BLOG DEL VIAJE POR INGLATERRA PARTE 3

Nada más levantarnos nos ponemos en marcha hacia la isla de Sype, pero antes hay una visita obligada en uno de los castillos más importantes y reconocidos de Escocia, se trata del Donan Castle, dicen que es el castillo que más parece en las latas de galletas escocesas y en calendarios que cualquier otro.

El parking para autocaravanas en el castillo de Donan, se encuentra situado antes del puente, es un recinto habilitado para su visita, es gratuito pero tiene la celebre advertencia Not Overnait. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N57.27582 // W 5.51434 .

El aparcamiento tiene unas plazas destinadas para autocaravanas, no es posible la pernocta, tiene WI-FI cerca de la entrada al edificio de los tickets. Las entradas pagamos 17 libras en la tarifa familiar (dos adultos y dos niños).

El castillo de Eilean Donan es uno de los iconos de Escocia y las estadísticas indican que es uno de los castillos más fotografiados del mundo por aspecto romántico sea convertido en una de las visitas más demandadas.

La historia del castillo viene dado por su situación geográfica como un baluarte defensivo durante ocho siglos. Aunque su aspecto actual quedo configurado a principios del siglo XX, fecha en que el teniente coronel John MacRae-Gilstrap lo compró e inicio su reconstrucción.

El nombre del castillo viene por estar construido sobre la isla de Donan, aunque es probable que el nombre pueda deberse al obispo Donan que viajo a Escocia entorno al año 580. Cerca del castillo hay varias iglesias consagradas al santo, por lo que es posible que en la isla formase una comunidad cristiana que daría nombre a la isla y al castillo.

La situación del castillo es defensivamente ideal al estar situado sobre una isla rodeada de mar, le hizo inexpugnable porque además en sus primeros asentamientos se descubrió un manantial de agua dulce que le hizo ser un castillo muy importante que contribuyó históricamente a la defensa de las incursiones vikingas.

Su posición estratégica, situado en la intersección de las rías de Loch Long, Loch Duich y Loch Alsh. El castillo de Elian Donan forma parte del enclave perfecto para una defensa eficaz.

Desde mediados del siglo XIII, las tierras altas occidentales formaban parte del llamado reino del mar de los Señores que habitaban en las tierras altas, formaban parte de la Unión y se constituyeron en una verdadera potencia naval.

En el siglo XIII ya se alzaba Elian Donan como un castillo fortificado con una guarnición dedicada a defenderlo de los ataques por tierra y por mar.

El castillo medieval se forma entre el siglo XIII y el siglo XIV levantando su interior entre los vestigios de los cimientos de las torres y en lo que queda del muro que rodea el castillo.

La torre del homenaje se situaba sobre el punto más alto de la isla, tenía una gran torre que se llamaba Torre Norte, cuyos muros tenían 4,3 metros de espesor rodeado de una muralla circundante salpicada de torres menores y puertas al mar.

La siguiente etapa en la historia del castillo abarca durante el siglo XV, la zona edificable se reduce hasta ocupar unos 528 m2, esta reducción se desconocen las causas, probablemente la zona entro en un periodo de pacificación y solamente se mantenía un pequeño destacamento.

La tercera etapa que comprende los siglos XVI y XVII, en el muro oriental se levantan un baluarte con dos cortinas imitando a las tenazas con forma de hexágono, creando un espacio defensivo donde instalan cañones y un acceso al patio interior.

En la primavera de 1719, un destacamento español que apoyaba la causa jacobita (fue el movimiento político que intentó conseguir la restauración en los tronos de Inglaterra y Escocia a los miembros de la Casa de Estuardo) tomó el castillo y construyó un polvorín. El 10 de mayo, tres fragatas británicas llegaron a Loch Duich, bombardearon el castillo y terminaron de volarlo con los barriles de pólvora acumulados.

Los dos siguientes siglos el castillo entra en un abandono y ruina. El teniente coronel John MacRae-Gilstrap y su aparejador Farqubar McRae iniciaron durante dos décadas su reconstrucción.

En las obras se utilizaron los planos del castillo de etapas anteriores y tratando de que el resultado se pareciese al original. Para la reconstrucción se utilizo la piedra de la zona que fue transportada en barcos y caballos hasta la isla. Las piezas de hierro y madera fueron construidas en Edimburgo. Las losas de pizarra verde del tejado se trajeron desde Caitness. El proyecto continuo durante la Primera Guerra Mundial, llegó a costar 250.000 libras y se termino en 1932.

Se accede al castillo por una puerta en cuyo arco esta inscrito “Mientras hayas dentro un McRae, ningún Fraser se quedará fuera”. La inscripción hace referencia a los vínculos existentes entre ambos clanes, ya eran más antiguos a la llegada de los McRae, procedente de las montañas de Easter Ross.

Desde el patio interior se tiene una vista de la torre del homenaje que se levanta del conjunto del castillo con todo su esplendor. En la reconstrucción se tuvo en cuenta que la torre del homenaje debía de ser la parte más inexpugnable del castillo.

Durante las reformas del siglo XX se convierte al castillo en una residencia de verano de la familia McRae-Gilstrap, se habilito una entrada por el bellinting room, se trata de un sótano abovedado que debió de servir para el alojamiento de la tropa. En la actualidad alberga una excepcional colección de objetos históricos y del castillo perteneciente a la familia McRae, además de un retrato de Farqubar McRae.

El interior se decoro con muebles de estilo Chippendale (ebanista inglés creador de un estilo de muebles de lujo que alcanzó gran difusión y que se consideró típicamente inglés). Los divanes proceden del mobiliario de las llamadas Assembly Rooms de Bath, un edificio que se utilizaba como sala de reuniones y bailes de salón para la alta sociedad en el siglo XVIII.

Muchos de los objetos de esta sala dan cuenta de un pasado violento, pistolas de duelo, dagas, cuernos de pólvora y un casco serraceno.

Accedemos a la sala más grande que se la llamo Sala de los Banquetes. Tiene el aspecto de los antiguos castillos medievales con una decoración actual Los anchos muros de piedra y su gran chimenea dan una imagen de las fortificaciones escocesas, mientras que las ventanas emplomadas son rasgos del romanticismo victoriano. Sobre la techumbre se pueden ver unas enormes vigas de madera de Douglas, una confiera originaria de Norteamérica.

El castillo no disponía de capilla pero la galería de los gaiteros hacia las veces de púlpito. En la actualidad es el lugar donde se celebran los matrimonios y los bautizos porque dispone de una pila bautismal empotrada. Se dice que la mesa oval situada bajo la galería formaba parte del mobiliario de uno de los barcos del capitán Nelson.

En el tercer piso se encuentran los seis dormitorios decorados con una colección de tapices de tartán pertenecientes a la familia MacRae, ninguno dispone de armarios, ya que el servicio llevaba la ropa limpia y planchada a la familia y a sus huéspedes todas las mañanas.

El castillo de Eilean Donan ha sido escenario para numerosas películas de cine y de televisión por su impresionante enclave. El castillo aparece en escenas de Los Inmortales, con Sean Connery y Christopher Lambert; el Lago Ness, protagonizada por Ted Danson; el señor de Balantry, de Errol Flynn, incluso 007 James Bond rodó algunas escenas de la película El mundo nunca es suficiente, en 1999.

Jamás habíamos escuchado que el ejército español hubiera estado luchando en tierras escocesas, pero consultado la historia refrescamos este hecho quizás como una pura anécdota, pero conociendo a los ingleses seguro que esta decisión tuvo repercusiones históricas para España.

Durante las guerras jacobinas, Francia, se abstuvo de apoyar una restauración de los Estuardo por la fuerza, tras la firma del Tratado de Utrecht en 1713, por lo cual el pretendiente jacobita pidió ayuda a España. El primer ministro español, cardenal Giulio Alberoni, influyó ante el rey español Felipe V para ayudar a Jacobo Francisco Eduardo Estuardo. Como resultado, en 1718, se ideó el plan de enviar un contingente de soldados españoles destinados a desembarcar en Gran Bretaña y apoyar una revuelta que estaba siendo preparada por los jacobitas en Gales y Escocia, en coordinación con el Viejo Pretendiente. Un primer contingente de 300 hombres de la infantería de marina española se dirigiría a Escocia a iniciar la rebelión y un contingente mayor de 7000 españoles apoyaría la revuelta jacobita desde Gales, promoviendo una sublevación masiva que permitiría a los Estuardo y sus partidarios tomar Londres y coronar allí a Jacobo III. Ambos grupos partieron de Cádiz en marzo de 1719, dirigidos por ingleses jacobitas exiliados.

La fuerza española principal de 7000 hombres no pudo avanzar por fuertes tormentas en el Atlántico, pero la fuerza menor de 300 soldados españoles desembarcó en los Highlands en el castillo Eilean Donan, reuniéndose a los clanes escoceses jacobitas que iniciaron así la revuelta en abril de 1719. La reacción del gobierno británico fue rápida al enviar un numeroso y bien armado contingente de tropas, y los jacobitas fueron vencidos con sus aliados españoles en la Batalla de Glenshiel el 10 de junio de 1719, fracasando este nuevo levantamiento.

Proseguimos el viaje hasta la cercana Isla de Skype Km. 69. La entrada se hace por un enorme puente que ha convertido la isla en península, aunque todavía conserva muchos accesos a través de los distintos ferrys que llegan a la isla desde diferentes puntos de Escocia.

Paramos a comer en unos de los números un parkings de la localidad, se denomina Broadford, indica que es libre, está pegado a la gasolinera Gulf, tiene una estación de lavado que nos permite vaciar las aguas grises mientras lavamos la autocaravana y llenar de agua aunque indica que no es potable, aprovechamos también para repostar a un precio bastante bueno 1,129 libras litro. Las coordenadas GPS del lugar corresponde con: N 57.24138 // W 5.90883 .

Después de comer marchamos rápidamente hasta el castillo Dunvegan, nos separa poco más de 50 kilómetros pero cuando llegamos está cerrado.

El parking para autocaravanas para la visita al castillo Dunvegan (Escocia), es gratuito, tiene un cartel de not Overnait. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N57.44795 // 6.58665 .

El vigilante nos indica que si seguimos un kilómetro por la estrecha carretera podemos tener una buena vista panorámica del castillo Dunvegan.

El Castillo de Dunvegan, es el hogar ancestral del Clan McLeod y Dun Beag, una construcción intacta de origen celta que supone uno de los mejores ejemplos construido con macizas torres troncocónicas que existen en Skye.

Hemos llegado a la zona más al norte de todo nuestro viaje y esto se puede apreciar en la vegetación de esta parte de la isla.

Seguimos nuestro camino hasta el otro extremo de la isla donde se encuentra el pintoresco pueblo de Portree. Damos una vueltas hasta que vemos el indicativo del parking para larga estancia para coches y autobuses.

El parking para autocaravanas en el pueblo de Portree (Escocia) se encuentra situado muy cerca del mar, es gratuito y tiene el celebre cartel de No Dormir, aunque en este lugar no creo que haya problemas para pasar la noche. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 57.41182 // W 6.19531 .

Vamos a dar una vuelta por el puerto que en este momentos tiene barcos de pesca haciendo su faena, en uno de sus restaurantes tienen el típico Fish and Chips por 6,40 libras para llevar, el olor nos indica que es buen pescado, algo similar a los bocadillos de la plaza Mayor de Madrid. Aunque no podemos hacer el pedido porque el pago hay que hacerlo al contado porque no tienen tarjetero Visa, nos recomiendan sacar en el banco del pueblo y volver.

Hasta ahora casi todos los pagos los hemos hecho con tarjeta, solamente en algunos parkings hemos utilizado moneda, por lo que hemos preferido no cambiar mucho para evitar las comisiones que disparan el tipo de cambio de la libra frente al euro.

Intentamos nuevamente en otro de los chiringuitos del pueblo pero sucede lo mismo, no admiten pago con tarjeta. Por último vemos un restaurante que indica que tienen Fish and Chips para takeway y el símbolo de VISA, entramos, el precio es igual en todo el pueblo, después de esperar 10 minutos nos dan una enorme caja, marchamos corriendo para la autocaravana para degustarlo antes de que se enfríe. Cuando abrimos la enorme caja tenemos un buen trozo de pescado fresco rebozado que más bien parece bacalao con una gran fuente de patatas fritas.

Teníamos pensado quedarnos a dormir en Portree pero vemos que mañana nos queda mucho camino por lo que decidimos seguir todo los que podamos y pernoctar donde veamos.

Carretera y manta, regresamos por el mismo camino hasta que atravesamos nuevamente el puente de la isla de Skye. Un poco más adelante pasamos ante el castillo de Donan, la imagen nocturna es preciosa porque está perfectamente iluminado, hacemos una parada para inmortalizar el momento. En el parking vemos alguna autocaravana con idea de quedarse a pasar la noche.

Nosotros seguimos nuestro camino, según pasa la noche vemos que no hay circulación, en la carretera se nos cruza un zorro sin inmutarse, unos kilómetros más adelante vemos como un hurón cruza delante de nosotros. Es la primera vez que conducimos por Escocia de noche y la cosa no pinta bien, nos encontramos numerosas ovejas en la carretera lo que nos hace reducir mucho la velocidad. Empezamos a ver señales de ciervos sueltos y esto nos hace ser mucho más prudentes porque el cruce de un animal tan grande es muy peligroso, nos ponemos como meta llegar solo hasta Fort William.

El parking para autocaravanas en Fort William (Escocia) se encuentra situado al lado de la estación de ferrocarril, indica que es válido para autocaravanas, bus y camiones. El precio de 2 libras desde las 8 a.m. hasta 8 p.m. Las coordenadas GPS del lugar corresponde con: N 56.82141 // W 5.10344 .

Este aparcamiento no indica que no sea válido para pernoctar en las instrucciones del parquímetro pero un letrero a la entrada indica que not overnight, aunque vemos que los camioneros duermen y hay otras cuatro autocaravanas, lo que imaginamos es que es un parking tolerado.

Ruta: Fort William -Doune-190 Km; tiempo estimado 2h49'- Stirling- 14 Km . tiempo 17' Edimburgo 58 km 1h 16'

Nada más levantarnos nos marchamos al parking contiguo del Lidl, donde desayunamos tranquilamente y hacemos unas pequeñas compras, este parking no tiene ninguna limitación por lo que puede ser un lugar ideal para la pernocta. Las coordenadas GPS del lugar corresponde con: N56.82175 // W 5.10208 .

Según estamos desayunando oímos como entra en la estación el tren Jacobita de Harry Potter, está echando humo y hace sonar el silbato. Sin quererlo nos hemos tropezado con la imagen que no pudimos contemplar en el viaducto. Vemos como una importante fila de personas espera la llegada del tren a la estación de Fort William.

Comenzamos el viaje del día hasta nuestro siguiente destino, se trata de la visita al castillo de Doune, esta situado a 190 Km. y tenemos que atravesar de Oeste a Este media Escocia, tenemos un recorrido de unas 3 horas.

El parking para autocaravanas para la visita al castillo de Doune (Escocia), la entrada es complicada y el sitio interior no es muy espacioso para nuestros vehículos, aprovechamos que se marchan dos coches y nos hacemos un hueco en la misma fachada del castillo. Las coordenadas GPS del lugar corresponde con: N 56.18567 // W 4.04978 .

Sacamos las entradas al castillo 5,50 por adultos y 3,30 por niño, en total 17,60 libras. Los horarios del verano de 9,30 a 17,30 horas (abril a septiembre).

El castillo de Doune es famoso porque se rodó película de los Monty Phython “Los caballeros de la mesa cuadrada” (1974). El rodaje tuvo muchas dificultades porque habían pedido permiso para hacer diferentes escenas en distintos castillos escoceses, pero dos semanas antes de que comenzara el rodaje, la sociedad que gestionaba los monumentos históricos de Escocia les retiró el permiso de rodaje a los Monty Phyton, que pretendían filmar en varios castillos. Tan sólo les quedó uno de la lista, Doune Castle, cerca de Stirling, en aquella época era de titularidad privada. Así que Doune Castle se convirtió sin quererlo en el único escenario de los castillos que salen en la película, de esta forma Camelot (el interior), el castillo de Guy de Lombard con el Conejo de Troya, el Castillo del Pantano, y el Castillo Anthrax con todas sus jóvenes vírgenes se filmaron en el mismo sitio pero con enfoques diferentes para que pareciesen distintos.

Si alquilas el audio guía que está sólo en inglés y entiendes la explicación de la misma comprenderas que está grabada por el mismo Terry Jones quien a parte de explicar la historia del castillo, describe donde se rodaron algunas de las escenas de la película.

Al inicio de la película “El conejo de Troya” sobre la figura del rey Arturo (Graham Chapman) y Patsy (Terry Gilliam) se acercan a la muralla este del castillo y se enzarzan en una conversación con los soldados de la guarnición, los que quieren asaltar el castillo son ingleses y los que están en el interior defendiéndolo son franceses, van buscando el santo grial, los franceses desde las murallas les tiran una vaca y como ven que no da resultado les tiran de todo tipo de animales con la esperanza de disuadirlos.

La serie de televisión Outlander o la Forastera se centra en escenas en el castillo de Doune. Historic Scotland acordó el cierre de todo el castillo para dar cabida a la filmación, con la producción actualmente basada en la atracción, que se remonta a finales de los años 1300 y fue construido por el “rey sin corona de Escocia”, el primero duque de Albany.

También se rodó la lucha entre Ivanhoe y Bois Guilbert en el final de la serie de televisión de la BBC Ivanhoe fue filmada en Doune Castillo cerca de Stirling

El castillo está situado en una zona boscosa del nacimiento del arroyo Burn que desemboca en el río Teith. Se encuentra a 8 millas (13 kilómetros) al noroeste de la ciudad de Stirling, lugar donde el río Teith desemboca en el río Forth

El Doune Castle fue construido originalmente en el siglo XIII, aunque fue dañado en las batallas de las Guerras Escocesas de la Independencia , fue reconstruido en su forma actual a finales del siglo XIV por Robert Stewart, duque de Albany (1340-1420), el hijo del rey Roberto II de Escocia, y el regente de Escocia desde 1388 hasta su muerte. El castillo del duque Roberto ha sobrevivido relativamente sin cambios y casi completo. El castillo pasó a la corona en 1425, cuando fue ejecutado el hijo de Albany, y se utilizó como pabellón real. Más tarde durante el siglo XVI, Doune pasó a ser propiedad de los condes de Moray. El castillo sufrió la acción militar durante las Guerras de los Tres Reinos y Glencairn en la mitad del siglo XVI, y posteriormente durante los levantamientos jacobitas de finales del siglo XVII y XIX. En 1800 el castillo fue arruinado, pero se iniciaron trabajos de restauración que se llevaron a cabo en la década de 1880, antes de su aprobación como monumento Nacional del Estado en el siglo XX. En la actualidad pertenece a los monumentos administrados por Escocia.

Doune ocupa un lugar estratégico, cerca del centro geográfico de Escocia, y sólo 5 millas (8,0 Km.) del castillo de Stirling, esto se llamo “la encrucijada de Escocia”. El sitio formaba parte de una defensa natural por sus tres lados debido al escarpado terreno con pendiente, y por los dos ríos situados al este y al oeste. Las formas del castillo irregular con un plano con forma de pentágono, con edificios a lo largo de los lados norte y noroeste que encierran un patio.

La entrada se realiza desde la portada norte a través de un pasaje por debajo de una torre que contiene las principales salas del castillo. Desde el patio, tres conjuntos de escaleras exteriores de piedra, que han sido añadidas posteriormente, conducirá hasta el Salón del Señor en la torre, al vecino Gran Salón, y la entrada a las cocinas en una segunda torre situada al oeste.

La entrada principal tiene tres zanjas formando un foso defensivo con una muralla. También fuera de los muros del castillo hay pasaje abovedado, tradicionalmente se dice que se trata de un pasadizo secreto para abandonar en el castillo, pero de hecho se trata del acceso que en siglo XVIII para guardar el hielo para el verano.

La torre principal tiene una puerta de entrada, es de planta rectangular tiene 18 metros por 13 metros y casi 29 metros de alto, con una torre redonda que sobresale en la esquina noreste, junto a la entrada. Consta de una habitación llamada Salón del Señor, y tres plantas en las cámaras anteriores, ubicadas sobre el paso de entrada.

No hay comunicación directa entre la planta baja y el Salón del Señor de arriba, que ocupa toda la primera planta. Se accede a través de una escalera cerrada y cerrada desde el patio. La sala tiene un techo abovedado, y tiene una doble inusual chimenea. Las baldosas del suelo, con paneles de madera fueron pavimentadas en la década de 1880. Originalmente se pensó que la puerta que conectaba con el Gran Salón fue también de esta fecha, pero ahora se acepta como ser original. Las habitaciones laterales en el nivel de sala incluyen una cámara en la torre redonda, con una escotilla por encima del salón.

Por encima de la sala hay una segunda estancia, que forma parte del conjunto de habitaciones de la duquesa. Un oratorio en el muro sur, con vistas al patio. Este oratorio da acceso a unos pasajes abiertos en los muros que conducen a la pasarela a lo largo del muro cortina. El techo de madera del salón de la duquesa, y los pisos de madera y techo de arriba, son de la década de 1880.

Al oeste de la torre del Señor esta el Gran Salón, tiene 20 metros por 8 metros y 12 metros de alto con su techo de madera, fue reemplazado en el siglo XIX. El salón tiene chimenea, y presumiblemente fue calentada por un fuego central y ventilado por medio de una celosía como el de la azotea moderna. No hay detalles de la construcción original del techo, sin embargo, la restauración se hizo sin detalles del original. Las grandes ventanas iluminan el pasillo y las escaleras conducen a las tres bodegas en la planta baja.

El salón se accede desde el patio a través de una escalera hasta un vestíbulo triangular, que a su vez enlaza la sala y la cocina por medio de dos grandes escotillas através de arcos, un tanto inusuales para este período. La torre de la cocina tiene 17 metros por 8 metros. La cocina es abovedada está en el nivel de la sala, por encima hay un sótano. La cocina del castillo es una de las mejor equipadas de toda Escocia en esa fecha, tiene un horno de 5.5 metros de ancho con chimenea. También hay una torreta en la escalera, fue añadida en 1581 y, posiblemente, corresponde con la sustitución de una escalera de madera, esta conduce desde el vestíbulo a las dos plantas de las habitaciones. Estas se las llamaron “Royal Apartments”, y una suite de dos dormitorios y una sala de audiencias, dedicada a los visitantes reales.

Continuamos nuestro viaje y hacemos otros 15 kilómetros hasta la ciudad de Stirling para visitar otro de los castillos más renombrados de toda Escocia.

El parking para autocaravanas en la ciudad de Stirling (Escocia) se encuentra situado en la parte más alta de la ciudad, es de pago 4 libras. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 56.12226 // W 3.94507 .

El parking no tiene ningún cartel que limite la estancia aunque un vigilante nos indica que después de las 20,00 horas, sube un coche de policía y desaloja el aparcamiento.

En las entradas al castillo de Stirling no aplican ninguna reducción, dos adultos y dos niños son 46,40 libras, esto son 69,60 euros. El precio ya indica que es uno de los monumentos más caros de Escocia.

El castillo fue erigido sobre una roca volcánica, fue esculpida gracias a los glaciales convirtiendo una plataforma casi inexpugnable. Las caras norte y oeste son prácticamente verticales. Además su situación geográfica entre un cruce de caminos fue el lugar perfecto para construir un castillo. Se calcula que el primer recinto fortificado se debió de construir hace 3000 años, luego llegaron los romanos que hicieron su fortaleza. En 1400 se identifica a Stirling como el hogar de los Caballeros de la Mesa Redonda del Rey Arturo, mito que se llevó en las crónicas y novelas de escritores futuros.

Históricamente se tiene conocimientos del castillo de Sitrling en el siglo XI como lugar donde la realeza vivía dentro de un palacio. El rey Alejandro I comienza a construir dentro del castillo una capilla dedicada a la veneración de San Miguel.

En 1140 fue la residencia real de David I y financió la abadía de Cambuskenneth Abbey, próxima al castillo para satisfacer las necesidades espirituales de la corte real. El castillo además estaba enclavado en el centro de ricas tierras de labranza que dotaban a la corte de todos los alimentos necesarios. Los edificios interiores estuvieron construidos en madera excepto la capilla, que habría sido construida en piedra.

El siguiente rey en vivir en Stirling fue Guillermo I que designo un bosque real para mantener sus reservas de caza, durante su reinado fue asediado por Enrique II de Inglaterra, aunque los ingleses no lograron hacerse con el control del castillo.

Durante el siglo XIII los escoceses vivieron unos años de paz con los vecinos ingleses hasta que Alejandro III falleció en 1286, lo que supuso una ruptura en la sucesión real quedando nuevamente ambos países enfrentados. Todo esto más las alianzas de Escocia con Francia supuso lo que se llamo Guerras de Independencia. El castillo fue perdido por los escoceses pero intentaron recuperarlo en lo que se llamo Batalla del Puente de Stirling en 1297.

En las inmediaciones del castillo se produce la batalla más importante de la historia de Escocia y que vendría determinada como un país “La Batalla de Bannockburn”. Se celebra a tres kilómetros del castillo. Eduardo II de Inglaterra acepta el desafío de Eduardo Bruce, hermano del rey Roberto I de Escocia que le apoyo para que gobernara, tenía sitiado el castillo y llegó a un acuerdo para levantar el sitio a la guarnición inglesa que se encontraba en Stirling. Cruzó la frontera con un poderoso ejército de 17000 hombres para cumplir el plazo que le había dado el señor escocés. Durante el abandono un ejército de 8000 hombres escoceses les corto la retirada. El 23 de junio se produce la batalla, la vanguardia inglesa lleva un rápido ataque y se llega directamente al enfrentamiento cuerpo a cuerpo entre el Rey Roberto que lucho contra Sir Henry de Bohum (caballero inglés) en sus monturas se enfrentaron cuerpo a cuerpo. El rey escocés cogió su hacha de guerra y dividió la cabeza del ingles en dos, el ejercito escocés se sintió motivado al ver la escena y entro también en el cuerpo a cuerpo directo, en lugar de las habituales guerra de guerrillas.

Bruce mandó a su caballería a luchar contra los arqueros ingleses y posteriormente lazó sus brigadas especiales compuestas de Highlanders (hombres duros de las Tierras Altas) y de Islesmen (hombres de la isla de Men) estos empujaron a los ingleses hacia el terreno cenagoso, muchos quedaron atrapados y fueron masacrados.

El palacio de Stirling se empezó a construir en tiempos de Jacobo V, este venia de Francia donde había adquirido unos conocimiento y una forma de vida que le gustaba la vida palaciega, era un aliado del Papa católico cuando el rey de Inglaterra se había separado de la iglesia de Roma, este hecho le hizo al escocés ganar amistades con Carlos I rey del Sacro Imperio Romano y Germánico.

Todo estos hechos le hizo crear un palacio para su uso y el de la reina que incorporará muchas de las actuales ideas de occidente. Además se sintieron implicados en el diseño, la decoración y la distribución de los aposentos reales, así como la formación de una nueva corte a su alrededor.

En 1541 las obras están muy avanzadas y los interiores de piedra, es probable que Jacobo participara en la decoración incluyendo la propia estatua que se instalo en el exterior del patio y las cabezas talladas de roble colgadas en el techo del Salón Interior. Su mujer María de Guisa (francesa) dio a luz a dos varones, aunque murieron durante su infancia. Jacobo en 1542 fue a la guerra para ayudar a Francia en contra de Inglaterra pero los resultados no fueron muy favorables. El rey murió dejando a su hija Maria como reina de los escoceses pero tan solo tenia seis días.

La niña María fue recluida en el castillo de Stirling para que creciera con seguridad, el 9 de septiembre de 1543 fue coronada como reina de Escocia en la Capilla Real con las joyas de la corona cuando la niña tenía un año de edad. La niña fue enviada a Francia para garantizar la seguridad. Su madre se convirtió en Regente en 1554 apoyada por el dinero y el ejército francés.

A los 15 años María contrajo matrimonio con el heredero al trono de Francia y en 1559 se convierte en la reina de Francia y Escocia. La muerte de su esposo y de su madre la llevaron a volver a Escocia entre los conflictos de religión de una Escocia protestante con una reina Católica.

Cuando llegó quiso escuchar misa y la única capilla católica era la del castillo de Stirling, lo que produjo un enfrentamiento entre los nobles y el clero escocés. María estaba consternada con el odio que se había desarrollado contra la iglesia católica. Se caso con su primo, Enrique Eduardo I y un año después dio a luz al Príncipe Carlos Jacobo en el castillo de Edimburgo, posteriormente seria el rey Jacobo VI tras la abdicación de María. Fue coronado a la edad de trece meses en la iglesia de Stirling y allí paso toda su infancia como casi un prisionero.

Jacobo VI se convierte después de la muerte de Isabel I en el rey de Inglaterra y se ve forzado a trasladarse al sur para dirigir los asuntos de estado y solamente volvió una vez a Escocia. Aunque desde la distancia el rey dirigió la obras de rehabilitación del castillo de Stirling con sus especiales trabajos artesanos en el Gran Salón, La Capilla Real y el Palacio. Durante un siglo el castillo estuvo cerrado esperando la visita de la realeza.

La llegada al trono de Jacobo VII de Inglaterra y II de Escocia, aunque se vio obligado a huir pronto, en 1688. Le sucedió su hija protestante María y su esposo Guillermo de Orange. No obstante Jacobo nunca abdico y sus seguidores darían paso a las rebeliones de los jacobitas. Hasta ese momento el rey era de ambos países pero 1707 se decide que los reinos deben de unirse y de esta manera se clausura el parlamente escocés el 28 de abril.

Los levantamiento jacobitas son muy duros contra el castillo que estaba custodiado por el ejercito inglés y pasa a ser un recinto eminentemente militar dotándose de todo tipo de artillería militar.

Después de la derrota de los jacobitas el lugar se convirtió en un emplazamiento de prisión estatal ante la falta de interés de la realeza por habitarlo. Y muchos de sus tesoros se vienen a bajo como el techo del Salón interior del Rey y otros muchos que se retiran a otros edificios, eran momentos que no se valoraba suficientemente su arquitectura.

En el siglo XIX se convierte en cuartel militar y el palacio se divide para acomodar a la tropa y se levantan nuevas edificaciones pero respetando en la medida las cualidades arquitectónicas de los años 1800. La visita de la reina Victoria despertó el interés de la corte que lo declaró “lleno de majestuosidad”.

En 1964 el castillo dejó de ser un depósito militar del Regimiento de la Tierras Altas de Argyll lo que permitió que los cambios se sucedieran y se entablo una batalla para convertirlo en el edificio de Escocia del Renacimiento medieval tardío.

Damos una vuelta por el exterior para poder presenciar el espolón francés, se le llama así porque fue construido con el dinero del rey de Francia que envío para que María de Guisa, viuda de Jacobo V pudiera residir con seguridad. Muestra el diseño de una muralla defensiva militar italiana y es uno de los bastiones donde se colocó la artillería. Fue construido con la mejor piedra de Escocia, cuenta con dos hileras de cañones que cubren la fachada y el puente de Stirling, es probable que el espolón fuera construido con arquitectos y mano de obra francesa, aun se puede observar una tabla con la reproducción de una Flor de Lis.

Accedemos al castillo por el Forework, es una estructura diseñada para impresionar visualmente al enemigo y defender la entrada al castillo. Levantado sobre los restos del frontispicio del castillo del Medievo tardío y de la entrada real creada por Jacobo IV que marca la línea del recinto principal que aquí se erigía previamente.

Entramos un patio principal, donde a la izquierda podemos ver el Palacio de Jacobo V, fue diseñado para el disfrute de su mujer María de Guisa. Tenia que transmitir un mensaje coherente que Jacobo era un soberano sabio y virtuoso cuyo reino traería paz, prosperidad y justicia al pueblo escocés.

El palacio es una de las piezas más innovadoras en la arquitectura del Renacimiento de toda Gran Bretaña, su máximo exponente seria el diseño de los futuros aposentos reales.

Para la construcción del palacio hubo derribar la antigua capilla, aunque algunas partes de los edificios originales se mantuvieron.

Lo más llamativo del exterior es la colección de estatuas que supuso una auténtica revolución por su tamaño y su temática nunca vista en Escocia, ya que reflejaba un profundo conocimiento del arte y la literatura del Renacimiento. Las tres fachadas componen un auténtico retablo, las que se levantan en los lados este y norte pretendían impresionar a los cortesanos y embajadores que visitaban al rey. Hasta el siglo XIX era descrita a menudo como “grotesca”, pero trabajos recientes les ha reconocido como una colección única de la escultura renacentista escocesa.

Las figuras corresponden con representaciones de un diablo y figuras armadas que se enfrentan al mundo exterior, mientras que las diosas y músicos ofrecen un acompañamiento suave de la fachada del patio interior. Algunas de las figuras tienen una naturaleza lasciva bien definida y las excavaciones añaden a este corpus con el descubrimiento de un fragmento en forma de un pecho femenino

A medida que se acercaban a la entrada del palacio, los visitantes pasaban ante la atenta mirada de la estatua de Jacobo, realizada a tamaño real, esta vestido con un fino jubón y calzas, una mano la tiene sobre la empuñadura de una daga, esta pose se tomo de las esculturas clásicas, aunque al rey se le representaba con barba corta aquí la imagen tiene una barba larga que pretende evocar a un sabio profeta del Antiguo Testamento. La imagen se apoya en una columna cuadrada, descansada a su vez en una ménsula, decorada con motivos florales, que en el interior del palacio se repitan en la chimenea que se encuentra en su interior. Cerca se proyecta otra escultura que representa a Fama, se trata de una mujer noble con la vestimenta de la época.

En la base se observa un león acostado, aunque en la actualidad esta muy erosionado, es el símbolo del rey inglés, cuyo significado indicaba que el león había sido aplastado por los reyes escoceses.

La mirada del Jacobo es despreciativa para los visitantes y todos los que le observan, y se coloca entre los dioses clásicos Saturno y Venus. El mensaje que quiere indicar que sus observadores deben de entender que Jacobo era el líder legítimo proveniente de una antigua dinastía cuyo mandato produciría una nueva edad de oro y prosperidad, Saturno les llevaría hacia la paz soñada y Venus se comportaría como la diosa de la abundancia. Al lado de Jacobo se encuentra Ganimedes, copero de los dioses, simboliza la juventud que traerá la nueva edad de oro de Jacobo.

Sobre los muros podemos encontrar estatuas de querubines, algunos de ellos tocando instrumentos musicales, encontradas de las esculturas belicosas que se hallan en el muro sur.

En los grandes ventanales se encuentra grabado el anagrama I5 “Jacobo V”. Las estatuas se colocaron en los recesos, protegidas por arcos en la cúspide con diferentes tipos a ambos lados en los que se proyectan humanos y animales.

Toda esta simbología procede de los palacios franceses conectados con la casa de Guisa, aunque las estatuas tienen una clara inspiración de la antigua Roma.

Entramos en el palacio en los aposentos reales de Jacobo V y María de Guisa, han sido recreados recientemente porque habían quedado totalmente desfigurados.

Jacobo V falleció en 1542 y es posible que nunca viera terminado su sueño palaciego, la rehabilitación y representación de palacio se ha llevado al año 1540.

La primera instancia que visitamos es el Salón Interior del Rey, cuyo techo ha sido recreado con replicas de la Cabezas de Stirling. Estos medallones de madera representan los mensajes que el rey quería transmitir a su corte.

El primer mensaje es la legitimidad política a gobernar para ello representa la línea de sucesión de los Estuardo, esta personificada por Jacobo IV y Jacobo I. La proximidad de Jacobo V al trono inglés esta representado por su madre, Margarita de Tudor y su autoritario tío Enrique VIII.

El propio Jacobo aparece con su escudo de armas matrimonial, cosido con 50000 perlas y flanqueado por sus dos esposas francesas; María de Guisa aparece representada como la novia con una flor y el pelo suelto.

Sus ambiciones políticas también están representadas porque quería situar a Escocia en el corazón de la vieja Europa, aparece Carlos V, del Sacro Imperio Románico Germánico, el gobernante católico más poderoso de Europa. Su ex-suegro el rey de Francia, Francisco I también aparece retratado, aunque su cabeza no ha sido encontrada.

Los caballeros tienen su sitio debido a sus actos heroicos como la fábula de Worthies, donde se encarna la virtud y el honor. Se identifica porque son mujeres con exóticos tocados.

Representa las proezas de la gloria de los grandes emperadores romanos, equiparándose a ellos con sus propias proezas como político y jefe militar.

La corte es muy importante y como premio incluye algunas figuras de hombre con gorras de terciopelo y jubones, las mujeres cortesanas exhiben los mejores trajes de la época, muchas son del círculo más cercano de la reina María.

Entre las cabezas las hay que representan como era la vida en el palacio como los bailes de mascaras. Una de las cabezas muestra a una dama que lleva una mascara; otra, muestra a un poeta, es un hombre con la mano en el corazón en plena representación artística, se ha identificado con Sir David Lindsay, destacado asesor del rey y gran dramaturgo. También se puede contemplar la figura del irreverente bufón.

Las cabezas están hechas de maderas de roble talladas y policromadas. Sobrevivieron en el techo hasta que se vino abajo y tuvieron que ser desmontadas en 1777.

Pasamos al aposento era la habitación destinada a la celebración de las audiencias personales del monarca. La decoración de las paredes son grisallas corridas, con la intención de imitar figuras de piedra labrada. La chimenea original tiene dos columnas con sendos capiteles tallados con forma de águila está coronados con pinturas de las armas reales de Escocia. La puerta hacia el Patio Exterior, data del siglo XVI, se pudo abrir para poder contemplar de este lugar la coronación de la princesa María, Reina de los escoceses, el 9 de septiembre de 1543.

La siguiente habitación es la alcoba del Rey, era otro lugar del palacio donde se celebran los despachos oficiales aunque dentro de una atmósfera más íntima y confidencial. Es probable que el monarca durmiera en uno de los gabinetes contiguos, que tendría un altar para su devoción personal.

El techo esta pintado y representa la corona de Jacobo V con su anagrama “I5”. El escudo en el techo central repite el escudo de armas junto a otros escudos que recuerdan la investidura de Jacobo en las grandes ordenes caballerescas europeas: el Toisón de Oro de Borgoña, San Miguel de Francia y la Jarreta de Inglaterra, además del cardo heráldico escocés.

Pasamos a los aposentos de la reina, están completamente amueblados para el personaje real que vivía en el castillo. Este era el hogar de María de Guisa, la viuda de Jacobo V.

En esos momentos no se daba importancia que la habitación de la reina estuviera contigua a la habitación del rey y la cama de esta estuviera al lado de la puerta que las une, esto demuestra que era un matrimonio que hacia una vida marital.

La decoración de la habitación que encontramos en los techos es de arabesco, en pan de oro, y su tema central gira en torno a las armas heráldicas de la casa de Guisa. Los escudos del techo muestran los símbolos de la dinastía de Guisa: la Cruz de Jerusalén y el alerión compuesto por tres águilas atravesadas por la misma flecha. Las armas reales y las de la casa de Guisa aparecen combinadas en el dosel de estado de la cama, también se repiten en los discos de las vidrieras.

Las paredes están revestidas de hermosas telas brocadas y la cama y la mesa están sobre alfombras persas. Hay un altar personal confeccionado para María con un armario de roble francés cubierto por una tela y coronado con un tríptico devocional en el que se observa en la tabla central a la Virgen María con el niño en sus brazos. Originalmente este habría estado en su gabinete privado.

En el salón interior de la reina podemos ver la colección de tapices bordados. Es conocido por medio del inventario que Jacobo y María poseían una importante colección de tapices, los más espectaculares hacían referencia a los unicornios. Los tapices originales procedían de los talleres de los Condados Bajos, eran tan valiosos que su precio equivalía al de un buque de guerra, cuando se trasladaban de palacio se enrollaban y se mandaban con el resto de posesiones.

El conjunto consta de siete tapices que cuenta la historia de la caza del unicornio para obtener su preciado cuerno, el cual se creía podría tener poderes mágicos de purificación. Las escenas son del tipo decorativas e instructivas, empleándose una rica iconografía cristiana: el unicornio es la imagen de Cristo y la doncella la Virgen María. El punto más importante de la historia se alcanza con la muerte y el renacimiento del unicornio como representación de la Pasión y Resurrección. Quizás tenga otras muchas lecturas todo este simbolismo, incluida una alegoría más directa del amor cortés, donde el unicornio significa al amante que es atrapado y domado por el amor de una doncella. Los tapices originales están colgados en el Cloister Museum del Metropolitan Museum of Art de Nueva York, los tapices fueron saqueados durante la Revolución Francesa , pero se recuperaron en la década de 1850.

Los siete tapices conocidos como “Los tapices del unicornio”, son una de las obras maestras más bellas y complejas del arte realizadas a finales de la Edad Media que sobreviven. Fueron lujosamente tejidos en fina lana y seda con hilos de plata y oro, los tapices representan escenas asociadas a una búsqueda del esquivo, unicornio mágico.

El primer tapiz se tituló: “El unicornio esta cautivo” fue creado como una sola imagen en lugar de ser parte de una serie. En este caso, el unicornio representa probablemente el amado domesticado. El animal está atado a un árbol y se encuentra limitado por una estrecha valla redonda, las medidas de seguridad no son muchas y la valla es suficientemente baja que se puede escapar en cuanto quiera, si se mantiene en el redil es porque verdaderamente lo desea. Es evidente, sin embargo, su confinamiento es feliz, a su lado esta rodeado de árboles con granadas maduras, de semillas cargadas en el árbol, era un símbolo medieval de la fertilidad y el matrimonio. Las manchas rojas en su flanco no parecen ser de sangre, ya que no hay heridas visibles como los de la serie de la caza; más bien, esto puede representan el goteo del jugo al estallar las granadas maduras. También se representan otras plantas, como la orquídea salvaje, la bistorta y el cardo. Incluso hay una pequeña rana, ubicado entre las violetas en la parte inferior derecha, fue citada por los escritores medievales por su ruido en la fase de apareamiento.

El siguiente tapiz “El inicio de la caza” una criatura mítica era descrita por el médico griego Ctesias en el siglo IV a C. En la Edad Media , el animal fue más conocido por su supuesta invencibilidad y para el tratamiento terapéutico de su cuerno. Tan fuerte era la creencia en las curaciones milagrosas del cuerno que en el siglo XII se sustituye por los colmillos de narvales machos, una pequeña ballena del Ártico, que llegaron a ser considerados como “cuernos de unicornio”.

El siguiente tapiz es el llamado “El hallazgo del Unicornio” en el se ve al unicornio como se arrodilla ante una fuente que tiene un par de faisanes y un par de jilgueros encaramados en su borde. Se ven otros animales que en Europa eran considerados como exóticos, mientras que doce cazadores en la parte posterior de la escena discuten el descubrimiento. La flora y la fauna juegan un papel importante en las narraciones de las tapicerías del unicornio. Las plantas son ejemplos de hierbas medicinales medievales como antídotos para el envenenamiento, como la salvia, caléndula, y naranja, se colocan cerca del arroyo, que está siendo purificado por cuerno mágico del unicornio.

El siguiente tapiz representa a “El unicornio sale del arroyo”, Según la tradición, el unicornio no puede ser molestado en el momento de un acto mágico. El ataque de los cazadores por lo tanto, presumiblemente, comienza poco después de la acción representada en este tapiz. La ferocidad de la batalla esta indicada por las lanzas convergentes destinadas a los animales, el sonido de los cuernos de caza y los perros amenazantes. Ya herido en la espalda, los saltos del unicornio a través de un arroyo en un intento desesperado por escapar de sus enemigos que lo rodean. El uso de perros para la caza y la persecución. En la escena se ve edificios palaciegos en el fondo podría ser una alusión más a la caza como un pasatiempo real o aristocrático.

El siguiente tapiz “El unicornio se defiende” Aquí el unicornio herido se encuentra recluido entre tres cazadores listos para clavarle sus lanzas. El animal esta furioso reacciona con un ataque con sus patas traseras, y con el cuerno lo clava en el cuerpo de un perro. Un cazador hace sonar un cuerno en la parte inferior izquierda lleva una funda con la inscripción AVE REGINA C [Oeli] (Dios te salve, Reina de los Cielos). A menudo se cree que es la representación del Arcángel Gabriel, quien anunció a la Virgen María que esta iba a dar a luz al Niño Jesús. Los cazadores y otras de las figuras del tapiz están vestidas con la moda de alrededor de finales del siglo XVI, incluyendo zapatos de punta redonda y corpiños ajustados y sus tocados y peinados también reflejan los gustos de la época.

El dominio de los tejedores es evidente mostrando una imagen convincente de diferentes materiales y texturas en el vestuario, como el brocado, terciopelo, cuero y pieles.

El siguiente tapiz se titulo “Caza del unicornio y traslado al Castillo”, tiene dos tipos de lecturas en la narración de este tapiz. A la izquierda, dos cazadores introducen sus lanzas en el cuello y el pecho del unicornio y un tercero le da un golpe de gracia en la parte trasera. Se ha sugerido que el unicornio representa una alegoría de la muerte de Cristo en la Cruz ; el gran árbol de acebo (a menudo un símbolo de la Pasión ) se levanta de detrás de la cabeza parece reforzar esta asociación. En otro episodio, a la derecha, un señor y una señora reciben el cuerpo del unicornio delante de su castillo. Están rodeados de sus asistentes, con los espectadores más curiosos mirando a través de las ventanas de la torre detrás de ellos. El animal muerto se colgó en la parte posterior de un caballo, su cuerno ya cortado pero aún enredado en las ramas de roble, probablemente espinosos, que simbolizan la corona de espinas. El rosario en la mano de la dama y las otras tres mujeres de pie detrás del señor fomentan una lectura más profunda de la escena, tal vez como un simbolismo por el duelo de la Virgen María , San Juan el Bautista, y las Santas Mujeres.

El museo de Nueva York dispone de dos fragmentos de un mismo tapiz separados donde el unicornio aparece tan dócil, de hecho, es ajeno a que un perro que lame la herida en su espalda y la mirada amorosa de la doncella que debe haberle sometido. La mayor parte de su figura no se encuentra, el resultado de los daños sufridos por los tapices que fueron saqueadas en 1793.

Pasados las dependencias de la alcoba de la reina y el Salón Interior a los que solamente tenían acceso determinados visitantes, encontramos otros espacios palaciegos más públicos en los que los reyes se reunían con sus súbditos más humildes.

El salón exterior de la Reina tenía dos funciones como sala de espera para quienes aguardaban su audiencia con la Reina María y además era un espacio destinado al entretenimiento dedicado a la música y al baile. La reina también solía almozar aquí cuando eran comidas más formales porque cuando eran más informales lo hacia en la propia cocina. La sala tiene una sencilla decoración en rojo, en las ventanas tiene unas vidrieras francesas.

A la salida se pasa por la Galería Oeste que se ha dejado sin decorar como un espacio arqueológico que muestra como quedo el palacio con los nuevos suelos y una escalera.

Cerca puede verse el Salón Exterior del Rey, es un espacio de espera equivalente al de la Reina , Los miembros de la corte podían ver el friso y sus armas reales pintadas encima de la chimenea.

La planta superior del palacio esta ocupada en la actualidad por el museo donde se exponen la Galería de la Cabezas originales de Stirling, todas están sin sus vistosos coloridos porque se perdieron, aunque en alguna de ellas todavía se pueden apreciar algunos restos.

En el vestíbulo de la entrada se muestra una carta astral similar a la que se elaboro para Jacobo V el día de su nacimiento en abril de 1512, en la que se habría adivinado su suerte y su fama y incluso los acontecimientos que le depararía el futuro.

Una vez en el patio central entramos en la capilla que fue construida en 1594 por mandato de Jacobo VI para el bautismo de su primer hijo el Príncipe Enrique. Tiene una forma rectangular de una sola planta. Se accede a través de una impresionante portada renacentista con forma de arco del triunfo. En sus extremos podemos ver tres pares de ventanales a cada lado de la portada.

El interior se decoró el techo con oro y las paredes se ornamentaros con frescos donde se representan escenas pintadas y esculturas adecuadas al bautismo.

La capilla perdió el uso cuando la familia real escocesa se traslado a Londres en 1603, aunque Valentine Jenkin volvió a redecorarla en 1628-1629 para preparar la visita de la coronación de Carlos I en Escocia en 1633. La pieza mejor conservada es el friso interno. Sus marcos decorativos se crearon en base a las insignias reales de la corona escocesa, donde aparece la espada y el cetro, unidos por flores y fruta con un trampantojo pintado en el interior del gablete occidental.

Desde el patio interior se ve el exterior del Gran Salón que es el elemento mejor conservado del ambicioso programa constructivo de Jacobo IV. Cuando se completo en 1503 se convirtió en el espacio laico más extenso del reino.

Las obras comenzaron en 1500 despejando algunas viejas construcciones y cuyas piedras fueron reutilizadas. Se creo una cámara subterránea de servicio que proporcionaba un acceso a nivel desde el patio hasta la entrada principal en la parte oeste del salón.

Para iluminar el salón se abren amplios ventanales, a excepción del extremo sur donde se proyectan dos galerías acristaladas corridas que ocuparían el estrado que ocupaban el rey y la reina. El salón se calentaba con cinco chimeneas de las cuales una era utilizada por el rey en el estrado. Tenía cuatro escaleras de caracol que conectaban los distintos niveles y daban acceso a la galería de los trompetistas y a la de los juglares.

El edificio tiene un profundo y marcado carácter medieval e interpreta las características propias de los edificios de alto rango de aquella época: nichos en las fachadas para las esculturas religiosas (ahora perdidas), una ménsula cuadriculada, gabletes escalonados y almenas de influencia inglesa y continental. En el tejado se añadió la figura del león que se repite a lo largo del edificio.

Nuestro siguiente destino es la ciudad de Edimburgo, nos separan 63 km. El tiempo estimado para hacer el recorrido es de 1h 23', tenemos anotado la pernocta en el Wallyford Park and Ride, permitido a las autocaravanas y además es gratis.

El parking para autocaravanas en la localidad de Wallyford (Escocia) Park and Ride, se encuentra a 8 millas de Edimburgo, es gratuito y tiene la parada de autobús en la misma puerta. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 55.94239 // W 3.01093 .

La noche en el parking de Edimburgo es lluviosa, cuando nos levantamos sigue lloviendo a cántaros, esperamos un poco pero las previsiones es que la situación no cambie en todo el día.

Tomamos la decisión de marcharnos hacia el Sur del Reino Unido y dejar de ver Edimburgo con la esperanza de que durante el recorrido cambie el tiempo.

Decidimos que el siguiente destino sea Alnwick, ya en tierras de la Gran Bretaña , nos separan 139 Km. Durante todo el viaje no deja de jarrear haciendo la conducción peligrosa, en el camino vemos algunos accidentes de tráfico.

Pasado las 13,00 horas llegamos directamente al castillo de Alnwick entre una enorme tormenta, siguiendo nuestras propias referencias nos situamos en un parking especial para autobuses y autocaravanas.

El parking para autocaravanas para visitar el castillo de Alnwick (Reino Unido), tiene un precio de 3 libras para todo el día, no tiene ningún cartel de limitación aunque es de imaginar que a última hora de la tarde queda cerrado, por lo que no es posible pernoctar. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 55.41445 // W 1.69404 .

Nos equipamos contra la lluvia y salimos a ver el castillo. Las opciones de la visita son dobles, se puede visitar el castillo y los jardines por un precio de tarifa familiar de 69,00 libras; o bien se puede visitar exclusivamente el castillo, elegimos esta última opción porque sigue lloviendo copiosamente, el precio de tarifa familiar es de 38 libras.

El castillo de Alnwick es uno de los más famosos del Reino Unido porque su imagen se ha llevado en muchas ocasiones a las pantallas de cine. Ha sido escenario de Harry Potter en la escena que Madame Hooch da la lección de vuelo a bordo de las escobas. También podemos ver el castillo en algunas escenas de Robin Hood, príncipe de los ladrones, la víbora negra y en Elizabeth, también en su interior se rodaron la mayoría escenas de la serie de televisión Downton Abbey.

La historia del castillo de Alnwick se remonta al periodo normando cuando el condado se sembró de motas que cubrían su seguridad militar. El trazado del emplazamiento era un pequeño complejo defensivo levantado sobre un risco natural de un río, una muralla defensiva dentro de los límites de un foso exterior. En la actualidad, el castillo está constituido por el patio exterior, el patio de armas y la torre del homenaje.

A estas partes hay que añadir la torre del homenaje, una edificación rectangular de piedra normanda, constituida por un conjunto de torres semicirculares unidas entre sí con un muro cortina rodeando un patio interior.

En el siglo XII era el castillo mejor fortificado de todo el Reino Unido. Se construye bajo las ordenes del magnate normando, Eustace Fitzjohn, que adquirió un gran poder al servicio del rey Enrique I de Inglaterra, se caso con la heredera de Yves de Vescy, eran momentos en que además de los monarcas de Inglaterra y Escocia había una serie de señores feudales que ayudaban a uno de los reyes de ambos reinos pero mantenían cierta independencia política.

En el siglo XIV se hace con el control de la fortaleza el primer lord de Percy de Alnwick en 1309, se realizan numerosas obras para dotar al castillo de mayor seguridad, se levantan en el patio exterior una serie de torreones, siendo el mayor de ellos la torre del abad. Entre ellos se intercalaban garitas o atalayas de menor tamaño en la parte alta de los muros de cortina.

La entrada central se construye en esa época y la torre de postigo se abre para tener una salida rápida del castillo. Además se levantan unas torres semicirculares en la antigua torre del homenaje rectangular normanda y las dos torres octogonales en la entrada principal a la torre del homenaje. Se decora la entrada con los escudos heráldicos de armas del segundo lord Percy.

En el siglo XV se construye la barbacana para incrementar la defensa, junto con el foso, el puente levadizo basculante, la torre exterior y el portón. Con la intención de mejorar la flaqueza de las murallas debido a los numerosos asedios en la década de 1460.

La región de Alnwick ha sido siempre un punto de fricción entre Inglaterra y Escocia al estar enclavada en las fronteras de ambos países. En el siglo XV se llevaron a cabo los mayores combates para la disponer de la propiedad del castillo, en las Guerras de las Dos Rosas el castillo fue sitiado y cambio al menos en cinco ocasiones de manos.

En 1462 se produjo el asedio de la casa de York, en esos momentos el castillo estaba controlado por un importante contingente de artilleros franceses y se unieron al bando de la casa de Lancaster.

El último asalto de las tropas escocesas se produce en 1577, logran entrar en el primer cerco de la muralla y liberan a todos los prisioneros que estaban en las mazmorras, incluido los auditores del condado que estaban retenidos por fraude.

En el siglo XVII el castillo entro en abandono al perder la función defensiva. En 1752 cuando llega el pintor Canaletto para hacer unos paisajes en sus lienzos no disimula el aspecto desolado de su estructura.

La familia de los Percy logra estabilizar su extenso territorio en Inglaterra y dedican todos sus esfuerzos en mejorar Alnwick, Elizabeth Seymour, heredera y descendiente de los Percy y su marido Hugh, duque de Northumberland quieren convertir el ruinoso castillo en un palacio. Para ello contratan a los reconocidos arquitectos Daniel Garrett, James Paine y Robert Adam que tratan de convertir el castillo en un espléndido palacio gótico. Se derriba la torre del Homenaje para reconstruirla añadiendo los ventanales góticos y arcos conopiales en la planta superior.

La biblioteca y la capilla ocuparon la planta principal de un nuevo edificio que unía la entrada central con la torre del homenaje. Se creó un gran salón para los banquetes con vistas al lado norte y este del castillo.

Los trabajos de restauración durante el siglo XVIII marcaron profundos cambios en los usos que tenían los espacios dentro de la torre del homenaje. La sala principal se convirtió en el salón comedor, se crearon un conjunto de salas a las que se accedía mediante una escalera elíptica interior.

Cuando finalizaron los trabajos de restauración en el conjunto del edificio se había conseguido convertir el castillo medieval ruinoso en un palacio moderno y se consiguió multiplicar el espacio edificado en el recinto del castillo.

Las actuaciones no solamente iban encaminadas en su aspecto interior también se quería decorar el exterior. Las figuras talladas que decoran la entrada central y las torres octogonales eran ya medievales; pero el resto de las figuras que se conservan en las distintas torres son añadidas durante el proceso de restauración.

En el interior, las dependencias principales son restauradas con elementos muy elaborados, se colocan chimeneas en piedra o mármol locales de Denwick, con bóvedas de abanico o blasones. En las paredes de la capilla, se exhibía el árbol genealógico de la familia Percy.

Aunque en el siglo XIX el cuarto duque Algernon, cambia completamente la arquitectura sustituyendo el estilo gótico por un estilo mucho más sobrio y cercano al victoriano.

El castillo siempre ha estado ligado a la familia de los Percy, el fundador fue Guillermo de Percy que llegó a Inglaterra en el siglo XI procedente de la región Caen, perteneciente al gran ducado normando, en la actualidad hay mucha gente que todavía tiene el apellido “Perci”. El emblema del símbolo de la familia corresponde con la medialuna.

El último conde y actual propietario es Ralph, duodécimo duque desde 1995, se ha dedicado plenamente al cuidado de Alnwich. Está casado con Jane Richard y tiene cuatro hijos.

La familia Percy ha gobernado el castillo durante 700 años, en la actualidad se ha restaurado casi todo el interior, posee un impresionante mobiliario y una importante colección de obras de arte.

En la actualidad el castillo es una importante muestra del patrimonio nacional y esta convertido en museo, pero además es una casa familiar donde los niños juegan, el duque se toma sus gin-tonic y los perros arruinan las alfombras.

Arriba y abajo es el título de una serie que define todas las casas nobles inglesas. Gracias al libro de cuentas oficial que se lleva desde el siglo XVI donde registran los datos y se puede saber en cada momento la vida en el interior del castillo.

Hasta ese momento los nobles empleaban personal contratado pero más adelante los condes contratan a gente de forma fija para tener verdaderos responsables en los distintos aspectos de su vida cotidiana.

En el siglo XVIII cuando la primera duquesa pasaba los veranos en Alnwick el personal a su servicio estaba compuesto por 52 personas, incluidos 11 lacayos y 3 mozos de las cuadras.

El castillo al convertirse en una residencia de verano los sirvientes viajan con sus señores, llegan al castillo según su rango, unos lo hacen en carruajes adelantados, otros viajan con la familia y el duque lo hace en barco hasta Alnmouth.

Durante el siglo XIX se alcanza el mayor poder económico de la nobleza y consiguientemente el personal de servicio aumente hasta los 86 empleados. En la actualidad la plantilla se ha hecho más racional y dispone de 8 empleados fijos y 12 contratados a tiempo parcial.

En la actualidad el interior del Palacio de Alnwick fue un encargo del cuarto duque al arquitecto italiano, Luigi Camina. En 1853 se conocieron en Roma y estudiaron juntos las posibilidades de restauración.

La decoración siguió la estética de los palacios romanos del siglo XVI. Roma contaba con todo tipo de artesanos y otros fueron llevados hasta Inglaterra para crear la escuela de tallado de madera como el maestro Anton Leon Bulletti que traslado su taller desde Florencia.

En total la escuela doto al palacio de 21 tallistas que durante casi 10 años trabajaron en la decoración de los interiores del palacio. Desde Roma se trajeron las chimeneas y balaustradas confeccionadas de mármol de Carrara, además de buen número de figuras de reconocidos maestros italianos.

El interior del palacio es un auténtico museo por la cantidad de obras de arte que ha reunido una familia que durante siglos ha mostrado un interés por el coleccionismo. Desde los libros acumulados por el noveno conde y que constituye la base de la gran biblioteca actual; el décimo conde se convirtió en un coleccionista de obras maestras del arte y se convirtió en mecenas de grandes artistas como Van Dyck y Lely.

El sexto duque era un amante de los cuadros, atesoro pinturas de William Dobson y su legado fue muy importante, su nieta Elizabeth Seymour era una asidua a las subastas.

Al tercer duque le gustaban los muebles fabricados por Morel y Hughes, también patrocino a escultores británicos para que estudiasen en Roma, como John Graham Lough, además completo el juego de vajilla de plata dorada que inicio su abuelo Algernon. El cuarto duque adquirió la “Colección Camuccini” compuesta por 74 obras de Bellini, Rafael, Guido Reni, Andrea del Sarto, Badalocchio y Claudio de Lorena, la colección fue atesorado por los hermanos Pietro y Vincenzo Camuccini durante el siglo XVIII.

La visita al castillo comienza por las Salas de Guardia donde se encuentra el arsenal de los soldados voluntarios arrendatarios de Percy, donde podemos ver en sus paredes una extensa colección de pistolas, cuernos para pólvora, lanzas, espadas y picas.

El acceso a la planta noble se realiza por la magnifica escalinata victoriana, donde podemos ver la escultura en mármol de Louisa, sexta duquesa, obra de Piers Connolly, en las paredes se cuelgan cuadros de algunos de los duques de Percy.

La escalera desemboca en lo que se denomina Sala de Guardia Alta, fue restaurada en el siglo XIX por los arquitectos italianos. El suelo es de mármol en estilo veneciano que imita a una alfombra. La balaustrada es también de mármol y el candelabro que flanquea la escalinata se creo en los talles romanos de Giuseppe Nucci, en unas hornacinas en el muro este se encuentran las figuras de Britania y Justicia.

Los techos de la escalinata y de la sala son de estuco, obra del escayolista William Brien, el artesonado octogonal central representa el escudo de armas del linaje Percy.

En las cuatro paredes de la sala en la parte alta se encuentran los lienzos que representan escenas de antigua balada fronteriza, Chevy Chase, que cuenta la historia de una escaramuza legendaria entre los Percy y los Douglas en las Borders. Las balada cuenta la historia de un grupo que marcha de caza sobre una parcela de terreno de dedicado a la propia caza. La cacería está dirigida por Percy, el Inglés conde de Northumberland. El escocés conde de Douglas había prohibido esta caza e interpreta como una invasión de Escocia. En respuesta atacó, causando una sangrienta batalla en la que sólo 110 personas sobrevivieron, entre los muertos estaban los dos protagonistas.

Entre los cuadros de la sala se encuentra un retrato de cuerpo entero del décimo conde como primer lord del almirantazgo, obra de Van Dyck. Debajo descansa el bastón de mariscal del conde. El cuadro esta flanqueado por cuatro Canalettos: dos representan escenas de Londres sobre la reconstrucción del puente de Westmister, otro de Syon House pintado en 1749 y el último el castillo de Windsor desde Percy Lodge.

Enfrente se pueden ver los retratos del sexto duque y la duquesa de Somerset, obra de Sir Godfrey Kneller y, debajo los paisajes realizados por Orizonte. El retrato de Helen, la octava duquesa de Northumberland, fue pintada por Philip de Laszlo en 1916.

También se puede ver las pinturas de la Colección Camuccini , Puesta de Sol de Claudio de Lorena; Incia Coronado a la muerte de Lorenzo Lotto y la Parábola de los Ciegos de Domenico Feti.

Desde esta sala hay una vista impresionante de la Capilla , aunque fue incorporada en el siglo XIX a la torre del homenaje pero describe una impresionante belleza, realizada en un estilo especial que se puede denominar gótico victoriano inglés que se combina con el arte italiano.

La casa de los Percy desde tempo inmemorial estuvo vinculada a la iglesia que siempre mantenía algunos de sus miembros en el castillo. La familia apoyaba económicamente a los monasterios, al clero secular, incluso ermitaños, capellanes, eruditos y profesores buscaban el mecenazgo y la ayuda material.

En el siglo XIV se estableció en el castillo una capellanía servida por tres sacerdotes con el fin de rezar continuamente por el alma de los Percy y dirigir un colegio. Su capilla fue construida en el patio de armas junto a la torre del condestable.

La capilla actual tiene un techo y ventanas de estilo gótico, las paredes son de mármol de diseño italiano. Era el espacio donde se ofrecía una misa diaria para los miembros de la familia y el personal de servicio. Los Percy accedían a la capilla a través de la galería situada en la parte alta, los sirvientes lo hacían por la parte baja y tenían obligación de asistir a la misa, salvo los escusados por el trabajo. Los servicios se celebraban diariamente a las 8 de la mañana. Además era la iglesia donde se celebran las ceremonias de los matrimonios y los bautizos de la familia.

En la actualidad, el interior del frente de la capilla esta cubierto por una serie de tapices franceses, dos de ellos fueron elaborados en París en 1625 representan escenas de la vida de Constantino el Grande: su bautismo y su visión. Los cinco tapices de Aubusson del siglo XVIII cuentan la historia bíblica del ciego Tobit y su solicito hijo.

Si continuamos la visita por la Antesala de la Biblioteca , es la primera estancia que muestra las realizaciones de la escuela de tallado de Alnwick. La decoración tallada de la madera de pino y bañada en oro se engarzaba al artesonado del techo por medio de clavos, tornillos y soportes. El friso tiene incrustaciones en forma de ficus sicómoro. Las pinturas de las paredes son de la escuela veneciana compradas por el cuarto duque a la Galería Manfrini de Venecia: “Dama con laúd” de Palma el Viejo, “Retrato triple” atribuido a Tiziano y “el Retrato de artista con sus discípulos” de Bernardino Licinio.

Entre las obras de arte que vemos en esta sala y que daría para formar parte del eje central de cualquier museo de pintura, está el fresco de “ La Visitación ” de Sebastiano del Piombo, fue adquirido en 1853 por el duque Rev W. Davenport-Bromley; de Tiziano está el cuadro “El obispo de Armagnac y su secretario Guillermo Philandrier” y del mismo pintor esta colgado un “Ecce Homo” y “El consentimiento de Carlos I”. En las paredes estuvo tapizada con una suntuosa seda de Milán pero fue renovada en 1970.

La siguiente sala es la biblioteca, ocupa la torre de Prudhoe construida por Salvin George Smith que colocó los estantes, fabricados en madera de roble claro con incrustaciones de ficus, sobre el techo un estupendo artesonado obra del ebanista Thomas Robertson. La estancia esta decorada con trofeos de armas, inspirados en el arte, la música y la ciencia, tiene un apartado dedicado a la arqueología y la marina, las dos aficiones del cuarto duque.

En la tres chimeneas, sobre un pie de mármol, encontramos los busto de Francis Bacon, además de William Shakespeare e Isaac Newton.

El noveno conde fue una de los mejores creadores de la mejor biblioteca personal del Renacimiento en Inglaterra, fue depositada en la Torre de Londres, su hijo Algenon, fue educado en la torre y siguió la afición por los libros.

En la biblioteca hay dos lienzos, son Baco y Ariadna, atribuido a Nicolás Poussin y los retratos del actual duque y la duquesa, obra de MacDonald. En el centro cuelga una lámpara de araña de William Collins en 1822.

La estancia más monumental del castillo es El Salón, tiene una influencia italiana y es una obra de los maestros tallistas romanos que trabajaron en los techos, los frisos, puertas y ventanas, además de marmolistas en las chimeneas.

Las paredes del salón y el cuarto de estar están revestidos de seda que se ha colocado recientemente, el diseño original era seda de Milán obra de Ambrosio Osnago. Pero lo más importante es la pintura, los retratos del undécimo conde y su esposa, obras de Peter Lely y de su hija heredera de los Percy. El retrato del décimo conde y la reina Enriqueta María de Francia son obra de Van Dyck. En la pared de la chimenea hay dos obras de William Dobson. A los extremos de la sala hay dos Canalettos: “Dos escenas venecianas” y “Vistas del castillo de Alnwick y Northumberland House”.

La sala de estar destaca por el suntuoso techo diseñado por Giovanni Montiroli, consigue hacer un diseño simétrico de un techo con una marcada forma irregular.

En las paredes se pueden ver importantes obras: “El retrato de joven” de Andrea del Santo, “La crucifixión” de Guido Reni, “Tancred y Clorinda y Rinaldo y Armida” de Sisto Badalocchio; “Vista del templo de Júpiter Panhellenios” de J.M.W. Turner; “Orfeo y las mujeres tracianas” de Keirincx.

La siguiente sala el Salón Comedor, fue diseñada por Mantovani y ejecutada por la escuela de tallado local. Los paneles tienen motivos heráldicos y guirnaldas intercaladas con cornucopias de frutas. El techo esta tallado en madera de pico de Brunswick bañado en oro y adornado con la heráldica de los Percy.

Las siguientes estancias son menores como la Sala del Desayuno, destaca por los estucos de los Tecnos y la Galería de la Vajilla de Porcelana que exhibe ejemplares únicos de Meissen, Chelsea y París de la colección de Northumberland.

Cuando terminamos la visita al castillo el aguacero sigue sin descargar, tenemos que dar por terminada a la visita sin poder darnos una vuelta por sus espléndidos jardines.

El jardín fue construido por Elizabeth Seymour en el siglo XVIII para elevar la posición de castillo a un palacio habitable, hubo que comprar los terrenos circundantes al recinto amurallado.

Durante el siglo XIX el jardín fue tomado forma con la construcción de la casa del jardinero que dirigía los trabajos con la ayuda de 20 hombres. No solo era un jardín de recreo también se utilizaba como huerta y sus productos se servían directamente en la mesa del palacio, además de enviarlos a la casa del duque en Londres.

Se trajeron plantas y semillas desde todos los rincones del mundo y mando construir un invernadero que se visitaba una vez a la semana. La tercera duquesa transformo el espacio verde en un jardín de flores.

A finales de siglo el jardín era una realidad, los setos se habían dado formas artísticas. se había creado una doble avenida de tilos. Durante la segunda Guerra Mundial los jardines se transformaron en huertos urbanos para dar de comer a la población, en lo que se llamo “Dig for victory” (Cavar para la victoria).

En la actualidad la duodécima duquesa ha transformado el jardín para crear innovadores diseños con juegos de agua y luces, fuentes, con el fin de crear un recinto que se pueda visitar durante todo el año.

La primera fase de nuevo jardín fue inaugurada en septiembre del 2002, la importancia del acontecimiento sirvió para que asistiera el príncipe de Gales y la segunda fase fue inaugurada en septiembre del 2007.

Después de visitar el castillo continuamos nuestro viaje hasta nuestro siguiente destino es la ciudad de Durham, nos separan unos 85 Km. pero entre las obras y los accidentes del tráfico llegamos al destino casi a las 19,00 horas.

La primera referencia que tenemos en el Park and Ride de Durham (Reino Unido) es que tiene unos espacios especialmente dedicados para autocaravanas, allí estacionamos. En estos momentos no hay nadie en el parking pese a lo grande que es, una señal indica que el horario es de 7 a.m a 7 p.m., en sus instrucciones no veo que prohíba expresamente la pernocta, pero enseguida llega una señora para indicarme que el parking cierra a las 19.00 horas y no es posible pernoctar. Las coordenadas GPS del lugar corresponde con: N 54.79517 // W 1.52270 .

La señora me quiere ayudar y me indica que cerca hay un parking especial para autocaravanas, sigo sus instrucciones y el camino me lleva, como no podía ser de otra forma, a la puerta de un camping.

Como segunda opción llevamos la dirección del Club Amateur Rowing Club en Durham (Reino Unido), se encuentra situado muy cerca del centro de la ciudad, tiene unas plazas destinadas para autocaravanas, el precio es de 12,50 euros, incluye: wi-fi, luz, vaciado y llenado. Las coordenadas GPS del lugar corresponde con: N54.77360 // W 1.55770 .

Llegar al club no tiene problemas aunque tiene unos metros por una carretera estrecha, como favorable es que mañana podemos ir directamente al centro andando en 10 minutos. El club se dedica a la práctica de deportes acuáticos, piragüismo, fitnes, etc. además sus instalaciones las alquilan para todo tipo de fiestas, incluso bodas, el teléfono para poder reservar una de las plazas disponibles es: 0191 3866431.

Nada más levantarnos vemos como algunas mujeres ya están practicando el piragüismo como un deporte alternativo, son gente de edad madura que va hasta este club para practicar deporte como lo podía hacer en cualquier gimnasio.

La ciudad de Durham es de las más antiguas del país, fue fundada en el año 995 cuando un grupo de monjes de la isla de Lindisfarne llegaron con el cadáver de san Cuthbert. Buscaban un sitio para construir el sepulcro de Cuthbert y escogieron un lugar sobre una meseta alta rodeada por una curva del río Wear. Ahí construyeron una pequeña iglesia de madera donde dejaron el sepulcro del santo, con el tiempo sobre esa misma iglesia se hizo la Catedral de Durham y la reconstruyeron de piedra. A su lado los normandos construyeron un castillo para controlar una región rebelde.

El asentamiento fue creciendo entorno a la catedral y al castillo gracias a la fama que tomo por los milagros curativos del santo, en 1832 se fundo la universidad de Durham, la tercera del país después de Oxford y Cambridge. En la actualidad tiene una población de poco más de 87.000 personas y un gran ambiente universitario.

El Amateur Rowing Club se encuentra situado sobre uno de los meandros del río Wear muy cerca de los terrenos deportivos de la universidad, para llegar al centro urbano hay que atravesarlos por un camino hasta la calle Green Lane, esta desemboca en la calle Court Lane que nos conduce directamente hasta el puente Kingsgara Bridge que salva el río y nos introduce en la isla, desde aquí ya esta muy clara la imagen de la catedral, solamente nos queda continuar por la calle Bown Lane.

La imagen de la catedral esta formada por sus dos torres situadas en el extremo sur-este y su torre principal en el centro de la catedral, gracias a su silueta fue elegida por los ingleses como el edificio más querido del Reino Unido.

Su construcción comienza cuando Guillermo el Conquistador nombra al obispo Carileph en 1081, como responsable de la construcción de la catedral de Durham, las obras comienza en 1093 bajo el estilo normando románico. Las obras duraron más de 40 años y el obispo no vivió para participar en la finalización de las obras.

La mayor parte de la catedral corresponde con ese periodo, en especial la nave, el coro y los dos transeptos, norte y sur cuya construcción abarca el primer periodo entre 1093 y 1133. Posteriormente en 1175 se añade la Capilla Galilea en el extremo norte. Las dos torres se construyen entre 1217 y 1226 y finalmente se construye la Capilla de los Nueve Altares se completó en estilo gótico entre 1241 y 1280.

La catedral nada más ser construida se integra en la orden del Monasterio Benedictino hasta 1540, donde los monjes trabajan y realizan sus oficios. Durante este periodo la catedral se llena de elementos decorativos y se instalan preciosas vidrieras en los ventanales. Después de la Reforma de 1560, toda la decoración desaparece, los muros se blanquean y las vidrieras se rompen. Las actuales fueron incorporadas en la época victoriana y los del memorial de la Royal Air Force y los situados sobre las puertas que dan a la Capilla Galilea son de 1950.

Se accede a la catedral por la puerta norte y la aldaba del refugio sagrado, durante la Edad Media las gentes que llegaban se podían “acoger a sagrado” –era una ley medieval por la cual cualquier perseguido por la justicia podía acogerse a la protección de iglesias y monasterios. Se basaba en el concepto jurídico de que cualquier oprimido por las leyes de su país podía ser protegido por otra autoridad, fuese civil o religiosa, y derivaba de la antigua costumbre de la hospitalidad–.

La planta de la catedral esta formada por tres naves con unos grandes pilares tallados de 6,6 metros en redondo y 6,6 metros de alto, es una de las obras maestras del diseño románico.

Los pilares sujetan una bóveda de nervios y formó parte de uno de los grandes avances en la arquitectura de ese periodo. El hecho de utilizar nervios de piedra semicirculares para sostener el pesado techo de piedra se hizo posible gracias a los arcos apuntados que ya adivinaba el incipiente estilo gótico venidero.

En la nave hay colocada una estrecha losa de mármol negro Frosterley (de la localidad de Weardale) colocada en el suelo, señala el punto máximo hasta donde las mujeres podían llegar. Esta restricción permaneció vigente hasta mediados del siglo XVI.

Enfrente de la portada, en la nave central, podemos ver la caja de antiguo órgano de la catedral que estuvo ubicado a la entrada del coro, fue construido en 1685 por Bernard Smith.

Un poco más adelante, cerca de la puerta de los claustros, se encuentra un memorial dedicado a los mineros. Durham tenia basada su economía en la explotación de la hulla y siempre ha estado asociada a la catedral. Aunque este memorial fue inaugurado en 1947 y la explotación minera finalizó en 1994.

Avanzamos por la nave de la epístola hasta la Capilla de Neville, era una de las familias más poderosas de la localidad durante la Edad Media y como personas con dinero debían de tener una capilla para llegar antes al cielo, fueron los primeros legos que los monjes autorizaron sus enterramientos en su interior. Ralph, era el cuarto barón Neville, luchó en la Batalla de la cruz Neville (1346) cuando los escoceses fueron derrotados. En la actualidad su tumba está muy dañada como consecuencia de las iras durante la Reforma y no como se les había atribuido a los prisioneros escoceses que se internaron en la catedral durante el invierno de 1650.

Si seguimos avanzando por la nave central vemos las estatuas de Shute Barrington, Obispo de Durham (1791-1826), su intervención en el obispado al parecer estuvo lleno de buenas obras. Mecenas de arquitectos, pintores y escritores como Sir Walter Scott –fue un prolífico escritor del Romanticismo británico, especializado en novelas históricas– fundo en la ciudad una de las primeras cooperativas de consumidores, además de ser un pionero en el desarrollo de la agricultura.

Si andamos hasta el transepto sur podemos ver el magnifico reloj del Prio Castell (1494-1519) encargado de construir este reloj que luego fue renovado en el siglo XVII. Fue el único objeto de madera que sobrevivió a la Guerra Civil. Tiene una característica especial dispone de 48 marcas para los minutos.

Siguiendo por la nave sur del coro llegamos a la Capilla de la Infantería Ligera , hasta el año 1918 se utilizaba para la veneración de la Virgen de Bolton, se trataba de conmemorar el servicio de los 37 batallones. Se trata de rendir tributo a todos los afectados por la guerra y por todos los que quieren la paz en el mundo.

Seguimos la visita por el crucero sur, destaca el pavimento de mármol blanco y negro. Desde aquí se parecía la bóveda de nervios de piedra de la torre central que fue reconstruida en el siglo XV. Sobre la linterna se halla la cámara donde se encuentran las diez campanas que señalan los servicios diarios. Cerca podemos ver el púlpito de la catedral de estilo victoriano obra del arquitecto George Gilbert Scott, también diseño el facistol, el pretil y el suelo del coro.

La decoración del púlpito representa los grandes pilares de la Nave , sujetas con crías de león. El facistol de bronce representa un pelicano alimentado a su cría, es una copia del siglo de otra que existía en la catedral durante el periodo monástico.

En el centro de la nave se encuentra el coro, representa el corazón de la catedral. A ambos lados hay unas hermosas sillerías en madera tallada, datan de 1660 y sustituyeron a las originales medievales.

En el extremo del coro se halla el Trono del Obispo, es la silla que ocupa el obispo de Durham la primera vez que llega a la catedral, las restantes visitas se sienta en otra silla que hay en el pretil del coro.

Este trono fue construido por Thomas Hatfield y fundador del Durham College, en ese periodo era considerado como el más alto de la cristiandad. La figura de la tumba fue la única que se salvo de la destrucción durante la Reforma.

Al final del ábside semicircular de la Catedral se construye la Capilla de los Nueve Altares donde se fusiona la arquitectura gótica con el románico original. Hay una línea marcada en el suelo que delimita el sepulcro de San Cutberto marca el final original de la parte este de la Catedral.

El sepulcro de San Cutberto, fue el mayor del Norte de Europa, murió en el año 687, tras vivir como monje y luego como obispo de la Isla Sagrada. En el año 1104 el cuerpo del santo llega en su ataúd de madera tallada y se traslada a la nueva catedral Normanda, posteriormente se colocó en un nuevo sepulcro.

La llegada de la Reforma en 1540 supuso la destrucción de este sepulcro de mármol adornado con piedras preciosas y fue sustituido por la losa de mármol que muestra la inscripción “Cuthbertus”. Las piedras que se hallan alrededor de la losa forman parte de la construcción original.

Enfrente de la tumba y en el centro del ábside se encuentra la capilla de los Nueve Altares se construyó en el siglo XIII y refleja las nuevas ideas del arte gótico.
El suelo se encuentra a un nivel inferior a la nave central y esto produce un efecto de altura muy elevado. El gran peso de la bóveda se ve contrarrestado por los contrafuertes levantados desde el exterior del muro Este.

Al convertirse la catedral en un centro de peregrinación del santo, se hicieron nueve altares en la girola que servia para dar la misa a una gran multitud de gente que llevaba diariamente, además servia para albergar a las grandes multitudes que querían visitar el sepulcro. En los techos se aprecian decoraciones de numerosas claves con forma de llaves.

En el transepto norte se encuentra la capilla de San Gregorio que fue restaurada por el decano W.K. Lake en el siglo XIX y se reserva a la oración y la meditación para cuando no se celebran los oficios religiosos en la nave central. Anteriormente este espacio estaba ocupado por los altares dedicados a San Gregorio, San Benedicto, San Nicolás y San Giles. Cerca hay una anunciación construida en terracota vidriada del siglo XIX, elaborada posteriomente por el taller de la escuela Florentina de Della Robbia. Su mobiliario fue renovado en 1992.

En los siglos XX y XXI se ha hecho hincapié en la conservación de la catedral, junto con la introducción de algunas figuras representativas del arte contemporáneo. La importancia arquitectónica e histórica de la catedral de Durham fue reconocida en 1986 cuando fue inscrita en la Lista del Patrimonio Mundial por la UNESCO como parte del Patrimonio de la Humanidad de Durham. Gracias a todo esto cada año el monumento es visitado por más de 700.000 personas.

Justo enfrente de la plaza medieval se encuentra el Castillo de Durham, en la actualidad ocupa una parte el Colegio Universitario. En el momento de la visita esta comprometido con una boda y no podemos acceder.

La construcción del castillo comenzó en 1072 bajo las órdenes de Guillermo el Conquistador, seis años después de la conquista Normanda de Inglaterra, en su desplazamiento de colonización hacia el Norte de la isla.

La obras se llevaron a cabo bajo la supervisión del conde de Northumberland, Waltheof, aunque posteriormente entro en desgracia política y este aristócrata inglés fue ejecutado durante el reinado de Guillermo I. La construcción continúo bajo la supervisión de William el Conquistador.

El castillo quedó bajo el control del obispo de Durham, Walcher, que compró el condado y se convirtió en el primero de los Príncipes-Obispos de Durham, un título que iba a permanecer hasta el siglo XIX, y doto a Durham de un estatus único en toda Inglaterra, muy parecido al que tenían los Príncipes-Obispos en Alemania.

El castillo fue construido dentro del esquema típico de los normandos, que consistía en una mota y un patio interior y exterior vallado dentro de un recinto amurallado.

En términos defensivos, el Castillo de Durham era de importancia estratégica tanto para defender la frontera con su vecina Escocia y para controlar las rebeliones locales inglesas, que eran comunes en los años inmediatamente posteriores a la conquista Normanda, y dio lugar a la denominada “masacre del norte” de William el Conquistador en 1069.

Continuamos nuestro tour particular por la ciudad de Durham caminando por la estrecha calle de aspecto medieval Saddler St. hasta llegar a la gran Plaza del Mercado de Durham.

Durham Market Place, es el punto neurálgico de la ciudad de origen medieval pero el diseño actual de la plaza del mercado es en gran parte de origen victoriano. Los monumentos más imponentes de la plaza del mercado son el Ayuntamiento que fue habilitado en el edificio conocido como Guild Hall, además también se halla la iglesia de San Nicolás y las estatuas de Neptuno y la que inmortaliza al tercer marqués de Londonderry.

El Durham Market Hall es una galería cubierta que celebra todos los días un mercado donde 50 artesanos locales exponen sus productos que abarcan desde el pescado fresco, pollo y queso a la carnicería, frutas y verduras, panadería y especias, el horario es de 9,00 horas a 17,00 horas.

Desde la plaza del mercado nos dedicamos al ejercicio del shoping en la calle peatonal de Silver St. Aquí puedes encontrar una mezcla de comercios entre los más tradicionales como M&S hasta los más actuales como Topshop.

Salimos de la zona comercial y cruzamos el puente de Franwellgate Bridge que nos devuelve al otro lado del río Wear, cerca el pretil se afanan los nuevos cantantes universitarios en interpretar su repertorio musical con el fin de sacar unas monedas que les ayude en sus estudios. Conocemos a Marc que nos interpreta una canción de Bob Dylan “Knockin'on heavens door” con su especial acento inglés. Esta canción formo parte de la banda sonora de película Pat Garret y Billy el Niño un western épico.

Solamente nos queda bordear el río por la avenida South St. para que nos devuelva a la zona de la universitaria, antesala de nuestro aparcamiento en la ciudad de Durham.

Durante el paseo podemos ver el cementerio de una de las iglesias más antiguas de Durham. Recientemente se han descubierto una serie de piedras esculpidas anglosajonas la más antigua hace referencia al rey guerrero Northumbria del siglo VII.

Después de comer dedicamos el tiempo para hacer nuestras necesidades de mantenimiento, vaciamos en los sitios señalizamos y llenamos el agua en el grifo indicado como agua potable.

Nos marchamos hasta nuestro siguiente destino del viaje que es la ciudad Universitaria de Oxford, se encuentra situada a 389 Km. El viaje nos demora toda la tarde.

Llegamos a Oxford casi anochecido, vamos hasta el parking recomendado situado en el P+R Oxford denominado Redbridge, se permite las estancias prolongadas y tiene una zona destinada para motor-homes, el precio para 24 horas es de 2 libras. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N51.72985 // W 1.25019.

La noche en el parking P+R de Oxford es muy tranquila, ni si quiera nos hemos dado cuenta que durante la noche han llegado nuevas autocaravanas. En el momento que nos levantamos somos media docena en un parking que entrarían un centenar.

Para trasladarse hasta el centro de Oxford esta el autobús de línea 300 que comienza en el parking, sacamos un ticket para dos adultos ida y vuelta por 4,80 libras, los niños viajan gratis con el billete de adulto, en poco más de 20 minutos estamos en la calle Margaret St.

Lo primero que hacemos es acudir a la oficina de información y turismo donde nos venden un programa para aprovechar la visita de un día a la ciudad de Oxford.

La ciudad de Oxford se presenta llena de turistas, destacan los japoneses por sus enormes grupos. El día es soleado y brillante lo que hace que las fachadas monumentales resplandezcan en mayor medida.

Estamos en la ciudad más fotografiada y sus monumentos son uno de los platos más bellos del mundo y se ha ganado el apelativo de ciudad de cine. Pero por lo que más destaca es por tener la Universidad de habla inglesa más antigua del mundo. Allí han estudiado 5 reyes, 3 santos, 85 arzobispos, 18 cardenales…y 25 primeros ministros ingleses, como Margaret Thatcher y Tony Blair.

Se cree que los primeros asentamientos se establecen en el siglo VIII en el momento que la princesa sajona St. Frideswide fundará un convento en el solar que ahora ocupa Christ Church.

No es hasta la llegada de Alfredo el grande en el siglo X en que se fortalece dada su posición estratégica entre los ríos Cherwell e Isis (Támesis), ayudo durante el periodo normando como una frontera militar entre los reinos de Mercia y Wessex.

El siglo XII es sumamente importante para la ciudad porque se establece la primera Universidad de Oxford en inglés, esto al principio produce enormes tensiones entre la gente que vive en la ciudad y los recientes universitarios por la eliminación de los derechos a favor de la Universidad. Esto se traduce que en el siglo XIV la economía gira completamente entorno a la Universidad.

Era tal la fuerza de este movimiento que en 1258 Simon de Montfort y los barones que lo apoyaban se reunieron en Oxford y obligaron al rey Enrique III aceptar la reformas conocidas como “Provisiones de Oxford”, esto son los cimientos de la primera constitución escrita de Inglaterra y que estableció el primer parlamento.

La guerra civil llegó a la ciudad de la mano del rey Carlos I que había establecido la corte en Oxford durante sus cuatro años de estancia, el parlamento que lo acompañaba se estableció en el Christ Church y Divinity School.

Durante la revolución industrial de comienzos del siglo XX se promovieron la instalación de muchas industrias vinculadas con temas universitarios como las dedicadas a la impresión y edición.

Nos dirigimos hacia nuestra primera visita, hemos elegido para ello el museo Ashmolean. He de citar que la mayoría de los museos de Oxford son gratuitos y es una ciudad que disfruta de una impresionante oferta cultural.

De camino al museo pasamos por la iglesia de St. Magaret desde su interior salen unas agradables notas musicales, en su interior celebran una misa cantada y el aspecto de la iglesia bien merece una visita, lo dejamos aplazado para la vuelta.

Cerca se encuentra una torre gótica que representa el Memorial a los Mártires. Llegamos a una de las arterias principales Beaumont Street, donde a la derecha se encuentra el museo Ashmolean, su fachada nos recuerda el museo Británico de Londres de estilo neogriego.

La colección la inicio John Tradescant y la siguió su hijo, luego paso a Elias Ashmole que la donó a la universidad. La colección de arqueología es considerada como la segunda mejor de todo el Reino Unido después del Museo Británico.

La visita al museo le dedicamos casi tres horas, al final más de lo esperado porque entre sus galerias además de arqueología descubrimos una importante colección pictórica.

Nada más entrar en el museo llegamos a la Galería de Escultura Randolph está convenientemente ubicado en la planta baja, junto a la gran entrada del edificio original Charles Cockerell de 1845, y alberga la colección de Arundel de escultura con ejemplares griegos y romanos.

La primera de las estatuas es “Apolo” realizada en mármol blanco, corresponde al periodo romano, perteneció alguna de las ricas casas, esta datada en entre los años 150-200 d. C.

De la excavación de la Tumba de Germanicus en Roma hay varias tallas, una pequeña estatua de Júpiter que debió de pertenecer al oratorio privado de ese dios, esta datado entre el 100-200, además de dos torsos de mármol y una pilastra.

La siguiente pieza que destaca de la galería “Colosal estatua del Dios Min”, procede del Templo de Min en Koptos, pertenece a la predynastia de Egipto, esta datada 3300 a. C.

La estatua rinde homenaje a la fertilidad, el dios Min sujeta su falo erecto en su mano izquierda, mientras que con el puño derecho sujeta un mayal –instrumento tradicional para la cosecha del trigo–. En el lateral de la pierna derecha está tallada con símbolos, entre ellos dos penachos con los emblemas de Min, hojas de plantas o sierras de pez, dos conchas lambis, un arpón y una hiena. Los desgastes en la piedra que tiene todo el cuerpo probablemente fueron producidos por la molienda para obtener polvo de piedra caliza por sus propiedades mágicas y eróticas.

La siguiente escultura “Estatua de Jasejem”, corresponde al último faraón de la segunda dinastía de Egipto, murió 2686 a. C. Tiene la postura para llevar la corona blanca del Alto Egipto. Uno de sus hijos Djoser, sería responsable de la construcción de la famosa pirámide escalonada de Saqqara.

La siguiente talla “Two-Dog Paletta”, fue extraída Hierokonpolis, dentro del recinto del templo, en el interior del depósito de armas, alrededor de 3000 a. C.

Las Paletas talladas como ésta eran versiones ceremoniales a gran escala de las paletas de piedra utilizadas para moler pigmentos para uso cosmético. Ambos lados de la paleta están tallada en bajo relieve con animales reales y fantásticos. En la parte superior aparecen perros de caza, lo que daría lugar al nombre de la obra. Aparecen felinos con largos cuellos que serpentean en círculo la depresión en la que los pigmentos pueden ser molidos, y los perros cazan gacelas en la parte inferior.

En el reverso, toros y gacelas enfrentan leones, leopardos, y un grifo alado. En la parte inferior izquierda, un chacal toca la flauta y otros animales hacen cabriolas al ritmo de la música.

La siguiente obra corresponde con “Gran León”, esta realizado en cerámica y pertenecía al recinto del templo en Hierakonopolis, Egipto, data de la sexta dinastía, alrededor de 2325 a 2175 a. C.

El parecido a primera vista es que estamos ante una escultura de piedra, pero es magnífico y técnicamente consumado trabajo hecho en cerámica hueca, que descansa sobre un pedestal. Fragmentos de otro león se encontraron en el lugar y los dos pueden haber servido como guardianes del recinto del Templo.

El siguiente obra es “templo de arenisca del rey Aspelta” del templo T en Kawa, esta datado sobre el año 600 a 580 a. C.

El Reino de Kush, dominaba el sur de Egipto en lo que hoy es Sudán, adoptó el arte, la religión y las prácticas funerarias egipcias, dichas formas adornan sus capitales y tumbas reales en el estilo egipcio. En este caso el rey Aspelta ofrece Maat ( la Verdad ) para el carnero del dios Amón-Ra.

La siguiente obra “Estatua de Amón”, realizada en cuarcita, fue encontrada en el templo de Sanam, Sudan, Napatan, pertenecen al periodo de la 25 dinastía que abarca entre 664-617 a. C.

La siguiente obra “Dios Amón”, realizada en granito, donde el dios Amón se representa en forma de un carnero para proteger rey Taharqa, esta datada 680 a. C. Perteneció al Templo T en Kawa y fue descubierto durante las excavaciones en el año 1931.

El siguiente objeto “Cuchara de mujer desnuda”, es una cuchara erótica donde se representa con una enorme delicadeza una mujer desnuda nadando que tiene entre sus manos un cuenco rectangular, esta datado en el 750 a. C, perteneció el periodo de la 25ª dinastía, Napata, encontrada en el cementerio de Sanam en la excavación de la tumba 936 en Sudán.

La siguiente obra “Sarcófago de Meresamun”, vivió en el antiguo Egipto, era una antiguo cantante y sacerdotisa del santuario del templo de Karnak. Su momia esta datada en el 800 a. C.

La siguiente obra son “Los ataúdes anidados de Djeddjehutyiuefankh”, construidos en madera policromada, el fallecido era un miembro de una familia de sacerdotes de Tebas, pertenece al periodo de 25 dinastía en el siglo VII a. C. El triple ataúd fue encontrado, junto con su madre, enterrada en la tierra sagrada del templo de Deir el-Bahri, en Tebas occidental.

La siguiente obra es “Sarcófago de Ptahhotep”, era un escriba que perteneció a la 26 dinastía, ejercía como administrador y visir, está datado en 500 a. C., perteneció a la 26ª dinastía, inscrita con el texto en el Libro de los muertos, de Giza.

La siguiente obra “Juicio oracular de Seth”, es una estela de piedra caliza grabada con una serie de oráculos pronunciados por el dios Seth, para resolver una disputa de tierras que involucra a un sacerdote de Set, Nesubast, esta fechada en el quinto año de Sheshonq I, primer rey de la Jamahiriya. Datada en la 22ª dinastía, Dakhla Oasis.

La siguiente obra “Momia de un hombre con mascara dorada”, tiene pintadas en la cabeza una serie guirnaldas cuyo significado son las flores eternas. El carpintero escribió en escritura demótica en la cabecera del ataúd de ciprés, y marcado por su marco para facilitar el montaje. Fue encontrada en el cementerio de Hawara, Fayum, de Ptolomeo, pertenece al periodo romano temprano, sobre el año 50 d. C.

La siguiente obra “Momia de una joven mujer”, esta recientemente restaurada, tiene un sudario confeccionado en lino y sobre su torso unos pechos de bronce, en su cara el retrato en el momento de su muerte. Esta datada del 55-70 d. C., fue encontrada en la excavación de Flinders Petrie –el padre fundador de la egiptología en el Reino Unido– en los cementerios romanos de Hawara en Fayum, al suroeste de El Cairo, en 1911.

La siguiente obra “Momia de una joven mujer”, esta recientemente restaurada, tiene un sudario confeccionado en lino, en su cara se puso el retrato en el momento de su muerte en el mismo podemos ver lo ricamente que está decorado con joyas y un collar de perlas lo que indica que son de una familia adinerada. Esta datada del 130-140 d. C., fue encontrada en la excavación de Flinders Petrie –el padre fundador de la egiptología en el Reino Unido– en los cementerios romanos de Hawara en Fayum, al suroeste de El Cairo, en 1911.

La siguiente obra “El rey Antíoco I Theos de Comagene” es una estela donde se representa al rey, era considerado un dios amigo de los griegos y de los romanos, se representa estrechando la mano de Heracles.

La siguiente escultura “Estatua en bronce de Zeus-Poseidon”, el original fue encontrado en 1920 en el mar cerca de Eubea, en Grecia. Representa un varón barbudo desnudo durante la acción de lanzar un objeto, ahora perdido, se ha identificado la figura con Zeus arrojando un rayo, como se muestra en una pose similar sobre otras esculturas y jarrones pintados. Probablemente fue un regalo votivo o tal vez una estatua de culto, esta datado en 470 a. C.

La siguiente obra “Arco de Trajano en Beneventum”, se trata de un molde de un relieve escultórico del arco, dedicada a Trajano para el Senado y el pueblo de Roma que ilustran diferentes aspectos del emperador de cuidar de su pueblo y a su imperio. Hércules esta representado en el extremo izquierdo con los demás dioses importantes del panteón romano. La representación del panel es como un protector imperial y se aprovecho para exhibir la fuerza militar romana, esta datado en el 114 d. C.

La siguiente escultura “El discóbolo de Myron”, representa a un atleta durante un momento en que el cuerpo esta en tensión, está en el punto de lanzar el disco, es una copia de la encontrada en Roma del escultor ateniense Myron, datada 460-440 a. C.

La siguiente escultura “Busto de una mujer”, perteneció al periodo romano contemporáneo de Claudio y de Nerón, está ataviada con los atuendos y joyas de ese periodo, se encontró en las excavaciones de Palmira en Siria, esta datada entre el 80-100 d. C.

La siguiente obras de arte de la sala 32 se dedicadan a la India “Losa de piedra con yaksha”, se trata de un espíritu de la naturaleza, realizada en piedra caliza gris, procede de Nepal, datado en el siglo IX.

La siguiente obra “Estatua de Buda debajo del árbol de Bodhi”, realizada en piedra tallada, corresponde con una pieza para los rituales religiosos, está datada entre finales del siglo X y principios del siglo X.

La siguiente obra “Dintel con la cara de Kala”, es una representación del Tiempo o dios de la muerte, realizada en piedra volcánica tallada, procede de la isla de Java, se trata de una pieza de un templo de alivio, esta datada en el siglo IX d. C.

La siguiente obra “Azulejos de Irán 1800-1900: Yusuf y Zulaikha”. Estos azulejos provienen de dos conjuntos diferentes que representan la historia de Yusuf y Zulaikha. Tienen como base la duodécima Sura (capítulo) del Corán, se deriva originalmente de la historia de José y la esposa de Putifar en el Antiguo Testamento. En la versión Qu'anic, Yusuf es un esclavo guapo en el servicio de un egipcio. La esposa de su amo, llamado Zulaikha, intenta, sin éxito seducirlo. Tanto la baldosa individual y como el conjunto representan el episodio en la apariencia de Yusuf antes de las mujeres de Memphis. Vencido por su belleza, se desmayan o se cortan con los cuchillos que tienen en sus manos. Ambas piezas son de Irán, 1850-1900 de cerámica policromada y vidriada.

La siguiente obra “Azulejos con jarrones y cipreses”, el panel esta construido con cuarenta y ocho azulejos policromados y vidriados, pertenecen al periodo otomano en la Siria del siglo XVII.

La siguiente obra “Lápida funeraria de una niña musulmana”, de mármol tallada, probablemente una joven, que murió en el siglo XI. La forma de la piedra sepulcral, su material, y el estilo de escritura utilizado para la inscripción sugieren que se trata del norte de África, probablemente a partir de la actual Túnez.

La inscripción se ejecuta en ambos lados y nos aporta información sobre el nombre del difunto y la fecha de su muerte. Aunque su nombre no puede ser reconstruida con absoluta certeza, sin embargo, podría haber sido llamado Ghariba, la hija de Makhluf al-Jala. Murió el 4 Shawwal del año 431 del calendario islámico, correspondiente al 17 de junio 1040 d. D.

La siguiente obra “Bloque de un friso de piedra” realizado en piedra caliza tallada en alto relieve donde aparece Leda, era la esposa del rey de Esparta Tyndaeus, es violada por el dios Zeus que se representa con forma de cisne.

La siguiente obra “Gabinete de Marfil”, en la parte superior muestra una fiesta holandesa, el paisaje entre las chozas y las palmas de un puerto marítimo en Ceilán, mientras que sus barcos de paseo están anclados. La parte posterior muestra una cacería de elefantes, con seis elefantes salvajes encerrados en una prisión militar y los soldados europeos en el primer plano. Los paneles de las puertas muestran a cuatro animales con la cabeza de un león y cuerpo con forma de pájaro, un motivo común en el marfil y la orfebrería de Ceilán. Realizado en Sri Lanka en el siglo XVII.

La siguiente obra “Figura sentada del Bodhisattva Guanyin”, la imagen tiene la función de ayudar a las almas a alcanzar la iluminación. El bodhisattva fue construido en trece partes. En China, la construcción y la visualización de una gran escultura están estrechamente relacionadas con la arquitectura. Esta obra habría ocupado una posición central hacia la parte trasera de un pasillo del templo. Procedente de China, datada en el siglo XIII.

La siguiente obra “Piedra Rúnica”, procede de Suecia, esta datada entre 1100 y1150. La inscripción dice lo siguiente: Lidsmod tenía esta piedra tallada en memoria de Julbjörn [su] padre.

Comenzamos la visita a la obra pictórica del museo con “La marcha de las vírgenes vestales”, obra del pintor Biagio di Antonio Tucci (1446-1516), realizado en templo dorado, tiene unas medidas 67,3 x 174 cm.

La historia de Roma contada por Tito Livio fue la fuente de estas escenas donde los galos atacan Roma, en ese momento con el escape de las vírgenes vestales –sacerdotisas romanas– que van subiendo el carro al ciudadano romano Lucio Albino situado en el primer plano, a la derecha que se acercan al Templo de Caere.

El siguiente cuadro “Virgen y niño con ángeles”, obra del estudio Nicholo Cosso, fue uno de los primeros realizados con forma de tongo (redondo), esta datado en el reverso el 17 de junio de 1428.

Este tipo de obras de arte recuerdan las numerosas tallas que realizaba el estudio de Della Robbia en la ciudad de Florencia en formas renacentistas plasmadas en cerámicas.

La siguiente obra “El asesinato y entierro de Julio César”, obra de Apollonio di Giovanni, realizado en tempera dorada, tiene unas medidas de 38,5 x 134,5 cm.

El cuadro representa el frente para una Cassone –arcón de madera– , la pintura parece que habría sido el encargada en ocasión de la celebración de un matrimonio celebrado entre 1455-1460. César se ve a la izquierda en los sacrificios a Apolo; que se muestra a continuación, en su camino hacia el Foro y, frente al Panteón, se entregó el mensaje de advertencia. A la derecha, se representa su asesinato en el Senado y su cuerpo es quemado en una pira situada enfrente de la columna de Trajano.

La siguiente obra “El emperador entra en una ciudad amurallada”, obra del estudio de Neroccio de Landi (1447-1500), realizado en temple dorado.

Se desconoce la autoría verdadera del cuadro aunque podría ser del estudio Neroccio. Los personajes representados se hallan inmersos en líricos y delicados ambientes. El pintor es uno de los representante más notables del arte cuatrocentista sienes. Su hermoso uso del color y su capacidad de adaptarse a diferentes soportes hicieron de él un artista de notable éxito entre sus contemporáneos.

El siguiente cuadro “La Virgen y el Niño”, obra de Giovanni Bellini (1431-1516), realizado en templo dorado sobre madera, tiene unas dimensiones 33.5 x 27.2 cm.

Bellini está considerado como un artista que revolucionó la pintura veneciana, haciéndola progresar hacia un estilo más sensual y colorista. Gracias al uso de la pintura al óleo en colores claros y del secado lento, Giovanni creó tintes intensos y ricos y sombras detalladas. Su suntuoso colorido y los paisajes fluidos con atmósfera tuvieron un gran efecto en la escuela de pintura veneciana, especialmente en sus alumnos Giorgione y Tiziano.

El siguiente cuadro “El matrimonio de Mántica y Estratónice”, obra del pintor Bartolomeo Montagna, realizado en temple y aceite, esta datado en 1429, tiene unas medidas de 29 cm x 29 cm.

El cuadro representa e ilustra el tema de la castidad. Antíoco estaba enfermo de amor por su madrastra, Estratónice al darse cuenta de esto, entrega a Seleuco a su esposa y su reino a su hijo.

El siguiente cuadro “El Triunfo de la Castidad”, obra de Giovanni di Paolo (1399-1482), realizado en temple, esta datado en 1470.

Giovanni di Paolo fue uno de los pintores más importantes del siglo XV de la escuela de Siena. Sus primeras obras muestran la influencia de maestros de Siena anteriores, pero más tarde, su estilo era más individualista, y se caracteriza por los colores fríos, duros y formas alargadas.

El siguiente cuadro “Un santo obispo”, obra de Michele Giovanni Boni conocido como Giambono (1400-62), realizado en temple dorado sobre madera, esta datado 1440; tiene unas medidas de 84,5 x 47,7 cm

El cuadro fue probablemente parte de un gran retablo pintado en 1440, como la registrado en la iglesia de Sant Alvise, Venecia en 1581. El santo obispo, que no tiene atributos que se le puedan identificar, es posiblemente fuera San Louis de Toulouse, o alternativamente San Prosdocimo, el primer obispo de Padua. El pintor Giambono era un artista principal que trabajó extensamente en Venecia y Padua.

El siguiente cuadro “San Marcos”, obra de Giovanni Antonio da Pesaro (1461-1511), realizado en temple y dorado sobre madera, esta datado 1463; tienes unas medidas de 170 x 55 cm.

El cuadro representa San Marcos el Evangelista, patrono de Venecia, se muestra con sus atributos de un león y un libro, que está abierto y se pueden leer las palabras de consuelo (Pax tibi marce) “la paz esté contigo” dichas por Cristo en una visión del santo en prisión. En su construcción estuvo unida a dos paneles que formaban un tríptico: a la izquierda, Santos Blas y Juan Bautista por encima de los Santos Sebastián y Jerónimo y derecha, Santos Santiago Mayor y Antonio Abad anterior San Pedro y San Pablo. El cuadro fue probablemente pintado para la iglesia Santa María di San Marco, en Pesaro, fue demolida en 1501.

El siguiente cuadro “Santa María Magdalena”, obra de Francesco de Franceschi, realizado en temple y dorado sobre tabla de madera, esta datado en 1447; tiene unas medidas de 92 x 35,5 cm.

Es cuadro fue una parte de un retablo desconocido, posiblemente para una iglesia en Padua o en Venecia. Se representa a Santa María Magdalena lleva su atributo de un tarro de ungüento, como ella se identifica tradicionalmente con la mujer que ungió los pies de Cristo en la casa de Simón el fariseo.

El siguiente cuadro “El bautismo de Cristo”, obra de Giovanni di Paolo, realizado en temple y dorado sobre tabla de madera, está datado en 1460; tiene unas medidas de 25.7 x 35,7 cm.

El cuadro representa la escena en que Cristo fue bautizado por San Juan en el río Jordán, cuando el Espíritu Santo descendió en forma de paloma y la voz de Dios proclamó a su Hijo. Este cuadro formaba parte de la predela de un retablo en 1460, que perteneció a la iglesia Silvestrine en Montepulciano.

El siguiente cuadro “ San Nicolás de Bari, desterrando la Tormenta ”, obra de Bicci di Lorenzo, fue realizado en temple y dorado sobre tabla de madera, esta datado 1433; tiene unas medidas de 29 x 59 cm.

Este cuadro es un buen ejemplo imaginativo donde se representan escenas difíciles de pintar, los personajes parecen sacados de los cuadros del Bosco. Este santo era muy milagrero y tiene muchos devotos repartidos por todo el mundo.

Este panel fue parte de la predela del gran retablo de 1433-1435 para la iglesia de San Niccolò en Cafaggio, Florencia, cuyas obras de arte, ahora, están dispersas en varias colecciones. La Virgen y el Niño con cuatro ángeles en el centro estaban flanqueados por pares de santos, San Benito y Nicolás de Bari y San Juan Bautista y el Evangelista, probablemente San Mateo. La predela mostró escenas de la vida de San Nicolás, de las cuales cinco son conocidas: el nacimiento del santo; peregrinos en el santuario de la santa; San Nicolás resucitando tres jóvenes; el santo proporcionar dotes para tres hermanas (tres bolas de oro, su atributo tradicional); y desterrando la tormenta.

El siguiente cuadro “ La Virgen y el Niño”, obra del estudio de Giotto di Bondone, esta datada en 1310, realizada en temple y dorado sobre madera; tiene unas medidas de 28.5 x 19.7 cm.

Giotto di Bondone fue admirado por sus contemporáneos como un artista muy original y un maestro importante medieval. El cuadro probablemente fue pintado en 1310 por un asistente que trabajó estrechamente con él. La estética tradicional de la Virgen y el Niño se han tratado como figuras venerables y se han dotado de un nuevo naturalismo. Las letras que se pintan en el frontal parecen tener un forma ornamental más que significativas.

El siguiente cuadro “Nacimiento de la Virgen María ”, obra atribuida al Maestro de la Predala Ashmolean , realizado en temple y dorado sobre tabla de madera, esta datado en 1365; tiene unas medidas de 37,4 x 65,2 cm.

El cuadro representa un tema apócrifo popular que permite un atractivo detalle de una escena doméstica. Fue pintado para una predela de un retablo desconocida junto con otros paneles de la Presentación de Cristo, la Anunciación a Joaquín y la huida a Egipto. El maestro anónimo parece que trabajó con Andrea di Cione (Orcagna) y su hermano menor Jacopo, colaborando con Jacopo en el retablo de la crucifixión en la Galería Nacional. Debido a su excelente calidad, también se ha atribuido a Orcagna, o se ha visto como una obra temprana de Jacopo.

El siguiente cuadro es un díptico “La crucifixión; La lamentación”, obra atribuida al Maestro de la Efigies de los Dominicos, realizado en temple y dorado sobre tabla de madera; tiene unas medidas de 29.5 x 12.1 cm.

El díptico fue pintado por el mismo artista anónimo que pintó un Cristo y la Virgen a la que asistieron diecisiete frailes dominicanos para la sacristía de Santa María Novella, Florencia. Originalmente los paneles sirvieron como las persianas de un pequeño retablo, probablemente con una Virgen con el Niño en el centro y el ángel y la Virgen de la Anunciación por encima de cada panel lateral. Tradicionalmente, la Virgen , San Juan Evangelista y María Magdalena se representan en la Crucifixión.

El siguiente cuadro “Santa Lucia” obra de Andrea di Bartolo Cini, realizado con temple y dorado sobre tabla de madera; tiene unas medidas de 63.5 x 20.5 cm.

El cuadro se conoce que formaba parte un gran retablo, ahora desmembrado, de los cuales se conocen otros cinco paneles de forma similar de santos individuales. Santa Lucía, un mártir cristiano temprano, lleva sus atributos de una daga, con el que fue ejecutada y una lámpara de aceite, en referencia a su nombre, Lucía (la luz).

El siguiente cuadro “ La Virgen y el Niño con el Ángel de la Anunciación ”, obra de Andrea Vanni, realizado en temple y dorado sobre tabla de madera; tiene unas medidas de 58 x 25 cm.

El cuadro tiene las marcas de una bisagra en el lado derecho, esto indica que esta era el ala izquierda de un díptico, que podría abrirse y cerrarse como un libro. El ala derecha, con el Crucifixión con la Virgen María y San Juan y la Virgen de la Anunciación que se encuentra en el Museo de Arte de la Universidad de Harvard. La Virgen está alimentando al Niño en una imagen conocida como la Madonna del Latte (de la leche).

El siguiente cuadro “ La Flagelación ”, obra de Lippo di Benivieni, realizado en temple y dorado sobre tabla de madera, esta datado en 1302.

Lippo di Benivieni es un pintor italiano de la escuela florentina, influenciado por la escuela de Giotto, no obstante, desarrolla un estilo personal con detalles góticos en toda su obra

Más adelante podemos ver “ La Lamentación y la Crucifixión ”, obra de Barna da Siena, realizado en temple y dorado sobre tabla de madera, tiene unas medidas de 53 x 38 cm.

El cuadro corresponde con la parte derecha de un díptico, la otra parte donde se representaba la imagen del donante y seis santos se encuentran en la Gemäldegalerie , Berlín. Es muy raro encontrar a los sujetos de la Crucifixión y lamentación representados en una misma escena, lo que lo convierte en una imagen devocional muy cargada. Cristo en la cruz está flanqueado, excepcionalmente, por San Pedro y San Juan Evangelista y el cuerpo de Cristo está de luto por las mujeres, con la Virgen María en la cabeza y María Magdalena a sus pies. Estas pinturas sobre tabla se consideran que fueron ejecutadas de la mano de un artista tradicionalmente conocido como “Barna da Siena”; este maestro era un estrecho seguidor del gran artista sienes Simone Martini.

El siguiente cuadro “La Anunciación”, obra de Paolo di Dono o Ucello, realizada en 1420, estilo renacentista, realizado en temple sobre madera, tiene unas dimensiones de 65 x 48 cm.

Uccello, además de pintor, era un matemático, estaba obsesionado por la perspectiva y se quedaría despierto toda la noche en su estudio tratando de captar el punto exacto de fuga de sus cuadros. Usó la perspectiva con el fin de crear una sensación de profundidad en sus pinturas y no, como sus contemporáneos, para narrar diferentes o sucesivas historias.

El cuadro representa la escena en que el Ángel Gabriel es enviado por Dios Padre para anunciar a la Virgen María que dará a luz al hijo de Dios. La virgen se encuentra con la cara caída en el interior de un pórtico. Sobre ellos en distinto plano una representación de las músicas celestiales. Esta pintura puede haber sido pintada por Uccello a principios de los años 1420: los tipos de figura, el interés por la perspectiva, el enfoque decorativo refinado y tratamiento inusual del lienzo son característicos de su obra.

El siguiente cuadro es un tríptico “La Virgen y el Niño con ángeles y un Santo Dominico; San Pedro (a la izquierda); San Pablo (derecha)”, obra del estudio de Fray Angélico, realizado en temple y dorado sobre tabla de madera; tiene unas medidas de 41 x 26.8 cm (central); 44.9 x 16.3 (izquierda); 44.8 x 15.2 cm (derecha).

Este tríptico plegable portátil se hizo para la devoción privada. Los paneles laterales han sido cortados y pueden haber pertenecido a un pequeño retablo diferente y después se montó el tríptico, o alterado, en una fecha posterior. El artista estaba cerca de Benozzo Gozzoli.

El cuadro representa a San Pedro porque tiene su atributo característico de una llave y San Pablo una espada, el instrumento de su martirio. El fraile santo es probablemente Santo Domingo.

El siguiente cuadro “Reunión en la Puerta Dorada”, obra de Fray Filippo Lippi, realizado en temple dorado sobre tabla de madera, esta datado en 1440; tiene unas medidas de 21.9 x 49.7 cm.

La obra representa el tema apócrifo de la reunión de Joaquín y Ana, con la ayuda del Ángel Gabriel, donde aparece la concepción milagrosa de la Virgen María. La iconografía del cuadro es inusual, ya que normalmente Ana sale de la Puerta Dorada de Jerusalén para cumplimentar a Joaquín a su regreso de las montañas. Los animales y las aves pueden incorporar referencias al Salmo.

La siguiente obra es una escultura “La Virgen y el Niño”, obra de Tino di Camaino (1285-1337), realizada en mármol, esta datada en 1317, estilo gótico de Siena.

Tino di Camaino era hijo de Camaino di Crescenzio di Diotisalvi, fue alumno de Giovanni Pisano, al que ayudó en la construcción de la fachada de la Catedral de Siena.

Siguió con su maestro en Pisa, donde fue nombrado maestro albañil en la obra de la realización de la catedral en 1311. En este período realizó la tumba de Arrigo VII (1315).

En Siena, donde regresó desde 1315 hasta 1320, donde se dedicó a hacer el sepulcro del cardenal Petroni (1317), y el célebre monumento del obispo Orso que realizó para la catedral de Florencia después de 1321.

El siguiente cuadro “La Virgen y el Niño”, obra de Lorenzo di Credi, realizado en temple y óleo sobre tabla de madera; tiene unas medidas de 57,2 x 39,3 cm.

Lorenzo di Credi era un discípulo de Verrocchio, y muy influenciado por la escultura florentina en relieve de mármol como una fuente para la composición de esta imagen devocional, mientras que el paisaje detallado refleja su interés por el arte flamenco. La pintura parece estar inacabada. Hay otros dos paneles de la Virgen y el Niño, en el Musée des Beaux-Arts, Estrasburgo y el Musée Fesch, Ajaccio, que son similares en diseño.

El siguiente cuadro tiene en título “Caza en el bosque”, obra de Paolo di Dono o Uccello (1397-1475), fue realizado en tempera con aceite y trazas de polvo oro, tiene unas medidas de 73.3 x 177cm.

La caza en el bosque es también conocido con el nombre como la caza por la noche, es una pintura del artista italiano Paolo Uccello, hecho alrededor de 1470. Es quizás la pintura más conocida en el Museo Ashmolean.

La pintura es un ejemplo temprano de la utilización efectiva de la perspectiva en el arte del Renacimiento, la escena se presenta con los participantes de caza, incluyendo las personas, los caballos, los perros y venados, desapareciendo en la oscuridad de los bosques en la distancia. Fue la última pintura conocida del Uccello antes de su muerte en 1475.

El siguiente cuadro “Retrato de un joven hombre”, obra de Domenico Ghirlandaio, realizado en temple sobre tabla de madera, datado en 1477; tiene unas medidas de 43 x 32.3 cm.

El pintor Domenico Ghirlandaio inicialmente se formó como orfebre, fue uno de los principales artistas de finales del siglo XV en Florencia, contando el joven Miguel Ángel entre sus alumnos. Estamos ante una obra temprana, el tipo de retrato fue influenciado por la evolución de los retratos flamencos.

El siguiente cuadro “Santos Bartolomé y Julián el Hospitalario”, obra de Agnolo di Domenico di Donnino, realizado en temple y aceite sobre tabla de madera; tiene unas medidas de 77,9 x 64 cm.

El cuadro actual perteneció a un retablo perdido del cual hay otros dos fragmentos. Los personajes que se reconocen en el cuadro son: La Virgen con el Niño y los Santos Leonard y Santiago el Mayor. El apóstol Bartolomé se suele representar con un cuchillo, el instrumento de su martirio. San Julián, un noble que asesinó accidentalmente a sus padres, fundó un hospicio para los viajeros. El artista antes conocido como el Maestro de Santo Spirito se ha identificado como Agnolo di Domenico.

El siguiente cuadro “La Virgen y el Niño”, obra de Bernardino Pintoricchio (1452-1513), realizado en temple y oro sobre tabla de madera, esta datado en 1490; tiene unas medidas de 41.3 x 30.2 cm.

Bernardino Pintoricchio es un artista prolífico y miniaturista, trabajo en Roma, Siena y en Umbría y fue uno de los pintores más influyentes en el centro de Italia. Su estilo era delicado y refinado, como atestigua esta pintura-joya. Es un grupo de pequeñas imágenes devocionales pintadas de una manera similar que eran difíciles de encontrar hasta este momento en la pintura Italiana.

El siguiente cuadro “San Jaime”, obra de Nicola di Maestro Antonio d'Ancona (trabajo de pintor desde 1472-1510), realizado en temple y oro sobre tabla de madera, esta datado en 1472; tiene unas medidas de 68 x 42 cm.

El cuadro es un fragmento de una pieza perteneciente a un gran retablo de las cuales otros dos paneles en forma similar sobreviven. El nombre y el estilo del artista se conocen de una obra firmada y fechada en 1472, muestra afinidades con el arte de Carlo Crivelli que trabajó extensamente en este tipo de cuadros. El santo franciscano ascética, a veces llamado San Francisco de Asís, es probable que sea san Jaime el milagroso, se representa con una herida en el costado, una referencia a su expulsión de los demonios. Muchas imágenes devocionales se encargaron después de su muerte.

El siguiente cuadro “Santa Catalina de Alejandría”, obra de Vittore Crivelli (1444-1501), realizado en temple y oro sobre tabla de madera, esta datado en 1490; tiene unas medidas de 73.7 x 41 cm.

Santa Catalina, era una mujer que procedía de la realeza por eso se la representa con una corona en la cabeza y lleva un libro, recordando su erudición, y la palma de mártir. La rueda se refiere a los primeros intentos de su martirio. El cuadro formó parte de un políptico realizado para la iglesia de San Francesco, Montesanto.

El siguiente cuadro “Santa María Magdalena”, obra de Nicola di Maestro Antonio d'Ancona (trabajo de pintor desde 1472-1510), realizado en temple y oro sobre tabla de madera, esta datado en 1472; tiene unas medidas de 67,5 x 41 cm.

La Magdalena es reconocible por su pelo largo que fluye, una referencia a su tradicional identificación con la mujer que ungió los pies de Cristo y los secó con sus cabellos.

Verdaderamente las referencias que nos ofrecen los evangelios no son muy documentos. Lucas nos informa que entre las mujeres que seguían a Jesús y le asistían diariamente en su vida estaba María Magdalena, es decir, una mujer llamada María, que era oriunda de Migdal Nunayah, en griego Tariquea, una pequeña población junto al lago de Galilea, a 5,5 Km. al norte de Tiberias. De ella se dice que Jesús la había expulsado siete demonios, que es lo mismo que decir "todos los demonios". La expresión puede entenderse como una posesión diabólica, pero también como una enfermedad del cuerpo o del espíritu.

El siguiente cuadro “San Jerónimo leyendo en un paisaje”, obra de un pintor del Círculo de Govanni Bellini, realizado en temple y óleo sobre tabla de madera,; tiene unas medidas de 26.6 x 21.7 cm.

El sabio San Jerónimo se retiró a meditar al desierto a llevar una vida de oración y contemplación; se hizo amigo de un león al que le quito una espina de su pata. Por el tipo de composición se ha podido determinar que era una obra cercana al pintor Bellini.

El siguiente cuadro “La Virgen y el Niño”, obra de Bartolomeo Montagna, realizado en temple y óleo sobre tabla de madera, esta datado en 1480; tiene unas medidas de 34 x 28 cm.

Este tipo de pequeños cuadros era un buen ejemplo de un tipo de imagen devocional íntima popularizada por Giovanni Bellini. Montagna, era un pintor importante en Vicenza, pudo haber trabajado en el estudio de Bellini en Venecia en la década de 1470. El niño sostiene un jilguero, es un símbolo de la Pasión ya que la sangre de Cristo se dice que han cayó de las plumas de las aves en el camino al Calvario.

El siguiente cuadro “Cristo con la Cruz”, obra de Bartolomeo Montagna, realizado en temple y óleo sobre tabla de madera, esta datado en 1503; tiene unas medidas de 28,4 x 21,6 cm.

Probablemente Bartolomeo sea el miembro más conocido de una familia de pintores venecianos que incluyó a su padre Jacopo, su hermano Gentile y su cuñado Andrea Mantegna. Era hijo de Antonio Cincani di Orzinuovi, se trasladó con su familia, todavía niño a Biron, cerca de Vicenza, donde vivió toda su infancia y primera juventud. En 1469 lo encontramos instalado en Venecia, donde parece trabajó en el taller de Giovanni Bellini, pues su estilo inicial está muy ligado al del maestro veneciano. En 1474 está ya de vuelta en Vicenza, donde están documentados encargos para diversas iglesias de la ciudad. Es en esta época cuando la influencia de Antonello da Messina se hace evidente en su trabajo, pues acaso tuvo la oportunidad de conocer de primera mano la obra de éste durante la breve estancia de Antonello en Venecia.

Este tipo de imagen del Cristo sufriente fue muy popular en el arte veneciano del siglo XVI, sobre todo en el círculo de Bellini. Puede derivar de la obra de Leonardo da Vinci.

El siguiente cuadro “ La Virgen y el Niño con una vista de Venecia ”, obra de Bartolomeo Montagna, realizado en óleo sobre tabla de madera, esta datado en 1489; tiene unas medidas de 76,7 x 60,2 cm

Este cuadro ha sido muy estudiado se le atribuye a Giorgione, es más probable que sea por un alumno de Venecia como Sebastiano del Piombo, o un artista cercano a Giorgione como Cariani.

Nos muestra al fondo el paisaje borroso de la plaza San Marco del Bacino muestra el campanario con una campana que estaba en ese momento en el lugar.

El siguiente cuadro “ La Virgen y el Niño con San Jerónimo ”, obra de Alessandro Bonvicino conocido como Moretto de Brescia , realizado en óleo sobre tabla de madera, esta datado en 1530; tiene unas medidas de 50.4 x 58.7 cm.

Moretto estaba vivamente interesado en la influencia del arte de Venecia: en esta pintura devocional expresiva donde los tipos de paisajes y figuras revelan la cercanía al estudio de Tiziano. En el cuadro se ve a San Jerónimo que sostiene una piedra contra su pecho, una referencia a sus actos de penitencia.

El siguiente cuadro “Retrato de un hombre joven con un cráneo”, obra de Bernardiono Licinio realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1510; tiene unas medidas de 75,7 x 63,3 cm

Licinio estaba impresionado por el arte de Giorgione, explorando este tipo de retrato poético que él y los artistas de su círculo estaban desarrollado. El cuadro manifiesta la juventud y la belleza que se contrastan con la muerte y la decadencia en este retrato expresivo.

El siguiente cuadro “ La Resurrección de Cristo”, obra de Jacopo Robusti, llamado Tintoretto (1519-1594), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1570; tiene unas medidas de 161 x 153 cm.

Forma originalmente pintado como un octágono (la pudieron alterar en el siglo XVII), esta composición fue pensada para colgarse en alto, tal vez formo parte de un elemento importante en una decoración de alguna pared o en el techo, junto con una envolvente figura de una talla dorada. Sugerencias para la datación han variado desde mediados de la década de 1550 hasta principios de 1570.

El siguiente cuadro “ Giacomo Doria ”, obra de Tiziano Vecellio o Vecelli (1477-1576), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1533; tiene unas medidas de 115,5 x 97,7 cm.

El cuadro representa a Giacomo Doria, era un residente comerciante genovés en Venecia 1529-41, encargó este digno entre 1533-5. Doria actuó como diplomático para el Estado genovés y tenía conexiones con la corte de los Habsburgo; dos de sus hijos llegaron a convertirse Dux de Génova. El pintor muestra la sensibilidad psicológica y agudeza de Tiziano y sus habilidades pictóricas en la orquestación de una composición casi monocromo. Utilizó posiblemente por primera vez en su retrato la decoración de una columna de mármol grande, pulido, ampliando el espacio de la imagen denota que el modelo se representa como una persona de riqueza y de autoridad.

El siguiente cuadro “ Arion cabalgando sobre un delfín ”, obra de Francesco Bianchi Ferrari (fue activo como pintor desde 1481-1510), realizado en temple y óleo sobre madera, esta datado en 1509; tiene unas medidas de 68,1 x 53,7 cm.

El cuadro se desconoce el significado personal para su primer propietario. Probablemente es demasiado grande para haber sido la cubierta de algún retrato.

El poeta Arión, después de haber sido arrojado al mar por los marineros en una tormenta, llegó a Corinto en la parte posterior de un delfín, a quien cautivó con su música Arion, excepcionalmente, se muestra como un niño.

El siguiente cuadro “Retrato de un hombre joven con un perro y un gato”, obra de atribuida a Giovanni Luteri, llamado Dosso Dossi (1490-1542), realizado en óleo sobre madera, está datado en 1500; tiene unas medidas de 27.8 x 24.9 cm.

Dosso Dossi comienzo su carrera como pintor en la ciudad de Ferrara en 1514, donde trabajará la mayor parte de su vida. Parece que ya por entonces había recibido la influencia del estilo veneciano, probablemente a través de Giorgione, que marcó profundamente su arte ya para siempre. Un componente fundamental será su tratamiento del paisaje, lírico y subjetivo.

El siguiente cuadro “El triunfo del amor”, obra de Tiziano Vecellio, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1545; tiene unas medidas de 88,3 cm de diámetro.

Tiziano Vecellio o Vecelli, conocido tradicionalmente como Ticiano (1477-1576), fue un pintor italiano del Renacimiento, uno de los mayores exponentes de la Escuela veneciana.

Tiziano es uno de los más versátiles pintores italianos, igualmente capacitado para ejecutar retratos, paisajes, escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa. Tuvo una larga y dilatada carrera, y su obra atravesó muchas y diferentes etapas, en las que su estilo cambió tan drásticamente que algunos críticos tienen problemas para creer que los cuadros de su primera etapa y los de las posteriores hayan salido de la misma mano.

El siguiente cuadro “Un joven hombre secándose en una fuente”, obra de Paris Bordone (1500-1571) , realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1530; tiene unas medidas de 57 x 39 cm.

Este cuadro es una de las tres partes en que fue divido el original. El tema es, probablemente es clásico. Al igual que Tiziano, Bordone a menudo pintó temas poéticos dentro de unos paisajes. La forma y la decoración de la fuente sirven para evocar bronces de Padua de los años 1500. La escultura en relieve de figuras desnudas contrasta con la suave carne del joven.

El siguiente cuadro “Judith se dio un festín por Holofernes”, obra de un artista del círculo de Paolo Caliari, llamado Veronese, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 27 x 57 cm.

El cuadro fue atribuido a una persona cercana a Veronese, puede haber sido realizado en su estudio. La narración, desde el libro apócrifo de Judith, celebra la heroína judía que salvó a su pueblo de la tiranía de Holofernes; el tema era especialmente popular en Venecia. Los cuadros narrativos suntuosos como estos a menudo se insertaban en los cofres de lujo, o formaban parte de la decoración de una habitación, tal vez ambientado en un friso en el nivel de la cornisa.

El siguiente cuadro “La Sagrada Familia con San Juan Bautista ”, obra de Tommaso d'Antonio Manzuoli, llamado Maso da San Friano (1531-1571), realizado en óleo sobre tabla de madera, esta datado en 1569; tiene unas medidas de 102,9 x 83,4 cm.

El cuadro parece estar inacabado y puede haber sido concebido como un pequeño retablo de un mecenas para su colección privada. Maso disfrutó el patrocinio de la familia Medici y fue miembro fundador de la Accademia del Disegno en Florencia.

El siguiente cuadro “Retrato de un joven hombre”, obra de Alessandro Allori (1535-1607), realizado en óleo sobre tabla de madera, esta datado en 1561; tiene unas medidas de 133 x 140 cm.

El joven sostiene una medalla que muestra una cabeza de perfil de una mujer con un traje clásico. Su brazo se apoya en una silla ornamentada con decoración tallada y con incrustaciones. Una réplica de la estatua antigua de Apolo Citharoedos se encuentra en la tabla elaborada; el original de la colección Valle della en Roma. Las diferentes identificaciones se han propuesto para la niñera aristocrática, incluido el de Paolo Capranica, relacionado con la familia Della Valle, o un miembro de la familia Palma di Cesnola, porque su lema era Oppraesa Resurgam y aparece en un libro a través de una incrustación en la mesa.

El siguiente cuadro “El matrimonio místico de Santa Catalina”, obra de Giovanni Battista Moroni (1520-1578), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1550; tiene unas medidas de 82,6 x 67,5 cm.

Santa Catalina se muestra recibiendo un anillo de bodas de Cristo, que simboliza su cercanía espiritual a Dios. Un alumno de Moretto, Moroni trabajó principalmente en Bergamo. Esta pintura devocional, es una obra temprana del pintor, está cerca del estilo de las pinturas maduras de Moretto. La Torre del Comune, que más tarde aparece en dos de sus retratos, se muestra a la izquierda.

El siguiente cuadro “El incendio forestal”, obra de Piero di Cosimo (1461-1522), realizado en óleo sobre tabla de madera, esta datado en 1505; tiene unas medidas de 71,2 x 202 cm

Piero di Cosimo pintó muchos cuadros con temas de la literatura clásica. Otros dos paneles de la caza y La vuelta de la caza, ahora en el Museo Metropolitano de Nueva York, están temáticamente relacionados, pero parecen haber sido pintados en la década de 1490. Piero pintó una interpretación poética de la fuente clásica, con detalles idiosincrásicos de bestias híbridas añadido en una etapa tardía. La interpretación magistral de fuego y paisaje lejano lo sitúan en la vanguardia del desarrollo de la pintura de paisaje.

El siguiente cuadro “La Sagrada Familia con el joven San Juan”, está obra es atribuida al pintor Bacchiacca (1494-1557), realizado en aceite sobre plancha de pizarra, esta datado en 1538; tiene unas medidas de 52,5 x 41,2 cm.

El cuadro esta basado en una famosa presentación de un dibujo de Miguel Ángel y que sus seguidores copiaron, de los cuales este es el único ejemplo con un extenso paisaje. Conocido como Il Silenzio (Silencio) debido al gesto de San Juan, muestra la Sagrada Familia contemplando y durmiendo al futuro Cristo, presagiando la lamentación. La Virgen sostiene un libro abierto en el Salmo 85,11 y levanta un velo transparente del cuerpo del niño, una referencia a la revelación de la Verdad.

El siguiente cuadro “San Miguel somete a Satanás pesando en las almas de los muertos”, obra es atribuida a Lelio Orsi (1508-1587), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1540; tiene unas medidas de 54 x 40 cm.

El Arcángel Miguel, que derrotó a Satanás según se muestra en el arte medieval pesando las almas de los muertos; aquí otro ángel revela una visión de los bienaventurados en el cielo. Influenciado por la elegancia sinuosa de Correggio, Orsi desarrolló un estilo distintivo, con un enfoque idiosincrásico a los temas religiosos.

El siguiente cuadro “La Virgen y el Niño con cuatro santos”, obra de Pietro Orioli (1458-1496), realizado en temple y oro sobre tabla de madera, esta datado en 1580; tiene unas medidas de 74,6 x 52,7 cm.

Reconocido por su devoción religiosa, así como su habilidad artística, Orioli pintó temas casi exclusivamente sagrados. Probablemente era un alumno de Matteo di Giovanni. En el cuadro los Santos Jerónimo, Catalina y Francisco se identifican por sus atributos, San Bernardino por sus rasgos distintivos.

El siguiente cuadro “Crucifixión con la Virgen María y san Juan Evangelista”, obra atribuido a Marcello Venusti, realizado en óleo tabla de madera, esta datado en 1555.

Marcello Venusti fue un pintor italiano del renacimiento cercano al círculo artístico de Miguel Ángel.

Es probable que su formación haya comenzado en Mantua, pero las primeras noticias que tenemos de Venusti lo sitúan como miembro del taller de Perino del Vaga en los años 1540.

Venusti al parecer buscó divulgar la obra sacra de Miguel Ángel. Sin embargo, sus pinturas son más planas que las originales, con un detallismo miniaturista lejano a la grandeza de sus fuentes. El sentimiento que imprime Venusti a su producción es más sencillo y literal que el de Buonarroti, más profundo y filosófico. A pesar de ello, ambos artistas se sintieron siempre muy cercanos, y prefiguran lo que los expertos denominarán posteriormente como contramaniera (un estilo artístico que se desarrolló a partir de mediados del siglo XVI).

El siguiente cuadro “ La Sagrada Familia con San Juan Bautista”, obra de Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564), carboncillo, esta datado en 1540; tiene unas medidas de 62 x 49.5 cm.

El panel refleja un diseño inacabado de Miguel Ángel. Si bien podría ser una copia o una variante de un diseño perdido, por sus cualidades inusuales sugieren una atribución a la mano de Miguel Ángel. El panel de álamo no tiene la preparación inicial de yeso que sería normal en la planificación de una pintura. El sujeto puede ser el regreso de la Sagrada Familia de Egipto: Miguel Ángel estaba interesado en este tipo de temas religiosos apócrifos.

El siguiente cuadro “La elección de Hércules”, obra de Paolo de Matteis (1662-1728), óleo sobre lienzo, esta datado en 1540; tiene unas medidas de 198,2 x 256,5 cm

Paolo de Matteis era alumno talentoso de Luca Giordano, había estudiado en Roma y trabajó en Francia: su clasicismo elegante le valió de alto rango de patrocinio.

El siguiente cuadro “Retrato de una mujer”, obra de Antony van Dyck (1599-1641), realizado en óleo sobre lienzo.

Antony van Dyck fue un pintor flamenco especialmente dedicado a la elaboración de retratos. Llegó a ser el primer pintor de corte en Inglaterra tras una larga estancia en Italia. Es universalmente conocido por sus retratos de la nobleza genovesa y de Carlos I, rey de Inglaterra, de los miembros de su familia y de su corte.

El siguiente cuadro “Paisaje con un cabrero”, obra de Claude Lorrain (1604-1682), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1635; tiene unas medidas de 38 x 49 cm.

Claude era un verdadero especialista en el exuberante paisaje boscoso. Un dibujo de principios a mediados de 1640 en el Ashmolean desarrolla, a la inversa, la composición de este tipo de paisaje con un diseño espacial más complejo.

El siguiente cuadro “Estudio del retrato de Jan Brandt”, obra de Sir Peter Paul Rubens (1577-1610), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1609.

Jan Brandt era un importante funcionario de la ciudad de Amberes además de un erudito humanista. Su hija, Isabella, será la primera esposa de Rubens, con la que se casará el 3 de octubre de 1609. La relación entre Jan y Rubens será muy estrecha, continuándose incluso después de la muerte de Isabella en 1626 –posiblemente como consecuencia de la peste– como se pone de manifiesto en este retrato fechado en 1635.

El siguiente cuadro “Retrato de una dama”, obra de Jan Cornelisz. Verspronck (1606-1662), óleo sobre lienzo, esta datado en 1640; tiene unas medidas de 102 x 78 cm.

Verspronck fue un retratista muy exitoso en Haarlem, aunque la evidencia documental de su carrera es escasa y su fecha exacta de nacimiento es desconocida. Era hijo de un pintor, fue fuertemente influenciado por Frans Hals en su carrera temprana. El cuadro retrata a una mujer cuya identidad es desconocida, las joyas y vestuario de la modelo, con su espléndido collar tipo molino, es el testimonio de su alta posición social.

El siguiente cuadro “El descanso en la huida a Egipto”, obra atribuida a Il Cerano (1573-1632), óleo sobre plancha de cobre, esta datado en 1600; tiene unas medidas de 23.8 x 19.3 cm.

Giovanni Battista Crespi, llamado el Cerano fue un pintor, arquitecto y escultor italiano, activo durante el manierismo tardío y el primer barroco.

El estilo de Cerano es complejo; combina el colorido y una elegancia en la postura de las figuras típica del manierismo tardío al que por nacimiento pertenece, con una intensidad mística y un gusto por los detalles realistas que prefiguran el barroco.

El siguiente cuadro “Autorretrato”, obra Antonio Bellucci (1654-1726), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1684; tiene unas medidas de 49 x 40 cm.

El pintor en el autorretrato puede tener alrededor de treinta años, era cuando Bellucci, era ya ex soldado recibió sus primeros conocimiento con Antonio Zanchi, fue establecida su reputación artística de Venecia.

El siguiente cuadro “Ecco Homo”, obra de Jacopo Comin o Tintoretto (1518-1594), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1585.

Tintoretto en su juventud también recibió el apodo de Jacopo Robusti, pues su padre defendió las puertas de Padua frente a las tropas imperiales de una manera bastante vigorosa. Su verdadero apellido, “Comin”, fue descubierto por Miguel Falomir, jefe del departamento de Pintura Italiana del Museo del Prado.

El siguiente cuadro “El martirio de una santa femenina”, obra de Françoise de Nomé, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en el siglo XVII.

François de Nomé (1593-1620) fue un pintor francés del periodo barroco, activa principalmente en Nápoles.

Los temas son, típicamente decrépitas con ruinas extrañas o edificios medio derruidos en un ambiente surrealista. Las personas son diminutas figuras, cielos nublados, tonalidades de tierra, y bordes indistintos. Su representación de Venecia Piazza di San Marco está correctamente poblado por las estructuras de la propia plaza, pero los detalles son siempre inventados.

El siguiente cuadro “Retrato de un hombre con barba”, obra de Sir Anthony van Dyck (1599-1641), realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 52 x 46 cm.

El cuadro es un bosquejo y los estudios preparatorios para dos de las figuras de tamaño natural en el gran retrato de grupo de los Concejales de Bruselas pintadas para el Ayuntamiento en Bruselas.

El siguiente cuadro “Retrato de George Drummond”, obra de Thomas Gainsborough (1727-1788), realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 233 x 151 cm.

George Drummond (1758-1789) de Stanmore, era el segundo hijo de Robert Hay Drummond, el arzobispo de York, fue un socio principal en Drummonds Banco. Se casó (en segunda nupcias) con Martha, la hija mayor y heredera de Rt Hon. Thomas Harley el 30 de noviembre de 1779. Este retrato y el de su compañera, la señora Drummond (Montreal Museum of Fine Arts) probablemente fueron encargados para la nueva casa de Harley, Berrington Hall, Herefordshire.

El siguiente cuadro “Escena de costa”, obra de Claude-Joseph Vernet (1714-1789), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1750; tiene unas medidas de 97 x 123 cm.

Vernet hizo su reputación como pintor en Roma y atrae a una clientela internacional como especialista en la pintura marina. En 1750 pintó una serie de cuatro ovales momentos del día con destino a Joseph Leeson, más tarde Lord Milltown.

El siguiente cuadro “George, segundo conde de Harcourt, su esposa Elizabeth, y su hermano William”, obra de Joshua Reynolds (1723-1792), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1780; tiene unas medidas de 148 x 172 cm.

George Simon Harcourt (1736-1809) sucedió en el segundo conde de Harcourt en 1777. Se casó con su primo, Elizabeth Vernon, en 1765. Este retrato muestra a la pareja en trajes de la coronación, y con coronas.

El siguiente cuadro “La familia de Darío ante Alexander el Grande”, obra de Antonio Bellucci (1654-1726), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1716; tiene unas medidas de 213 x 564 cm.

El cuadro representa a la familia del rey persa derrotado, Darío, se arrodillan ante Alejandro, pero equivocadamente hace sus súplicas de perdón a su compañero, Hefestión. Alejandro muestra modestia y magnanimidad en su respuesta.

El siguiente cuadro “Los jardines de las Tullerías, en tiempo lluvioso”, obra de Camille Pissarro (1830-1903), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1716; tiene unas medidas de 65 x 92 cm.

Este es uno de los dieciséis lienzos pintados desde las ventanas del apartamento Pissarro que tenia alquilado en 204 rue de Rivoli, París, a partir de enero de 1899. El paisaje se ve una parte de las Tullerías hacia el río Sena, con las torres de la iglesia de Sainte-Clotilde a la derecha. El clima era húmedo y frío, pero apropiado para la luz nacarada y efectos tenues que Pissarro deseaba transmitir.

El siguiente cuadro “La toilette”, obra de Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901), realizado en aceite, esta datado en 1891; tiene unas medidas de 58 x 46 cm.

El artista pintó varias variaciones de este tema en 1891. El estilo y el tema recuerdan obras similares de Degas. Aunque ejecutado en el aceite, la tarjeta absorbente da a la superficie una apariencia en colores pastel.

El siguiente cuadro “Restaurante la Sirène , Asnières”, obra de Vincent van Gogh (1853-1890), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1887; tiene unas medidas de 52 x 64.4 cm.

El cuadro fue pintado un año después de van Gogh se había trasladado a París desde su Holanda natal. La respuesta del artista a la obra de los impresionistas es evidente en los movimientos cortos y en los matices de la paja con un especial color brillante. Asnières, es un distrito en el río Sena, cerca de París, era popular entre los impresionistas y el lugar donde Van Gogh hizo varias pinturas, que data de su primer periodo en París.

El siguiente cuadro “Vista desde mi ventana, Éragny-sur-Epte”, obra de Camille Pissarro (1830-1903), realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 65 x 81 cm.

La pintura muestra una vista desde la casa del Pissarro en Eragny, mirando hacia el pueblo de Bazincourt. El edificio alto de la izquierda se convirtió en el estudio de Pissarro cuando compró la propiedad en 1892. La composición, que el artista conoce como “moderno primitivo”, se inició en 1886, pero no terminó hasta dos años más tarde, en la técnica puntillista esmerada que Pissarro usó solamente durante un par de años.

El siguiente cuadro “ Retrato de Mademoiselle Claus ”, obra Edouard Manet, realizada en 1868, en óleo sobre lienzo, tiene unas dimensiones 111 x 70 cm.

El escenario en que el pintor Manet pinta tres figuras que se hicieron pasar por Le Balcon eran todos amigos cercanos de la artista. Fanny era una concertista de violín que estaba especialmente cerca de Madame Manet; Berthe Morisot era ya una artista consumada, que había tomado lecciones informales de Manet, y que más tarde se casó con su hermano, Eugène; y Antoine Guillemet era un pintor impresionista menor.

El balcón el pintor hacer un manejo del pincel extraordinariamente seguro, y la coloración de los personajes es audaz y sutil, así como su vestimenta desde el negro más profundo de chal y zapatos, terminando por el blanco puro brillante del vestido y pasando por el delicado malva de la hoja verde de la contraventana y las barandillas.

El siguiente cuadro “Un molino cerca de Zaandam”, obra Claude Monet (1840-1926), realizada en 1871, en óleo sobre lienzo, tiene unas dimensiones 42 x 73,5 cm.

El cuadro fue pintado durante una visita de Monet a Holanda. El color es suave y el cielo es nublado pero el suelo blanco en el que está pintado da una luminosidad natural a la escena y las variadas pinceladas crear un efecto fresco, azotada por el viento. Fue pintado cerca de Zaandam, localidad situada a unas doce millas de Ámsterdam.

El siguiente cuadro “Paisaje con una iglesia del pueblo”, obra Edouard Manet, realizada en 1870, en óleo sobre lienzo, tiene unas dimensiones 30 x 44 cm.

El Paisaje puro no es muy común en la obra de Manet a pesar de su amistad con los impresionistas. El color tenue y la luz con una pincelada fina sugiere que esta visión de una fecha no identificada de la ciudad de principios del decenio de 1870.

El siguiente cuadro “Atardecer en Bas Meudon”, obra de Charles-François Daubigny (1817-1878), realizada en 1874, en óleo sobre tabla de madera, tiene unas dimensiones 38 x 67 cm.

El cuadro fue pintado en la localidad de Bas Meudon, cerca de París en 1874. Hay otra pintura, tomada desde el mismo lugar que esta fechada de 1869, y se expone en el Louvre. Las dos pinturas son muy similares, pero como los árboles son más altos en la pintura de Oxford, es poco probable que haya sido una copia de la otra. Escenas del río, divididos en bandas de cielo, el agua y los bancos oscuros, son muy comunes en la obra de Daubigny.

El siguiente cuadro “El Camino de sirga”, obra de Christopher Richard Wynne Nevinson (1889-1946), realizada en 1912, en óleo sobre lienzo, tiene unas dimensiones 76,5 x 56 cm.

En 1912, poco antes de Nevinson había roto con el uso de elementos narrativos tradicionales para girar su pintura hacia el futurismo, pintó este episodio de la vida urbana. La técnica es una característica del estilo post impresionista que Nevinson utilizaba en este momento, la creación de una atmósfera inquietante, intensamente romántico. Se registra con precisión Canal en Marylebone, donde el canal entra en el túnel de Maida Hill.

El siguiente cuadro “Un canal en Brujas en la oscuridad”, obra de Enrique-Eugene-Augustin Le Sidaner (1862-1939), realizada en 1898, en óleo sobre lienzo, tiene unas dimensiones 49 x 65 cm.

Le Sidaner visitó Brujas por consejo de Camille Mauclair, se dedico al paisaje en la búsqueda de uno de los canales como un tema que varía constantemente en los últimos años. Tarde y noche efectos en canales abandonados se convirtieron en su motivo favorito. Su segunda visita a Brujas, en 1899-1900 duró más de un año. Una etiqueta de la galería Goupil en la parte posterior sugiere que la señora Weldon podría haber comprado este cuadro desde el propietario, William Marchant, quien promovió la obra de Le Sidaner en el mercado de Londres.

El siguiente cuadro “Caperucita Roja”, obra de George Frederic Watts (1817-1904), realizada en 1864, en óleo sobre lienzo, tiene unas dimensiones 26.4 x 25.1 cm.

Este es el primer tratamiento de Watts del tema, es una ilustración de un cuento de hadas de Perrault. Fue pintado en 1864 y comprado por Sir William Bowman, cuyo retrato Watts pintó al año siguiente.

El siguiente cuadro “Puente de Walton”, obra de Joseph Mallord William Turner, realizado en 1806, en óleo sobre lienzo.

Puente Walton es un puente levantado en 1780 en la carretera a través del río Támesis, aguas arriba del Gran Londres, entre Walton-on-Thames y Shepperton, que cruza el río Támesis, en el tramo comprendido entre Sunbury Lock y Shepperton Lock.

Turner realizó varios cuadros en este puente aunque en esta ocasión manifiesta una fuerte inspiración de Claude Lorrain por su forma de tratar el paisaje.

El siguiente cuadro “Whalley Bridge y Abadía”, obra de Joseph Mallord William Turner, realizado en 1811, en óleo sobre lienzo.

Es una escena que Turner pinto durante su visita a Oxford, se acerco hasta Whalley Brige para pintar su puente al otro lado se dibuja ciertas líneas de la abadía cercana.

El siguiente cuadro “Una calurosa bienvenida”, obra de Sir Lawrence Alma-Tadema (1836-1912), en óleo sobre lienzo, tiene unas dimensiones 30 x 91 cm.

El cuadro describe la vida de una antigua familia romana que vuelve a casa y recibe una cálida bienvenida. Los personajes representan la propia familia de Alma-Tadema: el padre es el artista, la chica a continuación, su hija Laurense. El grupo central comprende su hija menor, Anna, que abraza a su madrastra, Laura. A la izquierda, una enfermera, inspirada en Alicia Buscar, lleva el bebé Pieter Rodeck.

El siguiente cuadro “Puente de Londres en la noche de la boda de los Príncipes de Gales”, obra de William Holman Hunt (1827-1910), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1863; tiene unas dimensiones 65 x 98 cm.

Holman Hunt estaba entre la multitud en el puente de Londres en la noche del 10 de marzo de 1863, para celebrar el matrimonio de la princesa Alexandra de Dinamarca para el futuro Eduardo VII. Hizo dibujos de ella, pero no terminó esta pintura hasta el 16 de mayo 1864, el retoque en 1866. Él estaba fascinado por los contrastes de luz natural y artificial y por las multitudes.

El siguiente cuadro “Suave Primavera” obra de Frederick Sandys (1829-1904), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1864; tiene unas dimensiones 121 x 64 cm.

El cuadro de Sandys se expuso en la Royal Academy en 1865 acompañado en el catálogo por un soneto por el amigo del artista, Charles Algernon Swinburne. El personaje fue pintado en el jardín del poeta y novelista, George Meredith. Ella representa a Proserpina al regresar de la tierra de los muertos. Sandys se unió al círculo de Rossetti en 1857 y vivió con él en Cheyne Walk durante la mayor parte de 1866.

El siguiente cuadro “Las semillas y frutos de la Poesía Inglesa ” obra de Ford Madox Brown (1821-1893), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1846; tiene unas dimensiones 36 x 46 cm.

El cuadro fue ideado para ilustrar el ennoblecimiento del idioma inglés por Chaucer, esta pintura fue planeada en Londres y se compuso en Roma en 1845 y se terminó después del regreso de Brown a Inglaterra. El panel central muestra Geoffrey Chaucer leyendo en la corte de Eduardo III, con su patrón, el Príncipe Negro, a su izquierda.

El siguiente cuadro “Retrato de Charles Augustus Howell” obra de Frederick Sandys (1829-1904), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1882.

Charles Augustus Howell (1840-1890) fue un comerciante de arte y un presunto chantajista se dio a conocer por persuadir al poeta Dante Gabriel Rossetti para desenterrar los poemas que había enterrado en el féretro de su esposa Elizabeth Siddal. Su reputación como un chantajista inspiró Arthur Conan Doyle en la historia de Sherlock Holmes 's, “Charles Augustus Milverton”.

El siguiente cuadro “Una familia británica convertida alberga a un misionero cristiano de la persecución de los druidas”, obra de William Holman Hunt (1827-1910), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1850; tiene unas dimensiones 111 x 141 cm.

Originalmente el cuadro fue concebido como una entrada sobre el tema “un acto de misericordia” para el certamen de la Medalla de Oro en la Royal Academy en 1849, esta pintura representa un incidente a principios de la historia de la iglesia inglesa. Una familia cristiana esconde a un sacerdote de una multitud de paganos y druidas, quienes ya han cogido otro sacerdote en el fondo. La pintura está llena de alusiones simbólicas, en consonancia con el pensamiento anglicano contemporáneo: el sacerdote recuerda a Cristo y sus discípulos, el niño con el taparrabos de piel de Juan el Bautista y los jóvenes mayores exprimiendo las uvas evoca la Eucaristía.

Son las 14,00 horas y damos por terminado nuestra visita a este importante museo. Hemos entrado atraídos por la importante colección de arte egipcio y nos vamos con una visita a una de las pinacotecas más importantes del mundo. En realidad no son cuadros definitivos pero si posee una representación de obras menores de los más importantes pintores de la historia de la pintura. Sobretodo tiene una colección muy importante de pintura italiana medieval, pintura holandesa, inglesa y una digna representación de los impresionistas franceses; todo un lujo para un día soleado en la ciudad de Oxford.

Regresamos por donde hemos venido hacia el centro de la ciudad camino del Colegio Universitario más famoso de Oxford se trata del Christ Church. El punto más céntrico de la se denomina Carfax, lugar donde confluyen las cuatro calle principales: Commarket Street, Queen Street, High Street y St. Aldate's. Domina el lugar la Torre de la desaparecida iglesia de St. Martin.

De camino pasamos por la calle Cornmarket donde se encuentra la iglesia de San Michel, se levanta en un cruce calles donde se encontraba la entrada a la ciudad de Oxford por la denominada Puerta Norte.

La iglesia es el edificio más antiguo de la ciudad de Oxford algunas partes datan del año 950 con su antigua Torre Sajona.

Todos los demás restos de la iglesia original han desaparecido, las partes que han sobrevivido de la iglesia son el presbiterio, la parte oriental de la nave sur (la más cercana al altar), y la puerta sur, toda esta parte data del siglo XIII.

La ventana del este de la capilla contiene cuatro ventanales de alta calidad con vidrieras que datan del siglo XIII, estamos ante una de las vidrieras más antiguas de Oxford. Después, del siglo XIV se conserva el camarín y el transepto norte (donde se encuentra el actual órgano), mientras que en el ala norte y la nave también son del siglo XIV.

El baptisterio tiene una pila bautismal que esta data de esta época; fue retirada de la antigua iglesia de San Martín en Carfax y pudo haber sido utilizada por William Shakespeare, el escritor asistió a un bautismo en San Martín como padrino al hijo de un amigo de Oxford.

El lugar de la situación de la iglesia de San Miguel en el centro de la ciudad llevaba a la presencia de algunos feligreses ricos, lo que dio lugar a que la iglesia entrase en un proceso constante de demolición, reconstrucción y ampliación. A lo largo de las paredes se pueden ver numerosos memoriales dedicados a ciudadanos de Oxford, como académicos y estudiantes de colegios vecinos.

La iglesia fue restaurada completamente en el siglo XIX, y posteriormente después del un desastroso incendio de 1953. Desde entonces, el proyecto más grande y ambicioso ha sido la restauración de la torre en 1986.

Enfrente de la iglesia de St. Michel, si continuamos por Commarket Street esquina con la calle Ship Street se encuentra la casa más antigua de la ciudad se la conoce como Tudor House, es una reminiscencia medieval de una casa que en sus principios se dedicaba como posada, destaca por sus impresionantes entramados de madera que están retorcidos. En la actualidad es una conocida cafetería y tiendas.

En la misma calle y debajo de Commarket Street podemos ver el Carfax Tower, es una pequeña parte que ha llegado a nuestro días de la antigua iglesia de St. Martin's del siglo XIII. En su fachada hay un estupendo carillón con las palabras en latín “Fortis est veritas” la verdad es poderosa.

Si continuamos por lo prolongación de la calle, aquí se llama St. Aldate's, en el lado izquierda se encuentra un magnifico edificio de estilo victoriano perteneciente al Ayuntamiento de Oxford, en su interior se encuentra el Museo de Oxford que exhibe una parte de la historia de la ciudad.

El Christ Church es un prestigioso colegio, conocido como “The House”. El horario para las visitas es de 14 p.m. a 16,15 p.m. el precio ticket familiar es de 18 libras. Con la entrada tienes derecho a ver la parte más destacada del colegio pero una mínima parte.

El colegio fue fundado en 1525 por el cardenal Wolsey y refundado en 1545 por Enrique VIII, sobre los restos de la antigua Abadía de St. Frideswide's se levantó la Catedral de Oxford que coincide con la capilla mayor del colegio.

La entrada principal al colegio se hace por la llamada Wolxey's Gateway, coronada por la Tom Tower , esta parte del colegio fue construida por Wren en 1681, en su cúpula se encuentra la campana Great Tom de 6,5 toneladas, suena todas las tardes a las 21,05 ciento una veces, una vez por cada miembro fundador.

Comenzamos por la visita por el gran Hall, tiene una escalera monumental, en el centro una única pilastra gótica de palmera sujeta la bóveda con techos nervados, fue construido en 1529 y dicen que es el más bella de todo Oxford. En su interior se celebran los grandes acontecimientos del colegio, en sus paredes cuelgan los retratos de los personajes más famosos vinculados al colegio, desde Enrique VIII a su lado Isabel I y al otro lado Wolsey, obras de Sommans, John Locke hasta Charles Dodgson.

Seguimos la visita hasta el jardín principal Tom Quad, es considerado el patio más grande de todos los colegios de Oxford, en el centro está decorado con la estatua romana de Mercurio.

Se accede a la capilla del colegio y Catedral de Oxford, fue construida en el siglo XII y está considerado uno de los edificios más antiguos de la ciudad y una de las catedrales anglicanas más pequeñas de Inglaterra.

El interior, la planta es de una sola nave y un añadido en lo que corresponde con la capilla Latina. A la entrada a la izquierda se puede ver la Vidriera de Jonas, fue construida por Abraham van Linge en 1630. En ella aparece solamente la figura de Jonas está hecha de estaño. El resto la conforman pequeños paneles de cristal pintado que describen la ciudad de Níniva representada en gran detalle.

Al fondo de la capilla Latina podemos ver la vidriera de Santa Frideswide, fue diseñada por Edward Burne-Jones en 1858. En el panel superior muestra un barco lleno con las almas que lleva a Santa Frideswide hasta el cielo. Los paneles inferiores de la vidriera nos hablan de la vida y la obra del la santa en el siglo VIII.

Muy cerca se encuentra el relicario de la santa, fue construido en el año 1289, aunque con la reforma fue destruido en 1538. Posteriormente fue reconstruido en 1889.

El monumento más antiguo es la iglesia convertida en la catedral de Oxford. Su decoración esta recubierto de temas vegetales y de caras. En sus comienzos guardaba las reliquias de Santa Frideswide, patrona de la ciudad de Oxford.

A la izquierda de la nave se encuentra el Altar de Bell, fue diseñado por Jim Patridge en el año 2000. Su construcción obedece a la conmemoración del milenio y está dedicado a la memoria del Obispo George Bell, que luchó contra el bombardeo de ciudades alemanas en la Segunda Guerra Mundial.

En la nave central destaca la nervada bóveda del coro, fue diseñada por William Orchard en 1500. Está dispuesta con una serie de relieves en forma de estrella con la finalidad de imitar la imagen del cielo celestial. Esta sujeta por doce cimbras ornamentales talladas en piedra.

En el centro del ábside encontramos la vidriera de Santa Catalina, fue diseñada por Edward Burne-Jones en 1878. En la que se parecía el rostro de Santa Catalina de Alejandría, esta basado en el retrato de Edith Liddell, hermana de la famosa Alicia, inspiradora del libro Alicia en el país de la maravillas. En el comedor (Great Hall) de Christ Church se puede ver otro retrato de Alicia.

En el extremo derecho podemos ver la famosa vidriera de Becket, esta datada en 1320, tiene una característica medieval y corresponde como la más antigua de la catedral. El panel muestra el martirio del arzobispo Thomas Becket, que murió en la catedral de Canterbury en el año 1170. Becker se muestra arrodillado entre un monje y los cuatro caballeros que lo asesinaron. En el siglo XVI el panel dañado, el rostro de Becket desapareció y se encuentra en paradero desconocido.

Saliendo por una de las puertas de la nave podemos llegar al claustro de estilo gótico, esta construido con piedra dorada. Contiene una gran variedad de monumentos, escudos de armas y esculturas figurativas y conduce al Gran Salón, es el lugar donde se filmaron escenas en las películas de Harry Potter. El portal de la Sala Capitular es del siglo XII en estilo normando ricamente tallado con molduras en zig-zag.

La sala capitular (ahora corresponde con la tienda) data de principios del siglo XIII y es contemporánea con la sala capitular de las catedrales de Salisbury y Chester. La bóveda de es de crucería inglesa temprana está decorada con medallones pintados con frescos de santos y ángeles (un tanto descoloridas) y con medallones de madera tallada.

Nada más salir de la Universidad nos topamos con otro de los edificios emblemáticos es la University Church of St Mary Oxford, se encuentra en la calle High Street, la entrada es gratuita y la subida a la torre cuesta 2,5 libras.

La iglesia paso a la historia de Inglaterra por ser el lugar donde se juzgaron a los mártires de Oxford. Aquí declararon cada uno de los tres obispos anglicanos: Latimer, Ridley y Cranmer, que fueron quemados en la hoguera en Oxford durante el reinado de la reina católica, la reina María, se sometieron a parte de su juicio en esta iglesia de Santa María. Su delito principal no era creer en la doctrina de la transubstanciación (doctrina católica romana de la Eucaristía , definida por un canon del Concilio de Trento.), aunque Cranmer, arzobispo de Enrique VIII, también había jugado un papel crucial en la caída de la madre de la reina María, Catalina de Aragón.

Se conoce que antes de la construcción de la iglesia actual gótica hubo otra anglosajona de la que no han quedado restos, la parte más antigua del edificio actual es la Torre Campanario (1280) con su aguja profusamente decorada que fue añadida entre 1315 y 1325.

La portada desde la calle principal esta decorada con una doble columna renacentista sobre un pórtico donde tiene una hornacina con la imagen de la Virgen y el niño, fue diseñado por Nicholas Stone en 1637 y en parte pagados por el capellán arzobispo Laud Dr. Morgan Owen.

La colocación de una estatua de la Virgen y el Niño por encima del pórtico fue uno de los cargos que se formulen contra Laud por sus opositores puritanos en su juicio en 1641.

En el interior la zona más antigua es la Adam de Brome Capilla, se apoya en el lado oeste de la torre, y fue añadida en 1328 por el entonces Rector, Adam de Brome, quien también creó en 1324 la casa de la Santísima Virgen María, un nuevo colegio que más tarde sería conocido como el Oriel College.

La capilla está amueblada como una sala de audiencias donde el Rector de la Universidad tenía una jurisdicción sorprendentemente amplia: fijaba alquileres, ventas, multas por tener carne en mal estado, e incluso envió una mujer a la cárcel.

El presbiterio fue reconstruido en 1453, se cree que los restos de Amy Robsart, esposa de Robert Dudley, el favorito de la reina Isabel, fueron enterrados aquí en 1560.

El altar esta presidido por el cuadro “El ángel se aparece a los pastores” obra de Francesco Bassano (1549-1592).

La reconstrucción de la nave en el estilo gótico perpendicular fue completada sobre 1510. Fue decorada con esculturas en piedra Painswick en su reacondicionamiento de 1827 y el mobiliario de altar de la nave se introdujo en la década de 1970.

Aparte de unos pocos fragmentos medievales de la ventana del este, el vitral dedicado a Santa María es del siglo XIX. Lo más notable es la ventana 1843 que representan la vida de Santo Tomás, situada en el extremo este de la nave sur.

El gran vitral situado al oeste es de 1891, fue diseñado por Charles Eamer Kempe, representa el árbol de Jessé con los ángeles, profetas, y patriarcas del Antiguo Testamento.

Seguimos nuestro camino por la calle Catte Street camino de otro de los edificios más importantes de Oxford, se trata de la Biblioteca Bodleiana. En estos momentos ya no se puede visitar porque el horario era hasta las 16,15 horas.

La parte más visible de la biblioteca es la Torre de los Cinco Órdenes (Tower of the Five Orders). La torre recibe este nombre porque está ornamentada, en sentido ascendente, con columnas de cada uno de los cinco órdenes de la arquitectura clásica: dórico, toscano, jónico, corintio y compuesto.

La Biblioteca Bodleiana oficialmente es conocida como Bodley's Library de Oxford, también es nombrada como “The Bod”, se inauguró en 1602 con una colección de 2000 libros reunidos por Thomas Bodley director del Merton College de Oxford para sustituir a la biblioteca que había sido donada a la Divinity School por Hunfredo de Gloucester hermano de Enrique V de Inglaterra), pero que se había dispersado durante el siglo XVI.

En 1610, Bodley llegó a un acuerdo con la Worshipful Company of Stationers and Newspaper Makers de Londres para depositar en la biblioteca una copia de cada libro que registrasen. La colección Bodleiana creció tan rápido que se necesitó una primera ampliación del edificio en 1610-1612, y otra en 1634-1637. Cuando John Selden murió en 1654, legó a la Bodleiana su gran colección de libros y manuscritos.

En 1911, el “Copyright Act” mantuvo el acuerdo con los Stationers haciendo que la Bodleiana fuera una de las seis (en aquel entonces) bibliotecas del Reino Unido depositarias de una copia de cada libro con derechos de autor.

En 1913 se abrieron dos plantas para almacenaje bajo la Cámara Radcliffe y la Plaza Radcliffe. En los años treinta del siglo XX se abrieron un nuevo y amplio almacén y sala de lectura, el edificio New Bodleian (Nueva Bodleiana). Un túnel bajo la calle Broad conecta la Vieja y la Nueva Bodleiana.

Justo enfrente se encuentra la sala gótica de la Divinity School, Oxford, es de pago y esta abierta hasta las 17,00 horas lo que nos permite previo pago de 1 libra echar un vistazo.

La Divinity School es un edificio medieval de estilo gótico ingles o perpendicular, forma parte de la Universidad de Oxford. Construido entre 1427 y 1483, es el edificio más antiguo que aún sobreviviente para uso universitario, específicamente fue dedicado para conferencias, exámenes orales y debates sobre la teología. Ya no se utiliza para este ultimo propósito, aunque Oxford tiene clases de teología que se imparten por su Facultad de Teología, que se encuentra en la Facultad de Teología Centro, 41 St Giles, Oxford.

El techo gótico de la sala principal es una composición en pañuelo decorado con numerosas claves en los techos, diseñado por William Orchard en la década de 1480.

El edificio está conectado físicamente a la Biblioteca Bodleian (con la biblioteca del duque Humfrey en la primera planta por encima de ella), y se encuentra frente al Teatro Sheldonian, donde los estudiantes se matriculan de posgrado. En el otro extremo de la entrada Bodleian Library, una puerta conduce a la Convocation House (construido 1634-7).

Caminamos unos metros hacia el norte en busca del famoso Puente Bridge of Sighs. El Puente de Hertford, popularmente conocido como el Puente de los Suspiros, fue diseñado para unir dos partes de Hertford College sobre New College Lane, en Oxford. Su distintivo diseño lo convierte en un símbolo de la ciudad.

El puente se refiere a menudo como el Puente de los Suspiros, debido a su supuesta similitud con el famoso Puente de los Suspiros en Venecia. Sin embargo, el Puente Hertford nunca fue pensado para ser una réplica del puente de Venecia, y de hecho tiene un parecido más cercano al puente de Rialto en la misma ciudad.

Hay una falsa leyenda que dice que hace muchos decenios, se hizo una encuesta sobre la salud de los estudiantes, y como los estudiantes de Hertford College eran los más gordos de la ciudad. El colegio cerró el puente para obligar a los estudiantes a tomar las escaleras, dándoles un ejercicio extra. Sin embargo, en la actualidad se utiliza para que los estudiantes no tengan que salir a la calle.

Regresamos al parking donde tenemos nuestra autocaravana para salir rápidamente hasta Canterbury, nos separan 213 Km. y tardamos poco más de dos horas en llegar.

Vamos directamente al área de autocaravanas de Canterbury pero cuando llegamos ya no podemos entrar porque el horario es hasta las 20,30 horas, aunque hay plazas libres.

Nos quedamos en un apartado en la misma puerta para que mañana a primera hora podamos acceder al área.

El área de autocaravanas en Canterbury se encuentra situado en el parking P+R+ Bus. La coordenadas GPS del lugar corresponden con N 51.26172 // E 1.10009 . El precio es de 3 libras incluye autobús ida y vuelta a Canterbury.

Ruta: Canterbury-Dover- km 234 tiempo 2h44' Calais-Paris Km 296; tiempo estimado 3h 08'

La noche en la puerta del área de autocaravanas de Canterbury es tranquila, tanto que no hemos escuchado como de noche ha llegado una autocaravana y han dormido detrás de nosotros. Lo primero que hacemos es entrar en el área y acomodarnos en uno de los espacios libres, luego echamos un vistazo de las normas de funcionamiento y nos informamos de la frecuencia de los autobuses que van cada 10 minutos al centro de la ciudad.

Cogemos uno de estos autobuses de dos pisos que en 10 minutos nos llevan al centro de Canterbury, nos deja en la parte más comercial de la ciudad. Tomamos la calle peatonal principal donde se encuentran todo tipo de comercios y nos dejamos llevar con el único rumbo de atravesar la ciudad de este a oeste.

Queremos llegar hasta la iglesia de St. Dustan's que se encuentra en el otro extremo, es el lugar donde se entierro la cabeza de Thomas Moro y además porque la iglesia se convirtió en lugar de peregrinación del rey Enrique II después de ordenar la muerte del arzobispo de Canterbury Thomas Becket. Hasta esta iglesia llegó el rey después de arrepentirse de la muerte, se cambio de ropa y se puso un cilicio y marcho en peregrinación a pie hasta la Catedral de Canterbury.

Las dos historias convierten a la iglesia en un lugar destacado en la historia de Inglaterra. La de Moro porque fue un gran teólogo que negó la Reforma protestante y en especial Martin Lutero.

En 1535 fue enjuiciado por orden del rey Enrique VIII, los cargos fueron de alta traición por no prestar el juramento antipapista frente al surgimiento de la Iglesia anglicana, además de oponerse al divorcio del rey con la reina Catalina de Aragón y no aceptar el Acta de Supremacía, que declaraba al rey como cabeza visible de esta nueva Iglesia.

El monarca insistió en obtener la nulidad de su matrimonio a fin de poder casarse nuevamente para conseguir su deseo de tener un hijo varón, que Catalina de Aragón no podía ya darle. La nulidad hubiese borrado la infidelidad y le hubiera permitido un matrimonio válido a los ojos de la Iglesia católica, legitimando los hijos que pudiera tener de su matrimonio con Ana Bolena y todo hubiese quedado en un asunto intrascendente.

Tomas Moro fue declarado culpable y recibió condena de muerte. Permaneció en prisión en la Torre de Londres hasta ser decapitado el 6 de julio de ese mismo año.

La cabeza de Thomas Moro estuvo insertada en un poste en la Torre de Londres para que todo el mundo que cruzaba el puente pudiera verlo, según la costumbre de la época.

Margarita era hija de Thomas Moro y logro hacerse con la cabeza de su padre para evitar el escarnio de verlo sobre un poste, estaba casada con William Roper, pertenecía a una familia rica de Canterbury y tenía un panteón en esta iglesia.

La hija guardo la cabeza de su padre en un cofre hasta su muerte en 1577, en el momento del entierro se introdujo la cabeza de su padre en su féretro y fue enterrado en el panteón familiar de la familia de su esposo.

En 1597 la familia de los Roper decide ampliar el panteón familiar y se extrae el cofre con la cabeza de Thomas Moro y se pone detrás de una reja de hierro, junto a la pared norte de ladrillo de la iglesia. Desde entonces es considerada como una reliquia, especialmente al ser canonizado como santo por la iglesia católica.

La Iglesia es sencilla y modesta en su arquitectura. La entrada se realiza por un porche en la pared norte construido en 1685 y reemplazaba al antiguo de origen normando. Una sola nave, con columnas en el centro que la dividen en dos. Tiene un tejado muy inclinado y ventanales normandos. La Torre es alta con un reloj y se encuentra circundada por el cementerio. En el ángulo derecho de la cabecera se construyó la Capilla de la familia Roper.

Al acercarse a la Capilla de los Roper llama la atención una lápida en el suelo y una placa en la pared. En la primera se lee: “Debajo de este suelo está el Panteón de la familia Roper, en el cual está enterrada la cabeza de Sir Tomás Moro, de ilustre memoria, algún tiempo Lord Canciller de Inglaterra, quien fue decapitado en la Torre el 6 de julio de 1535”.

La placa incrustada en la pared contiene una oración de Tomás Moro en los siguientes términos: “Glorioso Dios, dame la gracia de encomendar mi vida y dame, buen Señor, una mente humilde, amable, tranquila, pacífica, paciente, caritativa, cariñosa, tierna y piadosa, y con todas mis obras, palabras y pensamientos, tener una prueba de tu espíritu feliz y bendito. Dame, buen Señor, una fe plena, una esperanza firme y una caridad ferviente y ayúdame a amarte por encima de mí mismo. Estas cosas, buen Señor, que te pido, dame la gracia de trabajar por ellas, Amén”.

Aunque las vidrieras de la Capilla son modernas, pero relatan la historia de los personajes relativos a la iglesia. La que está a la derecha según se mira la Capilla muestra a Tomás Moro en el centro, con San Dunstan a su derecha y el Arzobispo Lanfranc, fundador de la Iglesia , a su izquierda. Fue compuesta en el año 1909 y por donación anónima. La otra vidriera, también moderna de 1972, representa muy diversos personajes relacionados con Tomás Moro, entre los que puede distinguirse, sentada a su izquierda a su hija Maggi y detrás a su marido William.

La torre se encuentra en la pared sur, fue levantada en el siglo XV contiene en la parte alta seis campanas que datan de 1325 y pertenecían a la antigua torre.

En la parte baja de la torre se encuentra el baptisterio y es la parte más antigua de la iglesia, siglo XIII, tiene una ventana, también, con el vitral más antiguo de la iglesia de 1810 y la pila bautismal del siglo XV.

Regresamos por la misma calle hacia el centro de Canterbury y nos llama la atención la Torre normanda de la Iglesia del Apóstol San Pedro.

La torre de la iglesia fue construida en 1100 en piedra de un solo cuerpo y almenada, en su interior se encuentran cuatro campanas, fue construida con restos romanos y podemos ver numerosos mosaicos y pilares sajones.

El rey Enrique VI dio el privilegio a la ciudad para que pudiera elegir su propio alcalde y la iglesia de San Pedro era el lugar donde se celebraba la elección del regidor de la ciudad, por lo que la iglesia fue elegida para ser el lugar de enterramiento de los primeros alcaldes.

La portada está orientada hacia el este con un arco normando, el interior es de una planta con tres pequeñas naves rectangulares, las columnas cuadradas sujetan la cubierta reemplazada en el siglo XVII. En el centro de la nave se encuentra el altar, está decorada con un ventanal.

Nada más entrar podemos ver la fuente bautismal de estilo normando, está hecha de mármol Bethersden. La nave es del siglo XII, y la mayoría de las vidrieras del siglo XIV. La nave sur es del siglo XIV, y hay un monumento de bronce que conmemora John Lovelle.

Aprovechamos que estamos en el centro para comer su famoso Fisch and Chips y lo hacemos en un restaurante que nos habían recomendado. La verdad es que no daba crédito a su fama, aunque comimos por lo menos sentados, el precio de 61,5 libras, al cambio más de 90€.

En la misma línea de autobús regresamos hasta el área de autocaravanas, allí hacemos nuestras tareas de mantenimiento, llenando y vaciando el agua.

Salimos de Canterbury con destino a Dover donde llegamos poco antes de las 16,00 horas, al hacer el chequing le indico a la naviera si podemos salir en el siguiente barco, tenemos la salida a las 17,45 y me anticipa la salida a las 17,00 horas. Las coordenadas GPS del puerto de Dover corresponden con N51.12740 // E 1.33568 .

El embarque es puntual y la travesía es rápida y en poco más de una hora estamos en Calais. Lo primero que hacemos es ir a echar gasóleo porque venimos secos por los precios del Reino Unido. Marchamos hacia la gasolinera del centro comercial Carrefour. Las coordenadas GPS del lugar corresponde con N 50.95294 // E 1.88901 . El precio es infinitamente mejor que en el Reino Unido 1.089€ l. ¡Ha merecido la espera!.

Son las 19,00 horas cuando dejamos Calais para coger la autopista de peaje, intentaremos llegar hasta París para dormir, nos separan 296 Km y la hora prevista de llegada es pasadas las 22,00 horas.

Llegamos a París poco antes de las 23.00 horas, antes hemos pagado el peaje único desde Calais-París y quizás es de los más baratos de Francia 30,10 euros.

Lo primero es dirigirnos a nuestro parking para autocaravanas en París que habíamos empleado con anterioridad para visitar el Gran Arco de la Défense , era gratuito (solo en agosto) a escasos 500 metros en la población, cerca Puteraux, las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 48.88919 // E 2.23031 . Cuando llegamos no encontramos ni restos de lo que fue aquel parking, damos unas vueltas por los alrededores para encontrar algo alternativo y vemos que todos tienen gálibos de altura para impedir la entrada a las autocaravanas.

Recurrimos al parking céntrico Wurtz, cuando llegamos son pasadas las 24,00 horas, desde fuera nos parece que está completamente lleno, pulsamos la entrada y nos abre la barrera. Nos encontramos una imagen desoladora, está completamente lleno y no hay ninguna plaza aparentemente disponible, solamente encontramos una plaza que tiene pintado en el suelo una línea verde, allí nos quedamos con la esperanza de no estar usurpando la plaza a nadie. Durante la noche vemos como llegan al parking numerosas ambulancias que llevan personas a un hospital que tiene entrada por el mismo parking.

A las 04,00 horas sentimos como nos llaman a la puerta, se trata de una grúa que lleva el mantenimiento de las bicicletas de París que tiene reservada la plaza, muy amablemente me explica que no podemos pasar la noche y me ayuda a ponerla en la plaza que esta al final del parking.

A las 8,00 siento la llamada del vigilante del parking como me indica que allí no podemos permanecer y que no hay ninguna plaza mejor disponible, me indica que me suba a la acera entre unos hierros retorcidos con la posibilidad de que pueda dañar los bajos de la autocaravana. Decidimos marcharnos del parking, antes pasamos por caja y pagamos las horas de estancia, nos indican que son 15€ en tarifa camping-car.

Lamentablemente el parking Wurtz de París, ni por asumo, es lo que era en sus comienzos, ahora está totalmente masificado, ruidoso y difícil de conciliar el sueño, en mi opinión se ha convertido en una mala alternativa para la estancia en París.

Marchamos hacia la zona de castillo de Vincennes para ver si encontramos algún sitio que nos permita pasar mediodía en París. El paisaje es desolador al ver como el amplio parking frente al castillo está totalmente vallado, encontramos una autocaravana aparcada en la avenue Damesnil que nos informa que lleva aparcado tres días y sin ningún problema, aprovechamos que se marchan y cogemos su hueco para quedarnos. Las coordenadas GPS del lugar corresponde con: N 48.84050 // E 2.43370 .
La verdad es que tenemos poco tiempo pero queremos darnos una vuelta por París, ciudad que encontramos muy desolada, imagino que después de los atentados las cifras de turistas han bajado mucho pero comparada con Londres no es ni su sombra.

Cogemos el metro en dirección a la Torre de Montparnasse donde en sus inmedicaciones se encuentra el famoso cementerio del mismo nombre. Fue abierto a principios del siglo XIX ocupa hoy 19 hectáreas y alberga unas 35.000 tumbas de gente muy famosa. En el mundo de las letras, por ejemplo, encontramos infinidad de nombres ilustres, tales como Samuel Beckett , Julio Cortázar , Marguerite Duras , Eugène Ionesco , Guy de Maupassant , Charles Baudelaire , Tristan Tzara , Emili Cioran , César Vallejo o Carlos Fuentes .

La pareja más ilustre es la formada por Jean-Paul Sartre y Simone de Beauvoir , enterrados juntos. También son populares las tumbas de Porfirio Díaz (famoso presidente de México), Camille Saint-Saëns (compositor), Philippe Noiret , Jean Poiret y Bruno Cremer (actores).

Nada más entrar cogemos un plano plastificado que hay a la entrada para que nos sirva de guía en la visita a las tumbas más famosas, cogemos como primera referencia la de Julio Cortaza pero no sabemos si el plano está mal detallado o bien teníamos una empanada mental que nos es imposible encontrar su tumba. Decidimos visitar el cementerio aleatoriamente y las tumbas que más destacan interpretarlas en el plano.

Sin quererlo se nos va la mañana en dar una vuelta por un cementerio, muchos pensaran que tener solamente unas horas para visitar París y elegir un cementerio no es muy normal, la verdad que no lo es pero así salió la cosa.

Cuando terminamos la visita al cementerio estamos muertos de hambre, elegimos un pequeño restaurante cercano que conocíamos de otras veces para degustar una de las innumerables variedades de baguettes que hacen, el precio de la comida y la bebidas son 23,50. ¡Mucho mejor que cualquier hamburguesería!.

Cogemos el metro y regresamos hasta Vincennes donde tenemos aparcada nuestra autocaravana, nos damos cuenta que sigue siendo un sitio muy vigilado al estar situado delante de la prefectura de policía.

Antes de salir de París queremos llenar el depósito de combustible para no tener que hacerlo en cualquier estación de la autopista de peaje. Elegimos el centro comercial de Carrefour de Montreuil, donde habíamos repostado unos años antes con nuestra anterior autocaravana, para entrar no hay ningún problema repostamos a un precio de 1,116€ litro pero al salir nuestra autocaravana no entra por ninguna de las salidas. Tenemos que maniobrar marcha atrás hasta conseguir poder salir del Centro Comercial, en la maniobra perdemos más de media hora. Indico las coordenadas del lugar para que sea evitado por autocaravanas grandes de 7,50 m. N 48.85549 // E 2.41730 .

La salida de París siempre es algo complicada por el tráfico, aunque es lento pero no hacemos ninguna retención, enseguida enfilamos la autopista de peaje. Nos quedan 584 km de viaje hasta Burdeos.

En mitad del camino paramos a cenar en St. Léger en una gasolinera B.P. que tiene posibilidad de vaciar y llenar nuestros depósitos de agua gratuitamente. Las coordenadas del lugar corresponden con N 45.61063 // W 0.60289 .

Unos kilómetros más y llegamos a Burdeos son cerca de las 23,00 horas, el precio de los dos peajes es 85,60€ desde que hemos salido de París. Marchamos hasta la zona de Le Lac (Burdeos) donde se encuentra el centro comercial de Auchan, lugar donde pernoctaremos. Las coordenadas GPS del centro comercial corresponden con: N 44.87844 // W 0.56459 .

Por la mañana lo primero que hacemos ir al centro comercial Auchan para agradecer la estancia con nuestra compra de productos franceses que no encontraremos en España, el precio de la cesta de la compra son 69,68€.

Después marchamos hasta la estación gasolinera Auchan del centro comercial, está situada en las coordenadas GPS N 44.88279// E 0.56351 . El precio del gasóleo es de 1.079€litro.

Continuamos nuestro viaje hacia España por los numerosas paradas que hay que hacer en los continuos peajes, el resto del día lo empleamos en el viaje de regreso.

Cuando llegamos a Madrid son las 22,00 horas el indicador parcial de vehículo marca que hemos hecho la friolera de 6764 km, que el consumo medio ha sido de 10,9 litros a los 100 km. que el tiempo conduciendo ha sido de 112h y 47'. Todo esto para lo único que sirve es para engordar las estadísticas, pero todo lo damos por bien empleados.

Una de las apuestas más importantes en el viaje al Reino Unido era poder hacerlo sin visitar un camping. Todos o casi todos los relatos que hemos consultado previamente tenían como salvedad que era imprescindible el ir de camping en camping para poder dormir de acuerdo a la legalidad.

Pues nos hemos encontrado que no es fácil viajar al Reino Unido en autocaravana sin visitar un camping pero con un poco de imaginación, ayuda y suerte, siempre hemos encontrado un lugar para aparcar y pernoctar sin tener que vernos en la necesidad de infringir ninguna norma y ser por ello multados.

Al evitar los campings teníamos una preocupación era como gestionar bien nuestros residuos. El vaciado del casete de las aguas negras no hay problemas porque hay muchos baños públicos en las ciudades y en las áreas de descanso de las carreteras y haciéndolo con la suficiente discreción y limpieza se puede hacer sin que nadie te diga nada. Llenar el agua no es nada complicado porque en ninguna gasolinera te ponen problemas, incluso en una me dijeron que era gratis y que no hacía falta que repostase, bien es verdad que en alguna no sale con mucha presión y hay que esperar algunos minutos, en ese caso te toca la flema inglesa o bien llamada en España “paciencia”.

En lo referente al vaciado de grises tampoco encontré muchos problemas, en muchas gasolineras tienes estaciones de lavado a presión y pidiendo permiso en todas te dicen que si para vaciar y lavar. Echas un par de libras y lavas la autocaravana.

La pregunta que nos hacemos todos los autocaravanistas sobre si es posible ir al Reino Unido sin pisar un camping hay una respuesta SI, además me he podido dar cuenta que muchas ciudades están tomando en serio que hay un tipo de turismo en autocaravana que no entran en los campings: Liverpool, Oxford, Salisbury, Edimburgo, Oban, etc. etc. y en todos los casos dejan una excepción para que pueda ser utilizado por esos autocavaranistas europeos que viajan por el país y dejan sus divisas en la ciudad.

El ejemplo más notable es Canterbury creando la primera área de autocaravanas del país donde diariamente esta con el cartel de completo, además, como esta completo ha puesto a disposición de los autocaravanistas un parking en el centro de la ciudad destinado solo al uso de las autocaravanas a un precio de 15 libras las 12 horas (suficiente para ver la ciudad) que también siempre está completo.

En muchas de las ciudades hemos visto y dormido en P+R que ya no ponen lo de NO OVERNIGHT y como resultado los autocaravanistas europeos estamos empezando a tomar posiciones, en algunos de esos parkings hemos dormido una docena de AC, es verdad que en ningún caso había una sola autocaravana del Reino Unido. Con esto quiero decir que no se tardará mucho tiempo en que viajar al Reino Unido será como viajar por Francia.

En la ciudad Oban encontramos que el supermercado Tesco había destinado en el parking para autocaravanas para 5 unidades, gratuita, y con Wi-Fi gratis, a 5 minutos del centro de la ciudad.

En definitiva, si hacemos las cosas bien y decimos hacer valer nuestra forma de viajar dentro de pocos años será una anécdota que el Reino Unido tenga campings ó no.

Para finalizar sobre este tema diré que durante mi viaje por el Reino Unido no he sentido muchos más agobios que cuando he viajado por España, Marruecos, Polonia, Austria o Suiza, por poner alguno ejemplos de países donde las autocaravanas no tienen todo el desarrollo que necesitamos.

En otro apartado de cosas hemos visto que conducir por la izquierda no ofrece más complicación que habituarse a ello y a los pocos minutos de llegar te das cuenta que no es nada complicado.

Lo que si hemos visto es que el tráfico en las autopistas inglesas es terrorífico pese a su anchura viajar de una ciudad a otra implica invertir una importante cantidad de tiempo. Fuera de estas autopistas las carreteras no existen, no hay arcenes, son estrechísimas y la conducción se hace extremadamente dificultosa.

Otra mención aparte son las carreteras en Escocia donde las autopistas no existen, las carreteras nacionales son complicadas, en mi opinión, las señalizaciones son escasas y muchas veces insuficientes, fuera de estas carreteras, que ellos llaman principales, pues estamos en el tercer mundo, no sabemos si es por ecología o por una diferenciación de la identidad escocesa pero hay que extremar la medidas de seguridad para viajar por las carreteras de Escocia.

Con respecto a la conducción hemos visto el mayor número de accidentes de unas vacaciones, además de una importante gravedad, no sabemos si son atribuibles al gran número de extranjeros que viajan por las carreteras de Escocia o bien a los malos trazados de sus carreteras, o quizás a ambas cuestiones.

En el tema económico he de mencionar que el Reino Unido utiliza la libra esterlina como si fueran euros, aunque el cambio es de l libra por 1,5 euros. El gasoil vale lo mismo en libras que en euros, los artículos de primera necesidad, las entradas a los monumentos, lo que hace que el Reino Unido sea especialmente caro para el bolsillo de un europeo medio.

También nos ha llamado la atención el que todo está normalizado y escrito, las prohibiciones son muy expresas con el precio de la multa, dejar las cacas de un perro en la calle son 500 libras, las infracciones de tráfico están bien representadas con sus multas que también son importes, por poner unos ejemplos, lo que hace que los ingleses en su país se comporten de una forma ejemplar.

A. López

Propiedad: