-1492) nace y fallece en Borgo San Sepolcro, esta datado en 1470; tiene unas medidas 124,4 x 122,6 cm., fue adquirido por el museo en 1874, se expone en la sala 54.

La escena del cuadro nos muestra como la Virgen María esta de rodillas con las manos en un signo de adoración ante Cristo que acaba de nacer. En el lado contrario de la escena se encuentran cinco ángeles que cantan la bienvenida a su nacimiento.

Al otro lado se puede ver las figuras de dos pastores que han perdido parte de su fisonomía a su lado está José en figura contemplativa con las piernas cruzadas.

El cuadro tiene una gran influencia de las futuras obras flamencas donde las escenas de la vida de Cristo son llevadas por su arquitectura situándose en lugares propios. Aquí Piero sitúa la escena que se desarrolla en Belén en cualquier lugar de la propia Toscana.

"Bautismo de Cristo" National Gallery en Londres (Reino Unido)

El siguiente cuadro “Bautismo de Cristo”, obra de Piero Della Francesca (1410-1492) nace y fallece en Borgo San Sepolcro, esta datado en 1450; tiene unas medidas 167,6 x 116,2 cm., realizado en temple sobre tabla de madera, pertenece al estilo renacentista, fue adquirido por el museo en 1861, se expone en la sala 54.

El cuadro es una de las primeras obras reconocidas de Piero y formaba parte de una parte de un retablo y es quizás su cuadro más famoso. Su datación es un tanto controvertida, algunos especialistas le consideran el primer cuadro del autor situándolo en 1439, porque aparecen elementos iconográficos como la presencia de dignatarios bizantinos.

La obra representa el momento que Cristo, colocado en el centro de la composición, es bautizado por San Juan Bautista, situado a la derecha, al otro lado del árbol podemos ver tres ángeles vestidos con diferentes colores lo que simboliza la santísima trinidad. Al fondo se pueden ver tres dignatarios vestidos con trajes bizantinos, uno de ellos señala el Espíritu Santo que esta descendiendo sobre Cristo bajo el aspecto de una paloma que describe la imagen de la cruz.

Debajo de la figura de Cristo podemos ver con forma de S invertida con las aguas del río Jordán, al fondo se puede ver otro cristiano que se esta despojando de ropa para ser también bautizado.

"San Vicente Ferrer" National Gallery en Londres (Reino Unido)

El siguiente cuadro “San Vicente Ferrer”, obra de Francesco del Cossa, esta datado en 1473, fue adquirido por el museo 1858; realizado en óleo sobre tabla de álamo; tiene unas medidas de 153,7 x 59,7 cm. Se expone en la sala 5.

El cuadro formaba parte central del retablo de Bolonia, muestra la figura de San Vicente Ferrer al convertirse en fraile dominico en 1367, a partir de entonces se hizo un gran predicador y misionero.

El cuadro pone a la figura de San Vicente con una Biblia en la mano y hace referencia a los intensos sermones que daba por lo que se hizo famoso. Sobre su figura se ha pintado una escena de Cristo en el juicio.

El cuadro estaba inicialmente en la capilla de los Griffoni en la iglesia de San Petronio de Bolonia, estaba acompañado de otros dos cuadros con las figuras San Pedro y San Juan Bautista.

"Una Musa Calliope" National Gallery en Londres (Reino Unido)

El siguiente cuadro “Una Musa Calliope”, obra de Cosino Tura (1431-1495), esta datado en 1455, fue realizado en temple, huevo y aceite sobre madera; tiene unas medidas de 116,2 x 71,1 cm.

El artista trabajo para familias nobles convirtiéndose en un pintor de la corte, en sus obras tocaba escenas mitológicas un tanto alejadas de la demanda general de cuadros religiosos. En el cuadro sugiere el tema de la fertilidad y su personaje pudiera ser Polimnia, la musa que descubrió el cultivo de los campos.

La composición es un tanto enigmática y un tanto surrealista la musa lleva en su mano una rama con una cereza, aparece con grandes delfines de dientes afilados y aletas torcidas para configurar formas lineales complejas, destacando por la luz incidente que hace que todo sea brillante como el metal y de piedras preciosas creando elementos suntuosos.

"Un hombre leyendo" National Gallery en Londres (Reino Unido)

El siguiente cuadro “Un hombre leyendo” pudiera tratarse de San Ivo, obra del taller de Rogier van der Weyden, esta datado en 1450, realizado en óleo sobre plancha de madera de roble; tiene unas medidas de 45 x 35 cm, fue comprado por el museo en 1971. Se expone en la sala 56.

El cuadro parece tratarse de la parte izquierda de una pintura devocional que seguramente debía de llevar la inscripción del personaje retratado: Se trata del santo patrón de los abogados y un gran defensor de los pobres, es muy querido en la zona de Bretaña.

"La exhumación de San Hubert" National Gallery en Londres (Reino Unido)

Más adelante podemos ver el cuadro “La exhumación de San Hubert”, obra del taller de Rogier van der Weyden, esta datado en 1435, pintado al temple con huevo y aceite sobre madera; tiene unas medidas de 88.2 x 81.2 cm, fue comprado por el museo en 1868. Se encuentra expuesto en la sala 56 del museo.

Este cuadro se pinto para la capilla de San Hubert de la iglesia de Santa Gúdula en Bruselas, seguramente sobre una serie que mostraba la vida del santo y el conjunto formaría un gran retablo.

En el centro de la composición se puede ver el cuerpo de San Hubert que fue exhumado en 825 de la iglesia de San Pedro de Lieja, y se traslado a la abadía de Andagium. Después del tiempo muerto su cuerpo estaba incorrupto por lo que fue declarado santo. En el cuadro aparece a la izquierda el obispo de Lieja, detrás esta el rey Luis el Piadoso, a la derecha el arzobispo de Colonia, detrás están los presentes entre los que pudiera estar la persona que pago el cuadro y era el donante.

"Retrato de una mujer" National Gallery en Londres (Reino Unido)

El siguiente cuadro se titula “Retrato de una mujer”, obra del taller de Rogier van der Weyden, esta datado en 1460, fue pintado al temple con huevo y aceite sobre madera; tiene unas medidas de 37 x 27.1 cm., llegó al museo en 1895. Se expone en la sala 56.

La composición ofrece una forma geométrica que modelan las líneas de velo, el cuello, el rostro y los brazos y por una iluminación que muestra el peinado, se desconoce el nombre de la mujer.

El pintor fue un gran retratista con un gran análisis de la persona retratada para no solamente poder exponer el cuerpo sino también su interior. En esta obra aparece con gran humildad el personaje y además de una forma muy visible el físico débil, sus ojos bajos y sus manos cruzadas.

"Edward Grinston" National Gallery en Londres (Reino Unido)

Más adelante podemos ver el cuadro “Edward Grinston”, obra de Petrus Christus, esta datado en 1446; realizado en óleo sobre madera de robles; tiene unas medidas de 32.5 x 24 cm. Esta expuesto en la sala 56.

El retrato pertenece a un diplomático al servicio de Henry VI, rey de Inglaterra, sobre la pared se pueden ver en el cuadro los escudos de armas de la familia, sobre su mano lleva una cadena. Fue embajador en Calais y Bruselas pero también posible que trabajase en la ciudad de Brujas donde conoció al pintor.

"La Piedad" National Gallery en Londres (Reino Unido)

El siguiente cuadro es “ La Piedad ”, obra del taller de Rogier van der Weyden, esta datado en 1465, pintado al temple con huevo y aceite sobre madera de roble; tiene unas medidas de 35,5 x 45 cm. Esta expuesto en la sala 56.

Esta es una de la pinturas más famosas de estilo flamenco se conservan varias copias, una de ellas en el museo del Prado, una en Bruselas, otra en Nápoles y esta de Londres, aunque se cree que solamente la de Bruselas fue pintada enteramente por el maestro las demás fueron ejecutadas en su taller.

El cuadro es un desarrollo técnico de la composición y de la estética con una fuerte carga emocional. El cuerpo de Cristo muerto tiene una naturalidad asombrosa, los brazos están colgandos, los dedos se representan flácidos, hay un alargamiento natural de las muñecas representa el sufrimiento de estar colgado en la cruz.

La composición del cuadro esta ocupada por la Virgen que sujeta el cuerpo de Cristo, a su izquierda se halla san Jerónimo, delante de él corresponde la figura del donante, a la derecha esta santo Domingo.

"Retrato del hombre joven " National Gallery en Londres (Reino Unido)

Más adelante podemos ver el cuadro “Retrato del hombre joven”, obra de Petrus Christus, esta datado en 1450, fue realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 35.4 x 26 cm: Se expone en la sala 56.

El cuadro podía haber formado parte de la parte de un díptico objeto devocional. En la pared, al fondo, se aprecia colgado una hoja con la cabeza de Cristo con una oración a Santa Verónica.

"La Magdaleno leyendo" National Gallery en Londres (Reino Unido)

El siguiente cuadro “ La Magdalena Leyendo ”, obra de Rogier van der Weyden, esta datado en 1438, tiene unas medidas de 62,2 x 54,4 cm. Realizado en óleo sobre tabla de roble, comprado en 1860. Se expone en la sala 56.

Es uno de los tres fragmentos conservados de un gran retablo. Muestra a una mujer con la piel pálida típico de la mujer de la nobleza de la época, tiene sobre el suelo un tarro de cerámica con los ungüentos lo que la identifica con María Magdalena, esta metida en su lectura en un momento de reflexión, tiene la mirada triste.

El pintor presta mucha atención a los detalles sobretodo en la vestimenta con unos grandes pliegues en las telas, las cuentas de cristal de roca que sujeta la mujer que esta de pie y los paisajes exteriores.

Pasamos a la parte de la sala número 56, es muy importante, donde podemos ver una grandiosa colección de cuadros de Jan Van Eyck. Estamos ante el pintor considerado uno de los más grandes de todos los tiempos. Fue un protagonista destacado de la luminosidad de la pintura flamenca del siglo XV. Sus conocimientos le sirven para introducir nuevas soluciones técnicas y motivos estilísticos no tocados hasta ese momento. Transforma radicalmente la herencia del gótico internacional con novedosas técnicas en la perspectiva. Tiene una lucida visión con la introducción de pequeños detalles, emplea y representa una serie de símbolos, descubre el color de la pintura al óleo para ser un referente de la cultura artística europea.

"Retrato de un hombre" National Gallery en Londres (Reino Unido)

La siguiente obra “Retrato de un Hombre” Tymothos, obra de Jan Van Eyck, esta datado en 1452, realizado en óleo sobre tabla; tiene unas medidas de 33 x 19 cm., se expone en la sala 56 del museo.

Esta obra junto con el políptico de Gante, que se terminaron en el mismo año, es la primera que lleva la firma del pintor. Es uno de los cuadros más misteriosos del artista posiblemente la solución estaba en el marco original del cuadro que nos hablarían de la identidad y la fecha del retrato. En el cuadro se pueden identificar frases en tres idiomas: francés latín y griego.

Destaca la representación de la piedra por su efecto mimético con la firma del artista, describe unos bordes mellados y una grieta transversal para identificar las marcas del paso del tiempo. Lleva la inscripción “Leal souvenir” que en francés significa recuerdo fiel, entonces esta pintura debe corresponder al recuerdo funerario de la muerte de un hombre.

En latín lleva la firma y la fecha de Van Eyck. Y en griego, la inscripción “TY.MO.THEOS”, se puede leer como “Timoteo” o bien como “Creo en Dios” que es lo que significa ese nombre.

El pintor al emplear tres idiomas quiere decir que la persona retratada sabia leer esos idiomas por lo que podemos deducir que era una persona muy culta, un aristócrata o un humanista. Además lleva un rollo de papel en su mano, quizás era un escriba o notario. Aunque si tomamos como verdadero que el nombre de la inscripción es Timoteo de Mileto, se trata del primer músico conocido y una figura que aparece en muchas generaciones de músicos posteriores por lo que podíamos estar ante el retrato de un músico.

"Retrato de un hombre" National Gallery en Londres (Reino Unido)

La siguiente obra “Retrato de un Hombre”, obra de Jan Van Eyck, esta datado en 1433, realizado en óleo sobre tabla; tiene unas medidas de 26 x 19 cm. Se expone en la sala 56 del museo.

El retrato es conocido como el hombre del turbante, se desconoce la identidad del retratado aunque algunos lo identifican con el propio Van Eyck. Hay un detalle que le hace diferenciador es que el retratado mira directamente al espectador, convirtiéndolo en un protagonista activo. Es una de las novedades del autor, que el público deja de ser un sujeto pasivo y se mete directamente en el cuadro.

El óleo esta firmado en la parte del marco donde se puede leer la fecha de 1433. En la parte superior aparece la leyenda “als ich kann” que se traduce «pintado como puedo» pudiera tratarse un frase modesta pero seguro que era todo lo contrario un alarde de la maestría del pintor.

La pintura esta diseñada para que toda la atención se centre en la cara del personaje, aquí no aparecen las manos, el fondo esta sumido en un negro total lo que hace al color rojo y a la piel este más contrastada.

El otro elemento que domina es el desarrollo de los pliegues del turbante son el resultado de un estudio meticuloso y confiere a esta parte del cuadro, en teoría, marginal en relevante en el cuadro.

En realidad no lleva un turbante, sino un chaperón cuyos extremos normalmente cuelgan anudados sobre su cabeza, era un accesorio de protección que se ponían los pintores sobre su cabeza lo que se ha hecho pensar que podría tratarse de un pintor y del propio Van Eyck.

"Un hombre joven que sujeta un anillo" National Gallery en Londres (Reino Unido)

El siguiente retrato se titula “Un hombre joven que sujeta un anillo” obra de un seguidor de Jan Van Eyck, esta datado en 1450, realizado en óleo sobre tabla de madera de roble, tiene unas medidas de 17,8 x 12,4 cm., se expone en la sala 56 del museo.

El retrato es de un personaje desconocido se distingue por el anillo en la mano, este accesorio es recurrente en algunos retratos del maestro Van Eyck, en esta caso pudiera tratarse del retrato hecho como desposorio regalado antes del matrimonio, o bien para identificar la profesión de orfebre del retratado.

"La Virgen y el niño en el interior" National Gallery en Londres (Reino Unido)

Más adelante podemos ver “ La Virgen y el niño en el interior”, obra de un seguidor Robert Camping, podría tratarse de Jacques Daret, esta datado en 1432, realizado en óleo sobre tabla; tiene unas medidas de 18.7 x 11.6 cm, fue adquirido por el museo en 1987: Se expone en la sala 56.

La virgen se encuentra sentada frente a una chimenea de leña encendida, la Virgen esta ricamente ataviada con un manto con tela de oro y con inserción de piedras preciosas. El niño Jesús acerca la cara a la Virgen no como su hijo sino más bien con el gesto de un amante de ella, lo que sugiere que la Virgen puede ser representada como la esposa de Cristo.

El autor es desconocido pero se le atribuye a Jaques Darte como un miembro destacado del taller de Campin, cuyas pinceladas son muy similares a las analizadas en este cuadro.

"Retrato de un franciscano" National Gallery en Londres (Reino Unido)

Más adelante podemos ver “Retrato de un franciscano”, obra de un seguidor Robert Campin, esta datado en 1432, realizado en óleo sobre tabla; tiene unas medidas de 18.7 x 11.7 cm., fu adquirido por el museo en 1966. Se expone en la sala 56.

Por su atuendo parece ser un miembro de la orden de los franciscanos por su habito color gris, lleva como complemento un rollo de pergamino por lo que es de imaginar que se trataba de un artista de la escritura.

"La Virgen y el niño sobre el fondo de una mampara" National Gallery en Londres (Reino Unido)

El siguiente cuadro “ La Virgen y el niño sobre el fondo de una mampara”, obra de un seguidor de Roberto Campin, esta datado en 1440, realizado con temple y aceite sobre tabla. Tiene unas medias de 63,5x49,5, fue legado al museo en 1910. Se expone en la sala 56.

El cuadro nos presenta a la Virgen madre, esta apretándose el pecho para sacarse un poco la leche. El cuadro esta lleno de detalles, el libro, la copa, el paisaje en la ventana, los rizos del pelo de la virgen.

La virgen esta sentada sobre un banco de madera frente a una mampara de mimbre que hace una forma de áurea. Ella se muestra como la reina del cielo en su palacio. Su vestido esta ricamente ornamentado para dar una imagen llena de esplendor. Por el contrario el niño Jesús se muestra desnudo con aire plácido para mostrarse como un hombre.

"Una Mujer y un hombre" National Gallery en Londres (Reino Unido)

El siguiente cuadro “Una Mujer y un hombre”, es una de las primeras obras, esta atribuido a Robert Campin, esta datado en 1435, tiene unas medidas de 40,7x 27,0 cm., fue adquirido en 1860, realizado en temple sobre madera. Se exponen en la sala 56.

"Una Mujer y un hombre" National Gallery en Londres (Reino Unido)

Este cuadro fue pintado junto con el cuadro del marido, se hacían al casarse o bien a lo largo de su vida para dejar su imagen, es un ejemplo precoz de uno de los retratos a una familia burguesa. Son piezas de compañía y estuvieron unidas como un díptico, ahora se muestran una frente a la otra.

Los respaldos del cuadro son de mármol lo que indica que no fueron destinados a ser colgados sino más bien para estar apoyados sobre un mueble.

"Giovanni Andorfini y su esposa " National Gallery en Londres (Reino Unido)

El siguiente cuadro es uno de los iconos de la pintura de todos los tiempos “Giovanni Andorfini y su esposa”, obra de Jan van Eyck, esta datado en 1434, realizado óleo sobre panel de madera, oficialmente se indica que fue comprado en 1842. Se expone en la sala 56.

Estamos ante un cuadro donde ya se manifiesta sin ningún tipo de tapujos la pintura burguesa del siglo XV. La escena se desarrolla en el interior de un dormitorio. El matrimonio era muy acaudalado y el cuadro lo muestra abiertamente, Giovanni Arnolfini era un gran mercader de Lucca y ella Giovanna Cenami, era la hija de un rico banquero. El matrimonio vivía en la ciudad de Brujas, a él le había nombre Felipe el Bueno el titulo de caballero. Hasta este momento se había interpretado la escena como una boda pero estudios posteriores se inclinan por unos esponsales, pues en la representación de una boda aparecerían en el cuadro los anillos o las diestras enlazadas.

Detalle "Giovanni Andorfini y su esposa "National Gallery

El pintor trata al cuadro con todo tipo de detalles para indicar como era la vida del matrimonio, él lleva una capa de piel y terciopelo abierta por los laterales y deja al descubierto sus pies; la mujer lleva un vestido rojo, los famosos paños flamencos, es bastante abultado lo que da a entender que pudiera estar embarazada, aunque en este punto también hay controversia porque era otra forma de entender la riqueza utilizando metros de tela. Están en una lujosa habitación donde podemos ver una lámpara de araña, un espejo al fondo, una ventana realizada con mucho detalle, además de otros pequeños objetos hasta los simples zuecos son descritos con una perfecta minuciosidad. El perro aparece en le cuadro al pie de la mujer femenina como un signo de fidelidad conyugal.

El espejo es otro de los detalles que reproduce una fracción de la realidad que refleja una parte de la escena, en este caso el espejo se convierte en un médium de perspectiva, sirve para dilatar el ambiente. De esta forma el espectador participa doblemente de la visión del cuadro que proyecta una versión de la realidad.

El pintor pinta los objetos para describir como era la vida de esta familia por lo que nada de los que describe el cuadro es algo casual si no todo lo contrario. Hasta hace muy poco la pintura europea era eminentemente religiosa y también para algunas figuras de la familias reales, que eran quien podía pagar a estos artistas, con la llegada de la burguesía la pintura se traslada al ámbito civil pero no es ajena a buscar simbolismos ocultos.

Detalle "Giovanni Andorfini y su esposa" National Gallery

De esta forma se han hecho muchos estudios para tratar de entender los misterios del cuadro, por ejemplo, la lámpara de araña lleva una sola vela encendida eso pudiera significar la figura de Cristo que todo lo ilumina como único testigo para bendecir el matrimonio. Sobre la cabecera de la cama hay una figurita de madera que podría representar a Santa Margarita como patrona de las embarazadas o bien a Santa Marta como patrona del hogar por su escobilla que esta a la izquierda. Las naranjas era un lujo en la Europa del Norte y eran consideradas como la fruta prohibida.

La cama tiene en el cuadro un papel destacado relacionado con la clase burguesa, representa la continuidad en el linaje, el color rojo simboliza la pasión, los zapatos eran considerados en la pintura como un pasaje del Antiguo Testamento, “no te acerques quítate las sandalias de los pies porque el lugar que pisas es la Tierra Sagrada”.

El espejo es uno de los más estudiados, en el marco aparece unas escenas de la Pasión de Cristo y ejerce como el eje central de la composición del cuadro y representa la posición social de los retratados porque los espejos era considerados un articulo que solamente podían adquirirlos muy pocas personas. Es un espejo curvo que se denominaba bruja porque proporcionaba un aumento de visión, como un ojo de pez, generaba otra perspectiva, esto inspiro a Velázquez en las Meninas, aunque en esa ocasión utilizo un espejo plano.

Estamos ante un cuadro mítico y lleno de historia, el cuadro lo firma Van Eyck en 1434 y no costa contrato del pintor con el matrimonio, lo que hace pensar que pudo ser un regalo de amistad, ya en esa época los Arnolfini eran una familia importante de la ciudad de Brujas. El cuadro estuvo en poder de la familia que lo había encargado hasta 1516 en que llegó a manos de Diego de Guevara, embajador ante la corte de Borgoña y Habsburgo en Holanda, era un coleccionista de arte que logro atesorar una importante colección.

Diego regala el cuadro a la gobernadora de los Países Bajos Margarita de Austria, en 1530 el cuadro es heredado por su sobrina María de Hungría, hermana del emperador Carlos V, esta muere en 1556 y cede sus bienes a su sobrino al rey de España Felipe II quien lo cuelga en el Real Alcázar de Madrid. En esos años Diego Velázquez era pintor de cámara de los reyes y tuvo contacto con el cuadro inspirándose en algunos detalles que plasmo en las Hilanderas, Las Meninas o la Venus del espejo.

Detalle zuecos "Giovanni Andorfini y su esposa" National Gallery

En la nochevieja de 1734 se produce un grave incendio en el Real Alcázar que duro cuatro días y afecto a más de 500 obras de arte entre ellas algunas de Diego Velázquez, aunque se sabe que el cuadro se salvo porque en 1794 estaba inventariado para el nuevo Palacio Real de Madrid.

Con la invasión de Napoleón muchas de las obras de arte españolas fueron saqueadas, sobretodo las obras de menor tamaño y fácil de transportar como motín de guerra, entre ellas debió de estar el cuadro del Matrimonio Arnolfini. Antes de abandonar España los franceses son atacados por tropas al mando del duque de Wellington que participo en la Guerra de Independencia Española, en la batalla de Vitoria el duque recupera unos 90 cuadros que son ofrecidos su devolución a Fernando VII pero este no le parece importante el hecho y se desentiende, aunque el cuadro no estaba entre estos cuadros que el duque los deposita en su casa de Londres.

Poco después la obra aparece en 1816 en casa del coronel James Hay, del que se sabe que había luchado en España, lo que hace pensar que durante la batalla se apodero de este cuadro. Aunque él indico que se hizo con el cuadro después de la batalla de Waterloo en la ciudad de Bruselas.

El coronel pensó que nunca podría ser propietario de ese tipo de cuadro con esa historia y se la regalo al príncipe regente, Jorge IV en 1816, este piensa que es un regalo envenenado y se lo devuelve dos años más tarde al coronel. La obra queda en depósito de un amigo del coronel durante diez años y se pierde su paralelo durante trece años. Hasta que se funda la National Gallery en 1842 y el cuadro sale a la luz sin los postigos laterales y el marco original.

"La Virgen con el Niiño con Santos" National Gallery en Londres (Reino Unido)

Volviendo a la pintura italiana del museo podemos ver “La Virgen con el Niño con Santos”, obra de Pisanello, esta datado en 1435, realizado con temple con huevo sobre madera. Se expone en la sala 55.

Es una escena donde sobre un sol se representa la figura dorada de la Virgen y el Niño, es una referencia de la Apocalipsis descrita en el Nuevo Testamento. La escenario esta protagonizado por San Antonio con sus atributos: la campana y el cerdo.

"La Visión de san Eustaquio" National Gallery en Londres (Reino Unido)

El siguiente cuadro nos muestra “La visión de San Eustaquio”, obra Antonio Pisano llamado de Pisanello (1395-1455), esta datado en 1438, realizado en temple con huevo sobre madera. Cuadro de estilo renacentista italiano. Tiene unas medidas de 54,6 x 65,4 cm. Se encuentra expuesta en la sala 55.

Estamos ante unos de los primeros cuadros renacentistas italianos más importantes. Se representa a San Eustaquio vestido con un llamativo traje de túnica dorada y un tocado azul, esta de caza a lomos de un caballo. Es una pintura devocional con escenas caballerescas lo que indica para quien pudo ser pintada.

"La Virgen con el Niño" National Gallery en Londres (Reino Unido)

El siguiente cuadro “La Virgen con el Niño”, obra de Ambrogio Bergognone, esta datado en 1488; tiene unas medidas de 55,2x 36 cm, realizado en óleo. Se expone en la sala 55.

El cuadro nos presenta a un niño de unos meses, esta vestido y lleva un rosario en su mano con la otra sujeta al niño. Bajo la mano hay un libro abierto donde se puede leer un pasaje en latín los salmos 51 y 70. La virgen lleva un halo con la inscripción: Dios te salve María, llena eres de gracia, el Señor este contigo.

En el paisaje se puede ver a la derecha es la Cartuja de Pavia durante su construcción lo que indica que debió de pintarse para dejar patente el momento arquitectónico.

"La Virgen entronizada con el niño" National Gallery en Londres

El siguiente cuadro “ La Virgen entronizada con el niño”, obra de Cosimo Tura, esta datado en 1470, realizado en óleo y huevo sobre madera; tiene unas medidas de 239 x 101.6 cm, fue adquirido por el museo 1867. Se encuentra expuesto en la sala 55.

Este cuadro formaba parte de la tabla central del retablo de la familia Roverella de la iglesia de San Giorgio de Ferrara.

El niño Jesús esta completamente dormido y los ángeles interpretan su música para ver si se despierta para poder abrir la puerta del Cielo.

"Adoración de los reyes" National Gallery en Londres (Reino Unido)

Más adelante “Adoración de los Reyes”, obra de Vincenzo Foppa, esta datado en 1500, realizado en óleo sobre madera. Tiene unas medidas de 239 x 211 cm. Se encuentra expuesto en la sala 55.

El cuadro nos muestra la llegada de los tres reyes que llegan a Belén con sus ofrendas, el pintor nos presenta un establo dentro de un palacio en ruinas, principalmente dentro de una moda en la pintura para situar ciertas escenas de la vida de Jesús dentro de un nuevo orden.

"San Jerónimo" National Gallery en Londres (Reino Unido)

El siguiente cuadro “San Jerónimo”, obra de Cosimo Tura, esta datado en 1470, realizado al óleo y huevo sobre madera; tiene unas medidas de 101 x 57.2 cm., fue adquirido en 1867. Se encuentra expuesto en la sala 55.

El cuadro representa a San Jerónimo penitente, se trata del panel central de un posible retablo, está cortada la parte superior.

El cuadro nos muestra a San Jerónimo dando golpes en el pecho con una piedra mientras reza al cielo. La piedra la ofrece en modo de ofrenda mientras en el pecho brotan gotas de sangre. En el cuadro aparecen otros atributos del santo como el león, también aparece la figura de un búho que simboliza el mal.

"Martirio de San Sebastián" National Gallery en Londres

El siguiente cuadro “El martirio de San Sebastián”, atribuido a los hermanos Antonio y Piero del Pollaiuolo, esta datado en 1475, realizado en óleo sobre tabla, tiene unas medidas de 291,5x 202,6 cm. fue adquirido en 1857. Se muestra en la sala 57.

El cuadro muestra la leyenda de San Sebastián en el momento de la condena a muerte por ser descubierto como cristiano. Murió atado o un árbol y por el disparo de flechas.

Destaca el cuadro por la figura del santo que se toma desde un punto de fuga muy bajo lo que le hace estar como en un pedestal. Al fondo se puede ver el paisaje toscano.

El cuadro fue encargado para el oratorio de la familia Pucci en la iglesia de Florencia de la orden de los Siervos de María. Era una familia muy rica con lazos con la familia los Médecis.

"La Virgen y el Niño " National Gallery en Londres

El siguiente cuadro se titula “La Virgen y el Niño”, obra de Domenico Ghirlandaio, esta datado en 1480, realizado en temple sobre madera; tiene unas medidas de 88.9 x 57.8 cm., fue adquirido por el museo en 1924. Se expone en la sala 57.

Es un precioso cuadro que destaca por su color, el juego de luces y el rico tratamiento de los detalles. El pelo de ambos es rizado color oro, las transparencias en los velos, la bufanda de seda, el niño Jesús descansa sus pies sobre un cojín al borde de un alféizar de una ventana.

"La Virgen y el Niño con San Juan" National Gallery en Londres

Más adelante podemos ver el cuadro “La Virgen y el Niño con San Juan”, obra de David Ghirlandaio, está datado en 1490, realizado en temple sobre madera; tiene unas medidas de 78,8 x 46,5 cm., llegó al museo en 1910. Se expone en la sala 57.

La pintura nos muestra muchos parecidos con las pinceladas de su hermano Domenico, también por el tratamiento de la luz y los detalles.

En la espalda de los personajes el pintor pinta un paisaje basado en los grandes monumentos de Roma en el que se incluyen el Panteón, el Coliseo y el Arco de Constantino.

"La Virgen y el Niño con los Santos Jerónimo y Domingo" National Gallery en Londres

El siguiente cuadro “La Virgen y el Niño con los Santos Jerónimo y Domingo”, obra Filippino Lippi, está datado en 1485, realizado en temple sobre madera de álamo; tiene unas medidas 203.2 x 186.1 cm, y un peso de 239 kg. Se encuentra expuesto en la sala 57.

El cuadro fue pintado para la capilla de la familia Rucellai de la iglesia de San Pancracio de Florencia, perteneciente la orden de los monjes Benedictinos.

A la izquierda se representa a San Jerónimo con la piedra entre las dos manos, al fondo se puede ver la entrada a la cueva del santo con un león y un oso.

En el centro vemos a la Virgen con el niño dándole pecho, destaca el vestido, las transparencias del velo, a la derecha Santo Domingo por encima esta un hospital de la caridad.

"El retablo de Santa Trinidad de Pistoya" National Gallery en Londres

Más adelante podemos ver “El retablo de Santa Trinidad de Pistoya”, obra del taller de Francesco Pesellino y Filippino Lippi, esta datado en 1455, realizado en temple con huevo, temple y aceite sobre madera. Tiene unas medidas de 184 x 181,5 cm.

Es una parte del retablo de la Compañía de Sacerdotes de la Trinidad de la ciudad italiana de Pistoya.

La obra fue comenzada por Pesellino pero murió y la dejo a medias por lo que su maestro y su taller Filippino Lippi se tuvo que ocupar de terminarla.

"La Virgen de las Rocas" National Gallery en Londres

El siguiente cuadro “La Virgen de las Rocas”, obra de Leonardo da Vinci, esta datado en 1491, realizado en óleo sobre madera. Llegó al museo en 1880; tiene unas medidas de 189.5 x 120 cm. Se expone en la sala 57.

Hay dos versiones de este cuadro, la otra se conserva en el museo del Louvre de París. El cuadro fue encargado para presidir el altar de la capilla de San Francisco el Grande de Milán (Italia). Esta demostrado que esta es posterior a la del Louvre porque apunta a unas pinceladas más maduras aunque se ha llegado a la conclusión que en este cuadro participaron otros pintores, quizás los hermanos Predis.

La Virgen esta sentada sobre un suelo rocoso entre las montañas, el paisaje que aparece en el fondo es alpino, con su mano derecha sujeta a san Juanito, a la derecha hay un ángel, abajo esta la imagen de Jesús que mira a San Juan.

"La Virgen con el Niño y dos ángeles" obra de Andrea del Verrocchio, National Gallery en Londres

Más adelante “La Virgen con el Niño y dos ángeles”, obra de Andrea del Verrocchio, realizado en temple sobre madera, llegó al museo en 1910; tiene unas dimensiones de 69.2 x 49.8 cm. Se expone en la sala 57.

Andrea del Verrocchio es un artista florentino que destaco principalmente por su trabajos en escultura y en su estudio formo a muchos escultores entre ellos Leonardo da Vinci. Aunque tuvo una época que se dedico a la pintura aunque en su figura dejaba la impronta de su formación como escultor.

"Adoración de los Reyes Magos" obra de Sandro Botticelli, National Gallery en Londres

El siguiente cuadro “La adoración de los reyes”, obra de Sandro Botticelli, está datado en 1470, realizado en temple sobre madera de álamo, llegó al museo en 1878; tiene unas medidas de 130.8 x 130.8 cm. Se exponen en la sala 57.

Cuadro fue pintado con forma de tongo, en la imagen se representa a una madre después del parto, el reto de esta forma de cuadro es hacer una composición circular, como mirar a través de una mirilla.

La imagen de la adoración de los Reyes Magos se hizo muy popular en el siglo XV en la ciudad de Florencia, en la iglesia de San Marcos había una cofradía que hacia espectaculares procesiones alrededor de la ciudad.

"San Francisco de Asís con ángeles" obra de Sandro Botticelli, National Gallery en Londres

El siguiente cuadro “San Francisco de Asís con ángeles”, obra de Sandro Botticelli, está datado en 1475, realizado en temple con aceite sobre madera, llegó al museo en 1858. Se expone en la sala 57.

El cuadro muestra al fundador de la orden franciscana, lleva un crucifijo en la mano, la devoción por Cristo era tan grande que llegó a tener en su cuerpo sus propios estigmas.

En la parte inferior de su pedestal se puede leer el himno de San Francisco. La pintura nos presenta a un personaje de forma sencilla, la figura esta recortada sobre un fondo dorado.

"Adoración de los reyes" obra de Sandro Botticelli, National Gallery en Londres

El siguiente cuadro “La adoración de los reyes”, obra de Sandro Botticelli, está datado en 1470, realizado en temple sobre madera, llegó al museo en 1857; tiene unas medidas de 50.2 x 135.9 cm. Se expone en la sala 58.

La imagen se ve a un rey arrodillado ante la Virgen besando los pies a Jesús, a la derecha se ven unos pastores y a la izquierda los reyes y su séquito.

"Natividad mística" obra de Sandro Botticelli, National Gallery en Londres

El siguiente cuadro “Natividad mística”, obra de Sandro Botticelli, está datado en 1500, realizado en óleo sobre lienzo, llegó al museo en 1878; tiene unas medidas de 108,5 x 74,9 cm.

El cuadro representa una escena llena de alegría y celebración, sobre la tierra y el deleite celestial, los ángeles se encuentran bailando en la parte superior de la pintura. En la parte superior hay premoniciones oscuras, aparece el niño indefenso descansa en una hoja que evoca el sudario en el que se envolvería un día su cuerpo, mientras que la cueva en la que se establece la escena recuerda a su tumba. Los reyes de la izquierda no llevan regalos, pero su propia devoción. En la parte superior de la pintura doce ángeles vestidos con los colores de la fe, la esperanza y la caridad, están bailando en un círculo tomando ramas de olivo, y por encima de ellos el cielo se abre en una gran cúpula dorada, mientras que en la parte inferior de la pintura tres ángeles abrazan tres hombres, parece que los están levantando del suelo. Ellos tienen pergaminos que proclaman en latín, “paz en la tierra a los hombres de buena voluntad”. Detrás de ellos siete demonios huyen al inframundo, algunos empalados en sus propias armas.

"Venus y Marte" obra de Sandro Botticelli, National Gallery en Londres

El siguiente cuadro “Venus y Marte”, obra de Sandro Botticelli, está datado en 1485, realizado en temple y aceite sobre madera de álamo, llegó al museo en 1874; tiene unas medidas de 69 x 173 cm. Se expone en la sala 58.

Detalle "Venus y Marte"National Gallery

El tema central del cuado es el amor, esta pintura fue posiblemente encargada con ocasión de una boda de la familia Vespucci, perteneciendo al género de los cassoni. Por el tipo formato, estrecho y alargado, es posible que la obra formara parte de un “espaldar” que adornaría el dormitorio de los novios.

La pintura trata de la victoria amorosa. Una arboleda de mirtos, el árbol de Venus, forma parte del telón de fondo para los dos dioses que están tumbados, uno frente a otro, en un prado.

La diosa del amor está totalmente vestida y peinada, con los pliegues del un lujoso vestido blanco cayendo plácidamente, lo mismo que sus rizos. Vigila atentamente el sueño del desnudo personaje de Marte, que está durmiendo, en una representación escultórica del desnudo masculino. El dios de la guerra se ha quitado su armadura y yace sobre su capa de color rojo; todo lo que lleva es un trapo blanco sobre los genitales. Se retrata aquí a un bello adolescente, encarnando la belleza ideal.

"Constanza Caetani" National Gallery en Londres

Más adelante “Constanza Caetani”, obra de Domenico Ghirlandaio, esta datado en 1480, realizado en temple y aceite sobre madera, llegó al museo en 1910; tiene unas medidas de 57.2 x 37.5 cm. Se expone en la sala 58.

El cuadro es una retrato de una niña que por la inscripción se sabe que era miembro de la familia Médici, este tipo de cuadros se realizaban en el momento de la petición de mano con un ciudadano florentino. Tiene en sus manos un colgante y tres anillos sobre una almohada pueden hacer referencia a la dote para el matrimonio.

"Retrato de un hombre joven de rojo" National Gallery en Londres

Más adelante “Retrato de un hombre joven de rojo”, obra de Domenico Ghirlandaio, esta datado en 1480, realizado en temple sobre madera, llegó al museo en 1910; tiene unas medidas de 38.7 x 27.6 cm. Se expone en la sala 58.

El cuadro nos presenta el retrato de un hombre muy joven, destaca porque el pintor lo ha encuadrado dentro de un paisaje, era una nueva tendencia en el retrato holandés que Domenico incorporó en sus cuadros.

"Los Argonautas en Cólquida" National Gallery en Londres

El siguiente cuadro “Los Argonautas en Cólquida”, Obra de Bartolomeo di Giovanni, realizado en temple y aceite sobre madera, esta datado en 1487; tiene unas medidas de 83,2 × 163,8 cm. Se expone en la sala 58.

El cuadro representa una historia clásica como era la llegada de los argonautas a Cólquida –fue un antiguo estado, reino y después región de la actual Georgia– para apoderarse de la hija del rey.

Bartolomeo di Giovanni inicia su experiencia como pintor narrativo. En esta pintura que hábilmente va montado los complicados detalles de esta leyenda en una sola estructura dentro de un paisaje. También adaptó la historia para lo que proporcionó un complemento adecuado a Lorenzo Tornabuoni y Giovanna degli Albizzi, cuya boda esta pintura celebra. Medea ya no es una bruja malvada, pero es la ayudante virtuosa de su futuro esposo Jason.

"Retrato de un hombre joven" National Gallery en Londres

El siguiente cuadro “Retrato de un hombre joven”, obra de Sandro Botticelli, está datado en 1480, realizado en temple y óleo sobre madera, llegó al museo en 1859. Tiene unas medidas de 112 x 157 cm. Se expone en la sala 58.

El retrato de Botticelli es de un joven que destaca por la minuciosidad del trazado, lo ejecuta sobre un fondo negro. Su túnica marrón coincide con el color de sus ojos, en la cabeza lleva un sombrero rojo conocido como “beretta”.

La mayoría de los retratos realizados que se realizaban en Florencia y en otras partes de Italia se ejecutaban con una vista de perfil. Esta posición es inusual en su formato, la pintura puede haber sido originalmente más grande y haberse recortado.

"Retrato de una dama" National Gallery en Londres

El siguiente cuadro “Retrato de una dama”, obra de Alesso Baldoninetti, realizado en temple y óleo sobre madera, esta datado en 1465; tiene unas medidas de 62,9 x 40,6 cm., fue adquirido por el museo en 1866. Se expone en la sala 58.

El cuadro nos muestra una dama vestida de amarillo, durante siglos la obra fue mal atribuida como un retrato de la condesa de Palma de Urbino, atribuido a Piero della Francesca. En 1911 el historiador de arte Roger Fry estableció que las pinceladas eran de Baldovinetti. Sin embargo, no hay evidencia definitiva de la autoría y se mantiene la incertidumbre sobre la identidad de la persona retratada; la teoría más plausible es que ella es Francesca Delgi Stati de Urbino.

La mujer se muestra en el perfil, lo que refleja el renacimiento temprano por el interés en el antiguo. El fondo lo fija sobre un azul uniforme, creando un lienzo que es en gran parte plano y carente de cualquiera de perspectiva o profundidad. Se centra en los detalles del vestido y el refinado tocado.

" Los milagros de San Zenobio" National Gallery en Londres

El siguiente cuadro “Los milagros de San Zenobio”, obra de Sandro Botticelli, está datado en 1500, realizado en temple sobre madera, llegó al museo en 1924; tiene unas medidas de 66,7 x 149,2 cm. Se expone en la sala 58.

Distintos cuadros presentan escenas que ilustran episodios de la “Vida de San Zenobio” llamado Fra Clemente Mazza. En este caso el santo exorcita a los demonios de dos jóvenes poseídos como resultado de la maldición de su madre; resucita a un niño muerto, aquí tumbado en el regazo de los lamentos de su madre; y le devuelve la vista de un pagano ciego que había prometido a convertirse al cristianismo.

"El combate del amor y la castidad" National Gallery en Londres

Más adelante podemos ver “El combate del amor y la castidad”, obra de Gherardo di Giovanni del Fora, esta datado en 1475, llegó al museo en 1885. Tiene unas medidas de 42,9 x 34,9 cm. Se expone en la sala 58.

Esta pintura fue realizada para decorar un mueble, en ella se representa una escena clásica de como el amor tira flechas contra la castidad, esta agita una cadena para atacar al amor.

" Cuatro escenas de la vida de San Zenobio" National Gallery en Londres

El siguiente cuadro “Cuatro escenas de la vida de San Zenobio”, obra de Sandro Botticelli, está datado en 1500, realizado en temple sobre madera, llegó al museo en 1924. Se expone en la sala 58.

Esta pintura nos muestra tres Milagros de San Zenobio una serie que ilustra la vida del santo en el siglo V cuando era obispo. Es uno de los santos patronos de Florencia, quizás fueron hechas como decoraciones para una familia patricia.

Los paneles ilustran episodios de la vida de San Zenobio renuncia a su futura esposa; es bautizado por San Teodosio, obispo de Florencia; su madre es bautizada; es consagrado obispo de Florencia por el Papa.

"La lucha entre lapitas y centauros" National Gallery en Londres

Más adelante podemos ver “La lucha entre lapitas y centauros”, obra de Piero di Cosimo, esta datado en 1500, fue realizado en óleo sobre madera. Se exponen en la sala 58.

Esta pintura fue probablemente el tablero de un banco para un palacio florentino. Este tipo de muebles se hacían a menudo para celebrar el matrimonio. Se representa una escena de la metamorfosis de Ovidio. Y muestra centauros borrachos interrumpiendo la fiesta de la boda del rey de los lapitas, uno de ellos cogiendo a la novia por su pelo. Entre los muchos incidentes grotescos y lascivos es un episodio lírico del centauro Hylonome besando a su amante Cyllarus mientras muere de una herida de jabalina.

"Salida de los Argonautas" National Gallery en Londres

La siguiente pintura “Salida de los Argonautas”, obra del Maestro de 1487, probablemente pueda ser Pietro Donzello, esta datado en 1487, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas 83.8 × 163.8 cm. Se expone en la sala 58.

Esta tabla se realizo para el matrimonio de Lorenzo Tornabuoni (primo de Lorenzo de Médici) .Colgaba en la cámara de Lorenzo en Florencia del palacio de su familia, en su habitación privada, donde se podía entretener a los invitados especiales, así como el sueño de su esposa.

El alto nivel de educación de Lorenzo Tornabuoni estaba particularmente interesado en las antiguas leyendas griegas de Jasón y sus argonautas. Aquí, los argonautas abandonan la casa de Jason de Argos, y se preparan para zarpar en busca del vellocino de oro. Esto permitiría a Jason para recuperar su reino de su tío Pelias.

"Apolo y Dafne" National Gallery en Londres

Más adelante podemos ver “Apolo y Dafne”, obra de Antonio del Pollaiuolo, esta datado en 1470, fue realizado en óleo sobre madera, llego al museo en 1876. Se expone en la sala 58.

En el cuadro se representa Apolo alcanzando a Dafne mientras ella intenta escapar. Apolo es un joven florentino. Dafne es representada durante el proceso de transformación, de hecho sus brazos están tomando la forma de ramas mientras huye e implora a su padre que la rescate de Apolo.

"Políptico de Santo Domingo" National Gallery en Londres

Más adelante podemos ver “Políptico de Santo Domingo” es también conocido como “Retablo Demidoff”, obra de Carlo Crivelli, esta datado en 1476, realizado en temple sobre madera de álamo; tiene unas medidas de 137.5 x 40 cm. Se expone en la sala 59.

El retablo fue construido para el altar mayor de la Iglesia de San Domenico en Ascoli Piceno (Italia). El políptico estaba compuesto por ocho paneles más pequeños con Santos, también en la Galería y el panel central. Originalmente había una predela (sección inferior del retablo), hoy perdido y una Lamentación en forma de luneta arriba (ahora expuesta en Nueva York, Metropolitan Museum of Art).

El retablo tuvo un tercer nivel de Santos más pequeños, ahora reconocido como parte de un políptico separado de la misma iglesia. Todo el complejo ha sido conocido como “El retablo de Demidoff” ya que su dueño era el coleccionista de pintura Príncipe Anatole Demidoff en el siglo XIX.

"La Anunciación con San Emidio" National Gallery en Londres

El siguiente cuadro “La Anunciación con San Emidio”, obra de Carlo Crivelli, esta datado en 1486. Se expone en la sala 59.

El cuadro representa la arquitectura de la ciudad de Ascoli, en esos momentos estaba bajo dominio papal y en 1482 el Papa Sixto IV le concedió un alto grado de autogobierno.

La obra formaba parte del retablo que fue pintado para la iglesia de SS. Annunziata en Ascoli para celebrar el evento. En el margen inferior del cuadro se pueden ver los escudos de armas del Papa a la izquierda y del obispo local, Próspero Caffarelli a la derecha. Las noticias del nuevo estatus de Ascoli llegó a la ciudad en la fiesta de la Anunciación , el 25 de marzo, se convirtió en el día de fiesta en que celebraba su libertad.

Es raro para incluir un santo con el Arcángel Gabriel, en una representación de la Anunciación. San Emigdio, el santo patrón de Ascoli, se muestra la realización de un modelo de la ciudad.

"Políptico de Santo Domingo" National Gallery en Londres

La siguiente obra se ha llamado “El Retablo de Certosa” está compuesta de tres cuadros “El Arcángel Miguel”, “ La Virgen con el niño y un ángel” y El Arcángel Rafael con Tobías”, obras de Pietro Perugino, están datados en 1496. Realizados en óleo sobre tablas de madera, tiene unas medidas de 114x176 cm. Se exponen en la sala 60.

Los cuadros son conocidos como Políptico de la Cartuja de Pavía. El tríptico fue encargado por Ludovico Sforza para la Capilla de San Miguel Certosa di Pavia (Italia), es el símbolo de un edificio patrocinado por Visconti-Sforza.

El retablo original, fue instalado sobre el altar del monasterio en 1499 tenía seis paneles, se mantiene en su lugar en la parte superior del panel central donde vemos a Dios dando la bendición del padre entre los ángeles. Otras partes del retablo fueron desvalijadas en 1784, y llegaron en 1856 a la Galería Nacional de Londres.

"La Crucifixión Mond" National Gallery en Londres

El siguiente cuadro es una de las obras de arte más reconocidas “ La Crucifixión Mond ”, obra de Raffaello Santi, conocido como Rafhael, esta datado en 1502, tiene unas medidas de 283,5 x 167,3 cm., fue realizado en óleo sobre madera de álamo. Se exponen en la sala 60.

El cuadro recibe el nombre porque el anterior propietario era Luwing Mond. Rafael realiza una composición muy hermosa y perfectamente equilibrada y estática. Los colores son brillantes, matizados, de una variación extremadamente conseguida hasta el punto de crear un ritmo interno en el cromatismo que acompaña perfectamente al ritmo de la estructura compositiva.

La pintura muestra a Cristo en la cruz, a su altura está acompañado por dos ángeles que recogen la sangre que cae en cálices. Cuatro figuras dolientes observan la crucifixión. A la derecha de Cristo se arrodilla María Magdalena, con Juan el Evangelista de pie tras ella. A su izquierda está la Virgen María , y San Jerónimo, a quien se dedica este altar, está arrodillado. Al pie de la cruz, «RAPHAEL/ VRBIN / AS /.P.[INXIT]» («Rafael de Urbino pintó esto») está escrito en letras plateadas.

"La Procesión del calvario" National Gallery en Londres

El siguiente cuadro es “La Procesión del calvario”, obra de Raffaello Santi, conocido como Rafhael, esta datado en 1504, tiene unas medidas de 283,5 x 167,3 cm., fue realizado en óleo sobre madera. Se exponen en la sala 60.

El cuadro se representa en el centro la procesión del Calvario donde Cristo lleva la cruz en su camino hacia el Gólgota. Detrás de él está Simón de Cirene, que ayuda a soportar el peso de la cruz. A la izquierda se ve el desmayo de la Virgen que se apoya en las otras tres Marías y San Juan Evangelista, a su lado, se retuerce las manos.

La pintura formaba el centro del panel de la predela debajo de un retablo de la Virgen y el Niño con los Santos, que hoy se conoce como el nombre “Retablo Colonna”. Fue ejecutado para la Iglesia de Santa Antonio, Perugia (Italia). El panel central, coronado por una luneta, así como una parte de la predela, se encuentran ahora en Nueva York (Metropolitan Museum of Art). Otras partes de la predela están en Boston (Museo Isabella Stewart Gardner), y en Londres (Dulwich Picture Gallery).

"Santa Catalina de Alejandría" National Gallery en Londres

El siguiente cuadro es “Santa Catalina de Alejandría”, obra de Raffaello Santi, conocido como Rafhael, esta datado en 1507, tiene unas medidas de 72,2 x 55,7 cm., fue realizado en óleo sobre madera de álamo. Se exponen en la sala 60.

El cuadro fue pintado hacia el final de la estancia de Rafael en Florencia y muestra el joven artista en una fase de transición. La representación de la pasión religiosa en la pintura sigue siendo una reminiscencia de Pietro Perugino. Pero la gracia en la pose de Catherine es típico de la influencia de Leonardo da Vinci sobre Rafael.

Santa Catalina se muestra con la mirada ida aunque tiene un aspecto sereno, se encuentra apoyada sobre la rueda en que fue condenada a morir, pero que consiguió romper.

"La Madonna de los Ansidei" National Gallery en Londres

El siguiente cuadro es “ La Madonna de los Ansidei”, obra de Raffaello Santi, conocido como Rafhael, esta datado en 1505, tiene unas medidas de 274 x 152 cm., fue realizado en óleo sobre madera de álamo. Se exponen en la sala 60.

La pintura fue un encargo de Niccolò Anside para una capilla privada de la familia Ansidei en la iglesia de San Fiorenzo de Serviti en Perugia. Sin embargo, pronto fue sustituida por una copia de Nicola Monti, mientras que el original acabó por formar parte de la colección de Lord Robert Spencer, para pasar al final a la del Duque de Marlborough en el Palacio de Blenheim y de aquí a la Galería Nacional de Londres en el año 1885.

El cuadro muestra a la Virgen María está sentada sobre un trono de madera con el Niño Jesús en su regazo. A su derecha está san Juan Bautista, en adoración de la Virgen , y a su izquierda está leyendo un libro san Nicolás de Bari.

"San Juan Baustista predicando" National Gallery en Londres

El siguiente cuadro es “San Juan Bautista predicando”, obra de Raffaello Santi, conocido como Rafhael, esta datado en 1505, fue realizado en óleo sobre madera de álamo. Se exponen en la sala 60.

Este cuadro es uno de las dos pinturas que formaban la predela de retablo de Raphael en la capilla de los Ansidei Madonna de la iglesia de San Fiorenzo, Perugia. Se coloca debajo de la imagen de San Juan en el principal retablo, que se muestra aquí con el mismo traje.

Por debajo de la Virgen y el Niño era una representación de su compromiso y por debajo de San Nicolás un de sus milagros: no parecen haber sobrevivido estos paneles.

"Una Alegoría (Visión de un rey)" National Gallery en Londres

El siguiente cuadro es “Una Alegoría (Visión de un rey)”, obra de Raffaello Santi, conocido como Raphael, esta datado en 1505, fue realizado en óleo sobre madera de álamo. Se exponen en la sala 60.

En el cuadro se ve a un caballero durmiendo puede tener como objetivo representar al héroe romano Escipión el Africano (236-184 a.C), que fue presentado en un sueño con una elección entre la Virtud (detrás de quién es una trayectoria escarpada y rocosa) y el placer (con ropas más flexibles). Pueden representar los atributos ideales del caballero: el libro, la espada y la flor que sostienen sugieren los ideales del hombre, soldado y amante que un caballero debe combinar.

"La Madonna de Garvagh" National Gallery en Londres

Siguiendo con el mismo autor “La Madonna de Garvagh”, también es conocida como “Aldobrandini Madonna” obra de Raffaello Santi, conocido como Rafhael, esta datado en 1509, tiene unas medidas de 38.9 x 32.9 cm., fue realizado en óleo sobre madera. Se exponen en la sala 60.

La imagen representa a la Virgen Madre , a su lado Jesús y el niño Juan el Bautista, es una de las muchas pinturas de Rafael sobre este tema. Es a partir de principios de su tercera etapa o época romana, donde los cambios distintivos son vistos desde su periodo de Umbría o en el llamado estilo florentino, se caracteriza por el uso del color, y la introducción de temas más naturales.

La escena de la pintura tiene lugar dentro de una habitación, con un telón de fondo de un paisaje romano que se puede ver a través de las ventanas. El pilar oscuro entre las ventanas pone el reflejo sobre la cara luminosa de la Virgen que está sentada en un banco, sosteniendo al niño Jesús a quien comparte una flor con el niño Juan. La pintura también se ha referido como la Virgen del Giglio (o del clavel rosa) de la flor que el infante Juan dio al niño Jesús. Además de la dulzura de la pintura, es muy considerada por su gracia, belleza y habilidad técnica. Sólo los discretos halos del anillo implican algo más que una escena muy humana.

"Sansón y Dalila" National Gallery en Londres

Pasamos de sala y vemos “Sansón y Dalila”, obra de Andrea Mantegna, obra datada en 1500. Realizado al aceite sobre lienzo; tiene unas medidas de 36,8 x 47 cm. Se expone en la sala 61.

El cuadro tiene una técnica especial por imitar a un camafeo de marfil mediante una técnica de grisalla, al estilo de los relieves romanos. Se representa a Dalila con Sansón dormido confiadamente a sus pies. Dalila corta personalmente los cabellos de Sansón, (en otras obras, lo hace un siervo por ella) donde reside su milagrosa fuerza. Una fuente a la derecha de la escena y un árbol que proporciona sombra completan los elementos relajantes del episodio que acabará en la detención del héroe judío. Al fondo, los colores ígneos recuerdan otras acciones punitivas de Sansón, como la quema de campos filisteos.

El lienzo narra el episodio bíblico ocurrido durante el tiempo de los Jueces de Israel y descrito en el libro homónimo. Sansón con su extraordinaria fuerza, ejecutó grandes actos de venganza contra los enemigos de Israel, que en esos momentos eran los filisteos, por lo que gobernó durante veinte años. Estos, buscaban doblegarlo para lo que contrataron a Dalila quien tenía que descubrir el secreto de su descomunal fuerza. Por su insistencia, Sansón desveló su misterio y, mientras dormía en el regazo de Dalila, ella le cortó sus trenzas, despojándolo de su fuerza. Los filisteos capturaron y cegaron a Sansón, indefenso ante sus enemigos.

"Introducción del culto de Cibeles en Roma" National Gallery en Londres

Más adelante podemos ver “Introducción del culto de Cibeles en Roma”, obra de Andrea Mantegna, está datada en 1500, realizado en aceite sobre lienzo; tiene unas medidas de 73.5 x 268 cm. Se expone en la sala 61.

Detalle "Introducción del culto de Cibeles en Roma"National Gallery

Esta grisalla cuenta la historia que en el año 204 a.C. los romanos introdujeron el culto a Cibeles, la diosa oriental de la victoria, desde Pessina, Asia Menor, hasta Roma.

Este es uno de los cuatro cuadros encargados en 1505 por Francesco Cornaro, era un noble veneciano, que se decía descendiente de la familia Cornelii.

En la composición a la izquierda sale un palanquín que lleva un busto de la diosa coronada de torres. En el fondo dos pirámides truncadas cuyas inscripciones revelan que son las tumbas de Cornelio Escipión Gneus Nasica padre, y Publio Cornelio Escipión, el padre de Escipión el Africano.

En el centro de la mesa, antes del palanquín, el primer carácter muestra a Cornelio Escipión Nasica que alberga la diosa (una inscripción en la base especifica el: S HOSPES numinis idaei C es “Por decreto del Senado, la ciudad acoge la de llegada de la diosa”) con un grupo de hombres con togas, soldados armados se aprecian a la derecha de la tabla, cerca hay una escalera que conduce a la casa de la diosa.

"Retrato de Fray Teodoro de Urbino como Santo Domingo" National Gallery en Londres

El siguiente cuadro “Retrato de Fray Teodoro de Urbino como Santo Domingo”, obra de Giovanni Bellini, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1515. Se exponen en la sala 61.

La fecha del cuadro de 1515 indica que este es el último cuadro que realizo Bellini antes de su muerte. Una inscripción parcialmente destruida en la parte inferior de la pintura anuncia que se trata de Fray Teodoro de Urbino. Es probablemente un monje de la orden de los dominicos del convento de San Zanipolo. Fray Teodoro está vestido con un manto negro y un gorro negro sobre la cabeza. En su mano derecha sostiene un lirio blanco, uno de los atributos de los dominicos y un libro en el que una tarjeta brilla en un escrito de San Domingo. La cara del monje se representa muy realista con una mirada lejana que parece inclinado a un punto en la distancia, la boca ligeramente hacia abajo. En el fondo se puede ver una llamativa cortina con oro bordado y motivos florales, donde el lirio parece ser la flor.

Sin embargo, no queda claro si la pintura está destinada a ser un retrato de Fray Teodoro, que quiere expresar su solidaridad con su orden, o bien un retrato de Santo Domingo con la imagen de Fray Teodoro. Sobre el autor son relativamente claras por que el cuadro lleva la firma de Bellini.

"La Virgen y el niño con la Magdalena y San Juan Bautista" National Gallery en Londres

El siguiente cuadro “La Virgen y el niño con la Magdalena y San Juan Bautista”, obra de Andrea Mantegna, esta datado en 1490, realizado en temple sobre lienzo. Se expone en la sala 61.

El cuadro fue realizado para un retablo pero no se sabe para qué iglesia podía haber estado. Por primera vez está documentada la presencia del lienzo en Milán (Italia).

En la imagen se representa a la Virgen María con el Niño Jesús, en el centro de la composición, está sentada en un trono alto de intenso color rojo. A la izquierda está san Juan Bautista vestido como un ermitaño, sosteniendo su báculo en forma de cruz en torno al cual hay una filacteria enrollada. Por un lado se lee en fragmentos: (Ec)/ce agnu(s dei) (ec)ce q(ui tollit pec)cata m(un)di; es una frase evangélica bien conocida (Jn 1, 27): He aquí el Cordero de Dios que quita el pecado del mundo. Por detrás aparece Andreas Mantinia C.P.F., que es la firma del autor (Andrea Mantegna) y la última letra, F., se refiere a fecit (hizo esto). Cabe la duda de qué significaban las otras dos letras, C.P.; se ha apuntado que pudieran ser “Comes Palatinus”, un título de caballero que Mantegna había recibido en 1469, pero quizá sea más lógico entenderlas como C(ivis) P(atavinus), esto es, “ciudadano de Padua”.

A la derecha aparece la figura de María Magdalena, representada con una larga melena suelta, símbolo de su anterior vida pecaminosa; sostiene en su mano derecha un pequeño frasco de ungüentos.

"La Sagrada familia con san Juan" National Gallery en Londres

El siguiente cuadro “ La Sagrada familia con san Juan”, obra de Andrea Mantegna, esta datado en 1500; tiene unas medidas de 71,1 x 50,8 cm., llegó al museo como un legado en 1946. Se expone en la sala 61.

La temática del cuadro tiene una composición inusual, lo que sugiere es que es un trozo cortado de otro cuadro.

En él se puede ver a San Juan el Bautista como apunta con el dedo al Niño Jesús, que sostiene una rama de olivo, símbolo de paz, y, como Salvador del Mundo, un globo. Ellos están a lado de la Virgen María que apenas se la puede ver, aunque parece que está con la costura, detrás está la figura de San José mirando a otro lado.

“ La Virgen y el Niño” National Gallery en Londres

El siguiente cuadro “ La Virgen y el Niño”, obra es probable que sea de Giovanni Battista Cima de Conegliano, realizado en óleo con huevo y temple sobre madera; tiene unas medidas de 69,2 x 57,2 cm., fue adquirido por el museo en 1858. Se expone en la sala 61.

Estamos ante uno de los cuadros más importantes del pintor Cima por los colores brillantes e intensos azules y verdes que han conseguido ofrecer una imagen muy bella, así como las transparencias del velo es una de las mejores obras de Cima. La pose del niño Jesús es otra de las facetas conseguidas con una liguera torsión del cuerpo.

El fondo muestra una vista del siglo VI de Conegliano, la ciudad natal de Cima, también es plasmada en otras pinturas. La firma de Cima incluye normalmente “de Conegliano”. Su ausencia en el cuadro sugiere que esta imagen fue hecha por el mismo Conegliano, donde no habría tenido necesidad de distinguirse de cualquier otro pintor.

"La Madonna de Meadow" National Gallery en Londres

Más adelante “ La Madonna de Meadow”, obra de Giovanni Bellini, está datada en 1500, realizada en aceite y huevo en el panel sintético, transferido de la madera; tiene unas medidas de 67,3 x 96,4 cm. Se exponen en la sala 61.

El cuadro se refiere a una iconografía medieval de la Virgen de la humildad, está sentada ante un paisaje rural completo y brillante, tanto con el aspecto devocional y el aspecto del paisaje tienen la misma importancia. Está lleno de pequeños detalles de la vida cotidiana, este paisaje contribuye al tono íntimo y familiar de las dos figuras. El buitre en el árbol también posiblemente simboliza la muerte. Las poses de las figuras invitan meditación sobre la muerte y la pasión de Jesús, recordando a la Piedad en las composiciones con el Jesús adulto muerto en el regazo de su madre.

"La Virgen y el Niño" National Gallery en Londres

Más adelante “ La Virgen y el Niño”, obra atribuida al taller de Giovanni Bellini, realizada en temple y huevo sobre madera de álamo, está datada en 1480; tiene unas medidas de 90.8 x 64.8 cm cm., fue comprado en 1890. Se exponen en la sala 61.

Esta pintura es una de la muchas imágenes de la Virgen y el Niño que hizo el taller de Bellini y, a menudo se llama “ La Madonna de la granada” por la fruta que la Virgen aunque no se identifica con mucha certeza, pero bien podría ser una granada, símbolo de la Pasión. Frutas como manzanas y peras aparece en muchas pinturas de Bellini de la Virgen y el Niño. La tela verde que tiene el cuadro en el fondo también son características comunes de Madonnas de Bellini

"Cristo coronado de espinas" National Gallery en Londres

El siguiente cuadro “Cristo coronado de espinas”, obra es probable que sea de Giovanni Battista Cima de Conegliano, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 36,8 x 29,2 cm., fue comprado en 1890. Se expone en la sala 61.

El cuadro muestra Cristo con una corona de espinas sobre su cabeza y el manto llevaba en el momento de la burla de los soldados antes de la crucifixión. El episodio se narra en el Nuevo Testamento

La imaginería emocional de este tipo de obras fue diseñada para descargar la ira con la contemplación de los sufrimientos de Cristo, y parece haberse sido introducido en Italia por los pintores flamencos y que casi podría pasar por una pintura barroca española.

"La Circuncisión " National Gallery en Londres

Más adelante “ La Circuncisión ”, obra del taller de Giovanni Bellini, esta datado en 1500, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 74.9 x 102.2 cm., fue adquirido en 1895. Se exponen en la sala 61.

La circuncisión es la ablación en el ritual judío del prepucio cuando se habla de Cristo se denomina Santo Prepucio, y es una de las reliquias cristianas más preciadas. La ley mosaica, por mandato divino, prescribía: «Serán circuncidados a los ocho días de nacer todos vuestros varones de cada generación». El evangelista Lucas cuenta cómo se cumplió esta ley a los ocho días del nacimiento de Jesús; en un acto en que también «le pusieron por nombre Jesús, el cual le había sido puesto por el ángel antes que fuera concebido».

El Nuevo Testamento relata cómo después de su nacimiento, Jesús fue circuncidado según la tradición judía. La circuncisión es una obra pintada hacia alrededor de 1500, por el taller de Giovanni Bellini. El fondo negro parece ser original. Este tipo de pinturas sobre este tema fueron muy populares en Venecia a finales del siglo XV y principios del siglo XVI; esta composición era muy popular y fue muy copiada.

"Retrato de un hombre mayor" National Gallery en Londres

El siguiente cuadro “Retrato de un hombre mayor”; obra de Francesco Bonsignori, esta datatemple sobre madera, adquirido por el museo en 1864; tiene unas medidas de 62.2 x 47 cm, recibido en legado en 1910. Se expone en la sala 62.

El protagonista del cuadro no ha podido ser identificado aunque por su vestimenta lo más probable es que se trate de un senador veneciano.

Otros estudios lo han identificado como un miembro de la familia patricia Cappello de Venecia, más específicamente como Giovanni Cappello, un senador y procurador de San Marco, de 1466.

Se pudiera tratar de un patricio de pelo gris se representa llevando un vestido escarlata con una piel en el cuello, un abrigo negro sobre sus hombros, y un gorro negro.

"Retrato de un hombre" National Gallery en Londres

El siguiente cuadro “Retrato de un hombre”, obra de Alvise Vivarini también conocido como Luigi Vivarini , esta datado en 1497, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 62.2 x 47 cm, recibido en legado en 1910. Se exponen en la sala 62.

El retrato se desconoce la identidad del hombre, solamente se sabe la firma del autor por la inscripción que registra Alvise Vivarini de Murano hizo esto. Murano es una de las islas de la laguna veneciana. Es el único retrato del artista que está autenticado por su firma.

Alvise Vivarini fue un representante de la corriente más inmovilista del arte veneciano de su época, el estilo de Alvise es más avanzado que el de sus progenitores, incorporando efectos de perspectiva arquitectónica. Sus mejores obras consiguen comunicar una calidez y un lirismo que le hacen un artista de acentuada personalidad, capaz de conseguir bellos efectos lumínicos gracias a su dominio del color.

“Virgen y niño”, obra de Alvise Vivarini, National Gallery en Londres

El siguiente cuadro “Virgen y niño”, obra de Alvise Vivarini, esta datado en 1483, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 80,2 x 64,8 cm, el cuadro llego al museo en un legado. Se exponen en la sala 62.

La Virgen ofrece un abrazo solidario y ante la dulce expresión de Cristo como él mira a su madre transmitiendo intimidad. El pintor veneciano que admiraba mucho la obra de Bellini, Vivarini adopta motivos empleados por el maestro como un ilusionista que lo transmite a su obra.

“Doge Leonardo Loredan”, Obra de Giovanni Bellini, National Gallery en Londres

Más adelante “Doge Leonardo Loredan”, obra de Giovanni Bellini, esta datado en 1459, realizado en óleo sobre madera de álamo; tiene unas medidas de 61,6 x 45,1 cm., fue comprado por el museo en 1844. Se expone en la sala 62.

Detalle “Doge Leonardo Loredan” National Gallery

Leonardo Loredan era el Dux de Venecia entre 1501 hasta 1521. Belline pinta al dux utilizando sus túnicas de estado. El sombrero y los botones ornamentados son parte del su vestuario oficial. La forma de la gorra proviene de la tradición de los sombreros ducales. La pintura es parte de una tradición veneciana de pintar retratos formales de los gobernantes de la ciudad vestidos con túnicas estatales. Está pintado en el estilo de los bustos esculpidos populares de la época. Estos a menudo se inspiran en la escultura romana. Bellini firmó su nombre en su forma latina, IOANNES BELLINVS.

La pintura inicialmente habría estado en Venecia y probablemente fue saqueado cuando Napoleón conquistó la ciudad. Fue comprado por William Beckford en 1807 por trece guineas (13 £ 13s). Él lo vendió a la Galería Nacional en 1844 por 630 libras.

Una de las características más notables del retrato del dux Leonardo Loredan es la forma sensual con la que el pintor representa los tejidos de sus ropas formales. Es un reflejo del lujo que tenia la vida en Venecia donde la plata y el oro se plasmaban en los brocados.

Bellini trata de materializar al Doge intentando retratar a una persona que se muestra con sabiduría y a la vez con una aptitud inflexible, pero lo que mas destaca es la mirada que ha sido calificada como “una mirada de acero”.

“Retrato de un muchacho”, obra de Jacometto, National Gallery en Londres

El siguiente cuadro “Retrato de un muchacho”, obra de Jacometto, esta datado en 1476, realizado en temple y óleo sobre madera; tiene unas medidas de 22.9 x 19.7 cm., fue un legado particular en 1910. Se expone en la sala 62.

Esta pintura fue atribuida inicialmente a Antonello da Messina, luego a Andrea Solario, Alvise Vivarini y Giovanni Bellini. La mayoría de los críticos han llegado al acuerdo que las pinceladas coinciden con las de Jacometto.

Jacometto sintió una clara influencia por el retrato realista procedente de Holanda de la mano de Antonello da Messina, quien viajó a Venecia en 1475-1476. El retrato del muchacho pone en evidencia una reacción muy inmediata a la pintura de Antonello. Jacometto también estaba estilísticamente influenciado por la pintura de Giovanni Bellini.

“Retrato de un hombre”, obra de Antonello da Messinia, National Gallery en Londres

Más adelante podemos ver “Retrato de un hombre”, obra de Antonello da Messinia, obra datada en 1475, realizado en madera de álamo; tiene unas medidas de 25,5 x 35,5 cm., fue comprado por el museo en 1883. Se exponen en la sala 62.

La obra representa a un hombre cuya identidad es desconocida, sus atuendos demuestran que pertenecía a la clase media-alta de la época. Lleva una blusa de cuero, debajo una camisa blanca, y una boina de paño rojo.

Se le representa de tres cuartas partes, a diferencia de la tradición de la época. El fondo es oscuro y la composición esencial derivada de la escuela flamenca, con una influencia de Petrus Christus, a quien conoció personalmente Antonello en Italia.

“ La Piedad ”, obra de Giorgio Schiavone, National Gallery en Londres

El siguiente cuadro “ La Piedad ”, obra de Giorgio Schiavone, esta datado en 1456, tiene unas medidas de 37 x 26 cm. Se expone en la sala 62.

Este cuadro se piensa que fue una parte de un retablo que muestra el Cristo muerto sostenido por dos ángeles es probablemente una obra relativamente temprana por Schiavone. Se imagina pudo ser estar pintada para la iglesia de San Nicolás, de Padua (Italia).

La palabra Piedad significa tanto la piedad y como la compasión. Se refiere a una representación del Cristo muerto, que por lo general siempre aparece con la figura de su madre la Virgen María , y a veces por ángeles y otros santos.

“Cristo muerto apoyado en los santos”, obra de Marco Zoppo, National Gallery en Londres

Más adelante podemos ver el cuadro “Cristo muerto apoyado en los santos”, obra de Marco Zoppo, esta datado en 1465, realizado en huevo sobre madera; tiene unas medidas de 26.4 x 21 cm., fue comprado por el museo en 1857. Se exponen en la sala 62.

El cuerpo de Cristo crucificado y muerto está apoyado en una tumba. Esta ayudado por la figura de San Juan Bautista y con otro santo que no se ha podido identificar, este está vestido con una larga barba y una capucha, coloca sus manos cuidadosamente sobre la cabeza de Cristo.

La parte posterior de esta pintura está decorada con una imitación a mármol, lo que sugiere que se trataba de un trabajo independiente, hecho para la devoción privada y que podía verse por ambas caras.

“La sangre del Redentor”, obra de Giovani Bellini, National Gallery en Londres

El siguiente cuadro “La sangre del Redentor”, obra de Giovani Bellini, esta datado en 1460, tiene unas medidas de 47 x 34 cm, realizado en temple sobre madera. Se expone en la sala 62.

Estamos ante una de las primeras obras Bellini, donde se muestra a Cristo como el Redentor. El cuadro pudo haber servido como la puerta de un sagrario.

Cristo se muestra después de la crucifixión, como el Hombre de los Dolores, cuya sangre salva al mundo del pecado. Él se apoya en su cruz, sobre la cabeza lleva la corona de espinas. Un ángel llena un cáliz con la sangre como semejanza a los utilizados en la misa.

“Bendición de Cristo”, obra de Antonello da Messina, National Gallery en Londres

El siguiente cuadro “Bendición de Cristo”, obra de Antonello da Messina, esta datado en 1465, realizado en óleo sobre madera, tiene unas medidas de 38,7 x 29,8 cm. Se expone en la sala 62.

El cuadro muestra a Cristo levantando la mano en señal de bendición. La mano se encuentra en movimiento gracias al tratamiento transparente que nos permite ver como la mano fue dibujada ligeramente de diferente forma.

“Cristo Crucificado”, obra de Antonello da Messina, National Gallery en Londres

El siguiente cuadro “Cristo Crucificado”, obra de Antonello da Messina, esta datado en 1475, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 41.9 x 25.4 cm., fue comprado por el museo en 1884. Se expone en la sala 62.

El cuadro esta centrado en la figura de la Cruz a los pies esta la Virgen y San Juan. A medio camino se puede ver a tres mujeres: María Magdalena, María, mujer de Cleofás y María la madre de Santiago.

“Cristo lleva la cruz”, obra de anónima, National Gallery en Londres

Más adelante podemos ver “Cristo lleva la cruz”, obra de un artista veneciano o italiano, esta datado en 1500, realizado en óleo sobre tabla; tiene unas medidas 36.4 × 29.9 cm, Se expone en la sala 62.

El cuadro representa la figura de Cristo portando su propia cruz en el camino del Calvario donde fue crucificado. El espectador ocupa la posición de las mujeres santas que miraba como Cristo como pasa de largo.

El autor es un pintor veneciano desconocido con una clara influencia de Giovanni Bellini y Giorgione.

“El cuerpo de Cristo apoyado en ángeles”, obra de Giovanni Bellini, National Gallery en Londres

El siguiente cuadro “El cuerpo de Cristo apoyado en ángeles”, obra de Giovanni Bellini, esta datado en 1465, realizado en temple y óleo sobre madera; tiene unas medidas 94,1 x 71,8 cm. Se exponen en la sala 62.

Bellini trabajo para muchos encargos privados y este cuadro por las medidas debió de ser uno de ellos para un uso devocional. El pintor realizo algunas variantes sobre el mismo tema, en este se ve el cuerpo musculoso de Cristo después de la crucifixión esta apoyado por dos ángeles, destaca la expresión de su cara junto con su barba y cabellos trenzados y cubiertos por la cruz de espinas.

“La oración en el huerto”, obra de Andrea Mantegna, National Gallery en Londres

El siguiente cuadro “La oración en el huerto”, obra de Andrea Mantegna, esta datado en 1458, realizado en temple sobre madera; tiene unas medidas de 62,9 x 80 cm. Se exponen en la sala 62.

El cuadro muestra en la parte superior como un grupo de cinco ángeles portando cruces se aparecen ante a Cristo en el momento de la oración mientras sus discípulos duermen. En el fondo se puede ver a Judas que llega con un grupo de soldados para arrestar a Cristo. El árbol muerto y el buitre pueden indicar la muerte. Jerusalén (que está representado aquí como una ciudad amurallada), y que estaba entonces bajo dominio romano, se puede imaginar una estatua ecuestre, una columna con escultura en relieve, y un teatro como el Coliseo, todas inspiradas en los monumentos que sobreviven en Roma.

“La oración en el huerto”, obra de Giovanni Bellini, National Gallery en Londres

El siguiente cuadro “La oración en el huerto”, obra de Giovanni Bellini, esta datado en 1465, tiene unas medidas de 81,3 x 127 cm., realizado en huevo sobre madera. Esta expuesto en la sala 62.

El cuadro nos muestra a Jesús en la parte derecha sobre una montaña como ora en el huerto de Getsemaní, mientras que sus tres discípulos: Pedro, Santiago y Juan duermen el sueño. Un ángel revela una taza y una patena, símbolos de su sacrificio inminente. En el fondo se puede ver a Judas como se acerca con los soldados romanos para arrestar a Jesús.

“El cardenal Bessarion con el relicario Bessarion”, obra de Gentile Belline, National Gallery

Más adelante podemos ver “El cardenal Bessarion con el relicario Bessarion”, obra de Gentile Belline, esta datado en 1472, realizado en huevo y temple con oro y plata sobre madera, tiene unas medidas de 102,3 x 37,2 cm. Se exponen en la sala 62.

Gentile Belline recibe el encargo de la cofradía veneciana de la Caridad para realizar un cuadro con en momento de la llegada de los fragmentos de la Vera Cruz por el cardenal griego Bessarion.

“Carlomagno en la reunión de San Joaquín y Santa Ana ante la puerta Dorada”, obra de Jean Hey, National Gallery

El siguiente cuadro “Carlomagno en la reunión de San Joaquín y Santa Ana ante la puerta Dorada”, obra de Jean Hey, esta datado en 1491, realizado en óleo sobre madera de roble, tiene unas medidas de 72,6 x 60,2 cm. Se expone en la sala 63.

El cuadro presenta a los padres de la Virgen San Joaquín y Santa Ana delante de la Puerta Dorada de las murallas de Jerusalén. Fue en esta reunión donde se anuncio que la Virgen había sido concebida milagrosamente, ante la presencia de Carlomagno.

Este es un fragmento de la parte izquierda de un retablo; en el lado de la derecha, que representa la Anunciación , está en la ciudad de Chicago. El emperador Carlomagno se incluye como un asistente del santo en la escena central que falta.

Jean Hey pinto este tríptico para el retablo de la catedral de Moulins en Francia, hecha para la corte borbónica.

“La misa de San Gil”,, obra atribuida al Maestro de San Gil, National Gallery de Londres

El siguiente cuadro “La misa de San Gil”, obra atribuida al Maestro de San Gil, esta datado en 1500, realizado en óleo sobre madera de roble, tiene unas medidas de 62,3 x 46 cm. Se expone en la sala 63.

El cuadro formaba parte junto con otro similar de un retablo. En este se representa el milagro delante del altar mayor de la abadía de Saint-Denis, cerca de París. Muchos de los objetos que se muestran se puede demostrar que ha existido en la iglesia. Esta es la representación única que ha sobrevivido de la iglesia como era hacia aproximadamente el año 1.500.

En el cuadro aparece Carlos Martel (A la izquierda de rodillas) –fue el Mayordomo de palacio del reino de Austrasia desde el año 715 hasta su muerte. Era hijo ilegítimo de Pipino de Heristal (llamado el Joven o Pipino II) y de su concubina Alpaïde de Bruyères– no se atrevía a confesar un pecado. Pidió a San Giles que orarse por él. Mientras Giles estaba celebrando la misa, un ángel colocó sobre el altar un papel en el que estaba escrito el pecado del rey y su perdón, dependiente de su arrepentimiento. El incidente se dice que tuvo lugar en Orléans en 719.

“San Gil y los ciervos”, obra atribuida al Maestro de San Gil, National Gallery de Londres

El siguiente cuadro “San Gil y los ciervos”, obra atribuida al Maestro de San Gil, esta datado en 1500, realizado en óleo sobre madera de roble, tiene unas medidas de 65,4 x 48,4 cm. Se expone en la sala 63.

Es la parte derecha del retablo de San Gil, en este se muestra la imagen probablemente el rey de Francia se arrodilla con un obispo a pedir perdón a San Gil. Un miembro de la guardia real había disparado en Saint Giles a los ciervos hiriendo al santo.

“El Tríptico de Donne”, obra de Hans Memling, National Gallery de Londres

El siguiente cuadro es una de las mejores obras de arte del museo “El Tríptico de Donne”, también conocido como “ La Virgen y el niño con los santos y donantes”, obra de Hans Memling, esta datado en 1478, tiene unas medidas de 71 x 70,3 cm. Se expone en la sala 63.

El cuadro fue pintado por encargo en Brujas del noble galés Sir John Donne al que pinta de rodillas a la derecha de la Virgen en la tabla central. Cristo niño, sentado en las rodillas de su madre aparece bendiciéndole. En las hojas aparecen los dos santos patronos del donante: San Juan Bautista y San Juan Evangelista. El conjunto es de gran luminosidad y colorido. El reverso de las hojas muestra a San Cristóbal y a San Antonio Abad pintados en grisalla. Por su tamaño demuestra que es un cuadro devocional para una casa privada.

Panel central “El Tríptico de Donne”, obra de Hans Memling, National Gallery de Londres

El Panel central muestra a la Virgen entronizada con el niño sobre sus rodillas y los donantes en posición de adoración a los lados. A la izquierda el donante, John Donne, y a la derecha su esposa junto con su hija mayor, Anne. Junto al donante aparece Santa Catalina presentándola y junto a su esposa aparece santa Bárbara. Por el ventanal del fondo vemos los símbolos de estas dos santas, la rueda de molino propia de Santa Catalina y la Torre propia de Santa Bárbara. Dos ángeles músicos entretienen al niño, uno de ellos le muestra la manzana símbolo de la caída del hombre para cuya redención Él vino al mundo. La Virgen aparece leyendo mientras que el Niño está distraído y pasa las hojas del libro. Los donantes llevan los collares propios de la corte británica, ya que fueron comisionados por Eduardo IV para organizar la boda de su hija Margarita con Carlos el Temerario, duque de Borgoña.

Panel izquierdo “El Tríptico de Donne”, obra de Hans Memling, National Gallery de Londres

El panel izquierdo muestra a San Juan Bautista portando un cordero, “El Cordero de Dios” realizado con gran realismo. Es considerado el primo-hermano o primo segundo de Jesús y como uno de los profetas.

Panel derecho “El Tríptico de Donne”, obra de Hans Memling, National Gallery de Londres

El panel derecho muestra a San Juan Evangelista. La tradición cristiana más antigua le asigna ese nombre desde casi el primer momento por considerarle el autor del evangelio de su propio nombre Juan.

“Fragmentos del retablo de San Bertin” , obra de Simon Marmion, National Gallery de Londres

Los dos siguientes cuadros “Fragmentos del retablo de San Bertin” a la izquierda “Un coro de ángeles”; a la derecha “El alma de San Bertín lleva a Dios”, obra de Simon Marmion, esta datado en 1459, tienen unas medidas cada uno de 57,7 x 20,5, realizado en óleo sobre roble. Esta expuesto en la sala 63.

Estos dos fragmentos del retablo representan episodios de la vida de San Bertin, son dos claros ejemplos de la pintura gótica, encargados para la abadía de Saint Bertin en Saint-Omer, el norte de Francia.

“San Juan Bautista y San Lorenzo”, Obra de Hans Memling, National Gallery de Londres

Los dos siguiente cuadros son fragmentos de un tríptico “San Juan Bautista y San Lorenzo”, Obra de Hans Memling, realizados en óleo sobre madera de roble, tienen unas medidas de 57,5 x 17,3 y 57,5 x 17,1 cm., están datados en 1480. Se exponen en la sala 63.

Los siguientes cuadros pertenecen al panel derecho e izquierdo de un tríptico de las cuales el panel central es una Virgen con el Niño y ángeles, ahora en la Galería de los Uffizi, Florencia. A la izquierda está San Juan Bautista, llevando el cordero que simboliza a Cristo. A la derecha está la temprana mártir cristiano San Lorenzo, llevando parrilla en el que fue asado en su muerte.

“La Virgen y el niño”, obra de Dirk Bouts, National Gallery de Londres

El siguiente cuadro “La Virgen y el niño”, obra de Dirk Bouts, realizado en óleo con huevo y temple sobre madera de roble, esta datado en 1465, tiene unas medidas de 37,1 x 27,6 cm. Se exponen en la sala 63.

El cuadro muestra la imagen de la Virgen y el niño, ella lleva una bonita túnica azulada, tiene abierto el pecho y con su mano derecha sujeta un pecho para que el niño pueda mamar, el niño esta sobre un cojín al borde de una ventana. Al fondo se puede ver una ventana con un paisaje. El cuadro muestra una clara influencia de la escuela de Rogier van der Weyden.

“El entierro ”, obra de Dirk Bouts, National Gallery de Londres

El siguiente cuadro “El Entierro”, obra de Dirk Bouts, realizado en temple sobre lienzo, esta datado en 1450; tiene unas medidas de 87,5 x 73,6 cm. Se exponen en la sala 63.

El cuadro fue pintado para un gran retablo, probablemente realizado para un encargo de alguna iglesia en Italia.

El cuadro representa el momento en que el cuerpo de Cristo esta siendo bajado a la tumba. Las miradas de las figuras masculinas se fijan directamente en el cuerpo de Cristo, se pueden ver como los ojos de las mujeres están abatidos. María se aferra al brazo de Cristo, en un gesto de despedida dolorosa pero a la vez tierna. En la distancia se puede ver un paisaje excepcionalmente sutil y convincente.

“Retrato de un hombre”, obra de Dirk Bouts, National Gallery de Londres

El siguiente cuadro “Retrato de un hombre, Jan Van Winckele”, obra de Dirk Bouts, realizado en temple y huevo sobre madera de roble, esta datado en 1462, tiene unas medidas de 31,6 x 20,5 cm. Se exponen en la sala 63.

La pintura esta data en 1462 por la inscripción que se puede leer en el fondo del retrato. En el fondo de la venta se puede ver una escena de un paisaje holandés.

El modelo del vestido es de estilo sencillo, corresponde con el tipo de ropa que se usaba en la Universidad de Lovaina, cuyos estatutos de la época indican que los estudiantes se visten con ropas clericales. Jan van Winckele se hizo notario de la Universidad en 1462 y el retrato podría haber sido pintado para conmemorar esta ocasión.

“Cristo cornado de espinas”, obra de Dirk Bouts, National Gallery de Londres

El siguiente cuadro “Cristo coronado de espinas”, obra de Dirk Bouts, realizado con óleo, temple y huevo sobre lienzo impuesto sobre madera, esta datado en 1470; tiene unas medidas de 43,8 x 37,1 cm. Se exponen en la sala 63.

Cristo se muestra dentro de todo el sufrimiento y en el dolor, lo que refleja uno de los dos grandes estilos de representación única de retratos populares a mediados y finales del siglo XV. Está coronado de espinas, la sangre brota de ambas manos, también en el pecho y en la cara.

“La Virgen y el niño con san Pedro y san Pablo”, obra del taller de Dirk Bouts, National Gallery

El siguiente cuadro “ La Virgen y el niño con san Pedro y san Pablo”, obra del taller de Dirk Bouts, realizado con óleo sobre madera de roble, esta datado en 1460; tiene unas medidas de 68,8 x 51,6 cm. Se exponen en la sala 63.

El cuadro se representa a la Virgen María que tiene en el brazo al niño Jesús, a la izquierda esta san Pedro San Pedro con su llave al cielo delante de él, muestra a la Virgen un libro iluminado, mientras que San Pablo, a la derecha, con su espada a su lado, ofrece a Jesús una clavel, un símbolo de la pasión. A las espaldas hay unas vidrieras, la de la izquierda muestra una representación del Cristo adulto en majestad. El edificio en sí es sugerente de que pudiera ser una iglesia.

“ La Natividad y la noche”, obra de Geertgen tot Sint Jans, National Gallery

El siguiente cuadro “ La Natividad y la noche”, obra de Geertgen tot Sint Jans, realizado en óleo sobre madera de roble, esta datado en 1490, tiene unas medidas de 34 x 25,3 cm. Se exponen en la sala 63.

Geertgen tot Sint Jans en español significa “Gerardo de la orden de San Juan Bautista” (conocidos estos últimos también como Caballeros de San Juan u Hospitalarios). Su vida, supuestamente corta, de apenas 28 años, y su limitada producción han hecho que sea poco conocido. Es considerado como uno de los mejores maestros menores de la pintura flamenca.

“Virgen y niño”, obra de una seguidor de Hugo van der Goes, National Gallery

El siguiente cuadro “Virgen y niño”, obra de un seguidor de Hugo van der Goes, esta datado en 1485, realizado en óleo sobre madera de roble, tiene unas medidas de 32,3 x 21,4 cm. Se exponen en la sala 63.

Detalle “Virgen y niño”, National Gallery

El tríptico presenta un panel central pintado por un seguidor o algún taller miembro del pintor flamenco Hugo van der Goes o Gerard David.

La imagen central es un retrato íntimo María acunando al niño Jesús que juega con un rosario rojo atado alrededor de su cuello.

La obra en el siglo XIX fue comprada por un comerciante de arte, con el panel central lo inserto en un tríptico haciendo un retablo. El panel central lleva evidencia de que fue cortado ligeramente hacia abajo para encajar en el marco.

El panel central se ha atribuido a una serie de pintores primitivos flamencos, entre ellos Rogier van der Weyden, Gerard David y van der Goes. Seguramente fue iniciada por algún seguidor y terminada en algún momento por el maestro, esto era común porque era una industria próspera y bien remunerada.

En los paneles laterales indica:

Panel izquierdo

 

Panel derecho

 

Ave
Sanctissima
Maria m[ate]r
Dei Regina
Celi porta
Paradisi
Domina
Mu[n]>di pura
Singularis
tu es Virgo
Tu sine pec[cat]o
Concepta
concepisti
Ih[esu]m sine
o[m]ni macula.

Dios te salve,
Santísimo
María, Madre
de Dios, Reina
del Cielo, Puerta
del Paraíso,
Dama
del mundo,
tú eres una única
virgen pura;
concebido a sí mismo
sin pecado,
concebiste
Jesús sin
cualquier mancha.

Tu
Peperisti
Creatorem
et saluatore[m]
Mundi
In quo non
Dubito
libera me
Ab omni
malo Et
Ora pro
Peccato
Meo
Amen..

Usted
hemos soportado
el creador
y Salvador
del mundo
en quien yo
No dudes.
Líbrame
Desde todos
mal y
orar por
mi
pecado.
Amén.

 

 

“Sant Jerónimo en un paisaje”, obra del taller de Gerard David, National Gallery

El siguiente cuadro “San Jerónimo en un paisaje”, obra del taller de Gerard David, realizado en óleo sobre madera de roble, tiene unas medidas de 35,3 x 23,7 cm. Esta expuesto en la sala 63.

El cuadro esta protagonizado por la figura de San Jerónimo, está arrodillado y acompañado de un león ante la imagen de Cristo en la cruz. El santo tiene una piedra y sangre sobre su pecho lo que indica que se ha flagelado.

“El matrimonio místico de Santa Catalina”, obra de un maestro portugués, National Gallery

El siguiente cuadro “El matrimonio místico de Santa Catalina”, obra de un maestro portugués, esta datado en el siglo XVI, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 33 x 25,7 cm. Se expone en la sala 63.

El cuadro representa el matrimonio de Santa Catalina que se halla a la izquierda, a la derecha está la Virgen María y el Niño Jesús. Al fondo a la izquierda se puede ver a San José y la mujer de la derecha en primer plano es probablemente María Magdalena. La imagen representa a Saint Catherine en el intercambio de anillos con el niño de Cristo y se refiere a su visión simbólica de la unión con Cristo.

La imagen está conectada estilísticamente con un grupo de obras (ahora principalmente en el Museo de Lisboa) atribuido a Frei Carlos. Este artista se cree que estuvo activo en el Convento de Espinheiro en Évora, donde está documentado en 1517.

“La Ascensión”, obra de Michel Sittow, National Gallery

El siguiente cuadro “ La Ascensión ”, obra de Michel Sittow, realizado en óleo sobre madera, esta datado en 1500; tiene unas medidas de 22 x 16,5 cm. Se exponen en la sala 63.

El cuadro nos presenta una reunión de los seguidores de Cristo para presenciar su ascensión al cielo. El grupo mira desde abajo a los pies de Cristo como desaparece entre varias nubes.

Representa el relato bíblico de la ascensión de Cristo y no nombra testigos individuales. En el cuadro se identifican a la Virgen María y San Juan Evangelista, ambos son reconocibles como los personajes centrales, también se puede ver la figura de María Magdalena es la mujer vestida más suntuosamente en color oro y San Pedro es la figura en blanco en el primer plano.

“Cristo se aparece a la Virgen”, obra de Juan de Flandes, National Gallery

El siguiente cuadro es “Cristo se aparece a la Virgen ”, obra de Juan de Flandes, esta datado en 1499; tiene unas medidas de 21,2 x 15,4 cm, realizado en óleo sobre madera de roble. Se expone en la sala 63.

Juan de Flandes fue contratado como pintor de la corte para la Reina Católica. Probablemente fue seguidor de la escuela pictórica de Brujas, y por lo tanto indirectamente de Jan van Eyck. Juan de Flandes realizó durante su periodo español numerosas obras en las que aúna la perfección técnica y el dominio de la composición con una extraordinaria sensibilidad hacia la luz y el paisaje castellano.

El pintor trato de plasmar la información de hechos Cristianos siguiendo los principios medievales de los textos en describen la aparición de Cristo a su madre después de su descenso a los infiernos para liberar a los justos. Adán y Eva se encuentran entre los salvados, y se muestran aquí de pie detrás de Cristo.

“La Virgen y el niño”, obra de Hans Memling, National Gallery

El siguiente cuadro “ La Virgen y el niño”, obra de Hans Memling, esta datado en 1475, realizado en óleo sobre madera de álamo, tiene unas medidas de 37,9 x 28 cm. Se expone en la sala 63.

Estamos ante una tabla que fue pintada para la parte central de un tríptico, seguramente por las medidas se trata de un devocional de carácter privado.

Esta imagen fue reproducida por el pintor muchas veces con otras tantas escenas y variantes, en este caso se centra solamente sobre un primer plano de la Virgen y el Niño, al fondo se ve un trozo del trono, destaca por el vestido dorado de la virgen con incrustaciones de piedras preciosas. La mirada de la madre es serena y reflexiva mientras que el niño tiene una mirada que parece estar ausente.

“La virgen con el niño y un ángel, San Jorge y un donante”, obra de Hans Memling, National Gallery

El siguiente cuadro “La virgen con el niño y un ángel, San Jorge y un donante”, obra de Hans Memling, esta datado en 1480, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 54,2 x 37,4 cm. Se exponen en la sala 63.

Es una obra más que gira sobre el mismo tema, en este caso es un encargo particular que se añade al cuadro como donante. El donante no está identificado, se presenta a la derecha arrodillado al lado de la Virgen , está acompañado por San Jorge, el caballero de Capadocia en el siglo III, era un personaje legendario que rescató a una princesa matando a un dragón.

“Un hombre joven rezando”, obra de Hans Memling, National Gallery

El siguiente cuadro “Un hombre joven rezando”, obra de Hans Memling, esta datado en 1470, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 39 x 25,4 cm. Se exponen en la sala 63.

El cuadro es un retrato de un joven no identificado en la postura de oración, es probable que formase parte del lado izquierdo de una pequeña imagen devocional. El libro abierto, probablemente un libro de horas u otro libro devocional, sugiere que después de un período de oración y meditación el joven ha mirado hacia arriba para ver una visión del objeto de sus devociones, quizás la Virgen y el Niño, que puede haber sido el tema del panel de la derecha.

“San Jorge y el Dragón”, obra de Jacopo Tintoretto, National Gallery

El siguiente cuadro “San Jorge y el Dragón”, obra de Jacopo Tintoretto, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1555; tiene unas medidas 158,3 x 100,5 cm. Se expone en la sala 9.

El cuadro representa un episodio popularizado por la Leyenda dorada de Jacobo de la Vorágine : La leyenda del dragón relacionada con el santo Jorge de Capadocia. Un dragón hace un nido en la fuente que provee de agua a una ciudad. Como consecuencia los ciudadanos debían apartar diariamente el dragón de la fuente para poder conseguir agua, lo que conseguían mediante la ofrenda de un sacrificio humano que se decidía al azar entre los habitantes. Un día resultó seleccionada la hija del rey. Cuando estaba a punto de ser devorada por el dragón, aparece San Jorge, oficial romano en Capadocia, se enfrenta con el dragón, lo mata y salva a la princesa. Los agradecidos ciudadanos abandonan el paganismo y abrazan el cristianismo.

La batalla entre San Jorge y el Dragón simbolizaba la lucha entre el bien y el mal, con el triunfo del primero. Era un tema clásico en la pintura occidental.

“El buen samaritano”, obra de Jacopa Bassano, National Gallery

El siguiente cuadro “El buen samaritano”, obra de Jacopa Bassano, esta datado en 1562, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 102,1 x 79,7 cm. Se expone en la sala 9.

En este cuadro se empieza a ver una influencia manierista producida al final del renacimiento.

Bassano realiza una copia reducida de otra misma versión, en ella se representa el rescate de un viajero herido por un samaritano, mientras un sacerdote y un levita pasaban sin prestar ayuda. Esta pintura es un buen ejemplo del periodo de madurez del pintor marcado por una paleta más oscura y sutil en contraste entre la luz y la sombra.

“Cristo lavando los pies a los discípulos” obra de Jacopo Tintoretto, National Gallery

El siguiente cuadro “Cristo lavando los pies a los discípulos” obra de Jacopo Tintoretto, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1575; tiene unas medidas 204,5 x 410.2 cm. Se expone en la sala 9.

El cuadro fue pintado, probablemente en la década de 1560 para la Capilla del Sacramento en la iglesia veneciana de San Trovaso (Santos Gervasio y Protasio) junto con una “Última Cena”.

Antes de la última cena de Cristo lavó a sus discípulos los pies usando un recipiente con agua y frotándolos con la toalla. Pedro protestó, pero Cristo le observó: “Si no te lavo, no tienes vienes conmigo”. Entonces Pedro dijo: Señor, no sólo mis pies, sino también las manos y la cabeza.

“San Jerónimo”, obra de Giovanni Girolamo Savoldo, National Gallery

El siguiente cuadro “San Jerónimo”, obra de Giovanni Girolamo Savoldo, esta datado en 1525, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 121 x 160,4. Se exponen en la sala 9.

El cuadro se centra en la figura de San Jerónimo fue el traductor de la Vulgata de la Biblia y una fuente de inspiración para los penitentes y ermitaños cristianos. En el cuadro se representa en el desierto golpeándose el pecho en la oración penitencial frente a un crucifijo. La iglesia en el fondo puede encarnar a Santos Giovanni e Paolo de San. Zanipolo en Venecia.

“María Magdalena”, obra de Giovanni Girolamo Savoldo, National Gallery

El siguiente cuadro “María Magdalena”, obra de Giovanni Girolamo Savoldo, esta datado en 1525, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 89.1 x 82.4. Se exponen en la sala 9.

El cuadro nos presenta María Magdalena lleva una capa plateada y un gesto de aflicción. Aparece en el cuadro con su iconografía habitual con el tarro de ungüento que hay en la esquina inferior izquierda, y también por la elegancia con la que va vestida. Según el evangelio de San Juan, ella fue la primera persona que vio a Jesucristo resucitado. La pobre mujer se llevó un susto de muerte cuando llegó una mañana a la tumba y se la encontró abierta y vacía. Se echó a llorar desconsoladamente, convencida de que algún desaprensivo había robado el cadáver. Justo en ese momento, el resucitado apareció frente a ella y le dijo “noli me tangere” (no me toques), cuando la asombrada María fue a echarle mano para comprobar que no estaba teniendo visiones.

“La consagración de san Nicolás”, obra de Paolo Veronese, National Gallery

El siguiente cuadro “La consagración de san Nicolás”, obra de Paolo Veronese, esta datado en 1562, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 286,5 x 175,3 cm. Se expone en la sala 9.

El cuadro nos muestra la víspera de la elección del arzobispo de Myra en Licia (Asia Menor) en el siglo IV, se reveló que uno de los obispos que un joven llamado Nicolás había sido escogido por Dios. Cuando San Nicolás se presentó en la catedral el día siguiente fue elegido e instalado inmediatamente como arzobispo. La historia se cuenta en la leyenda dorada. Veronese muestra el momento del reconocimiento de Nicolás y la consagración.

“La conversión de María Magdalena”, obra de Paolo Veronese, National Gallery

El siguiente cuadro “La conversión de María Magdalena”, obra de Paolo Veronese, esta datado en 1548, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 117,5 x 163,5 cm. Se expone en la sala 9.

El lienzo nos muestra una imagen con un enfoque sofisticado e ingenioso de Veronese impuesto con una narrativa y composición especial: la curva hacia adentro de giro de las figuras de la derecha se corresponde con el desvío hacia el exterior uno de la arquitectura visto a través de la puerta en la pared de la izquierda. Los hombres llevan nuestra mirada a María, anclada en el centro de las dos columnas. Su atención nos conduce hacia Cristo que con la mano señala a Martha (La hermana de María). Su elegante, la postura ligeramente inclinada se acentúa por el niño que desaparece detrás de las ropas de la mujer de la izquierda.

“La familia de Dario ante Alejandro”, obra de Paolo Veronese, National Gallery

El siguiente cuadro “La familia de Darío ante Alejandro”, obra de Paolo Veronese, esta datado en 1565, realizado en óleo sobre lienzo, tiene unas medidas de 236,2 x 474,9 cm. Se expone en la sala 9.

El cuadro representa el error cometido por la familia de Darío, tras la batalla de Issos, el joven Alejandro quiso visitar con su amigo Hefestio a la familia del derrotado Darío. Puesto que Hefestio era un hombre corpulento y de aspecto impresionante, la madre de Darío, confundiéndolo con el emperador, se arrodilló ante él para rendirle pleitesía. Una vez aclarado el malentendido, Alejandro dijo caballerosamente que Hefestio era también emperador, para disipar la situación embarazosa de la dama.

La interpretación de Veronese es sutil y refinada. El cuadro dispone las figuras elegantemente sobre una superficie, magníficamente vestido con la moda actual, con la excepción de Alexander que está vestido de rojo y lleva una armadura de construcción clásica. Haciéndose eco de los edificios contemporáneos en Verona, en el contexto arquitectónico se forma como un decorado de teatro, mientras que bajo el horizonte recuerda la experiencia de ver una obra de teatro desde la primera fila.

“Un par de amantes”, obra de Paris Bordone, National Gallery

El siguiente cuadro “Un par de amantes”, obra de Paris Bordone, esta datado en 1555, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 139,1 x 122 cm. Esta expuesto en la sala 9.

El cuadro también se ha titulado como Dafnis y Cloe, presumiblemente porque los avances tentativos del hombre sugieren los problemas que este par de amantes tenían, pueden resumirse como el relato del descubrimiento de la sexualidad por parte de dos pastores adolescentes como se relata en la novela pastoral griega redactada por Longus, probablemente del siglo II d.C

Los protagonistas cuando eran bebés son rescatados y criados por dos familias vecinas de humildes pastores. Con el tiempo Dafnis y Cloe crecen, y surge una gran amistad entre ellos, fruto de verse a menudo durante las labores de pastoreo que sus respectivas familias les asignan. Pero al llegar a la pubertad un sentimiento nuevo nace en ellos. El deseo y hasta podría decirse el amor les embargan, instinto que no pueden saciar por no conocer el proceder necesario. El nexo del relato es el camino de aprendizaje de la sexualidad que les hará pasar de niños a adultos.

“Venus y Adonis”, obra del taller de Titian, National Gallery

El siguiente cuadro “Venus y Adonis”, obra del taller de Titian o Tiziano, esta datado en 1555, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 177,9 x 188.9 cm. Se expone en la sala 9.

La obra que podemos ver es una copia del famoso cuadro del Museo del Prado que Tiziano pinto para Felipe II, en este caso fue realizada por miembros del taller del pintor.

La pintura ilustra uno de los episodios recogidos por Ovidio en sus famosas Metamorfosis. La obra ofrece una imagen de Venus parcialmente de espaldas, concebida por Tiziano para ser contemplada y contrapuesta a la Dánae (rigurosamente frontal), que él mismo había pintado poco antes (Londres, Duques de Wellington), y con la intención de que ambas obras se mostrasen en la misma estancia en armónica contraposición.

Esta obra fue famosa, desde su primera exhibición, por el erotismo que expresa. Su principal singularidad radica en la actitud y postura de Venus: en lugar de una beldad pasiva que simplemente se deja seducir, aquí ella toma la iniciativa al intentar retener a Adonis. Además, la vemos de espaldas, con sus nalgas totalmente visibles. Esta parte de la anatomía femenina tenía en aquella época una gran connotación erótica.

“El rapto de Genímedes”, obra de Damiano Mazza, National Gallery

El siguiente cuadro “El rapto de Genímedes”, obra de Damiano Mazza, esta datado en 1575, fue realizado en óleo sobre lienzo, tiene unas medidas de 177,2 x 188.7 cm. Se expone en la sala 9.

El cuadro muestra a Ganímedes era un bello joven –considerado que estaba dotado de belleza especial– que guardaba los rebaños de su padre en las montañas cercanas a Troya. Su belleza llamó la atención a Zeus que no dudó en raptarlo, convirtiéndose en águila. Fue trasladado al Olimpo donde serviría de copero, escanciando el néctar en la copa de Zeus, función en la que reemplazaría a Hebe, la diosa de la juventud. A pesar del contenido homosexual de la historia, los comentaristas cristianos convirtieron el rapto de Ganímedes en una alegoría del rapto del alma humana por parte de Dios y de su ascensión al reino de los Cielos.

“Desprecio”, obra de Paolo Veronese, National Gallery

El siguiente cuadro forma parte de una serie llamada Las Cuatro Alegorías del Amor “Desprecio”, obra de Paolo Veronese, esta datado en 1575, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 186,6 x 188,5 cm. Se expone en la sala 9.

Este cuadro es uno de los cuatro que forman la serie «Alegorías del amor», realizadas por Veronés por encargo, según se cree, del emperador Rodolfo II para exhibidos en el techo de una sala.

Veronese representa a un hombre al que Cupido castiga como un mal marido a base de golpes con su pequeño arco. La escena es presenciada por dos mujeres, una esta desnuda, probablemente personifica el amor carnal, mientras que la otra está totalmente vestida y lleva un armiño, de uso frecuente como un símbolo de la castidad.

“Respeto”, obra de Damiano Mazza, National Gallery

El siguiente cuadro forma parte de una serie llamada Las Cuatro Alegorías del Amor “Respeto”, obra de Paolo Veronese, esta datado en 1575, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 186,1 x 194,3 cm. Se expone en la sala 9.

En el cuadro se representa el dios Cupido como impide que un hombre, presuntamente casado, se acerque a una mujer que duerme desnuda.

“Unión feliz”, obra de Damiano Mazza, National Gallery

El siguiente cuadro forma parte de una serie llamada Las Cuatro Alegorías del Amor “Unión feliz”, obra de Paolo Veronese, esta datado en 1575, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 187,4x 186,7 cm. Se expone en la sala 9.

El cuadro presenta como una pareja se unen en presencia de una mujer desnuda con la asistencia de un niño –posiblemente Venus y Cupido, aunque carecen de los rasgos que les identifiquen de forma segura–. La unión entre la pareja se hace por medio de una corona de laurel, que significa su virtud, y una rama de olivo que simboliza la paz. La cadena de oro que llevar el niño probablemente se refiere al matrimonio, mientras que el perro es un símbolo de la fidelidad.

“La infidelidad”, obra de Damiano Mazza, National Gallery

El siguiente cuadro forma parte de una serie llamada Las Cuatro Alegorías del Amor: “La infidelidad”, obra de Paolo Veronese, esta datado en 1575, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 189,9 x 189,9 cm. Se expone en la sala 9.

Veronese representa en este cuadro a una mujer infiel, está desnuda de espaldas, sujetando a su marido con la mano derecha mientras que con la izquierda parece entregar un papel a su amante, hacia quien vuelve la cabeza y la mirada.

“El entierro”, obra del Miguel Ángel, National Gallery

El siguiente cuadro “El entierro”, obra del Miguel Ángel, esta datado en 1500, realizado en óleo y témpera sobre madera; tiene unas medidas de 161,7 x 149,9 cm. Se expone en la sala 8.

La obra ha sido objeto de una serie de disputas sobre su posición cronológica, aunque en general se considera una obra de juventud del pintor. Según otros, fue una obra de un alumno de Miguel Ángel a partir de un dibujo de su maestro o, directamente, una imitación.

Según un documento descubierto en 1981, Miguel Ángel recibió el encargo de una tabla para la iglesia de San Agustín en Roma, pero llegó un momento en que el artista devolvió la suma que le habían anticipado. Aunque no existe ninguna certeza, es probable que la obra en cuestión fuese de hecho este Santo Entierro, que quedó inacabado debido al regreso de Miguel Ángel a Florencia.

El centro del cuadro representa a Jesucristo llevado al sepulcro. El hombre con barba que está tras él es José de Arimatea, el hombre que dio su tumba para la sepultura de Cristo. La figura de la izquierda es probablemente san Juan, con una larga túnica roja, mientras que arrodillada a sus pies estaría María Magdalena.

La identidad de las dos figuras de la derecha es incierta (Nicodemo, la del interior, y María Salomé se han sugerido). La otra figura que falta sería la de la Virgen María.

“Retrato del Papa Julio II”, obra de Raphael, National Gallery

En la misma sala podemos ver “Retrato del Papa Julio II”, obra de Raphael, esta datado en 1511, realizado en óleo sobre madera de álamo; tiene unas medidas de 108,7 x 81 cm. Se expone en la sala 8.

La presentación del retratado era inusual para la época. Los anteriores retratos papales se mostraban frontalmente, o también arrodillados de perfil. También fue “excepcional” en esta época mostrar a la persona retratada con un determinado estado de ánimo, aquí se encuentra perdido en sus pensamientos. La intimidad de esta imagen no tiene precedentes en los retratos papales, pero se convirtió en el modelo a seguir por la mayoría de los futuros pintores de retratos papales, incluyendo a Sebastiano del Piombo y a Diego Velázquez.

Detalle “Retrato del Papa Julio II”, National Gallery

El papa Julio II comisionó a Rafael para la realización de su retrato, además de la pintura “Madonna del Loreto”, que fue guardada en la iglesia Santa Maria del Popolo, de la ciudad de Roma.

Una impresionante variedad de artistas renacentistas fueron traídos para decorar Santa Maria del Popolo además del propio Rafael. Tanto las pinturas de Rafael, Julio II y la Virgen fueron colgadas en los pilares durante los días de fiesta o los días santos.

Las dos pinturas, casi del mismo tamaño, parece como si fueran destinados a complementarse entre sí. Ellas también poseen una fuerte orientación vertical. Los ojos de las pinturas fueron abatidos y dio una sensación contemplativa. El posicionamiento y la iluminación dentro de la pintura parecen indicar que estaban destinados a cada flanco, a un lado del altar de la capilla de la cúpula. Aunque las pinturas fueron emparejadas durante algún tiempo con el cambio de propiedad, la “Madonna del Loreto” se encuentra ahora en el Museo Condé en la ciudad de Chantilly, Francia.

“La Madonna y el niño con San Juan y Santa Isabel”, obra de Bronzino, National Gallery

El siguiente cuadro “ La Madonna y el niño con San Juan y Santa Isabel”, obra de Bronzino, esta datado en 1540, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 101,6 x 81,3 cm. Se exponen en la sala 8.

En el cuadro se representa al Niño Jesús como sujeta con la mano derecha una guirnalda de flores que lleva en la cabeza con la mano izquierda agarra la cruz de caña del infante San Juan Bautista que lleva su capa de piel de camello y porta un cuenco bautismal.

Santa Isabel se representa ya anciana con cariño a Bautista. La cruz de caña anticipa la Pasión de Cristo, mientras que las fresas silvestres ofrecidas a Cristo por San Juan se pueden interpretar como una referencia a la vida fructífera y justa de Cristo.

“Leda y el cisne”, obra es una copia de Miguel Ángel, National Gallery

Más adelante “Leda y el cisne”, la obra es una copia de Miguel Ángel, esta datado en 1530; tiene unas medidas de 105,4 x 141 cm, realizado en óleo sobre lienzo. Se exponen en la sala 8.

El cuadro representa a Leda y el Cisne es un motivo de la mitología griega, en que Zeus, bajó del Olimpo en forma de un cisne hacia Leda cuando esta doncella caminaba junto al río Eurotas. De acuerdo a la mitología griega más tarde, Leda dio a Helena y Dioscuros, hijos de Zeus mientras a la misma vez teniendo a Dioscuros y Clitemnestra, hijos de su esposo Tíndaro, el Rey de Esparta. Según la historia, Zeus tomó la forma de un cisne y violó o sedujo a Leda en la misma noche que ella se acostó con su esposo, el Rey Tíndaro. En algunas versiones, ella puso dos huevos de los que nacieron los niños. En otras versiones, Helena es una hija de Némesis, la diosa que personificaba el desastre que le esperaba a las personas que padecen el orgullo de Hibris.

“La resurrección de Lázaro”, obra de Sebastiano del Piombo, National Gallery

El siguiente cuadro “La resurrección de Lázaro”, obra de Sebastiano del Piombo, esta datado en 1517, realizado en óleo sobre lienzo incorporado a una madera, tiene unas medidas de 381 x 289,6. Se expone en la sala 8.

El tema de este cuadro se toma del Nuevo Testamento. A petición de la hermanas Marta y María, Jesús visita la tumba de su hermano Lázaro y lo resucita de entre los muertos.

“La Madonna de Manchester”, obra de Michelangelo, National Gallery

El siguiente cuadro “ La Madonna de Manchester”, obra de Michelangelo, esta datado en 1497, realizado en temple sobre madera; tiene unas medidas de 104 x 77 cm. Se expone en la sala 8.

En el cuadro se representa la escena de la Virgen con el Niño aparece junto con san Juan Bautista también niño y dos ángeles a cada lado, una pareja de ángeles se encuentran solo esbozados ya que la pintura quedó inacabada.

Toma su nombre por la ciudad de Mánchester donde fue expuesta por primera vez. Atribuida a Miguel Ángel y datada al principio de su actividad pictórica; los dos niños parecen mostrar la derivación posterior de los putti –son motivos ornamentales consistentes en figuras de niños, frecuentemente desnudos y alados– de la bóveda de la Capilla Sixtina y las figuras de la Virgen y el Niño Jesús se parecen a las efectuadas por Miguel Ángel en mármol, en la también posterior Madonna de Brujas. El roto del vestido de María que deja al descubierto un seno, se atribuye al antiguo tema de la «Virgen de la leche».

“La Virgen y el niño con Santa Isabel y San Juan Bautista”, obra de Andrea Sarto, National Gallery

El siguiente cuadro “ La Virgen y el niño con Santa Isabel y San Juan Bautista”, obra de Andrea Sarto, esta datado en 1513, realizado en óleo sobre tabla; tiene unas medidas de 106 x 81.3 cm. Se exponen en la sala 8.

Este cuadro es una copia con una variante de otra composición que se halla en el Hermitage, San Petersburgo, que repite el grupo de la que se muestra aquí, en aquella se incluye la figura de Santa Catalina. Una copia de la imagen de San Petersburgo se encuentra en la Colección Real de Windsor.

“La Virgen y el niño con San José y un donante”, obra de Sebastiano del Piombo, National Gallery

El siguiente cuadro “ La Virgen y el niño con San José y un donante”, obra de Sebastiano del Piombo, esta datado en 1517, realizado en óleo sobre tabla; tiene unas medidas de 97.8 x 106.7 cm. Se exponen en la sala 8.

El cuadro muestra a la Virgen y el niño se agarra al velo de su madre, a sus espaldas San José duerme plácidamente, a la izquierda en primera fila está san Juan Bautista con la figura de penitente.

En un gesto poco inusual en la pintura, la Virgen contempla al donante con el brazo derecho. El donante puede ser Pierfrancesco Borgherini, un rico comerciante y un amigo de ambos pintores: Sebastiano del Piombo y Miguel Ángel.

La pintura muestra la influencia de Miguel Ángel en sus formas escultóricas y en los colores que impregna, y es posiblemente basado en un diseño de este artista.

“ La Virgen del gato”, obra de Federico Barocci, National Gallery

El siguiente cuadro “ La Virgen del gato”, obra de Federico Barocci, esta datado en 1575, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 112,7 x 92,7 cm. Se exponen en la sala 8.

En el cuadro se representa la Sagrada Familia de una forma poco usual. Uno de los niños es Juan el Bautista que sostiene un jilguero, un símbolo tradicional de la Pasión de Cristo, vemos a un pájaro que esta ante la presencia de un gato, se muestran en la izquierda. Su cruz de caña se apoya contra la pared. La Virgen aparece prominentemente en el centro con el pecho descubierto para amamantar al niño, mientras que San José se inclina hacia adelante para observar la escena.

Según Bellori, la pintura fue hecha para el conde Antonio Brancaleoni, que vivía cerca de Perugia. El diseño fue grabado en 1577 y la imagen puede haber sido el encargado no mucho antes.

“Retrato de una mujer”, obra de Sebastiano del Piombo, National Gallery

El siguiente cuadro “Retrato de una mujer”, obra de Sebastiano del Piombo, esta datado en 1540, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 117 x 96 cm. Se expone en la sala 8.

El pintor ha inscrito en la tela que la envuelve unas palabras en latín para advertir al espectador de los riesgos del amor: “Sunt Laquei Veneris Cave” (Estas son las trampas de Venus: guárdese). Estas palabras pueden ser una alusión a la faja mágica de Venus, que tuvo el efecto de hacer que su portador irresistiblemente deseable y fue prestado por Juno para seducir a Júpiter. La inscripción se refiere más ampliamente a la fuerza del amor para capturar y esclavizar a su víctima.

“Retrato de un hombre joven con una carta”, obra de Rosso Florentino, National Gallery

El siguiente cuadro “Retrato de un hombre joven con una carta”, obra de Rosso Florentino, esta datado en 1518, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 85.5 x 66.5 cm. Se exponen en la sala 8.

El cuadro representa a un joven, aún no identificado, levanta la vista de una carta de fecha 22 de junio 1518. Esta carta lleva más rastros de escritura que puede ser una pista sobre su identidad. Su mirada es a la vez soñadora pero también penetrante. Este sentido de realismo psicológico y la inmediatez sólo estaba empezando a encontrar un lugar en el retrato en el momento en que la obra fue pintada, apelando a la clase creciente de clientes ricos e intelectuales.

“La Virgen adorando al niño con San José”, obra de Fra Bartolommeo, National Gallery

El siguiente cuadro “ La Virgen adorando al niño con San José”, obra de Fra Bartolommeo, esta datado en 1511, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 137,8 x 104.8 cm. Se exponen en la sala 8.

Fray Bartolomeo vive durante varios años fuera de la pintura en su vida monástica, no reapareciendo hasta 1504 en que se convierte en el jefe del taller del monasterio en obediencia a su superior. En ese mismo año comenzará “La visión de San Bernardo” para la capilla de la familia de Bernardo Bianco en la Badia Fiorentina , acabado en 1507. Poco tiempo después de este trabajo, Rafael visita Florencia y se hace amigo del fraile. Bartolomeo aprende el uso de la perspectiva del artista más joven, mientras que Rafael aprende las habilidades de colorear y la dirección del trazo, las nuevas técnicas aprendidas por ambos se reflejaran en los trabajos futuros de ambos artistas. Rafael, con quien entabló una gran amistad durante su estancia, finaliza dos obras que el monje había dejado en sus manos cuando este realiza un viaje a Roma.

“La escuela del amor”, obra de Correggio, National Gallery

El siguiente cuadro “La escuela del amor”, obra de Correggio, esta datado en 1525, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 155,6 x 91,4 cm. Se exponen en la sala 8.

Correggio pinto esta obra dentro de una serie de seis obras eróticas que Federico II el duque Mantua le había encargado por su casamiento con Margarita de Paleólogo.

En el cuadro se representa el ideal de la belleza italiana que coincidía con la mujer de la anatomía nórdica. El clima y el paisaje italiano invitan a disfrutar de la naturaleza en contraposición de las escenas paisajísticas del arte germano u holandés. Esta voluptuosa diosa del cuadro adopta una pose semejante a la Venus púdica de los romanos mientras imparte sus lecciones en la Escuela del Amor mirando al público con ojos divergentes.

“La Virgen de la canasta”, obra de Correggio, National Gallery

El siguiente cuadro “La Virgen de la canasta”, obra de Correggio, esta datado en 1524, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 33,7 x 25,1 cm. Se exponen en la sala 8.

Corregio nos presenta una Virgen poco usual por la forma en que va vestido el Niño Jesús. La chaqueta que solamente le ha puesto un brazo ha sido hecha por la Virgen ; esto lo confirma la lana del mismo color está en la cesta a su lado. San José se encuentra al fondo y está ocupado con sus trabajos de la carpintería. La forma de los brazos en cruz del niño Jesús hace presagiar la crucifixión de Cristo.

“El matrimonio místico de Santa Catalina”, obra de Parmigianino, National Gallery

El siguiente cuadro “El matrimonio místico de Santa Catalina”, obra de Parmigianino, esta datado en 1527, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 74,2 x 57,2 cm. Se exponen en la sala 8.

El cuadro nos introduce en la escena con una inmensa rueda y la cabeza de San José crea un sensacional efecto de perspectiva al colocar al fondo un espejo donde se reflejan los personajes que contemplamos. Una gruesa cortina verdosa y un óculo cierran el espacio por la zona superior del lienzo. La sensación atmosférica creada es magnífica, distorsionando los contornos y creando un ambiente espiritual de admirable belleza en sintonía con los rostros de los protagonistas.

La Leyenda Dorada nos cuenta que Santa Catalina –era una joven de estirpe real perseguida por el emperador Majencio que la martirizó con una rueda y la decapitó tras intentar que cincuenta filósofos la hicieran abdicar de su fe– tuvo la aparición en sueños de la Virgen con el Niño en brazos, quien se negó a tomarla como sierva tras afirmar que no era lo suficientemente bella. La santa interpretó el sueño como falta de fe por lo que se retiró al desierto para aprender con un ermitaño, haciéndose bautizar. En una segunda aparición consiguió convertirse en la esposa de Cristo, sellando la alianza con un anillo. Éste es el momento que recoge Parmigianino en la admirable composición.

“Una alegoría con Venus y Cupido”, obra de Bronzino, National Gallery

El siguiente cuadro “Una alegoría con Venus y Cupido”, obra de Bronzino, esta datado en 1545, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 146,1 x 116,2 cm. Se exponen en la sala 8.

Detalle“Una alegoría con Venus y Cupido”, National Gallery

El pintor Bronzino es uno de los ejemplos más característicos del arte manierista. Como dice el título, se trata de una alegoría, un cuadro en el que cada uno de los personajes representados simboliza una idea o un concepto. Por lo general, este tipo de figuras suelen llevar unos atributos que nos permiten identificarlas fácilmente, sin embargo, en este caso concreto, sólo podemos identificar con seguridad a tres de ellas. Esto hace que sea un cuadro bastante difícil de interpretar.

Los dos personajes del centro, que tanto se quieren, son Venus y su hijo Cupido (las alas y las flechas de este último son inconfundibles). Repartidos por el lienzo podemos ver tres de los atributos habituales de la diosa: la paloma (bajo el pie de Cupido), la manzana de oro que le entregó Paris en el primer concurso de belleza de la historia y las rosas que está a punto de lanzarle el niño de la derecha El anciano que está detrás de la cortina con un reloj de arena sobre la espalda, es la personificación del tiempo. Las figuras alargadas y retorcidas son típicas del manierismo, aunque que a Bronzino se le fue un poco la mano con el cuerpo de Cupido.

La pintura erótica aún erudita como una verdadera materia de la pintura era muy adecuada a los gustos del rey Francisco I de Francia. Fue enviado probablemente a él como un regalo de Cosimo I de Medici, gobernante de Florencia, para quién Bronzino trabajó como pintor de la corte.

“La Madonna y el niño con el infante San Juan Bautista”, obra de un seguidor de Pontormo, National Gallery

El siguiente cuadro “ La Madonna y el niño con el infante San Juan Bautista”, obra de un seguidor de Pontormo, esta datado en 1560, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 81,3 x 58,4 cm. Se exponen en la sala 8.

El cuadro nos muestra a la Virgen María que juega con el niño Jesús desnudo, mientras que presenciando la escena está su primo San Juan Bautista con una capa de piel de camello, en este caso se les representa con mucha diferencia de edad.

Pasamos a la sala número 1 del museo donde insólitamente se presenta una exposición de marcos de cuadros vacíos, se titula “Marcos in Focus: Sansovino Marcos” es la primera de una serie de exposiciones en la Galería Nacional , que explorarán tipos de tramas específicas; que reúne a 30 ejemplos exquisitos de este estilo distintivo de marco asociado con Venecia y el Véneto. Además en su interior algunos ejemplos de marcos junto con sus pinturas.

“Retrato de Girolamo Fracastoro”, obra de Tiziano, National Gallery

El primer ejemplo es “Retrato de Girolamo Fracastoro”, obra de Tiziano, esta datado en 1528, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 84 x 73,5 cm. Se exponen en la sala 1.

El cuadro representa la figura de Girolamo Fracastoro era un Médico y erudito. Durante su vida escribió dos libros de alto interés en la historia de la medicina: uno es un poema para informar una horrible y nueva enfermedad en Europa, la sífilis; El otro libro, aún más importante, es De contagionibus, que provee una naciente teoría sobre el contagio de enfermedades, y es considerado el primer texto que habla de esto en la historia de la medicina. Renombrado médico, Fracastoro perteneció completamente al renacimiento italiano y al humanismo clásico. Tenía un afán por los nuevos descubrimientos, como, por ejemplo, en astronomía, donde se podría decir de un modo limitado, que se anticipó a Copérnico. También hizo contribuciones en la materia médica de la botánica.

“Lección de música”, obra posible de Tiziano, National Gallery

El primer ejemplo es “Lección de música”, obra posible de Tiziano, esta datado en 1535, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 99 x 120 cm. Se exponen en la sala 1.

La música que el niño canta corresponde con el típico libro impreso en Venecia en la década de 1520 y 30. El niño está bajo la instrucción de la figura principal, que marca el compás con la mano derecha. El acompañamiento es suministrado por un contrabajo y una flauta.

“Una mujer con una ardilla y un pájaro, Anne Lovell”, obra de Hans Holbein el joven, obra de Hans Holbein el joven, National Gallery

Cambiamos de sala hasta la número 4 donde se encuentra “Una mujer con una ardilla y un pájaro, Anne Lovell”, obra de Hans Holbein el joven, esta datado en 1526; tiene unas medidas 56 x 38,8 cm., realizado en óleo sobre madera de roble.

El cuadro fue pintado durante la primera visita de Holbein a Inglaterra en 1526 se ha sugerido, que la mujer es Anne Lovell. El estornino en el fondo y la ardilla en una cadena puede haber sido la intención de aludir a su nombre: la familia Lovell mostró ardillas en su escudo de armas y poseía una casa en East Harling en Norfolk. Cabe la posibilidad de que el retrato fuera hecho para la boda.

“Cristina de Dinamarca, Duquesa de Milán”, obra de Hans Holbein el joven, National Gallery

El siguiente cuadro “Cristina de Dinamarca, Duquesa de Milán”, obra de Hans Holbein el joven, esta datado en 1538; tiene unas medidas 179,1 x 82,6 cm., realizado en óleo sobre madera de roble. Se expone en la sala 4.

La historia dice que cuando Enrique VIII se quedó viudo de su tercera mujer, Jane Seymour, su red de embajadores empezó a moverse por Europa en busca de una nueva esposa que le diese al rey el tan ansiado heredero. Una de las futuribles era Cristina de Dinamarca. El rey no se fiaba de los retratos interesados que podían mandarle los miembros de la familia de la chica y prefirió enviar a Bruselas a su pintor de corte, Hans Holbein, para que hiciese un retrato realista de ella.

Cristina tenía catorce años y posó para Holbein vestida de negro, puesto que se había quedado viuda hacía poco de Francesco II Sforza, duque de Milán. A pesar de la sencillez de su atuendo, las telas lujosas indican su estatus social.

Cuando el monarca vio el retrato, se sintió interesado por la porte de esa mujercita y se dice que mandó tocar a sus músicos durante todo el día. La alegría duró poco porque Cristina, que no se fiaba mucho del rey inglés, acabó rechazando la propuesta.

“Erasmo”, obra de Hans Holbein el joven, National Gallery

El siguiente cuadro “Erasmo”, obra de Hans Holbein el joven, esta datado en 1523; tiene unas medidas 73,6 x 51,4 cm., realizado en óleo sobre madera de roble. Se expone en la sala 4.

Hans Holbein realizó varias copias con los retratos de Erasmo de Rotterdam; este resulta especialmente interesante, Holbein era el más apreciado de los retratistas de aquel siglo XVI. Otros pintores, como Durero, Quinten Matsys también lo retrataron. Seguramente fue uno de los alemanes de su siglo que mas intentaron retratar.

Erasmo a los dieciocho años de edad entró en el monasterio de Emmaus de Steyn (cerca de Gouda) de los Canónigos Regulares de San Agustín, monasterio que participaba igualmente de la espiritualidad de la devoción moderna. En 1488 termino sus estudios religiosos y cuatro años después fue ordenado sacerdote. Poco después de su ordenación, Erasmo obtuvo de sus superiores el permiso para trabajar como secretario del obispo de Cambrai, Enrique de Bergein, quien le dio una beca, hacia 1495, para estudiar teología en la Universidad de París, institución que en ese momento se encontraba viviendo con gran fuerza el Renacimiento de la cultura de Grecia y Roma. Allí hizo amistad con el célebre asceta Juan Momber y con uno de los primeros humanistas de París, Roberto Gaguin. Posiblemente en esta etapa se encuentren los comienzos del pensamiento humanista de Erasmo, que convirtieron al joven en un pensador libre y profesor de ideas independientes.

“La adoración de los reyes”, obra de Bartholomaeus Spranger, National Gallery

El siguiente cuadro “La adoración de los reyes”, obra de Bartholomaeus Spranger, esta datado en 1595; tiene unas medidas 199,8 x 143,7 cm., realizado en óleo sobre madera de roble. Se expone en la sala 4.

La adoración de los reyes pudo haber sido pintado para un retablo para la capilla del castillo Geyerswörth (Bamberg), que fue renovado entre 1583 y 1597. En este período Spranger trabajaba como pintor de la corte del emperador Rodolfo en Praga.

“Retrato de un hombre”, obra de Hans Baldung Grien, National Gallery

El siguiente cuadro “Retrato de un hombre”, obra de Hans Baldung Grien, esta datado en 1514; tiene unas medidas 59,3 x 48,9 cm., realizado en óleo sobre madera. Se expone en la sala 4.

Estamos ante un audaz retrato es una persona desconocida. Se representa con un cuello de piel, una pesada cadena de oro en el cuello y una insignia en la gorra lo que indica que él era un hombre de cierta riqueza. Las dos insignias de la cadena se pueden identificar y sugieren que pudo haber sido una de la región alemana de Suabia y probablemente fue de noble cuna.

“La Trinidad y la Piedad Mística”, obra de Hans Baldung Grien, National Gallery

El siguiente cuadro “ La Trinidad y la Piedad Mística ”, obra de Hans Baldung Grien, esta datado en 1512; tiene unas medidas 112,3x 89,1 cm., realizado en óleo sobre madera de pino. Se expone en la sala 4.

En el centro del cuadro esta la figura de Cristo muerto por detrás esta Dios el Padre que sale de entre las nubes. Por encima de ellos está la paloma que representa al Espíritu Santo. Juntos, los tres simbolizan la Santísima Trinidad. A uno y otro lado de Cristo está la Virgen y San Juan, en los que se apoya el cuerpo de Cristo. La escena está ante la tumba de piedra de mármol de color rojo oscuro.

Las pequeñas figuras arrodilladas en la hierba de abajo son probablemente la familia que encargó la pintura. Los donantes a menudo se muestran más pequeños para enfatizar la distinción entre ellos y los santos personajes. Los escudos de armas de la familia se muestran en los escudos a cada lado de ellos. El escudo de armas de la izquierda es, probablemente, el de la familia Bettschold de Estrasburgo; el otro puede ser el de la familia Rothschild. La pintura puede haber sido hecha para una capilla de la iglesia San Pierre-le-Vieux, en Estrasburgo, con el que la familia estaba estrechamente vinculada.

“Cristo despidiéndose de su madre”, obra de Wolf Huber, National Gallery

El siguiente cuadro “Cristo despidiéndose de su madre”, obra de Wolf Huber, esta datado en 1520; tiene unas medidas 95,5 x 68,2 cm., realizado en óleo sobre madera de pino. Se expone en la sala 4.

El cuadro es claramente un fragmento de una mayor composición. En el extremo derecho se puede ver la mano con la bendición de Cristo, ya que esa parte de su túnica y su pie, pero el resto de su figura se ha perdido. El tema de Cristo despidiéndose de su madre antes de partir hacia Jerusalén y la muerte en la cruz a veces se incluye en la serie de la vida de Cristo o de la Virgen.

“Los retratos de Johann Friedrich el Magnánimo y Juan el Constante”, obra de Lucas Cranach, National Gallery

El siguiente cuadro “Los retratos de Johann Friedrich el Magnánimo y Juan el Constante”, obra de Lucas Cranach el viejo, esta datado en 1509; tienen unas medidas 42 x 31,2 y 41,3 x 31 cm., realizado en óleo sobre madera. Se expone en la sala 4.

Estos dos retratos, a la izquierda, del príncipe elector de Sajonia (1468-1532) se unieron formando un díptico con el retrato de su hijo, a la derecha, Johann Friedrich el Magnánimo, quien le sucedió como elector en 1532. Ambos retratos se conservan con los marcos originales.

La pareja formada por retratos de padre e hijo es inusual, y puede haber surgido porque la madre de Johann Friedrich, Sophia de Mecklenburg, murió al dar a luz a su hijo.

En la parte posterior esta el escudo de armas de la familia. Los marcos son probablemente originales.

“Retrato de una mujer”, obra de Lucas Cranach el viejo, National Gallery

El siguiente cuadro “Retrato de una mujer”, obra de Lucas Cranach el viejo, esta datado en 1525; tienen unas medidas 35,9 x 25,1 cm., realizado en óleo sobre madera de haya. Se expone en la sala 4.

El corpiño de la mujer tiene un patrón de bordado con la letra “M”. Es cuestionable si la pintura, y otros cuadros similares por Cranach, son verdaderos retratos idealizados o variaciones sobre un tema porque muchas de ellas tienen el mismo denominador común. Esta pintura se puede agrupar con un número de otras obras similares del artista que se cree que datan de alrededor de 1.525.

“Cupido quejándose a Venus”, obra de Lucas Cranach el viejo, National Gallery

El siguiente cuadro “Cupido quejándose a Venus”, obra de Lucas Cranach el viejo, esta datado en 1530; tienen unas medidas 81,3 x 54,6 cm., realizado en óleo sobre madera. Se expone en la sala 4.

Estamos ante uno de los cuadros más famosos de la pinacoteca en el que se puede ver a Cupido que se queja a Venus de ser picado por las abejas después del robo de un panal. Esto debe ser tomado como un comentario moral; como la inscripción se puede leer: “el placer de la vida se mezcla con el dolor”.

“Retrato de una niña”, obra de Jakob Seisnegger, National Gallery

El siguiente cuadro “Retrato de una niña”, obra de Jakob Seisnegger, esta datado en 1545; tienen unas medidas 28,9 x 21,6 cm., realizado en óleo sobre madera. Se expone en la sala 4.

La obra retrata a una niña no identificada, destaca por el rico traje de esta modelo sugeriría que ella provenía de una familia rica y posiblemente aristocrática; se ha propuesto como perteneciente a la casa de los Habsburgo. Es probable que este retrato del busto se haya reducido de una obra mayor.

“Cerrando la edad de plata”, obra de Lucas Cranach el viejo, National Gallery

El siguiente cuadro “Cerrando la edad de plata”, obra de Lucas Cranach el viejo, esta datado en 1530; tienen unas medidas 50,2 x 35,7 cm., realizado en óleo sobre madera. Se expone en la sala 4.

Detalle “Cerrando la edad de plata”, National Gallery

La edad de plata es una expresión que se acuñó como una de las cinco Edades del Hombre descritas por Hesíodo, y que comienzan con la creación del hombre a partir de las piedras arrojadas por Deucalión y Pirra tras un diluvio. Estos hombre vivieron durante cien años como niños, sin crecer; y repentinamente envejecieron y murieron. Zeus los destruyó por su impiedad.

Tras el exilio de Crono, Zeus gobernaba el mundo, y los olímpicos crearon una segunda generación de hombres, denominados de plata por ser su raza menos noble que la anterior de oro. Zeus redujo la primavera perpetua que existía a una sola estación de entre cuatro. Los hombres debían abrigarse, construir casas y trabajar, sembrando para poder cosechar y alimentarse. Los niños crecían al cuidado de su madre durante cien años, y la edad adulta duraba pocos años. Menos noble que la de la Edad de Oro, la humanidad de la Edad de Plata no dejaba de suscitar luchas de unos contra otros, y no honraba ni servía a los dioses inmortales. Estas acciones enojaron a Zeus, y los castigó destruyéndolos.

“Santa Genoveva y santa Apolonia”, obra de Lucas Cranach el viejo, National Gallery

Los siguiente dos cuadros pertenecían a las alas del retablo de Santa Catalina “Santa Genoveva y santa Apolonia”, obra de Lucas Cranach el viejo, esta datado en 1506; tienen unas medidas 120,5 x 63 cm., realizado en óleo sobre madera. Se expone en la sala 4

“Santa Cristina y Santa Otilia”, obra de Lucas Cranach el viejo, National Gallery

El otro cuadro del retablo de Santa Catalina “Santa Cristina y Santa Otilia”, obra de Lucas Cranach el viejo, esta datado en 1506, tienen unas medidas 120,5 x 63 cm., realizado en óleo sobre madera. Se expone en la sala 4

El cuadro central muestra la figura arrodillada y en oración de la mártir Santa Catalina. A su lado, en la derecha, están los verdugos confundidos por el fuego celeste que destruye la rueda de cuchillos preparada para el tormento y la lluvia de piedras, mientras desde las negras nubes sale un rayo trazado tan geométrico como ingenuo .

Las dos tablas que presenta el museo serian las laterales que cerrarían el tríptico porque además son la parte trasera y serviría para ser vistas cuando el retablo estuviera cerrado.

“Susanna Stefan, esposa de Wolfgang Furter”, obra de Nicolas de Neufchâtel, National Gallery

El siguiente cuadro “Susanna Stefan, esposa de Wolfgang Furter”, obra de Nicolas de Neufchâtel, esta datado en 1560; tienen unas medidas 91.6 x 69.4 cm., realizado en óleo sobre lienzo. Se expone en la sala 4.

El cuadro nos representa a una joven mujer que lleva un vestido ricamente bordado, con adornos de piel típicos del sur de Alemania. Los escudos de armas en la esquina superior derecha, que se puso de manifiesto cuando el cuadro fue limpiado en 1968, identifican a la mujer como Susanna Stefan (murió 1594), esposa de Wolff Furter (1538-1594) de Nuremberg. Su mirada sugiere que había otro retrato con su marido.

“El asombro de los Dioses”, obra de Hans von Aachen, National Gallery

El siguiente cuadro “El asombro de los Dioses”, obra de Hans von Aachen, esta datado en 1590; tienen unas medidas 35.5 x 45.8 cm., realizado en óleo sobre lienzo. Se expone en la sala 4.

El cuadro muestra una historia mitológica de cómo Júpiter abandona Venus y ama Minerva, con el asombro de todos los otros dioses paganos.

El tema erótico sugiere que el dibujo se hizo en Praga, pudiera ser cuando el pintor visitó la ciudad en la década de 1590, o durante su residencia allí.

“Verano”, obra de Hans Wertinger, National Gallery

El siguiente cuadro “Verano”, obra de Hans Wertinger, esta datado en 1525; tienen unas medidas 23,2 x 39,5 cm., realizado en óleo sobre tabla. Se expone en la sala 4.

El cuadro muestra una escena del verano con gente del campo donde se representan diferentes clases sociales que muestran las tareas asociadas a los meses estivales, incluyendo la esquila de ovejas, la caza y la pesca. La pintura, está enmarcada por un arco dorado, probablemente era parte de una decoración de la habitación, y el grupo cortado a la derecha, presumiblemente, habría sido uno de los motivos que unen las escenas separadas de un cuadro y otro.

“Paisaje con pasarela”, obra de Albrecht Altdorfer, National Gallery

El siguiente cuadro “Paisaje con pasarela”, obra de Albrecht Altdorfer, esta datado en 1520; tienen unas medidas 41,2 x 35,5 cm., realizado en óleo sobre papel y tabla. Se expone en la sala 4.

El cuadro nos presenta un puente de madera que salva un río y une con la torre de una iglesia, al fondo se puede ver unas montañas. Los detalles de la composición pueden estar basados en la topografía de lugares específicos en el valle del Danubio, pero el paisaje probablemente no pretende ser una vista de un lugar en particular.

“Cristo despidiéndose de su madre”, obra de Albrecht Altdorfer, National Gallery

El siguiente cuadro “Cristo despidiéndose de su madre”, obra de Albrecht Altdorfer, esta datado en 1520; tienen unas medidas 141 x 111 cm., realizado en óleo sobre madera de limón. Se expone en la sala 4.

El cuadro se representa la Virgen que aparece postrada por el dolor, a la que consuelan las cuatro santas mujeres: María Cleofás, María Salomé, María Jacobi y María Magdalena. Compañeras de la Virgen también hacen una apelación emocional a Cristo para que no se fuera. Cristo está acompañado de San Pedro y San Juan Evangelista. La familia de los donantes se pinta en pequeño en la parte inferior derecha no han sido identificados.

“Retrato de un hombre”, obra de un pintor del sur de Alemania, National Gallery

El siguiente cuadro “Retrato de un hombre”, obra de un pintor del sur de Alemania, esta datado en 1530; tienen unas medidas 49.9 x 39.1 cm., realizado en óleo sobre madera de haya. Se expone en la sala 4.

El pintor y el personaje no se han identificado, en el retrato aparece sujetando dos rosas en señal de su amor. Esta pintura estuvo colgada con la de su mujer titulada “Retrato de una mujer”, que muestra a una señora desconocida con un ramo de lirio, que está en la colección Oscar Reinhart, de Winterthur. Las dos pinturas pueden haber sido pintadas como esponsales o durante su matrimonio como retratos. Pueden proceder de la región del Danubio.

“Retrato de Gerolamo Barbarigo”, obra de Titian, National Gallery

El siguiente cuadro “Retrato de Gerolamo Barbarigo”, obra de Titian (Tiziano), esta datado en 1550; tienen unas medidas 81.2 x 66.3 cm., realizado en óleo sobre lienzo. Se expone en la sala 2.

Detalle “Retrato de Gerolamo Barbarigo”, National Gallery

Estamos ante uno de los cuadros que se muestra como un icono del museo es de Tiziano y fue pintado cuando solamente tenía veinte años. Su puso una innovación por la mirada y la posición de la manga que parece sacarse del cuadro. Fue muy original en su momento, porque no es la típica postura estática de los retratos, en los que el modelo parece haberse quedado congelado esperando para la foto. Esta es una figura totalmente dinámica, que estaba mirando hacia otro lado y se ha girado un poco al vernos pasar por delante del cuadro. Tiziano representa el momento justo en que sus ojos se encuentran con los nuestros. Quizás sea este dinamismo el que hace que la mirada del personaje sea tan llamativa.

El personaje se recorta sobre un fondo neutro, recibe un potente foco de luz que acentúa la expresión del modelo, verdadera protagonista del lienzo. Su mirada penetrante y el gesto de la boca demuestran en esos primeros años la capacidad del maestro como retratista, y que pondrá de manifiesto durante su larga carrera. La inclinación de la cabeza, la postura del brazo o la mirada son gestos tomados de la pintura religiosa, produciéndose una secularización del cuadro por este motivo.

La identidad del modelo no está clara del todo. Durante muchos años, se pensó que era el poeta Ludovico Ariosto (hay más de una biografía suya que tiene a este señor en la portada), pero ahora parece que se trata de un miembro de la familia Barbarigo, unos aristócratas venecianos. Por la edad del modelo, se cree que era un tal Gerolamo, que tenia treinta años. Él tenía numerosos contactos políticos y literarios y habría ayudado a la joven Tiziano en su camino hacia el éxito.

Tiziano es un maestro para Velázquez que más adelante copio su técnica basada a base de pinceladas sueltas y desdibujadas.

“El ocaso”, obra de Giorgione, National Gallery

El siguiente cuadro “El ocaso”, obra de Giorgione esta datado en 1506, tienen unas medidas 73,3 x 91.4 cm., realizado en óleo sobre lienzo. Se expone en la sala 2.

El paisaje muestra en el primer plano muestra la imagen de San Roque y su asistenta Gotardo quien esta atendiendo de una herida en el muslo a San Roque.

En este caso, la imagen puede haber sido pintada para conmemorar el alivio de la plaga, con que San Roque se invocó en el Véneto en 1504.

En el extremo derecho está San Antonio que se asoma desde su cueva. En el centro del cuadro esta San Jorge sobre su caballo encabritado para atacar un dragón. Esta parte de la pintura es, sin embargo, casi en su totalidad la obra de un restaurador de mediados del siglo XX.

“Noli me Tangere”, obra de Titian, National Gallery

El siguiente cuadro “Noli me Tangere”, obra de Titian (Tiziano), esta datado en 1550; tienen unas medidas 110,5 x 91,9 cm., realizado en óleo sobre lienzo. Se expone en la sala 2.

Noli me tangere es un texto de la Vulgata : las palabras que Jesucristo dirige a María Magdalena después de su resurrección.

El tópico literario de la expresión se entronca con la de un latino pagano, que recoge Cayo Julio Solino vinculado a unos ciervos blancos hallados trescientos años después de la muerte de Julio César con unos collares con la inscripción Noli me tangere, Caesaris sum (“no me toques, soy de César”).

En la escena la figura de Cristo aparece ante María Magdalena después de la resurrección para consolarla. Al principio, ella piensa que él es un jardinero; cuando ella lo reconoce él le dice que no lo toque. En otros lugares, la Biblia registra que Cristo pronto ascendió al cielo y envía el Espíritu Santo a sus seguidores; él no quiere que se aferren a su presencia física.

“La adoración de los reyes Magos”, obra de Giorgione, National Gallery

El siguiente cuadro “La adoración de los reyes Magos”, obra de Giorgione esta datado en 1506; tienen unas medidas 29.8 x 81.3 cm., realizado en óleo sobre madera. Se expone en la sala 2.

Giorgione nos presenta una tabla de debía de exponerse en la predela de un retablo. En la zona de la izquierda, envuelta en una placentera penumbra, encontramos a la Sagrada Familia –con un San José ligeramente desproporcionado respecto a la Virgen – mientras que la zona de la derecha está iluminada por un potente foco que ayuda a resaltar las brillantes tonalidades de los ropajes de los reyes y pajes.

“Retrato de un hombre joven”, obra de Titian, National Gallery

El siguiente cuadro “Retrato de un hombre joven”, obra de Titian (Tiziano), esta datado en 1550; tienen unas medidas 92.7 x 70.7 cm., realizado en óleo sobre lienzo. Se expone en la sala 2.

El rostro del retratado aparece luminoso contra el fondo oscuro casi negro. La escultura del fondo es de estilo clásico con un relieve de la izquierda que da vida a la penumbra del interior y puede aludir a ciertos gustos del modelo.

“La Madonna de Aldobrandini”, obra de Titian, National Gallery

El siguiente cuadro “ La Madonna de Aldobrandini”, obra de Titian (Tiziano), esta datado en 1532; tienen unas medidas 100.6 x 142.2 cm., realizado en óleo sobre lienzo. Se expone en la sala 2.

La familia Aldobrandini se enriqueció en el siglo XIV gracias al comercio internacional y a la actividad financiera que en aquella época desempeñaron en Florencia.

El mercader Benci Aldobrandini se casó con Madonna Giovanna degli Aldobrandini, nacida Altoviti, una mujer muy pía y dedicada a la beneficencia, lo que la hizo muy amada por una parte del pueblo. Cuando murió la población la rindió grandes honores.

El cuadro representa a la Virgen y el Niño con el joven San Juan Bautista era un tema común desde el siglo XV. Juan el Bautista es identificado por su piel de camello y la cruz de caña. La mujer de rodillas a menudo ha sido identificada como Santa Catalina, pero ella se muestra sin su atributo habitual de la rueda con la que fue torturada.

“La hija de Herodías”, obra de Sebastiano del Piombo, National Gallery

El siguiente cuadro “La hija de Herodías”, obra de Sebastiano del Piombo esta datado en 1510; tienen unas medidas 54.9 x 44.5 cm., realizado en óleo sobre tabla. Se expone en la sala 2.

El cuadro representa la muerte de San Juan Bautista fue decapitado a petición de Herodías, y su cabeza se presenta a su hija Salomé en un plato. Salomé lleva entonces la cabeza a su madre. Esta pintura es una de las obras clave de los primeros años de Sebastiano en Venecia, pintado poco antes de partir hacia Roma.

“Baco y Ariadne”, obra de Titan (Tiziano), National Gallery

El siguiente cuadro “Baco y Ariadne”, obra de Titan (Tiziano), esta datado en 1520; tienen unas medidas 176.5 x 191 cm., realizado en óleo sobre tabla. Se expone en la sala 2

El lienzo de Tiziano representa temas mitológicos encargados por Alfonso I, duque de Ferrara, para el Camerino d'Alabastro –era una habitación privada en su palazzo en Ferrara– decorado con pinturas basadas en textos clásicos. Un anticipo de la decoración fue encargada al pintor Raphael, que originalmente llevó a cabo la elaboración del triunfo de Baco. En el momento de la muerte de Rafael en 1520, solamente un dibujo preliminar había sido terminado y el trabajo fue entonces encargado a Tiziano. En el caso de Baco y Ariadna, el tema derivó hacia los poetas romanos Catulo y Ovidio. La pintura es considerada como una de las mayores obras de Tiziano.

“Retrato de una mujer ( La Shiavona )”, obra de Titan (Tiziano), National Gallery

El siguiente cuadro “Retrato de una mujer ( La Shiavona )”, obra de Titan (Tiziano), esta datado en 1510; tienen unas medidas 119.4 x 96.5 cm., realizado en óleo sobre tabla. Se expone en la sala 2.

Detalle “Retrato de una mujer ( La Shiavona )”, National Gallery

El cuadro es una obra muestra de Tiziano, un retrato de medio cuerpo sobre un fondo gris uniforme y a la derecha una piedra de mármol donde se pueden leer incisas las letras “T.V.”, por lo general interpretadas como las iniciales del artista.

Las formas provocativas de la mujer, retratada con excepcional realismo y exactitud, son acentuadas por los pliegues del vestido color tierra. El busto está ligeramente girado tres cuartos a la izquierda mientras que la cabeza mira de frente a los espectadores, mostrando una notable naturalidad y fluidez. En la parte realzada del mármol se aprecia, los antiguos camafeos, un perfil en bajorrelieve que retrata a la misma mujer. Se trata de una adición posterior al primer borrador, también apreciable en la transparencia de los contornos del vestido que continúan a lo largo del mármol.

En 1640 la obra es registrada en casa de Martinengo Colleone en Brescia como obra de Tiziano. Pasó a la colección Crespi de Milán en 1900 y después de diferentes traspasos de propiedad, incluyendo la colección Cook de Richmond.

“Un guerrero adorando al niño Jesús y a la Virgen María ”, obra de Vicenzo Catana, National Gallery

El siguiente cuadro “Un guerrero adorando al niño Jesús y a la Virgen María ”, obra de Vicenzo Catana, esta datado en 1520; tienen unas medidas 155.3 x 263.5 cm., realizado en óleo sobre lienzo. Se expone en la sala 2.

El cuadro nos presenta un hecho insólito para nuestro tiempo, en el centro de la escena un guerrero se aproxima a la Virgen con el Niño de rodillas lleva una armadura europea, pero la seda de su brocado es de origen islámico del norte de África, y los accesorios del su caballo pertenece a la España islámica; la daga y la correa para colgar en la pared también son de estilo islámico. Se ha conjeturado que la pintura conmemora la conversión de un turco.

“Retrato de un hombre”, obra de Vicenzo Catana, National Gallery

El siguiente cuadro “Retrato de un hombre”, obra de Vicenzo Catana, esta datado en 1510; tienen unas medidas 30.5 x 23.5 cm., realizado en óleo sobre lienzo. Se expone en la sala 2.

Catana nos presenta unos de sus primeros cuadros, es un retrato de un joven no identificado, esta vestido de negro y la mirada va dirigida hacia el espectador. Se representa erguido e inmóvil, mientras que detrás de él hay un paisaje con nubes pero solamente se deja ver el cielo. La composición se ha centrado con mucho cuidado para que una línea vertical se pueda extraer directamente por la nariz a través de su chaqueta.

“La santa familia con un pastor”, obra de Titan (Tiziano), National Gallery

El siguiente cuadro “La santa familia con un pastor”, obra de Titan (Tiziano), esta datado en 1510; tienen unas medidas 99.1 x 139.1 cm., realizado en óleo sobre lienzo. Se expone en la sala 2.

El cuadro tiene como novedad la profunda humanidad de los personajes que se están relacionando a través de miradas o gestos, la evolución aparece en el cuadro porque la Virgen abandona el papel de ocupar el trono de Dios para convertirse en una simple madre, mientras que el Niño Jesús intenta jugar con los personajes que tiene alrededor. Estas novedades se manifiestan en este lienzo que contemplamos, presidido ahora por San José –cuyo papel empezará a ser cada vez más importante en las escenas de la Sagrada Familia en este siglo XVI– mientras que la Virgen y el Niño quedan en la zona de la izquierda y el pastor ocupa la parte de la derecha.

“Giovanni Cristoforo Longoni”, obra de Andrea Solari, National Gallery

El siguiente cuadro “Giovanni Cristoforo Longoni”, obra de Andrea Solario, esta datado en 1505; tienen unas medidas 79 x 60.5 cm., realizado en óleo sobre madera de álamo. Se expone en la sala 2.

El cuadro representa la figura identificada a través de la carta que tiene en su mano derecha, que se dirige a “Nobili Joanna Christophoro Longono Amico”. Él es conocido por tener residencia en Milán 1494-98. En la mesa lleva una inscripción que significa “Usted no sabe qué tipo de persona que era o será; dedicar mucho tiempo a un esfuerzo serio para ver qué clase de persona eres”.

“Un hombre con una rosa”, obra de Andrea Solario, National Gallery

El siguiente cuadro “Un hombre con una rosa”, obra de Andrea Solario, esta datado en 1495; tiene unas medidas 49.5x38.5 cm., realizado en óleo sobre madera de álamo. Se expone en la sala 2.

El retrato parece mostrar por su indumentaria un senador veneciano. Es una de las primeras obras que realizo el pintor probablemente en el momento de su residencia en Salario de Venecia.

El personaje se representa con la mano derecha llevando una rosa o clavel, como era común en los retratos de esponsales, mientras que la mano izquierda, tiene un anillo en el dedo pulgar, llama la atención sobre la banda pintada en el hombro derecho del modelo.

“Mujer rubia”, obra de Palma Vecchio, National Gallery

El siguiente cuadro “Mujer rubia”, obra de Palma Vecchio, esta datado en 1520; tiene unas medidas 77,5 x 64.1 cm., realizado en óleo sobre madera. Se expone en la sala 2.

Tiziano fue un gran maestro del erotismo que lucho al filo de la navaja contra la moral cristiana, aunque siempre tuvo a su favor que los demandantes de esas pinturas eran reyes y emperadores. En esta caso una mujer no identificada parece dar a conocer sus encantos y al hacerlo nos ofrece flores –esto es tal vez una alusión poética a la diosa Flora– aunque en este caso podría tratarse de una cortesana más que una diosa mitológica.

“Diana y Acteón”, obra de Titan (Tiziano), National Gallery

El siguiente cuadro “Diana y Acteón”, obra de Titan (Tiziano), esta datado en 1556, tienen unas medidas 184.5 x 202.2 cm., realizado en óleo sobre lienzo. Se expone en la sala 6.

Detalle “Diana y Acteón”, National Gallery

Este cuadro es considerado como una de las obras maestras de Tiziano. Retrata el momento en el que la diosa Diana se reúne con Acteón. Diana es la mujer representada en la parte derecha de la pintura. Ella lleva una corona con una luna creciente en el pelo y está siendo cubierta con una toalla por la mujer de piel oscura que puede ser su sirviente o esclava. En 2008-2009, la National Gallery de Londres y la Galería Nacional de Escocia hicieron campaña con éxito para adquirir la pintura de la Colección Bridgewater por un importe de 50 millones de libras. Como resultado de la compra, Diana y Acteón permanecerán en exhibición en el Reino Unido y Escocia, y se alternarán entre las dos galerías en períodos de cinco años.

Diana y Acteón es parte de una serie de siete lienzos famosos llamados “Las Poesías”, representando escenas mitológicas de Ovidio y su Metamorfosis, fue pintada para Felipe II de España (después que Maximiliano II, emperador del Sacro Imperio rechazara la oferta de Tiziano de pintarlos para él). La obra permaneció en la colección real española hasta 1704, cuando el rey Felipe V se le dio al embajador francés. Pronto fue adquirida por Felipe II de Orleans, sobrino de Luis XIV, y el regente de Francia durante la minoría de Luis XV, por su colección.

“Diana y Calisto”, obra de Titan (Tiziano), National Gallery

El siguiente cuadro “Diana y Calisto ”, obra de Titan (Tiziano), esta datado en 1556; tienen unas medidas 184.5 x 202.2 cm., realizado en óleo sobre lienzo. Se expone en la sala 6.

El cuadro representa la metamorfosis de Ovidio que refleja la equívoca relación entre la diosa Diana de la caza y la diosa de la luna y su doncella Calisto. Es especialmente propicio para su representación el momento dramático en que la diosa Diana descubre que su doncella, Calisto, ha quedado embarazada de Zeus (Júpiter en la mitología romana), quien había tomado la forma de Diana para conseguir tener los amores con Calisto, durante el romance Calisto queda embarazada.

El cuadro representa una tarde de verano cuando Diana y sus ninfas decidieron desnudarse junto a una fuente para mitigar el calor y como quiera que Calisto no se despojaba de sus vestidos, Diana ordenó a las demás ninfas que la desnudaran. De esta manera se hizo visible el embarazo. Diana expulsa a Calisto de su lado y Juno, irritada por la infidelidad de su marido, convierte a la ninfa en una osa.

“La muerte de Acteón”, obra de Titan (Tiziano), National Gallery

El siguiente cuadro “La muerte de Acteón”, obra de Titan (Tiziano), esta datado en 1559; tienen unas medidas 178.8 x 197.8 cm., realizado en óleo sobre lienzo. Se expone en la sala 6.

El cuadro muestra el final de la historia de la obra de Tiziano Diana y Acteón mostrando la trágica conclusión de la historia. Es contando por el poeta romano Ovidio en las Metamorfosis después de que Acteón hubiera sorprendió a la diosa Diana bañándose desnuda en el bosque, a ella la transformó en un ciervo y él fue atacado y asesinado por sus propios perros.

“La Virgen amamantando al niño”, obra de Titan (Tiziano), National Gallery

El siguiente cuadro “ La Virgen amamantando al niño”, obra de Titan (Tiziano), esta datado en 1565; tienen unas medidas 76.2 x 63.5 cm., realizado en óleo sobre lienzo. Se expone en la sala 6.

El estilo pictórico de Tiziano en los últimos años de su vida se convirtió en una de extraordinaria libertad, de manera personal sobre la base de la experiencia de toda la vida como pintor llegando a experimentar con el color y las posibilidades inherentes a las pinturas de aceite, en este caso las pinceladas son cortas y separadas creando figuras no definidas. La Virgen y el Niño fueron pintados cuando Tiziano también estaba trabajando en sus narraciones mitológicas poéticas de Felipe II de España.

“El dinero del tributo”, obra de Titan (Tiziano), National Gallery

El siguiente cuadro “El dinero del tributo”, obra de Titan (Tiziano), esta datado en 1560; tienen unas medidas 112.2 x 103.2 cm., realizado en óleo sobre lienzo. Se expone en la sala 6.

En el cuadro Tiziano retoma escenas del Nuevo Testamento. Los fariseos preguntan a Cristo si es correcto pagar impuestos a los romanos. Cristo detecta que era una pregunta trampa y la respuesta estaba en la misma acuñación de las monedas. Entonces él les dijo: Pues dad al César lo que es del César; y a Dios lo que es de Dios.

“Júpiter seduce a Calisto”, obra de Andres Schiavone, National Gallery

Los siguientes dos cuadros corresponden a una serie mitológica “Júpiter seduce a Calisto”, obra de Andres Schiavone, esta datado en 1550, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 18.7 x 18.9 cm. Se exponen en la sala 6.

Esta pintura puede representar el momento en que Júpiter se acerca al Calisto ninfa disfrazado de Diana con el fin de ganarse su confianza.

Al descubrir el embarazo de Calisto en manos de Júpiter, Diana castiga a su doncella Calisto con la expulsión de su compañía de vírgenes. Juno, la esposa celosa de Júpiter, transformó a Calisto en una osa.

“Arcos de caza”, obra de Andres Schiavone, National Gallery

Completa la serie “Arcos de caza”, obra de Andres Schiavone, esta datado en 1550, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 18.8 x 18.4 cm. Se exponen en la sala 6

En el cuadro Júpiter vio por primera vez a Callisto cazando (ella puede ser la figura con un arco) y se acercó a ella con el pretexto de ser Diana.

Los dos cuadros fueron realizados para la decoración de un mueble y luego fueron separados.

“La purificación en el templo”, obra de Jacopo Bassano, National Gallery

El siguiente cuadro “La purificación en el templo”, obra de Jacopo Bassano, esta datado en 1580; tienen unas medidas 160.5 x 267.5 cm., realizado en óleo sobre lienzo. Se expone en la sala 6.

El cuadro muestra el momento que Jesús echó fuera a todos los que vendían y compraban en el templo de Jerusalén, volcó las mesas de los cambistas, y las sillas de los que vendían las palomas, invocando la autoridad divina para hacerlo. A lo lejos se puede ver los indignados sumos sacerdotes y escribas, y también a los ciegos y los cojos a quienes Cristo sanó.

“Alegoría a la prudencia”, obra de Titan (Tiziano) y su taller, National Gallery

El siguiente cuadro “Alegoría a la prudencia”, obra de Titan (Tiziano) y su taller, esta datado en 1550; tienen unas medidas 75.5 x 68.4 cm., realizado en óleo sobre lienzo. Se expone en la sala 6.

Detalle “Alegoría a la prudencia”, National Gallery

Tiziano realiza esta obra enigmática donde están representadas tres cabezas humanas mirando cada una en una dirección diferente y debajo de ellas tres cabezas de animales (de izquierda a derecha) un lobo, un león y un perro. La pintura es normalmente interpretada como la representación de “las tres edades del hombre”: juventud, madurez y vejez. Así mismo, la dirección en la que miran cada uno de los personajes, reflejaría su relación con el Tiempo; pasado, presente y futuro. La luz que baña el cuadro refuerza también este paso del tiempo, con una luz clara que ilumina el rostro del joven que empieza a desvanecerse en una persona madura hasta acabar casi en penumbra el rostro de la persona anciana. Bajo las cabezas humanas, los animales siguen insistiendo en la visión del tiempo pues en diversidad de culturas la representación de estos animales se asocia a esas etapas concretas de la vida.

Es posible también que la simbología de los animales se refiera a las diferentes actitudes del hombre en su vida. Así el perro simboliza el aprendizaje de la juventud, el león la fuerza y poder de la madurez y el lobo la soledad de la vejez.

Finalmente, sobre el triple retrato, Tiziano explica el sentido de la alegoría en una inscripción.

EX PRAETERITO/PRAESENS PRUDENTER AGIT/NE FUTURA ACTION? DETURPET
Desde la experiencia del pasado/prudencia en los actos del presente/para no echar a perder los actos del futuro.

“La familia Vendramin”, obra de Titan (Tiziano) y su taller, National Gallery

El siguiente cuadro “La familia Vendramin”, obra de Titan (Tiziano) y su taller, esta datado en 1550; tienen unas medidas 206.1 x 288.5 cm., realizado en óleo sobre lienzo. Se expone en la sala 6.

El lienzo fue encargado por la familia del noble Vendramin al taller de Tiziano, y retrata, tal y como dicta la costumbre veneciana, sólo a los miembros masculinos de la dinastía.

Las figuras se encuentran junto a un altar sobre el cual hay un relicario que contiene un trozo de la Vera Cruz traído de la Tierra Santa. Este relicario todavía reside hoy en Venecia y fue anteriormente relacionado con un milagro que tuvo lugar en la ciudad en algún momento durante el periodo de 1370 y 1382.

“Retrato de Vincenzo Morosini”, obra de Jacopo Tintoretto, National Gallery

El siguiente cuadro “Retrato de Vincenzo Morosini”, obra de Jacopo Tintoretto, esta datado en 1575; tienen unas medidas 85.3 x 52.2 cm., realizado en óleo sobre lienzo. Se expone en la sala 6.

Morosini fue un destacado miembro de la elite veneciana, con una serie de puestos influyentes en su haber: Prefecto de Bérgamo, procurador de San Marcos, el presidente de la Universidad de Padua.

El cuadro representa una nueva forma de pintar más sutil e introspectiva. La pose que adopta Morosini sugiere la sabiduría cansada, como si estuviera pensando en un retiro monástico, vestido con su cuello de oro, lo que denota el título de caballero.

“El origen de la Vía Láctea ”, obra de Jacopo Tintoretto, National Gallery

El siguiente cuadro “El origen de la Vía Láctea ”, obra de Jacopo Tintoretto, esta datado en 1575; tienen unas medidas 149 x 168 cm., realizado en óleo sobre lienzo. Se expone en la sala 6.

El cuadro representa a Júpiter, el padre de los dioses, siempre tenía idilios con las mortales. Hércules nació de su unión de Zeus con Alcmena. Aprovechando el sueño de su esposa Juno, Júpiter intentó amamantar al niño con la leche de la diosa para que consiguiera la inmortalidad. Al notarlo, la diosa se despertó sobresaltada y algunas gotas de leche salpicaron el firmamento convirtiéndose en estrellas. Así explicaba en el siglo I a.C. Gaius Julius, bibliotecario del emperador Augusto, el origen de la vía láctea.

Detalle “Alegoría a la prudencia”, National Gallery

Tintoretto representa en el cuadro con un grandísimo sentido teatral el momento culminante de la leyenda: reclinada desnuda sobre una cama de nubes en lo alto del cielo, la diosa Juno se despierta de improviso. Júpiter, representado en un refinado escorzo, se abalanza sobre ella con el pequeño en brazos. En torno a la pareja revolotean querubines y puntos luminosos.

Algunos historiadores apuntan que la obra perteneció inicialmente a la colección de Rodolfo II de Habsburgo, aunque posiblemente el único dato que corrobora esta hipótesis es un panfleto italiano de 1648, que establece que Tintoretto «pintó cuatro fábulas para el emperador entre las que se encontraba la pintura de Júpiter sujetando al pequeño Baco hacia el pecho de Juno». Sin embargo para validar esta suposición, según los historiadores de arte Rose Marie Hagen y Rainer Hagen, es necesario conjeturar que el escritor debió cometer un error y haber confundido a Baco por Hércules.

Rodolfo II adquirió numerosas obras de arte para consolidar su colección privada y fue mecenas de varios artistas de su época. Durante el último año de la Guerra de los Treinta Años, precisamente el 26 de julio de 1648, la colección de arte y sus obras más valiosas fueron saqueadas del Castillo de Praga por los suecos. Las obras pasaron a pertenecer a la reina Cristina de Suecia, pero con su muerte, sus descendientes vendieron una fracción de la colección a Felipe II de Orleans. Tras el estallido de la Revolución francesa, Felipe vendió una parte de la Colección Orleans a un grupo de nobles ingleses. De estas obras 25 fueron adquiridas por la National Gallery de Londres. Específicamente la obra “El origen de la Vía Láctea ” fue comprada en 1890 al Conde de Darnley en una subasta por 1312 libras esterlinas.

“Canónigo Bernardijn Salviati y tres santos”, obra de Gerard David, National Gallery

Pasamos a otra sala donde tenemos que olvidar las imágenes de frescura y de novedad en la vida de la gente del renacimiento para volver a la cruda realidad, la iglesia es el poder imperante. El siguiente cuadro “Canónigo Bernardijn Salviati y tres santos”, obra de Gerard David, esta datado en 1501, realizado en óleo sobre tabla; tiene unas medidas de 103.4 x 94,3 cm. Se exponen en la sala 5.

El cuadro habla de la conversión en Canónigo a Bernardijn Salviati a su lado se identifican tres santos, de izquierda a derecha, San Martin que corresponde con el mendigo en el fondo, San Bernardino es el patrón del donante y San Donaciano. El donante era secretario del Capítulo de San Donaciano de (Brujas).

La pintura puede tener su origen como el ala izquierda de un díptico para el altar de los Santos Juan y María Magdalena, fueron colgados en la iglesia en el ala derecha, es probablemente “ La Crucifixión ” que se exhibe en el Gemäldegalerie de Berlín.

“Lamentación”, obra de Gerard David, National Gallery

El siguiente cuadro “Lamentación”, obra de Gerard David, esta datado en 1515, realizado en óleo sobre tabla de roble; tiene unas medidas de 63 x 62.1 cm. Se exponen en la sala 5.

El cuadro representa en el momento Cristo ha sido bajado de la cruz y está siendo lavado, ungido y envuelto en su mortaja, antes de ser llevado a la tumba a la derecha, mientras que José de Arimatea Nicodemo se puede ver al fondo entrando por una puerta.

Esta pintura y la Adoración de los Reyes Magos parecen haber sido parte de un mismo retablo, probablemente pintado en 1515, cuando David se mudó de Brujas a Amberes.

“ La Virgen y el niño con los santos y los donantes”, obra de Gerard David, National Gallery

El siguiente cuadro “ La Virgen y el niño con los santos y los donantes”, obra de Gerard David, esta datado en 1510, realizado en óleo sobre tabla de roble; tiene unas medidas de 105,8 x 144,4 cm. Se exponen en la sala 5.

El cuadro representa a la Virgen y el Niño está entronizados en un trono medieval. A la derecha vemos a Santa Bárbara como lee un libro. María Magdalena, está sentada y se la conoce por el tarro de ungüento, parece estar pasando las páginas. A la izquierda, Santa Catalina recibe un anillo del Niño Jesús (ella se negó a casarse con un emperador con el argumento de que ella ya estaba casada con Cristo). El mundo cotidiano representado más allá de la pared fue quizá pintado en la Brujas de la época.

El cuadro fue un encargo de la persona que figura arrodillada a la izquierda, Richard de Visch van der Capelle, un canónigo de San Donaciano, Brujas. Su identidad se registra en el escudo de armas y en el collar. En 1500 trató de restaurar la ermita de San Antonio Abad, que aparece en el fondo detrás de Santa Bárbara. Esta pintura fue casi con toda seguridad destinada para decorar el altar de Santa Catalina.

“Cristo clavado en la cruz”, obra de Gerard David, National Gallery

El siguiente cuadro “Cristo clavado en la cruz”, obra de Gerard David, esta datado en 1481, realizado en óleo sobre tabla de roble; tiene unas medidas de 48.4 x 93.9 cm. Se exponen en la sala 5.

David siguió a artistas de Haarlem como Dirk Bouts, Ouwater y Geertgen tot Sint Jans, aunque ya había evidenciado su poder superior como colorista. A esta primera época pertenece el San Juan de la colección Kaufmann en Berlín y el San Jerónimo Saltings. En Brujas estudió y copió obras maestras de los hermanos Hubert y Jan van Eyck, Rogier van der Weyden, y Hugo van der Goes. Aquí cayó directamente bajo la influencia de Memling, el maestro a quien siguió más de cerca. Fue de él de quien David adquirió una solemnidad de tratamiento, un mayor realismo en la representación de la forma humana y un arreglo ordenado de las figuras.

En este caso vemos una pintura temprana de David en la que aparece una imagen que pudo ser una parte de un retablo que sobrevive en Amberes. Entre las figuras vemos a la Virgen y San Juan Evangelista. Las vestimentas son más propias del siglo XV y parecen haber sido copiado de un cuadro de Van Eyck “ La Crucifixión ” (ahora Nueva York, Museo Metropolitano de Arte).

“Los improperios” o “La coronación de las espinas”, obra de El Bosco, National Gallery

El siguiente cuadro merece mucha atención “Los improperios” o “La coronación de las espinas”, obra de El Bosco, esta datado en 1510, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 73.8 c 59 cm. Se exponen en la sala 5.

El cuadro de EL Bosco se considera obra de su fase más juvenil, o primera madurez. Estuvo en la colección Magniac de Colworth (1892), en una colección particular romana y, en 1934, a la National Gallery de Londres.

Este tipo de cuadros que representaban los distintos episodios del Pasión de Cristo eran muy reclamados por los flamencos de finales del siglo XV, para fomentar la piedad y mover a la reflexión. Este en concreto presenta un momento narrado por los cuatro evangelistas en el Nuevo Testamento: Los improperios o la burla que padeció Cristo durante la coronación con espinas.

Detalle “Los improperios”, National Gallery

Los soldados le llevaron dentro del palacio, es decir, al pretorio y llaman a toda la cohorte (infantería romana). Le visten de púrpura y, trenzando una corona de espinas, se la ciñen. Y se pusieron a saludarle: «¡Salve, Rey de los judíos!» Y le golpeaban en la cabeza con una caña, le escupían y, doblando las rodillas, se postraban ante él.

Es uno de los cuadros de El Bosco en el que se aprecia mayor influencia de la pintura italiana, tanto en la elaboración volumétrica de las figuras, como en el trazo, que ya no es ondulado sino anguloso y roto. A diferencia de sus composiciones anteriores, aquí hay menos personajes, pero son monumentales, retratados de medio busto y de tres cuartos. Jesucristo está en el centro, con mirada dulce y resignada que dirige hacia el espectador, como si quisiera ponerse en contacto espiritual con él. Cuatro torturadores lo rodean.

Estos cuatro verdugos pueden estar representando los cuatro tipos de temperamento: el flemático y el melancólico en lo alto y el sanguíneo y el colérico en la parte inferior. Arriba a la izquierda, un soldado romano pone la corona de espinas, que parece una aureola por su posición. Arriba, a la derecha, otro verdugo, con rostro más compasivo, apoya su mano en el hombro de Jesús; su animalidad queda subrayada por el collar de perro que luce. Las dos figuras de la parte inferior tienen expresiones más crueles y llenas de odio. El de la izquierda tiene pintado en la toca roja una estrella y una media luna, lo que aludiría a su pertenencia a una religión opuesta al Cristianismo: la media luna del Islam y una estrella amarilla del judaísmo.

Este cuadro presenta una amplia gama de colores: rojo, verde y azul en las vestimentas de los torturadores, suave azul al fondo, colores todos ellos que contrastan con la blancura del rostro y la vestimenta de Jesús, color que sirve para enfatizar simbólicamente su inocencia.

Jeroen Anthoniszoon van Aeken (El Bosco) , nace en Bolduque, ciudad de los Países Bajos hacia el año 1450, fue hijo de artistas de origen alemán, sus padres tenían un taller dedicados a dorar imágenes religiosas y pinturas al fresco. Se casó con Aleyt van Marvenne y fue miembro de la Hermandad de Nuestra Señora y siempre fue considerado como un gran devoto católico, esto quizás le alejo de la mirada de la Santa Inquisición.

Detalle “Los improperios”, National Gallery

Su obra conocida comenzó en el diseño los vitrales de la catedral de Hertogenbosch , su pintura trata diferentes temáticas En sus pinturas mezcla motivos astrológicos , de folclore , brujería y alquimia , así como el tema del anticristo y episodios de las vidas de santos ejemplares. En sus obras de madurez como gran pintor desarrolló un lenguaje de simbolismo visual . La pintura de El Bosco comienza con el gótico tardío y finaliza durante el renacimiento.

La iconografía de El Bosco ha sido muy estudiada durante los últimos cuatro siglos, en la actualidad, permite decir que el pintor realiza en sus cuadros su propio mundo de sueños, mas veces son pesadillas llenas de imágenes fantasmagóricas que nos llevan a un mundo lleno de angustias y alucinaciones.

Es cierto que el artista no solo pinto monstruos y diablos cuando le exigía el tema de su lienzo, sin embargo en otras de sus obras describe una temática mas ortodoxa, aunque en todas sus obras aparecen toques fantásticos.

Algunos de los historiadores de su obra citan que El Bosco practicaba herejías religiosas muy comunes durante la Edad Media , se dice que fue miembro de la «Hermandad del Espíritu Libre» eran considerados con una tendencia netamente anarquista porque niegan la jerarquía, se opusieron a todo orden establecido, esta comunidad fue acusada de promover el libertinaje, por sus prácticas de amor libre, nudismo y otras actitudes calificadas como “desviaciones”.

Esta comunidad recibió el nombre de “adamitas” practicaban la promiscuidad sexual porque consideraban que la represión del pecado (predestinado a producirse) era peor que el mismo pecado. El acto sexual era un placer paradisíaco. La unión del placer y el amor, sensual y espiritual, era el mejor de los medios para restablecer la inocencia perdida del Edén.

El Bosco vivía en Hertogenbosch y se dice que el cuadro «El jardín de las delicias» fue pintado para este grupo de anamitas y que la tabla central en lugar de ser una condena de la sensualidad desenfrenada, sino todo lo contrario, era un elogio a las prácticas religiosas de esta secta.

En la actualidad es admitido que se desconoce estos términos porque no hay ninguna evidencia histórica que permita decir que El Bosco fuera adamita o que pintara sus teorías. Lo que sí está comprobado es que El Bosco fue un cristiano ortodoxo porque su padre, él y sus hermanos eran miembros de la Hermandad de Nuestra Señora, una cofradía religiosa de clérigos laicos dedicados al culto de la Virgen , que se encontraba en la iglesia de San Juan de Hertogenbosch.

Detalle “Los improperios”, National Gallery

La ciudad de Hertogenbosch era una de las cuatro mayores ciudades de Brabante y representaba un floreciente centro comercial, una de las mayores actividades constituía la fabricación de cuchillos, si analizamos con detalle el ala dedicada al infierno del cuadro «El jardín de las delicias», en la parte superior izquierda y sobre el filo de un gigantesco cuchillo, entre el par de orejas, podemos ver la letra “M” y corresponde con la marca de un maestro fabricante de cuchillos, lo que pudiera indicar que el cuadro fue pintado para este ordenante.

La vida económica y social en la ciudad estaba vinculada a las órdenes religiosas, en la iglesia de San Juan aparecen esculpidas en su decoración una cantidad de figuras fantásticas, en las que aparecen monstruos y peones sentados a horcajadas sobre los arbotantes, en estas tallas se ha podido ver la fuente de inspiración para las criaturas de El Bosco.

El rey español Felipe II se enamora de su pintura, interpretándolo en clave devota, afirmando que si todos pintaban a los hombres como querían ser, él los pintaba como eran. Por ello la más importante colección de obras suyas se conserva en España, singularmente en el Museo del Prado.

La unión entre Felipe II y El Bosco fue una simbiosis que llegó afectar a la vida del monarca convirtiéndose en alquimista, llegando a tener una obsesión constante relacionada con la muerte. Todas las noches se despertaba con la imagen de un perro negro que la anunciaba la muerte, esto contagio a todo el Palacio buscando el dichoso perro que una vez encontrado fue sacrificado pero no sirvió de nada porque el monarca seguía sufriendo. Según relataba el rey la noche anterior a la muerte de su padre vio el perro negro, el día que murió su tercera esposa vio el perro negro y el día que murió su hermano también vio el perro negro.

Detalle “Los improperios”, National Gallery

Se creó un departamento en El Escorial que estudiase la alquimia y ayudase al rey para tener un remedio a sus males, se llamo la Torre de la Botica. Fue tal la superstición del monarca que se pusieron a comprar reliquias que procedían de todo el mundo, entre tantas que llegaron se pusieron a contar y había hasta 24 dedos que decían que eran de San Judas.

Felipe II conoce la obra de El Bosco y se crea tal relación que compra muchas de sus obras, no para exponerles en las galerías del palacio del Escorial, sino para colgarlas en las paredes de su habitación.

El día 13 de septiembre de 1598 era un sábado y el rey daba sus últimas palabras que pronunció y con que partió de este mundo fue decir, como pudo, que moría como católico en la Fe y obediencia de la santa Iglesia Romana; y besando mil veces el crucifijo, se fue acabando poco a poco y salió aquella santa alma y se fue.

Felipe II murió frente al cuadro de El Bosco “El jardín de las delicias” y el fraile José de Sigüenza que estaba en la habitación lo detalla: “Dio tres o cuatro aullidos temerosos, el silencio, la hora de la noche, la bóveda de los nichos donde se había metido, donde retumbaba el sonido, todo hacía de él miedo, horror y espanto.”

El Bosco durante su juventud sufrió de esquizofrenia a juzgar por su violencia esta enfermedad fue calmándose durante su madurez. La primera parte de su obra nos muestra un pintor relativamente oficialista como lo hace en la Adoración de los Reyes Magos, aunque tiene una ligera tendencia hacia la melancolía.

La tendencia hacia la expresividad comienza con la pintura “La barca de los locos” (museo del Louvre) donde aparecen una serie de personajes propios de El Bosco como el borracho, el novicio tocando el laúd, el mástil de la barca es un árbol con hojas del que prende un cráneo.

“ La Virgen y el Niño con los Santos Catalina y Bárbara”, obra de Quinten Massys, National Gallery

El siguiente cuadro “ La Virgen y el Niño con los Santos Catalina y Bárbara”, obra de Quinten Massys, esta datado en 1515, realizado con pigmentos y pegamento sobre lino; tiene unas medidas de 93.5 x 110.3 cm. Se exponen en la sala 5.

En este cuadro se representa la escena en que Jesús coloca un anillo de bodas en el dedo de Santa Catalina de Alejandría, mientras que la Virgen da a Santa Bárbara una corona.

Uno de los ejemplos que se conservan raros de las numerosas pinturas de tela producida en los Países Bajos entre los siglos XV y XVI, están muy desgastadas por el paso del tiempo.

“San Lucas pintando a la Virgen y el Niño”, obra del taller Quinten Massys, National Gallery

El siguiente cuadro “San Lucas pintando a la Virgen y el Niño”, obra del taller Quinten Massys, esta datado en 1520, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 114,9 x 35.4 cm. Se exponen en la sala 5.

Esta pintura formaba parte de un tríptico y corresponde con la cara derecha, se desconoce la tabla central pero debía de variar mucho del cuadro que estaba pintando San Lucas; la tabla del panel derecho está pintada por el reverso con la imagen de la Virgen de pie dentro de un nicho que se podía ver cuando el tríptico estaba cerrado.

“ La Magdalena en un paisaje”, obra de Albert Cornelis, National Gallery

El siguiente cuadro “ La Magdalena en un paisaje”, obra de Albert Cornelis, esta datado en 1520, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 41.4 x 32.2 cm. Se exponen en la sala 5.

El cuadro nos presenta como personaje central a María Magdalena está en orando ante un libro y un crucifijo sujetado por un ángel; sobre el suelo se encuentra el frasco que contiene la pomada con la que ungió a Cristo. También se la puede ver de nuevo en el cuadro al fondo a la derecha en la entrada a la cueva en la que, de acuerdo con su leyenda, vivió durante 30 años.

“ La Virgen y el niño entronizado con cuatro ángeles”, obra de Quinten Massys, National Gallery

El siguiente cuadro “ La Virgen y el niño entronizado con cuatro ángeles”, obra de Quinten Massys, esta datado en 1506, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 62.3 x 42.3 cm. Se exponen en la sala 5.

El cuadro nos presenta una escena con la Virgen que se encuentra coronada por ángeles con alas. A su lado y a cierta distancia hay dos ángeles, a cada lado, que tocan instrumentos musicales: el laúd y el arpa. El trono es dorado de estilo gótico y sugiere por sus formas una iglesia; destaca los ropajes del vestido y su manto, además de la alfombra oriental que pisan.

“Escenas de la vida de Cristo”, obra de Maestro de Delft, National Gallery

El siguiente cuadro es un tríptico “Escenas de la vida de Cristo”, obra del Maestro de Delft, esta datado en 1510, realizado en óleo con temple y huevo sobre madera de roble, tiene unas medidas de el panel central 98.2 x105 cm; el panel de la izquierda 102 x 49.3 cm; el panel de la derecha 102 x 49.4 cm. Se exponen en la sala 5.

El tríptico está formado por el panel central que recibe el título: “ La Crucifixión ; el panel de la izquierda “Cristo presentó a la gente; el panel de la derecha “ La Deposición ”.

El pintor del cuadro se desconoce el nombre se la ha relacionado con el Maestro de las Virgo inter Vírgenes: Su pintura puede distinguirse por el peculiar tratamiento de sus expresivas cabezas, de contornos angulosos, frente amplia y nariz larga y recta, y por el empleo de una rica gama de colores. Se le atribuyen unas veinte tablas, en las que se incluye algún tríptico, todas de temática religiosa y en su mayor parte de carácter narrativa, como la Crucifixión del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid y la tabla del mismo tema del Bowes Museum de Barnard Castle, o la Lamentación sobre el cuerpo de Cristo muerto del Museo del Prado, en las que la corrección del dibujo se sacrifica a la profundización en los contenidos dramáticos del relato.

“ La Virgen y el niño en un paisaje”, obra de Jon Provoost, National Gallery

El siguiente cuadro “ La Virgen y el niño en un paisaje”, obra de Jon Provoost, esta datado a principios del siglo XVI, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 60.2 x 49.5 cm. Se exponen en la sala 5.

El cuadro nos presenta al niño Jesús en los brazos de la Virgen tiene en sus manos un juguete de madera con una cuerda para subir y bajar. La Virgen lleva un vestido azul y por encima una capa ricamente ornamentada con los puños de piel, al fondo se puede ver un paisaje típico de Holanda.

“Una mujer mayor” o “La duquesa fea”, obra de Qinten Massys, National Gallery

El siguiente cuadro merece una especial atención “Una mujer mayor” o también conocido como “La duquesa fea”, obra de Qinten Massys, esta datado en 1513, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 62.4 x 45.5. Se expone en la sala 5.

Este cuadro es de lo más actual, si en lugar de contemplarlo en la National Gallery lo viésemos en cualquier galería o museo de arte contemporáneo no nos clocaría nada, podría haberse pintado siglos después por Picasso, Dali o incluso por Frida Kahlo.

El cuadro se representa a una mujer de edad, con formas grotescas, con la piel arrugada y senos marchitos. Ella lleva un aristocrático tocado de cuernos de su juventud, de moda en la época de principios del siglo XVI, y sostiene en su mano derecha una flor roja, entonces correspondía con un símbolo de compromiso, lo que indica que ella está tratando de atraer a un pretendiente. Sin embargo, se ha descrito como un capullo que nunca llegue a formarse como flor.

Puede que lo más llamativo del retrato es su cara, esta deformada por una frente muy prominente, y una nariz aplastada, algo simiesca. Massys combina estos elementos con una clara intención satírica, la de la mujer fea y vieja que aún no se ha librado de la lascivia.

La pintura durante mucho tiempo se pensó que había sido una copia de una supuesta obra perdida de Leonardo da Vinci, sobre la base de su sorprendente parecido con dos caricaturas con dibujos de cabezas comúnmente atribuidas al artista italiano. Sin embargo, las caricaturas ahora se piensa que puedan basarse directamente en los trabajos de Massys, quien es conocido por haber intercambiado dibujos de Leonardo.

Una posible influencia literaria es de Erasmo de Rotterdam en el ensayo “Elogio de la locura” (1511), que satiriza las mujeres que todavía pueden expresar la coquetería pese a la edad, no puede desvincularse de sus espejos y no dudan en exponer sus senos marchitos repulsivos. La mujer ha sido a menudo identificada como Margarita, condesa del Tirol, criticada por sus enemigos por su fealdad. Sin embargo, ella había muerto 150 años antes.

Últimos estudios del cuadro sugieren que sufría de una rara forma de la enfermedad de Paget, en la cual los huesos de la víctima se agrandan y se deforman

Si realmente esa mujer existió y tuvo esa enfermedad la infortunada duquesa también debió sufrir dolores de cabeza y alteraciones de la hipófisis, que explicarían la importante alopecia que está bien patente en el retrato, y algunos rasgos de androgenización .

El cuadro al final lo único que pretende mostrar el contrate propio de la vida: entre la belleza y la fealdad, la juventud y la vejez, la virtud y el vicio, la salud y la enfermedad. Los contrastes extremos, que fueron la probable intención satírica de su autor y que son nuestra esencia de la vida: el nacer y el morir.

“La Crucifixión ”, obra de Qinten Massys, National Gallery

Más adelante podemos ver el cuadro “ La Crucifixión ”, obra de Qinten Massys, esta datado en 1515, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 91.5 x 58.8 cm. Se expone en la sala 5.

El cuadro nos presenta el pintor una escena desgarradora donde la Virgen y San Juan Evangelista lloran, y Santa María Magdalena agarra al pie de la cruz, los otras dos Marías se sitúan detrás de ella también con una cara de estupor. Al fondo a la izquierda, podemos ver a José de Arimatea y Nicodemo con una escalera para bajar el cuerpo de Cristo, mientras que los soldados regresar a Jerusalén.

“El Sastre”, obra de Giovanni Battista Morini, National Gallery

Cambiamos de sala y el siguiente cuadro es “El Sastre”, obra de Giovanni Battista Morini, esta datado en 1565, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 99.5x77 cm. Se expone en la sala 12.

Este tipo de retratos se convirtió en la especialidad del pintor Morini así como otros pintores italianos de la época como Tiziano y Lorenzo Lotto. El pintor retrató a nobles de provincias pero también, como en este caso, a un artesano, era un sastre de la familia Fenaroli, en una imagen cotidiana. Su análisis del lienzo nos indica que tiene una honda capacidad de penetración psicológica.

El sastre se nos presenta con toda su dignidad, sin ocultar su actividad artesanal, dirigiendo su honesta mirada al espectador y portando las grandes tijeras con las que corta la tela en la mano derecha. El naturalismo envuelve la escena gracias al potente foco de luz que resalta los colores e ilumina los gestos del modelo, resultando un retrato tan atractivo como el de muchos burgueses de la época.

“Retrato de un hombre que sostiene una carta”, obra de Giovanni Battista Morini, National Gallery

El siguiente cuadro es “Retrato de un hombre que sostiene una carta”, obra de Giovanni Battista Morini, esta datado en 1570, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 89 x 72.5 cm. Se expone en la sala 12.

El retrato de Moroni es excepcional en su concepción y en la austeridad, y por la inclinación inusual y el ángulo de la cabeza. La cabeza y las manos están pintadas, como la propia carta, con la pincelada rápida y económica que caracteriza a las obras finales del pintor.

La identidad de este hombre no ha podido identificarse. En una ocasión fue descrito como un abogado sobre la base de que la contracción de la palabra Mag debe leerse como Magistrato (magistrado). Hay una sugerencia por la inscripción y pudiera ser las siguientes ciudades del norte de Italia: Rovato, Rovetta, Roncola, Rancia o Romano.

“La dama de rosso”, obra de Giovanni Battista Moroni, National Gallery

El siguiente cuadro es “Retrato de una dama” también conocido como “La dama de rosso”, obra de Giovanni Battista Moroni, esta datado en 1556, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 89 x 72.5 cm. Se expone en la sala 12.

En el cuadro no está identificada la mujer aunque algunas fuentes atribuyen que pudiera tratarse de Contessa Lucía Albani Avogadro “La dama de rosso” que se casó con Faustino Avogadro de Brescia en 1550.

La dama está sentada sobre un enorme sillón de madera, destaca el vestido de seda de color rosa con ribetes dorados, sobre la mano izquierda lleva una variante primeriza del abanico. No tiene ningún pudor en exhibir sus joyas en orejas, ambas muñecas, dedos y cuello.

“Retrato de un hombre joven” obra de Moretto de Brescia, National Gallery

El siguiente cuadro es “Retrato de un hombre joven” obra de Moretto de Brescia, esta datado en 1556, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 114 x 94.4 cm. Se expone en la sala 12.

El hombre retratado es probablemente Fortunato Martinengo Cesaresco, un noble erudito de Brescia. La pintura puede datar de 1542 en el momento en que contrajo matrimonio. Sobre el mueble hay unos cojines y raras monedas antiguas sugieren que puede ser un coleccionista estudiante, aunque seguramente lo que nos dice que quiere ser de mayor rico y más leyendo la inscripción: ¡Ay, yo quiero mucho! está escrito en griego sobre su insignia de la gorra.

“Retrato del protonotario Giovanni Giuliano” obra un Maestro del norte de Italia, National Gallery

El siguiente cuadro es “Retrato del protonotario Giovanni Giuliano” obra un Maestro del norte de Italia, esta datado en 1530, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 114 x 94.4 cm. Se expone en la sala 12.

El cuadro se representa a un protonotario o el miembro más alto del colegio episcopal, en el cuadro aparece la inscripción: “Al Rdo mons Juliano protón. aptico / DGMO S..../ Una Padua / Al Borgo dogni santj”, la traducción sería: al reverendísimo monseñor Giuliano, Notario Apostólico, más noble [Señor, que se dirige a uno] en Padua, en la ciudad de Ogni Santi.

El nombre del retratado es Giovanni Giuliano. Existen registros de su actividad en Venecia entre 1504-18. Su vida pasada se puede comparar gracias a una medalla de Brescia que se encuentra en el Museo, Civic. Hace referencia a los protonotarios de la iglesia, que consiste en los altos prelados que se registraron para aplicar la legislación papal y dirigen el proceso de la canonización de los santos.

“La Virgen y el Niño con los Santos” obra de Lorenzzo Lotto, National Gallery

El siguiente cuadro es “ La Virgen y el Niño con los Santos” obra de Lorenzzo Lotto, esta datado en 1522, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 91 x 75.4 cm. Se expone en la sala 12.

En el cuadro aparece la figura de San Jerónimo era la principal fuente de inspiración para los penitentes y ermitaños cristianos, se muestra a la izquierda con un crucifijo, también podemos ver a San Nicolás de Tolentino lleva el hábito negro de la orden de los agustinos y sostiene un ramo de lirios sobre sus manos. El niño esta apoyado sobre el ataúd en el que Cristo morirá sobre un cojín, es algo más inusual y puede ser tomado como una referencia a su futuro destino sobre la muerte.

“Retrato de Giovanni della Volta con su mujer e hijos” obra de Lorenzzo Lotto, National Gallery

El siguiente cuadro es “Retrato de Giovanni della Volta con su mujer e hijos” obra de Lorenzzo Lotto, esta datado en 1547, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 104.5 x 138 cm. Se expone en la sala 12.

El cuadro se muestra la familia del mercader veneciano, Giovanni della Volta y su familia se describe en el libro de cuentas del pintor Lotto entre 1538 y 1547.
La acción se centra en el tazón de cerezas en la mesa. La madre ofrece cerezas a su hija, mientras que el padre les ofrece a su hijo, que parece bailar delante de él en el primer plano.

Sobre la mesa se dispone de una alfombra turca que muchas veces se usaban para dotar de color una pintura. Este tipo de alfombra es muy común en la pintura de Lotto (de ahí se la ha conocido como “alfombra Lotto”) y tiene arabescos amarillos en un campo rojo, y una inscripción cúfica.

“Retrato de Giovanni Agostino della Toore y su hijo, Nicollo” obra de Lorenzzo Lotto, National Gallery

El siguiente cuadro es “Retrato de Giovanni Agostino della Toore y su hijo, Nicollo” obra de Lorenzzo Lotto, esta datado en 1515, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 85 x 62.2 cm. Se expone en la sala 12.

El cuadro es el retrato Giovanni Agostino della Torre, un médico de Bérgamo, que se sabe que murió en 1535, a los 81 años, por lo que en el momento del retrato tenía 61 años. La imagen del hijo fue añadida después en la parte de atrás por el pintor.

La carta se inscribe: Dno Nicolao de la tur / re Bergom Nobili./El rollo de primer plano se inscribe: Medicorum Esculapio / Joanni Augustino Ber / gomatj;amicosingmo / Bg.mj; en el libro: Galieno.

“Retrato del Canónigo Ludovico di Terzi”, obra de Giovanni Battista Moroni, National Gallery

El siguiente cuadro es “Retrato del Canónigo Ludovico di Terzi”, obra de Giovanni Battista Moroni, esta datado en 1559, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 101,2 x 82.7 cm. Se expone en la sala 12.

El cuadro representa a Ludovico Terzi, era un clérigo prominente en Bergamo. La familia de Terzi vino de Sforzatica, cerca de Bérgamo. Después de haber estudiado derecho (probablemente en Padua desde antes de 1537 hasta 1540) Ludovico fue nombrado protonotario apostólico en una fecha desconocida, y se registró como un canónigo de la catedral de Bérgamo desde 1539 hasta 1582. Probablemente murió en 1583. Él se identifica por la carta que sostiene en su mano izquierda.

“Retrato de un caballero”, obra de Giovanni Battista Moroni, National Gallery

El siguiente cuadro es “Retrato de un caballero”, obra de Giovanni Battista Moroni, esta datado en 1564, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 100.4 x 81.2 cm. Se expone en la sala 12.

El cuadro retrata a un personaje no identificado aunque la presencia de los libros así como la espada prominente sugieren qué era una persona joven que hacía hincapié en el modelo de vestimenta tradicional italiana, “Il cavaliere gentile”. El traje de moda, que al parecer tiene características francesas y españolas.

“Retrato de un hombre con las cejas levantadas”, obra de Giovanni Battista Moroni, National Gallery

El siguiente cuadro es “Retrato de un hombre con las cejas levantadas”, obra de Giovanni Battista Moroni, esta datado en 1564, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 45.7 x 37.8 cm. Se expone en la sala 12.

El retrato pertenecía a una persona no identificada, el vestuario lleva unas mangas de rejilla y por encima una túnica negra. Este es un ejemplo de los retratos íntimos de pequeño formato que Moroni hizo de personajes masculinos.

“Retrato de una mujer inspirada en Lucretia” obra de Lorenzzo Lotto, National Gallery

El siguiente cuadro es “Retrato de una mujer inspirada en Lucretia” obra de Lorenzzo Lotto, esta datado en 1530, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 96.5 x 110.6 cm. Se expone en la sala 12.

El cuadro representa una mujer inclinada la cual no ha podido ser identificada. Lleva un vestido muy elaborado de seda en colores verde brillante y naranja, se dirige la atención a un dibujo realizado que sujeta con su mano izquierda. Es una inspiración de Lucrecia, a punto de apuñalarse a sí misma después de que ella había sido violada por el hijo del rey Tarquino.

La transparencia de la pintura revela que Lotto originalmente muestra la belleza de la modelo, también proclama su virtud. El mensaje está subrayado por la inscripción en latín en el papel sobre la mesa, tomado del historiador romano Tito Livio: “Después ejemplo de Lucrecia dejó ninguna mujer violada en viva”.

“Retrato de un hombre joven con inscripción”, obra de Giovanni Battista Moroni, National Gallery

El siguiente cuadro es “Retrato de un hombre joven con inscripción”, obra de Giovanni Battista Moroni, esta datado en 1560, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 47.2 x 38.8 cm. Se expone en la sala 14.

El cuadro no se sabe con certeza quién es el retratado aunque se le atribuye al conde Lupi de Bérgamo.

La inscripción en la parte baja del cuadro indica: DVM SPIRITVS HOS REGET ARTVUS y “annob' y 'XXX” añadido a cada lado en la broche de oro situado en la parte inferior de la inscripción, probablemente fue pintado poco después de que se terminase la pintura, para informar al espectador de que la modelo murió a los 30 años de edad.

“Dos recolectores de tasas”, obra de taller Marinus van Reymerswale, National Gallery

Cambiamos de la sala y el siguiente cuadro es “Dos recolectores de tasas”, obra de taller Marinus van Reymerswale, esta datado en 1540, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 92 x 74.6 cm. Se expone en la sala 14.

Este tipo de cuadros se realizaban mucho en los talleres holandeses, el hombre de la izquierda está escribiendo una lista de impuestos en artículos como el vino, la cerveza y el pescado, que se han arrendado a particulares para poder cobrarlos. Es una de las numerosas versiones de esta composición, probablemente pintado como una sátira sobre la avaricia, que, evidentemente, se encontró un mercado que lo demandaba en el segundo cuarto del siglo XVI.

“La Virgen y el niño”, obra de Luis de Morales, National Gallery

El siguiente cuadro es “ La Virgen y el niño”, obra de Luis de Morales, esta datado en 1565, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 28.5 x 19.6 cm. Se expone en la sala 14.

El cuadro representa el tema mariano en donde la Virgen sostiene al Niño mientras éste introduce la mano derecha en el seno de la madre es, sin duda, una de las imágenes más emblemáticas y reconocibles de Luis de Morales. Es una variante muy personal del pintor que trata el tema de la Virgen de la leche, una recatada e intimista versión contrarreformista de las representaciones más extendidas en las que la Virgen María es representada con el pecho descubierto dando de mamar al Niño.

“La Sagrada familia”, obra del taller de Joos van Cleve, National Gallery

El siguiente cuadro es “ La Sagrada familia”, obra del taller de Joos van Cleve, esta datado en 1525, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 49.4 x 36.5 cm. Se expone en la sala 14.

El cuadro representa una escena de la Sagrada Familia , en el primer plano esta la Virgen que con su mano derecha sujeta al niño Jesús y a la vez tiene un rosario naranja en su mano, muestra el pecho derecho en una postura insólita, con la mano izquierda tiene tres cerezas símbolo de los cielos, mientras el niño de pie coge el pecho de la madre para amamantarse. En un segundo plano está San José, con un sombrero de paja y gafas, lee de un libro sobre un atril. A la izquierda hay un jarrón de azucenas, símbolo de la pureza de la Virgen , así como un trozo de limón y un cuchillo.

“La Adoración de los Reyes”, obra del círculo de Jan Gossaert, National Gallery

El siguiente cuadro es “ La Adoración de los Reyes”, obra del círculo de Jan Gossaert, esta datado a principios del siglo XVI, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 37 x 52 cm. Se expone en la sala 14.

Este cuadro es un pequeño tríptico fijo donde en la tabla central los Reyes Magos presentan sus ofrendas al niño Jesús. A la izquierda, la Virgen y el Niño se muestran en la gloria; a la derecha, la Virgen y los apóstoles se muestran en Pentecostés con el Espíritu Santo descendiendo en forma de paloma. El tríptico fue probablemente, por su tamaño, pintado para un uso devocional de carácter privado.

El pintor ha adoptado unas perspectivas para poner a los personajes dentro de una arquitectura clasicista, los adorna con fantásticos trajes confeccionados para los artistas que trabajan en los Países Bajos en el siglo XVI. Estas características sugieren que el pintor estaba familiarizado con la obra del pintor de Amberes Jan Gossaert, que se convirtió en el defensor más destacado de la alianza de lo fantástico y lo clasicista en los Países Bajos.

“Una pareja de ancianos”, obra de Jan Gossaert, National Gallery

El siguiente cuadro es “Una pareja de ancianos”, obra de Jan Gossaert también conocido como Mabuse, esta datado en 1520, realizado en óleo sobre pergamino trasladado a lona; tiene unas medidas de 48.1 x 69.2 cm. Se expone en la sala 14.

Estamos ante un retrato doble único ejemplar en la obra pictórica de Mabuse. La identidad de los personajes no se conoce. El hombre mayor lleva en el sombrero en miniatura una medalla con una pareja joven desnuda con una cornucopia proporcionando una clara diferencia de edad entre los sujetos, y tal vez un comentario irónico sobre su estado actual.

“Adoración de los reyes magos”, obra de Jan Gossaert, National Gallery

El siguiente cuadro es “Adoración de los reyes magos”, obra de Jan Gossaert también conocido como Mabuse, esta datado en 1510, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 179.8 x 163.2 cm. Se expone en la sala 14.

Detalle “Adoración de los reyes magos”, obra de Jan Gossaert

Estamos ante un de los más famosos cuadros de la Galería , fue pintado para el retablo de la capilla de la Virgen de la Abadía de San Adrian, Geraardsbergen, (Bruselas). Fue encargado como donante por un noble local, Daniel van Boechout, Señor de Boerlare, que iba a ser enterrado allí. Detrás del arrodillado rey Gaspar, Melchor se alza con un séquito de asistentes. Baltasar está a la izquierda, y Gossaert firmó su nombre en la frontera de su tocado y otra vez en el collar usado por su asistente.

La paloma que llega desde el fondo, es el símbolo del Espíritu Santo, desciende ante el niño Jesús con forma de estrella brillante en el cielo, y los ángeles se acercan desde una gran distancia a través de una serie de arcos, dando a la escena una espectacular sensación de espacio y profundidad.

Gossaert utiliza el color brillante y muy detallado, emplea el óleo utilizando la técnica de sus predecesores holandeses del siglo XV realizando un efecto sofisticado. Los personajes del cuadro llevan trajes suntuosos hechos de telas de calidad, destaca el vestido y el manto de la Virgen por su intensidad cromática y por sus pliegues. Los regalos de metal son presentados por los reyes muy elaborados y reflejan los diseños contemporáneos.

“Retrato de una princesa joven” obra de Jan Gossaert, National Gallery

El siguiente cuadro es “Retrato de una princesa joven” pudiera tratarse Dorotea de Dinamarca, obra de Jan Gossaert también conocido como Mabuse, esta datado en 1530, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 39.2 x 29.1 cm. Se expone en la sala 14.

Esta chica posa ante el pintor ricamente vestida, la ropa tiene cosidos con cientos de perlas, es probablemente el Dorothea exiliada, hija mayor del rey Christian II de Dinamarca, que fue depuesto en 1523.

El cuadro nos presenta a una joven con un rico vestido ribeteado de perlas y piedras preciosas. En su mano izquierda sostiene, al revés, una pequeña esfera armilar. Los aros indican los movimientos de los cuerpos celestes. La latitud está indicando que está muy cercana a la de Copenhague: la esfera puede presentarse al revés en alusión a los reinos perdidos de su padre.

“Retrato de un hombre pensando con una calavera”, obra de un seguidor de Jan van Scorel, National Gallery

El siguiente cuadro es “Retrato de un hombre pensando con una calavera”, obra de un seguidor de Jan van Scorel, esta datado en 1535, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 27.6 x 21.4 cm. Se expone en la sala 14.

El cuadro representa a un hombre pensado, seguramente refleja su oficio, filosofo, maestro, médico etc. Sobre su mano una calavera lo que indica que puede tratarse de un pensamiento sobre la muerte, en definitiva, es una forma de intrigar al espectador sobre los dos hechos fundamentales en el desarrollo del hombre: la vida y la muerte, pasando por una posición intermedia que es la sabiduría fruto del pensamiento.

“La Virgen y el Niño”, obra de Jan Gossaert, National Gallery

El siguiente cuadro es “ La Virgen y el Niño”, obra de Jan Gossaert también conocido como Mabuse, esta datado en 1527, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 30.7 x 24.3 cm. Se expone en la sala 14.

El cuadro nos presenta a la Virgen parece estar sobre el reclinatorio de una iglesia, en sus brazos lleva el cuerpo desnudo del niño Jesús, con sus manos está formado la cruz, parece anticipar cuál será su muerte. Ella tiene la mirada caída y también parece anticipar la escena del descendimiento de la cruz.

“Retrato de un hombre con guante”, obra de Jan Gossaert, National Gallery

El siguiente cuadro es “Retrato de un hombre con guante”, obra de Jan Gossaert también conocido como Mabuse, esta datado en 1530, realizado en óleo sobre madera de roble, tiene unas medidas de 24.3 x 16.8 cm. Se expone en la sala 14.

El personaje retratado no está identificado, pero él usa ropa de un noble con diferentes tipos de piel y terciopelo y dos anillos de oro. Sus guantes también indican un alto estatus. El retrato es inusualmente pequeño y parece haber sido pintado rápidamente con gran habilidad. Esto puede sugerir que ni artista ni el personaje tenían mucho tiempo libre.

La parte posterior del panel hay una marca con las letras CR rematados por una corona, lo que significa que la obra pertenecía al rey Carlos I.

“Hombre con un rosario”, obra de Jan Gossaert, National Gallery

El siguiente cuadro es “Hombre con un rosario”, obra de Jan Gossaert también conocido como Mabuse, esta datado en 1525, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 69 x 49.1 cm. Se expone en la sala 14.

El retrato es de un personaje desconocido por la imagen se puede decir que está dentro de un palacio, viste como un noble con ricos ropajes donde aparece la piel, es una persona muy devota porque en sus manos lleva una rosario.

Seguramente este cuadro formaba parte de un díptico, este panel seria la parte derecha y el panel de la izquierda estaría la Virgen con el Niño Jesús.

“Adán y Eva”, obra de Jan Gossaert, National Gallery

El siguiente cuadro es “Adán y Eva”, obra de Jan Gossaert también conocido como Mabuse, esta datado en 1520, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 168.9 x 111.4 cm. Se expone en la sala 14.

Mabuse realiza al menos nueve cuadros basados en la figura de Adama y Eva, el pintor hace numerosos estudios de composición que giran sobre el desnudo con una clara influencia de la pintura italiana y alemana.

En este caso Adam está situado a la izquierda como tradicionalmente se le pinta, tiene en su cintura unas ramas con hojas que cubre sus atributos sexuales, Eva a la derecha lleva otras ramas sobre su cintura dejando al descubierto solamente el pecho, ambos están de pie entre el árbol del conocimiento del bien y del mal y el Árbol de la Vida. Adam con la mano derecha está probando la manzana, con la izquierda entrelaza su brazo con el cuerpo de Eva, mientras que la serpiente observa desde arriba. En el fondo esta el Jardín del Edén con la Fuente de la Vida que se presenta en el centro y ricamente decorada.

“La Virgen y San Juan Evangelista” y “El donante y Santa María Magdalena” , National Gallery

El siguiente cuadro es un díptico “ La Virgen y San Juan Evangelista” y “El donante y Santa María Magdalena”, obra de Merten van Heemskerk, esta datado en 1540, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 127.7 x 47.7 cm. Se expone en la sala 14.

Este díptico corresponde a los extremos de un retablo. En el panel de la izquierda podemos ver a la Virgen con San Juan Evangelista. La Virgen está sentada y se la ve angustiada seguramente está pensando en la figura de Cristo que sería la imagen central del retablo desaparecido, de pie esta San Juan Evangelista dándola su apoyo y consolándola.

El panel de la derecha, se muestra el hombre donante, probablemente se trate de un canónigo, esta arrodillado delante de María Magdalena, se la identifica por el bote del bálsamo con el que ungió a Jesús.

“La Huida a Egipto” , obra del taller de Goossen van der Weyden, National Gallery

El siguiente cuadro “ La Huida a Egipto”, obra del taller de Goossen van der Weyden, esta datado en 1516, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 80.2 x 69.7 cm. Se expone en la sala 14.

En el cuadro se representa un pasaje de la Huida a Egipto, montada en un burro se ve a la Virgen María , en sus brazos y dentro de la capa azul lleva al niño Jesús, su pecho esta descubierto amamantándolo, en un extremo aparece cortada la imagen de José por lo que se piensa el cuadro pudo ser recortado.

“La Magdalena”, obra del taller del Maestro de 1518, National Gallery

El siguiente cuadro “ La Magdalena ”, obra del taller del Maestro de 1518, esta datado en 1524, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 52.7 x 34.8 cm. Se expone en la sala 14.

El cuadro identifica al personaje por el tarro de ungüentos nos lleva ante María Magdalena, al fondo se ve un paisaje por las rocas pudiera ser La Sainte-Baume , en Provenza, pequeña ciudad situada en el corazón de la Costa Azul.

“San Jerónimo en un paisaje rocoso” , obra del taller de Joachim Patinir, National Gallery

El siguiente cuadro “San Jerónimo en un paisaje rocoso”, obra del taller de Joachim Patinir, esta datado en 1515, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 36 x 33.7 cm. Se expone en la sala 14.

El cuadro muestra en un primer plano una cueva y a San Jerónimo en la puerta como su guardián ermitaño. En el fondo se representa la escena final en la historia del león del santo, que indica la “Leyenda Dorada”.

“La Virgen y el Niño entronizada con santos”, obra del taller de Jan de Beer, National Gallery

El siguiente cuadro “ La Virgen y el Niño entronizada con santos” , obra del taller de Jan de Beer, esta datado en 1515, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 142.8 x 111 cm. Se expone en la sala 14.

El tríptico sugiere que la presencia de tantos libros fue un encargo para alguien muy cultivado. En el cuadro destaca el sillón del trono con formas góticas y renacentistas rodeado de ángeles, querubines y estatuas, además de niños, espadas y ropajes de gente noble le convierten en una escena idealizada y lejana a la realidad.

El tríptico se cierra con dos paneles, el de la izquierda se representa la figura de San Juan Bautista; en el de la derecha, San Juan Evangelista.

“Paisaje con un río entre montañas”, obra de imitación de un artista holandés desconocido, National Gallery

El siguiente cuadro “Paisaje con un río entre montañas”, obra de imitación de un artista holandés desconocido, esta datado en 1600, realizado en óleo sobre madera de álamo; tiene unas medidas de 50.8 x 68.9 cm. Se expone en la sala 14.

Es un paisaje de los primeros en los que el mundo de la pintura se aleja de la religiosidad para complacer la demanda de una pujante clase burguesa. La composición pudiera ser una copia de un grabado muy parecido de Pieter Bruegel el Viejo. Fue pintado posiblemente por un artista italiano en la imitación del original holandés. Hay una nota especial con la figura del artista dibujando en la parte inferior izquierda.

 

“Un hombre de 38 años” y obra de Lucas van Leyden, National Gallery

El siguiente cuadro “Un hombre de 38 años”, obra de Lucas van Leyden, esta datado en 1521, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 46.7 x 40.8 cm. Se expone en la sala 14.

Estamos ante un cuadro con una visión un tanto enigmática porque el personaje sujeta un papel en la mano que indica: 38, se sobreentiende que se refiera a su edad, quizás fue realizado para desposorios y recordar a su pedida la edad. El pintor aumenta el dramatismo con las proporciones del personaje y la sobra que proyecta sobre la pared.

“Escena de la vida de un obispo” y obra de Pieter Aertsen, National Gallery

El siguiente cuadro “Escena de la vida de un obispo”, obra de Pieter Aertsen, esta datado en 1560, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 75 x 56 cm. Se expone en la sala 14.

El artista nos presenta tres escenas distintas en la imagen que pretenden plasmar la vida de un obispo haciendo buenas obras. En el primer plano se puede ver como da dinero a un mendigo, al fondo a la izquierda como cura a un ciego. En la escena de la reunión correspondiente a la derecha, se prepara para lavar un hombre pobre, tal vez el mismo que aparece en primer plano.

“Adoración de los Reyes” y obra de Pieter Bruegel el Viejo, National Gallery

El siguiente cuadro “Adoración de los Reyes”, obra de Pieter Bruegel el Viejo, esta datado en 1564, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 112.1 x 83.9 cm. Se expone en la sala 14.

Bruegel hace una interpretación muy particular de la escena de la Adoración de los Reyes incorporando unos personajes caricaturizados, la Virgen se muestra como una cualquiera, el niño Jesús lucha con sus ropajes para poder salir en la escena. Hay una figura del cuadro que lleva su presencia puede indicar que los alrededor de Cristo son ciegos a su importancia; Bruegel ha utilizado las gafas en otras ocasiones para significar de forma irónica la incapacidad del sujeto para ver la verdad.

“Cardenal Richelieu” y obra de Philippe de Champaigne, National Gallery

Más adelante y cambiando de sala podemos ver el cuadro “Cardenal Richelieu”, obra de Philippe de Champaigne, esta datado en 1633, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 259.5 x 178.5 cm. Se expone en la sala 18.

El pintor Philippe de Champaigne realizó varias versiones del retrato del cardenal Richelieu. Uno de ellos nos muestra al primer ministro de Luis XIV de pie con su vestimenta cardenalicia en una postura rígida que muestra el poder que tenia. La figura se sitúa delante de una cortina que está entre abierta y muestra al fondo un paisaje. La monumentalidad del cuadro nos muestra a un Richelieu como un político ansioso de poder, dejando de un lado la devoción y abnegación que les son más propias para un miembro de la iglesia católica.

“Triple retrato del Cardenal Richelieu” y obra de Philippe de Champaigne, National Gallery

El siguiente cuadro “Triple retrato del Cardenal Richelieu”, obra de Philippe de Champaigne, esta datado en 1642, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 58.7 x 72.8 cm. Se expone en la sala 18.

Este cuadro en pequeño formato pudiera dar lugar a pensar que se trataba de una obra personal, no fue así, el cuadro fue pintado y enviado desde París a Roma para que fuera utilizado en sus tres poses como modelo por escultor Francesco Mocchi, quien trabajaba en un busto del Cardenal Richelieu.

“Retrato Cardenal Retz” y obra de Jakob Ferdinand Voet, National Gallery

El siguiente cuadro “Retrato Cardenal Retz”, obra de Jakob Ferdinand Voet, esta datado en 1676, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 72,5 x 58,2 cm. Se expone en la sala 18.

En el cuadro aparece Jean-François Paul de Gondi , más conocido como el Cardenal de Retz. Sobrino de Jean-François de Gondi, primer arzobispo de París, nació en el seno de una familia perteneciente a la pequeña nobleza florentina que, siguiendo a María de Médicis, se instaló en Francia.

“La adoración de los pastores” , obra de los Hermanos Le Nain, National Gallery

El siguiente cuadro “La adoración de los pastores”, obra de los Hermanos Le Nain, esta datado en 1640, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 109.2 x 138,7 cm. Se expone en la sala 18.

El cuadro viene a informarnos ciertos cambios en el orden litúrgico para indicar que hay una vuelta atrás en el tratamiento de ciertas imágenes. El estado de ánimo en la pintura es de una calma y quietud inusual, centrado en el Niño Jesús acostado sobre la paja.

“El retorno de caza”, obra de Joseph Parrocel, National Gallery

El siguiente cuadro “El retorno de caza”, obra de Joseph Parrocel, esta datado en 1700, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 109 x 104 cm. Se expone en la sala 18.

Es un cuadro costumbrista donde nos muestra cómo vivía una parte de la elite social de la época, donde se representa como el señor ha regresado de caza y lleva sus piezas ante la señora amada en compañía de todo un séquito.

Quizás en este tipo de cuadros estudio el pintor Goya, incluso en la escena del quitasol del fondo parece la misma escena que años después plasmo el pintor español.

“Alexander y su doctor”, obra de Eustache Le Sueur, National Gallery

El siguiente cuadro “Alexander y su doctor”, obra de Eustache Le Sueur, esta datado en 1648, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 96 x 96 cm. Se expone en la sala 18.

El cuadro representa la historia de la relación entre Alejandro Magno y Felipe, su médico, en este pasaje Alejandro cayó enfermo, uno de sus generales le escribió una carta de advertencia de que Felipe, había sido corrompido por el enemigo persa. Alexander confió sin embargo en Felipe y sin miedo bebió la medicina que este último había preparado.

“Bacanal” de Nicolas Poussin, National Gallery

Más adelante cambiamos de sala y vemos el primer cuadro “Bacanal” de Nicolas Poussin, esta datado en 1632, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 98 x 142.8 cm. Se exponen en la sala 19.

Poussin trata en algunos cuadros el tema de la relación mitológica con el dios Baco, en este cuadro se puede ver una columna de piedra coronada por un dios, ante la que la gente baila, canta o pelea por los efectos del vino.

“Paisaje con un hombre sacando agua del arroyo” de Nicolas Poussin, National Gallery

El siguiente cuadro “Paisaje con un hombre sacando agua del arroyo” de Nicolás Poussin, esta datado en 1637, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 63 x 77 cm. Se exponen en la sala 19.

Poussin es una importante figura en el desarrollo de la pintura de paisajes. En sus primeras pinturas, el paisaje normalmente formaba un fondo gracioso para un grupo de figuras; más tarde progresó a la pintura de paisaje por sí mismo, aunque la figura nunca acaba de estar ausente.

“La adoración del becerro de Oro”, obra de Nicolás Poussin, National Gallery

El siguiente cuadro “La adoración del becerro de Oro”, obra de Nicolás Poussin, esta datado en 1633, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 153.4 x 211.8 cm. Se exponen en la sala 19.

El tema del cuadro está tomado de nuevo del Éxodo. Es la escena en que se encontraba Moisés en el Sinaí orando, y Yahvé le revelaba las leyes recogidas en las tablas de la ley. Viendo que Moisés tardaba, el pueblo solicitó a Aarón un dios a quien adorar. Con el oro de sus joyas fundieron un becerro y lo adoraron como a Yahvé. Al día siguiente, hicieron sacrificios y una gran fiesta, momento que recoge el lienzo.

Fue pintado como parte de un par de cuadros (el otro es El paso del Mar Rojo) encargado por Amadeo dal Pozzo, Marchese di Voghera de Turin, un primo de Cassiano dal Pozzo, el patrocinado principal de Poussin en Roma.

“Céfalo y Aurora”, obra de Nicolás Poussin, National Gallery

El siguiente cuadro “Céfalo y Aurora”, obra de Nicolás Poussin, esta datado en 1630, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 96.9 x 131.3 cm. Se exponen en la sala 19.

Una buena parte de la obra de Poussin la dedica a pintar escenas mitológicas en este caso se representa a Aurora (diosa del amanecer), se enamoró de la Céfalo mortal y trató de seducirlo.

Aurora se eleva desde el mar cada día; por lo tanto, el dios dormido es probablemente Oceanus. Su venida anuncia el día; es llevado por Apolo (el dios del sol), al volante de su carro. La figura de la izquierda del caballo alado Pegaso puede ser Terra, una diosa asociada con el inicio de la jornada.

“La cría de Baco”, obra de Nicolás Poussin, National Gallery

El siguiente cuadro “La cría de Baco”, obra de Nicolás Poussin, esta datado en 1628, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 80.9 x 97.7 cm. Se exponen en la sala 19.

La escena mitológica representa a la esposa de Júpiter Juno provocó la muerte de Semele y Júpiter tomó al niño de sus entrañas y lo cosió a su muslo, de donde nació. El infante Baco fue vigilado por la hermana de Semele Ino y Juno buscó venganza en Ino y su marido Athamas, pero Venus les transforma en dioses. Aquí, la tía de Baco Ino observa mientras él está en manos de su tío Athamas.

“Ninfa con sátiros”, obra de Nicolás Poussin, National Gallery

El siguiente cuadro “Ninfa con sátiros”, obra de Nicolás Poussin, esta datado en 1627, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 66.4 x 50.3 cm. Se exponen en la sala 19.

Este tipo de cuadros se hicieron muy populares entre cierta elite social, en este caso se ve a un sátiro como descubre el cuerpo desnudo de una ninfa para excitarse, mientras detrás de un árbol otro personaje del mismo género hace lo miso pero oculto entre sus sombras.

“El triunfo de pan”, obra de Nicolás Poussin, National Gallery

El siguiente cuadro “El triunfo de pan”, obra de Nicolás Poussin, esta datado en 1636, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 135.9 x 146 cm. Se exponen en la sala 19.

Este cuadro fue encargado por el cardenal de Richelieu que lo envió desde Roma a París en mayo de 1636 para ser expuesto en su palacio de Poitou junto con su compañero, “El triunfo de Baco” (expuesto en Kansas City, Nelson-Atkins Museum of Art), que fue diseñado para formar parte de la decoración de Gabinete du Roi en el Château de Richelieu. Hay una serie de dibujos preparatorios de Poussin para esta pintura, incluyendo algunos en la colección de S.M. La Reina en el castillo de Windsor.

“El puerto de embarque de Santa Úrsula”, obra de Claude National Gallery

Cambiamos de sala y el siguiente cuadro “El puerto de embarque de Santa Úrsula”, obra de Claude (Claude Lorrain), esta datado en 1641, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 112.9 x 149 cm. Se exponen en la sala 20.

El cuadro cuenta la leyenda de Santa Úrsula era una princesa británica que hizo una peregrinación a Roma con 11.000 compañeros vírgenes. Ella volvió con ellos a Colonia, donde todos fueron martirizados. Santa Úrsula se muestra aquí, en amarillo y con una bandera con su emblema, mirando a sus compañeros se embarcan en el viaje de regreso. Las chicas llevan arcos y flechas, los instrumentos de su martirio. El edificio de la izquierda se basa en el Tempietto di San Pietro in Montorio, Roma.

“Paisaje de Aeneas en Delos”, obra de Claude National Gallery

El siguiente cuadro “Paisaje de Aeneas en Delos”, obra de Claude (Claude Lorrain), esta datado en 1672, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 99.6 x 134.3 cm. Se exponen en la sala 20.

La pintura muestra a Eneas, un héroe de la Guerra de Troya, en Delos, una sagrada isla al dios del sol Apolo y Diana, su gemelo. Eneas (vestida de rojo) es acompañada por su padre Anquises (uniforme azul) y su hijo Ascanio. Ellos son recibidos por Anio, rey de Delos y sacerdote de Apolo.

“Paisaje con David en la cueva de Adulam”, obra de Claude National Gallery

El siguiente cuadro “Paisaje con David en la cueva de Adulam”, obra de Claude (Claude Lorrain), esta datado en 1658, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 111.4 x 186.5 cm. Se exponen en la sala 20.

El cuadro representa la escena en que David acompañado de sus seguidores está ante la cueva de Adulam; tres valientes arriesgan sus vidas al romper a través de las filas de los filisteos para traer agua del pozo junto a la puerta de Belén. A su regreso el rey David se dio cuenta de que había arriesgado su vida para un propósito era muy frívolo y ofreció el agua al Señor.

“Imaginario paisaje con edificios en Tivoli”, obra de Gaspard Deugnet, National Gallery

El siguiente cuadro “Imaginario paisaje con edificios en Tivoli”, obra de Gaspard Deugnet, esta datado en 1670, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 49.2 x 66.2 cm. Se exponen en la sala 20.

El cuadro representa un paisaje imaginario donde en el primer plano se ven varios personajes descansando y jugando con un perro, un camino sinuoso nos lleva a otra figura acompañada de un perro que caminan hacia la cima en un paisaje de la campiña de las afueras de Roma. La vista se creía anteriormente que representaba a la antigua ciudad de Ariccia, pero ahora han sido identificados los edificios que se encuentran en Tivoli tal como eran durante la vida de Dughet.

“Un puerto”, obra de Claude (Claude Lorrain), National Gallery

El siguiente cuadro “Un puerto”, obra de Claude (Claude Lorrain), esta datado en 1644, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 103 x131 cm. Se exponen en la sala 20

Claude ha pintado un puerto que no existe en la realidad es una representación imaginara durante un atardecer. A la izquierda es una adaptación de una pasarela construida en 1570 y que lleva a los Jardines Farnese del Foro en Roma. Detrás de él está el Arco antiguo de Tito.

“Paisaje con una cabrera y cabras”, obra de Claude (Claude Lorrain), National Gallery

El siguiente cuadro “Paisaje con una cabrera y cabras”, obra de Claude (Claude Lorrain), esta datado en 1636, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 52 x 42 cm. Se exponen en la sala 20.

Claude pinta este paisaje idealizado donde se ve una cabrera tumbada cuidando su rebaño de cabras evoca las Pastoras Vírgenes, esta pintado durante los trabajos del mes de mayo en la villa de Madama de Roma.

“El castillo encantado ”, obra de Claude (Claude Lorrain), National Gallery

El siguiente cuadro “Castillo encantado”, obra de Claude (Claude Lorrain), esta datado en 1664, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 87,1 x 151,3 cm. Se exponen en la sala 20.

El cuadro recibió el nombre de Paisaje con Psique fuera del Palacio de Cupido es un cuadro lleno de poesía fue rebautizado como El castillo encantado, es un paisaje grandilocuente que se deja subordinada al área histórica-mitológica.

“Paisaje con Agar y un ángel”, obra de Claude (Claude Lorrain), National Gallery

El siguiente cuadro “Paisaje con Agar y un ángel”, obra de Claude (Claude Lorrain), esta datado en 1646, realizado en óleo sobre lienzo y montado en tabla; tiene unas medidas de 52,2 x 42,3 cm. Se exponen en la sala 20.

En este cuadro paisajístico Claude interpreta una parte del Génesis en el que la sirvienta Agar quedó embarazada por Abraham. Ella se había peleado con la esposa de Abraham Sara, que no tenía hijos. Agar se marcho y salió corriendo cuando se entero de su embarazo. Un ángel salió en el camino cerca del desierto. Él le dijo que el niño, Ismael, fundaría una gran tribu. Para ello debe de regresar a Sarah.

“Una visión de Roma”, obra de Claude (Claude Lorrain), National Gallery

El siguiente cuadro “Una visión de Roma”, obra de Claude (Claude Lorrain), esta datado en 1632, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 60,3 x 84 cm. Se exponen en la sala 20.

Claude interpreta en esta pintura una visión imaginaria de Roma, en el primer plano unos personajes que muestran la vida cotidiana en la parte monumental de la izquierda una visión precisa de una parte de Roma, a la derecha una ruina imaginaria. Entre los monumentos de la izquierda está el Convento del Sagrado Corazón y la iglesia de la Trinidad en la colina. Estos edificios están en la cima de lo que hoy se llama la Plaza de España.

“Paisaje en el río con jinete y campesinos”, obra de Aelbert Cuyp, National Gallery

Pasamos a la siguiente sala conde podemos ver el cuadro “Paisaje en el río con jinete y campesinos”, obra de Aelbert Cuyp, esta datado en 1658, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 123 x 241 cm. Se exponen en la sala 21.

Este diseño se centra más directamente en el paisaje que en las pinturas anteriores de Cuyp donde las figuras y animales están pintados minuciosamente. Las montañas están iluminadas por un sol bajo que domina la escena pacífica no es una característica del paisaje holandés, lo que denota una clara influencia de la pintura paisajística italiana.

“La avenida en Middelharnis”, obra de Meindert Hobbema, National Gallery

Más adelante podemos ver el cuadro “La avenida en Middelharnis”, obra de Meindert Hobbema, esta datado en 1689, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 103.5 x 141 cm. Se exponen en la sala 21.

La pintura muestra el pueblo y la iglesia de Middelharnis en una provincia de Holanda del Sur. La vista es muy precisa y casi no ha cambiado desde el siglo XVII. El diseño de Hobbema con la avenida de árboles que retroceden hacia el centro de la imagen es simple pero a la vez majestuoso. Los árboles se utilizan para marcar la recesión rápida del primer plano de fondo, mientras que la expansión de los cielos se acentúa por los árboles que apuntan hacia arriba.

“La plaza del mercado y la Grote Kerk de Haarlem”, obra de Gerrit Berckheyde, National Gallery

Más adelante podemos ver el cuadro “La plaza del mercado y la Grote Kerk de Haarlem”, obra de Gerrit Berckheyde, esta datado en 1674, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 51.8 x 67 cm. Se exponen en la sala 21.

El cuadro es un paisaje urbano de la ciudad de Haarlem y la vista de la plaza del mercado desde el noroeste del lado del ayuntamiento, en la derecha se representa un pórtico dórico que fue destruido. En el lado opuesto de la plaza esta la Grote Kerk (iglesia de San Bavón) del siglo XV y el Vleeshal (mercado de la carne) a la derecha. Ambos edificios se mantienen sin cambios hasta hoy.

“Flores en el florero de terracota”, obra de Jan van Huysum, National Gallery

Más adelante podemos ver el cuadro “Flores en el florero de terracota”, obra de Jan van Huysum, esta datado en 1736, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 133.5 x 91.5 cm. Se exponen en la sala 21.

El pintor Van Huysum era uno de los grandes especialistas de la época en la pintura de flores en la Holanda del siglo XVIII. Holanda comenzó a importar flores caras en el siglo XVII, y había una gran demanda por parte de la clase alta de pinturas que representaban estas flores exóticas esto obligo al pintor para que en las casas de los burgueses floreciesen las paredes.

“Una mujer tocando un laúd con dos hombres”, obra de Gerard ter Borch, National Gallery

Más adelante podemos ver el cuadro “Una mujer tocando un laúd con dos hombres”, obra de Gerard ter Borch, esta datado en 1667, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 67.6 x 57.8 cm. Se exponen en la sala 21.

La pintura representa la asociación entre la música y el amor es un tema frecuente en holandés en este género pintura. Aquí, como en muchas de las imágenes de Borch, es la relación entre las figuras que es deliberadamente ambiguo. Se invita al espectador a decidir si esto es sólo una escena doméstica feliz, o, posiblemente, una escena que tiene lugar en una casa de citas.

“Figuras en una jardín italiano”, obra de Frederick de Moucheron, National Gallery

Más adelante podemos ver el cuadro “Figuras en una jardín italiano”, obra de Frederick de Moucheron, esta datado en 1665, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 73.7 x 93.2 cm. Se exponen en la sala 21.

El pintor representa un jardín italianizante que parece no inspirarse en un sitio concreto y puede ser fruto de su imaginación. El cuadro del pintor holandés transmite sus conocimientos sobre la pintura Italiana gracias a su visita al país para empaparse de los clásicos.

“Retrato de grupo”, obra de Gerbrand van den Eeckhout, National Gallery

Cambiamos de sala donde podemos ver el cuadro “Retrato de grupo”, obra de Gerbrand van den Eeckhout, esta datado en 1657, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 163 x 197 cm. Se exponen en la sala 22.

El cuadro fue realizado para algún estamento oficial donde se muestran los funcionarios de la Alianza , que incluye a hombres que hacían barriles para el vino importado en Ámsterdam y los que tomaron muestras y para su embotellado. El hermano del pintor Jan aparece entre los nombres que aparecen en el documento sobre la mesa, pero no ha sido identificado. De fondo de la pintura aparece una pintura de San Matías, era patrona de los toneleros, y las herramientas talladas en la trama son las utilizadas por los toneleros en la fabricación de las barricas. El nombre de la Alianza está escrito en el sello que se cierne sobre el borde de la mesa.

Este tipo de retrato de grupo, mostrando los funcionarios de un gremio, organización caritativa o cuerpo cívico, fue muy popular en los Países Bajos durante el siglo XVII.

“Interior de ka Oude Kerk, Ámsterdam”, obra de Emanuel de Witte, National Gallery

El siguiente cuadro “Interior de ka Oude Kerk, Ámsterdam”, obra de Emanuel de Witte, esta datado en 1660, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 79.1 x 63.1 cm. Se exponen en la sala 22.

Estamos ante un pintor interiorista especializado en las iglesias, en esta ocasión representa una visión bastante exacta de la nave central y sur de la Oude Kerk (San Nicolás), Ámsterdam. La escena se ha modificado ligeramente por el artista: el pequeño órgano se muestra incorrectamente en la nave sur y no en la nave norte donde estaba colocada en realidad.

“El baño de una mujer en el arroyo” obra de Rembrandt, National Gallery

Cambiamos de sala donde podemos ver el siguiente cuadro “El baño de una mujer en el arroyo” obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, esta datado en 1654, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 61.8 x 47 cm. Se exponen en la sala 23.

Rembrandt representa a una mujer que se levanta las faldas para no mojárselas, enseñando más de la cuenta, se cree que se trata de Hendrickje Stoffels, la segunda esposa de Rembrandt. Hendrickje entró a trabajar en la casa del artista en 1649 como ama de casa y a pesar de que el pintor le sacaba veinte años, acabó cayendo en sus redes y se convirtió en su modelo y compañera. Las dificultades económicas de Rembrandt le impedían casarse con ella. Si volvía a contraer matrimonio, perdería el derecho a la herencia de su primera esposa, Saskia, de la que había enviudado unos años antes.

Detalle “El baño de una mujer en el arroyo” obra de Rembrandt

Los ricos ropajes rojos y dorados que se ven en la orilla nos indican que es una dama de alto copete. Muchas veces, Rembrandt “camuflaba” los temas religiosos o mitológicos, evitando añadir elementos clave que permitiesen identificarlos claramente (a simple vista, pueden parecer obras costumbristas, pero no lo son).

El mismo año en que pintó la obra, Hendrickje era ya su concubina había sido víctima del escarnio público por haber dado a luz a una niña ilegítima sin estar casada con el artista. La nueva hija Cornelia, que fue bautizado el 30 de octubre 1654 (el año de esta pintura). La madre fue acusada de adulterio y excomulgada

Se ha sugerido que la túnica roja suntuosa en la orilla del río indica que la pintura podría ser un boceto para un cuadro religioso o mitológico, sin rematar; aunque da la sensación de ser un simple estudio, por la ligereza y libertad de las pinceladas. La imagen aparece inconclusa en algunas partes, por ejemplo, a la sombra en el dobladillo de la camisa levantada, el brazo derecho y el hombro izquierdo, aunque el artista lo firmó y lo fechó, dándolo por acabado.

“Autorretrato a la edad de 63 años”, obra de Rembrandt, National Gallery

El siguiente cuadro “Autorretrato a la edad de 63 años”, obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, esta datado en 1669, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 86 x 70.5 cm. Se exponen en la sala 23.

Detalle “Autorretrato a la edad de 63 años”, obra de Rembrandt

Rembrandt hizo muchos autorretratos este cuadro fue pintado en el último año de su vida y es además uno de sus últimos lienzos. Murió el 4 de octubre 1669 y fue enterrado en la Westerkerk en Ámsterdam.

En esta imagen de su vejez, el artista lleva un abrigo de color rojo oscuro y una boina, con las manos cruzadas delante de él. El espectador se enfrenta a su mirada firme. Rembrandt pintó y grabó autorretratos durante toda su vida, pero las personas ejecutadas en sus últimos años, en la que se presenta a sí mismo en un estado de ánimo reflexivo, se encuentran entre los más conmovedores y desafiantes.

La pintura fue limpiada en 1967, revelando la firma dañada y la fecha. El análisis a través de rayos X revela dos pentimenti (alteraciones en el dibujo). Primero, un cambio en el tamaño y color de la boina, que en origen era más grande y toda de color blanco. En segundo lugar, originariamente las manos estaban abiertas y sostenían un pincel. Al pintar las manos cogidas, enlazadas delante de él, y sin el pincel se reduce su impacto dramático y permite que la atención se fije en la cara.

“Retrato de Hendrickje Stoffels”, obra de Rembrandt, National Gallery

El siguiente cuadro “Retrato de Hendrickje Stoffels” obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, esta datado en 1654, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 101.9 x 83.7 cm. Se exponen en la sala 23.

Rembrandt utilizó a su amante como modelo en múltiples cuadros, la identificación de la persona retratada en esta pintura se basa en gran medida en el conocimiento de la relación de la modelo con el artista, y la informalidad y el cariño con el que se representa. Su cabello está decorado con joyas y ella se muestra que llevaba un abrigo de pieles, con pendientes de perlas y una cadena alrededor de su cuello.

La pincelada libre, sobre todo en una envoltura de Hendrickje, ha llevado a sugerir que la pintura está sin terminar. Sin embargo, dado que se firmó la pintura, es probable que el propio Rembrandt considerara que estaba ya terminada. La ejecución meticulosa de la cara del sujeto, dándole mayor énfasis, es una técnica que se encuentra en muchos de los retratos de Rembrandt.

“El adulterio admitido de una mujer”, obra de Rembrandt, National Gallery

El siguiente cuadro “El adulterio admitido de una mujer”, obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, esta datado en 1644, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 83.8 x 65.4 cm. Se exponen en la sala 23.

El cuadro representa la historia de la mujer que había sido acusada de adulterio. La pericope adulterae o perícopa de la adúltera es un nombre tradicional para un pasaje famoso sobre Jesús y la mujer sorprendida en adulterio correspondiente a los versículos del evangelio de Juan. El pasaje describe una confrontación entre Jesús y los escribas y fariseos sobre si la mujer debería ser apedreada. Con una sentencia terminante, Jesús avergüenza a los acusadores, y evita la ejecución.

 

“Un hombre mayor como San Pablo”, obra de Rembrandt, National Gallery

El siguiente cuadro “Un hombre mayor como San Pablo”, obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, esta datado en 1659, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 102 x 85.5 cm. Se exponen en la sala 23.

Detalle “Un hombre mayor como San Pablo”, obra de Rembrandt

La pintura representa a San Pablo fue ejecutada dentro de una serie que Rembrandt dedico a los apóstoles y santos entre 1659-1660.

La conclusión de que se trate de San Pablo viene porque en el cuadro aparece un libro y la espada, símbolo de la palabra de Dios y el martirio del santo, respectivamente. El círculo en la esquina superior izquierda muestra el sacrificio de Isaac.

Rembrandt pinta en varias ocasiones al santo porque quizás tenía una cierta devoción por el personaje porque sin haber pertenecido al círculo inicial de los Doce Apóstoles, y recorriendo caminos jalonados de incomprensiones y adversidades Pablo se constituyó en el motor de construcción y expansión del cristianismo en el Imperio Romano, merced a su talento, a su convicción y a su carácter indiscutiblemente misionero. Su pensamiento conformó el llamado cristianismo paulino, una de las cuatro corrientes básicas del cristianismo primitivo que terminaron por integrar el canon bíblico.

“Retrato de Frederick Rihel a caballo”,obra de Rembrandt, National Gallery

El siguiente cuadro “Retrato de Frederick Rihel a caballo”, obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, esta datado en 1663, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 294.5 x 241 cm. Se exponen en la sala 23.

Estamos ante un retrato grande en tamaño donde se puede ver al personaje Frederick Rihel a caballo, era un importante mercader de la ciudad de Ámsterdam y no dudaba en exhibir sus riquezas por eso era considerado como un soltero vanidoso. Además es conocido su afición por los caballos por lo que Rembrandt le sitúa ante un hecho histórico como fue la conmemoración de la visita de estado realizada por el príncipe Guillermo III de Orange a Ámsterdam en 1660. Frederik pidió al pintor que inmortalizará el recuerdo porque él iba en esa comitiva como caballero por lo que al fondo, iluminada con un potente haz de luz, observamos la carroza con el joven príncipe en su interior.

Es un importante cuadro de Rembrandt donde representa a tamaño natural con sus ropas más elegantes y un gesto de satisfacción en el rostro por la felicidad que le provocó participar en la comitiva real. Caballo y caballero se recortan sobre un fondo neutro, aunque la sombra también se introduce en algunas zonas de las figuras y nos dificulta la visión.

Era un extranjero y tuvo que comprar los derechos de burguesía en 1662 para hacer negocios en la corte esto se llamaba Poorterrecht, era un derecho para ser reconocido como un burgués y poder gozar de los privilegios que se les concedía, llegó a formar parte de la escolta de honor del príncipe, este derecho solamente se debía entre las familias más pudientes de Ámsterdam.

“La caballería hace una salida de una fortaleza en una colina”, Philips Wouwermans, National Gallery

El siguiente cuadro “La caballería hace una salida de una fortaleza en una colina” o “Batalla a los pies de un fortín”, obra de Philips Wouwermans, esta datado en 1646, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 139 x 190.5 cm. Se exponen en la sala 23.

Wouwermans es un pintor holandés que se especializó en paisaje de batallas muchas de ellas idealizadas y que tuvo gran éxito sobre todo en las cortes de Francia y España.

Wouwerman se enmarca en la extensa nómina de pintores holandeses y flamencos del siglo XVII («maestros menores») que produjeron de forma masiva para el mercado abierto, generalmente formatos reducidos y sin complejidades temáticas. Al contrario que Rembrandt, Frans Hals y Rubens, que solían trabajar por encargo, los «maestros menores» como Wouwerman vendían sus obras en mercados y mediante intermediarios, por lo que se especializaban en un género hasta ganarse un renombre y una demanda de la clientela, generalmente burguesa.

“Retrato de Jacob Trip”, obra de Rembrandt, National Gallery

El siguiente cuadro “Retrato de Jacob Trip”, obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, esta datado en 1663, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 130.5 x 97 cm. Se exponen en la sala 23.

Una característica principal de los retrato de Rembrandt era enfatizar a través de la expresión la posición social del personaje retratado.

Este cuadro fue pintado junto con el de su esposa Margaretha de Geer, en este caso las ropas son tan ligeras y esquemáticas que se funden en el tenebroso claro oscuro sin transmitir ningún sentimiento de lujo o de grandeza recabando la atención en la expresividad de sus caras y secundariamente de sus manos. En el caso de este personaje le pone una venda en la cabeza y una bufanda para enfatizar más aún si cabe el rostro.

Lo que verdaderamente quiere mostrar el pintor es profundizar en el personaje para pintar su alma de todo lo demás no quiere saber nada aunque estas personas eran ricas y poderosas pero el pintor no le daba la menor importancia.

El recurso técnico del pintor es el claro oscuro dejando la mayor parte de la obra en sombra e iluminar una parte del cuadro desde un único punto de luz, de esta forma mete en las sombras la parte no esencial y realza la parte que verdaderamente tiene interés para el espectador. El resultado es un cuadro con un alto grado emocional que nunca antes había sido considerado por los pintores europeos.

“Margaretha de Geer”, obra de Rembrandt, National Gallery

El siguiente cuadro “Margaretha de Geer”, obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, esta datado en 1663, realizado en óleo sobre lienzo, tiene unas medidas de 130.5 x 97 cm. Se exponen en la sala 23.

Esta es la pareja del cuadro de su esposo Jacob Trip, pese a ser unas personas acaudaladas pero Rembrandt hace un trabajo honesto y la representa como verdaderamente era. Ella confronta al espectador directamente y su edad se demuestra claramente en sus manos y la cara. No era atípico para una mujer de su generación y la edad que ella tenía que se vista con ropa pasada de moda: en esta caso lleva una gran gorguera –pieza indumentaria a modo de pañuelo fino ya en desuso que cubría el cuello o el escote– había estado de moda cuarenta años antes, en la década de 1620.

“Retrato de Margaretha de Geer”, obra de Rembrandt, National Gallery

El siguiente cuadro “Retrato de Margaretha de Geer”, obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, esta datado en 1661, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 75.3 x 63.8 cm. Se exponen en la sala 23.

En este cuadro Rembrandt no duda en tratar el rostro de la modelo con toques deslavazados y violentos, de condición impresionista, gracias a los cuales cobran relieve las arrugas epidérmicas, mostrando una piel dañada por el paso de los años a la estructura ósea que la soporta

El cuadro es de alta calidad y siempre ha sido catalogado como un Rembrandt, aunque hay algunas características técnicas inusuales respecto a la forma usual del pintor. La tierra con la que se prepara el lienzo es diferente de la clase Rembrandt normalmente utilizadas. Aunque inusual para Rembrandt, este método de preparación no es desconocida para una pintura del siglo XVII. El manejo de la pintura también difiere de la mayoría de los retratos por ser más fluido y rápido. Esto sugiere que la actual pintura es posible que no sea auténtica porque es diferente debido a las circunstancias de su creación.

“Judá y Tamar”, obra de Aert de Gelder, National Gallery

El siguiente cuadro “Judá y Tamar”, obra de Aert de Gelder, esta datado en 1681, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 80 x 97 cm. Se exponen en la sala 23.

El cuadro nos habla de un episodio del Génesis donde Judá, el hijo de Jacob, con su nuera Tamar. Judá se casó con una mujer llamada Súa, quien le dio tres hijos en este orden: Er, Onán y Selá. Er desposó a Tamar, pero murió sin tener heredero. Onán se casó después de su muerte con la viuda Tamar según la Ley del levirato –un tipo de matrimonio en el cual una mujer viuda que no ha tenido hijos se debe casar obligatoriamente con uno de los hermanos de su fallecido esposo–. Más sabiendo que, debido a esa ley sus hijos no serían suyos, evitó consumar su relación. La conducta de Onán motivó su muerte. Judá pidió a Tamar que se quedara en la casa de su padre, hasta la mayoría de edad del tercer hijo, Selá, que la desposaría.

Tamar, pasando el tiempo y pensando que Judá nunca le daría a su último hijo por esposo, se disfrazó de prostituta y tuvo relaciones carnales con su suegro, que había quedado viudo. Tamar quedó embarazada. Aún sin que Judá la reconociera, logró que le entregara su sello y su bastón como prenda hasta que le pagara un cabrito prometido por prestarse a la relación. A los tres meses, dijeron a Judá que Tamar estaba embarazada, por lo que ordenó que la ajusticiasen como castigo por su adulterio. No obstante, Tamar probó gracias al sello y el bastón de su suegro que era él quien la había embarazado. Judá la perdonó, ya que se sentía culpable por no haberle dado a su hijo Selá. Tamar alumbró dos gemelos: Farés y Zara.

“El pequeño Dort”, obra de Aelbert Cuyp, National Gallery

El siguiente cuadro “El pequeño Dort”, obra de Aelbert Cuyp, esta datado en 1650, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 66.4 x 100 cm. Se exponen en la sala 23.

El pintor nos describe un pasaje holandés donde al fondo aparece Dordrecht, tambien se adivina la Grote Kerk en el centro, y el Vuilpoort, uno de molinos de agua de la ciudad (demolido en 1864) a la izquierda.

“El pato Sijctghen”, obra de Aelbert Cuyp, National Gallery

El siguiente cuadro “El pato Sijctghen”, obra de Aelbert Cuyp, esta datado en 1650, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 66.4 x 100 cm. Se exponen en la sala 23.

Según la inscripción en la parte superior izquierda de la pintura, el pato Sijctghen, muy querido y un ejemplar bien prolífico, tenía veinte años en 1647 cuando Cuyp le pintó. Una segunda inscripción registra la muerte de Sijctghen tres años más tarde.

“El gran Dort”, obra de Aelbert Cuyp, National Gallery

El siguiente cuadro “El gran Dort”, obra de Aelbert Cuyp, esta datado en 1650, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 157,5 x 197 cm. Se exponen en la sala 23.

Este paisaje es una obra de madurez de Aelbert Cuyp , probablemente de finales de la década de 1650, se manifestaron por la excepcional calidad de la representación monumental de las vacas, tres en reposo, y una de pie observando plácidamente la lechera haciendo su trabajo.

“Castillo Ubbergen”, obra de Aelbert Cuyp, National Gallery

El siguiente cuadro “Castillo Ubbergen”, obra de Aelbert Cuyp, esta datado en 1655, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 32.1 x 54.5 cm. Se exponen en la sala 23.

Ubbergen es una pequeña localidad holandesa cerca de Nijmegen, en la provincia de Gelderland. El castillo, que había sido durante mucho tiempo una ruina, fue derribado en 1712. Debido a su destrucción parcial durante la ocupación española en 1582, el castillo del siglo XIV fue visto por los holandeses como símbolo nacional. Así la pintura luminosa de Cuyp del edificio pudo haber evocado sentimientos patrióticos a los espectadores contemporáneos.

“El Mosa en Dordrech en la tormenta”, obra de Aelbert Cuyp, National Gallery

El siguiente cuadro “El Mosa en Dordrech en la tormenta”, obra de Aelbert Cuyp, esta datado en 1645, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 49.8 x 74.4 cm. Se exponen en la sala 23.

El cuadro representa una enorme tormenta, a la derecha está la localidad de Dordrecht, donde se ve el perfil de la plaza Grote Kerk. El horizonte es muy bajo, lo que da una mayor importancia a la nave en el primer plano y el cielo dramático. Escenas de tormenta son muy inusuales en la obra de Cuyp. Aquellos que le conocen indicaron que el cuadro parece haber sido pintado a principios de su carrera y esta pintura probablemente data de la segunda mitad de la década de 1640.

“Saskia van Uylenburgh en el ultraje de Arcadia”, obra de Rembrandt, National Gallery

Pasamos a la siguiente sala donde podemos ver el cuadro “Saskia van Uylenburgh en el ultraje de Arcadia”, obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, esta datado en 1635, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 123.5 x 97.5 cm. Se exponen en la sala 24.

Saskia van Uylenburgh (1612-1642), fue hija de un burgomaestre de Leeuwarden, en Frisia, se casó con Rembrandt en 1634 por medio de su boda consiguió una gran dote. Se habían conocido en el estudio de su prima de Hendrick Uylenburgh, que era el empleador de Rembrandt después de su llegada a Ámsterdam. De sus cuatro hijos, sólo Tito estaba vivo en el momento de su muerte en 1642.

Rembrandt pintó este retrato en el año después de su boda. Al mostrar Saskia como Flora, la diosa romana de la primavera, reflexionó la moda contemporánea para Arcadia, que se podían encontrar en los poemas y obras de teatro, así como en la pintura.

“Retrato Aechje Claeschr”, obra de Rembrandt, National Gallery

El siguiente cuadro “Retrato Aechje Claeschr”, obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, esta datado en 1634, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 71.1 x 55.9 cm. Se exponen en la sala 24.

En este caso Rembrandt utiliza un óvalo para retratar a Aechje Claeschr, viuda de un cervecero Rotterdam , Jan Dammaszn . Pesser . Su hijo, Dirck Jansz . Pesser y su esposa fueron retratados por Rembrandt en el mismo año .

“El festín de Baltasar”, obra de Rembrandt, National Gallery

El siguiente cuadro “El festín de Baltasar”, obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, esta datado en 1636, realizado en óleo sobre lienzo, tiene unas medidas de 167.6 x 209.2 cm. Se exponen en la sala 24.

El cuadro representa un episodio del Libro de Daniel donde Baltasar de Babilonia celebra un banquete en el que los comensales toman bebidas y comen en cuencos y vasos saqueados del templo de Jerusalén por Nabucodonosor, durante la conquista de la capital de los judíos que condujo a la cautividad de Babilonia. En medio del festín surge una misteriosa mano que escribe un enigmático mensaje en la pared: mene, tekel, ufarsin (“una mina, un siclo y dos medias minas”). Nadie, salvo Daniel, pudo interpretarlo (mene, ha contado Dios tu reino y le ha puesto fin; tekel, has sido pesado en la balanza y hallado falto de peso; ufarsin, ha sido roto tu reino, y dado a los medos y persas)

El cuadro responde a la pretensión de Rembrandt por establecerse como un pintor reconocido de grandes pinturas de historia al estilo barroco. Las figuras no pretenden reflejar una belleza ideal, sino mostrarse de forma realista, con arrugas e imperfecciones, y una gran expresividad (mostrando sorpresa y asombro en ojos y rostros) y gestualidad de todo el cuerpo, intentando capturar el momento en el que los asistentes al festín advierten, aterrorizados, el milagro de la escritura en la pared.

“Retrato de Philips Lucasz”, obra de Rembrandt, National Gallery

El siguiente cuadro “Retrato de Philips Lucasz”, obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, esta datado en 1635, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 79.5 x 58.9 cm. Se exponen en la sala 24.

El cuadro corresponde al retrato Philips Lucasz de Middelburg, hizo su carrera dentro de la compañía Dutch East India Company. Fue nombrado Consejero General Extraordinario de las Indias Orientales Holandesas en 1631. En 1633 regresó a los Países Bajos como el comandante de una flota de comercio y en el año siguiente se casó con Petronella Buys cuya familia procedía de La Haya. Con fecha de 1635 se hizo un retrato de su esposa (ahora en Francia, en una colección privada). Los dos retratos fueron pintados durante una estancia en Ámsterdam, cuando Lucas, recibido de la empresa la cadena de oro que exhibe con orgullo. En mayo 1635 Lucasz regresa a Ámsterdam desde las Indias Oriental. Murió en el mar en 1641.

Originalmente en la obra se incluyó la mano izquierda, pero después de pintada y terminada es cuando el retrato se transformó de su formato original, pasó de rectangular a su actual forma oval. Esto probablemente se hizo a finales del siglo XVII.

“Autorretrato a la edad de 34 años” obra de Rembrandt, National Gallery

El siguiente cuadro “Autorretrato a la edad de 34 años”, obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, esta datado en 1640; realizado en óleo sobre lienzo, tiene unas medidas de 102 x 80 cm. Se exponen en la sala 24.

Para hacer este autorretrato, Rembrandt se inspira de dos grandes retratos del renacimiento italiano: el Baldassare Castiglione de Rafael y el Retrato de hombre de Tiziano. Rembrandt sin duda conoció el Castiglione, pues realizó un esbozo de este. Respecto al autorretrato de Rembrandt, la tela original tiene un fondo doble formado por una primera capa inferior de tierra roja basta, con una imprimación gris y más fina de blanco de plomo, tierra marrón y un poco de carbón. Las radiografías realizadas por la National Gallery revela un arrepentimiento: la mano izquierda de Rembrandt fue incluida inicialmente en el retrato, con los dedos descansando, luego fue eliminada. Respecto a la técnica, la carnación está realizada con dos capas de blanco de plomo, ocres amarillos y rojos, un bermellón y un pigmento marrón translúcido, probablemente tierra de Colonia. En el libro de restauración del National Gallery, revela un elevado contenido de blanco de plomo en la pintura. Es probable que la cara fuera modelada con la capa marrón de las sombras, seguida de los tonos tersos y opacos de las capas inferiores. Los colores del fondo y el parapeto están aplicados usando una sola capa gruesa, de pigmento térreo rojo y amarillo, negro y marrón translúcido combinado con blanco. El parapeto tiene dos capas: un submodelado de marrón cálido formado con ocre, laca roja, carbón animal, creta y blanco de plomo, con marrón amarillo más claro y delgado encima. El ocre amarillo de la capa superior ha sido ampliado con creta para aumentar la translucidez

Este retrato muestra a Rembrandt en el apogeo de su carrera, presentándose ante el espectador muy seguro de sí mismo, la pose vistiendo un traje elaborado en la moda del siglo XVI. Parece como si Rembrandt se refiere deliberadamente a sus famosos predecesores en este retrato, y por lo tanto se sitúa en la tradición de la grandes y viejos maestros.

“Retrato de una mujer”, obra de Frans Hals obra de Rembrandt, National Gallery

El siguiente cuadro “Retrato de una mujer”, obra de Frans Hals, esta datado en 1640, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 79.8 x 59 cm. Se exponen en la sala 24.

El pintor representa el retrato de una mujer que se caracteriza por la gran atención a los detalles como el elegante traje que viste la mujer, es característico de aquella época alrededor de 1640, fecha en que el cuadro fue pintado. Ella lleva un collar de tres niveles grandes, arco de plata y puños de encaje con anchos adornos. En su mano izquierda sostiene un abanico de plumas fijadas y montadas en oro, suspendidas de una cadena de oro.

Aunque la modelo no ha sido identificada, el vestido elegante y las joyas sugieren que pudo haber sido la esposa de un rico ciudadano de Haarlem porque la ropa similar son usadas por la mujer representada en otro cuadro de la National Gallery “Retrato de un hombre, una mujer y un niño en una habitación” de Pieter Codde, que data de 1640, y en el “Retrato de una mujer” de Johannes Conelisz. Verspronck (Enschede, Rijksmuseum Twenthe) que fue pintado en el mismo año.

“Hombre joven sostiene un cráneo”, obra de Frans Hals, National Gallery

El siguiente cuadro “Hombre joven sostiene un cráneo”, obra de Frans Hals, esta datado en 1626, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 92.2 x 80.8 cm. Se exponen en la sala 24.

Esta pintura no se puede clasificar dentro de la sección de retratos, se trata de una alegoría de la vanidad, como recuerda la calavera que sostiene el joven, recuerdo de la transitoriedad de la vida y la certidumbre de la muerte. Este tipo de obra se conoce con el nombre de vanitas (palabra latina que significa vanidad), un nombre derivado de un verso en el Antiguo Testamento: «Vanidad de vanidades», dijo el Predicador; «todo es vanidad». La advertencia del cuadro es, por lo tanto, que se debe pensar en la muerte en todo momento, incluso durante la juventud.

Frans Hals sigue aquí un tema tradicional de la pintura holandesa: la representación de jóvenes con calaveras, como puede verse ya en grabados de principios del siglo XVI. Lo adoptaron también los caravagistas de la escuela de Utrecht, vistiendo a sus modelos con ropa exótica. No obstante, Hals se aparta de ellos en cuanto a que no adopta un fondo no es oscuro, sino claro, por lo que la figura no se desarrolla desde la oscuridad hacia la luz

“Dos seguidores de Cadmo devorados por un dragón”, obra de Cornelis van Haarlem, National Gallery

El siguiente cuadro “Dos seguidores de Cadmo devorados por un dragón”, obra de Cornelis van Haarlem, esta datado en 1588, realizado en óleo sobre lienzo pegado en madera de roble; tiene unas medidas de 148.5 x 195.5 cm. Se exponen en la sala 24.

El cuadro es un pasaje de la mitología griega contada en la Metamorfosis de Ovidio donde Cadmo era hijo de los reyes de Canaán Agenor y Telefasa, y hermano de Fénix, Cílix, Taso, Fineo y Europa. Cuando Zeus raptó a Europa, Agenor ordenó a sus hijos varones que fueran en su busca, prohibiéndoles volver sin ella, bajo pena de muerte.

Cada uno de los hermanos tomó un rumbo, pues ninguno sabía por dónde había ido Zeus; Fénix fundó Fenicia, de la que fue rey, y Cílix fundó Cilicia, siendo también su gobernante. Cadmo fue con su madre Telefasa hasta Rodas, donde construyeron un templo para Poseidón. Más adelante, desembarcaron en Tera y construyeron otro templo para Poseidón. Allí murió Telefasa inesperadamente, y Cadmo continuó su viaje hasta llegar al Oráculo de Delfos.

En el oráculo le aconsejaron que abandonase su búsqueda, vendase sus ojos, saliera por cualquier puerta y siguiese a la primera vaca que encontrase; donde la vaca se tumbase a descansar, Cadmo debía edificar una ciudad. Cadmo salió hacia el sur, y encontró una vaca con una mancha blanca en forma de luna en la frente. La siguió hacia Beocia, sin dejar que se detuviera, hasta que se dejó caer exhausta en el lugar donde se encuentra actualmente la ciudad de Tebas. Cadmo quiso ofrecer la vaca en sacrificio a Atenea, y le pidió a dos de sus hombres que trajeran agua de la fuente de Ares.

Al ver que sus hombres no volvían, nuestro héroe fue a la fuente de Ares, y se encontró con que estaba custodiada por un dragón consagrado al dios de la guerra, que había devorado a sus compañeros. Cadmo mató al dragón, y después de ofrecer el sacrificio se le apareció Atenea, ordenándole que le arrancara los dientes al monstruo y los plantase en la tierra, como si fueran semillas. De ellas crecerían los Spartai, hombres fuertemente armados, que debían pelear entre ellos. Cuando sólo quedaban cinco, dejaron de luchar y ofrecieron sus servicios a Cadmo.

“El juicio de Paris”, obra de Peter Paul Rubens, National Gallery

El siguiente cuadro “El juicio de Paris”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1597, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 133.9 x 174.5 cm. Se exponen en la sala 24.

El pintor Rubens hizo varias versiones de este tema; una juvenil de formato reducido se conserva también en el Prado, y esta la National Gallery de Londres. Ésta, la última, fue pintada hacia 1638, cuando el artista estaba enfermo de gota.

Para realizar la obra, Rubens empleó un esquema basado en Rafael, manifestando su amor por el arte del Cinquecento. Las diosas están resaltadas por la luz y la técnica transparente utilizada por el pintor. Sus bellos cuerpos desnudos nos ponen de manifiesto el canon de belleza femenina durante el barroco, mientras que en los cuerpos masculinos observamos una clara referencia a Miguel Ángel.

Como con muchos relatos mitológicos, los detalles varían de una fuente a otra. La historia es mencionada con indiferencia por Homero (en la Ilíada ) como un elemento mítico con el que sus oyentes estaban familiarizados, y fue desarrollada en las Ciprias, una obra perdida del ciclo troyano, de la que sólo se conservan fragmentos. Es narrada con más detalle por Ovidio en las Heroidas.

El Juicio de Paris ofreció naturalmente a los artistas la oportunidad de retratar tres mujeres desnudas idealmente hermosas, como en una especie de concurso de belleza, pero el mito, al menos desde Eurípides, trata más sobre la elección de los dones que cada diosa personifica: el subtexto del soborno es irónico y un ingrediente posterior.

“Júpiter y Antiope”, obra de Hendrik Goltzius, National Gallery

El siguiente cuadro “Júpiter y Antiope”, obra de Hendrik Goltzius, esta datado en 1612, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 122 x 178 cm. Se exponen en la sala 24.

El pintor representa en su obra el momento anterior al que la bella Antíope sea seducida por Júpiter. Éste aparece en forma de sátiro mirando con ferviente deseo a una Antíope que duerme desnuda sobre un magnífico estudio de telas como lecho, la cubre una transparente gasa acentuando la desnudez el collar y los pendientes de perlas, además, los colores vibrantes y las formas audaces y escultóricas aumentan el dramatismo de la escena.

“Un niño y una niña con gato y una anguila”, obra de Judith Leyster, National Gallery

El siguiente cuadro “Un niño y una niña con gato y una anguila”, obra de Judith Leyster, esta datado en 1635, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 59.4 x 48.8 cm. Se exponen en la sala 24.

El cuadro representa la moralidad de lo que está bien y está mal. La escena nos presenta a un niño que ha conseguido atrapar a un gato utilizando como cebo una anguila, la niña tira de la cola del gato y este saca las garras para arañar. Se cree que el cuadro hace alusión a un proverbio holandés que decía “el que juega con gatos acaba arañado”.

Es importante acercarse a la pintura para poder ver con detalle las pinceladas de esta artista, sobre todo en el rojo de las mejillas y las bocas de los dos niños. Es indudable que, como artista, le daba a su marido mil vueltas.

“Dos niños y una niña tocando música”, obra de Miense Molenaer, National Gallery

El siguiente cuadro “Dos niños y una niña tocando música”, obra de Miense Molenaer, esta datado en 1635, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 68.3 x 84.5 cm. Se exponen en la sala 24.

El tema de esta pintura es costumbrista y fue muy demandado en el siglo XVII, en este caso los niños que tocan instrumentos de música celebran las fiestas despreocupados, muy propio de su juventud. El chico de la izquierda está tocando un violín, y el de la derecha un “rommelpot” (bote de ruido). La niña, que viste la gola de un soldado, lleva el acompañamiento con unas cucharas sobre un objeto metálico.

“Fiesta musical en un patio”, obra de Pieter de Hooch, National Gallery

Cambiamos de sala y el siguiente cuadro “Fiesta musical en un patio”, obra de Pieter de Hooch, esta datado en 1677, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 83.5 x 68.5 cm. Se exponen en la sala 25.

Las pinturas de Pieter de Hooch pertenecen al grupo de pinturas de género y, eran muy cotizadas en la época. Generalmente pintó escenas en interiores de las casas de ciudades holandesas, donde se centra principalmente en la fuente de iluminación. Él se limitaba principalmente a los personajes, haciendo su vida normal. Las pinturas representaban dos o más salas contiguas, ofreciendo un tratamiento realista de la verdadera perspectiva.

La pintura es una característica del periodo en que vivió en Ámsterdam de Hooch. Trata de representar el contraste con los interiores de la clase media de sus pinturas de Delft, que ahora se centra en más sofisticados ambientes domésticos y figuras elegantes.

“El patio de una casa en Delft”, obra de Pieter de Hooch, National Gallery

El siguiente cuadro “El patio de una casa en Delft”, obra de Pieter de Hooch, esta datado en 1658, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 73.5 x 60 cm. Se exponen en la sala 25.

El pintor se afana en describir como era la vida burguesa de sus días, de Hooch centró su obra pictórica en una temática basada en la vida tranquila de sus contemporáneos describiéndolos en casas, paseos, calles y patios en los que, con un detallismo preciosista, representa las particularidades arquitectónicas, los elementos cotidianos y hasta las acciones de los personajes.

La arquitectura está cuidadosamente pintada donde tiene prioridad sobre las figuras del cuadro; el muro del jardín decaído a la derecha contrasta con la casa muy bien conservada de la izquierda, donde un pasaje ofrece una vista a la calle más allá, y con el pavimento recién barrido.

Sobre el arco se puede leer en una placa que era la puerta que originalmente se encontraba en la entrada del Hieronymusdale Claustro en Delft. Cuando se suprimió el claustro se eliminó esta placa y se puso en la pared de un jardín detrás del canal. La inscripción en el rotulo se puede leer: (dit.is.in.sin) te.hyronimusdale / wil (dt.v.tot.patie) ntie en.lijdt tsamenhey (t) / begheven w (y) tw (ij) .mu (ette) n / Eerst dalle / willen wijlle wy w (o) rden / verheven anno 1614. (Esto es el valle de San Jerónimo, si desea reparar en la paciencia y la mansedumbre. Porque es necesario que primero descenderá si queremos ser levantado.).

“Un interior con una mujer bebiendo con dos hombres y una sirvienta”, obra de Pieter de Hooch, National Gallery

El siguiente cuadro “Un interior con una mujer bebiendo con dos hombres y una sirvienta”, obra de Pieter de Hooch, esta datado en 1658, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 73.7 x 64.6 cm. Se exponen en la sala 25.

Hooch era un pintor muy popular, vivió sus primeros años como pintor en Ámsterdam, en un barrio pobre. Ya en el año en el año 1668, se trasladó a un barrio mejor, pero nunca fue lo suficientemente rico para comprar su propia casa. Poco se sabe de sus últimos años de vida y a menudo se le confunde con su hijo Pieter Pietersz. de Hooch, que parece haber sido su aprendiz. Fue encerrado en un manicomio por sus problemas mentales. Murió el 24 de marzo de 1684, y fue enterrado en la Iglesia de San Antonio.

La escena del cuadro nos lleva la mirada hacia la copa de vino, que levanta la chica que está de espaldas situada a la izquierda, y que está brillantemente iluminada desde la ventana adyacente. En la pared trasera detrás de la mesa hay un mapa de Holanda y sobre la chimenea a la derecha, un cuadro que muestra la Educación de la Virgen , que es similar a una imagen (Ering, Esterhazy Capilla), que parece haber sido pintado en Flandes en principios del siglo XVII.

“Un interior con una mujer que rechaza una copa de vino”, obra atribuida a Ludolf de Jongh, National Gallery

El siguiente cuadro “Un interior con una mujer que rechaza una copa de vino”, obra atribuida a Ludolf de Jongh, esta datado en 1660, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 117 x 92 cm. Se exponen en la sala 25.

Estamos en un escena de interiores en la imagen aparece arriba de la chimenea parece estar basada en el cuadro “Abraham libera a su sobrino Lot” de Antonio Tempesta. Las patas doradas colocadas delante de la chimenea están decoradas con caballitos de mar. El hombre ofrece a una mujer una copa de vino y esta parece rechazarla con la acción de su mano derecha, en la escena aparecen dos personajes más que parecen no intervenir en la acción.

“Una mujer y su criada en un patio”, obra de Pieter de Hooch,National Gallery

El siguiente cuadro “Una mujer y su criada en un patio”, obra de Pieter de Hooch, esta datado en 1660, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 73.7 x 62.6 cm. Se exponen en la sala 25.

El pintor se especializa en escenas domésticas y retratos familiares. Su trabajo mostró la sagaz observación de los detalles triviales de la vida cotidiana y al mismo tiempo relacionado con la moral bien ordenada de su época. Estas pinturas a menudo exhiben un sofisticado y delicado tratamiento de la luz, similar a la de Vermeer, que vivió en Delft, al mismo tiempo que de Hooch. Más tarde, a partir de 1658, Pieter de Hooch realizó principalmente interiores, con personajes principalmente femeninos. Estas obras, las pintó casi sistemáticamente destacando por ejemplo los suelos de baldosas, son tan sorprendentes que permiten observar su evidente dominio de las líneas de perspectiva. La profundidad de la pintura suele estar reforzada por una vista exterior –un patio, u otra habitación de la casa– que siempre está más detallada que el escenario principal de la pintura.

Estamos ante una escena costumbrista en este caso la vista es casi seguro imaginaria, pero compuesta de elementos bien conocidos de Hooch. La pared en el fondo del jardín es la muralla de la ciudad antigua de Delft, que limita los jardines en el lado oeste del canal Oude Delft.

“Una mujer joven de pie tocando un Virginal”, obra de Johannes Vermeer, National Gallery

El siguiente cuadro “Una mujer joven de pie tocando un Virginal”, obra de Johannes Vermeer, esta datado en 1670, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 51.7 x 45.2 cm. Se exponen en la sala 25.

El pintor en esta época de su vida está en una fase de transición de estilo buscando una estilización. Abandonó las transiciones de color y empleó la yuxtaposición de colores. Se aprecia bien en el marco dorado de la pared.

“Entendidos en una habitación con cuadros colgados”, obra anónima de un artista holandés, National Gallery

El siguiente cuadro “Entendidos en una habitación con cuadros colgados”, obra anónima de un artista holandés, esta datado en 1620, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 95.9 x 123.5 cm. Se exponen en la sala 28.

Esta pintura tiene un gran número de distintas escenas que muestran a unos coleccionistas y visitantes sobre unos entornos reales o imaginarios que en gran medida se produjeron en Flandes en el siglo XVII. Este cuadro fue pintado probablemente en 1620. Bien puede ser el trabajo de la colaboración de dos pintores, uno responsable de las personas y el otro pudo pintar solamente el interior, que es probablemente en gran medida una escena imaginaria.

La letra grande sobre la mesa indica: “Ceres burlado por los campesinos” por Goudt después Elsheimer; en el folio abierto se pueden ver grabados de Durero y Lucas van Leyden. Los cuadros de la pared son casi todos los artistas de Amberes de los siglos XVI y XVII e incluyen obras del estilo de Joachim Beuckelaer, Joos de Momper, Jan Brueghel el Viejo y Frans Francken.

“Minerva protege a Pax y Marte”, obra de Peter Paul Rubens, National Gallery

El siguiente cuadro “Minerva protege a Pax y Marte”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1629, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 203.5 x 298 cm. Se exponen en la sala 29.

Rubens pintó el cuadro en Londres durante una misión diplomática de paz en nombre de España con Inglaterra y lo regaló al rey Carlos I. El cuadro representa a Minerva, diosa de la sabiduría y de las artes, en el acto de alejar a Marte, dios de la guerra, mientras delante de ellos está la figura desnuda de Pax.

Este lienzo también es conocido como “Paz y Guerra”, lleno de los desnudos voluptuosos, los intensos colores y el movimiento vivo del propio de Rubens, es una alegoría política. En el centro de la pintura está la Paz que saca leche de su generoso pecho para amamantar a un niño, el cual suele identificarse con Pluto, el dios de la riqueza. A la derecha de ella, está Minerva, la diosa de la sabiduría quien protege a la Paz de Marte, el dios de la guerra. Al fondo a la derecha un cupido alado y la diosa del matrimonio Himen, guía a los dos muchachos. Un ángel alado que flota en el aire sujeta una rama de olivo, símbolo de la paz y el caduceo de Mercurio, mensajero de los dioses. Aunque el cuadro esté coronado con figuras alegóricas, su significado es evidente, la paz comporta prosperidad, riquezas, cosechas abundantes y una vida familiar feliz.

“La Virgen y el niño con San Juan y sus padres”, obra de Jacob Jordaens, National Gallery

El siguiente cuadro “ La Virgen y el niño con San Juan y sus padres”, obra de Jacob Jordaens, esta datado en 1620, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 114 x 153 cm. Se exponen en la sala 29.

El tema del cuadro es la visita del infante Juan el Bautista con sus padres, los Santos Isabel y Zacarías, a la Virgen y el Niño. Acompañado de un cordero, San Juan libera un jilguero. Esta ave se cree que fue salpicado con la sangre de Cristo en la crucifixión, por lo que fue visto como un símbolo de la pasión.

Visualmente, la diadema sugiere una aureola que rodea las cabezas de la Virgen y el Niño, contribuyendo de esta manera una resonancia simbólica a una pintura que está lleno de lo contrario con un sentido fuerte de la realidad.

“Sansón y Dalila”, obra de Peter Paul Rubens, National Gallery

El siguiente cuadro “Sansón y Dalila”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1609, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 185 x 205 cm. Se exponen en la sala 29.

El cuadro Rubens representa a una Dalila con mejillas encendida por el placer físico y se encuentra lánguidamente reclinada. La inclinación de su cabeza hace la forma de la estatua de Venus que se observa arriba de ella. Su piel suave y fresca presenta un fuerte contraste con la figura de la anciana.

Aquí vemos un intento del autor de mostrarnos a una Dalila como una prostituta, e incluso, situándola en una sala de un burdel.

En cuanto a la estatua en el nicho simboliza a Venus y Cupido. Su presencia en esa escena complementa la interpretación erótica de ella.

Sobre ella yace la figura de Sansón con una espalda desnuda e iluminada que llevan el ojo del espectador hacia el punto culminante que son las caras de los personajes principales.

Al fondo a la derecha y detrás de una puerta son los rostros de los soldados filisteos iluminados desde abajo por una antorcha de fuego mientras entran sigilosamente. Están llevando las estacas afiladas que van a utilizar para quitarle los ojos a Sansón.

“San Bavón es recibido por los Santos Abad y Floribert”, obra de Peter Paul Rubens

Más adelante podemos ver el tríptico “San Bavón es recibido por los Santos Abad y Floribert”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1611, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 106.7 x 82.1 cm. Se exponen en la sala 29.

El cuadro es un boceto en óleo para la confección del retablo mayor de la capilla de San Bavón en la iglesia de San Pedro de Gante. Se representa la vida del santo antes de su conversión al cristianismo, San Bavón era un caballero llamado Conde Allowin de Haspengouw. Aquí se le ve siendo recibido como monje en la iglesia de san Floribert abad del monasterio benedictino, y San Amandus, quien lo convirtió.

En el primer plano, Rubens como de San Bavón distribuye las riquezas entre los pobres; se puede ver a los hijos retorciéndose y los mendigos dan la donación de una teatralidad heroica. En el panel de la derecha Reyes Clothar y Dagoberto, padre e hijo, apoyar la toma de San Bavón y disputar con un heraldo al emperador Mauricio, un edicto que prohibía caballeros para convertirse en monjes. En el panel de la izquierda son los Santos de Gertrude y Begga, las hermanas de Bavon, que siguieron su ejemplo y se convirtieron en monjas.

“Aurora secuestra a Céfalo”, obra de Peter Paul Rubens, National Gallery

Más adelante podemos ver el cuadro “Aurora secuestra a Céfalo”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1636, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 30.8 x 48.5 cm. Se exponen en la sala 29.

La pintura es un boceto al óleo que hizo Rubens dentro de una serie de pinturas encargadas por Felipe IV de España para decorar su pabellón de caza, Torre de la Parada , a las afueras de Madrid.

Rubens utilizó bocetos al óleo para explorar sus ideas sobre diseño y composición, y también como plantillas para que sus asistentes pudieran trabajar en lienzos a gran escala.

“La Violación de las Sabinas”, obra de Peter Paul Rubens, National Gallery

Más adelante podemos ver el cuadro “ La Violación de las Sabinas”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1635, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 169.9 x 236.2 cm. Se exponen en la sala 29.

El cuadro es un pasaje donde se relata que la tribu de Sabine fueron invitados a juegos en Roma; a una señal de su rey, Rómulo, los romanos se llevaron las mujeres. El fondo muestra el episodio más tarde, cuando los sabinos atacan a los romanos y fueron derrotados. Los romanos y sabinos luchan en el fondo más allá de la barandilla que separa a la audiencia de los juegos. El secuestro se representa dentro de la arquitectura clásica aunque las mujeres llevan vestidos flamencos del siglo XVII.

“Rinaldo conquistado por el amor de Armida”, obra de Antony Van Dyck, National Gallery

Más adelante podemos ver el cuadro “Rinaldo conquistado por el amor de Armida”, obra de Antony Van Dyck, esta datado en 1634, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 57 x 41.5 cm. Se exponen en la sala 29.

Estamos ante un boceto al óleo para un grabado que debía de hacer Pieter de Jode el Joven, fechado en 1644. El reverso del panel lleva las iniciales del fabricante de paneles de Amberes, Michiel Vriendt (1636 séptimos). El cuadro data de los años 1634-5 cuando Van Dyck estuvo en los Países Bajos meridionales.

El uso de la grisalla monocroma, está técnica es particularmente adecuada para un trabajo preparatorio para un grabado. El panel se ha cuadrado por el grabador para facilitar la transferencia del diseño a su placa de grabado.

“Triunfo romano”, obra de Peter Paul Rubens, National Gallery

Más adelante podemos ver el cuadro “Triunfo romano”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1630, realizado en óleo sobre lienzo pegado en madera de roble; tiene unas medidas de 86.8 x 163.9 cm. Se exponen en la sala 29.

El cuadro representa el triunfo de Julio Cesar, en el se puede ver unas doncellas que servían en los ritos sagrados; animales para el sacrificio; instrumentos de viento, y los jugadores; matarifes; en el centro vestida de rojo, un “pontifex” (sacerdote), por encima de él un adivino; y elefantes con sus cuidadores que portan fruta e incienso.

“Retrato de Thomas Howard, segundo conde de Arundel”, obra de Peter Paul Rubens

Más adelante podemos ver el cuadro “Retrato de Thomas Howard, segundo conde de Arundel”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1629, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 67 x 54 cm. Se exponen en la sala 29.

Después de su periplo por Italia empapándose de los clásicos en septiembre de 1627, volvió a su Amberes natal, llamado por la muerte de su hermana Cornelia. Los primeros meses se caracterizaron por una gran producción religiosa. En este período los retratos de carácter mitológico (Sansón y Dalila) son raros, mientras abundan los de carácter bíblico-religioso, entre los cuales destaca el Éxtasis de san Agustín, puesto al lado de una tela de Rubens y a una de Jacob Jordaens y la Adoración de los pastores. Además, Van Dyck realiza también seis Crucifixiones, un Llanto sobre Cristo muerto y una Coronación de espinas. Todos estos trabajos están llenos de un fervor y de una gran profundidad y llenos de misticismo, pero sobre todo en el último, aparecen notas pre-románticas además de la línea barroca predominante.

La fama de gran retratista con la que había vuelto de su permanencia en Italia, le permitió entrar al servicio de la archiduquesa Isabel Clara Eugenia de Habsburgo, hija de Felipe II y regente de los Países Bajos. Pintó un retrato de la archiduquesa por el cual recibió a cambio una cadena de oro. Con su entrada en la corte, creció todavía más su fama de retratista. Quienes le encargaban trabajos, eran muy numerosos y pertenecían a las grandes familias de la nobleza de Flandes y de Brabante. Uno de los más importantes trabajos de la época es el Retrato de María Luisa de Tassis, que pertenecía a una de las familias más ricas del norte de Europa. La dama aparece confiada, consciente de la propia belleza, con un vestido precioso y elaborado.

Thomas Howard, era el segundo conde de Arundel y Surrey (1585-1646), se convirtió en conde mariscal de Inglaterra en 1621. Fue uno de los primeros y más famosos de los aventureros ingleses. Aquí lleva la George menor colgaba de una cinta azul, una de las insignias de la Orden de la Jarretera.

“Retrato de Cornelis van der Geest”, obra de Peter Paul Rubens, National Gallery

Más adelante podemos ver el cuadro “Retrato de Cornelis van der Geest”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1620, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 37.5 x 32.5 cm. Se exponen en la sala 29.

Retrato de Cornelis van der Geest representa a un comerciante de Amberes, que utilizó su riqueza para apoyar a los artistas de Amberes y establecer su colección de arte. También fue el decano del gremio de merceros. Durante su vida fue retratado en varias ocasiones por Anthony van Dyck. Era dueño de dos pinturas de Quentin Massys, una de las cuales, una Virgen, se puede ver en el cuadro de Van Haecht. Otras obras incluidas en este punto de vista son mujeres en su retrete por Jan van Eyck.

Van der Geest también trabajaba como un mecenas. Él organizó con Rubens para pintar un tríptico para la Walburga en la iglesia en Amberes, lo que dio lugar a la elevación de la cruz, ahora en la catedral de Amberes. Del mismo modo, consiguió el trabajo para el Tríptico de San Ildefonso, destinado a la iglesia de Saint James.

“Retrato de Ludovicus Nonnius”, obra de Peter Paul Rubens, National Gallery

Más adelante podemos ver el cuadro “Retrato de Ludovicus Nonnius”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1627, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 124.4 x 92.2 cm. Se exponen en la sala 29.

El cuadro representa a Luis Núñez, un médico belga de ascendencia portuguesa que es considerado el fundador de la medicina dietética. Él era uno de los médicos de Peter Paul Rubens que pintaron un retrato de él en 1627. Nonnius destacó como un humanista en el Renacimiento, en más de una disciplina y escribió junto con temas de medicina, también trabajos geográficos e históricos, y libros sobre las monedas griegas y romanas. Su obra más influyente es la Diaeteticon cuatro partes desde 1627, el primer estudio sistemático de los alimentos desde el punto de vista médico-sanitario.

“Los caballos de Aquiles”, obra del estilo de Antony Van Dyck, National Gallery

Más adelante podemos ver el cuadro “Los caballos de Aquiles”, obra del estilo de Antony Van Dyck, esta datado en 1635, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 105.5 x 91.5 cm. Se exponen en la sala 29.

Aquiles, el héroe griego, tenía dos caballos, Janto y Balius, que eran los descendientes de Céfiro, el dios del viento. Estos animales fueron el regalo de Poseidón, dios del mar, a Peleo y Tetis, la más famosa de las Nereidas, el día de su boda. Los caballos fueron heredados por el hijo de ambos; Aquiles.

El dios del viento, arriba a la derecha, es, probablemente, pretende ser una personificación de Céfiro.

“La pesca milagrosa”, obra de Peter Paul Rubens, National Gallery

Más adelante podemos ver el cuadro “La pesca milagrosa”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1618, realizado con tiza negra, lápiz y óleo; tiene unas medidas de 55 x 85 cm. Se exponen en la sala 29

Se trata de un boceto realizado para la parte central del tríptico de Notre Dame au delà de la Dyle , Malinas.

El cuadro representa a Pedro y Simón en un barco que usaban para predicar, y después Jesús les llevó a los pescadores a una pesca milagrosa. Después de esto él llamó para que puedan ser pescadores de hombres.

“Una vista de Het Steen por la mañana temprano”, obra de Peter Paul Rubens

Más adelante podemos ver el cuadro “Una vista de Het Steen por la mañana temprano”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1636, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 131.2 x 229.2 cm. Se exponen en la sala 29.

Rubens compró en 1635 una casa solariega de Het Steen cerca de Malinas, donde disfrutó de los placeres de ser un miembro de la aristocracia como un terrateniente durante los últimos cinco años de su vida.

Su pintura de la casa y el paisaje circundante muestra una escena otoñal con plantas de luz invernal y con nítidas flores de otoño. El sol ilumina el frente de la casa y el carro que deja para el mercado, mientras que un cazador en el primer plano aparecen: tallos y perdices.

“Minerva y Mercurio conducen al duque de Buckinhan al templo de la virtud”, obra de Peter Paul Rubens

Más adelante podemos ver el cuadro “Minerva y Mercurio conducen al duque de Buckinhan al templo de la virtud”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1625, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 64 x 63.7 cm. Se exponen en la sala 29.

Se trata de boceto preparatorio para una pintura que encargo el duque de Buckingham que colgaba en Londres en la casa del duque, York House y que fue estruida por un incendio en 1949.

En el cuadro aparece el duque de Buckingham como va hacia el cielo acompañado por Minerva y Mercurio a un templo de mármol en frente de los cuales están la Virtud y la Abundancia. Las tres Gracias ofrecen al duque una corona de flores, Envidia pretende tirar de él hacia abajo y un león lo reta.

“La caza del león”, obra de Peter Paul Rubens

Más adelante podemos ver el cuadro “La caza del león”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1614, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 73.1 x 105.4 cm. Se exponen en la sala 29.

Estamos ante un esbozo para la realización de un cuadro en grisalla, donde se ven unos cazadores a caballo para luchar contra un león que intenta arrastrar a uno de ellos al suelo. Otra figura mata a un león en el suelo y un cadáver se encuentra debajo de los caballos. Se desconoce en concreto para qué tipo de obras mitológicas Rubens quería hacer este tipo de representaciones.

“Un paisaje pastor con su rebaño”, obra de Peter Paul Rubens

Más adelante podemos ver el cuadro “Un Paisaje pastor con su rebaño”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1615, realizado en óleo sobre madera de roble, tiene unas medidas de 64.3 x 94.3 cm. Se exponen en la sala 29.

El cuadro se hizo en dos grandes etapas, inicialmente la escena central principal fue trabajada con el apoyo de los miembros de su taller y posteriormente el pintor termino el cuadro.

“Un paisaje con pastor y su rebaño”, obra de Peter Paul Rubens

Más adelante podemos ver el cuadro “Un Paisaje con pastor y su rebaño”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1638, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 49.4 x 83.5 cm. Se exponen en la sala 29.

La escena del paisaje no ha sido identificada, pero es probable que se hayan inspirado en el campo alrededor de Het Steen. La luz pretende identificarse con una puesta de sol. Rubens estaba fascinado por los efectos naturales, y detalles como las reflexiones y las formaciones de nubes sugieren la observación directa.

“El Juicio de Paris”, obra de Peter Paul Rubens

Más adelante podemos ver el cuadro “El Juicio de Paris”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1632, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 144.8 x 193.7 cm. Se exponen en la sala 29.

El cuadro muestra la rivalidad entre las diosas Minerva, Venus y Juno por ser la más bella esto debía ser resuelto por el pastor Paris. Éste, hijo de Priamo, entregaría una manzana de oro con la inscripción “a la más bella”, a la diosa que a su juicio lo mereciera.

Paris piensa sentado bajo un árbol mientras Mercurio, como mensajero de los Dioses, porta el fruto dorado de la discordia. Las diosas esperan el juicio intentando convencer al joven. Minerva, con armadura y una lechuza, le anuncia el éxito en la guerra; Venus, acompañada de Cupido, le ofrece por esposa a la mujer más bella; y Juno, identificable por el pavo real, le promete la grandeza. La elegida será Venus, con cuya ayuda, Paris raptará a Helena provocando la guerra de Troya y el odio de las otras diosas, tal y como se relata en La Iliada de Homero.

Las figuras de las tres diosas y Mercurio se disponen según los cánones de la belleza clásica. Las figuras son las típicas de la época y sobre todo en la obra de la pintura flamenca: Son figuras carnosas y desnudas, con aspecto grácil pero poco delicado. Sus senos y caderas son abultados aludiendo a la condición de madre de la mujer que para Rubens era inseparable.

“Paisaje con un carro vadeando un arroyo”, obra de Peter Paul Rubens

Más adelante podemos ver el cuadro “Paisaje con un carro vadeando un arroyo”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1625, realizado en lápiz y óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 47 x 70.5 cm. Se exponen en la sala 29.

La obra está sin concluir; no se han completado las áreas de follaje, lo que indica que el cuadro fue realizado en las ultima para te de la obra de Rubens. Al él le gustaba mucho el campo y desde finales de la década de 1610 pintó paisajes con mayor o menor frecuencia, en los que muestra una naturaleza exuberante y variada, pero la compra del castillo en Het Steen, en el que pasó desde entonces gran parte de su tiempo, hizo que fuera en la última etapa de su vida cuando más intensamente se dedicara a esta faceta.

La atribución de esta obra de Rubens en el pasado ha sido puesta en duda, pero se sigue considerándose como una obra inconclusa de Rubens. La datación de los paisajes de Rubens es problemático porque no fueron contrastados.

“El lugar de riego”, obra de Peter Paul Rubens

Más adelante podemos ver el cuadro “El lugar de riego”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1615, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 99.4 x 135 cm. Se exponen en la sala 29.

Este paisaje es una variación de otros que hizo seguramente al mismo tiempo pero cambiando algunos de sus personajes y la cubierta vegetal, en algunos aspectos era una pintura en serie para atender a la gran demanda de este tipo de cuadros.

“Venus del Espejo”, obra de Diego Velázquez

Pasamos de sala para poder contemplar la pintura del siglo de oro española con el cuadro “Venus del Espejo”, obra de Diego Velázquez, esta datado en 1647, realizado en óleo sobre lienzo, tiene unas medidas de 122.5 x 177 cm. Se exponen en la sala E.

Estamos ante uno de los cuadros más famosos del museo recibió el sobrenombre «Rokeby» proviene de que durante todo el siglo XIX estuvo expuesto en el Rokeby Hall de Yorkshire. Anteriormente perteneció a la Casa de Alba y a Manuel Godoy, época en la que seguramente se conservaba en el Palacio de Buenavista (Madrid), de donde probablemente fue robada por algún miembro del ejército inglés.

La obra representa a la diosa Venus en una pose erótica, esta tumbada sobre una cama y mirando a un espejo que sostiene el dios del amor sensual, su hijo Cupido. Se trata de un tema mitológico al que Velázquez, como es usual en él, da trato mundano. No trata a la figura como a una diosa sino, simplemente, como a una mujer. Esta vez, sin embargo, prescinde del toque irónico que emplea con Baco, Marte o Vulcano.

Detalle “Venus del Espejo”, obra de Diego Velázquez

La Venus del espejo fue considerada durante mucho tiempo como una de las últimas obras que había firmado Velázquez. En 1951, se descubrió citada en un inventario del 1 de junio de 1651 en la colección particular de Gaspar de Haro y Guzmán (1629-1687), marqués del Carpio, era un cortesano estrechamente relacionado con el rey Felipe IV de España. Haro era sobrino-nieto del primer mecenas de Velázquez, el Conde-Duque de Olivares, y un conocido como gran libertino. Según indicaban: «amaba la pintura casi tanto como amaba a las mujeres», e «incluso sus defensores lamentaban su excesivo gusto por las mujeres de clase baja durante su juventud». Por estas razones, parece probable que él hubiera encargado la pintura. Si estaba inventariado en 1651, el lienzo no podía ser posterior al segundo viaje de Velázquez a Italia, del que retornó en junio de ese año, pudiendo haberlo pintado allí a fines de 1650 o principios de 1651 y remitido a España antes del regreso del artista. Sin embargo, en 2001 el historiador de arte Ángel Aterido descubrió que la pintura había pertenecido antes al marchante y pintor madrileño Domingo Guerra Coronel, y que fue vendida a Haro en 1652 después de la muerte de Coronel el año anterior. La propiedad de Coronel sobre la pintura suscita una serie de cuestiones: cómo y cuándo pasó a ser posesión de Coronel y por qué el nombre de Velázquez se omitió en el inventario de Coronel. El crítico de arte Javier Portús ha sugerido que la omisión pudo deberse a que se trataba de un desnudo femenino, «un tipo de obra que estaba cuidadosamente supervisada y cuya difusión se consideraba problemática»

La Venus del espejo representa a la dios romana del amor, la belleza, y la fertilidad se encuentra reclinada lánguidamente en su cama, con la espalda hacia el espectador —en la Antigüedad , el retrato de Venus de espaldas fue un motivo erótico visual y literario común — y con sus rodillas dobladas—. Se la muestra sin la parafernalia mitológica que normalmente se incluye en representaciones de la escena; están ausentes las joyas, las rosas y el mirto. A diferencia de la mayor parte de los retratos previos de la diosa, que la muestra con cabellera rubia, la Venus de Velázquez es morena. Cuando la obra se inventarió por vez primera, fue descrita como «una mujer desnuda», probablemente debido a su naturaleza controvertida.

La figura femenina puede identificarse con Venus debido a la presencia de su hijo, Cupido. Este aparece sin sus acostumbrados arcos y flechas. Cupido, se representa gordito e ingenuamente respetuoso, incluso vulgar, tiene en sus manos una cinta rosa de seda que está doblada sobre el espejo y se riza sobre su marco. Su función ha sido objeto de debate por los historiadores del arte. En general, se cree que sería una especie de atadura, un símbolo del amor vencido por la belleza. Esta es la interpretación que le dio el crítico Julián Gallego, quien entendió que la expresión facial de Cupido era melancólica, de manera que la cinta serían unos grilletes que unían a este dios con la imagen de la belleza, así que le dio a la pintura el título de Amor conquistado por la Belleza. Se ha sugerido también que puede ser una alusión a los grilletes usados por Cupido para atar a los amantes, también que se sirvió para colgar el espejo, e igualmente que se había empleado para vendar los ojos a Cupido unos momentos antes.

“Retrato del Arzobispo Fernando de Valdés”, obra de Diego Velázquez

Más adelante podemos ver el cuadro “Retrato del Arzobispo Fernando de Valdés”, obra de Diego Velázquez, esta datado en 1640, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 63.5 x 59.6 cm. Se exponen en la sala E.

El cuadro representa a Fernando Valdés era hijo de Juan Queipo de Llano, natural de Cangas del Narcea y perteneciente a noble familia, y de Catalina Valdés, natural de Salas y sobrina del inquisidor general, arzobispo de Sevilla y presidente del Consejo de Castilla, Fernando de Valdés y Salas, que influiría en la carrera y en el mismo orden de los apellidos del sobrino nieto.

Al terminar su formación ocupó los cargos de inquisidor en Barcelona (1611), Zaragoza (1613) y Toledo (1623). Siendo inquisidor en Barcelona, fue ordenado presbítero en el convento de la clarisas de Pedralbes por el obispo de Barcelona, Juan de Moncada el 28 de mayo de 1611. Recibió rentas de dos canonjías, una en Zaragoza y otra en León.

“San Juan Evangelista en la isla de Patmos”, obra de Diego Velázquez

Más adelante podemos ver el cuadro “San Juan Evangelista en la isla de Patmos”, obra de Diego Velázquez, esta datado en 1618, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 135.5 x 102.2 cm. Se exponen en la sala E.

El cuadro Velázquez representa a Juan el Evangelista en la isla de Patmos donde, aparece sentado, con el libro en el que escribe el contenido de la revelación sobre las rodillas. Al pie otros dos libros cerrados aluden probablemente al evangelio y a las tres epístolas que escribió. Arriba y a la izquierda aparece el contenido de la visión que tiene suspendido al santo, tomado del Apocalipsis e interpretado como figura de la Inmaculada Concepción , cuya controvertida definición dogmática tenía en Sevilla ardientes defensores: «Una gran señal apareció en el cielo: una mujer revestida del sol, con la luna bajo sus pies y una corona de doce estrellas sobre la cabeza. Otra señal apareció en el cielo: un dragón color de fuego, con siete cabezas y diez cuernos, se puso delante de la mujer en trance de dar a luz». En su dibujo Velázquez sigue modelos iconográficos muy conocidos: un grabado de Jan Sadeler, a partir de un cuadro de Martín de Vos para el esquema general y la figura del dragón, y otro de Juan de Jáuregui publicado en el libro de Luis del Alcázar el Vestigatio arcani sensu Apocalypsi (Amberes, 1614), para la imagen de la Virgen. También para la figura de San Juan se han indicado influencias, aunque más remotas e interpretadas a la manera naturalista, del grabado de Durero del mismo tema al que Pacheco reprocha haber pintado a san Juan mozo, como también hace Velázquez, pues en el momento de escribir el Apocalipsis era un anciano de noventa años. Al hacerlo así, sin embargo, Velázquez podría estar trasladando al lienzo otro de los consejos iconográficos de su maestro, donde recomendaba pintarlo «mancebo, por su perpetua virginidad y para proponer a los tales un dechado de pureza, aficionándolos a consagrar a Cristo la flor de su juventud».

En la cabeza del santo se observa un estudio del natural, tratándose probablemente del mismo modelo que utilizó en el estudio de una cabeza de perfil del Museo del Hermitage. La luz es también la propia de las corrientes naturalistas. Procedente de un punto focal situado fuera del cuadro se refleja intensamente en las ropas blancas y destaca con fuertes sombras las facciones duras del joven apóstol. El efecto volumétrico creado de ese modo, y el interés manifestado por las texturas de los materiales, como ha señalado Fernando Marías, alejan a Velázquez de su maestro ya en estas obras primerizas.

En una zona de semipenumbra queda el águila, cuya presencia apenas se llega a advertir gracias a la mayor iluminación de una pezuña y a algunas pinceladas blancas que reflejan la luz en la cabeza y el pico, mimetizado el plumaje con el fondo terroso del paisaje. A la derecha del tronco del árbol, el celaje se enturbia con pinceladas casuales, como acostumbró a hacer Velázquez, destinadas a limpiar el pincel. El controlado estudio de la luz en la figura de San Juan, y el rudo aspecto de su figura, hace por otra parte que resalte más el carácter sobrenatural de la visión, envuelta en un aura de luz difusa. Lo reducido de la visión, a diferencia de lo que se encuentra en los grabados que le sirvieron de modelo, se explica por su colocación al lado del cuadro de la Inmaculada Concepción , en el que la visión de la mujer apocalíptica cobra forma como la Virgen madre de Dios concebida sin pecado, subrayando así el origen literario de esta iconografía mariana, como la materialización de una visión conocida a través de las palabras escritas por san Juan.

“Felipe IV de España”, obra de Diego Velázquez, National Gallery

Más adelante podemos ver el cuadro “Felipe IV de España”, obra de Diego Velázquez, esta datado en 1656, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 64.1 x 53.7 cm. Se exponen en la sala E.

Estamos ante uno de los últimos retratos del rey hecho por Velázquez. En el semblante del personaje aparece una clara muestra de respeto y dignidad propios de su clase, se observan en el rostro del soberano los rasgos propios de su edad, cansancio y atosigamiento por las preocupaciones de un reino encaminado hacia la decadencia. La precisión con que el cuello está realizado advierten la larga cabellera, ya no a la moda española, sino a la francesa, dominante para entonces en todo el mundo.

“Felipe IV en castaño y plata”, obra de Diego Velázquez

Más adelante podemos ver el cuadro “Felipe IV en castaño y plata”, obra de Diego Velázquez, esta datado en 1632, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 195 x 110 cm. Se exponen en la sala E.

Estamos ante uno de los retrato que Velázquez realizo para el rey Felipe IV de joven, este es de cuerpo entero y de tamaño natural. A diferencia de otros retratos de Felipe IV, en que aparece vestido de negro, en este viste un rico traje bordado «en castaño y plata» que le da el título. Los bordados de plata están pintados con pequeños y rápidos empastes. Es un ropaje de esplendor inusual, lo que parece indicar que está conmemorando algún acontecimiento particular. Además, luce el collar de la Orden del Toisón de Oro, colgando de una cadena de oro.

“Felipe IV la caza del jabalí”, obra de Diego Velázquez, National Gallery

Más adelante podemos ver el cuadro “Felipe IV la caza del jabalí”, obra de Diego Velázquez, esta datado en 1632, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 182,5 x 302 cm. Se exponen en la sala E.

Este cuadro paisajista de Velázquez bebe de las fuentes de inspiración de los maestros holandeses de la pintura del Siglo de Oro. Se representa una escena completa de la caza del jabalí por el método de la tela cerrada.

Detalle “Felipe IV la caza del jabalí”, obra de Diego Velázquez

Por lo complicada y costosa solamente este tipo de cacería estaba en mano de los reyes. El monte era cercado levantado un muro de tela de cáñamo, los animales eran dirigidos hacia la entrada de la zona cercada. Se hacía en una zona cercana a Madrid donde se instalaban este tipo de cercados de dos millas de contorno, cada una de las piezas de tela tenía entre 30 y 40 pasos de largo, estaban unidas entre sí por botones de madera y sujetas a unas varas verticales por medio de anillas y ganchos, en la parte baja se enterraba en la tierra para que los animales no pudieran escapar por abajo. Se necesitaban hasta veinte carros cargados con las telas que el conde de Olivares mandaba traer desde Flandes.

Se introducía entre 30 y 40 de los mejores ejemplares y se seleccionaban los mejores ocho para entrar en la liza, se buscaba que el suelo fuese pantanoso y lo más liso posible, se disponía de una contrátela que formaba un nuevo recinto a modo de plaza de toros donde fuera estaban el séquito real que disfrutaba mirando del acontecimiento, mientras otro pequeño grupo quedaba en el interior acompañando al rey y participaba en la liza de la cacería.

Detalle “Felipe IV la caza del jabalí”, obra de Diego Velázquez

El recinto estaba lleno de encinas dejando muchos huecos llanos para poder citar a los animales, los hombres van siempre a caballo y emplean perros para enfrentarse a los enormes machos de jabalís, los caballistas llevan unas enormes varas de madera que desembocan en un tridente, los del rey tiene color dorado. Los jabalís eran acosados por los perros, perseguidos por los caballeros, hasta completamente agotarlos. El rey colocaba su horquilla en los costados del jabalí, si la vara se rompía inmediatamente le reponían por una nueva.

En el cuadro se puede ver, a la derecha, a dos carrozas de dos damas en medio hay cuatro caballeros a caballo, el que acosa con la vara al jabalí es el rey Felipe IV, a su lado está el Conde Duque de Olivares que era nombrado como caballerizo mayor. A la izquierda hay otro grupo, la persona que lleva barba se trata de Luis de Haro, estuve presente con su padre el marqués del Carpio.

En el otro extremo del cuadro se puede ver a cinco jinetes con dos perros que están acosando a otro ejemplar de jabalí y lo tiene sujeto por la oreja.

Además de las escenas de cazadores se pueden ver unas enormes carrozas que servían para que las mujeres participasen sin peligro de la cacería, en el segundo coche y entre las cortinas rojas se puede ver a la Reina Isabel , por su puesto los caballos de las carrozas no participaban del ruedo para evitar que pudieran crear una estampida a las carrozas de las mujeres. Las damas también tenían pequeñas varas porque en alguna ocasión los jabalíes habían saltado hacia las ventanas de las carrozas.

Detalle “Felipe IV la caza del jabalí”, obra de Diego Velázquez

En el cuadro Velázquez rodea a un público asistente que es tanto o más importante que los propios actores. Era un hecho social y algunos personajes dan la espalda al espectáculo y están hablando de sus propias cosas, a la derecha, se puede ver a uno subido a la loma de un árbol por el temor que el jabalí pueda saltar, abajo un campesino se apoya en los lomos del burro para presenciar la liza. Un poco más a la izquierda vemos a un caballero subido en una mula dándola golpes con la fusta mientras que su escudero se suma a la fiesta intentándola moler a palos. A la izquierda se puede ver a dos golfillos como beben agua de un pequeña cantara, a su lado un ciego con una capa marrón se apoya ambas manos en un bastón, cerca un niño lleva de la correa a dos perros mientras intenta no perder un detalle del espectáculo.

En total se cuenta más de 60 figuras fuera de la plaza y más de cincuenta en su interior, los de fuera pertenecen a todos los extractos sociales desde los pobres, pasando por el campesinado, los señoritos hasta llegar a los clérigos que participa como capellán de caza.

“Cristo en la curación del paralitico en la piscina”, obra de Bartolomé Esteban Murillo

Más adelante podemos ver el cuadro “Cristo en la curación del paralítico en la piscina”, obra de Bartolomé Esteban Murillo, esta datado en 1667, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 237 x 211 cm. Se exponen en la sala E.

El cuadro fue encomendado para servir en la decoración de la iglesia del Hospital de la Caridad de Sevilla. Murillo sería el autor de las seis alegorías de las obras de misericordia, completadas con la séptima que estaba realizada en escultura y situada en el retablo mayor, siendo esculpida por Pedro Roldán. La curación del paralítico representa la obra de misericordia de visitar y atender a los enfermos. Recoge un pasaje del Evangelio de San Juan donde narra el momento en que durante la segunda estancia de Jesús en Jerusalén cura a un paralítico que no podía sumergirse en la piscina de Bezata.

Jesús está en el centro de la composición del cuadro mientras que las figuras principales se sitúan a la izquierda, dirige su brazo al paralítico que aparece en el suelo, en una postura claramente escorzada. San Pedro, san Juan y otro apóstol no identificado acompañan a Cristo y dirigen su atenta mirada hacia el enfermo al que su maestro cura. Otros personajes dispuestos alrededor de la piscina completan la escena, apreciándose en primer plano un perro. En el cielo nuboso que cierra el conjunto podemos observar una nube de fuego con un ángel rodeado de una aureola de luz dorada. Según el evangelio, ese ángel “descendía de tiempo en tiempo a la piscina; se agitaba el agua, y el primero que descendía después de agitarse el agua, era curado de cualquier enfermedad que tuviese”.

“San Juanito con un cordero”, obra de Bartolomé Esteban Murillo

El siguiente cuadro se titula “San Juanito con un cordero”, obra de Bartolomé Esteban Murillo, esta datado en 1660, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 1,65 x 1,06 cm. Se exponen en la sala E.

El cuadro se puede ver sobre una vara la inscripción “ECCE AGNYS DEI” (traducción del latín: He aquí el cordero de Dios).

La pintura fue un encargo de Justino Neve a Murillo para la construcción de un altar efímero que se debía de instalar en la plaza de enfrente, el día de la inauguración de la iglesia de santa María la Blanca.

El altar estuvo constituido en el cuerpo superior por el cuadro “El Triunfo de la Eucaristía de Francisco de Herrera el Mozo, en el cuerpo inferior los tres cuadros de Murillo: la Inmaculada Concepción de los Venerables, a la izquierda el cuadro de san Juanito con un cordero y a la derecha El Buen Pastor. El cuadro de Herrera fue prestado por la Catedral de Sevilla y se devolvió a su lugar de origen, donde se puede ver; la Inmaculada se encuentra en el Museo del Prado, y los dos más pequeños eran propiedad de Justino Neve que los prestó para este acontecimiento y luego fueron sacados de España hacia colecciones privadas.

El cuadro se representa al niño en un paisaje boscoso, esta vestido con una piel y abraza a un cordero. El dedo alzado de la mano derecha recuerda el gesto tradicional del momento en que señala la aparición de Cristo como el Mesías. Es una escena llena de ternura y de naturalidad, destaca la mirada del niño hacia el espectador y una ligera sonrisa buscando la complicidad. La figura se sitúa ante una paisaje con un nube pero no se puede apreciar muy bien los detalles parece una vuelta al estilo tenebrista de Murillo e indican los comienzos del estilo del siglo XVIII mucho más costumbrista.

“San Juan Bautista en el desierto”,obra de Bartolomé Esteban Murillo, National Gallery

El siguiente cuadro se titula “San Juan Bautista en el desierto”, obra de Bartolomé Esteban Murillo, esta datado en 1660, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 120 x 105 cm. Se exponen en la sala E.

La representación más usual de san Juan Bautista en la edad de adulto era la de un santo ermitaño, con una fisonomía de constante penitente. Murillo pinta al personaje con una semblanza de un hombre noble porque descendía de la misma familia que Cristo, con un pelo y barba larga pero no destartalada, su ojos se elevan al cielo y junto con su mano derecha piden perdón, la mano izquierda sujeta una larga caña y en su extremo tiene una banda escrita: ¡He aquí el cordero de Dios!.

“Autorretrato”, obra de Bartolomé Esteban Murillo, National Gallery

El siguiente cuadro se titula “Autorretrato”, obra de Bartolomé Esteban Murillo, esta datado en 1668, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 122 x 107 cm. Se exponen en la sala E.

El Autorretrato de Murillo es quizás uno de los más conocidos de los artistas españoles. Murillo se representa a si mismo dentro de un cuadro, tiene un detalle realista apoyando la mano derecha sobre el marco ovalado, era ya en esa época una moda cultivada por otros artistas. Para su inspiración toma el concepto de los retratos flamencos y holandeses, seguramente como influencias de los numerosos comerciantes flamencos que en esa época vivían en Sevilla.

Murillo acompaña a la composición de su figura de los instrumentos alusivos a su profesión como pintor y que estaba utilizando para la elaboración del mismo cuadro, a la derecha pinta una paleta, unos pinceles, unas copas y una regla, una sanguina en su mango; a la derecha, una hoja de papel enrollada en la que se ve un boceto a sanguina, en el boceto se adivina una o dos piernas pudiera tratarse de un boceto sobre san Juan Bautista.

El centro de la imagen esta el rostro de Murillo, viste un jubón negro sobre una camisa blanca con valona de encaje, el cuadro muestra toda la crudeza psicológica para mostrar unas facciones agradables y una mirada profundamente serena. Esto lo consigue gracias a la mirada que va dirigida al espectador. Sobre su cabeza una tenue luz y la intensidad de la penumbra le hace destacar sobre el fondo gris que le confiere un aire de distinción.

El cuadro tiene un detalle muy importante y es la inscripción sobre la orla del marco que indica que se pinto a petición de sus hijos “Bart. Murillo seipsum depin gens pro filorum votis acpreci bus explendis” traducido: “'Bart (olo) me Murillo se retrata a sí mismo para cumplir los deseos y las oraciones de sus hijos”.

Sorprende que para un regalo a sus hijos hiciera una composición tan intelectual y sobria si el retrato iba ser destinado a sus propios hijos, en lugar de dar una imagen más íntima, de mayor lectura familiar. Posteriormente se ha concluido que el cuadro no se pinto para el uso de los hijos simplemente Murillo utilizó como referencia a sus hijos.

“Retrato Justino Neve”,obra de Bartolomé Esteban Murillo, National Gallery

El siguiente cuadro se titula “Retrato Justino Neve”, obra de Bartolomé Esteban Murillo, esta datado en 1665, realizado en óleo sobre lienzo, tiene un tamaño de 206 x 129.5 cm. Se exponen en la sala E.

Justino Neve era el benefactor o mecenas de Bartolomé Esteban Murillo; este cuadro fue regalado por el pintor al canónigo. Murillo lo pinto en 1665 como agradecimiento por los encargos que este le había hecho en los trabajos de decoración de la iglesia de santa María la Blanca como marca la inscripción obsequium desiderio pingebat (pintado con el deseo de regalarlo), y a su muerte, el canónigo lo dono al Hospital de los Venerables.

A su muerte toda la colección de pintura se subastó públicamente y un comerciante de origen flamenco y establecido en Sevilla Nicolás Omazur las compro y llegó a coleccionar más cuadros de Murillo que el propio Neve.

El cuadro muestra a Justino de Neve en pleno apogeo, aquí tiene 40 años es un obra realista, muestra al canónigo y amigo como un hombre desafiante, el retrato nos lleva hacia la mirada penetrante, que muestra su elevada condición social y cultural; está sentado sobre un enorme sillón, sus ropajes corresponden a su cargo, a su mano izquierda lleva un ejemplar de los salmos, mas al fondo se representa una mesa camilla cubierta con una tela verde oscura, sobre ella, tiene un ejemplar de la Biblia , un reloj y una campana. Sobre el fondo la inscripción del pintor, y al horizonte apenas el sillón deja de ver una balaustrada. A sus pies se dirige la atenta mirada de una pequeña perra francesa que señala como en las obras de los reyes la amistad y la fidelidad de este animal de compañía, de la que se dice por gente de la época que esta perrita cuando se cruzaba con otro perro ella no ladraba intentaba embestir y todo el mundo se extrañaban de que no ladrase.

Son temas muy tratados en la temática de los retratos principalmente de los reyes: el reloj, el sillón y hasta la balaustrada que aparecen detrás del retrato de Justino de Neve es el mismo que a parece en “Retrato de cuerpo entero de la Reina Regente Mariana de Austria” de Juan Carreño, y el mismo reloj aparece en el retrato de “ la Reina Mariana de Austria” de Velázquez.

“Santa Margarita de Antioquía”, obra de Francisco de Zurbarán

El siguiente cuadro se titula “Santa Margarita de Antioquia”, obra de Francisco de Zurbarán, esta datado en 1630, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 163 x 105 cm. Se exponen en la sala E.

El cuadro de Santa Margarita pertenece a una serie que se tituló “Las Santas de Zurbarán” o santas vírgenes, son un conjunto de lienzos realizados por el pintor Francisco de Zurbarán y su taller, para dar respuesta a diversos encargos recibidos de varias instituciones religiosas. Se trata en general de figuras femeninas jóvenes y muy elegantes, rebosantes de belleza y sosiego, que se muestran al espectador sin signos de dolor ni sufrimiento y presentan muy pocos rasgos místicos, a pesar de estar representadas cada una de ellas con sus atributos característicos, relacionados con el martirio que sufrieron o algún hecho sobrenatural. En su tiempo las obras fueron criticadas por algunos sectores del clero, por considerar indecente vestir a unas santas con trajes tan pomposos y adornados, manifestando que parecían más damas mundanas que vírgenes honestísimas.

Zurbarán pinta a la santa como una elegante pastora que sostiene con una mano un bastón terminado en un gancho, en alusión a una de las torturas que padeció. Aparece también un dragón que recuerda la historia según la cual fue encarcelada y se le apareció un diablo en forma de dragón para tentarla.

Esta bella pastora, con una postura muy afectada, parece salida de una escena teatral. Es posible que viniese de participar de alguna de las procesiones o de los autos sacramentales llevados a cabo durante la semana del Corpus Christi, algunos historiadores hacen aparecer a esta santa, así como en las comedias de las Santas representadas en las corralas (recinto en el que se representaban comedias) de Sevilla, y, tal vez, Zurbarán se inspirara en estas imágenes. Su belleza es descrita como un don del cielo, un reflejo del alma que resplandece misteriosamente y atrae, irresistiblemente, a todos los corazones.

“Taza de agua y una rosa”, obra de Francisco de Zurbarán, National Gallery

El siguiente cuadro se titula “Taza de agua y una rosa”, obra de Francisco de Zurbarán, esta datado en 1630, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 21.2 x 30.1 cm. Se exponen en la sala E.

Aunque Zurbarán incluía frecuentemente elementos de la vida corriente como modelos para sus pinturas, fueron muy pocos los elementos distintos que pinto. Este tema es un bodegón que debió de utilizar como un boceto donde aparece una taza de agua con una rosa sobre un plato de plata aparece en dos de sus obras religiosas pintadas por él y en el celebre “Bodegón de Cesta con Naranjas” de 1633 (Norton Simon Museum, Pasadena). Este cuadro fue probablemente pintado alrededor de 1630.

La bandeja de plata es de un tipo importado en España desde Perú. Aquí los objetos pueden ser la intención de tener un carácter simbólico: el agua en la taza quizá se refiere a la pureza de la Virgen y la flor recuerda su título de “ La Rosa Mística ”.

“Lamentación sobre Cristo muerto”, obra de José de Ribera, National Gallery

El siguiente cuadro se titula “Lamentación sobre Cristo muerto”, obra de José de Ribera, esta datado en 1620, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 129.5 x 181 cm. Se exponen en la sala E.

El cuadro presenta al cuerpo de Cristo tendido sobre un sudario blanco; la Virgen , en el centro, que alza la mirada al cielo; san Juan Evangelista, que sostiene el cuerpo; la Magdalena , que besa el pie izquierdo de Cristo.

“Escena en la cocina con Cristo en casa de Marta y María”, obra de Diego Velázquez

El siguiente cuadro se titula “Escena en la cocina con Cristo en casa de Marta y María”, obra de Diego Velázquez, esta datado en 1618, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 60 x 103.5 cm. Se exponen en la sala E.

El cuadro reúne todo elemento propio del género del bodegón, practicado asiduamente por el joven Velázquez y ayudado por su maestro y suegro Francisco Pacheco, pues con ellos «halló la verdadera imitación del natural». En primer término presenta a una doncella trabajando en la cocina con un almirez; en la mesa se encuentran dos platos de barro con huevos y cuatro pescados por cocinar, un jarrón también de barro vidriado en su mitad superior, una guindilla y algunos ajos, habiendo puesto el pintor el acento en el tratamiento diferenciado de sus texturas y brillos. A la espalda de la doncella, una anciana, en la que se ha visto el mismo modelo de la vieja friendo huevos, parece amonestar a la joven, gesticulando con el dedo índice de su mano derecha. El naturalismo con que Velázquez trata esta parte del cuadro sitúa al espectador ante una escena cotidiana, en la que el pintor pudiera haber retratado cualquier cocina sevillana de su tiempo. Sin embargo, el dedo de la anciana dirige la mirada del espectador hacia un recuadro situado a la derecha en el que se divisa la que sería la escena principal, situada en segundo plano: en una estancia posterior donde Jesús dialoga con las hermanas María, sentada como en un estrado a sus pies según la costumbre femenina de la época, y Marta, en pie, recriminando la actitud de su hermana.

“San Francisco en meditación”, obra de Francisco de Zurbarán,

El siguiente cuadro se titula “San Francisco en meditación”, obra de Francisco de Zurbarán, esta datado en 1635, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 152 x 99 cm. Se exponen en la sala E.

Zurbarán hizo algunos cuadros sobre San Francisco con numerosas variantes y todas ellas están teñidas de una cercanía casi cariñosa y familiar. Son numerosas las representaciones de san Francisco con distintas iconografías: arrodillado en oración, en el milagro de la Porciúncula , durante la estigmatización o muerto según la visión del papa Nicolás V. Del santo en meditación existen muchas versiones, sobre todo si se consideran también las que presentan intervención del taller. Desde el punto de vista cromático, los pardos y los tonos tostados del santo destacan fuertemente iluminados contra un fondo sombrío con un paisaje crepuscular al fondo.

San Francisco fue el fundador de la Orden de los “hermanos menores”, llamados así por la pobreza y sencillez con que pretendían reformar el mundo. Esta pobreza y el acentuado misticismo de Francisco, entregado con frecuencia a la meditación, trataban de ser puestos de relieve por los pintores que se acercaban a su figura. Zurbarán hace hincapié en estos dos rasgos, aprovechándose de sus extraordinarias dotes para representar con fidelidad los materiales y las expresiones del rostro. Plasma un hábito de tela muy basta, pardusca, lleno de remiendos en los cuales pueden apreciarse perfectamente los rotos y descosidos del codo. El arrebato del santo se ha producido después de un largo período de oración y meditación sobre la calavera. Este prolongado estado de concentración le ha conseguido transportar al éxtasis místico y por su expresión podemos imaginar que se halla ante la presencia de Dios. La escena transmite un clima íntimo, recogido y devoto extraordinariamente logrado.

“La Inmaculada Concepción con dos donantes”, obra de Juan Valdés Leal, National Gallery

El siguiente cuadro se titula “ La Inmaculada Concepción con dos donantes”, obra de Juan Valdés Leal, esta datado en 1661, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 189.7 x 204.5 cm. Se exponen en la sala E.

Unas de las dificultadas de pintar a la Virgen en la contrarreforma es que había que respetar las normas iconográficas de su representación, en este caso nos muestra a María con un rostro adolescente, vestida de blanco y azul –simbolizando la pureza y la eternidad–. De acuerdo con esa doctrina para demostrar que fue concebida sin pecado original. La Virgen está acompañada de querubines en se desplazan por el lienzo en forma de “S”, llevan emblemas asociados a la Virgen , como la palma, la rama de olivo, las rosas, la corona, los lirios y el espejo. El trono en la parte superior de la escalera probablemente representa el trono de Salomón, el rey del Antiguo Testamento de Israel. Gran parte de la imaginería asociada a la Inmaculada Concepción se derivó del Testamento de la vieja canción de los Cantares, una vez atribuido a Salomón.

“La oración en el huerto de Gesamaní”, obra del estudio del Greco, National Gallery

El siguiente cuadro se titula “La oración en el huerto de Gesamaní”, obra del estudio del Greco, esta datado en 1590, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 102 x 131 cm. Se exponen en la sala E.

El cuadro representa la llegada al huerto de Getsemaní, donde Jesús se había reunido muchas veces con sus discípulos, se apartó del grupo, tomando consigo a Pedro, Santiago y Juan, a quienes les confió, lleno de pavor y angustia: «Mi alma está triste hasta el punto de morir; quedaos aquí y velad conmigo». Pero ni siquiera estos escogidos fueron capaces de acompañarle velando y orando. Jesús fue y vino repetidas veces de la oración a la compañía de sus adormecidos discípulos. A solas, muy a solas, cayó rostro en tierra, y suplicaba así: «Padre mío, si es posible, que pase de mí esta copa, pero no sea como yo quiero, sino como quieras tú»; «¡Abbá, Padre!; todo es posible para ti; aparta de mí esta copa; pero no sea lo que yo quiero, sino lo que quieras tú»; «Padre, si quieres, aparta de mí esta copa; pero no se haga mi voluntad, sino la tuya». Entonces, se le apareció un ángel venido del cielo que le confortaba. Y sumido en agonía, insistía más en su oración. Su sudor se hizo como gotas espesas de sangre que caían en tierra. Finalmente, se levantó de la oración, fue donde los discípulos y les dijo: «¿Cómo es que estáis dormidos? Levantaos y orad para que no caigáis en tentación; ha llegado la hora en que el Hijo del hombre va a ser entregado en manos de pecadores».

Todavía estaba hablando, cuando llegó Judas, uno de los Doce, acompañado de un grupo numeroso con espadas y palos. El que le iba a entregar les había dado esta señal: «Aquel a quien yo dé un beso, ése es; prendedle». Y al instante se acercó a Jesús y le dijo: «¡Salve, Rabbí!», y le dio un beso. Jesús le dijo: «¡Judas, con un beso entregas al Hijo del hombre!» Entonces aquéllos se acercaron, echaron mano a Jesús y le prendieron. Los discípulos le abandonaron todos y huyeron.

“La oración en el huerto de Gesamaní”, obra del Greco, National Gallery

El siguiente cuadro se titula “La oración en el huerto de Gesamaní”, obra del Greco, esta datado en 1590, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 102 x 131 cm. Se exponen en la sala E.

El cuadro del Greco tiene como fondo la oscuridad de la noche, iluminada únicamente por un gran foco de luz. Destaca la postura reverente de Jesucristo frente a un ángel, en actitudes muy naturalistas que recuerdan al Manierismo por sus facciones alargadas. Cristo, sin embargo, sigue fielmente los cánones del simbolismo del arte bizantino.

“San Jerónimo como un cardenal”, obra del Greco, National Gallery

El siguiente cuadro se titula “San Jerónimo como un cardenal”, posible obra el Greco, Doménikos Theotokópoulos, esta datado en 1590, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 59 x 48 cm. Se exponen en la sala E.

Malos años para la pintura los que le toco vivir al Greco, es la época de la Contrarreforma tratando de imponer mayor énfasis en la penitencia y otros sacramentos atacados por los protestantes. Aquí San Jerónimo, que tradujo la Biblia al latín en el siglo IV, se ha retirado al desierto.

El cuadro se representa al santo de medio cuerpo con un texto sobre sus brazos. Él fue representado a menudo, como en este caso, con las ropas de un cardenal, aunque ese cargo nunca lo tuvo en su vida.

“La crucifixión con dos donantes”, obra del Greco, National Gallery

El siguiente cuadro se titula “La crucifixión con dos donantes”, obra el Greco, Doménikos Theotokópoulos, esta datado en 1590, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 59 x 48 cm. Se exponen en la sala E.

El cuerpo desnudo de Cristo en la cruz ha sido retratado muy extensamente por los pintores occidentales, la mayoría a menudo en una forma realista para sugerir la agonía de la muerte infligida por crucifixión como la más inhumana de las crueles torturas que el ser humano pueda soportar. Sin embargo, durante el Renacimiento italiano pintores tienen también una nueva forma de retratar el cuerpo de Cristo en la cruz de una forma más idealizada, lo que sugiere la perfección del desnudo masculino sin la contorsión debida, por ejemplo pintura de Miguel Ángel de Cristo en la Cruz , que muestra una figura musculosa bien proporcionado en un manierista serpenteado plantean que es típico del manierismo italiano.

Detalle “La crucifixión con dos donantes”, obra del Greco

El foco de este cuadro está puesto en la crucifixión de El Greco con los donantes, que data de 1580, porque de su contenido único conforme al ideal de Platón que el amor debe trascender la realidad física y se mueven hacia arriba a la mayor amor de Dios.

El Greco representa el cuerpo de Cristo en la cruz sobre un fondo de nubes de tormenta, presenciado por dos donantes. Esto claramente no es una representación realista de Cristo torturado y degradado destinado a sufrir la muerte de un criminal como se describe en los Evangelios. Su cuerpo no guarda marcas de los latigazos que recibió antes de ser coronado de espinas, clavado en la cruz y su costado traspasado por una espada para asegurar su muerte. El Cristo previsto por El Greco apenas arroja sangre, sólo unas gotas goteo hacia abajo a sus manos y pies que son penetrados por los clavos, mientras que el efecto de la corona de espinas parece inofensiva.

Como se señaló anteriormente, la representación de Cristo en la cruz, no revela la magnitud del agonía tan espantosa de las más crueles torturas de la crucifixión tiene varios precedentes en la pintura. Sin embargo, la pintura del Greco es única en su significado místico.

El lienzo fue pintado para presidir el retablo de la Iglesia de los Jesuitas o San Juan Bautista de Toledo, está contextualizada por la colocación de la retratos de los dos donantes en ambos lados de la parte inferior de la pintura sobre el nivel del sacerdote oficiante durante el acto de la misa, formando así un telón de fondo para el ritual. La congregación ve al sacerdote y la pintura completa que consta de los retratos de los donantes que ven a Cristo.

“La adoración en nombre de Jesús”, obra del Greco, National Gallery

El siguiente cuadro se titula “La adoración en nombre de Jesús”, obra el Greco, Doménikos Theotokópoulos, esta datado en 1570, realizado en temple y huevo sobre madera de pino; tiene un tamaño de 55.1 x 33.8 cm. Se exponen en la sala E.

Este cuadro es considerado por algunos especialistas como la primera obra encargada bajo el mecenazgo del rey Felipe II.

Los personajes representados, además de Felipe II, serían Pío V, patrocinador de la Liga Santa contra el Imperio Otomano, y Juan de Austria, vencedor de la batalla de Lepanto. Otros personajes se encuentran en la parte superior rodeados de una corte de ángeles. En el recuadro inferior podemos apreciar al Leviatán, que simbolizaría una alegoría del Infierno, cuya composición recuerda a El Bosco.

La influencia de la escuela veneciana es palpable en la sensación atmosférica y en las pinceladas que proveen luz y color a la escena. Por otro lado, es inevitable el recuerdo de Miguel Ángel, sobre todo en la composición de los personajes.

Estamos ante uno de los bocetos que hizo el Greco la versión más grande de esta imagen está en el Escorial, en Madrid, y probablemente fue destinado para uso personal del rey Felipe II.

“Expulsión de los mercaderes del templo”, obra del Greco, National Gallery

El siguiente cuadro se titula “Expulsión de los mercaderes del templo”, obra el Greco, Doménikos Theotokópoulos, esta datado en 1600, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 106.3 x 129.7 cm. Se exponen en la sala E.

Sobre este mismo tema el Greco realiza otras cinco versiones. Las dos primeras corresponden al periodo italiano. En ésta desaparecen las figuras laterales de versiones anteriores y tanto el grupo de mercaderes expulsados de la izquierda como el de la derecha adquieren prácticamente la composición definitiva que se conservó en el resto de versiones. Cristo adquiere respecto a los cuadros anteriores más jerarquía quedando totalmente exento de las figuras que lo rodean, también mediante efectos de luz adquiere más protagonismo, básicamente apagando el resto de personajes. La arquitectura sigue siendo la romana que corresponde a la segunda versión pero en ésta se ha reducido su importancia, ahora solo ocupa la cuarta parte superior, también el color de la misma es más apagado. En esta versión predomina la importancia de las figuras.

“Silenus borracho apoyado en los sátiros”, obra posiblemente de Anthony van Dyck

El siguiente cuadro se titula “Silenus borracho apoyado en los sátiros”, obra posiblemente de Anthony van Dyck, esta datado en 1620, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 133.5 x 197 cm. Se exponen en la sala 31.

La obra se representa a Sileno era el maestro y compañero de Baco, el dios del vino; que en la iconografía clásica se muestra apoyado por los sátiros, debido a su edad y estado de ebriedad. En la esquina inferior derecha dos niños ofrecen uvas, mientras que por encima de ellos un viejo Bacante lleva una antorcha. A la izquierda un joven Bacante exprime las uvas encima de Silenus.

La pintura se cree que se han ejecutado en el estudio Rubens. El cielo y el paisaje son probablemente ejecutados por Jan Wildens y el follaje y frutos de Frans Snijders. El diseño de los personajes puede haber sido obra de algún otro miembro del estudio, posiblemente Van Dyck, y luego vuelto a trabajar por el mismo Rubens. La composición deriva en parte de una obra de un tema similar de Rubens, “ La Marcha de Sileno” (Munich, Alte Pinakothek).

“Lady Elisabech Thimbelby y su hermana Dorotea”, obra de Anthony van Dyck, National Gallery

El siguiente cuadro se titula “Lady Elisabech Thimbelby y su hermana Dorotea”, obra de Anthony van Dyck, esta datado en 1637, realizado en óleo sobre lienzo, tiene un tamaño de 132.1 x 149 cm. Se exponen en la sala 31.

El cuadro representa a la Señora Thimbelby , vizcondesa Andover eran las hijas de Thomas, vizconde de Savage. Elizabeth, de pie a la izquierda, se casó en 1634, mientras que Dorothy se casó en 1637. La ofrenda Cupido rosas a Dorothy sugiere que es para su matrimonio que se celebra próximamente, las flores son un atributo de Santa Dorotea, su tocaya.

 

“San Ambrosio negado al emperador Teodosio la entrada a la catedral de Milán”, obra de Anthony van Dyck, National Gallery

El siguiente cuadro se titula “San Ambrosio negado al emperador Teodosio la entrada a la catedral de Milán”, obra de Anthony van Dyck, esta datado en 1619, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 149 x 113.2 cm. Se exponen en la sala 31.

Van Dyck representa la escena que habría tenido lugar en Tesalónica en el año 390 en un tumulto popular en el que resultó muerto un oficial de Teodosio y al ordenar éste que su ejército se lanzara sobre la población, produciendo una matanza de enormes proporciones. Cuando Teodosio regresó a Milán, San Ambrosio, contrario a la matanza, decidió excomulgar al Emperador. Sin embargo estando el santo dando misa en su iglesia tuvo aviso de que Teodosio quería entrar en ella. San Ambrosio salió al encuentro antes de que el Emperador entrase impidiéndole el paso y obligándole a pedir perdón a Dios por la ofensa cometida.

“Las niños de Balbi”, obra de Anthony van Dyck, National Gallery

El siguiente cuadro se titula “Las niños de Balbi”, obra de Anthony van Dyck, esta datado en 1625, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 219 x 151 cm. Se exponen en la sala 31.

El cuadro lo pinta Van Dyck durante su estancia en la ciudad de Génova, aquí paso casi tres años haciendo retratos para la elite social de la ciudad. Este trabajo es conocido tradicionalmente como: “Los Niños de Balbi” porque perteneció al coleccionista del siglo XVIII, Costantino Balbi, nos muestra a tres hijos jóvenes aristocráticos genoveses que permanecen sin identificar. Se ha sugerido que son miembros de la familia de Franchi, cuyos escudo contenida un cuervo negro, pero no hay pruebas documentales para apoyar esta afirmación.

“William Feilding, primer conde Denbigh”, obra de Anthony van Dyck

El siguiente cuadro se titula “William Feilding, primer conde Denbigh”, obra de Anthony van Dyck, esta datado en 1633, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 247,5 x 148,5 cm. Se exponen en la sala 31.

William Feilding (1582-1643), fue nombrado conde de Denbigh en 1622, era el hermano favorito real George Villiers (duque de Buckingham en 1623), lucho por las posiciones mantenidas en la corte bajo Jacobo I y Carlos I. Murió de las heridas recibidas mientras luchaban por Carlos I en la Guerra Civil.

Entre los años de 1631 hasta 1633 visitó Persia y la India ; el cuadro fue pintado probablemente poco después de su regreso, y en conmemoración de su viaje. El conde lleva una seda hindú o chaqueta y pijamas de la India , y muestra la caza con un siervo oriental, quien señala un loro en una palmera.

“Retrato ecuestre de Carlos I”, obra de Anthony van Dyck

El siguiente cuadro se titula “Retrato ecuestre de Carlos I”, obra de Anthony van Dyck, esta datado en 1637, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 367 x 292.1 cm. Se exponen en la sala 31.

En 1625, el rey Carlos I (1600 a 1649) sucedió a su padre Jaime I como rey de Gran Bretaña e Irlanda. Van Dyck se convirtió en su pintor de la corte en 1632, y creó imágenes de él que expresaron la creencia que tenía el rey de que gobernaba bajo un derecho divino.

Este retrato data probablemente de los últimos años del período inglés de Van Dyck, alrededor de 1637, poco antes del estallido de la guerra civil que llevó a la ejecución del rey en 1649.

El cuadro de The Gallery muestra a Carlos I que lleva el medallón de la Orden militar de la Jarretera , se alza cabalgando como si estuviera a la cabeza de sus súbditos. Está vestido con armadura y sosteniendo un bastón de mando. El magnífico caballo, y los colores tenues pero ricos de la vestimenta y el paisaje complementan la elegancia del jinete.

“Retrato de Abbé Scaglia”, obra de Anthony van Dyck

El siguiente cuadro se titula “Retrato de Abbé Scaglia”, obra de Anthony van Dyck, esta datado en 1634, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 200.6 x 123.2 cm. Se exponen en la sala 31.

El retrato de Van Dyck de Cesare Alessandro Scaglia (1592-1641) está representado con una imagen señorial y perdurable de un hombre que estaba familiarizado con el poder y participaba activamente en la política europea en la primera mitad del siglo XVII. Las habilidades de Scaglia como diplomático fueron muy apreciadas por los gustos de Richelieu y de Rubens; este último lo describió como “un hombre de intelecto muy agudo”. Scaglia sirvió a los duques de Saboya como embajador en Roma, París y Londres. También a Felipe IV de España en Londres porque estuvo en la nómina española hasta 1636. Su postura pro-españoles lo puso en desacuerdo con el nuevo duque de Saboya, Vittorio Amadeo (1630-37), y condujo Scaglia para pasar a los Países Bajos españoles, viviendo primero en Bruselas y luego en Amberes donde Van Dyck pintó este retrato, y donde murió Scaglia.

“Lord John Stuart y su hermano, señor Bernard Stuart”, obra de Anthony van Dyck

El siguiente cuadro se titula “Lord John Stuart y su hermano, señor Bernard Stuart”, obra de Anthony van Dyck, esta datado en 1638, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 237.5 x 146.1 cm. Se exponen en la sala 31.

Es uno de los retrato más grandes e imponentes de Van Dyck muestra a los hijos más jóvenes del tercer duque de Lennox. Lord John Stuart (1621-1644), a la izquierda, y el Señor Bernard Stuart (1622-1645) eran los hermanos más jóvenes del duque de Richmond y Lord George Stuart, quien también fue retratado por Van Dyck. Ambos jóvenes cayeron en el lado realista en la Guerra Civil.

“Retrato de George Dade con dos asistentes”, obra de Anthony van Dyck

El siguiente cuadro se titula “Retrato de George Dade con dos asistentes”, obra de Anthony van Dyck, esta datado en 1622, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 115 x 113.5 cm. Se exponen en la sala 31.

El personaje del cuadro ha sido identificado como George Dade (de 1582-1638) apoya los brazos sobre un pedestal donde se puede ver la cabeza de un ciervo, era el escudo de la familia mientras habla ante la atenta mirada de dos asistentes. Gage era un diplomático y un agente en Italia y en los Países Bajos de los grandes coleccionistas ingleses de principios del siglo XVII.

“Abbé Scaglia adorando a la Virgen y el Niño”, obra de Anthony van Dyck

El siguiente cuadro se titula “Abbé Scaglia adorando a la Virgen y el Niño”, obra de Anthony van Dyck, esta datado en 1634, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 106.7 x 120 cm. Se exponen en la sala 31.

Es posible que Van Dyck se inspirara en alguna obra de arte para realizar la figura de la Virgen y el Niño por sus semejanzas en el retrato de Cristina, duquesa de Saboya, y su hijo mayor. La composición de la imagen se deriva de una pintura perdida de Tiziano esbozado por Van Dyck en Italia.

“Retrato de una mujer y un niño”, obra de Anthony van Dyck

El siguiente cuadro se titula “Retrato de una mujer y un niño”, obra de Anthony van Dyck, esta datado en 1620, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 131.5 x 106.2 cm. Se exponen en la sala 31.

Algunos de los retratos más íntimos y menos formales de Van Dyck, como éste, son los que pintó de los ciudadanos predominantemente burgueses de Amberes y sus familias antes de su partida a Italia en 1621.

Esta mujer y el niño no se han identificado aunque pueden originalmente se hicieran dos, este emparejaba con otro retrato del marido de la mujer. La animada pose del niño se contrasta con el silencio de la madre, y complementada por el llamativo color del vestido.

“La serpiente de Bronce”, obra de Peter Paul Rubens

El siguiente cuadro se titula “La serpiente de Bronce”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1636, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 186.4 x 264.5 cm. Se exponen en la sala 31.

El cuadro muestra Moisés en la izquierda, y a su lado con la capucha Eleazar, llamando al pueblo de Israel que están siendo atacados por una plaga de serpientes que Dios les envió a causa de su pecado. Les dice a mirar a una serpiente de bronce que ha creado en un poste, arriba a la izquierda, ya que “todo el que fuere mordido y mirare a ella, vivirá.” del Antiguo Testamento.

Este trabajo fue probablemente ejecutado con algún estudio donde la pintura pudiera haber sido iniciada por algún miembro sobre la base de un modelo de Rubens, y luego el maestro pudo concluirla.

National Gallery, Plaza Trafalgar, Londres

Terminamos la visita al museo con la sala dedicada a la pintura española del Siglo de Oro, llevamos casi cuatro horas en el museo y supera con creces lo recomendado, dejamos muchas cosas en el tintero sobretodo la pintura modernista de la que el museo atesora una buena colección.

Después de la visita al museo hemos hecho un vídeo, que tenemos ocasión de presentarlo en este momento, lo hemos titulado: “Mil miradas de un lienzo”, es un repaso para presentar una colección de imágenes sacadas de una parte pequeña de un cuadro de la gran pinacoteca National Gallery de Londres, donde se aprecia la evolución que ha sufrido la pintura durante 500 años pasando desde el arte románico, gótico, renacimiento, manierismo, barroco, rococó y terminamos en el neoclásico.

Pasamos del monotema religioso con sus numerosas variantes donde predomina la imagen de la Virgen María y su relación con Jesús; unos siglos después la pintura se da cuenta que el protagonista de la historia es el propio hombre, momento en que se empieza a representar retratos y autorretratos, desnudos, bodegones, paisajes, historia mitología y simples escenas de la vida cotidiana.

Además, hemos incluido versos de Rafael Alberti y música de Pink Floyd de la película More, y el resultado es este cóctel:

“Mil miradas de un lienzo” National Gallery, Londres

Aprovechamos para tomar un tentenpie en la misma cafetería del museo y verdaderamente nos damos cuenta del nivel de vida tan elevado que hay en el Reino Unido cuando pagamos el importe de cuatro chorradas.

Salimos a la calle y nos sorprende porque toda la plaza de Trafalgar esta abarrotada de personas, hay más personas fuera del museo que dentro. Esto también nos sorprende que aún siendo gratuito el museo hemos podido acceder sin ningún tipo de colas, hemos visto los cuadros sin ningún agobio y por el contrario la entrada al museo esta llena de gente que no tienen ninguna intención de acceder. Verdaderamente los museos de pintura tan grandes son un poco incómodos de visitar pero haciendo una gran selección y viendo exclusivamente las obras maestras y más importantes se convierte en una bonita visita y muy rica culturalmente.

Como estamos viendo Tafalgar Square es una zona muy bulliciosa construida con amplias avenidas donde podemos ver importantes edificios, el epicentro es la plaza y el museo de la National Gallery.

Escultura Nelson , Plaza Trafalgar, Londres

La plaza fue proyectada por John Forbes Nash encargado para desarrollar el urbanismo de Londres en el siglo XIX durante la época del rey Jorge V su obra en la ciudad se desarrollo entorno al estilo clasicista.

El centro esta presido por una enorme columna de 50 metros levantada en honor del almirante lord Nelson, quien murió heroicamente durante la batalla de Trafalgar contra Napoleón en 1805. El monumento fue levanto en 1842. En los lados esta acompañada de cuatro leones que se añadieron a la base 25 años después diseñados por Edwin Landseer. La leyenda dice que los leones se hicieron con el metal de la flota francesa derrotada por Nelson. La parte superior de la columna consta de un capitel corintio basado en el Foro de Augusto de Roma, y está decorado con hojas de acanto de bronce, procedentes de la fundición de cañones británicos. El pedestal cuadrado está decorado con cuatro plafones que describen las cuatro grandes victorias de Nelson (Trafalgar, Nilo, Cabo de San Vicente y Copenhague) –la representación de las batallas se pueden ver en bajo relieves en las cuatro caras de la base de la columna– , siendo también el material empleado el bronce, en este caso resultado de fundir las armas francesas capturadas.

Si miramos al norte de la plaza podemos ver la magnifica fachada de la National Gallery , al oeste podemos ver el edificio Canda House, al este está South África House. En el sur se construyeron una serie de edificios con una magnifica arcada para albergar el Gran Hotel.

Escultura Príncipe George , calle Withehall, Londres

Marchamos por la calle Withehall camino norte en dirección al parlamento. Lo primero que vemos es la estatua del Príncipe George, duque de Cambridge, curso estudios de militar y el 5 de julio de 1856, el duque fue nombrado Comandante General en Jefe del Ejército Británico. La estatua fue esculpida en el estudio de Adrian Jones en Church Street, Chelsea.

Escultura Spencer Compton , calle Withehall, Londres

Jones esculpió el duque de Cambridge a caballo, vestido con el uniforme oficial de mariscal de campo. Incluía sus medallas, tales como cuatro órdenes de caballería y sus medallas de campaña. El duque tiene en su mano un bastón de mando. A los lados del pie de granito hay dos bajorrelieves que representan la conexión del duque con los Guardias Granaderos y los 17 lanceros.

Un poco más adelante podemos ver otra de las esculturas históricas sobre la avenida pertenece a Spencer Compton Cavendish, duque de Devonshire, fue el líder de tres partidos políticos entre 1875 y 1903. El monumento está situado a la entrada de Horse Guards. Fue obra del escultor fue Herbert Hampton y la estatua fue inaugurada en 1911.

La estatua tiene alrededor de 4 metros de altura y descansa sobre un zócalo de unos 5 metros de altura. La inscripción en el zócalo indica el nombre del duque, los títulos, honores ('KG' caballero de la liga) El uniforme del duque se representa vestido con su túnica de la liga.

Horse Guards , calle Withehall, Londres

Pasamos ante uno de los edificios más turísticos de Londres es el Horse Guards en la actualidad se ha convertido en el museo de la Caballería Real. Los visitantes pueden ver los caballos en los establos del siglo XVIII a través de una pared de cristal. Las exposiciones explican la formación y la historia del regimiento e incluyen uniformes ceremoniales, insignias, estandartes reales, premios, instrumentos musicales, accesorios de caballos.

Guardia del Horse Guards , calle Withehall, Londres

En la explanada se celebraban los torneos en tiempos de Enrique VIII, ahora cada mañana se realiza el cambio de guardia de la reina, se realiza todos los días a las 11,00 horas y los domingos a las 10,00 y la inspección diaria se lleva a cabo a las 4 p.m (frente Yard Whitehal).

Es uno de los atractivos de los turistas el poderse fotografiar ante los vistosos oficiales de caballería y los preciosos caballos negros donde imponen los músculos oficiales de la guardia real.

Seguimos nuestro camino por la amplia avenida Whitehall de Westminster y vemos la escultura que representa al conde Haig, fue un mariscal de campo del ejercito británico en la I Guerra Mundial, está esculpida por Alfred Hardiman en 1936.

El modelo de la escultura creo mucha controversia en su tiempo porque el escultor quería mostrar al conde como un hombre paseando con su caballo evitando cualquier dramatismo y una parte de los entendidos consideraban un memorial indigno para un mariscal de campo. Al final se le dio un voto de confianza al artista y dejo el semblante de un hombre paseando con un caballo por cualquier rincón de la campiña inglesa.

Conde Haig , calle Withehall, Londres

El memorial fue inaugurado por el príncipe Enrique, duque de Gloucester, el 10 de noviembre de 1937, con la presencia del rey Jorge VI quien depositó una ofrenda floral en la base del monumento en el Día del Armisticio.

William Joseph Slim, calle Withehall, Londres

Más adelante podemos ver el memorial al Viscount William Joseph Slim participo dentro del servicio activo tanto en la Primera y Segunda Guerras Mundiales y fue herido en acción tres veces. Durante la Segunda Guerra Mundial dirigió el 14 Ejército, el llamado “ejército olvidado” en la campaña de Birmania. Después de la guerra se convirtió en el primer oficial británico que había servido en el ejército de la India para ser nombrado Jefe del Estado Mayor Imperial. De 1953 a 1959 fue gobernador general de Australia y es considerado por muchos australianos como un héroe de guerra por la batalla de Gallipoli.

Más adelante hay otra estatua similar que hace referencia a Alan Brooke, primer vizconde Alanbrooke, la escultura fue realizada por Ivor Roberts-Jones y se inauguró en Whitehall, Londres en 1993.

Brooke fue un militar británico, jefe del Estado Mayor durante la Segunda Guerra Mundial ascendido a mariscal de campo en 1944. Durante la mayor parte de la Segunda Guerra Mundial, Brooke fue el principal asesor militar del Primer Ministro sir Winston, del Gabinete de Guerra y de los aliados de Gran Bretaña. Como Jefe del Estado Mayor Imperial, era el jefe funcional del ejército británico, así como miembro del Comité de Jefes de Estado Mayor, lo que le convertía en el responsable de la dirección estratégica general del esfuerzo de guerra británico.

Downing Street , calle Withehall, Londres

Más adelante llagamos ante otro de los puntos calientes de Londres es la Downing Street , quizás es la imagen más popular de la ciudad porque es raro no verla aparecer en las televisiones a la hora de los telediarios.

Protestas en Downing Street, calle Withehall, Londres

Sr George Downing se dedico a trabajar en las colonias americanas, un indiano, a su regreso por sus servicios al rey le concedieron un terreno en Westminster y construyó una hilera de casas bajas, cuatro de ellas aún permanecen en pie, Jorge II cedió el numero 10 a sir Robert Walpole en 1732. Desde entonces se ha convertido en la residencia oficial del primer ministro británico. Antiguamente se podía llegar hasta la misma puerta del presidente donde era custodiado por un bobby se permitía al público andar por Downing Street y pasar por el Número 10, como un atajo al St. James's Park, en 1989 se cerro la calle al publico por motivos de seguridad creando una gran barrera de hierro y donde esta custodiado por decenas de policías.

Lo que en los años sesenta era una virtud el que la gente pudiera llegar hasta la misma puerta del primer ministro británico y los policías no dudaban en fotografiarse con el publico creando uno de los iconos del turismo en Londres, en la actualidad la entrada a la calle hay tres filas de policías, la primera línea que esta fuera del enorme vallado metálico no pone inconvenientes en fotografiarse con el público, la segunda línea fuera parece no agradarles la presencia de las cámaras y la línea que esta dentro del vallado parece estar muy nerviosos por el agolpamiento del turismo y sus formas no son muy turísticas.

Monumento a las Mujeres, calle Withehall, Londres

Enfrente de la calle de Downing Street hay una nube de banderas que reivindican los problemas de África con un stop a las injusticias que se están produciendo en aquel continente, sobre todo hablan de “Manos fuera de Eritrea”. Creo que deben de llevar mucho tiempo enfrente a la calle del primer ministro sin muchas consecuencias porque en el momento de nuestra visita estaban las banderas, las pancartas pero no había ningún representante de las reclamaciones.

Miramos a la izquierda y vemos un enorme memorial negro en su rotulo indica “Monumento a las Mujeres de la Segunda Guerra Mundial”, en la totalidad de los monumentos de la II Guerra Mundial aparecen el reconocimiento a los soldados muertos en las batalla pero nadie se acordaba de las mujeres que murieron, sufrieron y vivieron el resto de sus vidas solas. El memorial Fue esculpido por John W. Mills, dio a conocer por la reina Isabel II y dedicado por la baronesa Boothroyd en julio de 2005

Baronesa Boothroyd, se convirtió en la defensora de las Mujeres de la Segunda Guerra Mundial desde su cargo de ex presidenta de la Cámara de los Comunes, dedicó el memorial: “Este monumento está dedicado a todas las mujeres que sirvieron a nuestro país y a la causa de la libertad, unas de uniforme y otras ayudando en el frente interno, espero que las futuras generaciones que pasan delante del memorial se preguntaran: “¿qué clase de mujeres eran ellas y al mirar a nuestra historia tuvieran la respuesta?”.

Monumento de la Guerra Mundial, Londres

La verdad es que este tipo de monumentos no son muy reconocidos en el siglo XXI porque todo el mundo huye de las guerras y de cualquier tipo de representaciones del miedo. No se si tiene algo que ver pero en Mayo del año 2015, hace unos días, se celebró una manifestación por la victoria del partido conservador y en protesta por la victoria de Cameron y sus recortes. El monumento sufrió una grave agresión, fue grafiteado, seguramente los manifestantes ya se habían olvidado la historia de la Segunda Guerra Mundial.

A la derecha de Downing Street se levanta otro de los memoriales que hacen referencia a la guerra. Es un austero monumento, fue realizado en 1920 por Sir Edward Lutyens en la memoria de los caídos de la I Guerra Mundial. Todos los 11 de noviembre, la reina y otras personalidades depositan coronas de amapolas en él. Es una solemne ceremonia que conmemora el armisticio de 1918, recibe el nombre de “Remembrace Sunday” y además se conmemora la paz de la II Guerra Mundial.

La avenida de Whitehall desemboca en Parliament Street, verdaderamente no se sabe muy bien donde empieza una y termina la otra. En la esquina de la calle Brigdge Street esta una de las estaciones de metro más utilizada y famosa es “Wetsminster Station”, es el centro neurálgico de Londres, similar a nuestra plaza de Sol en Madrid.

Estación de metro de Westminster , Londres

A la izquierda podemos ver el magnifico edificio de Houses of Parlament y su torre Big Ben; a la derecha la cabecera la pequeña iglesia de St. Margaret's Church, a su lado el ábside de Westminster Abbey; en el centro el pequeño jardín de Parlament Square donde están expuestas las estatuas de los principales gobernantes como Whiston Churchill, Nelson Mandela y Benjamin Disraeli. Es un lugar mágico que merece la mirada desde muchos puntos de vista, es ideal para llevar la cámara fotográfica abierta y disparar sin ningún sentido seguro que después analizando las fotografías descubres que tienes una verdadera obra de arte.

La mayoría de las miradas se disparan hacia la torre del reloj más famoso del mundo que alberga el Big Ben. La torre es relativamente moderna porque se construyó en 1858 después del incendio que asoló el palacio.

La torre no es ajena a su entorno y esta sufriendo la inclinación debido al terreno sobre el que se asienta . Está inclinada ya sobre el noroeste unos 43,5 centímetros en la parte de arriba con respecto a su perpendicular. Cada año la inclinación aumenta 0,9 milímetros . La inclinación empezó a acusarse en 2002, y pudieron tener algo que ver las obras del metro y de construcción de un aparcamiento.

Torre Big Ben , Londres

También hay que manifestar que su visita de su interior esta reservada solamente para los británicos que pueden solicitar a través de sus representantes en el parlamento. A todas luces es algo que no tiene ningún sentido y más dentro de la Comunidad Europea pero nadie a protestado, todo el mundo se limita a la fotografía frente a su fachada y poco gente ignora que es un lugar visitable.

El nombre de Big Ben de la torre viene dado por el celebre reloj de las cuatro caras colocado a una altura de 96 metros que se alza sobre el Parlamento Británico y sobre el río Támesis. El reloj tiene una enorme campana de 14 toneladas que marca las horas con una enorme precisión. El nombre pueda que venga en honor del jefe de obras de la torre Benjamin Hall cuando se colgó la campana en 1858.

En el exterior de la Houses of Parliament destaca la estatua ecuestre de Ricardo Corazón de León que reino desde 1189 hasta 1199, se encuentra situada en el patio frente a la entrada de la Cámara de los Lores, fue esculpida por el Barón Carlo Marochetti, un escultor italiano cuyas obras eran populares entre los miembros de la realeza europea y la nobleza.

Ricardo Corazón de Leon , Londres

La calidad de la ejecución de la estatua causó problemas durante su primer medio siglo; la cola del caballo se cayó el día después de que se instaló en la Gran Exposición , cuarenta años después de su instalación se descubrió que tenía numerosos agujeros y nunca se han conectado correctamente a su pedestal. Se escapó por poco de la destrucción durante la Segunda Guerra Mundial cuando una bomba alemana cayó y aterrizó a pocos metros de distancia y fue salpicada con metralla. El pedestal y la cola del caballo fueron dañadas y la espada de Richard quedo doblada por la explosión.

Cruzamos de acera en dirección a la entrada a la abadía, en un gran pedestal podemos ver uno de los memoriales más interesantes de todo Londres, se trata de la escultura “The Burghers Of Calais”, obra del magnifico escultor francés Auguste Rodin.

Los burgueses de Calais es la escultura que representa a los seis burgueses que en 1347, al inicio de la Guerra de los Cien Años (1337-1453), se ofrecieron a dar sus vidas para salvar a los habitantes de la sitiada ciudad francesa de Calais. El escultor Rodin recibió en 1885 el encargo de crear un monumento conmemorativo de esos hombres en la ciudad. Después de casi cuatro años de trabajar en bocetos, la escultura estuvo lista en 1888 para finalmente ser terminada e inaugurada en 1895.

Los Burgueses de Calais, Londres

Para el rey Eduardo III de Inglaterra, el puerto francés de Calais, sobre el Canal de la Mancha , era de gran importancia estratégica, y en septiembre de 1346, tras la batalla de Crécy, dirigió sus tropas para sitiar la ciudad. Tras varios intentos de los ingleses de tomar la ciudad y varios intentos fracasados de los franceses de romper el sitio, el rey Eduardo tomó la decisión en febrero del siguiente año de dejar morir de hambre a los habitantes de la ciudad.

Rodin hizo numerosas investigaciones sobre la identidad de cada figura y hace que se expresen los diferentes sentimientos que experimentan los hombres en el borde de la muerte, donde se pueda identificar: la desesperación, resignación, el coraje, la impasibilidad y la crueldad de la situación. Los personajes son modelados directamente en su tamaño real, primero sin ropa, a continuación, vestido con el tipo de túnicas que llevaban los hombres condenados. El escultor empleo camisas reales sumergiendo en yeso para hacer los estudios de los desnudos para poder apreciar la verdadera expresión corporal.

La fuente de Buxton , Londres

En los mismos jardines de la Torre Victoria de Westminster podemos ver la fuente neogótica “ La Fuente conmemorativa Buxton” (en inglés: Buxton Memorial Fountain) es un monumento y fuente de agua potable, que conmemora la emancipación de los esclavos en el Imperio Británico en 1834. Fue encargada por Charles Buxton MP, y se dedicó a su padre Thomas Fowell Buxton, junto con William Wilberforce, Thomas Clarkson, Thomas Babington Macaulay, Henry Brougham y Stephen Lushington, todos ellos estuvieron involucrados en la abolición. Fue diseñado por el arquitecto gótico Samuel Sanders Teulon (1812-1873) en 1865 coincidiendo con la aprobación de la Decimotercera Enmienda a la Constitución de Estados Unidos, lo que puso fin a la trata de esclavos en ese país. Fue construida originalmente en la Plaza del Parlamento, a un costo de £ 1,200.

Paseamos por la rivera del río Támesis hasta llegar al puente “Lambeth brige” para tener una perspectiva mejor del conjunto del Parlamento Británico; cruzamos a la otra orilla y volvemos en dirección contraria por la calle Lambeth Palace. Más adelante en los jardines de Lambeth podemos ver una estatua conmemorativa de Violette Szabo, y los miembros del S.O.E (Special Operations Executive) que durante la Segunda Guerra Mundial trabajó para el espionaje británico en misiones de reconocimiento y apoyo a la Resistencia Francesa.

Atravesamos el jardín del Hospital Saint Thomas, es uno de los más importantes hospitales de la ciudad de Londres, es universitario y escuela de enfermería, una de las más importantes y notables del país.

“Cross the Divide”, obra de Rick Kirdy, Londres

En la puerta podemos ver una escultura “Cross the Divide”, obra de Rick Kirdy, representa dos figuras masculinas, están de pie apoyadas sobre una pierna entrelazan sus manos para tener el doble de apoyo que le falta en la otra pierna. Se colocó en presencia de su Alteza Real la Princesa Margarita , condesa de Snowdon, el 25 de septiembre de 2000. Esta escultura fue encargada por la Fundación Caritativa de Guy St. Thomas.

The South Bank, Londres

Estamos en la zona de Londres que se denomina “The South Bank” está dedicada al ocio y al comercio, situada enfrente de Westminster. Forma una estrecha franja ganada al río Támesis delimitada por el puente de Westminster y puente de Blackfriars.

Estructura London Eye , Londres

En esta zona vamos hacer una parada para descansar un rato, vemos la imagen del Mcdonad's y decidimos hacer un alto, quizás es uno de los pocos sitios de comida rapida que es asequible a nuestros bolsillos, aunque el precio de cualquier menú ronda las 10 libras (16 euros).

Muy cerca se encuentra la famosa noria de Londres o “London Eye” los precios son 28.80 euros por persona, al final nos decidimos por el combinado London Eye+Madame Tussauds para dos adultos y dos niños por 140 libras, cerca de 200 euros. Luego hemos visto que reservando por Internet son 20 libras menos.

La entrada para el London Eye permite visitarlo a cualquier hora del día de hoy. El billete incluye también la entrada gratuita a la nueva Experiencia 4D en el London Eye.

La entrada al museo Madame Tussauds es válida para un mes después, lo que nos hace inclinarnos por esta opción porque tenemos tiempo suficiente para poder ver las esculturas de cera en este viaje.

La verdad es en estos momentos estamos súper cansados y nos apetece estar treinta minutos sobre el cielo dando una vuelta en el “Ojo de Londres”, pero para acceder hay una cola de más de una hora, este trance te lo puedes saltar si pagas una tarifa especial para entrar sin esperar o entrada vips con el ticket Fast Pass por nueve libras (¡esta todo pensado!). El horario es de 10 a 21 horas, y hasta 21:30 horas los viernes y sábados. Al menos en verano no se puede poder subir por la noche, porque está claro que hasta más allá de 22:00 horas no anochece. Hay algunos descuentos combinados con la tarifa del tren puedes descargarte la oferta 2x1 desde aquí .

El Ojo de Londres , Londres

La combinación de posibilidades para subir al London Eye son ilimitadas, puedes dar la vuelta y tomar champan por 50 libras; puedes subir y degustar una selección de chocolates por 50 libras, puedes hacer de la cápsula sea exclusiva para ti y tú pareja con una copa de champan por 360 libras; puedes con toda tú familia y reservar una cápsula para 3 y 25 personas por 560 libras; incluso después del cierre puedes ponerla en marcha para ti sólito cenando 8 personas con champan, tres platos y una rotación de tres vueltas en hora y media con 10 minutos de pausa en la última rotación para poder tomar fotografías, por la módica cifra de 5000 libras.

Nosotros como no somos del grupo de estos pues esperamos nuestra hora completita hasta que podemos acceder, la hacemos rápidamente como nos ordenan, no hay dificultades para entrar pero no hay que dormirse en los laureles. Una vez dentro estamos unas 10 o 12 personas, con suficiente amplitud para dar vueltas por las cápsula sin molestar a nadie.

El London Eye se mueve a una velocidad de 0,9 Km. por hora es lo suficientemente lento para no marearse y no notar a penas que subimos aunque llegamos a 135 metros, es lo más alto que se puede subir en Londres y se tarda 30 minutos para una rotación completa. A esta velocidad, la rueda avanza 26 cm cada segundo y ni siquiera en el momento de bajarse la gente la rueda se detiene, aunque es posible cuando quieren subir y bajar personas con discapacidad que se para justo el momento mínimo para su seguridad.

Paisaje desde El Ojo de Londres , Londres

El Ojo de Londres proporciona unas vistas de la ciudad excepcionales aunque en algunos puntos son bastante problemáticos, sobre todo si quieren hacer fotos o vídeos. Debido a la posición del sol (contraluces) y el tipo de vidrios usados de las cabinas, sobretodo, por la tarde algunas partes de Londres pueden ser difíciles de fotografiar, y van a tener muchos reflejos en las fotos. Hay zonas de las cristaleras que bastante sucias, y en algunos casos con rayas y marcas. Por lo tanto, hay que dar vueltas por la cabina hasta encontrar puntos que merezcan la pena fotografiar. Aunque en la misma cabina vas a viajar con otras personas, y todos quieren hacer selfies y el mismo tipo de fotografías, no hay que preocuparse, el trayecto es lo suficientemente extenso (30 minutos) como para poder obtener unas buenas imágenes de todos los puntos posibles.

Eje central del Ojo de Londres , Londres

La historia de El London Eye (Ojo de Londres), también conocida como Millennium Wheel (Noria del milenio), ha sido un tanto azarosa, se encuentra situada sobre el extremo occidental de los Jubilee Gardens, en el South Bank del Támesis, distrito londinense de Lambeth, entre los puentes de Westminster y Hungerford.

El London Eye fue diseñado por los arquitectos Frank Anatole, Nic Bailey, Steve Chilton, Malcolm Cook, Mark Sparrowhawk, Julia Barfield y David Marks. La empresa Mace fue responsable de la gestión de la construcción. Los ingenieros consultores de Tony Gee & Partners diseñaron los cimientos mientras Beckett Rankine diseñó las obras marítimas.

El borde del London Eye está soportado por cables de acero tensados y se asemeja a una enorme rueda de bicicleta. La iluminación fue hecha con la iluminación LED de Color Kinetics, en diciembre de 2006 para permitir el control digital de la luz en lugar de la sustitución manual de las lamparas más los tubos fluorescentes.

Paisaje desde El Ojo de Londres , Londres

La rueda fue construida en secciones que fueron llevadas por el río Támesis en barcazas y ensamblados sobre plataformas apiladas en el río. Una vez que la rueda estaba completa fue levantada a una posición vertical por un sistema de poleas y grúas esta parte de la obra fue ejecutada por la empresa ENERPAC. Para ponerla en posición vertical se subía a 2 grados por hora hasta llegar a los 65 grados, en esa posición estuvo durante una semana mientras los ingenieros preparan para la segunda fase de la elevación. El proyecto era europeo con grandes componentes procedentes de seis países: el acero se suministra desde el Reino Unido y fabricado en Holanda por la compañía holandesa Hollandia, los cables vinieron de Italia, los cojinetes vinieron de Alemania (FAG / Grupo Schaeffler), el husillo y centro fueron fabricados en la República Checa , las cápsulas fueron hechas por Poma en Francia (y el cristal de éstos proceden de Italia), y los componentes eléctricos del Reino Unido.

El Ojo de Londres cuenta con 32 cabinas para pasajeros selladas y climatizadas, de 8 metros de longitud y 4 metros de diámetro para albergar hasta 25 personas. Este tipo de cabinas se diseñaron para no estar colgadas directamente de la estructura como sucede en la mayoría de las norias, en este caso están sujetas a la parte superior de la rueda mediante dos anillos y tienen un sistema mecánico de estabilización que mantiene a la cápsula nivelada. Este sistema evita el problema del balanceo propio de las norias y permite una mayor visibilidad desde el interior de la cápsula, ya que la estructura y construcción no obstaculizan la visión.

Corazón El Ojo de Londres , Londres

En corazón central de la noria están montados dos rodamientos oscilantes de rodillos, que pesan varias toneladas y tienen un diámetro interior de 1 metro. Afianzan la seguridad de la estructura dos grandes rótulas de ejecución especial, con diámetros exteriores de 600 Mm y un peso, cada una, de 194 Kg. que fueron indispensables para mover la noria desde su posición horizontal, en la que fue montada hasta la posición vertical, junto al río Támesis.

El material principal para la construcción de la noria fue el acero carbonado. En el cableado se han usado dos clases distintas de material, el cable de la noria y el cable backstay. La base de compresión está bajo unos soportes, compuesta por miles de toneladas de hormigón y decenas de pilares del mismo material.

Los elementos más importantes del cubo, tubo de acero laminado, y del eje, fabricado a partir de ocho pequeñas secciones, se fabricaron el acero fundido, a través de la empresa Skoda Steel.

La construcción de la London Eye se convirtió en todo un ejemplo de cooperación europea: Las cabinas están fabricadas en cristal, acero y aluminio y su interior está climatizado. Fueron construidas en Francia, en una empresa especialista en ascensores. Los paneles de cristal laminado se cortaron en Italia y cada cabina está protegida por tres capas de cristal de calidad óptica laminado y curvado, con un mínimo de elementos estructurales.

Capsula El Ojo de Londres , Londres

El avanzado mecanismo de tracción lleva 32 rodillos guía de acero revestidos de poliuretano, 64 amortiguadores especiales, 28 muelles compuestos de acero y caucho. El pivote central de 23 m de longitud y 335 toneladas y el abocardamiento se fabricaron en la República Checa y los cojinetes, en Alemania.

Las patas en forma de A, de un peso de 310 toneladas, que soportan toda la estructura y la rueda de acero, se hicieron en Holanda con acero de Gran Bretaña.

Durante 30 minutos realizamos la vuelta completa a todo Londres por los aires y ahora nos toca bajarnos, sin muchos agobios bajamos lentamente uno por uno, pero como dije antes lentamente pero sin dormirse, cuando terminamos es ya casi de noche solamente nos queda despedirnos de la ciudad y marcharnos a nuestra residencia en Windsor.

En estos momentos estamos muy cerca la Estación de Waterloo a donde llegamos en 5 minutos. Es recomendable no acceder a las vías sin confirmar el número de andén por donde sale en tren porque dentro no hay ningún tipo de información. Cuando vemos que se ilumina la vía número 18 del tren con destino final en Windsor, accedemos cientos de personas, en el interior no hay rastro del convoy, por megafonía informan de un anuncio que no alcanzamos a entender pero vemos como todo el mundo vuela de la vía 18 y donde va Vicente va la gente, todo el mundo se sube en otro tren que espera en una vía cercana, en principio nos imaginamos que han cambiado el número de vía o bien que el tren hace alguna alternativa, nosotros partimos en un tren que no nos da mucha seguridad de ir correctamente, enseguida me fijo en los monitores que anuncian el recorrido y veo que Windsor no figura en ningún sitio, pregunto y al parecer nos hemos precipitado, estamos en el andén de la siguiente parada y bajamos rápidamente antes de que cierren las puertas.

Paisaje desde la Capsula El Ojo de Londres , Londres

Una vez allí preguntamos al jefe de la estación y nos indica que el tren con destino a Windsor todavía no ha salido de Londres y llegará en 15 minutos, al parecer el anuncio por megafonía y no lo habíamos entendió, el problema era que la salida había sufrido un retraso y como alternativa para las personas que no iban hasta la estación final de Windsor se ofrecía el tren que habíamos tomado.

En el tiempo marcado llega nuestro tren, está casi vacío, nos ponemos en el primer vagón y descansamos plácidamente durante un poco más de una hora hasta nuestro destino en Windsor.

Si quieres seguir leyendo la segunda y la tercera parte de este viaje, continua:

Blog parte 2ª
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A. López

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